Como obter seu primeiro trabalho de cinema - cineasta Pro

1. Introdução ao cinema: [MÚSICA] Bem-vindo ao Filmmaking Pro. Eu sou Mauricio Celis, e nesta aula, quero ensinar a você como conseguir seu primeiro trabalho de produção cinematográfica rapidamente para que você possa sair do seu trabalho das 9:00-5:00 que você odeia e entrar na indústria de vídeos. Se você é iniciante ou intermediário, acho que você definitivamente terá muito valor dessa classe. Estarei discutindo o que é orientado, como usar seu equipamento, como gravar áudio, como iluminar sua cena, como fazer sua imagem parecer cinematográfica, contar histórias, editar, construir um e estendendo a mão para os clientes. Para minha introdução, já que vocês estão assistindo a este vídeo, o que eu agradeço , vou dar algumas dicas de graça. Sim, grátis. Vamos começar. Quando você começar agora, antes mesmo de começar a comprar equipamentos, pense em que tipo de vídeos você vai adorar gravar. Isso pode economizar muito dinheiro e tempo. Por exemplo, se você quiser fotografar imóveis, você precisa de uma lente grande angular e um corpo de câmera que se saia bem com pouca luz. Se quisermos fazer esportes, você precisa de uma lente teleobjetiva para capturar a ação e preencher seu quadro. Se você quiser gravar filmes e seu objetivo é um de seus filmes apareça na Netflix, você precisa de uma câmera de cinema para obter a mais alta qualidade. Primeiro decida qual gênero de filme você quer filmar antes de comprar o equipamento. Mas então, você provavelmente está pensando, como devo escolher se nunca atirei em nada antes? Bem, então eu recomendo comprar um kit de câmera barato como o Canon SO2 com a lente 18-55 milímetros. Você pode experimentar todos esses gêneros de vídeos, você pode tomar uma decisão porque agora você tem experiência e pode escolher qual deles é o seu favorito. Em seguida, é cinematográfico. Como posso tornar minha imagem mais cinematográfica? Bem, é feito principalmente por iluminação e composição. Iluminação para dar a aparência e a emoção do seu filme. Como se você quiser fazer seu filme parecer mal-humorado e dramático, então um azul escuro pode ser o melhor para você. Se você quiser fazer seu filme parecer feliz e sonhador, então ter mais luz será o melhor. Existem muitos tipos de estilos de iluminação, portanto, não há respostas certas ou erradas para isso. Qual é a melhor parte dessa carreira? Vocês são os artistas. Você está contando sua história do seu jeito. Se você quiser fazer isso assim, ninguém pode dizer que está errado porque é assim que você quer se expressar. É assim que você quer contar sua história. Claro, talvez haja maneiras melhores, mas você decide como quer fazer isso. Além da iluminação, a composição é um grande negócio na cinematografia. Como você coloca seu assunto e como você compõe sua imagem é importante para tornar seu filme mais cinematográfico. Essas são apenas partes das coisas que você aprenderá nesta classe, mas há muito mais como as configurações em sua câmera, movimento, drone, áudio, design de som, música, transição, cor grãos e muito mais. Além disso, vou ensinar-lhe o que os clientes em empregos procuram ao contratar um cinegrafista. Já me disseram várias vezes por outras pessoas que elas ficam impressionadas com o meu trabalho com apenas alguns anos de experiência. Eles me disseram que meu trabalho está lá em cima com outros cineastas que têm 10 anos de experiência. Isso é loucura. Isso mostra que você pratica e faz isso todos os dias, você pode conseguir seu primeiro emprego em questão de apenas alguns meses. Se você estiver interessado em ganhar dinheiro gravando vídeos, certifique-se de comprar a assinatura completa e verei vocês então. [MÚSICA] 2. Engrenagem /// Qual câmera a hora para obter: [RUÍDO] O que se passa caras? Neste vídeo, vamos discutir câmeras. Então, qual câmera você deve obter? Bem, isso depende da marca, seu orçamento e das especificações. Se você não tiver dinheiro para gastar, você pode usar seu smartphone. Os telefones hoje em dia estão se tornando cada vez melhores ao longo dos anos. Se você tivesse entre US $400-$800 para gastar, eu recomendo obter a Canon SL2, a Sony a6400 ou a Panasonic Lumix G7. Se você tiver cerca de US $2.000, recomendo a Canon EOS R, a Sony A7c ou a Panasonic GH5S. Se você tiver US$5.000 para gastar, recomendo obter a Canon R5, o Sony A7S III ou o Blackmagic 6K. Ao comprar sua primeira câmera, verifique a data de lançamento especialmente se você estiver comprando um usado. Você não quer comprar uma câmera que saiu há vários anos. Certifique-se de fazer alguma pesquisa e encontrar uma versão atualizada mais recente que foi lançada recentemente. Eu tenho um vídeo mais tarde nesta aula discutindo resolução. Mas, normalmente, o que isso significa é quantos pixels individuais estão na tela. Você precisa de uma câmera que possa pelo menos fotografar 1080P porque essa é a resolução padrão. A maioria das câmeras hoje em dia agora pode fotografar 4K, o que é uma coisa boa e ruim. O bom é que você terá uma qualidade muito melhor, mas o ruim é que quando você estiver editando, ele diminuirá seu computador demorando mais tempo para você terminar a edição e também tem maior tamanhos de arquivo, que você precisa de mais espaço de armazenamento, o que será mais caro. Em seguida, na lista, é a taxa de quadros. Se você estiver comprando uma câmera usada mais antiga, certifique-se de que sua câmera possa fotografar pelo menos 1080P a 60 quadros por segundo. Isso significa que você pode fotografar em HD e em câmera lenta. Você definitivamente precisa dessa opção para fotografar imóveis, casamentos e esportes de ação. Todas as câmeras mais novas agora podem gravar até 60 quadros por segundo, então você não precisa se preocupar. Algumas das câmeras mais caras podem gravar 4K a 60 quadros por segundo, como meu Sony A7S III, e câmeras ainda mais caras podem gravar taxas de quadros mais altas, como até 1.000 quadros por segundo. Isso é super lento. Em seguida, na lista, é o tamanho do sensor. Existem quatro tamanhos de sensores principais que você deve conhecer, quadro completo, APS-C, micro quatro terços e menores que a metade. Assim, quanto maior o sensor, melhor sua câmera estará pouca luz porque fornece ISOs mais altos. Você também obtém mais profundidade de campo ou desfoque de fundo e sua imagem ficará menos compactada, o que significa que será uma qualidade muito melhor. Por exemplo, 4K em um quadro completo será melhor do que 4K em um smartphone. Sim, a resolução é a mesma, mas o 4K no quadro completo ficará muito melhor. Além disso, dependendo da câmera que você obtém, você precisa ter certeza de obter a lente certa para o seu corpo. Por exemplo, se você receber um Canon SO3, terá que obter uma lente que se encaixa nessa câmera, que é o APS-C. Se você tiver uma lente de quadro completo e colocá-la em uma câmera com sensor de corte, ela a cortará e, em seguida, também vice-versa. Em seguida, na lista, é a cor. Qual câmera fornece a melhor cor diretamente da câmera. Canon definitivamente tem a melhor cor do mercado. Mas recentemente a Sony tem aumentado, como o Sony A7 III, sua cor provavelmente é tão boa quanto as cores Canon. Se você não quiser gastar muito tempo corrigindo cores, recomendo comprar a Canon ou a Sony. O próximo da lista é o foco automático. Como sou uma equipe de um homem e filmo meus tutoriais sozinho, preciso de uma câmera com ótimo foco automático. Canon e Sony são as melhores até agora. Ambos têm ótimos recursos, como rastreamento facial, rastreamento ocular e muito mais. Câmeras mais caras não têm foco automático porque são construídas para ter outra pessoa dedicada a puxar o foco. A última coisa na lista é a função. A câmera tem uma tela flip out para que você possa filmar você mesmo? Também tira ótimas fotos? Isso se sente bem em suas mãos? É muito grande, pequeno demais, muito pesado? Ele se encaixa no seu estabilizador? Os menus são fáceis de aprender. Todas essas perguntas que você precisa fazer antes de comprar sua primeira câmera. Comprar uma câmera cara não vale nada se você não souber como usá-la. Portanto, certifique-se de aprender e dominar as configurações e técnicas que vou mostrar nesta aula. Uma câmera é apenas uma ferramenta para ajudar você a contar sua história ou vender um produto. Não se concentre muito em equipamentos. Compre o equipamento que você precisa e comece a aprender o básico. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [RUÍDO] 3. Engrenagem //quais lente de obter: O que se passa, pessoal? No vídeo de hoje, vou te ensinar sobre lentes de câmera. Estarei discutindo o ajuste do sensor, zoom versus o primo, a distância focal e a marca. Este é definitivamente um dos equipamentos mais importantes, está lá em cima com um ótimo corpo de câmera. Se você pensar sobre isso. Você gasta milhares de dólares comprando um ótimo corpo de câmera, mas depois coloca uma lente barata nele. É como comprar um Lambo sem motor, depois comprar um motor Toyota e você colocá-lo no Lambo, por quê? Você gastou milhares de dólares do seu corpo e acaba comprando um motor ruim, isso nem é um Lambo na minha opinião. De qualquer forma, você entende o ponto. Certifique-se de investir em vidro de alta qualidade. A primeira coisa na lista é o tamanho do sensor. Você tem que ter certeza de obter a lente certa para o corpo da câmera. Já falei sobre isso no vídeo anterior, mas normalmente ao comprar uma lente, certifique-se de que ela se encaixa na sua câmera. Quando você compra uma lente, na descrição ela diz que esta lente é para quadro completo ou um sensor de corte. Embora você não consiga obter uma lente de sensor de corte e colocá-la em um corpo de quadro inteiro, mas isso causará vinheta na sua imagem. Então, pelo contrário, se você obter uma lente de quadro completo e colocá-la no sensor de corte do seu corpo, ela irá cortá-la, como por exemplo, minha Canon 80D é uma câmera de sensor de corte, e esta lente SIGMA é uma lente de sensor de corte. Quando eu amplio para 50 milímetros, na verdade é de 50 milímetros. Mas se eu conseguir minha lente principal Canon 50 milímetros que é construída para quatro quadros. Tem uma safra de 1,6, tornando-se 80 milímetros. Não é o fim do mundo porque você pode fazer as contas e encontrar a distância focal que deseja. Em seguida, na lista, há zoom versus lentes primárias. Quais você deve obter? Uma das diferenças entre os dois é que a lente de zoom, vem com várias distâncias focais. Como por exemplo, uma lente de zoom 24-70 será considerada uma lente de zoom porque essa lente cobre distâncias focais entre 24-70, você possa ir de largura para zoom, muito rápido. Isso é ótimo para cineastas que gravam casamentos, eventos ao vivo, documentários e vídeos de viagens. Outro profissional é que você pode economizar muito dinheiro por não ter que comprar várias lentes. Como se você comprar lentes de zoom, tudo o que você precisa é de 16-35, 24-70 e 70-200. Isso cobre de até 16 milímetros até 200 milímetros e você só precisa de três lentes. Mas alguns dos custos são que há um limite de quão baixa sua abertura pode ir. Eu tenho um vídeo separado mais tarde nesta aula falando sobre abertura, então não vou entrar em detalhes completos. Mas normalmente o que a abertura faz, quanto menor o f-stop, mais profundidade de campo e a luz você obterá, porque o menor será um 2,8. A menos que você tenha a lente RF da Canon, a 28-70 F2.0, mas é super cara. Em seguida, são as lentes principais. O maior profissional em lentes prime é o f-stop. Essas lentes podem ser tão baixas quanto F1.2. Imagine quanta profundidade de campo e luz você obterá dessa lente principal. O golpe desta lente é que você só obtém uma distância focal. Você não pode ampliar e literalmente precisa se aproximar ou trocar de lentes para tirar sua foto. Se você está apenas começando agora, eu recomendo obter lentes de zoom e, mais tarde, no futuro, você poderá obter lentes principais. Esqueci de discutir a distância focal, é por isso que fiz um corte de cabelo e a configuração é diferente. Mas, de qualquer forma, o próximo da lista é a distância focal. Existem três categorias diferentes: ampla, padrão e telefoto. As lentes grandes angulares são boas para paisagens, imóveis ou se você quiser capturar mais de sua cena e moldura. A lente de 16 milímetros que mencionei anteriormente, esta é uma ótima lente porque você pode facilmente ir de 16 milímetros a 35 milímetros muito rapidamente e a lente padrão é a 24-70. Você pode ficar largo e você pode ampliar todo o caminho para 70 milímetros. Você pode usar essa lente para qualquer vídeo de jornalista. A última é uma lente teleobjetiva, que é 70-200. Essa lente é ótima para cenários em que você não pode se aproximar fisicamente, então você precisa ampliar como se estivesse fotografando esportes de ação, concertos ou vida selvagem e muito mais. A última coisa na lista é a marca. Qual marca você deve obter? Bem, você sempre deve obter a marca original da lente. Como se você tiver um corpo de câmera Sony, recomendo obter as lentes Sony, mas sei que elas são super caras, então essas são as marcas que eu recomendo. A SIGMA é provavelmente a melhor marca de terceiros e talvez ainda melhor. Não só eles são de vidro de alta qualidade, mas são super sólidos e também o preço. Essas lentes SIGMA são literalmente metade do preço da marca original. Algumas outras empresas que recomendo são Tamron, ZEISS e Rokinon. Outras marcas que eu não recomendo, tente aderir a essas empresas que listei. Essas são todas as coisas que você precisa saber ao comprar uma lente. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. 4. Gear// o que microfone a obter: O que se passa, pessoal. Neste vídeo, vou falar sobre microfones. Vou mostrar os diferentes tipos de microfones, teste de áudio e preço. Há basicamente quatro tipos diferentes de microfones, um microfone de espingarda, um microfone boom, um microfone lav e um microfone de estúdio. Ter diferentes tipos de microfones funciona melhor em diferentes cenários. O primeiro microfone que recebi é o microfone da espingarda porque é super versátil. É ótimo para correr atiradores de armas. Mesmo com pouco dinheiro, recomendo comprar este microfone. O microfone que possuo é o Deity D4 que me custou US $90. Existem outras opções, como o Rode VideoMic pro-plus, que custa cerca de US $200. Você não só pode usar isso como microfone de espingarda, mas também pode usá-lo como um microfone de lança e um microfone de estúdio. Ele não faz o melhor em todas essas categorias, mas é uma ótima micro startup. O próximo microfone é um microfone de lança. Eu não tenho um microfone boom, mas esse microfone é usado em um suporte como este, e você precisa conectá-lo com o cabo XLR e a interface de áudio como esta. O que eu vi outros criadores usarem e recomendo é o Rode NTG5 custando US$500. A melhor interface de áudio que vi é o Zoom H6. O próximo microfone é um microfone lav. Este microfone é ótimo para cenários em que o talento vai se movimentar. Eu uso este microfone quando estou em campo filmando um tutorial. Portanto, não importa onde eu vá, o áudio ficará limpo. Este microfone que estou usando é o Tascam DR-10L custando US$200. O último microfone é um microfone de estúdio. Este microfone é usado mais para falar headshots como este para podcasts, dublagens, instrumentos de canto e gravação. O microfone que uso é o Rode NT USB custando US$170. É super fácil de configurar. Ele vem com um filtro pop e um cabo USB. Tudo o que você vai fazer é conectar seu microfone e, em seguida, trazer seu laptop ou computador. Conecte-o, abra o aplicativo de memorandos de voz. Se você estiver em um Mac, ajuste suas configurações e comece a gravar. Como você pode ver, cada um desses microfones tem um propósito diferente para diferentes cenários. Assim como ter lentes diferentes, todas elas têm pontos fortes e fracos. Isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [MÚSICA] 5. Engrenagem //quais tripé a receber: [RUÍDO] No vídeo de hoje, vamos falar sobre tripés, peças de modelo, controles deslizantes e gimbals. Estarei discutindo para o que eles foram criados, como usá-lo e quando usá-los. tripés são provavelmente o equipamento usado mais comum na produção cinematográfica. Todo cineasta possui um tripé porque ele é super útil. tripés são construídos para ter um tiro estático, como na entrevista, um tiro na cabeça falante, atirando em um assunto em movimento para que o espectador concentre apenas nisso, ou em um timelapse. Mas só porque você está em um tripé, não significa que você não pode adicionar movimento ou ser criativo. Aqui estão alguns movimentos que você pode fazer de um tripé. Mas primeiro, certifique-se de que seu tripé tenha uma cabeça fluida com uma alça, para que você possa fazer esses movimentos. primeiro é uma inclinação, cima ou para baixo. O segundo é uma panela, à esquerda ou à direita. O terceiro é aumentar o zoom usando sua lente. O quarto é usar quadros-chave e postagens, seja um zoom digital, um lado a lado ou para cima e para baixo. O quinto é uma atração de foco. Isso tecnicamente não é um movimento, mas você está usando o foco para adicionar movimento em sua foto. Você pode ser super criativo com apenas uma foto estática. Deixe-me mostrar alguns exemplos. Primeiro, clone a si mesmo. Segundo, o mascaramento. Terceiro, [RUÍDO] os desaparecem, e em diante, os saltos. [RUÍDO] Existem tantas outras formas criativas que você pode utilizar seu tripé. Em seguida, na lista, é como usá-lo. É muito fácil. Tudo o que você precisa fazer é colocar sua câmera no tripé, certificar-se de que ela está boa e apertada, estender as pernas, certificar-se de que está nivelada, ajustar sua cabeça fluida e pronto. Agora você pode começar a filmar. último da lista é, quando usá-los. Eu já falei sobre isso, mas normalmente você quer usar um tripé se não estiver planejando usar muitos movimentos, como uma entrevista ou uma cena em que faça sentido, dependendo do estilo do seu filme. [NOISE] A seguir na lista estão monopés. É como um tripé, mas em vez de ter três pernas, você só tem uma perna. Você provavelmente está se perguntando, por que eu deveria pegar um monopé quando já tenho um tripé? Bem, para começar, um monopé é muito mais leve e fácil de transportar. Além disso, ao fotografar o hyperlapse, um monopé é muito mais fácil de gravar, porque quando você está gravando o hiperlapso, você está tirando centenas de fotos e transformando-o em um vídeo, e quando você está no local, é muito mais fácil pegar um monopé. Outra coisa é que se você comprar um monopé com pés largos, ele pode ficar sozinho, para que você possa usá-lo como tripé. A última coisa que você pode usá-lo é como um cardan. Se você quiser adicionar um pouco mais de movimento à sua foto, você pode pegar seu monopé e obter essas fotos suaves. Claro, eles não serão tão suaves quanto um verdadeiro cardan, mas há alguns truques. Primeiro, verifique se cada câmera ou lente tem estabilização. Se isso acontecer, ligue-o. Segundo, faça a caminhada ninja. Em terceiro lugar, caminhe super devagar e, em frente, adicione estabilizador de dobra nas postagens. É isso, você tem um tiro suave sem usar um cardan. [NOISE] Em seguida, na lista estão os controles deslizantes. Definitivamente, há uma hora e um lugar para esse equipamento específico. Normalmente, os controles deslizantes têm movimentos muito mais suaves e lentos. Isso é ótimo para entrevistas, videoclipes e cenas em que você quer tão pouco movimento. Atualmente, não possuo um controle deslizante, mas existem dois tipos de controles deslizantes. Um controle deslizante manual, o que você tem fisicamente para movê-lo sozinho, e um controle deslizante motorizado, onde o controle deslizante praticamente faz todo o trabalho para você. Movimentos lentos não são meu tipo de estilo de tiro. Gosto de ter movimentos intensos nos meus tiros, e faço isso de mão ou um cardan. Pois, às vezes, quando estou filmando um comercial, um controle deslizante teria sido bom ter. A última coisa na lista é um cardan. Isso é usado para situações em que você deseja adicionar movimento e mantê-lo estável. Você pode usar um cardan para qualquer gênero, como imóveis, videoclipes, comerciais, documentários, eventos e casamentos. Qualquer tipo de vídeo, um cardan será útil. Atualmente sou dono do DJI Ronin-S, e adoro esse cardan. É super fácil de usar e configurar. Vou mostrar rapidamente como equilibrar um cardan. Primeiro, prenda todas as peças corretamente, depois remova a placa de liberação rápida, prenda sua câmera na placa, coloque a câmera com a placa de volta onde estava. Agora, vamos começar a equilibrar. Primeiro, comece com o eixo de inclinação, que está no lado direito do cardan. Seu objetivo é ter um equilíbrio até o ponto em que você pode mover seu eixo e ele permanecerá posto. Comece a brincar com ele até encontrar o ponto ideal. Em seguida, é um eixo de linha que está na parte de trás do cardan, assim como seu eixo de inclinação tem que ficar colocado sempre que você o move. A única diferença agora está lado a lado. O último é o seu eixo pan. Incline o cardan para o lado e comece a ajustar a parte inferior do cardan. Mais uma vez, tem que ficar parado. Então comece a ajustar o eixo até que ele não se mova. É isso. Você equilibrou eficientemente seu cardan e agora você pode começar a fotografar. Como você pode ver, cada um desses equipamentos é usado para diferentes situações. Você não pode simplesmente dizer que um é melhor que o outro. Eles são construídos de forma diferente. Você descobre o que você vai mais filmar, e depois vá de lá. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [RUÍDO] 6. Engrenagem //Quais luzes a serem obter: O que se passa, pessoal? No vídeo de hoje, vamos falar sobre iluminação. Vou falar sobre os diferentes tipos de luzes, preço, quantidade, qualidade e recursos. Primeiro é o tipo de luzes. Existem muitos tipos diferentes de luzes que produzem resultados diferentes. Como essa luz Godox que eu tenho. Estou usando isso como minha luz chave, e estou usando uma softbox para tornar a luz mais natural e lisonjeira. Você também pode usar essa luz como uma luz de aro. Você pode colocar este capuz para iluminar apenas um certo ponto, que é a parte de trás da minha cabeça porque eu não quero que essa luz se espalhe no meu fundo. A próxima luz é um painel de LED. Esta foi a minha primeira luz que recebi. É super versátil porque você pode usá-lo como uma luz chave. Não é a luz mais suave. Se você quiser torná-lo mais macio, você pode obter algo branco como guardanapos ou um pedaço de papel e apenas colar sobre a luz. Outra maneira de usar essa luz é uma luz de fundo. Esta luz vem com painéis aqui, para que você possa pegar [inaudível] e trazer alguma cor na sua foto. último é um tubo de luz. Eles são feitos para situações em que você está acendendo um produto e você não quer que um reflexo enorme exibido em seu produto, então ele usa luz para torná-lo natural. Você também pode usar isso como sua luz prática, o que significa que você pode usar essa luz em sua foto. Tenho certeza que você viu essa luz em videoclipes e comerciais. Em seguida, é o preço. Vou mostrar as melhores luzes de orçamento. Para sua luz chave, a melhor luz que recomendo é o Godox SL-60W. A luz mais recente ou o painel LED mais novo. Existem luzes mais caras, como o Aputure 120d, a luz Falcon ou o painel LED GVM. Em seguida, é a quantidade, o que significa o brilho da luz. Normalmente, quando você coloca sua softbox na frente da luz, não será tão brilhante porque todo o objetivo da sua softbox é espalhar a luz tornando-a mais suave. Quando você não tem softbox, a luz está em uma direção, tornando-a mais brilhante, mas mais dura. Quando você compra luzes baratas, às vezes você recebe um pouco de lata colorida, e você tem que acabar corrigindo a cor no post. Mas com as luzes mais caras, você obtém uma verdadeira cor branca ao seu visual. Em seguida, é a qualidade, o que significa luz dura versus suave. Normalmente, quando você está acendendo uma pessoa, você quer usar uma luz suave, mas nem sempre é esse o caso. Às vezes, a luz dura pode ser uma coisa boa. Grandes exemplos de luz dura seriam qualquer cena dramática quando eles estão usando luz ambiente, luz fundo para criar uma silhueta de assunto ou um holofote. Esses são apenas alguns dos exemplos, e há muitas outras maneiras de usar essa técnica de iluminação. A última coisa na lista são os recursos. Certifique-se de fazer sua pesquisa sobre a luz antes comprá-la, porque nem toda a luz pode fazer esses recursos. Vou te dizer. Faça essas perguntas a si mesmo. Você quer que a luz seja regulável, bicolor, RGB , com controle, você quer levar baterias ou deseja conectá-la a uma tomada. Nem todos vão querer os mesmos recursos. As coisas que eu quero na luz talvez você não precise. Por exemplo, quero que uma luz brilhante, regulável tenha a opção de usar luz suave ou dura e um controlador. Primeiro, à medida que resolvemos essas questões para que você possa encontrar a luz perfeita para você, certifique-se de encontrar a luz certa, porque é isso que faz seu filme parecer cinematográfico e profissional. Apenas alterando a luz, ele pode melhorar a produção de seus vídeos. Isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. 7. Gear// Você precisa de um drone?: [RUÍDO] Você precisa de um drone? caso afirmativo, que drone devo obter? Quais especificações eu preciso para obter a melhor qualidade? Preciso de uma licença para voar? Todas essas perguntas que vou responder. Primeiro, você precisa de um drone? Bem, isso depende. Se você vai filmar em imóveis e esse é o único tipo de vídeo que você quer fazer, então isso é um grande sim. Você definitivamente precisa de um drone. O agente irá solicitá-lo com certeza. Quanto a outros gêneros de vídeo como videoclipes, comerciais, longas-metragens, eventos, você pode se safar, mas na maioria das vezes o cliente vai solicitar um drone e apenas para estar seguro, se você quiser manter seu cliente feliz, então eu recomendo investir em um drone, então, caso você precise dele. A próxima coisa na lista é o tipo de drone. Que drone você deve obter? Bem, DJI definitivamente faz os melhores drones lá fora. Dependendo do seu orçamento e do que o drone oferece, aqui estão meus três principais drones que eu recomendo. Se você está no orçamento e tudo o que você quer é um drone apenas para ter um caso sempre que os clientes pedirem um e você realmente não se importa com a qualidade por enquanto, então eu recomendo que o DJI Mini 2, chegando a US $450. Se você tem um pouco mais de dinheiro para gastar e está disposto a investir mais da qualidade, recomendo o DJI Mavic Air 2 chegando a US $800. Se você tem um orçamento muito maior e quer obter a mais alta qualidade possível, recomendo o DJI Mavic 2, chegando a US $1.600. A próxima coisa na lista são as especificações. Bem, normalmente você quer um drone que possa fotografar 1080p a 30 quadros por segundo. Mas agora que a tecnologia está melhorando e os clientes estão esperando melhores especificações, recomendo obter um drone que possa fotografar 4K pelo menos 30 quadros por segundo e 25 minutos de tempo de voo, pelo menos 25 megapixels para rastreamento fotográfico e focado, o que significa que o drone tem predefinições integradas para segui-lo sem ter que controlá-lo sozinho. A última coisa na lista é uma licença. Se você estiver voando comercialmente, o que significa que está sendo pago, você precisa de uma licença FAA Parte 107. É um exame que você tem que fazer e você tem que pagar US $160 para fazer o exame. Eu pessoalmente não tenho licença porque raramente piloto meu drone, mas no futuro, quando começar a conseguir mais clientes, provavelmente receberei minha licença ou posso simplesmente contratar alguém licenciado, então eu não precisa fazer o exame e talvez eles tenham um drone melhor como o Inspire e eles já têm o Mavic Air 2 ou o Mavic 2, então eu não tenho que pagar o exame e comprar outro drone. É muito mais fácil, mas é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. 8. Tech///Resolução e taxa de quadro: [RUÍDO] Nesta seção da classe, vamos discutir o lado tecnológico do cinema. Neste vídeo específico, falaremos sobre resolução e quadros por segundo. resolução é o detalhe e a qualidade de uma imagem. Uma gravação de 720p será mais suave e terá uma aparência de menor qualidade do que uma gravação em 4K, por quê? Bem, como o 4K tem mais pixels, o 4K padrão tem 3.840 pixels horizontalmente e 2.160 pixels verticalmente. Enquanto um 720p tem 1.280 pixels horizontalmente e 720 pixels verticalmente. Ao obter a câmera, certifique-se de que ela possa fotografar pelo menos 1080p. 720p está desatualizado, 1080p é uma resolução padrão a partir de agora em 2021. Mas, sem dúvida, 4K acabará por ser a resolução padrão. Muitos programas de TV, programas, filmes, computadores, televisores agora estão usando 4K. Eu recomendo obter uma câmera que possa gravar 4K também. Mas você provavelmente está perguntando vale a pena 4k? Ou devo ficar com 1080p? Bem, os profissionais de escolher 4K são que você obtém uma imagem de melhor qualidade, você pode ampliar digitalmente as postagens sem perder qualidade e seu trabalho pode ficar atualizado com uma resolução padrão. Contras, o tamanho do arquivo será maior, diminuindo o seu computador ao editar e ocupar mais espaço no disco rígido, o que será mais caro. Mas acho que o 4K é um ótimo investimento, valerá a pena a longo prazo. Em seguida, vamos discutir quadros por segundo, é literalmente como soa, leva uma certa quantidade de quadros por segundo, transformando-o em um vídeo. Quando você está escolhendo uma taxa de quadros, seja 24, 60 ou 120 quadros por segundo, você está literalmente escolhendo as fotos da montanha para aparecer em sua imagem, fazendo uma imagem em movimento, ou o que chamamos de vídeo. Dependendo de onde você mora, isso dependerá do padrão de taxa de quadros. Os dois mais populares são NTSC e PAL. Mas como moro nos EUA, usarei o NTSC neste vídeo. Se você escolher NTSC, suas opções serão 24, 30, 60 e 120 quadros por segundo e se escolhermos PAL, suas opções serão 25, 50 e 100 quadros por segundo. Agora vamos falar sobre quando e por que escolher uma determinada taxa de quadros. 24 quadros por segundo é o que eu chamo de velocidade normal, porque não está mais lento e é o que normalmente vemos em tempo real. Agora estou filmando a 24 quadros por segundo porque não estou planejando desacelerá-lo e parece cinematográfico. Muitos filmes de Hollywood são filmados em 24 quadros por segundo para a quantidade de desfoque de movimento. 30 quadros por segundo dão uma transmissão algumas reviravoltas suavizando a emoção da sua imagem. Eu raramente filmo a 30 quadros por segundo, mas se eu filmar aos 30 anos, usarei essa opção se eles quiserem ir para o look do relatório de notícias de transmissão. Eu também escolhi essa taxa de quadros se eu quiser desacelerá-la em 80%, o que é um pouco mais lento que 24. 60 quadros por segundo são câmera lenta. Eu escolho essa taxa de quadros se eu estiver planejando diminuir a velocidade, o que é 40% mais lento. Normalmente escolho essa opção quando tiro imóveis, casamentos, enterro ou chars onde há muito movimento. 120 quadros por segundo é super câmera lenta, isso é 20% mais lento. Muitas câmeras não têm esse recurso, mas definitivamente uma opção única para ter em sua câmera. Eu vi muitas pessoas que disparam a 24 quadros por segundo, depois diminuindo a velocidade, nunca, nunca fazem isso. Será super agitado e pouco profissional, mas e se você não souber que vai atrasá-lo mais tarde nas postagens, então eu recomendo fotografar tudo como 60 quadros por segundo. Prefiro fotografar tudo a 60 quadros por segundo, não diminuir a velocidade das filmagens e ter esse visual de transmissões suaves, do que filmar tudo como 24 quadros por segundo, diminuir a velocidade e ter agitado filmagens. Tenha em mente que, dependendo da taxa de quadros, a velocidade do obturador será diferente em cada taxa de quadros. Falei sobre a velocidade do obturador mais tarde na classe, particularmente quando a velocidade do obturador acontece, isso afeta seu desfoque de movimento e a razão pela qual eu trouxe velocidade do obturador é porque ao escolher um específico taxa de quadros, a velocidade do obturador deve ser o dobro da taxa de quadros. Por exemplo, se você escolher 24 quadros por segundo, velocidade do obturador deve ser de um sobre 50º de um obturador para obter o desfoque de movimento mais natural. Ao escolher 60 quadros por segundo, você precisa escolher um sobre 25 de um obturador. Certifique-se de aprender essas técnicas e tenha o motivo pelo qual você está escolhendo uma configuração específica. Então, é praticamente isso. Se tivermos outras perguntas revisadas, me bata. [MÚSICA] 9. Tech///Como expor suas filmagens: [MÚSICA] Neste vídeo, falaremos sobre velocidade do obturador, abertura, ISO, perfil de imagem e balanço de branco. exposição da imagem é usada com três configurações, seu obturador, abertura e ISO. Velocidade do obturador. A velocidade do obturador afeta seu desfoque de movimento. Quanto menor o número, mais desfoque de movimento você terá. Quanto maior o número, menos desfoque de movimento você terá. Pense nisso assim, quando gravar vídeos é basicamente tirar quadros parados e transformá-los em um vídeo. Como no vídeo anterior, falamos sobre quadros por segundo. Cada quadro que sua câmera leva, a velocidade do obturador está tirando uma foto com um obturador específico. Quando você tira uma foto com baixa velocidade do obturador, há muito desfoque de movimento e quando você abre o obturador, sua foto fica nítida e ela congela sua ação. É exatamente a mesma coisa com o vídeo, mas agora você está tirando várias fotos e transformando-as em uma imagem em movimento. Mas tenha em mente quando você diminui a velocidade do obturador, ele recebe mais luz no sensor, tornando-o mais brilhante. Quando você abre seu obturador, ele deixa sua imagem mais escura. Há uma regra na produção cinematográfica sobre a velocidade do obturador. Normalmente, quando você fotografa a uma determinada taxa de quadros, você precisa dobrar essa taxa de quadros para a velocidade do obturador para ter o desfoque de movimento mais natural. Humanos naturalmente vêem borrão de movimento. Se você acenar sua mão para frente e para trás, você verá o desfoque de movimento. Por exemplo, se você fotografar 24 quadros por segundo, seu obturador deve estar em 1/50 e quando você fotografar a 60 quadros por segundo, seu obturador deve estar em 1/25 de segundo. Sim, você pode fotografar a uma taxa de quadros muito maior, mas não parecerá tão natural. Quando você está fotografando do lado de fora em um dia ensolarado e tem as configurações adequadas 24 quadros por segundo, a velocidade do obturador a 1/50 , sua abertura abre o F2.8 e seu ISO o mais baixo possível para evitar ruído, está superexposto, ou é muito brilhante. Há três coisas que você pode fazer nessa situação. Você pode aumentar a velocidade do obturador e ter essa aparência irrealista e irrealista. Abra sua abertura e tudo em foco, ou mantenha as configurações ISO como ela é e obtenha um filtro ND. Não vou entrar em detalhes completos, mas normalmente o que os filtros ND fazem, isso torna sua imagem mais escura, você possa manter as configurações que deseja ter esse visual natural cinematográfico. [RUÍDO] A seguir na lista é a abertura. abertura afeta a quantidade de profundidade de campo ou desfoque de fundo na imagem. Quanto menor o f-stop, mais desfoque você obterá, quanto maior o f-stop, menos desfoque você obterá. Além disso, tenha em mente ao fotografar com um f-stop baixo, sua imagem ficará mais brilhante porque sua abertura está bem aberta, deixando muita luz entrar no sensor. Quanto maior o f-stop, sua imagem ficará mais escura porque sua abertura está quase fechada, sem deixar muita luz passar pelo sensor. É por isso que as lentes com baixo f-stop são mais caras porque lhe dão uma maior profundidade de campo que todo mundo gosta, e deixa entrar muita luz, criando uma ótima lente para pouca luz. Você provavelmente ouvirá um termo como uma lente rápida porque quando seu f-stop é super baixo, você é forçado a aumentar a velocidade do obturador para cerca de 1/2.000 de segundo, que você possa expor adequadamente sua imagem. seguir na lista é ISO. ISO basicamente lhe dá luz extra. Para essa configuração, é o oposto completo. Quanto menor o ISO, mais escuro ele é, quanto maior o ISO, mais brilhante ele é. Quando você está nessa situação em que não há muita luz, e está muito escuro, é aqui que seu ISO é útil. Mas tenha cuidado para não abrir muito seu ISO porque isso causará ruído e grão em sua imagem. Existem algumas câmeras que vão se sair melhor com pouca luz. Por exemplo, uma câmera de quadro completo vai se sair melhor com pouca luz devido ao tamanho maior do sensor. Além disso, dependendo da marca que você obtém. Sony tende a ter mais câmeras que se saem melhor com pouca luz, especialmente o Sony A7s III. Como esta câmera tem apenas 12 megapixels, ela se sairá melhor com pouca luz. Esse foi o objetivo geral da Sony para essa câmera, já que é uma câmera de vídeo dedicada. Em seguida, na lista, é o perfil da imagem. perfil da imagem é o tipo de imagem. Por exemplo, no meu Sony A7s III, existem vários perfis de imagem, mas posso dizer os quatro principais perfis de imagem escolho e por quê. O primeiro é o SLOG 2. Eu escolho esse perfil quando estou fotografando com pouca luz. O segundo é o SLOG 3. Eu escolho esse perfil para obter o alcance mais dinâmico. O terceiro é o CINE 3. Eu escolho esse perfil para tirar as cores mais naturais da câmera. Por fim, o número 4 é HLG 3. Eu escolho esse perfil para obter o melhor alcance dinâmico, mas menos plano. Está entre um perfil padrão e um registro. [MÚSICA] A última coisa na lista é o balanço de branco. balanço de branco é a temperatura de cor da sua câmera. Ao ajustar seu balanço de branco, seu objetivo é fazer com que seus brancos pareçam brancos, não muito azuis ou não muito laranja, mas brancos. Como você faz isso? Você pode perguntar, bem, isso depende da iluminação. Primeiro, vamos falar sobre suas opções. Vai de tão baixo quanto 3.200 Kelvin e tão alto quanto 6.000 Kelvin. Trinta e duzentos Kelvin lhe dá um visual azul e 6.000 Kelvin lhe dá um visual laranja. Normalmente, quando você está dentro de casa, as luzes estão usando são 3.200 luz Kelvin, então você tem que combinar isso escolhendo a opção 3.200 Kelvin em sua câmera. Quando você estiver lá fora em um dia ensolarado, normalmente você usaria um 5.600 Kelvin. Quando for hora do crepúsculo, você provavelmente estaria escolhendo 6.000 Kelvin. Pense nisso como se estivesse adicionando um filtro. Você está adicionando um filtro azul ou um filtro laranja. Seu DSLR oferece predefinições embutidas, como sombra de luz do dia, tungstênio nublado e fluorescente branca. Outra opção que você pode escolher é o balanço de branco automático. Essa opção permite que a câmera escolha o que acha melhor de acordo com a luz. Esta é uma ótima ferramenta para usar se você está apenas começando agora, mas eventualmente, você vai querer aprender a usá-la manualmente. A menos que haja um show onde você está indo de dentro para fora e as cores estão mudando. Se o configurarmos como manual, sua foto interna será ajustada corretamente, mas quando você sair, ela ficará muito azul. Outra razão pela qual você pode usar auto é se você estiver fazendo vlogging porque você realmente não se importa a produção do vídeo, mas quer contar sua história e não quer gastar muito tempo ajustando suas configurações. Essas são as duas únicas razões pelas quais consigo pensar quando é apropriado usar o balanço de branco automático. Fora isso, recomendo que você aprenda a definir seu balanço de branco manualmente. Isso é praticamente isso. Essas são as principais configurações que você precisa aprender quando estiver filmando. Eu recomendo aprender essas configurações muito bem, porque se seu balanço de branco estiver desligado, seria realmente difícil corrigi-lo na postagem. Ou se sua exposição estiver desligada, você provavelmente receberá muito barulho em sua imagem. Certifique-se de acertar na câmera. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [MÚSICA] 10. Tech///Como moldar a iluminação: [RUÍDO] [MÚSICA] Neste vídeo, vou mostrar os diferentes tipos de técnicas de iluminação. Essas são as técnicas de iluminação que eu uso e já vi em filmes. [RUÍDO] O primeiro é a iluminação Rembrandt. Isso originalmente veio de um patrono chamado Rembrandt. Ele usa técnica de iluminação na maioria de suas pinturas. O que a iluminação faz? Ele cria profundidade no rosto do talento, criando sombra no lado oposto. Ele também cria essa forma de iluminação triangular na bochecha do talento. Muitos filmes de Hollywood usam esse tipo de técnica, dando-lhe um visual mais dramático. Além disso, dependendo da posição em que você coloca sua câmera. Se você colocá-lo no lado positivo, é chamado de luz ampla. Se você colocá-lo no lado escuro, é chamado de lado claro curto ou escuro. Essa é a técnica de iluminação que uso em todos os meus vídeos. Eu só gosto do jeito que parece, não é muito dramático e não é muito plano. A segunda técnica é a luz frontal. Esta é de longe a técnica de iluminação menos cinematográfica de todas, porque como a iluminação está bem à sua frente, não há sombras no rosto do talento, tornando-o uma imagem plana. Essa técnica é usada mais em comerciais de beleza, shows de comédia, porque seu objetivo não é fazer com que pareça cinematográfica, mais natural. A terceira técnica na lista é a iluminação dividida. Metade do rosto do talento está escuro e a outra metade está iluminada. Essa técnica é usada em filmes ou cenas dramáticas , fazendo com que o ator pareça mais duro e malvado. A técnica Forth na lista é a luz superior. O que essa iluminação faz, dá ao sujeito meias sombras nos olhos e eles chamam de olhos de guaxinim. Normalmente, isso é usado para cenas com luzes artificiais, como um holofote de lâmpada, ou até mesmo o sol lá fora, tornando-os mais motivados. Esse olhar pode dar um olhar dramático ao ator, e fazê-lo parecer o vilão do filme. Ou se você puder suavizar a luz, eles podem ter uma aparência mais natural como um dia nublado. Ele também pode iluminar um conjunto inteiro. A quinta técnica na lista é a luz inferior. Essa técnica é usada mais em filmes de terror, dando-lhes uma aparência mais maligna. Isso ilumina o visual mais pouco lisonjeiro do rosto do talento, como o queixo e debaixo do nariz. Mas se você está dando uma olhada mais difícil, então essa é a iluminação que você deve procurar. sexta técnica da lista é a luz de fundo. Isso dará ao talento ter silhueta olhar para ele. Isso é bom se você quiser introduzir um personagem, mas ainda não totalmente, e ter uma aparência mais misteriosa para ele. Ou se o talento está fazendo algum tipo como dançar, correr e coisas assim, essa iluminação é perfeita para isso. sétima técnica desta lista é a luz do aro. Eu uso essa luz para acender atrás de mim para que eu possa me separar do fundo. Essas iluminação podem ser usadas para introduzir um personagem, mas ainda não mostrar todo o rosto, dando uma aparência mais misteriosa com a iluminação anterior sobre a qual falamos. Como você pode ver esse tiro, a parte de trás da minha cabeça é a única coisa iluminada, e pode dar um olhar misterioso cinematográfico a ela. Por último, mas não menos importante, a oitava técnica desta lista é a luz colorida. Isso pode melhorar a aparência do assunto, dando mais contraste. Você pode adicionar contraste por iluminação, profundidade e cor. Você pode ser super criativo com a iluminação colorida, e é infinito o que você pode fazer com essa técnica. Vou mostrar exemplos na tela agora mesmo. Dependendo da história do filme e/ou cena, iluminação definitivamente pode ajudá-lo a dar a aparência apropriada para contar sua história. Todas essas técnicas de iluminação têm um propósito, e você deve ter uma boa razão para usá-la. Não escolha apenas uma determinada posição de iluminação só porque ela parece boa, tenha uma razão pela qual você está fazendo isso. Se você aprendeu algo com este vídeo, certifique-se de que gosta, inscreva-se. Estou fora [MÚSICA]. 11. Tech///Como fotografar ao ar livre: [MÚSICA] Luz dura versus suave. Qual é a diferença? Também vamos falar sobre luz natural. Mas primeiro é difícil versus luz suave. A luz dura está usando luz sem difusor ou softbox, fazendo com que seu objeto tenha sombras profundas e destaques brilhantes, enquanto uma luz suave é o oposto completo, dá ao seu assunto muito visual mais suave e lisonjeiro. Observe como as sombras estão se misturando gradualmente, não é um hardcore como a outra técnica de iluminação. Ao alcançar esse visual suave, tudo o que você vai fazer é colocar um difusor na frente da sua luz ou você pode obter um softbox e anexá-lo à sua luz. Alguns dos equipamentos que uso para criar luz dura são um painel LED Neewer, o Godox SL60W sem softbox e o Neewer Round Light. O equipamento que uso para criar luz suave também é o Godox SL60W, mas agora usando o softbox. Além disso, use a Luz Redonda Neewer, mas mantenho o brilho em 10% para evitar luz dura. Quando usar luz dura e suave. Bem, 95% do tempo você usará luz suave no rosto das pessoas. Ele lhe dá um visual mais natural e lisonjeiro, mas um ótimo momento para usar luz dura está em uma cena dramática. Se você usar luz dura diretamente acima de você, ela criará esse visual mal-humorado, dramático e tenso. Outra maneira de usar luz dura é recriar um visual de silhueta. Essa técnica é super simples. Tudo o que você precisa fazer é apontar a luz por trás do assunto ou apontá-lo para o fundo. Em seguida, é a luz natural, há três coisas que você deve estar ciente ao fotografar ao ar livre. Número 1, a hora do dia, Número 2, a direção e o Número 3, o clima. Hora do dia. Dependendo da hora do dia que você escolher, isso lhe dará uma aparência diferente. Para um exemplo para retratos fotografar ao meio-dia é provavelmente o pior momento porque não só o sol está diretamente acima de nós, mas também lhe dará uma luz dura. O rosto do talento não vai parecer lisonjeiro e você poderá ver todos os detalhes no rosto do talento. Vai custar sombras desnecessárias no rosto do talento, ou o que chamamos de olhos de guaxinim. Evite atirar ao meio-dia, mas e se você for forçado a atirar ao meio-dia? O que posso fazer para ter a melhor iluminação? Bem, existem três opções que você pode fazer. A primeira opção é encontrar uma área sombreada para ter iluminação uniforme. segunda opção é trazer um difusor e a terceira opção é usar um refletor. Isso preencherá as partes sombreadas de seus assuntos para que fique mais uniforme. Fotografar ao meio-dia não é tudo ruim, é ótimo para paisagens por causa da iluminação dura que cria contraste e a lei da saturação em sua imagem. Também é ótimo para explosões de sol, fotos de drone e hora dourada, o que me leva à melhor hora do dia para fotografar, que é hora dourada. Hora dourada acontece antes do pôr do sol e depois do nascer do sol Este é, de longe, o momento mais bonito para fotografar porque cria essa luz amarela dourada na sua imagem. Dê uma olhada nesses dois tiros. Um foi tomado em um dia nublado e outro na hora dourada. Como você pode ver, o tirado na hora dourada é muito mais bonito. Eu sempre tento filmar neste momento ao fotografar paisagens. O próximo da lista é o crepúsculo. Também é referido a hora azul. Isso acontece antes do nascer do sol, que é chamado de amanhecer, e isso acontece após o pôr do sol, que é chamado de crepúsculo. Este é o melhor momento para fotografar imóveis, mostrar as luzes da casa enquanto ainda tem alguma luz ambiente. Este também é um ótimo momento para fotografar silhuetas do seu assunto. Por fim, é noite. Antes de eu entrar nas fotos, você pode ter certeza de que tem o equipamento certo. Primeiro, certifique-se de ter as lentes certas. Já falei sobre lentes em um vídeo anterior, mas o que é isso? É uma lente de distância focal que tem uma abertura mais baixa, o que deixa entrar mais luz. Outra grande coisa a se olhar é o corpo da câmera. As câmeras de quadro completo vão se sair melhor pouca luz devido ao maior tamanho do sensor. Agora vamos falar sobre os tiros. Fotografar à noite lhe dá um outro sentimento e vibração como depressão, solidão, flashbacks e uma cena trágica. Mas você pode virar isso e mudá-lo completamente como conexão de liberdade, um final feliz e diversão. Fotografar à noite pode ser difícil devido aos problemas de pouca luz. O que você pode fazer é falsificar o visual noturno, então praticamente você pode filmar durante o dia, eu recomendo um dia nublado. Na sua câmera, você pode alterar o balanço de branco para ter um aspecto um pouco mais azul como 4.000 Kelvin, e subexpor sua imagem um pouco. Em seguida, na pós-produção, você pode colorir uma filmagem para ter essa aparência noturna. Isso é muito mais fácil e muito menos trabalho porque você teria que lidar com a iluminação do início da cena. [RUÍDO] Em seguida, vamos falar sobre o clima. Vamos discutir sol, nublado e chuva, já que esses são os principais tipos de clima que tenho no meu estado. Um dia ensolarado é o que eu chamo de normal, especialmente aqui na Califórnia, quase todos os dias é um dia ensolarado, então não há nada de especial nisso. Quanto a um dia nublado, acho super animado. Um dia nublado pode ser uma ótima oportunidade para fotografar lapso de tempo porque você não pode criar movimento. Um dia nublado é o melhor momento para fotografar retratos. O elenco cria uma grande difusão no céu. Lembre-se mais cedo quando falei sobre iluminar os rostos das pessoas, você precisa colocar uma difusão na frente de uma luz para criar um visual muito lisonjeiro. Bem, isso é exatamente o que as nuvens fazem para criar uma grande difusão no céu. Por fim, é um dia chuvoso. Ainda não filmei um filme em um dia chuvoso, mas tirei algumas fotos. Um dia chuvoso é uma ótima oportunidade para fotografar reflexos. Eu tirei algumas fotos no centro da cidade usando portais como reflexos para meu assunto e isso definitivamente melhora a foto ou pode melhorar seu vídeo. Você também pode usar essa oportunidade para criar textura sobre seu assunto pelos pingos de água como um carro, um banco, edifícios e muito mais. Como você pode ver, existem muitas iluminações diferentes que você pode escolher para seus vídeos. Mas esteja ciente, não escolha apenas uma certa iluminação só porque parece legal. Tenha uma razão pela qual você está escolhendo essa luz específica para contar sua história ou para ter uma certa ideia disso. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [RUÍDO] 12. Tech///Como configurar suas configurações de áudio: [RUÍDO] Mostrei quais microfones obter, mas agora vou mostrar como usá-lo e como obter as configurações adequadas para obter a melhor qualidade. O primeiro microfone é o Deity D4, que é um microfone de espingarda. Eu não uso mais esse microfone porque atualizei para um muito melhor, sobre o qual falaremos em um segundo. Mas esse microfone é super simples de configurar e não precisa de muitos ajustes. Tudo o que você precisa fazer é colocar o cabo de áudio na tomada de saída do microfone e conectar a outra extremidade à tomada de áudio da câmera. Ligue sua câmera e você está pronto. A melhor coisa sobre este microfone é que ele liga sempre que você liga a câmera, então você nunca precisa se lembrar de ligar o microfone, especialmente quando você está executando o atirador de armas. Para obter a melhor qualidade, há literalmente apenas duas etapas. No seu microfone, há um interruptor, para mim parece um coração de forma antiga. Mas o que isso faz, permite que você obtenha áudio da frente e da parte de trás do microfone. Se você notar, a parte traseira também tem outro microfone. Ao alterná-lo para dual, você poderá obter áudio de ambos os lados. Agora estou usando isso o Deity D4 apenas com a frente. Se eu virar, ele vai soar abafado porque o áudio está vindo apenas deste lado. Agora vou mudá-lo para o duplo. Agora é que a casa parece quando eles têm o interruptor duplo ligado. Como você pode ver, ele pode sair do plano de fundo e quando eu o troco, ele também pode obter a parte traseira porque eu tenho o áudio ou o microfone da parte traseira ligado, então ele vai capturar áudio da frente e da parte de trás. Honestamente, acho que nunca usei esse recurso. Acabei de deixar o microfone vir da frente porque parece muito mais crocante. Além disso, quando você está fotografando lá fora, você vai capturar muito ruído de fundo, então eu o mantenho na parte da frente para capturar apenas minha voz falante. Quanto às configurações da minha câmera, tenho o Sony A7S III e tenho meu nível de áudio em nove. Acho que é um local perfeito porque não é muito alto ou não é muito silencioso. Você quer que seus níveis de áudio fiquem entre menos 18 dB e menos seis dB. Se estiver muito alto, você vai apertar essa marca vermelha e depois de clicar nela, não poderá corrigir esse áudio. É muito distorcido e não utilizável. Mas se estiver muito silencioso, você será forçado a exibir seu áudio e pausar e isso causará barulho. Assim como quando suas filmagens estão subexpostas e você tem que trazer a exposição em pausa, você obtém filmagens barulhentas, mesmo acontece com seu áudio, mas em vez disso, você receberá ruído de fundo. Agora, obviamente você quer colocar o áudio diretamente na câmera, mas como escolher entre ter o áudio silencioso ou alto? Eu escolheria a faixa silenciosa porque você poderia trazer esse áudio e adicionar um filtro base para reduzir o ruído de fundo e postar. Não é a melhor qualidade, mas pelo menos é utilizável e você não precisa arriscar perdê-lo completamente. Depois de ter as configurações corretamente, agora é como você as coloca. Para um microfone de espingarda, você quer ter o microfone entre 6-14 polegadas da boca. Descobri que essa é a melhor distância para obter a melhor qualidade. Se você estiver muito perto, soará distorcido e, se você estiver muito longe, você teria muito ruído de fundo e algum eco. próximo da lista está o microfone mais novo, que é o Rode NTG. Isso é realmente construído como um microfone de espingarda, mas atualmente estou usando ele como um microfone boom. Este microfone tem mais interruptor de botão, mas ainda é muito simples de usar. No microfone você pode ver três botões. O primeiro é o filtro baixo e alto. O que isso faz é se livrar do ruído de baixa frequência, como o tráfego externo, todo o ruído estrondo no microfone. Esse recurso se beneficiará mais se você estiver filmando um tiro na cabeça falante como este. Eu tenho esse conjunto como 75. O próximo botão, na verdade, ele tem dois recursos. O primeiro é que reduz menos 20 decibéis, basicamente apenas tornando-o um pouco mais silencioso. Isso será ótimo se você estiver gravando um concerto alto. A próxima, permite que você tenha duas faixas: uma faixa normal e a outra, uma faixa muito mais silenciosa cerca de menos 20 decibéis mais baixos. Este é um bom backup no caso de sua faixa normal atingir o pico. Você pode substituí-lo pela faixa inferior. Você pode ter esse recurso ligado apenas para ser seguro, mas eu geralmente o tenho fora. O próximo botão é o botão liga/desliga. Mas assim como o microfone anterior que mostrei, este microfone liga quando você liga sua câmera. A última é isso agora. Este é o nível de ganho. Na maioria das vezes eu mantenho em torno nove ou 10, dependendo da situação. Para as configurações das câmeras, é a mesma coisa. Eu o mantenho em nove com os níveis entre menos 18 dB e menos seis dB. Para a colocação, praticamente é a mesma coisa que o microfone anterior, 6-4 polegadas da boca, e eu não aponto diretamente para a minha boca, mas para baixo no meu peito. Eu faço isso para não capturar esses barulhos de boca estranhos como este. [RUÍDO] Eu aponto alguns centímetros abaixo da minha boca. Em seguida, vamos falar sobre o TASCAM, que é o microfone lav. Primeiro, vamos falar sobre as configurações. Só vou mostrar as configurações mais importantes que você precisa saber. O primeiro é o ganho do microfone. Eu tenho esse definido no meio para o corte baixo que se livra dos ruídos baixos. Eu tenho isso no limitador. Eu também tenho isso ligado. Ele basicamente impede que seu áudio escolha. Nível automático, eu tenho isso desligado e você verá o porquê mais tarde. Amostra FS, eu tenho ele definido em 48 quilohertz, porque a maioria das câmeras gravada com essa configuração exata, então será muito mais fácil sincronizar no comprimento do bit do post. Configure isso até 24 porque basicamente lhe dará a melhor qualidade. Tipo de arquivo, defina isso sobre mono. Isso permitirá que você tenha um áudio nos canais esquerdo e direito. Registro duplo, eu tenho esse definido em menos 12 dB. Isso lhe dará duas faixas, uma faixa normal e uma faixa mais silenciosa. É por isso que desliguei meu nível automático porque terei duas faixas e, às vezes, quando o tiver configurado para auto, o áudio fica um pouco alto no meio do clipe e eu recebo um pouco de barulho. É por isso que eu tenho o recurso automático desativado e é por isso que recomendo ter duas faixas para backup. Track inc. Eu tenho isso ligado. O que isso faz é que quando você está gravando áudio por mais de 15 minutos, ele fará uma faixa separada. A última coisa na lista é economia de energia. Eu tenho isso ligado porque às vezes eu esqueço de ligar o microfone, então quando eu parar de gravar e por algum motivo eu esqueço de desligá-lo, ele o desligará automaticamente após 10 minutos sem usá-lo. Posso economizar bateria. Essas são as configurações mais importantes que você precisa saber. Há outros recursos lá, mas vou deixá-los do jeito que estão. seguir na lista está o Rode NT USB, que é meu microfone de estúdio. Eu uso esse microfone, quando faço voice-overs ou às vezes quando faço tutoriais. É super fácil de configurar. Eu tenho esse microfone no suporte, ele está preso na minha mesa, então sempre que preciso gravar um vídeo ou áudio, posso pegá-lo facilmente e começar a gravar. Em seguida, você precisa de um cabo com uma impressora para um cabo USB. Ele vem em uma caixa, mas é muito longo, então eu tenho um mais curto com seis pés de comprimento. Depois de ter o cabo conectado ao lugar certo, ajusto as configurações no microfone. A parte inferior é para o ganho de volume monitorar os níveis de áudio e garantir que ele soe limpo. O primeiro é para os níveis de áudio. Eu defini bem baixo entre o Nível 0 e o Nível 1. Finalmente eu abro os Memorandos de Voz. Se você estiver no Mac, ele vem totalmente gratuito. Eu faço alguns testes, verifico se tudo está funcionando e, finalmente, começo a gravar. Para este microfone, ele foi construído para você se aproximar do microfone. Ele tem um filtro pop para quando você usa palavras como [NOISE], não o distorce. Investir em microfones diferentes é super benéfico porque eles são construídos para situações diferentes. Se você estiver no orçamento e você só pudesse escolher um microfone de todos esses, eu escolheria honestamente o microfone da espingarda porque não só você pode usá-lo como um microfone de espingarda onde você o coloca no topo da sua câmera, também pode ser usado como microfone de estúdio como este, ou como um microfone de boom como eu estou usando isso agora. Ele não faz o melhor, mas é definitivamente uma ótima ferramenta para começar. Depois disso, vou com o microfone lav e depois com o microfone do estúdio, e depois com um microfone legítimo. Você pode ter os melhores microfones do mundo, mas se suas configurações estiverem desligadas e você não tiver o conhecimento básico, então pode muito bem não obter um microfone. Use o microfone embutido em sua câmera e defina tudo como automático. Essa é apenas minha opinião. Mas isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. 13. Tiro ///A importância de história: Neste vídeo, vamos falar sobre contar histórias. Contar a história através de imagens visuais é muito importante. Não vou falar sobre roteiros como um longa-metragem, porque essa é uma carreira totalmente separada e não tenho planos de mergulhar profundamente em roteiros ou roteiros de nenhum longa-metragem. Neste vídeo, falaremos sobre o básico da narrativa. Seu objetivo número um deve ser criar emoção. Não importa o quão bom seja o seu equipamento, quão caro eles sejam, as belas fotos não são tão importantes quanto contar uma ótima história que as pessoas podem sentir. Ao criar uma história, descubra o que você quer que seus espectadores sintam. Por exemplo, um vídeo de viagem que você quer que eles se sintam inspirados, motivados, aventureiros e entretidos. Um vídeo realista, você quer que eles se sintam calorosos, acolhedores, tranquilos e confortáveis. Para um comercial, você quer que eles sintam vontade de comprar animados, convencidos e impressionados. Dependendo do seu estilo de filme ou história que você deseja contar, será diferente para cada gênero de vídeo,. Mas esses são os principais sentimentos que cada um desses vídeos fará com que seus espectadores se sintam. O número dois é como você pode contar sua história? Bem, há duas coisas principais que você deve saber e esse é o fluxo e o tiro. O fluxo é como você edita seu vídeo. Por exemplo, um estilo de edição acelerado terá um campo intenso, rápido e agressivo e o ritmo lento terá um campo mais calmo, pacífico e geralmente bonito para o vídeo. Outra maneira de contar sua história é pelo tipo de tiro que você escolher. Por exemplo, se você quiser que um sujeito se sinta forte e dominante, escolherei um tiro de ângulo baixo e o oposto completo disso é um tiro de ângulo alto, fazendo um sujeito pareça fraco e assustado. Passe tempo escolhendo o ângulo certo para contar sua história e não confunda o público. O número três é a escolha de música. música pode tornar seu filme dez vezes melhor. Certifique-se de gastar tempo escolhendo a música certa. Faz sentido gastar tanto tempo encontrando a música ou até mais tempo do que filmar e editando o vídeo real porque você passa horas ou até dias planejando e gravando seu vídeo e acaba acabando com uma música média é apenas uma perda de tempo. Você poderia ter encontrado uma ótima música e transformar seu vídeo de um vídeo interessante para um vídeo incrível. Além disso, as músicas naturalmente têm estágios como uma introdução, ação crescente, clímax, ação caindo e outro. Levar a música para o seu vídeo será um pouco mais fácil. O número três é colorido. Dependendo da história que você está contando, isso dependeria do grau de cor que você escolher. Por exemplo, um tom quente se encaixará melhor para uma visão feliz, pacífica, bonita e quente. Um algodão se encaixa melhor para um campo dramático, intenso, cinematográfico e de ação. Estas são apenas minhas opiniões, mas você definitivamente pode escolher qualquer grau de cor e ter seu próprio significado , desde que você tenha um bom motivo para apoiá-lo. Alguns outros tipos de cores, você pode escolher, são saturados de azul-petróleo e laranja saturados e um visual sonhador. O número quatro é estágios. Há cinco estágios ao contar uma história. O plano de fundo ou a introdução, a ação crescente, o clímax, a ação de queda e a resolução ou encerramento. O plano de fundo é usado para mostrar onde a cena vai acontecer, como um tiro grande angular ou uma foto de drone. Esta é uma ótima maneira de apresentar sua localização ou hora do dia. Bem, você pode arranhar isso completamente e ter uma introdução misteriosa, tendo fotos de detalhes ou uma técnica de iluminação escura para agora apresentar completamente seu personagem. Não faz com que o público se sinta curioso sobre quem é esse personagem e por que eles estão misteriosamente introduzindo esse personagem dessa maneira. estágio dois é a ação crescente. É aqui que essas cenas começam a acontecer e também podem apresentar o personagem dependendo de como você começou sua introdução. Também pode ser uma cena em que algo importante vai acontecer e você quer que seu espectador se pergunte o que acontecerá mais tarde no filme. estágio três é o clímax. É aqui que a cena que todos estavam esperando, seja uma bela foto mostrando o produto que está sendo usado ou se é um filme, este é um ótimo momento para começar a resolver o problema do filme. estágio quatro é a ação em queda. Você precisa se perguntar isso, o que posso colocar lá para manter os espectadores envolvidos? Se você está gravando um curta-metragem, geralmente é quando os personagens do filme estão resolvendo o problema. Finalmente, o estágio número cinco é a resolução. Como você quer encerrar seu vídeo? Bem, isso depende. Um vídeo de casamento, você quer que ele termine com um casal sendo amado e feliz. Um vídeo realista, você quer uma foto de drone mostrando toda a propriedade, preferência ao entardecer mostrando aos espectadores que o vídeo está quase acabando. Qualquer vídeo do produto mostra o produto com o logotipo e um call-to-action. Cada vídeo é diferente, mas esses estágios podem funcionar com qualquer tipo de gênero. Como você pode ver, ter uma ótima história é muito importante ao gravar vídeos para clientes porque ter uma ótima história é igual a emoção, emoção é igual a clientes felizes. Clientes felizes são iguais a dinheiro no seu bolso. dinheiro no bolso é igual a mais clientes. Tenha em mente ao gravar o vídeo para um cliente, seu principal objetivo é ganhar mais dinheiro ou documentar o dia que eles estão dispostos a pagar a você. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [MÚSICA] 14. Tiro //como planejar seus tiros: [MÚSICA] Neste vídeo vamos falar sobre pré-produção. Vou mostrar como planejo meus vídeos. Há outras maneiras que você pode fazer isso, mas é assim que eu faço isso. Talvez ao ver como planejo meus vídeos, você possa ter uma ideia do que funciona melhor para você. O número 1 é o conceito de ideia. Se você está fazendo um vídeo para um cliente ou um projeto de paixão, brainstorming de ideia e descubra onde você irá para esse vídeo em particular. Quer você queira dizer produto, serviço ou contar uma história, anote seus pensamentos para que você tenha opções para escolher e escolher a melhor ideia para esse vídeo. O número 2 é inspiração. Quando já tive minha ideia, comecei a encontrar inspiração de outros cineastas. Assisto a alguns vídeos e anoto as fotos que eu gosto. Por exemplo, este comercial de gelo espumante que filmei recentemente, esse clipe em particular tive a ideia de Austen Paul no YouTube. Há outro comercial de bebidas que eram dois clipes em particular. A primeira foi a abertura da lata e a outra era mais do estilo. Adicionei textos dos sabores das bebidas e tive a ideia de um YouTuber chamado Daniel Schiffer. Não há nada de errado em obter alguma inspiração de outros criadores, desde que você não os copie exatamente como eles fazem isso. O número 3 é a lista restrita. Quando estou assistindo outros cineastas, escrevo minhas fotos favoritas. Também escrevo outros pensamentos que tenho em mente ou o que vi em outros gêneros de vídeo. Tento fazer uma lista mais longa do que preciso para poder ter mais opções na sala de edição. Além disso, às vezes você tem um show em mente e, uma vez que você começa, você acaba não conseguindo fazer essa foto particularmente porque talvez a localização seja muito pequena e não haja espaço suficiente, você esqueceu de trazer adereços ou um equipamento específico, ou o talento pode fazer um certo movimento e isso geralmente acontece quando você está filmando um comercial de fitness. Eu tenho várias fotos na sua lista caso você não possa fazer certas fotos por algum motivo. O número 4 é a opção de música. A essa altura, já tenho o tipo de música que quero e o clima desse comercial. Por exemplo, para este comercial de gelo espumante, eu queria uma música feliz com uma introdução lenta e fria com uma batida forte no meio da música. O lugar onde eu recebo minha música é Epidemic Sound. Eu adoro essa plataforma de música. Eles têm algumas das melhores músicas para comerciais, e você também pode baixar efeitos sonoros como pincéis, impactos, risers e muito mais. Ao encontrar a música perfeita, o que eu faço é encontrar uma playlist do Epidemic Sound, e eu apenas percorro todas e todas as músicas. Às vezes, até percorro o gênero e o humor da música. Em seguida, baixei 2-3 músicas e ouço várias vezes. Eu imagino as fotos que listei com a música como se eu estivesse editando o vídeo na minha cabeça, é o que eu chamo de filmar para editar. Estou organizando e imaginando o fluxo da música com o vídeo que estou planejando filmar. Quando você fotografa para editar e torna muito mais fácil quando você está filmando porque você já sabe quais fotos deseja obter. Também facilita quando você está editando porque você já conhece o fluxo. Você tem tudo organizado, e tudo o que você precisa fazer é colocar esses clipes certos na ordem certa. Tudo o que você precisa fazer agora é adicionar efeitos sonoros, rampas de velocidade, texto, se necessário, e apenas cortar pela batida. Esses são os passos que tomo quando planejo um novo projeto comercial ou paixão. Espero que você possa ter uma ideia ou aprender algo com o meu processo. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. [RUÍDO] 15. Tiro //de composição e ângulos: [RUÍDO] Neste vídeo vou discutir composição e ângulos. Cada composição e ângulo tem um propósito e significado para isso, então certifique-se de prestar muita atenção e tenha uma razão pela qual você escolheu essa foto em particular. Antes de mergulhar nos diferentes tipos de composições, quero falar sobre o preenchimento do quadro. Muitos iniciantes negligenciam essa regra de preencher o quadro. Quando você ignora essa regra, seus vídeos se tornam amadores e chatos. Aqui está um exemplo de um clipe não preenchendo o quadro e depois filmado do objeto quase preenchendo o quadro inteiro. Isso o torna um pouco mais envolvente, interessante e mais profissional porque captura todos os detalhes do assunto. Quanto ao primeiro clipe, o assunto está muito longe. Há muitas distrações e há coisas desnecessárias em seu tiro. Sempre tente preencher seu quadro, a menos que você esteja fazendo isso de propósito e queira mostrar a paisagem. Idealmente, você quer usar essa foto quando ela estiver mostrando um local bonito e quer mostrar aos espectadores o quão inteligente a pessoa é comparada à paisagem. Quando for possível, tente aproximar-se ou aumentar o zoom. Mas também não está apenas dentro do seu quadro, também é o que não está no seu quadro. Para um exemplo dessa foto minha no meu escritório, há tantas coisas em segundo plano que distraem o espectador. Você pode se livrar das coisas em segundo plano ou derrubar sua abertura para ter um desfoque mais de fundo ou também pode fazer as duas coisas. Pergunte a si mesmo, isso, meu histórico ajuda a contar minha história, ou é uma distração? Se for livrar-se disso imediatamente. seguir na categoria é a composição. Composição é a forma como os elementos da cena são organizados no quadro da câmera. Basicamente, como você coloca seu assunto no quadro para torná-lo tão bonito e agradável de se olhar. Vou discutir as cinco principais composições, regra dos terços, simetria, linhas de liderança, padrões e linhas retas. primeiro na lista é a regra de terços. Basicamente, ao compor seu assunto, você quer colocá-lo nesses quatro quadrantes. Quando você está fotografando alguém olhando para longe da câmera, você quer colocar o assunto no lado direito ou esquerdo, dependendo de onde eles estão olhando, você quer abrir espaço frente deles, dando-lhes deixar espaço, não atrás dele, mas na frente deles. Idealmente, você quer usar a composição dele quando alguém está olhando para algo ou falando com alguém, digamos que você está atirando em duas pessoas conversando umas com as outras. Vamos chamar esse cara Talent 1 e esse cara Talent 2. Para o Talento 1, vou enquadrá-lo no lado direito e Talent 2 será quadro no lado esquerdo. Como os cinematógrafos trazem esses tipos de cenas está filmando sobre o ombro, ainda aplicando esses mesmos princípios, mas agora você está adicionando os outros talentos ombro para adicionar profundidade e preencher mais do quadro. Outra maneira de usar essa composição é quando você está filmando uma paisagem, onde você coloca seu horizonte dependeria do quanto você quer mostrar. Para um exemplo nesta foto, coloquei o horizonte no terço superior para mostrar mais carros passando. Para esta foto, coloquei meu horizonte no terço inferior para mostrar mais nuvens. Certifique-se de escolher o enquadramento certo para contar sua história e no que você quer que os espectadores se concentrem. Também esteja ciente do espaço livre. Você não quer dar-lhes muito espaço ou cortar a testa. Normalmente, você quer colocar os olhos no terço superior para enquadrar corretamente o assunto. Para fotos mais apertadas, você quer colocar os olhos no terço superior e suas bocas nos terços inferiores. Quanto ao enquadramento, eu prefiro cortar a testa em vez de sua boca, especialmente quando eles estão falando, mesmo que não estejam falando, eu ainda prefiro mostrar suas bocas na quadro porque definitivamente parece muito melhor do que se ele mostrasse suas testa. número 2 na lista é simetria. simetria refere-se ao material que está sendo organizado de tal forma que transmite um senso de unidade através da repetição de um ou mais elementos. Basicamente, uma maneira mais fácil de colocá-lo é ter o mesmo tamanho do lado direito e esquerdo do quadro. Como por exemplo, esta palestra em headshot é muito simétrica porque temos as prateleiras flutuantes e as lâmpadas em ambos os lados. Seria estranho se eu fosse colocado do lado direito e tivesse mais espaço principal. É por isso que me coloquei no centro. Às vezes, faz sentido ter o horizonte no centro como, por exemplo, essa foto do píer. Coloco meu assunto e meus horizontes no centro porque é muito simétrico. Você nem sempre precisa colocar seu assunto em um dos terços. Há algumas situações em que coloquei as coisas no centro porque parece muito melhor. O número 3 na lista é profundidade. Há muitas maneiras de usar a profundidade. Eu mostro outras formas em outros vídeos desta aula, mas nesta seção vou discutir duas maneiras. Uma maneira de usar a profundidade é baixar a abertura. Ao baixar sua abertura, ela criará profundidade em segundo plano, ou o que chamaríamos de profundidade de campo. Eu sempre uso uma abertura baixa porque gosto de ter esse borrão de fundo. Se eu levantar minha abertura para, digamos F22, tudo está desfocado e não criará profundidade. Outra maneira de criar profundidade é ter algo em primeiro plano apenas para tornar sua foto mais tridimensional e interessante de se olhar. Outra razão pela qual você quer usar essa técnica, especialmente quando você está em uma distância focal ampla, ela cria movimento. Dê uma olhada nesses dois tiros, à esquerda, não estou usando nenhuma profundidade e parece que não estou me movendo. Quanto ao clipe à direita, eu fiz algo em primeiro plano e é óbvio que estou se deslocando lado a lado. Também o torna 10 vezes melhor quando adiciono algo em primeiro plano. O número 4 na lista é as linhas principais. Ao fotografar em paisagem, sempre tento encontrar linhas de liderança. Isso torna agradável aos olhos e essas linhas naturais sempre levam ao assunto. Como diretor de fotografia, sempre tento encontrar pontes, caminhos, trilhas e cercas. Além disso, ao fotografar pessoas, você pode colocar o talento perto de um lugar com linhas de liderança. Essas linhas podem levar aos olhos do espectador e ao assunto principal. Por fim, o Número 5 na lista é padrões e repetições. Ao usar padrões em edifícios, paredes ou até mesmo na paisagem, é super agradável ao olho humano. Também uso formas para enquadrar meu assunto. Isso só torna mais interessante e mais satisfatório de se olhar. Agora que falamos sobre a composição, vamos passar para ângulos. Vou falar sobre 10 ângulos principais que cinematógrafos, cineastas usam. Um tiro de drone, um tiro largo, tiro de cowboy, tiro médio , tiro de close-up, tiro extremo , ângulo baixo, ângulo alto , corte e PDV. Quando se trata de contar sua história, ter vários ângulos pode ajudar ou tirar sua história. Normalmente, quando você está filmando um filme cinematográfico, você precisa ter vários ângulos para contar sua história e fazer com que seu filme mantenha a atenção do espectador seu filme mantenha a atenção do espectador e apenas o torne menos chato. Por exemplo, aqui está um curta-metragem usando todos esses ângulos. Confira. [MÚSICA] [RUÍDO] Como você pode ver, esse filme contou a história muito clara. Sim, eu uso uma câmera que pode gravar 4K com gradação de cores, design de som, barras pretas, música e transições. Mas era principalmente dos ângulos que usei. Mas, às vezes, usar muitos ângulos pode tirar sua história e torná-la mais confusa. Por exemplo, se você estiver indo para uma sensação mais lenta, solitária e triste, usar vários ângulos provavelmente não é a melhor escolha. Deixe-me mostrar um exemplo, confira. [MÚSICA] Como você pode ver, foi um pouco confuso. Vamos para um filme lento e triste onde o ritmo e o fluxo do vídeo realmente não correspondem à emoção e ao que os espectadores estão sentindo. Agora vamos fazer isso novamente por esse tempo usando apenas um tiro, confira. [MÚSICA] Agora isso é muito melhor. Usar um tiro grande angular define que esse personagem é solitário por causa de seu sujeito em massa em um ambiente grande. Agora vamos falar sobre os ângulos que usei neste filme. primeiro é o tiro do drone. Adoro usar um tiro de drone para estabelecer o lugar ou para obter uma perspectiva diferente. O segundo é o grande ângulo. Esse ângulo também pode ser usado para estabelecer um local, mas principalmente os cineastas usam esse ângulo para mostrar mais da paisagem. Três é o tiro de cowboy. O tiro de cowboy recebe o nome de seu uso popular em filmes ocidentais. Foi usado para mostrar a arma dos cowboys em sua cintura enquanto ainda mostrava o corpo inteiro. Está no meio em um tiro largo e médio. Falando em um disparo médio, que é o quarto ângulo desta lista, um tiro médio é usado para fazer com que o espectador se sinta como se estivesse perto do assunto. Este também é um ótimo uso para entrevistas, pois esse é o ângulo que normalmente vemos quando estamos conversando com alguém. O número 5 é o tiro de perto. Close-up shot é usado para tirar fotos apertadas do rosto dos sujeitos para obter a expressão e a emoção. Ele também é usado para obter algumas fotos de detalhes de um assunto, mas ainda assim ser capaz de ver o entorno dele. Se você quiser alcançar esse visual, você tem que abrir sua abertura para que você possa ver mais do plano de fundo e não fique tão embaçado. Seis é o tiro extremo de perto. Esta foto é usada para obter um detalhe muito específico de um assunto. Sempre que eu uso essa foto, eu realmente queria que o espectador prestasse muita atenção em seu local específico. Como geralmente sou ampliado em todo o caminho em 70 milímetros, ele cria uma profundidade de campo rasa, fazendo com que os sujeitos se destacem do fundo. Este tiro é produzido por ter uma distância focal apertada, como um 50-100 milímetros. Os números 7 são um ângulo baixo. Esse ângulo é fazer com que o sujeito pareça maior, dominante e mais poderoso. Também é usado para mostrar o assunto passear pelo belo local, mostrando o assunto e a localização em segundo plano. O número 8 é o ângulo alto. É literalmente o oposto completo do ângulo anterior. Isso faz com que um assunto pareça muito mais pequeno, mais fraco e vulnerável. O número 9 é o tiro de corte. Um corte basicamente interrompe uma cena continuamente adicionando algo completamente diferente, ainda adicionando à sua história, um corte pode ajudar a transição de uma cena para outra sem problemas, e também pode mostrar um ângulo completamente diferente de outra perspectiva. Por fim, o Número 10 é o ponto de vista ou o ponto de vista do POV. Um tiro de PDV cria um ângulo do que o personagem está olhando. Este é um ângulo muito interessante para mostrar, especialmente quando é um filme onde há muita ação. Às vezes, há como efeitos malucos e trippy envolvidos nesse ângulo. Como por exemplo, você pode fazer o personagem se sinta bêbado, alto, tonto e muito mais. Você definitivamente poderia ser criativo com esse ângulo. Isso também é usado em cenas esportivas e de ação para levar os espectadores a uma outra perspectiva. Esse ângulo geralmente é filmado em uma lente mais larga para mostrar mais do ambiente. Esses são os ângulos superiores que você verá nos filmes e você geralmente usará. Como você pode ver, envolve todos esses ingredientes para criar um filme cinematográfico. Não ignore essas profundidades porque seus filmes provavelmente não parecerão profissionais e você não receberá nenhum cliente pago. Certifique-se de que você realmente dominou esses dois princípios e pratique todos aqueles tiros que acabei de ensinar. Não apenas assista a este vídeo e esqueça disso, escreva notas em seu diário e saia e comece a aplicá-lo à próxima filmagem. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me bater. 16. Edição //como começar um projeto: [MÚSICA] O que se passa, pessoal, no vídeo de hoje, e nos próximos quatro ou cinco vídeos, vamos falar sobre pós-produção, o lado da edição. Neste vídeo específico, quero falar sobre organizar suas filmagens, criar pastas, como iniciar um projeto, todos os recursos que você precisa conhecer no Premiere Pro e atalhos de teclado. Esta primeira lição no lado da pós-produção é obrigatória porque isso melhorará drasticamente suas habilidades, e você pode começar a editar rapidamente, especialmente se você memorizar esses atalhos de teclado, e você personaliza seus teclados que funcionam melhor para você. Todo mundo é diferente, vou mostrar meus atalhos de teclado personalizados, e por que escolhi esses atalhos específicos, e vou te dizer o que cada recurso faz, e tudo, e por que escolhi, dessa forma, você poderia implementar isso em seus atalhos de teclado para que possamos terminar de editar todos os seus vídeos muito mais rápido, vamos começar. Eu filmei um comercial de fone de ouvido, só por diversão, só para mostrar como eu planejo esses comerciais, esses filmes, esses vídeos, e então eu vou levá-lo para baixo de escolher o tópico, pré- planejando, criando uma lista de fotos, um storyboard e, depois disso, eu poderia dizer por que escolhi aquela foto quando estamos editando e, em seguida, a escolha da música, o fluxo do vídeo, como eu quero que ele jogar fora. Agora, vamos para a nossa pasta, e aqui eu já tenho o comercial, que é o comercial de fones de ouvido, e eu tenho uma filmagem de pasta, essas são as filmagens que eu filmei, e a música. Agora, vamos abrir o Premiere Pro [MUSIC]. Quando você abrir o Premiere Pro, você vai ter uma página que se parece com esta, e tudo o que você vai fazer é ir para Novo Projeto à esquerda, e então você poderia título, eu poderia título, eu não sei, o fone de ouvido comercial e, em seguida, navegue e escolha onde deseja que esses arquivos premier salvem. Já sei onde vou salvá-lo, vou salvá-lo na minha pasta Premiere Pro. Vou salvar os arquivos premier, comerciais, e parece que não criei uma pasta, então vou fazer isso agora. Vou ir até aqui e criar o Premiere. Podemos fazer isso novamente e encontrar a pasta. Este vídeo vai ser uma sequência 1080p, eu filmei em 4K, mas vou colocá-lo em uma sequência 1080p, dessa forma eu tenho espaço para cortar, e apenas a qualidade sai melhor em geral. O que vou fazer é apenas pegar os ativos ou as filmagens, vou pegar as filmagens, e música, basta arrastar e soltar. O que eu gostaria de fazer é, eu gosto rotulá-los por cor, para filmagens, eu sempre as rotulo em azul, e depois música, eu sempre as rotulo como amarelas. Você pode rotulá-los onde quiser e, para fazer isso, você pode até criar suas próprias cores personalizadas e, para fazer isso, você pode ir ao Premiere, presente, preferências e rótulos, e você pode basta personalizar sua própria cor como quiser. Vou falar sobre isso nos atalhos de teclado em cada número do meu teclado é uma cor diferente, toda vez que eu criar uma nova pasta para o Premiere Pro, eu a rotulo em cada cor. Então, para começar um projeto, ter uma sequência, já que mencionei que vai ser um 1080p, e essa filmagem é filmada em 4K, terei que criar minha própria sequência, toda vez que fizermos um sequência, eu crio outra pasta aqui, nova curva, e eu apenas rotulei essa sequência, e coloquei isso em verde. O que eu faço é subir aqui para arquivar, novo , sequência, eu subo aqui na SLR digital, 1080p e 24. Isso cria uma sequência 1080p com 24 quadros por segundo. O que eu faço é arrastar a filmagem, arrastar todas as filmagens, e lá está seu primeiro passo. Como você pode ver, é recortado porque estamos recebendo uma gravação 4K, e dopando-a em uma sequência de 1080p, ele vai ser ampliado, tudo bem, podemos apenas diminuir o zoom em 50%, e poderíamos simplesmente copiar toda a sequência para cada filmagem, assim, e poderíamos obter o resto delas, e simplesmente copiar exatamente a mesma sequência. Agora, que temos todas as filmagens, quero falar com vocês sobre algumas das principais características que você sabia que estão aqui. O que temos aqui é a linha do tempo, é aqui que você vai passar a maior parte do tempo ao editar, este é o lugar onde você vai colocar todas as suas filmagens, todo o seu som efeitos, música, ativos, títulos, transições, tudo é feito aqui, e se formos para a direita, esses são os seus níveis de áudio. Certifique-se de que quando você estiver fazendo um tiro na cabeça falante, neste caso, não vamos fazer um tiro na cabeça falante, mas, como por exemplo, um tiro na cabeça falante como este, você quer fazer se seus níveis de áudio estão em torno de 12 a seis, isso é como os pontos ideais, para que você possa ter esse áudio cristalino. À sua esquerda é como outros recursos, eu normalmente não uso esses, tenho atalhos que vou dizer a vocês mais tarde. Aqui à esquerda está o pino do seu projeto, é aqui que você vai colocar todos os seus ativos de filmagem, e apenas organizá-lo como, oh, eu tenho aqui, eu tenho a sequência, eu tenho as filmagens, música, eventualmente terei efeitos sonoros, e poderíamos rotular isso e colorir, colocar um vermelho. Então poderíamos ter títulos, poderíamos rotular isso como verde, ou talvez azul, e então podemos ter outro para ativos, poderíamos rotular isso como verde. Também nesta pasta ou neste compartimento, você tem o painel de efeitos, você tem predefinições, você tem efeitos de áudio, transições de áudio, efeitos de vídeo, transições e todas essas coisas. Quando você compra uma predefinição ou uma transição em um site como blocos de brinquedos de movimento ou corrida, normalmente, é aqui que ela será colocada. No topo, é o seu controle de efeitos, é aqui que você controla os efeitos de suas filmagens, por exemplo, clicamos nesta filmagem, você pode dimensioná-la, obter zoom ou diminuir o zoom, você pode ajustar a posição da esquerda para a direita, para cima e para baixo, a rotação e todas essas coisas. Além disso, quando você corre a cor, você também tem esse painel apareça aqui e, em seguida, você tem esse outro, como mixer de clipe de áudio, seus escopos Lumetri, é aqui que sua cor está correta. Falando em cor correta, há outro painel aqui onde é cor, não sei por que ele desapareceu. Se você não tem esse escopo de cores Lumetri, você pode ir até o Windows, e apenas clicar nos escopos Lumetri, e isso aparecerá, eu não sei por que está aparecendo assim, você pode ir até o Windows, e apenas clicar nos escopos Lumetri, e isso aparecerá, eu não sei por que está aparecendo assim, normalmente parece maior. Estes são os seus escopos Lumetri, onde você vai olhar quando você corrigir a cor, e falaremos sobre isso mais tarde, mas é aqui que eu olho para fora quando me certifico que meus tons de pele são precisos, é muito saturado, muito dessaturado, há contraste suficiente não é muito superexposto, subexposto, as cores estão corretas, é aqui que monitorei, e me é aqui que monitorei, certifico que minha correção de cor está no ponto. Então temos o painel Efeitos, é aqui que você adiciona ácidos Leno ou gráficos em movimento, áudio, é bastante autoexplicativo, é onde você ajusta o áudio, certifique-se de que está soando crocante limpo, legendas, há o painel ou seção de legendas. Eu tenho usado isso ultimamente para mídias sociais, não vou falar sobre isso neste vídeo porque não vamos usá-lo. Bem, se quisermos criar essas legendas, legendas que você já foi visto no TikTok ou no Instagram, existe o lugar para ir. Essas são as seções que você precisa saber. Agora, para os atalhos de teclado, mostrarei como personalizo meus atalhos e por quê. Queremos personalizar os atalhos ou saber como eu fiz isso, você vai para o Premiere e atalhos de teclado. Se você quiser, você pode capturar isso ou tirar uma foto disso, e talvez copiar exatamente como eu fiz isso, mas a razão pela qual eu fiz isso assim é, torna mais fácil para mim, torna o meu o fluxo de edição fica muito mais suave, muito mais rápido dessa forma eu não preciso continuar indo para o arquivo e, ao encontrá-lo, basta clicar. Os que eu recomendo você coloque seus atalhos de teclado estão aqui. P, eu tenho o acabamento de ondulação, basicamente o que isso faz é, a filmagem que eu quero começar ou a parte em que eu quero começar está bem aqui. O que Q faz ou acho que é ondulação, corta o que está antes dele e começa a partir desse ponto. Se eu comecei daqui, se eu pressionar Q, ele exclui tudo antes disso, e começa a partir daí, e se você for um iniciante, você normalmente vai para C para cortar, recorte essa parte, exclua essa e exclua essa parte. Isso é como três passos ali mesmo, em vez de fazer isso, tudo o que tenho que fazer é apenas pressionar um botão , assim. Para o outro, que é W é exatamente o oposto, uma vez antes dele, ele corta logo depois. Vamos aqui, queremos cortar essa parte, tudo o que você precisa fazer é pressionar W, e se você quiser excluir o que está no meio, por exemplo, se eu não quiser este vídeo ou este clipe completamente, eu poderia simplesmente pressione R, e isso exclui todo o clipe, e ele mescla o clipe antes e o clipe depois juntos. Isto é o que quero dizer, se eu pressionar R, ele faz tudo por mim em vez de ter que excluir isso, e juntar esses clipes. Os que eu mencionei, W é a ondulação aparar em frente para jogar à frente, e R é exclusão de ondulação, certifique-se de colocar esses atalhos de teclado e no seu teclado. Lembre-se, eu mencionei que nos meus números, eu tenho todas as cores, bem, aqui estão todas as cores que eu tenho, uma com um azul real, duas vermelhas, três amarelas, quatro verdes e assim por diante. Você pode ver todas as cores que tenho, e eu tento misturar as cores para que elas não pareçam parecidas, eu tentei ter do escuro ao saturado à luz, dessa forma, todas elas parecem diferentes, e não fico confuso em qual é. Apenas outros aleatórios, como a ferramenta de digitação, a marca, a marca, o link da ferramenta caneta. Link é quando você liga dois clipes juntos, e depois outros, assim como a ferramenta manual, os ganhos de áudio, o quadro de correspondência, o refazer, a ferramenta de corte, barbear, tudo isso eu recomendo colocando em seus atalhos de teclado para que você esteja editando, pós-produção corra sem problemas e você termine sua edição muito mais rápido. Isso é praticamente isso para esta seção, essas são todas as coisas que você precisa saber. No próximo vídeo, estarei falando sobre peneirar as filmagens, como escolher a filmagem certa, por que escolhi essa filmagem, razões pelas quais eu excluí clipes específicos e apenas executando através do processo de peneiração. Também vou mostrar o plano que tenho para este vídeo, por que escolhi esse plano, e como vou executar este vídeo, dessa forma faz sentido. É bom para o marketing, é bom para as empresas e o que você precisa esperar quando estiver editando esses projetos para outras empresas, se você tiver outras perguntas sobre filmes, por favor me avise [MÚSICA]. 17. Edição //como fazer o penhor em suas filmagens: O que se passa, pessoal. Bem-vindo à Parte 2 do lado de edição do cinema. Neste vídeo, estou realmente falando sobre como peneirar minha linha do tempo, quais clipes escolher, por que escolhi esse clipe em particular. Assim como criar o fluxo do vídeo, a história e apenas o pré-planejamento sobre a criação de um comercial. Este vídeo ou este comercial vai ser simples. Vai ser um comercial de fones de ouvido. O principal motivo ou o objetivo principal deste vídeo é, então, criadores de vídeo ou mesmo profissionais no local de trabalho, tendemos a nos distrair todo esse som e ruído nesse ambiente. O objetivo deste vídeo é criar um comercial. Usar fones de ouvido pode ajudá-lo a se concentrar em seu trabalho. Ele se livra de todas as distrações. É cancelamento de ruído. Quero criar um comercial que se livre disso e ajude você a se manter mais focado na tarefa. Vou percorrer escolhendo a melhor das melhores filmagens. Para este primeiro clipe, acho que esse clipe foi como um teste. Este é um teste. Poderíamos nos livrar disso. Este é o primeiro clipe. Para a introdução, comecei com a abertura do laptop. Vamos ver. Acho que faço várias vezes. Normalmente, a última tentativa é a única. Vamos voltar, bem aqui. A razão pela qual eu quero assim é que quero fazer com que pareça que estou prestes a sentar. Poderíamos começar daqui, e é aqui que os atalhos do teclado são úteis. Agora eu quero pressionar Q porque quero excluir tudo o que está atrás de mim aqui, que está por trás deste clipe. Se eu pressionar Q, veja o que ele faz. Ele se livra de tudo o que eu não quero. Talvez eu possa voltar novo quando estou prestes a sentar. Assim, abro o laptop. Como você pode ver, meu rosto está enlouquecendo, não consigo me concentrar, tenho muito trabalho a fazer e não consigo me concentrar no meu trabalho por causa de tudo sobre as distrações. Acabei de rolar. Tudo isso é utilizável. Aqui é quando começo a fazer aquela parte em que estou enlouquecendo e estou prestes a pegar meus fones de ouvido. Talvez possamos manter essa parte. Talvez apenas corte essa parte, torná-la mais curta e obter a parte em que começo a ficar estressado. Vamos ver, faço várias tomadas quando começo a fazer as expressões faciais. Bem aqui. Você pode ver que meu rosto é como se eu tivesse ansiedade, estressado, frustrado porque não consigo me concentrar. É por isso que eu pego os fones de ouvido. Espere, eu tenho outro. Gosto mais daquele com a camisa. Este é o melhor clipe. Eu pego os fones de ouvido. Então é quando eu começo a acenar com a cabeça, ir para a batida, me concentrar, ir com o fluxo. Esse é um clipe. Então eu decidi ter um tiro médio. Eu provavelmente não preciso que eu abra o laptop nesse ângulo, mas é bom tê-lo apenas para ser seguro porque eu uso principalmente essa foto para minhas expressões faciais. Podemos cortar esta parte e torná-la mais curta para que assim não tenhamos muitas filmagens desnecessárias aqui. Você pode começar meu rosto entrando nisso. Esta é uma foto de close-up, eu abrindo o laptop, só para que eu possa ter ângulos diferentes. Vamos ver. Podemos começar por aqui. Jogue isso. Isso só será usado por um segundo. É praticamente isso. uma foto de abrir o Premiere. Porque esse comercial vai ser bem curto, talvez 15, 20 segundos, em algum lugar por lá, eu não quero nenhum clipe desnecessário. É sobre isso. Isso é tudo o que precisamos. Este próximo clipe será um clipe meu. Vou mascarar um clipe neste retângulo preto, na sequência, e vou ampliar um vídeo que eu filmei no passado, indo com a música, um vídeo de batida rápida e apenas representando que quando você tem um bom fone de ouvido com cancelamento de ruído, você entra na zona e realmente se concentra e pode ser criativo. Você elimina todas as distrações, e é isso que eu quero fazer. Eu quero fazer você se sentir como se estivesse vibrando com a música, você está vibrando com o vídeo, você está vibrando com o editor neste vídeo, e é disso que se trata esse clipe. Quero pegar um clipe. Este clipe eu movi um pouco para onde estou indo com a batida da música. Estou gostando, mas também não quero que minha camisa passe por esse retângulo porque vou mascará-lo e vai demorar muito mais tempo para eu quadrar cada movimento. Algo como ali. Esse é o tiro. Neste clipe de abertura da Premiere, vou ampliar porque não quero todas essas distrações. Podemos ir até 100. Isso é bom em fotografar em 4K e abrir uma sequência 1080P, é que eles têm a flexibilidade ampliar e você não perderá essa qualidade. Tecnicamente, essa foto é 1080P porque estou ampliando e 4K OB se eu aumentasse para 50%. Mas quero que os espectadores se concentrem no Premiere Pro, então vou aumentar o zoom. O melhor disso é que você pode dimensionar e posicioná-lo como quiser assim. Posso ampliar um pouco neste, mas veremos. Para este clipe, eu tive uma foto minha movendo meus pés para a batida. Eu fiz várias maneiras de levantar meu pé para a batida. Talvez eu receba apenas um genérico de ir assim. Ou terei duas opções, mas veremos. Isso é tudo que eu preciso. Só preciso de três segundos. Poderíamos cortar isso. Poderíamos encontrar o outro de batida mais rápida, este. Poderíamos cortar essa parte e depois temos a outra. Acho que quero manter todos os três só para ter a flexibilidade. Nesta foto, eu queria tirar uma chance com meu cachorro movendo a cabeça dele, mas eu não tive essa chance, então vamos ter que eliminar esse tiro totalmente infelizmente. Nesta foto, eu queria obter um close-up dos fones de ouvido, especialmente no logotipo ali mesmo. Eu queria tirar uma foto de mim movendo minha cabeça e balançando minha cabeça para a batida. Poderíamos ir aqui. Além disso, estou prestando atenção aos meus olhos porque se eu olhar para baixo, estou olhando literalmente aqui, mas quero olhar para o meu laptop, que está bem aqui. Preciso prestar atenção nisso também. Bem aqui, é aqui que ele começa. Só preciso de alguns segundos. Esta foto é uma foto minha ligando os fones de ouvido, então eu poderia colocar alguns títulos disso é Bluetooth e isso é cancelamento de ruído. Acho que o último tiro foi bem ali. Podemos começar de lá. Isso é praticamente isso. Tenho dois minutos de filmagens, e isso é tudo o que preciso. Depois de ter os clipes que quero, peneiro-o. Normalmente, é mais longo. Normalmente tenho que passar por uma hora, duas horas, quatro horas, oito horas de filmagem, e sempre condenso isso. Por exemplo, se eu tiver oito horas de filmagem, eu a condensei para, digamos, quatro horas. Então eu tomo essas quatro horas, eu o condenso agora a uma hora, e então eu o condenso até meia hora. Quanto menos clipes eu tiver, melhor, assim eu não tenho que passar por cada clipe, ou os clipes instáveis, as filmagens onde ele está olhando para baixo, o foco automático, desnecessário clipes talvez porque o tiro não era bom, estava fora de foco ou estava superexposto, seja lá o que for. Eu sempre recebo o melhor das melhores filmagens e me certifico de ter as filmagens certas para contar minha história ou para contar a história dos meus clientes. Quero mostrar a você a escolha musical que escolhi e por que a escolhi. Eu tenho dois tipos de música, uma, uma música de batida rápida e outra, uma música lenta. Aqui está o porquê. Deixe-me mostrar os sons primeiro. Acho que este é o rápido. Essa música é a mais rápida, e isso vai ser exibido quase durante todo o vídeo. Então eu tive que desacelerar a música, que está bem aqui. A razão pela qual eu tenho essa música é porque quando estamos editando e entramos na zona, temos essa música alta, intensa e acelerada e achamos que somos tão legais, editando ótimas imagens do pôr do sol ou na praia ou no centro LA com os edifícios e eles ficam tão bonitos. Mas a realidade do lado de fora, somos apenas um cara em um laptop. É por isso que escolhi essa música de ritmo lento. Eu queria fazer uma piada sobre isso. Quando você tem fones de ouvido, você está na zona sem distrações, ninguém é arrastado ele a menos que eles removem seus fones de ouvido. Esse é apenas o propósito deste vídeo, e por que escolhi essas duas músicas. Neste momento, eu estaria escolhendo os efeitos sonoros porque esse comercial requer muitos efeitos sonoros, especialmente para o início. As distrações que vou colocar o tráfego, quero colocar outro som de TV, o rádio, ajustar automaticamente. Outras coisas que eu poderia pensar são boas, isso é uma distração no local de trabalho ou em sua casa, ou talvez alguém cortando a grama ou a louça ou apenas coisas assim, algo que você ouve em uma base regular que distrai e eu volto logo. Agora que você encontrou seus efeitos sonoros, é hora de colar este vídeo juntos. Para minha introdução, provavelmente não vou falar muito nesta seção do vídeo. Mas, vou mostrar literalmente passo a passo sobre como eu edito. Vou tentar explicar meus pensamentos e meu processo e o que estou fazendo da melhor maneira possível, mas principalmente vou ser enorme como me ver editar. O que eu gostaria de fazer aqui é, vamos ver, deixe-me descobrir isso. Para a música, felizmente que a música de ritmo acelerado tem uma introdução lenta. Por exemplo, isso, não aquela parte mas por aqui. Mas, como eu disse, vou começar com a música alta ou o ambiente mais alto, as distrações. Vou obter muitos efeitos sonoros e colocá-los aqui para que pareça natural. Aqui está o que quero dizer. Se você vir aqui embaixo, isso é tudo que eu tenho, eu só tenho duas seções da parte de áudio, mas quero fazer mais. Quando eu fizer isso, clique em “A” para adicionar faixas. Se você for para o áudio, vou adicionar talvez mais cinco, porque vou adicionar muito mais efeitos sonoros. Então aqui, vamos ver. Vamos trazê-los para cá. Vou usar as fotos de close-up, mas veremos. Não acho que isso seja necessário, o close-up, porque é rápido. Em seguida, corte-o. Certo foi abri-lo. Bem ali. Vamos tirar isso. Então eu estou capturando aquele em que recebo estresse aqui. Em parte para obter a foto de close-up. Quanto mais eu penso nisso esse close-up mostra necessário. Sempre que não tenho certeza do chuveiro, geralmente o habilito e adiciono o atalho tão profundo. Basicamente, não escondendo o eclipse, eliminando o clipe. Dessa forma, não o excluo completamente. Se eu quisesse voltar a ele ou tiver dúvidas ou mudei de ideia absoluta aqui. Então talvez neste choque teremos o branco. Agora isso ocorre sem problemas, não há cortes de salto. Vamos ver. Bem ali. Que vamos para cá. Então eu preciso tomar o banho, eu ligo. Às vezes, esses clipes de áudio são que não vou usar o áudio embutido da câmera, posso simplesmente excluí-lo. Você pode pressionar “L” para desvincular e, em seguida, apenas remover o áudio porque eu quero adicionar minha própria peça de áudio a ele, mesmo acontece com este. É isso. Agora, estamos para lidar com isso, e eles podem estragar nossa linha do tempo. Então eu poderia cortar a parte boa. Já são 18 segundos, então precisamos torná-lo um pouco mais curto. Eu definitivamente quero condensar isso, talvez aqui. Isso e então eu pego os fones de ouvido, liguei-o, e pego o choque médio, então eu os coloquei assim. Começo a acenar com a cabeça, e depois vou para o outro chuveiro onde abro a estréia. Onde está isso? Abra a estréia? Acho que é este, desvinculá-lo. Então, obtemos essa filmagem. Poderia isso acabar assim. O comercial, talvez 30 segundos, um pouco mais do que eu queria, mas está tudo bem. Este, ele pega lentamente. Na verdade, sinto que não preciso mostrar o Premier aberto. Provavelmente podemos eliminar isso, ou podemos simplesmente escondê-lo como eu fiz em um pequeno clipe. Basta ir assim. Então aqui é onde o clipe é bom para aumentar o zoom. Vai ter uma pequena montagem por dois segundos. Eu queria excluir algumas dessas fotos desnecessárias, talvez copiar este clipe, encontrar essa parte e, em seguida, encontrar essa parte porque eu realmente queria ter meu choque assim. Coloque-o aqui , pegue isso assim. Então aqui é onde as montagens sairiam, e então eu vou com a batida. Vamos ver. Talvez o meu longe e depois esse. Eu poderia começar a colocar a música. Então é aqui que encontro meus pés se movendo para a batida. Deixe-me encontrar um. Vamos ver. Ainda bem que guardei as três amostras. Então esse. Talvez o primeiro se encaixe. Vamos ver. Este, este será o vídeo mostra como o Montage. Vamos ver. Eu quero por seis segundos, para 23, a 28, algo assim. Talvez menos. Até 28 por enquanto. Em seguida, acerte a batida. Então vamos pegar os fones de ouvido. Então pegaremos outro. Close-up. Posso aumentar o zoom. Essa é a coisa boa de fotografar 4K que você pode ampliar. Talvez aqui. Então aqui é onde mudamos músicas e mudamos o humor. Ainda com o mesmo humor, o personagem ainda está no mesmo humor e no mesmo sentimento, mas os espectadores estão vendo isso de forma diferente. Aqui está o que quero dizer. Então, o que vou fazer é encontrar um efeito sonoro, onde é como o som estrondo onde ele comete um erro. Deixe-me mostrar-lhe em vez disso. Esse som, como aquele arranhão de gravação que você vê em desenhos animados. Vamos cortar essa música abrupta. Vamos adicionar a outra música que é mais uma música lenta. Talvez coloque um pouco mais silencioso como 10. Ou talvez o que pudéssemos fazer é nos livrar dessa música completamente e usar a mesma música, mas baixá-la para que ouçamos apenas um pouco dos fones de ouvido, digamos 20%. Talvez mais. aumentar 10 para que possamos tocar com o baixo. Vou estar brincando com o baixo. Acho que vou tirá-lo. Vamos subir aqui no painel Efeitos e ir para o Mixer de faixa de áudio, vá para esta pequena seta que diz “Mostrar/Ocultar efeitos e envios”, clique nisso. Como não quero mexer com o áudio anterior, vamos colocar isso na segunda faixa. Obviamente, não faço ideia do que estou fazendo, mas vou encontrar um filtro que faça esse áudio tirar o baixo. Você sabe onde você explode sua música ou você explode o volume de seus fones de ouvido e, de fora, você ainda pode ouvi-la. Quero esse som ou esse sentimento. Acho que o que você precisa fazer é tirar o baixo. Voltarei e mostrarei a vocês. Estou de volta. Eu encontrei o filtro exato. É um baixo e passa-banda e é assim que parece antes. Então, encontrei o filtro perfeito. Isso é exatamente o que eu estava procurando. Em seguida, o que vamos fazer é colocar nos efeitos sonoros. Então, a partir do início, vamos colocar os efeitos sonoros. Vamos ver. Vamos começar com o bebê. Eu quero colocar um desvanecimento em todos esses. Deixe-me não terminar. Vamos aumentar isso e vamos desligar o som do bebê. Tudo isso vai ficar quieto. Então, aqui mesmo, é quando ele sobe. Então, vou derrubar isso muito baixo. Preciso adicionar outro assim. Vai ser extremamente baixo. Quero que essa parte seja super silenciosa. Mais silencioso. Quero que fique quieto para super alto. Lá vai você. Perfeito. Talvez um pouco mais alto. Então, todos os efeitos sonoros terminarão neste momento. Vou adicionar um whoosh ou um riser para exagerar os fones de ouvido como, quando você colocar esses fones de ouvido, você está entrando na zona. Não há distrações, você vai se concentrar no trabalho que precisa ser feito, e você vai fazer isso bem. Então, o próximo talvez seja o tráfego da cidade. Podemos ficar como qualquer ponto disso. Então poderíamos adicionar mais faixas e talvez trazer alguma intensidade. Então talvez pudéssemos mudar daqui para mais silenciosos. Então poderíamos adicionar esse, esse som de toque. Talvez eu comece bem aí. O que poderíamos fazer é cortar tudo isso e fazer como se eu estivesse em meus próprios pensamentos ou estou pensando. O que poderíamos fazer é pegar todos esses. Torne isso um pouco mais silencioso, como 20%. Quero ecoar isso e então poderíamos fazer um pequeno whoosh. Sim, isso foi perfeito. Talvez este possa ser bom. Vou brincar com o design do som e como quero que ele pareça e soe. No próximo vídeo, estarei discutindo sobre o que fiz com o design de som e por que fiz isso, bem como a gradação de cores, os títulos, as transições, qualquer coisa criativa que pudesse ser adicionado a este vídeo. Se você tiver outras perguntas, por favor me avise. 18. Edição ///adicionando transições, gradação de cores, títulos e música: O que se passa caras? Esta é a Parte 3 da seção de edição e no vídeo anterior falamos um pouco sobre design de som, mas eu realmente não mostrei o processo ou o resultado final. Agora que estou quase acabado, sinto que ainda poderia adicionar um pouco mais. Vou mostrar o que fiz com o design de som. Não só isso, mas vou mostrar coisas divertidas; a correção de cores, a gradação de cores, animações, transições, títulos, o outro, coisas assim. Vou mostrar o que tenho até agora com o design de som. Como você pode ouvir, tenho todo o ruído ambiente, como distrações automáticas. Isso é como trânsito, bebês chorando, a TV ligada todo o caminho, o cortador de grama, apenas coisas assim, e ali há um whoosh que entra na cabeça do talento como eu preciso concentrar-me ou preciso me concentrar e não posso porque se todas essas distrações na cabeça dele, em sua mente. Ele está frustrado, estressado, e está tentando encontrar uma solução, mas ele vai encontrar uma agora mesmo. Então você pode ouvir esse batimento cardíaco e depois voltar à realidade. Você ouviu isso, Bluetooth. Então estamos em ação. Como você pode ver, ele faz a transição da luz. Este personagem ou este editor estar na zona com seu projeto ou o que ele está editando, mas na realidade é apenas uma pessoa em um laptop, é isso. Como cineastas, editores, criadores de conteúdo, entramos na zona em que estávamos editando o vídeo, acompanhamos a vibração, com a música ou a emoção do que estamos produzindo, que é um vídeo. Tentamos entrar na zona, mas na realidade, é assim que nos parecemos. Estamos entrando na música, mas parecemos ridículos e engraçados. Esse era o propósito deste vídeo é que esses fones de ouvido são destinados a cortar distrações e entrar na zona e eles são de alta qualidade. É por isso que criei esse pequeno conto e, sim, também adicionei algumas outras coisas como essa. Com este clipe, o que eu fiz foi pegar outro pequeno comercial que fiz algumas semanas atrás e basicamente adicionei no meu laptop. Este é o clipe original e foi isso que eu fiz com ele e é bem simples. Tudo o que fiz foi entrar nos efeitos. Eu procurei a caneta de canto e o que isso faz, ela permite que você ajuste o clipe para que ele se encaixe perfeitamente nessa sequência de um laptop e, depois disso, adicionei uma transição de zoom para que assim ele parece que estamos indo para o comercial ou para o anúncio e, em seguida, no final, é sobre isso e depois vou adicionar um efeito sonoro no zoom, então vamos encontrar um. Vamos ver, Efeitos sonoros. Então poderíamos pegar qualquer um desses. Talvez essa parte seja muito alta. Coloque-o para cinco. O mesmo com este. Lá vai você. Percebi nesta segunda linha no arquivo de áudio, tirei a base desse clipe. É por isso que soa assim mas eu coloquei na terceira linha e parece perfeito. Vamos agora ajustá-lo . Então, no final, quero adicionar outro whoosh ou outro efeito de ascensão. Vamos ver. Algo assim. Provavelmente deveríamos torná-lo um pouco mais silencioso. Número 10. Estamos quase lá. Talvez duas paradas. Lá vai você. Aqui é onde eu quero adicionar o logotipo, possamos fazer isso agora. Vá para Ativos ou Diversos. Ainda não o coloquei. Eu pego o logotipo que está em algum lugar aqui. Bem aqui. Felizmente, eles têm um arquivo PNG. Aqui está. Vou ver se quero verificá-lo para ter como um slogan ou algo assim, então fui ao site para obter esse logotipo. Sim, eles têm um slogan, então é tornar sua vida melhor e deixar você viver de forma mais inteligente. É o que Boltune faz. Vamos fazer uma sequência de títulos. Eu fiz outra pasta como mencionamos. O título é azul e todas essas outras pastas tinham suas próprias cores. Vamos para Títulos, Novo e, em seguida, Legacy Title e podemos simplesmente nomeá-lo, eu não conheço Slogan. Então, poderíamos adicionar o título ali mesmo. Cole o outro ou cole o slogan. Para fontes, quero dizer, vou escolher uma fonte simples. Faça com que seja menor. Vamos ver, melhorar sua vida e deixar você viver de forma mais inteligente. Assim. Arraste isso aqui. Você poderia cortar o logotipo. Talvez seja um pouco tarde demais. Muito bom. Eles estão tentando pegar o B, e nós apenas o desvanecemos. Talvez um pouco mais suave. Então, o que poderíamos fazer é ir para os efeitos e depois ir para transições de áudio, crossfade e fade exponencial. Isso se desvanece, mais rápido e muito mais suave. Lá vai você. Agora que temos os efeitos sonoros, o design do som, a música certa, é hora de colorir ou, na verdade, a cor correta. A correção de cores é super fácil. Como você pode ver, esse clipe é plano. A razão pela qual eu fiz isso, eu atirei assim é para obter um alcance mais dinâmico. Eu atirei nele com 4k e 10 bits, então será bem fácil. A primeira coisa que faço é apenas adicionar contraste e depois vou para as curvas. Eu adiciono um pouco de destaques e adiciono algumas sombras. Então eu levanto essa parte no meio para adicionar um pouco mais de contraste. É praticamente isso. Mas meu rosto está muito exposto. Vou derrubar os destaques. Não muito. Talvez como ali mesmo. Talvez adicione um pouco mais de sombras. Está parecendo muito bom. Isso é o que a gradação de cores faz. Basicamente, ele apenas transforma sua imagem plana apenas adicionando mais contraste. Acabei de adicionar o LUT que já está aqui. Eu tenho usado muitos desses LUTs, que é o SL Big Minus Blue. Isso faz esse cerceta e laranja. Eu o tonifico para outros 20% e é isso. Então eu talvez corrija meus tons de pele, vou para o secundário HSL. Eu pego meus tons de pele para ter certeza de que está parecendo laranja e não muito magenta, nem muito verde. Eu só pego meu tom de pele porque os tons de pele ficam um pouco complicados. Só estou agarrando cada parte da minha pele, a luz, o escuro, os tons médios. Então eu desfoquei. Eu desço para minha correção e meu tom de pele fica nos tons médios. Eu apenas levanto isso um pouco mais amarelo e está parecendo muito bom. Você não quer que seu tom de pele fique muito amarelo, assim, ou muito vermelho ou magenta. Você quer ser como bem no meio e está parecendo muito bom, mas acho que vou adicionar um pouco mais amarelo. Isso está parecendo bom. Você não quer que ele pareça muito amarelo assim, ou muito magenta assim. Bem no meio e quanto à gradação de cores que diz sobre isso, correção de cores e gradação de cores. Depois disso, o que eu faço é ir aos meus Controles de Efeito e apenas copiar o estilo de gradiente de cores e apenas aplicar a todos os clipes como este. Então eu vou me certificar de que todos eles estão selecionados. É sobre isso. Isso é bom. Vou com cores. Em seguida, verifique se nenhum está superexposto ou subexposto ou está muito contrastado aqui, ou muito saturado. Talvez este esteja um pouco subexposto demais. Então, o que podemos fazer é apenas trazê-lo um pouco. Isso vai causar um pouco mais de barulho, mas eu realmente não me importo. Então este, vejo que minha testa está superexposta, mas tudo bem porque eu estava expondo para os fones de ouvido. Você poderia tentar, mas eu duvido. Tudo bem e isso é muito bom para a gradação de cores. Para transições, a única transição que tenho é apenas esta [inaudível]. Sinto que isso é tudo o que eu realmente preciso. Títulos. Talvez este possamos adicioná-lo como Bluetooth ou algo assim. Talvez adicione na esquina, queira fazê-lo obviamente blooper. Quero adicionar o logotipo. Veja edição e, em seguida, tentar encontrá-la. É por isso que você precisa organizar todos os seus arquivos para que seja mais fácil de encontrar. Dessa forma, você não está gastando meia hora encontrando um clipe e um ativo, um efeito sonoro. Certifique-se de que você está organizado e rotule seus arquivos, suas filmagens, seus ativos, apenas para facilitar para você. Então os ativos estão aqui e Bluetooth, lá vai você, fácil. Então, vamos escalar isso muito menor e isso está parecendo muito bom. Então podemos tornar a parte azul um pouco mais brilhante para que possamos nos destacar. A maneira de fazer isso é ir para os Efeitos. Vá para Curvas RGB. Pegue esse efeito e coloque-o no clipe e, em seguida, torne-o mais brilhante. Vá para o mestre e o branco e você os deixa mais brilhantes. Muito [inaudível] simples. Vamos adicionar pouca transição ao logotipo Bluetooth. Você pode acessar efeitos e adicionar alguns plugins. Se você quiser, você pode deixar seus comentários abaixo. Se você quiser esses plugins ou LUTs ou qualquer um dos efeitos que estou usando, deixe seus comentários abaixo de você. Gosto de ter isso [inaudível] dá-los a você gratuitamente, sem custo. Só porque vocês estão assistindo este vídeo e vocês estão me apoiando e apoiando essa aula. Farei mais cursos online se você quiser, pode deixar os comentários abaixo. Talvez algo envolvido com criação de conteúdo, como mídias sociais. Se você estiver interessado nisso, por favor me avise. Vamos pegar as predefinições. Tenho uma predefinição que tenho no Zoom. Vamos ver como isso parece. Para este, você precisa tornar um [inaudível] e ter dois ou 10 quadros-chave. O que quero dizer com isso é, mantenha pressionado shift e clique à sua direita. Isso lhe dará cinco quadros, um, dois. Você conecta e arrasta sua transição. Isso dá essa transição ali mesmo. Você poderia brincar com todos esses. Só ocupa todo o espaço. Eu acelero. Primeiro aninhei, então, dessa forma, é um clipe inteiro separado. Então eu acelero, talvez como 140. Talvez um pouco mais rápido, 160. Isso é muito bom. Bem aqui, quero adicionar algo como você entrar na zona ou algo assim. Veja se eu conseguia descobrir algo, mas também entrar na zona. Isso soa como o slogan da AutoZone, entre na zona, AutoZone. Não use esse. Você entra na zona. Sim, eu poderia fazer isso. Você entrará na zona. Eu notei que essa parte, depois de colocar meus fones de ouvido, quero ter algo como boom, mas não sei o quê. Talvez eu possa fazer a transição para uma ampla e então talvez possamos adicionar algumas sobreposições. Poderíamos adicionar alguns vazamentos de luz para isso tirar o preto. Tudo o que você precisa fazer é clicar no clipe, ir para Opacity, Blend Mode e mudar do normal para a tela. Isso torna o preto transparente. Como eu não sou realmente um grande fã desta parte do lado esquerdo, como usar a porta, a mochila, vou virar essa sobreposição que assim o vazamento de luz esteja desse lado e possa um pouco das mochilas e da porta. Como fazer isso é ir para os Efeitos. Se você quiser ver os efeitos aqui, você pode clicar nesta seta para a direita, clicar nela e clicar em “Efeitos” ou digitá-lo. Você pode clicar em “Horizontal Flip”, arrastá-lo para o clipe e, em seguida, ele vira automaticamente o clipe. Lá vai você. Posso diminuir um pouco a opacidade, então agora não é muito forte. Isso é mais como um comercial de storyboard, eu realmente não mostro o produto em si. Não é como aqueles comerciais que você tem visto no Instagram onde eles têm uma transição legal, essas fotos legais, esses truques legais chegaram lá, essas coisas. É mais um storyboard, algo que você provavelmente verá na TV. Sei que a configuração no sentido não é a melhor, mas se eu fosse pago para fazer esse comercial, definitivamente vou contratar um ator. Vou ter uma localização melhor. Vou prestar atenção ao áudio, tornando-o limpo e crocante. A escolha da música, o storyboard, contando uma história, tendo emoção. Vou gastar mais tempo nisso, mas isso é apenas para mostrar a vocês como eu edito, como eu crio idéias, como eu executo, preste muita atenção ao design de som. Como você pode ver, design de som, há 12 linhas de som. Como você pode ver, o áudio é metade da experiência [inaudível]. Quero que você passe muito tempo na visualização, mas também na experiência de áudio. Então, para exportar, é bem simples. A primeira coisa, toda vez que edito algo, sempre salvo manualmente por precaução. Premiere oferece esse recurso que salva automaticamente o arquivo ou o projeto a cada 5-10 minutos, para que você possa personalizar. Posso te mostrar agora. Poderíamos ir para Preferências Premier Pro e Salvar automaticamente. Eu não disse que ele economiza cada cinco minutos porque Premier Pro é conhecido por travar. Ele falha, especialmente quando você está envolvido com imagens 4K, 10 bits, RAW, ProRes, seja o que for. Ou se você adicionar muitos efeitos, ele pode falhar o Premier Pro. Certifique-se de ter esse conjunto cada cinco minutos e no máximo, você pode definir como quiser. Eu só tenho, ele economiza 25 vezes e também gosto de salvar isso manualmente. Na verdade, vou para File, Save As, e depois coloco este é o terceiro. Em seguida, para exportá-lo, é um comando M para o atalho. Vou deixar tudo como o H264 Match. Então apenas o título, talvez Headphones Commercial - Final. Eu sempre gosto de salvá-lo na área de trabalho para que seja mais fácil de encontrar. Então eu sempre vou aqui onde diz Configurações básicas de vídeo correspondem à origem. Eu clico nisso e , em seguida, rolo para baixo onde ele diz configurações [inaudíveis], eu levanto isso para 15 e depois certifique-se de que esta parte inferior esquerda, onde diz Usar qualidade máxima de renderização, certifique-se de que seja clicou e é sobre isso. Eu realmente não me concentro tanto em explorar. Se você quiser que seu vídeo seja exibido de alta qualidade, está tudo na câmera e na iluminação. Porque se você estiver filmando em 720 P, ele não vai sair tão crocante e tão nítido e limpo do que se você fotografar em 4K, 10 bits, ProRes, RAW e todas essas coisas. É tudo sobre o que você faz na câmera e também como você acende seu conjunto. Depois disso, é uma exportação e é praticamente isso. É assim que tiro um comercial do pré-planejamento às filmagens, à pré-produção e à exportação. Isso resume muito meu processo e como eu edito esses vídeos. Na próxima seção, provavelmente é a mais importante. Você pode ter todas essas habilidades. Você pode saber muito sobre câmera e essas coisas tecnológicas e edição, mas se você não tem a visão comercial, então tudo isso é completamente inútil. Nos negócios, as pessoas que são ótimas em marketing, ganham. Você pode estar vendendo o produto mais ruim mas se o seu marketing for bom, então você vai ganhar. Se você tem ambos, se você tem um ótimo produto ou serviço e seu marketing estiver no ponto, você definitivamente é imparável. Ninguém poderia impedi-lo porque você tem o lado do marketing, o que nos dias de hoje, é muito importante. Existem recursos de marketing gratuitos nas mídias sociais. Mas na próxima sessão vou falar sobre o lado dos negócios, como atingir clientes, como encontrar empresas para contratá-lo, o que essas outras empresas procuram ao contratar um cinegrafista ou cineasta, como chamar a atenção deles, como obter as primeiras filmagens. Se você não tem experiência em filmar, vou te ensinar como conseguir seu primeiro show, fazer sua primeira filmagem, tudo isso. Dessa forma, você não é um artista em dificuldades, você não é um artista faminto. Dessa forma, você pode fazer isso em tempo integral e ser capaz de fazer o que você ama, que é filmar e editar. Isso é praticamente isso. Vejo vocês no lado dos negócios. 19. Negócios//como obter seu primeiro cliente: [RUÍDO] Agora que você aprendeu sobre o lado do cinema, é hora de aprender sobre o lado comercial das coisas. Olha, eu entendo que você não entrou no cinema para aprender sobre negócios, marketing e operação da empresa, mas essas habilidades são muito valiosas para aprender. Você não precisa ser um empreendedor e possuir seu próprio negócio, mas você pode ser um in-trepreneur e ajudar o fundador a escalar e operar seus negócios. Um in-trepreneur refere-se a um empresário que encontra um empreendedor dono um negócio e ajudando-o a escalá-lo. Essencialmente se tornando parceiros de negócios, mas você não está realmente ligado à empresa tanto quanto ao proprietário. Se a empresa falir, você pode simplesmente saltar e não ter que se preocupar com isso. Obviamente, isso é confuso, apenas deixando seu parceiro de negócios com todas essas coisas bagunçadas que se envolvem ao falir, mas se você está cansado de trabalhar para essa empresa, é muito mais fácil parar sem se preocupar com todos os investimentos e sacrifícios. Não tanto sacrifício quanto o proprietário porque ele teve que construir uma empresa e colocar em investimentos para aquela empresa em primeiro lugar. Dica Número 1 é dominar seu ofício. Não significa literalmente ser um mestre nisso e ser o melhor do mundo. Significa dominá-lo bem o suficiente que as pessoas estejam dispostas a pagar por isso. Isso significa ter que colocar os representantes diariamente e por horas por dia. Não retire sua câmera por 20 minutos, edite por duas horas e ligue por dia. Não, você vai levar muito mais tempo para realmente dominar as habilidades. Eu tive pessoas me dizendo, como ele chegou ao bem ou como ele conseguiu aquele visual cinematográfico, ou como posso conseguir clientes? Então eu perguntei a eles, há quanto tempo você está fazendo isso? Dizem cerca de um mês, pensando que é muito tempo. Bem, um mês de trabalho não é muito tempo. Como você espera que as pessoas paguem com seu dinheiro suado a um cineasta que só colocou um mês de trabalho? Isso leva muito tempo para dominar. Eu não recebi meu primeiro show pago depois de um ano tendo clareza e decidindo se eu queria fazer isso em tempo integral. Isso é apenas reservar um show pago, ainda preciso encontrar mais clientes para poder ir em tempo integral, e ainda havia muito trabalho para eu fazer. Não desanime e continue praticando o que você prega. Falando em praticar o que você prega, quando estiver assistindo a esses tutoriais, tenha um caderno e comece a escrever algumas notas, ou se você estiver assistindo a um vídeo falando sobre as configurações em uma câmera, retire sua câmera e acompanhe. Não assista apenas a esses vídeos para fins divertidos e não aplique o que você acabou de aprender. Muitas pessoas consomem conteúdo em vez de criar o conteúdo. Você sabe por que 90% das pessoas neste mundo estão consumindo em vez de criar? Porque realmente requer trabalho e muitas pessoas não estão dispostas a colocar no trabalho e tempo para fazer isso. Se você quer ser como o resto deste mundo e apenas assistir a este vídeo e não fazer nada, então faça isso, [RUÍDO] mas se você quiser vencer os outros 10%, então você precisa realmente dominar as habilidades e colocar nos representantes porque a prática melhora, não a perfeição, mas melhora. Dica Número 2 é criar um portfólio. Depois de sentir que dominou alguns conceitos básicos e criou vídeos de demonstração aqui e ali, é hora de realmente criar conteúdo necessário para o marketing. Como cineasta, você precisa pensar consigo mesmo, que tipo de vídeos eu gostaria de fazer e que indústria realmente precisa de vídeo? Você precisa testar vários vídeos para saber de qual indústria você mais gostaria, para que possamos evitar o burnout e descobrir o que a indústria precisa de vídeo para que você possa ganhar a vida com isso. Por exemplo, vídeos imobiliários e de casamento são sempre uma alta demanda porque sempre há casas sendo construídas para vender no mercado, e os casais estão constantemente se casando. Essas duas indústrias são, de longe os shows mais consistentes que você pode obter porque eles sempre precisam de vídeo. Por outro lado, existem outras indústrias que você pode se envolver, como comerciais, eventos, corporativos, videoclipes e conteúdo de mídia social. Sim, alguns deles são muito mais difíceis de se envolver, mas você pode ganhar mais dinheiro se permanecer focado e consistente. Depois de saber qual indústria você quer buscar, é hora de criar alguns vídeos. Por exemplo, se você quiser se envolver em vídeos de produtos, você pode começar a fazer comerciais no conforto de sua própria casa. Você pode obter qualquer linha de produtos em sua casa. Obviamente, não pode ser nenhum produto. Tem que ser um produto em que haja demanda por vídeo ou o que as pessoas realmente querem comprar. Pode ser café, uma bebida energética, shake de proteína, um relógio, sapatos, roupas, produtos que não só ficam ótimos em vídeo mas um ótimo produto para marcar e criar conteúdo em torno dele. Não crie apenas cinco comerciais e coloque esses cinco vídeos em seu portfólio porque seus primeiros vídeos serão seus piores. Eu recomendo criar 15-20 vídeos e escolher cinco dos melhores desses 20. Não coloque todos os vídeos em seu portfólio, apenas coloque seu melhor trabalho. dica número 3 é fazer marketing você mesmo. Nos dias de hoje, é tão fácil ser visto e ouvido. Você pode fazer isso fazendo upload de conteúdo de mídia social. Com o sucesso do TikTok, essas outras plataformas massivas estão replicando o algoritmo do TikTok. Estamos falando de Instagram, YouTube e, possivelmente, o Facebook pode lançar algum conteúdo curto, como o que essas outras plataformas estão fazendo. O que torna o TikTok diferente do resto é como você é notado. Você pode carregar seu primeiro vídeo e ter mais chances de se tornar viral do que essas outras plataformas. Ele foi projetado para enviar seu conteúdo para um novo público toda vez que você faz upload de um novo vídeo. Você pode praticamente usar mídias sociais para se comercializar. Agora, não é garantido que você bloqueará um cliente de forma consistente, mas eu recomendo usar as mídias sociais como uma estratégia de marketing extra. Além disso, descubra outras maneiras trazer leads consistentemente. Falando em conseguir leads, esse é um dos maiores problemas de cada cineasta. Sim, você precisa obter as habilidades, o conhecimento e construir um portfólio para mostrar aos clientes que você é capaz de fazer esse trabalho, mas você precisa saber sobre marketing, vendas, negociação e trazer valor. É aí que o lado comercial desta classe vem a calhar. Falarei mais sobre isso no próximo vídeo, então não se esqueça de continuar assistindo. dica número 4 é o método gratuito. Quando você está começando, você tem que oferecer seus serviços gratuitamente. É uma obrigação porque ninguém te conhece, ninguém nunca ouviu falar de você, e você não mostrou nada para o seu portfólio. É seu trabalho mostrar suas habilidades e provar a esses clientes em potencial que você dominou seu ofício. Isso me traz de volta ao meu primeiro ponto em dominar seu ofício. Certifique-se de saber o que está fazendo quando começar e saiba exatamente como expor sua foto. Você bloqueou o áudio, você sabe como iluminar corretamente seu assunto, você conhece o propósito de cada projeto em que você se mete . Reservar o primeiro show é sempre o mais difícil. Pense nisso, você está entrando com alguém na Internet, convencendo-o a se encontrar para filmar um comercial para o negócio deles. Na perspectiva deles, o que geralmente vai em sua mente é medo, ansiedade, ceticismo, indigno de confiança e uma atitude um pouco indiferente. Para obter a intenção deles e reservar o show, você precisa informá-los que você está disposto a fazer um vídeo graça apenas para que você possa obter a experiência, ter um vídeo para o seu portfólio e potencialmente trabalhe com eles no futuro. Se você fizer um bom trabalho, então você dominou o primeiro passo. Sim, você tem que sacrificar apenas uma pequena parte do seu tempo, mas em troca, se for bem feito, você pode começar sua jornada cinematográfica. Como você pode ver, ter algum conhecimento comercial é uma obrigação se você quiser se tornar um freelancer de sucesso, começar sua própria produtora ou até mesmo trabalhar para outro negócio. Esses aspectos são extremamente valiosos e não faz mal você aprender sobre isso. Bem, isso é praticamente isso. Se você tiver outras perguntas, por favor me avise. [MÚSICA] 20. Negócios///o que vem depois de reservar um show pago: [MÚSICA] Neste vídeo, vou discutir as coisas que você deve ter em mente quando você trancar seu primeiro show. Seja um show pago ou não, isso se aplicará a qualquer situação em que você estiver. Dica Número 1 é esclarecimento. Quando você estiver em uma chamada com um cliente, faça perguntas sobre o projeto para que você possa definir expectativas. Estas são as perguntas que sempre faço aos meus clientes: O que vou filmar? Quem é seu público-alvo? Você tem uma amostra de vídeo para inspiração? Onde isso será distribuído? Quanto tempo você quer que o vídeo seja? Quantos vídeos você quer? Quantas horas/dias de filmagem serão? Este projeto exigirá a contratação de mais pessoas? Quando é o dia das filmagens? Quando é o prazo e quaisquer outros pedidos especiais? Ao fazer essas perguntas, isso lhe dará uma ideia de como eles querem que o resultado final acabe. Isso também pode ajudar seus clientes a ficarem claros sobre o que eles querem e realmente precisam neste projeto. Portanto, é um ganha-ganha para ambas as partes. Quando você estiver discutindo o projeto com seu cliente, mencione isso desde o início. Peça-lhe para ficar cristalino e o que eles querem que você inclua no vídeo. Porque quando eu entrego cortes grosseiros para aprovação e eles querem que eu faça grandes mudanças, há uma taxa para revisões. Eu pessoalmente cobro revisões após a segunda rodada. Eu ofereço duas revisões gratuitas. É tudo sobre comunicação. Se houver algo em suas mentes relação ao projeto, informe-os que você está sempre aberto e disposto a ouvir suas ideias, pensamentos e opiniões. Os clientes gostam quando são ouvidos e podem adicionar seu conceito no projeto. Dica Número 2 é preparação. Depois de fazer todas essas perguntas, isso me dará uma ideia sobre o equipamento trazer. Certifique-se de trazer a câmera, o áudio, a iluminação, a lente e muito mais apropriados . Você sabe que se você está gravando um vídeo imobiliário, você precisa trazer um cardan e um drone. É apenas uma obrigação. Se você estiver gravando um vídeo de produto, você sabe que precisa trazer uma câmera em câmera lenta, muita iluminação, alguns suportes e talvez um controle deslizante dependendo de como seu trabalho. Além disso, se você estiver alugando equipamentos, certifique-se de aprender a usá-lo e testá-lo dias antes da filmagem real. Você não quer aparecer na filmagem e não saber como usar o equipamento que você alugou e acaba tendo uma experiência ruim com um equipamento específico só porque você não gastou dois horas aprendendo a usá-lo. Depois de manusear o equipamento, certifique-se de saber o cronograma da filmagem. Como em um exemplo, se for um evento, conhecer o cronograma do evento é uma obrigação. Peça-lhes que enviem a programação para que você esteja preparado e pronto para capturar o dia e não perca alguns dos momentos importantes. Isso não só lhe dá preparado para ter o equipamento certo pronto, mas também o prepara mentalmente. Estive em situações em que os planos mudaram drasticamente e não estava preparado mentalmente. Quando você está mentalmente preparado, você tem a lista de fotos em mente, a história. Se for uma entrevista, você está pronto para direcionar o talento e ter tempo para descobrir onde você estará pé para obter os melhores ângulos. Então, por favor, esteja preparado e também fica bem em você que você conhece o cronograma da filmagem para que você possa estar um pouco no controle da filmagem real. Dica Número 3 é contentamento. Este é, de longe, o aspecto mais importante quando se trata de negócios e em geral, e isso é um prazer trabalhar. As pessoas fazem negócios com você quando sabem, gostam e confiam em você. Não seja essa pessoa negativa, egoísta, com o ego. Isso impedirá você de fazer negócios com pessoas e ninguém vai querer encaminhá-lo para ninguém. Uma das formas mais poderosas de conseguir clientes é pelo boca a boca. Quando alguém o encaminha a um de seus clientes, parceiros , amigos, familiares ou colegas, posso garantir que eles pelo menos lhe darão uma chance e permitirão que você apresente seu pacote de preços ou sua empresa. Mas não posso garantir que você trancará o negócio. Talvez isso chegue ao orçamento, disponibilidade, disponibilidade, ou eles encontraram outra pessoa que atenda ao estilo deles. Não tem nada a ver com você não ser ótimo nisso. Alguns clientes apenas preferem um estilo de vídeo específico e isso é totalmente bom. Mas seja fácil de trabalhar, seja gentil, prestativo, atencioso, atencioso com os outros. Você pode aceitar críticas e você é realmente bom no que faz. Alguns clientes estão dispostos a fazer qualquer coisa para que você filme o evento ou o vídeo deles e aqui está o porquê. Deixe-me dizer-lhe um exemplo do que vem acontecendo comigo ultimamente. No ano passado, em 2021, entrei em contato com um empreendedor chamado Nick Long. Perguntei-lhe se posso filmar o evento que eles estavam hospedando de graça. Eu estava fazendo o método de taxa gratuita como falamos no vídeo anterior. Então ele finalmente me deu uma chance. Conheci a equipe e, uma vez que estive lá no evento, estava sendo amigável e fácil de trabalhar. Eu não estava dando a eles um momento difícil ou não estava dificultando ainda mais para eles me contratarem novamente. Após o evento, decidi entregar demais, que é uma das dicas. Eles só pediram um vídeo de recapitulação de todo o evento, mas como eu queria me destacar e realmente conseguir esse emprego, entreguei uma recapitulação de dois minutos, três cartões de cotação e dois soundbites para mídias sociais. Eles ficaram impressionados com os resultados. Eles ficaram impressionados por me convidarem para o segundo evento um mês depois. Após o evento, recebi US$300 e depois de uma semana discutindo, eu estava oficialmente na equipe deles. Mas isso não pára por aí. Eu estava trabalhando com ele por alguns meses e comecei a obter a confiança deles. Infelizmente, eles tiveram que me deixar ir devido ao orçamento, mas alguns meses depois, em fevereiro de 2022, eles estavam hospedando seu primeiro evento do ano e me pediram para filmar para esse evento. Eu ofereci meus preços, mas não consegui avançar porque eles estavam apertados no orçamento. Depois de alguns dias, pensei que deveria ser grato pela oportunidade que me deram no ano passado me dando um emprego em primeiro lugar, apresentando-me novos amigos. Já que vocês me deram um trabalho para começar, que pagou as contas, me permitiu ganhar a vida algo que eu gosto de fazer. Eu estava cercado por mentores, conheci algumas das pessoas mais legais. Vocês me deram oportunidades de viagem. Eles me permitiram falar com alguém quando eu estava no meu lugar mais sombrio na minha vida. Eu estava disposto a ajudá-los sem nenhum custo. Eu não me importava com eles me pagarem. Eu só queria realmente ajudá-los do coração porque tudo faz essa coisa chamada lei da reciprocidade. Quando você está disposto a ajudar alguém porque você é uma ótima pessoa e tem um grande coração, a outra pessoa também está disposta a ajudar quando você precisar, e foi isso que eu fiz. Depois desse evento, Nick queria me ajudar , dando-me mais trabalho. Ele me conectou com esse cara e está organizando um evento em St. Louis, Missouri. Estou recebendo US$3.000 por esse evento para filmar um vídeo de recapitulação e 10 depoimentos nas redes sociais e todas as despesas de viagem são pagas. Esse é o poder do contentamento ou ser um prazer trabalhar e também ser apenas um grande ser humano. Muitos desses clientes estão dispostos a levá-lo para fora só porque eles sabem, gostam e confiam em você. Você vê o quão poderoso isso pode ser? Por fim, a dica número 4 é de entrega excessiva, o que acabei de falar. Eu já falei sobre isso, mas essencialmente quando você está entregando um projeto, pense em como você pode impressioná-los. Como posso fazê-los querer me contratar? Se eles não me contratarem, é perda deles por perder alguém que eles possam agregar valor a eles e potencialmente dimensionar o negócio. Eu sempre entrego demais aos clientes com quem realmente quero trabalhar. Talvez esse seja o negócio que eles têm e o que ele representa, seus objetivos e planos, eles sejam impactantes ou construímos essa conexão e eu realmente gosto deles como amigo e quero ajudar eles ficam conhecidos. Seja o que for, sempre entregue demais. Isso os impressionará e quer trabalhar com você. O cinema está ficando extremamente competitivo e você tem que fazer algo que faça você se destacar. Quando a reserva é um show de filmagem, certifique-se de aplicá-los em sua carreira e eu prometo que, se você realmente implementar isso, você terá clientes e abrirá tantas oportunidades. Seja em projetos de grande orçamento, shows de viagens pagos, em tempo integral nesta carreira e em outras ocasiões. Não só é importante dominar antes de reservar o show, mas também dominar as consequências. No próximo vídeo, vou discutir a importância de construir relacionamentos e networking. Mas será isso para este vídeo. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me avisar. 21. Relações FP final 2: [NOISE] Construir relacionamentos é o fator chave para o sucesso. Eu não me importo quem você é ou onde você está em sua carreira, networking é uma coisa poderosa e você pode potencialmente conhecer novos amigos, parcerias, clientes , funcionários, colaborações e investidores. Há uma frase nos negócios sobre relacionamentos. Se você quer ter sucesso, não é apenas o que você sabe, é também quem você conhece. Seu patrimônio líquido é um reflexo da sua rede. Você pode ser um cineasta muito habilidoso com equipamentos caros e anos de experiência, mas se ninguém conhece você e você não está fazendo networking, você está perdendo o maior aspecto quando se trata construir um negócios bem-sucedidos, e isso é pessoas conhecendo você. Muitos cineastas perdem essa parte porque eles só se concentram no lado criativo e não melhoram no lado da rede. É por isso que os mentores são extremamente poderosos e são super caros de se juntar. Alguns mentes que você realmente precisa se qualificar. Você precisa fazer uma certa quantia de receita anual, ter x quantidade de funcionários e, na verdade, ser um CEO bem-sucedido gerando lucro em seu negócio, mas quando finalmente estiver nesse nível que você se qualifica para o mentor, você sabe por um fato que cada pessoa com quem você interage é um grande empreendedor e pode potencialmente lhe dar conselhos, ideias, você pode fazer parceria ou construir algo incrível. Com o poder de duas mentes colidindo, você poderia construir algo extraordinário. Além disso, ao falar com alguém, não pule direto para os negócios. Conheça um ao outro antes de discutir ideias e projetos que você pode fazer juntos. Descubra se vocês realmente gostam das personalidades uns dos outros e são ótimos para colaboração. Acima de tudo, construa essa amizade, construa essa conexão e torne-se mais do que apenas parceiros de negócios, mas, na verdade, torne-se amigos. Se você está começando a trabalhar em 2022, temos tanta sorte de termos mídias sociais, Internet e tecnologia que não estavam disponíveis há 20 anos. Temos tantos recursos gratuitos e valiosos nos dias de hoje, e devemos aproveitar isso como entrar em grupos do Facebook. Na verdade, recebi alguns shows pagos de grupos do Facebook. Não subestime grupos no Facebook. Na verdade, é a mesma coisa que os mentores, mas você está conhecendo pessoas online. Talvez nem todos com quem você encontra nesses grupos do Facebook tenham um negócio bem-sucedido, mas você pode conhecer alguém que tenha empresa um pouco decente. Construir relacionamentos on-line é muito mais difícil, pois você não está falando com eles cara a cara ou vocês não estão presenciais. Você está logo atrás da tela. É muito mais difícil confiar em um estranho na Internet. O que você deve fazer é ter uma conversa genuína e construir esse relacionamento. Depois de conversar para frente e para trás, talvez você possa entrar em uma chamada do Zoom para se encontrar virtualmente e, eventualmente, uma vez que você construa essa confiança um pouco, então você pode se encontrar pessoalmente e finalmente trabalhar juntos, e esse é o poder da rede. A razão pela qual as pessoas desistem ou acabam não se movendo para o próximo nível é paciência e consistência. Não só leva tempo para dominar essas habilidades, mas para realmente lucrar com o seu negócio, pode levar anos para isso. Estamos no negócio de ter que aprender a câmera, a criatividade, a narrativa e o marketing, e isso é impossível dominar essas habilidades em seis meses. Você simplesmente não pode fazer isso. Talvez você possa cortar sua curva de aprendizado e chegar lá muito mais rápido se for inteligente sobre isso e investir em educação como cursos on-line e talvez um programa de coaching, mas ainda leva tempo para dominar as habilidades necessárias para construir um negócio de sucesso. Outra razão pela qual as pessoas falham é não ser consistente. Eles não atiram nisso todos os dias e aprendem todos os dias. Eles assistem a muitos tutoriais do YouTube , avaliações de equipamentos, montagens e muito Netflix. Claro que somos seres humanos e precisamos de nossa pausa de vez em quando, mas se você estiver consumindo conteúdo por horas e não aprendendo, você falhará. São caras absolutamente simples. É tudo sobre colocar os representantes e ser disciplinado. Você não vai chegar lá sem sacrifício, trabalho duro, estar confortável e não fazer networking. Quanto mais você trabalha, mais sortudo você terá. Se você quiser obter novos clientes, você não vai ligar para cinco pessoas e bloquear essas cinco pessoas. Você precisará ligar para pelo menos 50 pessoas por dia para poder bloquear essas 4-5 pessoas das 50. Consistência e disciplina é o que você deve fazer. [RUÍDO] Bem, aí você tem isso. Espero que você tenha algum valor desse vídeo. No próximo vídeo, vou falar sobre o que cobrar, como criar um pacote, o que incluir e como me destacar dos seus concorrentes. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me avisar. [MÚSICA] 22. FP o que cobrar Final 2 2: Esta é a pergunta que muitos cineastas fazem, quanto devo cobrar? Bem, isso depende. Não posso dizer quanto você deve cobrar. Porque eu não sei onde você está em sua carreira, qual seu nível de habilidade, quantos clientes você gera a cada mês e o que você inclui em seu pacote se você oferecer mais de um serviço. Mas, normalmente, você deve precificar por hora. Quanto você acha que vale por hora? Quando você é iniciante, talvez comece entre US$10 a US $20 por hora. Se você for um intermediário, você pode precificar entre US $20 a US $40 por hora. Se você estiver em um nível avançado profissional, você pode cobrar a partir de US $60 a US $100 por hora. Mas você provavelmente está perguntando como sei em qual categoria eu me encaixo? Bem, essa é uma boa pergunta. Isso realmente não vem à experiência, embora isso possa ajudar, mas se resume aos resultados que você pode oferecer aos seus clientes. Eles não se importam com sua experiência, o equipamento que você usa, como você edita seus projetos, onde você edita seus projetos, qual software você usa, mas com o resultado final e o valor que você oferece. Se você domina marketing e anúncios pagos no início de sua carreira no cinema, ou percebe o quão importante é contratar alguém com mais experiência para ajudá-lo, você pode facilmente estar em a categoria profissional avançada em seus dois primeiros anos de negócios. Você pode estar cobrando US$60, US$70, US$80, até US$100 por hora no início de sua carreira. Descubra como você pode ajudar seus clientes a lucrar com esse investimento, e isso determinará quanto você deve cobrar. Mas se você está filmando casamentos, imóveis, ação, esportes ou conteúdo de reuniões sociais, é difícil dar resultados porque, para casamentos, você não está criando o filme para obter resultados quando estiver documentando seu dia especial para criar suas memórias. Nesse caso, você tem que pensar, estou gerando clientes consistentes por mês, que estou sobrecarregado e não posso levar mais clientes? Bem, isso significa que você tem que aumentar seu preço e assumir menos trabalho, ou você mal está conseguindo nenhum trabalho e você não sabe quando é seu próximo show? Então você deve estar cobrando muito mais barato. Talvez qualquer coisa com o cliente ofereça porque você não tem um portfólio forte, você precisa de mais marketing e experiência. Então comece baixo e, uma vez que você tenha a bola rolando e comece a conseguir clientes, sem ter que enviar e-mails frios, você pode lentamente começar a aumentar seus preços. Em seguida, na lista, é criar um pacote. A maioria dos cineastas oferece pré-produção, filmagem e edição, e é isso. Depois, os clientes descobrem o aspecto do marketing. Mas acho que você deveria adicionar marketing em seu pacote. Aqui está o porquê. Muitos clientes não sabem o que fazer com esse vídeo. Eles pensam que ao apenas adicionar esse vídeo nas mídias sociais, as plataformas vão fazer o trabalho para elas e gerar leads, tráfego e vendas, o que pode acontecer, mas é altamente improvável . Eu recomendo aprender sobre anúncios pagos ou, pelo menos, contratar um especialista para ajudar seus clientes a obter os resultados desejados. Então, podemos cobrar mais por seus pacotes. Lembra do que eu disse no começo? Se pudermos oferecer lucro e ajudá-los a gerar mais dinheiro do que o que pagaram pelo seu pacote ou por esse investimento, eles vão recontratá-lo novamente. Eu definitivamente garanto isso. Deixe-me mostrar como eu precifico meus pacotes e o que eu incluo. Então eu ofereço três pacotes, um pacote de bronze, prata e ouro. O Bronze, eu ofereço uma campanha no Facebook. Uma campanha no Facebook é um anúncio pago, utilizando um sistema que torna extremamente fácil para o cliente reservar em um carro e potencialmente trabalhar com o cliente. Isso vem a um preço total de US $1.450. O pacote Silver, eu ofereço a mesma campanha do Facebook com largura de 16 rolos, fotos e editá-lo. Você pode reutilizar isso no Instagram, no TikTok e no YouTube shorts, totalizando o preço em US $2.450. Por fim, é o meu pacote de ouro. Eu ofereço a mesma campanha no Facebook. Desta vez, ofereço 28 rolos e quatro vídeos do YouTube, totalizando o preço em US$4.450. Para a maioria das pessoas que parecem super caras. Mas se eles olharem para o ponto de vista do investimento e oferecerem um ótimo produto ou um serviço, então os preços fazem sentido pelo valor que receberão. seguir na lista é o fluxo de trabalho. Isso indica as regras, os limites que você separa os clientes, então as coisas passam sem problemas. Você não se sobrecarrega e define expectativas quando os clientes trabalham com você. Criei um PDF que define todas as regras sobre depósitos, revisões, filmagens brutas, cancelamento de problemas e muito mais. Eu recomendo que você faça isso não apenas para parecer mais profissional, mas você avise ao cliente sobre como você opera. Se você quiser este PDF para referência, que você possa usá-lo para sua empresa, certifique-se de deixar seus comentários abaixo com seu e-mail e eu lhe enviarei o PDF exato que enviar para o meu clientes. A última coisa na lista é se destacar dos seus concorrentes. O que o torna diferente de todos os outros? É assim que você trabalha, como você precifica seus pacotes, como você entrega ou como representa seus clientes. Existem muitos cineastas no mundo, mas apenas alguns constroem um negócio sustentável. Um negócio lucrativo e valioso. Mas, ao mesmo tempo, nunca houve um momento perfeito para se tornar um cineasta. Tantas empresas e empreendedores precisam de um vídeo para marketing. O marketing sempre estará por perto e depende de você se você estiver disposto a se adaptar. Sempre há coisas novas vindo como o TikTok, entidades e o inverso. Ainda acho que o TikTok é relativamente novo. Muitas pessoas não percebem o quão poderoso é o algoritmo deles. Vamos agora começar a falar sobre entidades e o metaverso. Esses são extremamente novos. O ponto é que se você quer ter um negócio de vídeo bem-sucedido, seu trabalho tem que ser o maior que as pessoas já viram, você tem conexões ou está fazendo algo completamente novo. Aprender sobre negócios e saber o que está acontecendo no mundo quando se trata de economia é muito importante para ter sucesso. No próximo vídeo, quero compartilhar meus pensamentos e comentários finais. Se você tiver outras perguntas, sinta-se à vontade para me avisar. [MÚSICA] 23. Conclusão de FP final 2 2: [MÚSICA] Este é o vídeo final da classe Filmmaker Pro. Neste vídeo, eu só quero falar sobre minha tarefa final, minha conclusão, qualquer comentário, último conselho que posso dar a vocês. Algumas das coisas sobre as quais eu quero falar é a implementação. Na verdade, aplique-os em sua carreira, seja esse o negócio sobre o qual acabamos de falar, as habilidades que estamos na câmera, a velocidade do obturador, abertura, ISO e assim por diante. Porque você pode estar assistindo toda essa aula, mas depois de terminar de assisti-la, você não vai saber nada sobre isso. Você não tomou nenhuma nota, não assistiu novamente a um vídeo, assistiu ao vídeo duas ou três vezes para que você possa discar as informações que acabou de absorver. É super difícil realmente lembrar. Acabamos de aprender se você não escrever sobre isso, se você não assistir novamente, se você realmente não acompanhar como as configurações que eu dei a você como expor corretamente sua câmera ou como se você não assistir novamente, se você realmente não acompanhar como as configurações que eu dei a você como expor corretamente sua câmera ou como tenha as configurações perfeitas. Certifique-se de ter sua câmera fora e, na verdade, acompanhe. Então, também se eu falar sobre uma técnica, um movimento de câmera ou uma edição, atalho de teclado ou algo onde quer que esteja. Certifique-se de fazer isso logo após assistir ao vídeo. Assista duas três vezes, e depois disso, saia e comece a filmar. Se eu falei sobre vamos ver, como obter as configurações adequadas, eu realmente saio para fora e começo a brincar com a câmera. Também brinque em ambientes fechados porque é diferente. Obviamente, dentro de casa é muito mais escuro, então você precisa de mais luz, talvez precise de uma lente melhor e mais rápida, você precisa aumentar seu ISO. Se você estiver fora, você definitivamente precisa diminuir seu ISO, aumentar a velocidade do obturador, talvez adicionar um filtro ND, coisas assim. Certifique-se de aprender o básico e realmente pratica. Leva tempo pessoal. Como eu explicando como expor sua imagem manualmente a um novato, um iniciante, eles ficarão confusos. Eles não sabem o que é f-stop, eu tenho que ensiná-los como o que é f-stop, o que eu vi isso. Para que eles saibam como expor sua imagem. Certifique-se de aprender o básico e dominá-lo. Também a prática não é perfeita. Nunca seremos perfeitos. É impossível para nós sermos perfeitos. nesta indústria há quatro anos, ainda estou aprendendo, ainda estou melhorando. Eu ainda poderia melhorar. A prática não é perfeita, faz melhorias. Só tenho a mentalidade que sempre vou melhorar, sempre vou produzir vídeos melhores e de maior qualidade. Quero ser melhor do que quando estive ontem, um mês, no ano passado. Eu olho para os vídeos que compartilhei no ano passado, eles não são horríveis, mas eu definitivamente poderia fazer melhor. Como os comerciais, quero entrar em comerciais de produtos ou vídeos de produtos. Todos os anos eu faço três ou quatro vídeos de alta qualidade. Eu sempre substituo meus antigos do meu portfólio e adiciono novos. Só vou querer adicionar o melhor dos melhores do meu trabalho ao meu site ou portfólio. Tenha sempre a mentalidade que você nunca será perfeito, nunca será o melhor, ou nunca vai parar de aprender ou não terá essa mentalidade de como, Oh, eu aprendi tudo sobre cinema, então vou parar. Há sempre novas tecnologias e novos equipamentos para aprender, novas técnicas, estratégias, e você só precisa estar disposto a se adaptar, é por isso que entramos nessa indústria. Há novas câmeras saindo, novos softwares que tornam nossas vidas muito mais fáceis, muito mais rápidas. Só precisamos aprender todas essas coisas ou podemos contratar alguém. Espero que você chegue ao ponto que poderia contratar alguém, e não precisa aprender tudo porque fica esmagador. Apenas aprenda as coisas que você gosta de fazer, e que você é realmente bom, modo que você não se esgotou e você realmente consegue fazer isso por muito tempo. Não acredito que estou dizendo isso, mas você tem que agir. Se você quer ser um cineasta, você realmente tem que criar filmes como um cliente não vai magicamente como bater na sua porta e oferecer-lhe US $1.000 para filmar seu comercial. Isso simplesmente não vai acontecer. Você tem que trabalhar para isso. Você tem que realmente colocar as horas, e você tem que apenas agir e você tem que ficar desconfortável porque é desconfortável aprender todas essas habilidades, e fica esmagador e você realmente tem que fazer isso. Você tem que colocar suas costelas, colocar seu tempo e dominar as habilidades necessárias que os clientes possam realmente pagar pelo seu trabalho. Neste negócio, é uma rejeição horrível. No início, os clientes vão rejeitá-lo porque eu não sei, talvez eles já tenham um cinegrafista, eles já tenham uma equipe de produção com a qual estão trabalhando, e você é como esse novo cara de vídeo que nem tem um portfólio, e está gravando seu primeiro vídeo e só tem alguns meses de experiência. Obviamente, eles não vão contratá-lo. Você só tem que ter essas habilidades. Você criará e produzirá vídeos de alta qualidade que as pessoas realmente querem e as pessoas estão dispostas a pagar. Você provavelmente vai ter 10 noes, se você gosta de pessoas de chamadas frias, você vai ser rejeitado tantas vezes. Além disso, ele apenas constrói, só faz você mais forte, torna você mais difícil. Dessa forma, no futuro, você será capaz de lidar com a rejeição. Isso é praticamente isso para esta classe. Espero que você tenha muito valor com isso. Eu prometo que se você aplicar esses aspectos, ou essas dicas, ou essas estratégias que acabei de lhe dar, posso garantir que você terá seu primeiro trabalho de cinema ou seu primeiro show pago. Meu primeiro show foi de US $100 e isso me levou quase um ano para conseguir, e foi um vídeo imobiliário, e eu estava oferecendo meus serviços gratuitamente. Eu estava fazendo um método bastante livre por muito tempo e ainda faço esse método. Não pense só porque você tem dez anos de experiência que você deve parar de fazer esse método bastante gratuito. Isso nunca vai parar. Sempre haverá novas empresas sendo construídas, novas oportunidades, e você nem sempre terá essa experiência. Você sempre precisa oferecer seus serviços gratuitamente, que você possa obter essas oportunidades e construir seu portfólio. Bem, é praticamente assim. Espero que vocês tenham muito valor nesta aula, e garanto que você pode obter seu primeiro show de filmagem se aplicarem isso em sua carreira. Espero ver vocês da próxima vez. [MÚSICA]