Como misturar - Aprenda tudo para começar sua carreira

1. Apresentação: Olá, e o produtor normal desde o início produzindo music.com. E bem-vindo à minha aula de mixagem Skillshare. Você aprenderá tudo o que precisa saber sobre a mistura das ferramentas às técnicas. Vamos cobrir tudo e praticar com arquivos de exercícios e visões gerais de mixagem completa. Esta aula é um capítulo do meu curso de sete capítulos em que eu cubro todo o processo de produção musical , desde composição até arranjo, gravação, mixagem, masterização e negócios práticas também. Você encontrará links para os arquivos de exercícios na seção do projeto e obteremos tarefas à medida que a aula se desenvolve no curso completo, você também receberá pastas de músicas de várias faixas de músicas de diferentes gêneros, nos quais você pode praticar suas habilidades. Ficando sob o capô, procure abordagens de produção profissional. Começar a produzir música é orientado para ajudar as pessoas a começar sua jornada ao longo da vida como produtor musical, seja produzindo sua própria música ou produzindo outras pessoas. Este programa tem muito a oferecer e você é bem-vindo para começar a produzir music.com para saber mais sobre isso. Mas, por enquanto, vamos mergulhar na forma de arte de mixagem e aprender a encenar os trabalhos do processo de produção musical do começo ao fim. Sou positivo. Você aprenderá muito com essa aula. Vejo você lá dentro. 2. O que é a mistura: O processo de mixagem tem que acabar com os objetivos em primeiro lugar, é tornar a intenção das músicas clara e bonita. A segunda é lidar com efeitos colaterais técnicos relacionados ao processo de gravação e demandas técnicas das plataformas em que a música será tocada mais tarde, o primeiro gol pode soar óbvio, mas é importante notar que uma ótima música com um arranjo de grade e gravação pode ser completamente destruída por uma mistura ruim. O palco de mixagem tem um forte impacto artístico nas músicas, pois controla a dinâmica das músicas, os temperamentos e os pontos focais. O segundo objetivo é um pouco mais complexo. As pessoas ouviram música de muitas maneiras diferentes. Telefones auriculares em seus carros, alto-falantes de telefone, laptops. Se você quiser que sua produção soe bem em todos esses dispositivos, você precisa entender seus limites e trabalhar dentro dessas limitações para atingir seus objetivos. Então, já falamos sobre volumes digitais e sabemos que 0 dBFS é o limite de volume digital. Isso parece relativamente simples, mas há muito mais nisso, já que frequências diferentes somam dois volumes diferentes e nossos ouvidos recebem frequências forma diferente dependendo do volume em que eles são jogados. Todas essas tecnicalidades e muito mais serão explicadas neste capítulo, quero ressaltar que, entendendo o processo de mistura e experimentando com ele, Nós lhe daremos uma melhor compreensão arranjo também desde que os dois andam de mãos dadas. Então, mesmo que você não tenha nenhum desejo de se tornar um engenheiro de mixagem, eu recomendo focar neste capítulo e aprender o máximo que puder sobre mixagem. Haverá mais atribuições neste capítulo em comparação com as anteriores. E, muitas vezes, observarei que recomendo usar os plug-ins de estoque da sua DAW antes de terceiros extravagantes. A razão é que os plugins de terceiros podem distrair muito por causa de sua interface chamativa e investir algum tempo com o compressor ou EQ mais básico, realmente o tornará mais focado a quantidade de simulações e plugins que temos. É fácil se perder. Então, sugiro dominar as ferramentas mais básicas que você tem e só então expanda sua caixa de ferramentas. Dito isto, apresentarei ferramentas clássicas que são grampos da arte de mistura, uma vez que são importantes para saber como engenheiro de mistura e produtor, há uma pasta de arquivos de exercícios de mistura você deve fazer o download que contém arquivos que você pode importar para uma nova sessão e trabalhar de acordo com as atribuições. No entanto, antes de entrarmos na mixagem, gostaria de começar com a pré-mistura, seja, edição e preparação mista, porque a mistura é um processo artístico, fazer tarefas não relacionadas de antemão permitem que você se torne totalmente engolido no processo de mistura. 3. EQ parte 1: Equalizadores ou EQs e curtos, ou ferramentas que equilibraram o volume de frequências dentro de uma faixa. Eles são úteis quando há necessidade de atenuar frequências desagradáveis, aumentar frequências agradáveis ou alterar completamente o timbre de uma pista. Eq é dividir o espectro de frequência em bandas ou filtros. Existem três tipos principais de sino de Ben, prateleira alta ou baixa e faixas de sino de corte alto ou baixo também são chamadas de filtros de pico e são usadas para aumentar ou atenuar uma faixa de frequência ao redor uma frequência escolhida específica. O parâmetro de fila define a amplitude do intervalo em torno da frequência escolhida, o que significa quantas frequências serão afetadas pelo movimento de EQ que você fizer. O parâmetro db por oitava definirá o quão nítida ou suave será a forma do sino. Prateleiras ou bandas que afetam todas as frequências acima ou abaixo da frequência escolhida. Uma prateleira baixa afeta todas as frequências mais baixas, e a prateleira alta afeta todas as frequências acima do parâmetro de fila altera a ressonância ou inclinação em torno da frequência escolhida e o db por oitava molda a nitidez do filtro. Cortes baixos e altos são filtros que cortam todas as frequências de áudio abaixo ou acima da frequência determinada. Esses filtros também são chamados passa-baixa ou passa-alta, o que é um pouco confuso no início, mas também bastante autoexplicativo. O filtro de corte baixo ou passa-alta levará à passagem de altas frequências ou, em outras palavras, cortará as baixas frequências enquanto o filtro de corte alto ou passa-baixa deixará o menor passar e cortar o mais alto. Uma coisa importante a observar em relação aos filtros bons baixos e altos é que eles não iniciam a atenuação na frequência selecionada, mas mostram o local onde já existe um atenuação de três dB. O parâmetro de fila moldará a ressonância do filtro na posição de frequências. E o dB por oitava determinará o quão íngreme o filtro será. O parâmetro db por oitava foi explicado no segmento de síntese no capítulo de pré-produção. Mas no caso de você não ver o capítulo ou ter concluído o capítulo há algum tempo. Aqui está uma breve visão geral da frequência é, na verdade uma nota de que quando o dobro completa uma oitava, a maneira mais simples de visualizar isso é através do meio a. O meio a é a frequência fundamental é 440 hertz, e assim o acima é 880 Hertz e o a abaixo dele 220. Então, quando falamos sobre o dB por oitava e filtros, estamos nos concentrando em quanta atenuação ou impulso ocorrerá no momento em que atingirmos as frequências Octave. Por exemplo, se eu colocar um filtro de corte baixo a 100 hertz com uma inclinação de 18 db por oitava em 50 hertz, haverá atenuação de 18 dB. Existem mais alguns passa-banda dobrados, que só deixarão uma certa faixa de frequência e inclinação, o que afetará as frequências altas e baixas de forma alguma prateleira. O último parâmetro é o ganho de saída, uma vez que o volume geral de uma faixa mudará quando alterarmos as frequências dela, precisaremos combinar o nível da faixa do processo com a faixa não processada. Existem duas boas razões para isso. A primeira é manter nosso ganho saudável. E o segundo e mais importante é que ele nos permitirá realmente ouvir se o processamento que fizemos foi bom ou ruim para a fonte. Lembre-se, mais alto nos faz acreditar que as coisas soam melhor. Então, quando nós áudio AV, é importante garantir que os níveis sejam os mesmos para realmente avaliar o efeito do nosso trabalho, o espectro de frequência é dividido em algumas regiões, subgraves, que está entre 20 a 60 hertz base, entre 60 e 250, baixa média, entre 252500, midrange, entre 502 mil hertz. Estou terminando entre dois mil e quatro mil, presença entre quatro a seis K e brilho de seis K para cima. Na prática, esses termos são usados forma mais fluida no mundo profissional, o que significa que os engenheiros não se concentram tanto em números específicos, tanto quanto na energia da faixa de frequência tem, deixe que seja importante conhecê-los, pois você vai se deparar com eles muito antes de passar para o próximo segmento. Faça esse exercício. 4. EQ parte 1 — Tarefa: Abra os arquivos de exercícios do curso e importe os canais de string para uma sessão, insira o EQ paramétrico de estoque da DAW e experimente assim, começaremos com a atenuação. Então, envolva um filtro passa-alto e uma prateleira baixa a 150 Hertz. Experimente diferentes variações de inclinação em ambos os filtros e brinque com o esqui de baixa prateleira. Observe os diferentes resultados e opções que os dois filtros oferecem. Pergunte a si mesmo, um soa mais natural que o outro? A faixa soa melhor? E depois de investir alguns minutos experimentando, insira um filtro de correia e veja como isso difere dos dois. Em seguida, faça o mesmo processo com um filtro passa-baixa, prateleira alta e um filtro de correia nas altas frequências. Depois de terminar isso, vamos experimentar os aumentos de prateleira e compará-los para criar filtros, colocar a prateleira em torno de dez K e levantar cinco dB em outro filtro de sino ao mesmo tempo frequências e alternar entre os dois, brincar com as contas Q e ganhar, ouvindo as diferenças sutis esses dois filtros têm. E então fique louco e experimente como quiser quando terminar esses exercícios, importar o canal aéreo, um loop e passar pelos mesmos exercícios novamente. 5. EQ parte 2: Queremos que nossos mixes se traduzam bem em qualquer ambiente de escuta, EQs, juntamente com outras ferramentas de mixagem, nos ajudarão com isso, se as usarmos para criar uma presença dentro de uma faixa de frequência que existe em todos os dispositivos de escuta. Esse alcance é o médio. Os alto-falantes e telefones celulares não reproduzem frequências muito baixas ou muito altas. Então, se você acabar misturando elementos em uma música que só existem nos extremos baixos ou altos, eles serão inaudíveis em muitos dispositivos são um bom exemplo, pois isso pode ser uma base que tem um muito alto frequência fundamental em comparação com seus tons, você pode reduzir ligeiramente a faixa de frequência fundamental com um filtro de prateleira, o que, por sua vez, tornará seus tons mais altos quando você compensar por isso, a perda de ganho, esse novo equilíbrio interno garantirá que o instrumento terá uma presença mais forte no médio alcance quando for solicitado. Outra prática comum ao usar um EQ é chamada de varredura, que é o processo de levantar um filtro de sino estreito e procurar frequências que se destacam e precisam de redução. Esta é uma prática muito útil, mas também pode ser muito problemática, pois ter uma frequência aumentada 20 dB não vai soar bem em nenhum caso. Só isso, não vá à caça aleatória por ressonâncias, mas quando você ouvir frequências ressonantes que incomoda assobiar ou cantar o tom das frequências. E depois de memorizar esse discurso e souber o que está procurando, comece a caçar. Isso impedirá que você encontre coisas que você não está procurando e arruine sua fonte com entalhes desnecessários. Estes foram usos técnicos ou de reparo do EQ, mas no EQ também pode ser usado para lisonjear faixas. Se você achar uma certa faixa de frequência mais atraente do que outros, você pode aprimorá-los e brincar com as fontes de madeira, por exemplo, você pode enfatizar o ar do desempenho vocal tem com um filtro de prateleira alta. Então, por que seu fleur de stride foi como Eugen, o me guiou neste mundo, realçar a cabeça de um porco em uma corda de uma guitarra elétrica ou baixo. Ter a adulteração de madeira mais clara em uma coxa batendo na borda. Você também pode usar o EQ por motivos estilísticos, como filtrar as frequências altas e baixas para criar um efeito de telefone. A mistura é um quebra-cabeça complexo que requer uma ampla perspectiva. Quando você está trabalhando em uma pista, você deve sempre ter em mente o papel que ela desempenha no arranjo e como ela interage com os outros elementos também. Uma boa maneira de manter esse foco é evitar que você trabalhe em trilhas soladas. Ouvir uma faixa em contextos tranquilizará que você não está perdendo sua perspectiva e superprocessando desnecessariamente. E outros problemas semelhantes que os EQs resolvem são chamados de lama, que se refere a acúmulos de baixa frequência que resultam em uma mistura pouco clara. Alguns engenheiros têm um corte baixo em canais que não estão necessariamente jogando no registro baixo é apenas para garantir que nenhuma informação de baixa frequência seja adicionada a partir de fatores inesperados. Isso é especialmente relevante quando você está trabalhando com gravações de estúdios domésticos. Uma vez que algo tão simples quanto um caminhão passando por um aparelho de ar condicionado ou uma geladeira pode introduzir ruídos sem que você perceba frequências de corte entre 30 a 80 hertz serão benéficas nesse caso. E, em alguns casos, você pode até querer ir mais alto, mas certifique-se de que não está prejudicando as faixas frequências fundamentais à medida que faz isso, gerenciar o low-end em uma mistura é uma das tarefas mais difíceis do engenheiro de mistura, sabendo quanto ou quão pouco o EQ levará tempo. Como diretriz geral, Meu conselho é menos é mais, mas esteja disposto a fazer o que for preciso para colocar sua trilha onde quiser. Há uma discussão contínua se EQs digitais estão melhor sendo usados para reduzir frequências ou desculpá-los de forma aditiva também pode ser útil. Usar digitalmente usado apenas de forma redutora exigirá uma abordagem diferente. Por exemplo, em vez de usar uma prateleira alta para melhorar as altas frequências da pista, você adicionará uma prateleira baixa e reduzirá todas as frequências até o ponto que deseja enfatizar. Eu encorajo você a experimentar as duas abordagens e descobrir o que soa e funciona melhor para você. Mas nesse caso ou no outro, um bom hábito para acompanhar é a correspondência de níveis. Se você acabou baixando ou elevando o nível de suas faixas, faça o ganho na saída. Assim, você poderá AB o sinal processado e não processado e garante que você está ajudando a fonte e não o arruinando. 6. EQ parte 2 — Tarefa: Como você pode ver, os EQs são uma ferramenta musical muito poderosa que pode ser usada para ajudar a moldar ou estilizar material gravado. Nesta tarefa de segmentos, começaremos com o canal de guitarra acústica importado para uma nova sessão e daremos uma escuta. Esta guitarra tem ressonâncias muito fortes na extremidade baixa quando certas notas atingem, isso precisa ser equilibrado. Então abra os EQs paramétricos de estoque da DAW nele e trate-os da maneira que você achar adequada. Cada movimento de EQ que você fará terá preço e você precisará gerenciar os presentes e carrapatos. Vou te dar uma pequena dica e dizer que, embora essas frequências estejam escolhendo descontroladamente, consegui resolver os problemas com bandas que não estão atenuando mais de 2,5 dB. Em seguida, vamos trabalhar em estilização e não não reparados. Pegue qualquer canal da pasta e deixe-o lindo. Se for a guitarra, talvez melhore onde o pico está atingindo e se for o vocal, talvez as frequências arejadas na performance. Se você escolher um violino, talvez melhore a adulteração de madeira ou a adulteração Bose. Primeiro, faça isso de forma aditiva. Descubra qual filtro se adequará melhor ao trabalho. E então, quando você atingir esse objetivo, tente fazer isso com outros tipos de filtro. Certifique-se de estar em correspondência de níveis à medida que você vai para não se enganar. E depois de ficar feliz com os resultados alcançados, insira outro logo abaixo dele e tente tornar a caminhada linda com o EQ AB redutor os resultados e veja o que soa melhor para você, o que parece mais natural e pensa o que foi mais intuitivo para você também, explorou essas duas abordagens e divirta-se. No próximo segmento, apresentarei vários tipos de acusados e mostrarei algumas emulações importantes que você certamente cruzará para ajudá-lo a ganhar familiaridade com o Stapleton da indústria. 7. Tipos de EQ + demonstração: O parâmetro é mencionado no segmento anterior, apenas pistas existentes, mas nem todo AQ lhe dará a opção de brincar com eles. O EQ que eu estava usando é chamado de EQ paramétrico. EQs paramétricos permitem determinar a frequência central, amplitude q e, às vezes, ainda mais parâmetros, como acabamos de ver com o filtro fab pro Q, a forma mais clássica de um EQ paramétrico, usará botões, e faremos o mesmo truque parecendo um pouco diferente. Outro tipo de EQ é o EQ semi-paramétrico, que permite determinar a frequência central e a amplitude, mas não a dica. Muitas vezes, o Q varia conforme o ganho da frequência muda, mas isso é predeterminado pelo designer. Um terceiro tipo de EQ é o EQ gráfico, que lhe dará uma quantidade definida de bandas em uma quantidade definida de frequências que você pode aumentar ou atenuar para ter o gosto do EQ semi-paramétrico, as pistas são predeterminadas e mudam com as manipulações de volume ou permanecem a mesma dinâmica acusada reagem ao áudio recebido e não permanecem completamente estáticas. Esse recurso é ótimo, já que o efeito de um movimento de EQ não está necessariamente certo ao longo de toda uma música. Portanto, o processamento dinâmico pode economizar muito trabalho de automação, qual falaremos em um segmento diferente, desculpa de fase linear ou uma solução potencial para um efeito colateral que às vezes aparece a partir do design EQ tradicional. A maioria dos EQs, você atenderá aos nossos EQs de fase mínima, o que implica que eles têm pequenos atrasos de tempo, que por sua vez introduzem pequenas mudanças de fase variam de acordo com a frequência, o tipo de filtro e o ganho. Isso é chamado de manchas, e é mais provável que aconteça ao usar movimentos de EQ intrusivos, como cortes muito estreitos ou filtros passa-baixa passa-alta quando a mancha não é desejável, EQ de fase linear é útil porque eles mantêm tudo no tempo, evitando, portanto, enfrentar problemas. A desvantagem é que eles criam latência maior do que outros EQs e podem suavizar os transitórios. Portanto, essa ferramenta tem suas virtudes e trade-offs. Use-o quando necessário, mas conheça as consequências quando se trata de desculpa analógica ou emulações de EQs analógicos, precisamos entender que uma grande parte do caráter do EQ vem de seus circuitos e design. Alguns acusam têm tubos em seus circuitos e dão ao áudio um pouco de saturação de tubos. Alguns são de estado sólido e, como resultado, são muito limpos, alguma forma transistores muito coloridos que lhes dão seu próprio tom único. Embora os EQs modernos sejam praticamente ilimitados, EQs clássicos ainda estão na vanguarda da mistura por um bom motivo. Com isso em mente, quero mostrar alguns EQs clássicos. Você certamente verá muito à medida que mergulha mais fundo na mistura. Vou explicar a lógica deles, já que alguns deles não são muito intuitivos. Mas antes de começarmos, quero apresentar-lhe alguns símbolos básicos que o ajudarão a contornar um novo EQ, mesmo que você não esteja familiarizado com ele desta vez, marca um filtro em forma de sino. Isso marca uma prateleira baixa. Esta é a localização, esta é uma prateleira alta. Este é um caminhante e este é o sinal do pé de fase. Vamos começar com o EQ paramétrico SSL. Este é um EQ britânico que tem quatro bandas, que nos fóruns padrão ou prateleira baixa, prateleira alta e faixas de sino de médio alcance. Algumas emulações terão apenas um filtro local e algumas também terão outro filtro de caminhada. As duas faixas de sino de médio alcance têm botão agudo para elas, tornando o EQ totalmente paramétrico. E as prateleiras baixas de alta qualidade têm um botão que pode transformá-las em filtros Bell em vez de prateleiras com fila predeterminada. Aqui está a inação SSL. Segunda-feira à noite. Meus passeios noturnos. Meus passeios noturnos, meus passeios noturnos, meu canudo noturno. O próximo EQ clássico é o Neve 1073. Este EQ semi-paramétrico também é britânico e é muito famoso por fazer parte de inúmeros registros influentes com os quais todos estamos familiarizados. Este EQ tem uma faixa de sino de médio alcance Dan de prateleira alta e baixa e um filtro passa-alto. A frequência da prateleira alta é fixada em 12 K. A prateleira baixa tem quatro frequências selecionáveis. A faixa de sino de médio alcance tem seis frequências que você pode escolher com um Q. Uma coisa interessante a saber sobre este EQ é que o filtro local tem um pouco de ressonância, o que adicionará um pequeno impulso no ponto de frequência escolhido. Isso pode ser usado para engordar uma fonte enquanto ainda filtra as frequências realmente baixas em outro clássico Navy Q é o 1081, que tem mais uma faixa de sino na faixa média, mais frequências para cada banda para Q, opções para as faixas de sino médio, bem como a opção de mudar as faixas de prateleira para Bell. E, finalmente, um filtro alto em carboidratos. Aqui estão os 10731081 em ação. Sra. E noite, células estromais de segunda à noite. Meus passeios noturnos. Meus passeios noturnos. Meus passeios noturnos. Sra. E à noite. O próximo dQ é a API, equalizador gráfico de cinco dezesseis anos. Este é um EQ americano com dez bandas pulando em oitavas, o que significa que as frequências são dobradas de uma banda para a outra. A fila se estreita à medida que o impulso fica mais extremo, dando este EQ, ou som muito musical e agradável. Esse recurso também será encontrado em APIs, EQs semi-paramétricos, que são os 55855 dB. Você deve ter notado que o 550 B tem outro bastão, mas a frequência está nos dois EQs também são ligeiramente diferentes, então eles estarão servindo diferentes propósitos. Ambos dão a opção de trocar as bandas baixas high-end de prateleira para cinto. E 550 a também tem um filtro de passagem de banda cortando qualquer coisa abaixo de 50 hertz e acima 15 k. As frequências são escolhidas usando botão azul interno e o ganho pelo botão branco externo. Aqui estão a API cinco sessenta, cinco cinquenta em ação. O último q clássico será o deck da piscina. Este tubo EQ foi projetado em 1951 e tornou-se um clássico por causa de seu tom e características únicas, as baixas frequências podem ser manipuladas com dois filtros de prateleiras que atenuam e aumenta simultaneamente, criando uma forma de filtro única que não pode ser alcançada de outra forma, a próxima banda é em forma de sino e pode ser usada para aumentar as frequências selecionadas entre 316 k. também tem um botão de largura de banda, que é a fila. Você pode ajustar a campainha para ser muito afiada ou muito ampla, conforme desejado. Finalmente, há uma prateleira alta que só pode ser usada para atenuação. Este equalizador estranho e pouco intuitivo era uma grande parte de alguns besouros e gravações da Motown, além de inúmeras outras produções históricas. Aqui está o deck da piscina em ação. Há muito mais EQ para aprender, mas esses poucos são uma boa introdução no mundo do equalizador analógico. Você não precisa de todos esses tipos de EQ se quiser começar a misturar plug-ins de estoque geralmente são mais do que suficientes. As emulações são mais divertidas de usar, mas não têm nada a ver com a aquisição de habilidades como mixer. Dito isto, eles são interessantes, pois ajudaram no desenvolvimento da forma de arte como a conhecemos. Portanto, a familiaridade é útil. Agora, quero apresentar dois testes, um para este segmento e outro concluindo o tópico EQ. 8. Tipos de EQ — projeto: Primeiro é relevante somente se você tiver uma emulação analógica em seu DAW ou se você tiver algum plugin de terceiros, comece importando qualquer faixa e inserindo três emulações analógicas diferentes e descobrindo quais bandas cada um oferece quais frequências eles permitem manipular e quais controles você tem sobre as bandas, as limitações que algumas engrenagens analógicas apresentam são realmente o que as torna tão únicas. Então tente perceber o que cada um tem a oferecer depois que as interfaces descobriram, compare as emulações mesmo que as bandas não sejam fixadas nas mesmas frequências, levantou a prateleira alta três dB e então a, B, três reações. Em seguida, compare as bandas baixas talvez isso também, as bandas médias, os filtros, lembrando o que cada engrenagem analógica tem a oferecer, facilitará a sua lembrança quando precisar. Quanto mais fundo você for, mais você saberá. Então, depois de terminar de pesquisar os três primeiros, você pode fazer o mesmo com um lote diferente. A segunda tarefa será tentar misturar a seção de ritmo de uma música, ou seja, a bateria e o baixo. Até agora, todas as tarefas de EQ que você recebeu incluem apenas faixas únicas. Mas, como mencionamos, uma mistura é um quebra-cabeça complexo e trabalhar sozinho não é o caminho a percorrer. Então baixe uma das músicas das pastas multi-track e tente misturar a seção de ritmo dela, seja uma das peças de elétrons ou qualquer uma das acústicas, a seção de ritmo terão frequências que variam do menor para o mais alto. É um bom lugar para começar. Observe a extremidade baixa e comece por descobrir se você está limpando a base é subfrequências para deixá-la para o chute ou para o contrário. Em seguida, observe o médio alcance. Como a base é a carne, por assim dizer, interage com a armadilha ou tons mais altos do chute do que o mais alto é a pista pedindo chapéus altos brilhantes ou relativamente escuros. Observe como a alteração das frequências afeta a sensação do sulco e a emoção que a música prevê mais do que qualquer coisa. Anteriormente. 9. Compressores parte 1: Compressores são ferramentas que nos permitem alterar a faixa dinâmica ou o envelope de uma faixa. O termo faixa dinâmica refere-se à distância em volume entre os pontos mais suaves e mais altos de uma pista e o envelope é o comportamento dos caminhões. Em outras palavras, os compressores nos ajudam a controlar o volume de nossas faixas e podem ser usados para domesticar e equilibrar atrair para que ele fique melhor na mistura ou de outra maneira para exagerar o dinâmica e fazer as coisas realmente se destacarem. Mais. Os compressores têm pouquíssimos parâmetros que funcionam em conjunto um com o outro. Esses parâmetros são o limite, que é o nível no qual o compressor iniciará o processo de compressão. ataque determinará quanto tempo levará o compressor para começar a comprimir assim que o volume da pista ultrapassar o limite, liberação determinará quanto tempo leva o compressor para atingir 0 dB de redução de ganho após o volume cair abaixo da taxa de limiar, que é a quantidade de compressão ocorrendo quando ele entrar em ação. Por exemplo, uma proporção de quatro para um significará que a cada quatro decibéis cruzam o limiar adicionará apenas um dB ao joelho do sinal de saída, que é o quão suave ou difícil a transição para a compressão será. joelho macio resultará com a proporção subindo gradualmente à medida que o sinal atinge o limiar. Embora o endurecimento signifique que a proporção funcionará como é quando o limite for cruzado, ganho de saída compensa a perda de nível do processo de compressão e nos permite combinar o nível do sinal . E, finalmente, o filtro de cadeia lateral, que dirá ao compressor quais frequências ignorar ao analisar o áudio recebido, tempo de ataque rápido achatará nossos transientes, resultando em menos dinâmica. E tempos de ataque lentos acentuarão os transitórios. Ataque lento e também usado para obter compressão suave e transparente. Juro que não falei como monge girar esta noite. Juro que não falei como monge girar esta noite. tempos de lançamento rápidos podem elevar a cauda ou o ambiente das faixas e melhorar a emoção das faixas. Dito isto, ele pode introduzir distorção e fazer um pouco de bagunça se implementado de forma inadequada. Os tempos de liberação lentos podem resultar com uma compressão de som mais natural e sons mais apertados, por assim dizer, mas também podem sufocar o sinal quando não está respirando com o ritmo das faixas. Os compressores têm um circuito detector que escuta o áudio recebido e em seguida, aciona a compressão de acordo, o filtro do sargento é usado para moldar o áudio que chega ao detector para controlar o que aciona compressão, frequências diferentes somam dois volumes diferentes e as baixas frequências somam a energia mais alta e podem criar um efeito de bombeamento que não é prazeroso. Então, quando você está comprimindo caminhões energia de baixa frequência, que você não quer acionar o compressor. Você pode filtrar as baixas frequências do detector e fazer com que o compressor reaja apenas à energia de frequência mais alta. Vamos ouvir um exemplo. Observe o que acontece quando eu levanto o filtro. Como você provavelmente ouviu, o custo de bombeamento pelas baixas frequências é reduzido e o nível geral ao qual o compressor reage com menor. Isso simplesmente torna o processo de compressão mais preciso e evita esses sons de bombeamento indesejados. É importante notar que os parâmetros dos compressores funcionam juntos e realmente não ficam sozinhos. Vamos ver isso na prática. Vou usar um compressor muito visual para tornar o principal queer. Mas lembre-se de que quando nos misturamos, trabalhamos com nossos ouvidos e não com nossos olhos. Vamos pegar a faixa vocal dos arquivos de exercícios de mistura como exemplo. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. A primeira coisa a fazer quando você quer compactar o áudio é descobrir o que você deseja alcançar. Então eu ouço que a palavra eu e o microfone, ou bombeando um pouco. E eu quero equilibrá-los com o resto da pista. Como ponto de partida, defina seu compressor para uma proporção de oito para um com um rápido ataque e tempos de liberação e um joelho duro. Agora vamos diminuir o limite à medida que a armadilha é reproduzida. E aqui, quando a compressão começa a entrar em ação, eu juro que não falei como o microfone girava esta noite. Juro que não falei enquanto o microfone girava hoje à noite. Como acrescentamos, não falei como alguns podem ser girados hoje à noite. Estou levando o limiar mais longe do que é necessário. Assim, podemos ouvir a compressão em seu extremo e discar nos próximos parâmetros para atender às nossas necessidades com mais facilidade. Vamos começar com o ataque. Vamos abrir lentamente o ataque e ouvir onde ele lista os picos transitórios ou iniciais, passaremos e adaptaremos isso até chegarmos a um ataque. Gostaríamos do som de um juramento. Eu não falei como monge ser girado hoje à noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Como acrescentamos, não falei como eles podem ser girados hoje à noite. Depois de definir nosso tempo de ataque, descobriremos que a liberação diminuirá a liberação até ouvirmos o compressor se movendo com nossa fonte e não sufocando sua dinâmica. Como eu mencionei, o objetivo para o qual estamos trabalhando é um som equilibrado e natural, como acrescentamos, não falou como poderia ser girado esta noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como eles podem girar hoje à noite. Depois de atacar e liberar isso, podemos descobrir qual proporção queremos para nossa compressão. Vamos começar com dois para um e aumentar lentamente a proporção para ver o efeito que ela tem na fonte, juntamente com a forma como ela interage com os parâmetros de ataque e liberação. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Se o seu compressor lhe der a opção de jogar com o parâmetro do joelho, você pode configurá-lo antes ou depois de ajustar o limiar, então ele suavizará a entrada para a taxa de compressão total e isso pode ajudar a refinar a reação dos compressores ao áudio recebido. Agora que temos esses parâmetros que podemos ajustar o limite, não se surpreenda se algumas configurações precisarem ser refinadas porque, como mencionei, todos os parâmetros funcionam em conjunto. E o fato de que o limite está sendo ajustado pode significar que mais ajustes precisarão ser feitos. Juro que não falei como monge girar esta noite. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como monge girar esta noite. Juro que não falei como monge girar esta noite. Juro que não falei como o principal ser spin esta noite. O passo final será compensar a perda de nível com o ganho de saída, os compressores terão redução de ganho. Usamos às vezes marcado como GR, que mostrará quanto nível é reduzido. Mas recomendo ouvir o sinal processado e não processado e ajustar o volume entre a ferramenta, pois a compactação pode criar diferentes formas de mudança de nível. Juro que não falei como o microfone vai girar hoje à noite também. Eu não falei como o microfone girava hoje à noite. Eu juro. Eu não falei como o microfone girava hoje à noite. Juro que não falei como o principal ser spin esta noite. Configurar o compressor dessa maneira é uma prática muito boa para usar até sentir que enrolou a cabeça ao redor do assunto. Comece com um limiar baixo e os tempos rápidos de ataque e liberação obter o ataque definido do que a taxa de liberação e o limite. Adapte as configurações para ajustar o ponto limite final e, finalmente, ajuste o ganho de saída para compensar a perda de nível. 10. Compressores parte 1 — Tarefa: A atribuição para esse segmento será explorar os parâmetros dos compressores e ver como eles interagem. Tente comprimir o número de guitarra acústica ou baixo para rastrear a partir dos arquivos de exercícios e comprimi-los com a intenção de tornar a dinâmica estável. Use seu compressor de estoque e tente atingir cerca de cinco dB de compressão de várias maneiras. Tente ter um ataque rápido com um limiar muito alto que pode parecer bom, talvez diminua o limiar, mas diminuiu o ataque. Veja como a proporção afeta ambas as configurações. Observe que as alterações feitas exigirão algumas adaptações em outros parâmetros também. E certifique-se de que o caminhão ainda esteja respirando e não se sinta engasgado. Após alguns minutos de experimentação, tentei fazer EQ corretivo antes do compressor e ver como isso muda a maneira como ele se comporta. Alterar o equilíbrio harmônico também mudará a dinâmica em determinados cenários. Experimente isso e veja como ele aparece na prática. No próximo segmento, explicaremos como usar o compressor e ouvir como ele pode ser usado artisticamente. 11. Compressores parte 2: O último segmento, os parâmetros do compressor foram explicados e usamos compressão para controlar o nível de uma pista. Neste segmento, quero mostrar e explicar como os compressores podem ajudar a moldar o envelope, caráter e o tom também. Por exemplo, esta é a mesma faixa com dois exemplos extremos apenas para fazer um ponto. Mas, embora, como mencionei, todos os parâmetros funcionem em conjunto e não possam ficar sozinhos. É seguro dizer que os parâmetros de ataque e liberação serão a principal influência sobre o tom pelo compressor. Mais uma vez, perspectiva, você deve saber que no mundo analógico, o ataque rápido é em torno de 20 microssegundos e a liberação mais rápida é considerada em torno de 50 milissegundos. Compressores com tempos de ataque de dez milissegundos são considerados relativamente lentos e os tempos de liberação podem atravessar o intervalo de 1 segundo. Os compressores digitais podem oferecer a você ainda mais rápido e lento às vezes para trabalhar, se você precisar deles, tempos de lançamento rápidos, traremos emoção e atitude para atrair, enquanto tempos de liberação lenta mantenha sua pista mais apertada e suave. Tempos de lançamento rápidos podem ajudar no desempenho instável pode ser usado para alterar o timbre de uma faixa ou apenas ser um problema. Portanto, esteja atento a esse parâmetro. Liberação lenta significará manter a compressão por um tempo, que pode ajudar a limpar a pista e suavizar o próximo transitório. Mas você precisará ter certeza de que ele lê com o sulco das faixas porque também pode sufocar o som se for muito longo. Então, novamente, esteja ciente de como sua versão está afetando o áudio e observe que se ele serve, suas intenções não são. O mesmo princípio vale para os tempos de ataque. Relativamente rápido resultará em tons agressivos, enquanto o imposto lento será mais natural e suave, como os compressores EQs podem ser usados para trabalhos em pares ou de forma estilística, adicionando personagem e tom às faixas. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos e ver como eles vêm jogar. Aqui está uma guitarra acústica. Digamos que eu gostaria acentuar seus transitórios e introduzir mais atitude de Eles apenas atacarão o suficiente para deixar os transitórios passarem antes a compressão entre em ação e estabeleça uma liberação rápida. Assim, o compressor voltará à redução de ganho de 0 dB antes a próxima tendência venha ao lado do efeito dinâmico que a compressão teve na pista. Observe o que ele faz com o personagem de faixas. Parece mais enérgico e coloca mais adiante. Aqui está a faixa de laço. Nesse caso, quero que as notas fantasmas sejam mais audíveis porque são realmente importantes para o grupo. Então, definirei um limite do compressor para atenuar os hits altos e liberarei rapidamente para que as notas fantasmas fiquem isentas da compressão. O próximo exemplo é a faixa de string. Quero esta seção mais equilibrada, mas ainda dinâmica. Então eu vou discar em um ataque relativamente lento e liberação rápida de médio prazo para tê-lo no lugar, mas com a compressão não para Audible. Observe que a seção soa mais colada, por assim dizer, já que a dinâmica funciona em conjunto, embora as emulações digitais consigam trazer o caráter dos compressores analógicos clássicos. Eles ainda reagem um pouco diferente ao áudio, especialmente quando há muita redução de ganho acontecendo. Então, ao trabalhar no reino digital, às vezes os engenheiros encadeiam vários compressores, um após o outro. Cada um será comprimindo apenas um pouco para que o efeito final soe suave. Então, como você pode ver, compressores ou uma ferramenta muito musical e têm impacto emocional tanto quanto qualquer outra ferramenta que usamos. É multiuso, pois pode ser usado para controle dinâmico, um pouco de distorção, até mesmo EQ de certa forma e para melhorar a emoção quando for necessário. 12. Compressores parte 2 — projeto: Essa atribuição de segmento será comprimir artisticamente, pegar as faixas que usei neste segmento e experimentá-las você mesmo. Tente torná-los mais agressivos e, em seguida, tente fazê-los se sentirem mais macios. Esteja ciente do impacto emocional. Os detalhes técnicos têm um depois de terminar a guitarra, cordas e laço, passar para o outro material de origem e a pasta de exercícios. No próximo segmento, passaremos pelos vários tipos de compressores e as diferenças entre eles. 13. Tipos de compressor: A última coisa a se familiarizar antes com algum tópico de compressão os vários tipos de compressores, já que alguns não são tão intuitivos quanto outros, vou mostrar e explicar como usar um combustível e espero poupe alguma confusão quando você os encontra você mesmo. Os compressores digitais geralmente podem ser totalmente ajustados. Eles também são muito limpos, tornando-os uma boa ferramenta para qualquer coisa. Praticamente o compressor que usei nas demonstrações no segmento anterior é meu plugin de ações DAWs. Mas existem muitos plugins de terceiros que têm alguns recursos muito úteis incorporados. Fet significa transistor de efeito de campo. Esses compressores podem atingir um tempo de ataque muito rápido por causa de seus circuitos de transistor e podem ser usados para qualquer coisa, desde vocais, Bayes, regra máxima ou qualquer outra coisa que exija rápido e configurações de ataque limpas. O 1176 é o compressor FAT mais famoso e você provavelmente encontrará muitas emulações desta ferramenta de mistura clássica. O 1176 tem um nível de limite fixo. Então, para começar a compactar, você precisa empurrar o nível de fontes com o botão de entrada para o limite e, em seguida, equilibrar o volume com o botão de saída. O 1176 é que o ataque varia de 20 microssegundos a 800 microssegundos para liberar varia de 50 milissegundos a 1,1 segundos. E uma coisa importante a saber é que os parâmetros de ataque e liberação são contra-intuitivos. O número mais alto representa o ataque mais rápido e o número mais baixo representa o mais lento. O último recurso legal do 1176 são todos os botões no modo, também conhecido como modo britânico, por padrão, quando uma proporção foi escolhida no compressor, a proporção escolhida antes é desselecionada. Mas engenheiros britânicos descobriram que todas as proporções são empurradas na reação dos compressores é leve distorção e tempos extremos de ataque e liberação. Isso dá muito caráter e pode ser usado para dar um toque extra de emoção. Os compressores ópticos têm um design interessante. O áudio que passa pelo compressor passa por um elemento de luz que acende e desce à medida que o nível de entrada muda em torno do elemento, há uma célula óptica que atenua o áudio à medida que o prazer se torna mais forte, esses compressores têm tempos de ataque e liberação lentos e são considerados macios e quentes. compressores ópticos são bons para fontes que precisam de atenuação lenta, como certas seções vocais, base ou string. L2 é o compressor mais famoso e também tem muitas emulações. Você certamente encontrará DLA para um tem dois pontos, redução de pico, que age como um botão de limiar e ganho, que é o nível de saída. modo geral, o LA bidirecional tem um joelho macio na proporção média de 41, ataque médio de dez milissegundos. E para lançar estágios, 50% do lançamento acontece em torno de 60 milissegundos. E o segundo 50% pode levar entre um a 15 segundos. Mas todos esses parâmetros que acabei de mencionar flutuam de acordo com o áudio que vem através do compressor. Então, como você pode ver, embora seja muito simples de usar, o LQA é realmente um compressor muito complexo e musical. Os compressores de tubo vivem e seu circuito e criam o calor desejado que é considerado o som do tubo de assinatura. Esses compressores serão ótimos para certos vocais, seção de cordas e qualquer material de origem que possa usar tons de tubo. O compressor mais famoso nesta categoria é provavelmente o Fairchild, que tem 20 tubos nele. Este compressor tem uma entrada, um botão de limiar e o que o designer chamou de constantes de tempo, que são combinações diferentes de parâmetros de ataque e liberação. Os tempos de tecnologia variam de 200 a 800 microssegundos e tempos de liberação variam de 300 microssegundos a 25 segundos. Em casos extremos, se você comprar em emulação do compressor Fairchild, certifique-se de ler o manual. Como este compressor é muito único e tem muito a oferecer, VCA significa amplificador controlado por tensão. A forma como esses compressores são construídos dá a eles a capacidade de serem muito rápidos e lentos. Devido a essa flexibilidade, eles são freqüentemente usados no barramento mestre ou na bateria, com o melhor exemplo sendo o compressor de barramento SSL, que oferece uma grande variedade de tempos de ataque e lançamento são diferentes. famoso compressor VC é o dvx 1 sexto, que na verdade é muito limitante em termos de opções. Como o SSL é mais flexível, muitas vezes ele será usado no barramento mestre. Onde está o dp? Dx é um realçador de soco clássico para bateria por causa de seu ataque muito rápido e agressivo. Os compressores multibanda são, na verdade, vários compressores em uma unidade divididos em toda a faixa de frequência. Isso nos dá a opção comprimir intervalos específicos de forma diferente, ou comprimir apenas uma faixa específica em vez de toda a faixa, existem compressores multibanda analógicos, mas eles não são tão comumente emulados. Então, você verá principalmente compressores digitais como as ondas C4 ou C6 e o filtro Fed Pro e B. Se você tiver alguma dessas emulações, vá em frente e experimente com elas. Ter uma grande variedade de dá-lhe muita liberdade criativa, mas também muito para aprender. A maneira que sugiro que você aprenda diferentes tipos de compressores é escolher um compressor e tentar usar apenas esse para atingir seus objetivos de compressão. Faça isso pelo menos por um tempo e aprenda suas capacidades tanto como e aprenda suas capacidades tanto como ferramenta dinâmica quanto como potenciador emocional. Após alguns dias ou uma semana de uso consistente, mude para um compressor diferente e aprenda isso completamente. Fazer isso forçará você a experimentar e conhecer suas ferramentas em maior profundidade do que apenas escolher aleatoriamente algumas e trabalhar com elas. 14. Expanders: Os parâmetros que você encontrará neste segmento são os mesmos que nos compressores, um intervalo de parâmetros adicional oposição aos expansores de compressores, ou realmente usados para aumentar a faixa dinâmica um intervalo de parâmetros adicional em oposição aos expansores de compressores, ou realmente usados para aumentar a faixa dinâmica em tornando as partes silenciosas de uma pista ainda mais baixas. O áudio acima do limite permanece o mesmo, e o áudio abaixo dele será atenuado de acordo com o que você discou nos parâmetros de intervalo e proporção. O parâmetro range limitará a quantidade de atenuação introduzida pelo expansor. E a proporção definirá quanta atenuação ocorrerá. Os tempos de ataque e liberação definem quão rápido ou lento o expansor das obras, assim como em um compressor. Aqui está um exemplo de um expansor em ação. Os portões de ruído são simplesmente expansores com configurações extremas que atenuam o áudio abaixo do limite para silenciar, os parâmetros de alcance e proporção são achatados e, em seguida, os parâmetros de ataque e liberação são usados para adaptar o efeito e torná-lo natural. Os portões de ruído são usados principalmente para limpar trilhas, o que é muito útil porque quando uma pista é fortemente processada, o excesso de ruído na pista será aprimorado. E assim, ter uma faixa mais limpa permite que você processe o áudio tanto quanto quiser sem o efeito infeliz de melhorar o ruído indesejado. O portão de ruído em tambores magnéticos fechados é muito útil porque pode lhe dar mais controle e ter um canal funcionando totalmente como um canal de bateria sem efeito sobre o quão alto são os outros tambores. Tudo isso dito, é importante notar que às vezes ter ruído ambiente e Mike sangrar de instrumentos multimodelo é realmente útil. Portanto, não use apenas portões por causa de caminhões mais limpos. Observe se seu efeito está ajudando ou não e use Consequentemente. Pessoalmente, não me encontro usando expansores muito, mas acho os portões de ruído bastante úteis em mente misturando, experimento com essas ferramentas e descubro o que funciona para você. Os ensaios ou compressores que se concentram na alta faixa do espectro de frequências e são usados para controlar os sons S dos irmãos e mastigar sons podem aparecer em trilhas e ser um pouco desconfortáveis de uma forma e o éster é vir para resolver este problema quando você trabalha com o DSR, A primeira coisa que você precisa encontrar é onde as frequências que você está. Isso mudará de cantor, cantor e do Dr. Mike e também variará dependendo do continente. Você pode precisar de um ds ou para os ensaios e outro para os dois sons mais, então às vezes ter com o éster é compartilhar o fardo sobre os mesmos irmãos vai soar mais natural do que ter um trabalhando sozinho. Depois de encontrar a faixa de frequência em que deseja que o deserto funcione, você precisa definir o alcance, que é a atenuação máxima com a qual o d'Azur terá que trabalhar. Alguns dos perigos vão parar por aí, e alguns terão mais parâmetros para tocar com o limite ou até mais tipos de banda para detectar os irmãos no áudio, você não quer exagerar sim, já que isso pode criar uma sensação semelhante às listas que podem perturbar seu cantor. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Então, embora possam parecer simples, isso deve ser tratado com delicadeza. Dsrs também pode ser usado para reduzir ressonâncias em faixas que não são. Vocais podem ser usados em guitarras, cordas ou qualquer canal que tenha ressonância de alta frequência está indo e vindo. Limitadores são compressores com proporções muito altas que limitarão a dinâmica dos áudios tendem a uma proporção e acima já são consideradas limitantes. E há limitadores trabalhando em proporções de 100 para uma e até infinito para um. Esses limitadores são chamados limitadores de brickwall e são usados para reduzir o nível de pico e , portanto, melhorar o nível geral. Se o que acabei de dizer confundir você, volte para o segmento de nível e tipo de medição no capítulo da teoria da gravação. Mas, em suma, o nível geral de uma pista aumenta à medida que o alcance dinâmico é reduzido. Imagine que seu áudio está sendo empurrado para o teto. A parte mais silenciosa do seu áudio aumenta à medida que você aumenta o nível para cima. E a primeira coisa a alcançar são os picos. Quanto mais você empurrar, mais alto o áudio ficará à custa do seu alcance dinâmico, já que os picos já atingiram seus limites e agora estão restritos pelo teto. Observe como os níveis LU AFS aumentam à medida que eu empurrei o áudio mais para o limitador. É importante notar que os limitadores de parede de tijolos alteram as formas de onda devido à compressão extrema e podem causar distorção digital que será audível. De um modo geral, você deve ter cuidado com essas ferramentas porque elas são muito extremas. Os limitadores são frequentemente usados no barramento mestre no estágio final de masterização, mas também podem ser usados em faixas específicas que precisam de seus picos reduzidos, como guitarras acústicas ou bêbados. 15. Expanders / Portões — Tarefa: Toma o nervo número três e tente expandir e obtê-lo você mesmo. Se você se sentir confuso, volte ao início do segmento e assista novamente, mas tente colocar a cabeça em torno dele logicamente. Então o S, a faixa vocal, os cantores, irmãos é muito forte e precisa domar, mas garante que você não exagere e tenha seu som como se ela estivesse listando. Por fim, pegue uma das misturas da pasta mixins e limite-as. Veja o que acontece quando você empurra demais, brinca com os tempos de ataque e lançamento e veja como isso afeta os limitadores. E então tente alcançar um resultado que seja realmente verdadeiro. 16. Saturação: saturação está se referindo a formas leves ou extremas de distorção e é uma das ferramentas mais criativas dos misturadores. A saturação pode ser alcançada sobrecarregando um circuito de tubo, circuito de transistor, pétalas de fita e de muitas outras formas. Em essência, a distorção está alterando uma forma de onda e alterando seu conteúdo harmônico. E pode ser usado em qualquer fonte em qualquer grau para modelagem tonal leve ou destruição completa. Muitos desses circuitos ou fóruns de distorção foram modelados para ter essas manipulações temporais na caixa, significado e no computador. E assim, mesmo nos dias digitais limpos de hoje, podemos adicionar alguns tons de som analógico mesmo quando trabalhamos com equipamentos modernos e limpos. Vamos começar com um pouco de teoria e depois chegar aos sons práticos e usos da saturação. A saturação adicionará frequências ou, em outras palavras, harmônicos ao seu sinal. Existem até harmônicos de ordem e harmônicos de ordem ímpar, às vezes considerados como harmônicos de segunda, terceira ordem. Mesmo os harmônicos de pedidos serão até múltiplos de uma frequência. Por exemplo, se tivermos uma onda senoidal que tenha uma única frequência tocando a 100 hertz. Saturá-lo com harmônicos de ordem uniforme criará uma frequência em 200 hertz do que 400, 600 e assim por diante. Harmônicos de ordem ímpar serão múltiplos de números ímpares. Assim, os tons criados a partir da saturação serão trezentos, quinhentos , setecentos e assim por diante. Como a maioria dos arquivos de áudio que você usará, teremos muito mais de uma frequência. Os cálculos serão muito mais complexos, mas a matemática não é tão importante quanto entender que saturar ou distorcer a faixa criará e alterará frequências na faixa que você está alterando. Até os harmônicos de pedidos são às vezes considerados mais agradáveis do que harmônicos de ordem estranha. Pessoalmente, não dou um **** e recomendo experimentar e usar os dois. Agora vamos pegar os aspectos práticos. Aqui está um vocal limpo. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Aqui está o mesmo vocal com saturação leve. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. E aqui está com saturação extrema. Juro que não falei como monge para mim. Vamos ver as formas de onda desses três exemplos. À medida que você vê as informações de pico e a forma da forma de onda, ou em outras palavras, a dinâmica e o conteúdo harmônico da faixa, eu mudei completamente. Agora vamos ouvir diferentes tipos de saturação e tentar perceber a diferença de tom. Isso é saturação de tubo. Juro que não falei como em mente, eu giro para mim. Isso é saturação de fita. Isso é saturação de transformadores. Juro que não falei como pode ser girado hoje à noite. Ouvir essas variações delicadas entre os diferentes saturados pode levar algum tempo. Mas quando você treina seu ouvido e os usa com bom gosto, você pode alcançar tons que não são acessíveis com EQs ou compressores, uma vez que a saturação não manipula apenas as frequências existentes, mas também criar novos, saturação também altera a dinâmica e pode ser usada para controlar picos e elevar o nível geral de faixas. Por exemplo, aqui está a armadilha. Então, é aqui que estão os níveis de pico. Mas observe o que acontece quando eu distorci levemente. Os níveis de pico são mais baixos, mas o volume parece o mesmo. A distorção pode ser usada como uma ferramenta estilística de modelagem de madeira ou como um EQ ou compressor avançado , por isso é muito divertido. Então tome seu tempo e brinque com distorção e aprenda como e quando. Isso pode ser usado para atingir metas tonais que EQs e compressores não conseguem. 17. Saturação — Tarefa: Abra um plug-in de distorção ou saturação que você tem no seu DAW na faixa número um da caixa, a faixa de guitarra acústica e a faixa vocal dos arquivos de exercícios começam distorcendo levemente e perceba o que acontece com seus níveis de pico e o tom aumenta a saturação gradualmente. E observe o que acontece com o ambiente ou Mike lidera os transitórios, quão clara é a informação e quando você chegar um ponto em que o caminhão está completamente destruído, pare e volte a distorção fora de um após esta fase de experimento lento em um EQ, antes que a distorção seja conectada a um filtro de correia e comece a movê-lo. Lentamente, levante-o gradualmente nas baixas frequências e veja como o saturado ou reage. Em seguida, levante-o nos médios e veja novamente, depois levante-o descontroladamente. Como a distorção adicionará harmônicos acordo com o áudio recebido, elevar baixas frequências também resultará com altas frequências adicionadas. O experimento final é adicionar um EQ após a saturação e ver qual manipulação isso oferece. Divirta-se. 18. Tiras de canais: As faixas de canal são simplesmente um canal de um console. Eles geralmente consistem em um pré-amplificador, uma seção dinâmica que consiste em um expansor OR portão e um compressor e um EQ, ter tudo disposto em uma tira é muito simples e útil em relação ao fluxo de trabalho. E mesmo hoje em dia temos faixas de canal emuladas de consoles específicos que modelam cada componente e dão seu caráter. Empresas de plug-in modernas até têm faixas de canal modulares nas quais você pode personalizar e escolher cada módulo e construir sua própria faixa de canal personalizada. Então, a faixa de canal SSL se parece com isso. E você pode ver que temos uma seção de filtro aqui, a seção dinâmica aqui. Este é o compressor no qual você pode definir o limite e a liberação da proporção. Este botão controlará o ataque e será definido como ataque rápido ou um ataque lento. E este é o portão ou expansor que você pode definir usando esses três botões. Aqui você tem o famoso SSLD q, consistindo de prateleira baixa e alta que pode ser alterada para filtros Bell e faixas de sino de médio alcance. Como você pode ver aqui, você pode levar a seção dinâmica para dentro ou para fora e o compressor ou expansores especificamente dentro ou fora. E aqui você tem a opção de engatar ou desengatar o EQ, o botão de corrente lateral dinâmico. Usaremos o EQ que você criou nesta seção e enviaremos para o circuito de corrente lateral ou, mais precisamente, o circuito detector do compressor. Se o que acabei de dizer não ficou claro para você, tenho um vídeo cobrindo compressão em profundidade em que explico qual cadeia lateral e o circuito do detector no compressor. Ou, por último, o botão pré-dinâmico ou altere o fluxo de sinal dentro da faixa de canal e coloque o EQ antes da seção dinâmica. Como padrão, o fluxo de sinal vai assim. Você tem o pré-amplificador, as entradas vão para a seção dinâmica, que depois vai para a seção EQ, depois para a seção de filtro e, finalmente, para o fader de saída. Isso simplesmente significará que o áudio vai do pré-empt para o EQ. E, em seguida, seção dinâmica. Vamos agora dar uma olhada em uma faixa de canal diferente do áudio Lindell. E vamos ver como a lógica que acabamos de aprender com o SSL vem para jogar com este plugin. Aqui temos a seção de pré-amplificadores, que tem um botão de entrada e saída que podemos usar para saturação, um aumento alto ou baixo aumento e filtro passa-alta e passa-baixa. Em seguida, temos o compressor. Isso é em 1176. Ele também tem uma entrada e saída, não a opção de brincar com tempos de ataque e lançamento lentos, médios e rápidos. E o botão seco e molhado também. Este compressor dois tem um filtro de sargento que você pode aprender no meu vídeo anterior, algumas proporções para escolher e a opção de decidir quanto cada lado do estéreo afeta o outro. Por fim, temos um protocolo AQ, que você também pode aprender nos meus tipos de EQ Vídeo explicado. E você tem a opção de jogar com o fluxo de sinal usando essas setas. Agora que entendemos a lógica, vamos brincar e ver como isso vem à ação. Estamos usando um loop do meu próximo pacote de amostras que você também receberá primeiro se você se inscrever na minha lista de e-mails. Portanto, esse é o loop não processado. Vamos começar a brincar com ele. Tudo. Desengate o compressor e o agudo. E começaremos com a seção de pré-amplificadores. Posso passar de saturação leve a saturação bastante extrema , se eu quiser. Agora, vamos passar para o compressor. Passando para o EQ. Então, como você pode ver, ter tudo definido em um pacote é muito útil para o fluxo de trabalho. Vejamos uma última faixa de canal apenas para obter as informações incorporadas em nossos cérebros. Esta é a faixa de canal API por UID e o fluxo de sinal vai de cima para baixo e da esquerda para a direita, você terá a seção antecipada passando pelo filtro indo para o portão do expansor, depois para o compressor e, em seguida, para o EQ e, por último, o fader de saída. Então aqui você tem a seção de entrada que consiste uma entrada de microfone e linha que você pode alterar aqui, você pode saturar seu áudio usando esses botões. Você tem um bloco atenuando o nível do áudio e um filtro de corte baixo. E, por fim, um botão flip de fase, um filtro passa-baixa e passa-alta que você pode engatar aqui e enviado para a corrente lateral também. Em seguida, a seção dinâmica clássica, você tem o expansor de portão aqui. Você tem esses botões no compressor mudando o joelho de difícil para macio e a compressão de novo para antigo que, se eu me lembro corretamente, muda o tipo de compressão de cima compressão para compressão descendente. E o recurso legal que você inseriu aqui é que você pode mudar dos cinco cinquenta, cinco sessenta EQ aqui você também tem o botão predinástico, que mudará o fluxo de sinal e o lado dinâmico cadeia. Então, embora possam parecer pouco intuitivos no final do dia, as faixas de canal são bem simples de dar a cabeça. Então, da próxima vez que você vir uma faixa de canal, não fique assustado ou confuso. Basta tentar entender o fluxo de sinal ou engatar e desengatar módulos dentro da faixa. E para entender se a faixa de canal oferece recursos especiais exclusivos para ela. 19. Reverb parte 1: reverberações são numerosas reflexões de um som que atinge nossos ouvidos depois de encontrar uma ou várias superfícies, o comprimento e o timbre desses reflexos nos dão uma indicação do tamanho do espaço. O som é n, e o material que o espaço é construído a partir de unidades de reverb nos dá a opção de criar uma sensação de espaço em torno de faixas que misturamos, emulando como espaços e materiais reagem ao som. Existem muitas maneiras de criar reverberações, e cada maneira tem seu próprio tom e caráter únicos. Como gravar em uma catedral ou sala de concertos é um pouco complicado, estúdios encontraram soluções interessantes antes que os reverbs digitais fossem inventados. Uma câmara de reverberação foi a primeira, era simplesmente uma sala construída a partir de concreto ou qualquer outro material reflexivo que tivesse um alto-falante e microfone está nele. áudio foi enviado para o alto-falante, difundido na sala devido à sua natureza reflexiva e gravado através dos microfones. Estúdios famosos tinham câmaras que lhes deram seu som icônico. E hoje em dia, muitas dessas câmaras são emuladas em plugins e hardware digital se esconderá à medida que entraremos. Reverbs de placa ou outra solução criada por grandes e finas folhas de metal. Um motorista vibrou o avião acordo com o áudio que foi enviado para ele. E a vibração foi então gravada com dois captadores com reverbs de mola usam a mesma abordagem, mas em vez de vibrar uma placa de metal, é uma mola de metal que inevitavelmente cria um distinto tons diferentes. Esses reverbs têm um selo estilístico na história da guitarra rock e ainda são construídos como parte de muitos amplificadores e pétalas de guitarra. reverbs digitais apareceram nos Os reverbs digitais apareceram nos anos setenta e estamos programados para criar uma sensação de espaço, atrasando o sinal de entrada com muitos atrasos rápidos e filtros semelhantes ao reflexo de uma sala. Eles não tentaram emular uma sala específica. Assim, algoritmos diferentes receberam caracteres diferentes e não estamos focados em soar real tanto quanto agradável ou lisonjeiro. Hoje em dia, temos o poder do computador para modelar como salas reverberam e, portanto reverbs de convolução foram inventados. Esses reverbs usam respostas de impulso, que são perfis de áudio de um espaço criado por algoritmos que analisam como o espaço reage ao áudio entrará e escolherão Ir. modelagem moderna para empresas de plug-in e hardware nos dá uma grande variedade de tipos de reverb para escolher, de salas de concerto e arenas, dois banheiros e cozinhas. A maioria dos tipos de reverb pode ser usada com o estojo longo ou curto. Mas, naturalmente, as cavernas e câmaras de Paulo serão mais longas do que os quartos. Por exemplo, os parâmetros que você encontrará na maioria dos reverbs serão o pré-atraso, que é o tempo que uma unidade leva antes iniciar o processo de reverberação decaimento ou tempo, o que ditará quanto tempo os leitos do rio e um botão seco, molhado ou misturado que lhe permitirá misturar o sinal original, que é o seco, com o reverb, que é o sinal molhado. O parâmetro pré-atraso é útil quando você deseja criar uma distinção entre a fonte e o rio. Aqui está uma fonte enviada para um reverb sem pré-atraso, se esconderá à medida que entraremos e verdadeiramente. Mas vá a lei Dan agora com algum pré-atraso, vai se esconder à medida que entraremos e são verdadeiros. Mas nosso objetivo, então, o vocal é mais distinguível dessa maneira, já que o reverb não está manchando a fonte de áudio inicial, isso é algo que eu poderia querer em certos casos e talvez não em outros dependendo do estilo de música em que estou trabalhando e da fonte com a qual estou trabalhando, o tempo de decaimento será definido pelo objetivo que estou tentando alcançar. Como regra geral, longo rio dos tempos geralmente criará uma sensação de distância e tempos curtos de reverberação, criaremos uma sensação de espaço, vamos mastigar. Vamos para dentro e iremos. Grosso modo, o caso abaixo 1 segundo é considerado curto. E como você viu quando o reverb curto foi engajado, ele realmente colocou a fonte no espaço. O reverb longo teve um efeito semelhante, mas enfatizou Granger mais do que o campo de um local específico. Envio e devoluções aparecerão em outro segmento. Mas vou mencionar em suma que o botão seco e úmido, que pode aparecer como mistura, é usado quando um reverb é inserido em uma pista e não enviado para ele quando o rio está em uma pista auxiliar, deve ser 100% molhado. O equilíbrio entre o sinal seco e úmido pode ter um efeito sobre quanto tempo você vai querer seu reverb se você decidir ter o reverb relativamente alto e aparente em sua mistura, você pode querer encurte seu tempo de decaimento para que a fonte não se espalhe. Não há certo ou errado tanto quanto há intenção. O gênero, seu trabalho, seu próprio gosto pessoal ditarão as decisões que você toma. A única coisa que eu quero apontar é, novamente, misturar é um quebra-cabeça e mudanças em um lugar podem exigir adaptações em outros parâmetros você pode encontrar e reverbs são tamanho, o que muda o tamanho do programa, da sala, e cria variações no tom e no K da difusão de reverb, o que muda o quão reflexivo é o espaço que você programou. E, portanto, como o fundido, o reverb será reflexão precoce, que muda o quão longe ou alto as reflexões iniciais serão comparadas com o resto dos filtros BQ reverb, geralmente prateleira alta ou baixa ou cortes que permitem moldar ainda mais o tom do reverb ou tirar frequências que podem estar em conflito com outros elementos na mistura. Todo fabricante pode adicionar suas próprias adições pessoais. Então procure as coisas no manual e Casey veja qualquer coisa com que você não esteja familiarizado. 20. Reverb parte 1 — Tarefa: A tarefa de hoje será ganhar alguma familiaridade com diferentes tipos de reverb. Veja quais plugins de reverb você tem no seu DAW e insira-os no canal aéreo da pasta de exercícios, defina-os para 20% molhados ou e ouça-os um a um, percebendo o diferentes texturas e dimensões que eles criam, depois adicione 20 milissegundos de pré-atraso, depois adicione 20 milissegundos de pré-atraso, AB para o pré-atraso de 0 milissegundo e tente perceber o impacto que tem ou os transientes mais claros, Existe algum quando você terminar com isso, defina o pré-atraso de volta para 0 e altere o tempo de decaimento para 1,5 segundos, passe pelos tipos de reverb novamente com as mesmas diretrizes de escuta, e, em seguida, altere o pré-atraso para 20 milissegundos e ouça novamente. A terceira tarefa é ouvir os reverbs e um ser eles com o sinal seco. Isso realmente focará seu ouvido em como o reverb está realmente mudando a fonte. Depois de terminar isso, vá em frente e experimente diferentes quantidades de porcentagens secas e úmidas, k vezes e privilégio para aprofundar sua compreensão. 21. Reverb parte 2: Reverbs podem ser simples, mas há mais para eles do que apenas definir os assassinatos e praticidades simples que podem ser uma parte importante do seu arranjo de certa forma e criar alguns links que irão seu ouvinte em uma jornada emocional. Como exemplo, aqui está a diferença entre uma transição seca em uma música e uma cuidadosamente processada. Diferentes tipos de reverb têm texturas tonais variadas , como vimos no último segmento, e podem ser usados para atingir uma grande variedade de objetivos. Como é o caso da maioria das técnicas que discutimos, você formará sua própria abordagem à medida que mergulhará mais fundo na produção musical ou no mundo da mixagem. Mas, por enquanto, tente isso. Olhe para sua produção ou mista como uma peça de teatro. Entenda quem é o personagem principal ou os personagens coadjuvantes e qual é o cenário ou o cenário da performance? Reverb será útil na criação do cenário. Vamos dar uma olhada em um arranjo e ver como essa abordagem vem à prática. Vamos sair desta cidade. Aves sazonais, o alcatrão está ameaçando se afogar. Vamos, levante-se. A música começa com o som de ping à direita atuando como o personagem principal. A introdução inclui um loop melódico à direita e vários elementos percussivos que são panned de forma diferente e são enviados para um reverb de sala em diferentes níveis. Na introdução, o loop melódico parece ser o personagem principal, mas quando a base vocal e as estradas entram, o ouvinte começa a entender que na verdade faz parte do cenário. Vamos sair desta cidade. Pássaro sazonal, enquanto o vocal é o personagem principal e a base e as estradas ou características secundárias, o vocal é central, reverb muito ligeiramente para criar a sensação que é um parte da sala, mas mais próxima do ouvinte, levará qualquer coisa que pareça em casa. E a base e as estradas não são enviadas para o reverb , pois são baixo alcance não dominam a sensação de proximidade que o vocal tem. Como você vê, meu foco é quais sentimentos ou sensações os tons criam em vez de qual ferramenta é usada para tentar entender qual experiência você quer criar para o seu ouvinte e lentamente encontre uma maneira de lá de uma forma ou de outra. 22. Reverb parte 2 — Tarefa: Como prática e como tarefa de hoje, escolha algumas músicas ou um álbum que você gosta e preste atenção em como o reverb é usado nelas. Quanto tempo ou curto é o reverb, quanto reverb existe e em que cenário isso coloca você? Essas perguntas ajudarão você a entender por que essas escolhas foram feitas. E depois de ouvir algumas músicas com essas perguntas em mente, tente experimentar reverb usando as faixas da pasta de exercícios. Aqui estão alguns pontos de bala para orientar sua experimentação. Veja o efeito que quantidades mínimas de reverb tem sobre o tom de uma faixa. Observe as adaptações que você pode precisar fazer ao alterar a quantidade de reverberação introduzida. Por exemplo, se eu deixar uma faixa mais seca, talvez eu precise fazer a decadência mais longa. Tente ouvir como o reverb de enfileiramento E afeta o reverb e a fonte. 23. Delay: Delay or echo, é um efeito que repete o áudio que vem através dele, mas não deixe que a simplicidade o engane porque esta é uma ferramenta muito poderosa que ajudará na criação estilo espacial e texturas interessantes em suas misturas. Há dois parâmetros básicos a serem considerados em um atraso. Em primeiro lugar, o tempo de atraso, que define quanto tempo há entre o sinal original e o eco. E em segundo lugar, feedback, que determinará quantas repetições o atraso terá. A maioria dos plugins de atraso lhe dará a opção de sincronizar seu atraso o tempo do projeto e obter facilmente o efeito ecoando ranhurando com a música. Você também pode fazer isso manualmente e definir o atraso em milissegundos. O atraso será audível como um pedaço de áudio separado de 30 ou 40 milissegundos em diante. Quando você usa tempos de atraso mais baixos, haverá uma mudança de fase porque as duas formas de onda estão tão próximas e um efeito de chorusing será introduzido. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como pode ser girado hoje à noite. O botão de feedback essencialmente envia a saída da unidade de volta para a entrada e alimenta de volta através do circuito de atraso , adicionando outra repetição ao efeito. Esse parâmetro pode ser chamado de repetições e pode ser usado levemente graus variados, dependendo do efeito que você está tentando criar. Diferentes atrasos lhe darão diferentes maneiras de adaptar o som do delay, como IN locate filters, Q, reverb, saturação e modulação, que serão explicados no próximo segmento. Eles são usados para esculpir o tom ou a textura do atraso e ajudá-lo a criar uma distinção entre o ambiente diferente à medida que você cria atrasos diferentes, tem algumas configurações e usaremos um cuboide por brinquedos sonoros, que tem muitos. Você pode configurá-lo para um único atraso, que é um canal mono, repetindo sua ferramenta de áudio ou atraso estéreo, que serão dois canais panned para a esquerda e para a direita e configurados separadamente para reproduzir com seu delay ping-pong, que também é uma configuração de dois canais que é primeiro enviada para a esquerda e depois enviada para o canal vermelho, criando um efeito de ping-ponging entre os dois alto-falantes e rítmico, que reagirá a um ritmo que você predeterminou antes que os atrasos digitais chegassem ao mundo do áudio, fita analógica foi usada para atrasar um sinal enviado a ele usando fita deu uma certa madeira para o sinal atrasado que ainda é procurado até hoje, unidades como o duplex e o Roland space eco são usadas com bastante frequência em produções modernas e são emuladas por muitas empresas de plug-in. Em outra unidade de atraso antiquada é o Cooper time q, que na verdade tem uma mangueira de jardim que atrasa o sinal. Há dois também tem um som muito icônico e ainda estão sendo usados em muitos discos. Em seguida, as unidades de atraso digital chegaram na forma de pedais de guitarra e muitos plugins, alguns deles são designs únicos e alguns deles modelam unidades específicas com seu tom e características. Os atrasos podem ser usados de algumas maneiras para estilizar, criar espaço ou, como na verdade, um bom exemplo para um uso estilístico de um atraso é um truque dos anos sessenta chamado slapback ou slap delay. Os atrasos de tapa têm uma única repetição com um tempo de atraso rápido entre 4120 milissegundos que costumava ser usado em guitarras e vocais e ainda é usado até hoje quando você deseja criar um nostálgico referência em produções. Muitas vezes, os atrasos são usados para criar uma sensação de espaço de uma maneira diferente da reverb. Por exemplo, aqui está um vocal seco e verdadeiro. Mas nosso objetivo então, aqui está o vocal enviado para um atraso de ping pong vai se esconder à medida que entraremos e verdadeiramente. Mas nosso objetivo, então, pode parecer um pouco irreal solado, mas na mistura, ele pode ser usado levemente para dar uma presença vocal ou maior do que a vida. Glaze também pode ser usado para criar alguns efeitos que enfatizaremos certas partes do desempenho. Ele também pode adicionar dinâmica e ranhura através da sua mistura e criar um belo caos quando você sentir que é necessário. O primeiro exemplo que vou mostrar é uma técnica chamada delay throws. Depois de definir seu atraso, você pode enviar áudio para ele quando quiser que uma frase se repita, pois a automação se esconderá à medida que entraremos e verdadeiramente. Mas nosso objetivo então, automação será explicada em um segmento próprio. Mas, por causa desse exemplo, vamos considerar a automação como o processo de mudar um determinado parâmetro durante o curso de uma música. Por exemplo, quanto um canal está sendo enviado para um atraso. Assim, você pode usar alguns atrasos para lançamentos de atraso. Aqui está um exemplo que está um pouco exagerado. Apenas por uma questão de demonstração, vamos nos esconder à medida que entraremos e são verdadeiros. Mas nosso objetivo. Outro efeito vem de um efeito colateral que os atrasos na fita tiveram quando você brincava com a velocidade da fita. Isso pode parecer familiar e os processos simplesmente reproduzidos com a velocidade do atraso quando o áudio estiver passando por ele, um efeito 3D que você pode criar como discagem em quantidade extrema de feedback até o atraso atinge o caos completo, iremos para a árvore. Quando você combina isso com as variações de velocidade, você pode criar tons muito legais e se divertir muito. Vou apresentar o último efeito que você pode criar com atrasos, e é chamado de efeito Haas, que usa um fenômeno psicoacústico registrando como nossos cérebros localizaram o som. Deixe-me demonstrar aqui o que acontece quando pego uma fonte mono, insiro um atraso estéreo nela e adio um lado apenas dez milissegundos à medida que entraremos. E essa técnica é usada principalmente para fazer um mono ou estéreo, mas isso também pode ser usado em fontes estéreo para criar um efeito de ampliação e uma ligeira mudança temporal. A última coisa a falar agora que estamos familiarizados com funcionamento de um atraso é como configurá-lo em nossas misturas. Você precisa ter algum nível passando por seu atraso para definir o tom dele. Então comece enviando um nível saudável e percebendo essas poucas coisas. O ritmo do atraso tem que trabalhar com o sulco do instrumento que você está afetando e com o sulco das músicas. Observe que se o atraso torna a mistura entupida e lamacenta, isso pode ser resolvido filtrando as baixas frequências do atraso ou diminuindo o parâmetro de feedback. Muitas repetições, então o ambiente criado a partir do atraso deve se adequar ao cenário e efeito emocional que você está tentando criar em sua mistura. Assim como mencionado no segmento de reverb, depois de ter as configurações discadas, recomendo baixar o fader de envio para menos infinito e começar a enviar lentamente rum para cima até que você comece a ouvir o atraso. Se você estiver usando o atraso apenas para criar ambiente, esse pode ser o lugar para parar. Mas se você quiser que o atraso tenha um efeito mais dominante, vá mais longe e certifique-se de que a faixa não seja dominada quando você estiver usando o atraso para o feedback em vigor, basta tomar nota de que você não estão empurrando o feedback por muito tempo ou muito longe, porque ele simplesmente se tornará desagradável. Brinque com o botão de feedback para mantê-lo fluindo agradavelmente. O botão de tempo para criar as variações de tom. Aqui está um exemplo, para que você possa ver isso em ação. 24. Delay — Tarefa: Abra seu projeto de exercícios e insira seu plug-in de atraso de estoque no canal da guitarra acústica. Tenha o plugin com feedback mínimo, tornando-o 20% de largura, defina o tempo de atraso para 160 milissegundos e filtre as altas frequências de dez k em diante. Agora reproduza a faixa e AB a fonte com e sem o atraso. Experimente este atraso de tapa por alguns minutos e brinque com o filtro alto, o equilíbrio seco e o feedback para ver como os dois afetam o atraso, insira um atraso de ping-pong no vocal defina o tempo do projeto para 90 ppm e o tempo de atraso para ping direito e o Pong esquerdo para as notas de quarto definem o botão de mistura, no entanto, você por favor ouça a faixa com ela engajada. Em seguida, altere o tempo de atraso 2.5 notas e decida qual funciona melhor com grupo de vocais depois disso é descoberto, filtre as altas frequências e veja se funciona melhor, eu realmente recomendo seguir essa prática passo a passo porque mostrará por que e como essa ferramenta supostamente simples deve ser pensada depois você terminar essas práticas, você deve tentar usar as técnicas mencionadas em esse segmento porque eles são muito divertidos e podem ser muito úteis. 25. Modulação: O termo modulação refere-se a um grupo de efeitos que têm um parâmetro de modulação neles. Você deve ter ouvido falar sobre phasers, flangers, coros, tremores e vibratos. E neste segmento vou explicar como eles são produzidos e como eles são úteis. Os cursos duplicam um sinal atrasado cinco a dez milissegundos e são reproduzidos sobre o sinal original. A proximidade entre as duas formas de onda cria faseamento e, portanto, o cancelamento de frequência chamado filtragem de pente, devido à forma que o cancelamento tem. Por fim, o tempo de atraso do sinal duplicado é modulado por um LFO, o que cria duas coisas. A primeira é outra variação na relação de fase, e a segunda é uma sensação de variação de pitch devido a um fenômeno chamado efeito Doppler. O melhor exemplo para o efeito Doppler é a mudança de tom de uma sirene de ambulância à medida que ela passa por você e se afasta. A variação do tom vem da alteração da distância ou velocidade da onda sonora para um ouvinte, os principais parâmetros no curso serão a taxa que controla a velocidade do LFO que causa a modulação de pitch e profundidade ou intensidade, que é praticamente um botão seco e úmido que controlará o quão dominante o efeito é. Esse efeito é muito popular e útil de algumas maneiras. Em primeiro lugar, como um efeito notável em fontes como guitarras ou teclados. E quando está em uma configuração estéreo, uso suave criará um efeito psicoacústico que faz com que as coisas soem mais amplas. Além disso, também pode ser usado em uma fonte mono para criar uma sensação de estéreo. Vai se esconder à medida que entraremos e são verdadeiros, mas siga a lei Dan. As flanges também criam filtragem de pente duplicando o sinal de entrada, mas usam tempos de atraso mais curtos que causam maior cancelamento de frequência. E um flanging de tom muito distinto afetará as frequências mais altas mais dramaticamente do que as frequências mais baixas, enquanto o curso será um pouco mais perceptível nos intervalos mais baixos, flanging costumava ser criado colocando dois sinais de áudio através uma máquina de fita e enviando-os para outras máquinas. Uma dessas duas máquinas secundárias foi desacelerada colocando um dedo na borda dos rolos de fita, que é chamada de flange. Em seguida, os dois sinais foram somados para outra máquina e reproduzidos com o efeito. Há um parâmetro adicional para a taxa e profundidade dos flangers, que é feedback. Isso enviará o sinal de saída efetivo de volta para a entrada, criando um flangeamento mais profundo e um tom metálico exclusivo se esconderá como entrará. Oh, phasers processam o áudio exatamente da mesma maneira que os flanges, mas em alguns filtros de passagem, esses filtros não alteram o volume das frequências, sua posição que, mas para alterar a fase em torno dessas frequências escolhidas, os controles de taxa, profundidade e feedback serão os mesmos. E alguns phasors podem ter um botão de poste ou palco adicional, que determina quantos filtros o phasor tem com a marca. Os dois últimos efeitos de modulação diferem dos três primeiros porque não manipulam o áudio por duplicação e alteração de fase, mas afetando a fonte como ela é, tremolo altera o volume das fontes para cima e para baixo, e o vibrato altera o tom dos áudios para cima e para baixo. Esses efeitos são usados classicamente em guitarras, mas podem ser muito legais em qualquer coisa que praticamente se esconda à medida que entraremos e verdadeiramente. Mas vá a lei Dan. 26. Modulação — Tarefa: Insira os efeitos de modulação um a um no canal de guitarra elétrica e explore-os a seco, vendo o que eles adicionam quando são leves e depois o que eles adicionam quando são extremos. Depois de terminar a guitarra elétrica, experimente-os na faixa vocal, na faixa aérea e na faixa de baixo também. Se depois disso você tiver o experimento de energia com todos os arquivos que você tem na pasta de exercícios. 27. AUTOMAÇÃO: automação foi mencionada antes como mudar nosso parâmetro com o curso da música. Ele pode ser usado para refinar volumes, envios e várias configurações em canais e plugins. E adicionaremos dinâmica e profundidade às suas misturas. As automações podem ser realizadas com a faixa ou programadas com o cursor. Cada DAW terá sua própria maneira de gravar automação. Estarei demonstrando abordagens e técnicas úteis para automação no Pro Tools que você pode usar em qualquer software. Volume, a automação pode ser útil de algumas maneiras. O primeiro e óbvio está mudando o nível geral das faixas de áudio. Certos instrumentos podem precisar adaptações de volume em partes específicas da música. Isso pode ser feito de forma ampla alterando o volume de toda a faixa. E de uma maneira mais definida, onde você pode realmente ir barra a barra e alterar o volume para cima ou para baixo. Isso permite enfatizar ou atenuar linhas melódicas que não estão chegando ou cortando a mistura demais como certas palavras ou respirações na faixa vocal e afeta os retornos quando você quiser as transições extremas. Efeitos como atrasos e reverbs podem ser inseridos em uma faixa ou em uma faixa auxiliar ou de efeitos que tenham áudio enviado a eles por meio de sentença. Ter o efeito em uma pista auxiliar oferece a opção de usar um plug-in em muitos caminhões lá para economizar muita energia da CPU. O volume enviado da faixa de áudio é chamado de areia e o volume na faixa de efeitos é chamado de retorno. Os efeitos não precisam permanecer estáticos durante toda a música e podem ser automatizados para se adequar à dinâmica e à emoção que o arranjo está tentando criar. Aqui estão alguns exemplos de como as automações de envio podem ser usadas no mix. A capacidade de automatizar parâmetros em plugins abre uma porta enorme para a criatividade, tanto quanto ajuda com a organização, pois evita a necessidade de abrir novos plug-ins ou duplicar faixas para processá-las de forma diferente. Aqui estão alguns exemplos disso em ação. Se você quiser silenciar a faixa, você pode diminuir o volume para menos infinito ou usar o botão mudo. silenciamento aparecerá visualmente sem espaço para erros. Dito isto, o silêncio completo não é um som muito natural e às vezes silenciando diminuindo o nível quase menos infinito, mas não o silêncio completo será preferível, mudando e a extensão da faixa pode ser usada de forma criativa como em vigor, e também pode ser usada para refinar o local de uma faixa ao longo da música. Como exemplo, se houver um verso com uma guitarra acústica panned, certo, acomodando um vocal. Mas na ponte, a guitarra é instrumento de exclusão. Posso centralizá-lo e torná-lo mais frontal. Outra coisa que é importante notar sobre a panorâmica é que, às vezes devido à fase, as relações entre os canais estão rastreando como se estivesse melhor na mistura em um certo ponto no panorama. Então vale a pena varrer as panelas e ouvir onde a pista se encaixa melhor. A automação tem um lado artístico e um lado técnico também. Eu me encontro usando o cursor para automatizar movimentos de volume delicados como vocais, irmãos e palavras de ajuste fino para se destacar na mistura. Por outro lado, eu me pego escrevendo automação com os movimentos artísticos mais do que os técnicos, como escrever sentir o reverb ou atrasos, e apenas modular parâmetros dentro de um efeito porque é apenas mais divertido e musical quando você o executa e faz como um músico tocando um instrumento quando você quer montar faders, você precisa habilitar a automação de toque em seu caminhão. Você também pode combinar as duas abordagens escrevendo faders e, em seguida, fazendo o trabalho mais delicado e preciso com um cursor após o fato. Effects Sends, panning ou automação de plugins geralmente farão parte do som e do personagem das faixas. Portanto, ele pode ser considerado como qualquer outro processador e pode ser introduzido nos estágios iniciais da automação de volumes, por outro lado, deve ser a última coisa que você faz no mix porque a automação de volume corrige o fader e não permite que você o mova livremente até chegar aos últimos estágios da mistura. Essa flexibilidade é um pouco necessária. Então, sugiro seguir esta diretriz. Se você não sabe como automatizar em seu DAW, descubra como ver os parâmetros de automação e como habilitar a automação por toque para realizar essas tarefas de segmentos. 28. Automação — Tarefa: Essas mesas podem parecer pequenas, de fim de tudo, mas fazer essas coisas em suas misturas as tornará mais precisas e lhes dará vida e servirá a você arranjos também. Comece automatizando o volume das guitarras acústicas com o cursor. Às vezes, os caminhões podem precisar automação de volume, mesmo que estejam compactados. E isso será um bom exemplo para um caso como esse. Mas note para si mesmo que não fazemos sacrifícios sobre a qualidade do áudio apenas para nos poupar tempo. Então vá até pequenos detalhes e certifique-se de que soa ótimo. Em seguida, abra um medicamento reverb effects e uma faixa de efeitos de atraso, coloque-os de forma musical, automatize quanto e quando guitarristas e para eles, você pode começar enviando uma batida em um bar com um cursor e, em seguida, monta a areia enquanto você ouve a faixa, tente fazer este musical e bonito e, em seguida, automatize um parâmetro de plugin. Pode ser reverb ou delay times EQ parâmetros e até parâmetros de compactação. Isso é mais fácil em certos DAWs e mais difícil para outros. Mas seja qual for o software que você escolheu para si mesmo, sabendo que isso tornará suas possibilidades de mixagem praticamente infinitas. Então aprenda como fazer isso antes passar para a última tarefa, automatizar, silenciar e mover parâmetros de qualquer faixa, maneira que você quiser apenas estar familiarizado com essa possibilidade. 29. Técnicas de mixagem, parte 1: Nos próximos segmentos, quero introduzir algumas ferramentas e técnicas de mixagem que você achará muito úteis, novamente, maioria desses segmentos, se você parar após cada técnica apresentada e invista alguns minutos apenas experimentando com isso. De todas as técnicas que apresentarei apenas para exigir plugins de terceiros que você possa ou não possuir. Mesmo que você não possua esses plugins, ainda é muito benéfico conhecê-los e entender como eles servem ao processo de mistura. Como o nome sugere, a compressão paralela é o processo de compressão atrair paralelo à faixa original não compactada. Você pode duplicar sua faixa e ter uma comprimida ou criar uma pista auxiliar com um compressor inserido nela. Nesse caso, você precisará enviar sua faixa para ela pré-fader para que o nível de variações não afete a compactação. Alguns compressores têm um botão de mistura que misturará o sinal não comprimido com o comprimido, poupando você com o incômodo. Assim como a compressão normal, a compressão paralela pode ser usada para acentuar a dinâmica ou limitá-las. Grande diferença de ter a faixa original como parte da mistura total. Se você definir seu compressor paralelo com um ataque lento, você receberá um potenciador transitório que poderá misturar a gosto. Se você definiu para um ataque rápido, os transitórios serão esmagados e o canal se tornará um potenciador de nível geral, já que o nível em que você o colocará será o nível mais baixo que a pista alcançará. Aqui está um exemplo das duas abordagens. Compressor paralelo também pode ser usado para comprimir vários canais e até mesmo toda a mistura apenas para elevar o nível geral e colar o misturado, por assim dizer. E o processamento paralelo útil adicional é a distorção. Você pode configurar uma unidade de distorção e enviar áudio para ela como faria qualquer outra faixa de efeitos para acelerar faixas e aprimorar seu conteúdo harmônico. Uma coisa importante a observar quando você usa distorção paralela é que devido à mudança no conteúdo harmônico, a forma de onda também muda e o faseamento pode ocorrer. Portanto, certifique-se de verificar seus relacionamentos de fase pós-processamento, geralmente tenho um EQ antes da distorção, para que eu possa esculpir o áudio entrando na unidade de distorção e outro após a fase de flip, se necessário, e para processar ainda mais quando necessário. Tal na compressão é o processo de acionar um compressor em uma faixa, trazendo áudio de uma faixa diferente. tambores de baixo são muito comumente usados para tais elementos de incenso e harmônicos na reprodução. Por exemplo. Esta técnica é muito popular em faixas EDM e pop, mas pode ser usada em mixagens acústicas para criar mais espaço entre instrumentos com frequências sobrepostas ou como uma ferramenta criativa, você pode criar espaço para os vocais colocando um compressor na reprodução, tendo-o ligeiramente comprimido quando os vocais entram. Você também pode comprimir uma faixa de baixo quando o chute bater para manter suas baixas frequências e verificar, cada compressor terá sua própria maneira de configurar a corrente lateral para uma saída externa. E uma vez que você tenha resolvido isso, você só precisará enviar a fonte para acioná-la. O termo filtro de telefone refere-se a um corte agressivo de frequências altas e baixas em uma fonte que resulta em um sinal que soa como se estivesse vindo através de um telefone. Não há regras rígidas e rápidas para onde exatamente os filtros precisam ser colocados. E você pode adaptar ainda mais seu filtro de telefone com picos e entalhes ou simplesmente esculpi-lo para atender às necessidades de suas fontes. Juro que não falei como o microfone girar hoje à noite. Juro que não falei como o microfone girar esta noite, esse processamento pode permanecer estático durante toda a mistura ou ser automatizado dentro e fora para enfatizar portas ou criar dinâmicas. Às vezes você quer que seu reverb soe longo, mas não tenha todo o comprimento da cauda para evitar que ela fique toda a sua mistura lamacenta. Colocar um barulho após seu reverb lhe dará o privilégio de ter a decadência inicial de um longo conto, mas cortar o único, não é mais necessário. 30. Técnicas de mixagem, parte 2: Se o seu mix tiver um reverb muito distinto, enviar um pouco do sinal de atraso para ele pode ajudar a aproximá-lo do ambiente para o qual você está trabalhando. Você também pode tentar enviar reverbs para atrasos ou quaisquer outros efeitos configurados e ver o que acontece. Apenas certifique-se de que você não envie um canal para si mesmo por acidente. Caso contrário, você acabará com um loop de feedback, gatilhos ou plugins de substituição de bateria que analisam áudio recebido e acionam uma amostra escolhida da biblioteca disponível. Você pode usá-los para substituir completamente uma faixa de bateria ou para trabalhar em paralelo com o canal original como suporte tonal, MS significa lado médio, como você pode se lembrar do capítulo de gravação. E os MCQs realmente lhe darão a opção de processar os sinais do meio e do lado de uma faixa separadamente. O processamento de midside geralmente é usado de forma muito leve, pois esses equalizadores criam mudanças de fase bastante fortes e afetam a compatibilidade do modelo do seu mix. As filas Dc podem ser usadas em faixas mistas ou estéreo em faixas de grupo ou até mesmo em toda a mistura para limpar sinais e melhorar a largura. Alguns DAWs podem ter esse recurso em seus plug-ins de estoque, mas a maioria quer. Portanto, você pode precisar de um plug-in de terceiros se você tiver pedais de guitarra ou uma unidade de efeitos externos, e sua interface tiver mais de duas saídas. Você pode usá-los na sua mistura. Crie um envio que esteja roteando para uma tomada de saída livre. Conecte essa tomada de saída à unidade e, em seguida, grave seu processamento em uma nova faixa. Se você estiver usando pedais de guitarra, você pode precisar de uma unidade de rampa para converter o sinal de volta para baixo Z. Mas mesmo que você não possua um, você ainda deve experimentá-lo e ver se o som que você alcance ou satisfatório. 31. Pre parte 1: Esse segmento será demonstrado no Pro Tools, mas as práticas não importam tanto quanto a abordagem. Então, fique por aí. Independentemente do seu DAW, falaremos sobre importação, edição de tempo de faixas de áudio e, edição de tempo de faixas de áudio e seguida, entrar em fades, cross fades, compilação de áudio, compilação de áudio, edição de dicas de fluxo de trabalho e mixagem de modelos. Se você estiver misturando uma faixa que não produziu, certifique-se de conhecer a taxa de amostragem de áudio e abrir um projeto de acordo. Se você importar áudio de uma taxa de amostragem diferente para o DAW, ele fará uma conversão da qual você poderá salvar o áudio ou reproduzir o áudio na velocidade errada. Se você produzir pessoalmente a faixa, certifique-se de salvar como e nomeá-la. Algo como blá, blá, edições permite que você edite, sabendo que você sempre pode voltar simplesmente abrindo a sessão limpa da fase de pré-produção, edição é tão importante quanto gravar e mixar. Portanto, não se apresse com isso. O groove ou a sensação de uma música tem um grande impacto na forma como o ouvinte a percebe. Se você quiser que a música mova o ouvinte de uma certa maneira, você pode criar isso ao longo do estágio de edição, existem algumas abordagens de edição que mudarão pela estética da música que você está trabalhando ligado. As produções pop geralmente serão editadas 100% da grade. Enquanto nas músicas de R&B ou têm mais flutuações entre as batidas, o sulco da música será perdido. Se você apenas encaixar tudo pela grade, é importante trabalhar com seus ouvidos e agora com os olhos quando você adicioná-lo para fazer as coisas fluírem musicalmente, em vez de editar com precisão ritmo pode ser feito cortando e movendo o áudio ou cortando o áudio, o corte do áudio deixará a forma de onda como está, mas altere a faixa de áudio. A deformação, por outro lado, mudará a forma de onda, mas deixará a faixa intacta. As duas técnicas têm seus positivos e negativos e , portanto, são usadas em circunstâncias diferentes. corte e movimentação de áudio criará uma lacuna ou uma sobreposição de áudio que precisará de um crossfade. deformação não exigirá desbotamentos cruzados, mas a manipulação da própria forma de onda pode introduzir artefatos audíveis. Embora os algoritmos para distorção de áudio estejam sempre melhorando. Como regra geral, tentei manter minhas formas de onda como elas estão na edição cortando, movendo-se e desvanecendo, pode haver um pouco mais de trabalho, mas vai soar melhor e, na minha opinião, vale a pena o esforço. Eu uso deformação quando edito um instrumento com conteúdo harmônico que pode ser ajustado sem que seja perceptível. Este geralmente é o caso de instrumentos que sustentam notas longas, mas isso raramente acontece. E eu estimo que 99% das vezes eu edito áudio cortando. Outro cenário em que usarei distorção é se eu precisar importar um loop que não seja distinto tempo dos meus projetos, se isso acontecer, será durante a fase de pré-produção, como mencionado no segmento de criação de batidas, quando você está editando, você pode tentar trabalhar com sua grade desativada. Isso garantirá que você realmente ouça a música. E aqui, se alguma coisa, é um pouco desligado em vez de analisá-lo visualmente, dito isto, a grade é muito útil e pode ser usada para criar pontos de referência claros. Uma coisa importante a observar é que quando você está editando um instrumento gravado com vários microfones, você deve agrupar as faixas e editar como se fosse uma única faixa, desvanece-se ou volume rápido mudanças, um desvanecimento. Levaremos o áudio do silêncio para o volume da faixa. Da mesma forma, um desvanecimento. Vamos levar as faixas do volume atual para silenciar. Fades pode ser adaptado a muitos comprimentos e formas, dando-lhe a capacidade de fazê-los soar tão naturais ou antinaturais quanto você quiser. A razão pela qual os desvanecimentos são importantes é porque quando o áudio é cortado no meio de um ciclo, ocorre um clique ou pop digital. Desvanecendo o áudio para dentro ou para fora. Resolvido esse problema, os desvanecimentos cruzados são usados quando você deseja criar uma transição entre dois clipes de áudio. O primeiro clipe está sendo ajustado enquanto o segundo está desbotado, criando uma transição suave quando trabalhado corretamente, vez que os desvanecimentos mudam o volume da faixa, é importante notar que você não deve ser encaixe quaisquer transientes ou outras partes de áudio que sejam importantes para sair como estão. Portanto, mesmo que você use a função de desvanecimento automático do DAW, vá e certifique-se de que você não desvaneceu algo que deve ser deixado como está compilando ou em suma, comping está combinando áudio de alguns leva em um único desempenho. Este é um processo muito útil que lhe dá a opção de tirar as melhores peças de cada um dos seus carrapatos quando você está compilando qualquer instrumento, você deve pensar nas pequenas coisas que fazem parte de seu caráter e certifique-se de que eles não sejam deixados de fora. Um bom exemplo disso é quando você está compilando vocais, você precisa notar que você adiciona as respirações à sua faixa compilada. Você também deve notar para não deixar de fora os ensaios e assim por diante. Dito isto, durante o processo de cópia, você pode começar a limpar suas faixas e deixar de fora ruídos bucais ou excesso de áudio que tenham ruído indesejado nelas. Se houver necessidade de lançar vocais corretos ou qualquer outro instrumento, faça-o antes de misturar, seja uma correção manual ou um plug-in de sintonização automática que precisa parar a mixagem para fazer estes correções podem quebrar sua concentração e matar sua vibração. As faixas podem ter ruído indesejado gravado nelas, seja por engrenagem defeituosa ou problemas de eletricidade que podem ter ocorrido quando a música foi rastreada. Se for esse o caso, você deve cortar as faixas até o ponto que somente o áudio relevante pode ser ouvido. Isso também é útil quando o ruído está fraco porque se você tiver um processamento em uma pista, ele se tornará muito aparente. Portanto, é melhor lidar com esses problemas antes de começar a misturar relacionamentos de fase e instrumentos multimídia podem fazer uma grande diferença no estágio de gravação, estamos fazendo o máximo que pudermos para garantir a correlação de fase. Mas através do computador após o fato, podemos melhorar muito a precisão e, portanto, obter melhores fontes para trabalhar. Se você não gravou as faixas, você deve se certificar de que os instrumentos de várias faixas têm relações de fase saudáveis que não prejudicam os tambores de baixo nível ou de madeira serão o exemplo mais claro, já que há muitos microfones em distâncias variadas, eu gosto de manter meu baixo fase positiva para que o áudio empurre o alto-falante para fora quando ele bate depois, eu me certifico de que é o caso nas despesas gerais e o bumbo fechar Mike. Eu uso isso como meu ponto de referência e vou rastrear por faixa, certificando-se de que essa correlação de fase inicial funcione. Algumas pessoas pararam por aí, o que é justo. Mas se você quiser, você pode ir um pouco mais fundo. Estes são os canais de bumbo, laço e sobrecarga de um conjunto de bateria. Você pode ver que a fase neste batida de bumbo é positiva em todas as faixas, então elas estão em fase. Mas se você aumentar o zoom, você pode começar a ver que o fechamento do meu canal aparece um pouco mais cedo do que nas despesas gerais. Isso faz sentido, já que o microfone próximo está fisicamente mais próximo do bumbo e , portanto, recebe as ondas sonoras mais rapidamente. Existem plugins que farão automaticamente as diferenças de compensação e tempo. Mas se você não tiver acesso a esses plugins, basta arrastar o áudio para trás e alinhar as duas fases. As diferenças podem ser de sutis a não sutis. Mas mesmo essas pequenas diferenças fazem com que o áudio funcione melhor em conjunto e evitam que você faça um processamento desnecessário. É importante para mim observar, porém, que não existe a coisa certa a se fazer no mundo do áudio. Então, se você gosta do som da versão menos precisa ou mesmo fora de fase, vá em frente. A única coisa que eu recomendo é fazer um esforço para ouvir os dois antes de se estabelecer em um ou outro. Isso é relevante quando você envia faixas para um engenheiro de mixagem, é importante renderizar suas faixas do mesmo ponto de partida, pois é duvidoso que elas possam adivinhar onde um certo pedaço de áudio é suposto ser. Portanto, mesmo que haja muito silêncio e atração, você precisará renderizá-lo e exportar os arquivos sabendo que o engenheiro de mixagem não tem espaço para erros sobre onde as coisas deveriam estar acontecendo se você estiver misturando sozinho, mas em um software diferente, esse processo ainda é necessário. No entanto, esta etapa pode ser ignorada se você estiver misturando no mesmo DAW, mistura é um processo muito intuitivo. Portanto, ter controle sobre a sessão é extremamente importante. Ser bem organizado tornará seu trabalho muito mais fácil e agradável e, portanto, provavelmente melhor se você estiver misturando uma música que você não produziu, certifique-se de que as faixas estejam em uma ordem com a qual você está familiarizado e rotulado simples e intuitiva para que possamos encontrar faixas facilmente quando você as procura. Também gosto de ter marcadores e seleções de loop no projeto que me informam onde estou na música e me permitem encontrar uma parte específica rapidamente. Essas são coisas que eu me certifico de que estão lá e claras antes de começar a misturar. Por fim, se você tiver um modelo de mixagem, este também é o momento de importá-lo e garantir que tudo seja roteado corretamente. Falaremos sobre a mistura de modelos em maior profundidade. Mais adiante neste capítulo. 32. Mixing parte 2: Aqui estão algumas dicas para tornar seu processo de edição melhor e mais rápido. Certifique-se de aproveitar o tempo para descobrir onde os recursos que mencionei estão no seu DAW e o que eles são atalhos estão sendo reproduzidos com o tamanho das formas de onda ajudará você a notar os detalhes finos da faixa de áudio, como respirações, ruídos e outras informações silenciosas que serão difíceis de ouvir quando tocadas com uma forma de onda inalterada. Aumentar e diminuir o zoom lhe dará a capacidade de fazer edições mais precisas, pois você pode realmente identificar onde está afetando o áudio. Se você quiser se sentir confortável com detalhes realmente finos, precisará de uma visão completa do áudio em que está trabalhando. Além de ampliar, você pode ampliar a faixa em que está trabalhando. Portanto, é preciso mais espaço na tela, pois a obtenção de áudio provavelmente será uma grande parte da sua edição, ser capaz de acessar e usar essa ferramenta de forma eficaz e eficiente é essencial ao editar muitos arquivos de áudio, é quase certo que você usará muitos desvanecimentos, o que levará idades para fazer manualmente. Usar esse atalho permitirá que você trabalhe muito mais rápido se você cortar um pedaço de áudio e quiser que ele seja encaixado no bit mais próximo da grade. Você pode usar esse atalho em vez de arrastar arquivos com o mouse, você pode decidir quantas batidas a grade exibe em uma barra. Isso é útil se você estiver trabalhando em batidas da 16ª nota ou em qualquer outra medida. Mas às vezes você também quer menos informações visuais em sua tela para que você possa alterar rapidamente resolução da sua grade quando estiver editando o áudio, às vezes você precisa estar entre batidas, descobrir como pular rapidamente, entre encaixar automaticamente na grade e ter o cursor livre ajudará você a fazer isso. 33. Mixing — projeto: A tarefa para hoje é pegar um projeto, editá-lo e prepará-lo para mixagem na pasta R&B, há uma pasta chamada bateria não editada, importar toda a música com a bateria e começar a preparar. Eu começaria com a correlação de fase e, em seguida, editaria o tempo e o groove se você achar que é necessário, certifique-se de desaparecer ou desaparecer todas as edições que fizer e certifique-se de que isso desapareça. Não passe por cima dos transitórios. Por fim, tente usar as dicas mencionadas neste segmento para melhorar seu trabalho. 34. Monitorização parte 1: Você está monitorando níveis ou, em outras palavras, quão alto seus alto-falantes tocam tem dois impactos importantes. O primeiro está relacionado a um fenômeno que foi descrito pela primeira vez pelas curvas de Fletcher Munson e agora é descrito mais precisamente pelos contornos de volume iguais. Esses gráficos mostram a sensibilidade do ouvido humano a diferentes frequências em diferentes níveis. Como você pode ver, nossos ouvidos estão longe de serem lineares e, à medida que os níveis mudam, a percepção de frequência também muda. Somos muito sensíveis às frequências de médio alcance e nossa sensibilidade a baixas frequências aumenta à medida que os níveis aumentam. Isso levanta uma questão muito importante em relação ao nosso trabalho, porque se adaptarmos uma mistura, sabermos que soará diferente. Se for reproduzido em volumes diferentes. Em qual volume devemos misturar? Minha resposta é misturar todos os volumes, mas vamos ver isso em maior profundidade. Você deve se acostumar com um ponto inicial específico para o botão de volume e se familiarizar com ele. Supõe-se que esse ponto de partida ofereça um volume SPL confortável quando você começar a aumentar os faders. Isso também se traduzirá com níveis de pico saudáveis na estrada. Por exemplo, com a minha configuração, sei que quando configuro o botão de volume nessa posição e levanto o fader do chute drum para bater em torno de menos dez dBFs. Ele se sentirá confortável na sala e será em torno de 85 dB SPL. À medida que os canais são adicionados, os níveis aumentarão. Dez dB é espaço suficiente para você misturar sem se preocupar com recorte, certifique-se de definir os níveis iniciais enquanto ouve a parte mais alta da música. Então você não vai acabar ficando surpreso com a mudança de nível do arranjo depois esse primeiro saldo for montado, você pode saltar entre ouvir a mistura em voz alta, ouvi-la silenciosamente, e certificando-se de que funciona em qualquer cenário, será diferente e tudo bem, mas certifique-se de que não seja inferior quando você quiser ajustar as baixas frequências, aumentar o volume para cerca de 85 dB SPL, porque, como vimos no gráfico, é aí que eles são os mais flattest. A segunda coisa importante a ser observada em relação aos níveis de monitoramento é a fadiga do ouvido. Nossos ouvidos e cérebros trabalham constantemente e estão de fato se desgastando durante o dia, especialmente quando você ouve em grandes volumes. Aqui, a fadiga levará a uma alteração na forma como percebemos altas frequências e dinâmicas, o que, por sua vez, nos fará fazer mal. Misturar movimentos, seus ouvidos, resistência aumentarão com o tempo, mas até mesmo engenheiros bem experientes fazem pausas durante os dias de mistura e param de funcionar se perceberem que seus ouvidos estão cansados. Portanto, note para si mesmo que trabalhar em uma mistura dez horas por dia não faz de você um profissional dedicado, mas realmente prejudica seu trabalho porque, a partir de um certo ponto em diante, você só prejudicará sua mistura. Parar por alguns minutos a cada 45 minutos ou uma hora ajudará tanto na fadiga do ouvido quanto na recuperação da perspectiva do que você já alcançou. Você também deve terminar seu dia de trabalho. Se os rascunhos que você achava que estavam soando ótimos, repente pareciam aborrecidos e planos. Quanto maior o volume que você monitora, mais rápido seus ouvidos ficarão cansados. O fato de podermos ter um alto-falante tocando elementos diferentes do outro alto-falante pode nos dar uma maneira fácil de evitar, difícil de trabalhar. Embora a panorâmica e o panorama sejam ótimas ferramentas artísticas, resumir sua mistura em mono pode ser benéfico porque quando ambos os alto-falantes tocam toda a sessão, você pode realmente ouvir se sua mistura é espaçosa ou desordenado. Outra razão pela qual ouvir em mono é benéfico é que sua mixagem pode ser reproduzida em mono a partir de um telefone ou alto-falante móvel. Se você quiser que seu mix se traduza bem nessas circunstâncias, você precisa ter certeza de que sim. estúdios de mistura geralmente têm alguns conjuntos de monitores porque cada monitor tem suas próprias propriedades e personagens e mixagens de referência garantirão que ele se traduz bem em uma variedade de configurações. Você pode trabalhar em monitor de largura de banda total barato e, em seguida saltar para um monitor mais barato que não possui altos e baixos. Para perceber que algo no midrange ainda não está exatamente certo, esses pequenos monitores de médio alcance são frequentemente considerados como uma caixa **** e são usados em estúdios profissionais em todo o mundo. Monitores adicionais são muito úteis quando você mistura, mas eles são de luxo que nem todos podem pagar. Equilibrar sua faixa e ouvi-las através do seu telefone, laptop, alto-falante ou qualquer configuração de lo-fi também será muito útil e deve ser feito mesmo se você tiver alguns monitores em seu estúdio. Há também plug-ins como o verificador misto que oferece alguns algoritmos de diferentes alto-falantes baratos. Você pode verificar seu mixin. 35. Monitorização parte 2: Quando o áudio é reproduzido em uma sala não tratada, as frequências podem se acumular ou cancelar umas às outras. Isso significa essencialmente que o áudio que acaba atingindo seus ouvidos não é o áudio real saindo dos alto-falantes. E como você não pode misturar o que pode ouvir, monitorar de certa forma é a coisa mais importante a se cuidar. Aqui estão algumas informações que são muito importantes de saber e que ajudarão você a configurar seu próprio estúdio de mixagem. E a mistura acontece. O termo ponto ideal diz respeito onde seus ouvidos estarão quando seu trabalho e é suposto ser a alteração de áudio de gravação local mais flattest vindo da própria sala onde você coloca seus monitores a sala e como você se posiciona na frente deles terão um efeito maior sobre o que você ouve. Então, aqui estão algumas diretrizes para configurar seu ponto ideal. Seus monitores devem ser configurados de forma a criar um triângulo equilátero com sua posição de escuta. Ou, em outras palavras, que a distância entre você e cada monitor deve ser a mesma que a distância entre os próprios monitores. Tente colocar seus monitores entre duas paredes que são construídas a partir do mesmo material e na frente da parede que é construída de forma consistente também. A próxima diretriz será colocar seus monitores diferentes distâncias da parede traseira, das paredes laterais e dos tetos para evitar que as frequências sejam escolhidas extremas, também será útil ter a altura dos alto-falantes acima ou abaixo do centro dos quartos. Cada sala terá suas próprias frequências ressonantes devido à sua forma, tamanho e material de construção quando você deseja encontrar um local inicial para iniciar seus quartos. O tratamento acústico sugere colocar seus alto-falantes em um suporte e tocar música que você sente que conhece bem o suficiente para notar alterações de áudio e garantir que seus ouvidos na altura do Twitters ou entre o Twitter e a varfarina é altura. Sente-se centralizado entre as duas paredes que você escolheu para seu ponto ideal e crie o triângulo equilátero com os alto-falantes. Neste ponto, toque a música em um nível moderado e tente perceber o quão agradável ou descongelante é a distância atual. Em seguida, mova os alto-falantes para trás ou para frente na sala, repetindo o processo até encontrar um lugar que você sente neutro, que será o seu ponto ideal. Se você estiver em uma sala pequena, observe que você deve ficar longe do centro dos quartos, pois isso será o mais problemático em relação aos confrontos de frequência. Os estúdios de mixagem profissionais têm tratamento acústico que garante que a sala não afete o áudio que sai do alto-falante e nos nossos ouvidos. Se você tem o privilégio e acesso a uma instalação tratada, recomendo misturar lá e não em casa. Mas se você estiver começando e ainda precisa treinar antes cobrar as pessoas o suficiente para pagar esses estúdios, certifique-se de tratar seu quarto acusticamente o mais rápido possível. Cada quarto exigirá tratamento diferente. Portanto, é praticamente impossível dar uma regra dura e rápida que se aplicará a todos os espaços. Mas aqui estão coisas que você deve saber e pode ajudá-lo com o tratamento acústico básico do seu quarto e espero que você fique mais perto do ponto em sua carreira onde você pode ganhar o suficiente contratar um profissional para fazer o trabalho. O tratamento acústico consistirá em absorção e difusão. Materiais absorventes serão espumas acústicas ou painéis acústicos cheios lã de rocha densa ou telefones finos de fibra ajudarão a absorver frequências médias a altas, mas não serão de muita ajuda com baixas frequências médias e graves. O objetivo da difusão é espalhar ondas sonoras e espalhar sua energia em vez de refleti-las de volta e tê-las ecoando na sala. Isso resulta com uma reflexão mais agradável e uma melhor sala de pé com menos picos e ressonâncias, saltando e alterando seu ponto ideal para ouvir. A próxima informação importante é que a base tende a se acumular nos cantos. É por isso que muitas armadilhas de baixo geralmente quebram a forma dos cantos e as salas de mistura raramente são quadradas. As frequências de base não são tão direcionais quanto as altas frequências, o que significa que as altas frequências não se propagam principalmente para a direção em que são projetadas. É por isso que o som fica mais aborrecido quando você se levanta na frente do alto-falante, em vez de se sentar, se você ficar ao lado do alto-falante, ele ficará mais aborrecido. E se você for atrás do alto-falante, você ouvirá principalmente baixas frequências. Essas frequências de base saltando da parte de trás do alto-falante estão saltando da parede para a sala e seus ouvidos. Então, abordá-los também será um elemento importante para tratar seu quarto. Para começar, comece tratando os primeiros reflexos da sala, que são as paredes da direita e esquerda do alto-falante, bem como a parede traseira e o teto acima os alto-falantes. Esses primeiros oito movimentos farão a maior diferença e são definitivamente um ótimo lugar para começar. Se você ouvir que há uma necessidade e você pode pagar por armadilhas de baixo e colocá-las nos cantos para as paredes laterais e o teto, você pode usar espuma, mas como mencionamos, elas não serão tão úteis com frequência base. Você pode comprar um painel acústico ou criar um você mesmo usando qualquer tutorial DIY no YouTube. Pode ser divertido e dar ao seu estúdio em casa um toque muito pessoal. Com este tratamento mínimo, geralmente sugiro usar painéis mais do que espuma porque geralmente são mais eficazes. Mas de qualquer forma, certifique-se de colocar o material absorvente a uma altura que colocará o alto-falante no meio, que entrará no resultado com mais absorção. Minha primeira configuração de estúdio em casa consistia dois painéis DIY à direita e à esquerda dos alto-falantes. Um painel pesado atrás dos alto-falantes que conseguia lidar com baixas frequências, duas armadilhas de base triangulares nos dois cantos atrás dos alto-falantes e alguns pedaços de espuma que foram colados um prato de madeira e pendurado no teto com uma inclinação. Por fim, coloquei difusores atrás de mim e a mesma altura da minha cabeça, esperando que a frequência esteja vindo da parede traseira seja projetada melhor através da sala. Este não era um estúdio de mixagem ideal, mas definitivamente levou a um melhor monitoramento e certamente ótimo para o tempo e o lugar em que eu estava na minha carreira. 36. Modelo: Depois de aprender como as ferramentas funcionam, construir um fluxo de trabalho e alguma lógica por trás sua abordagem de mixagem será o próximo grande passo. Eu pessoalmente investi muito tempo em pesquisar e experimentar abordagens de fluxo de trabalho e mixagem. E agora vamos apresentar técnicas e conceitos com os quais você pode experimentar e ver o que funciona melhor para você. Estou mixando modelo é um formato salvo que você adaptou às suas necessidades que pode incluir roteamento, configurações de plugins e configurações visuais para suas sessões. Isso pode ser importado para cada novo mix em que você está trabalhando e lhe dá uma base boa sólida para começar com suas preferências iniciais já existentes. Um modelo básico pode incluir ônibus ou faixas de grupo para as músicas, seções musicais com Envio pronto para efeitos predefinidos, como reverbs longos e curtos e atrasos todos pré-encaminhados para o mestre ônibus quando esses poucos canais de boi são importantes para a sessão, encaminhe o áudio para eles e então você está pronto para ir. Mas isso pode até ir mais longe. Por exemplo, se eu sei que costumo usar gatilhos quando eu mixo, posso ter o plug-in de gatilho pronto como parte do meu modelo para o bumbo e a caixa, eu me encontro usando processamento paralelo como compressão ou distorção bastante. Posso definir isso como parte do meu modelo também. E isso me salvará de abrir e rotear esses canais toda vez que eu misturar. Essas adaptações são infinitas e podem ser moldadas e adaptadas ao que sua DAW tem a oferecer. Meu modelo de mixagem inclui gatilhos, processamento paralelo separado para o processamento paralelo de bumbo e tarola para ambos e processamento paralelo adicional para toda a seção de tambor quando eu sinto é necessário, então cada seção tem seu próprio reverb longo e curto, atrasos longos e curtos, e outra enviada para um plugin Weidner. Em seguida, cada seção é encaminhada para seu próprio barramento de haste, o que torna a exploração de hastes muito fácil e rápida. Todos eles podem ser enviados para um compressor paralelo e reverb, que estão sempre lá, mas eu os uso somente quando forem necessários. Todas as hastes e o processamento paralelo são então roteados para um barramento mestre que também está pronto para processamento, se necessário. Eu construí, mudei e refinei isso ao longo de alguns anos. E eu ainda estou revisando constantemente sempre que uma ideia ou mudança no meu fluxo de trabalho surge, como já salientei algumas vezes, velocidade mantém os sucos criativos fluindo. Então, trabalhar em um modelo próprio vale a pena o tempo e investi-lo. Você pode tirar qualquer ideia que quiser e experimentar com ela para ver como ela se encaixa no seu fluxo de trabalho de mistura. 37. Como misturar o fluxo de trabalho: fluxo de trabalho e a mistura respeita tanto na abordagem quanto na forma como você divide as tarefas de mixagem. Uma das primeiras coisas a pensar é como você inicia seu mix para finalizá-lo com níveis saudáveis sem virar seu canal principal. Alguns engenheiros gostam de definir um ponto de referência, como eu mencionei, o bumbo e tê-lo atingido em torno menos dez dBFs, por exemplo, sabendo que mesmo depois todos os outros instrumentos virão em, os níveis ainda acabarão abaixo de 0. Tente finalizar misturas com níveis de pico antes de menos três dBFs. Portanto, haverá espaço suficiente para manipulação adicional do áudio no processo de masterização, se necessário. Se o que eu disse não for totalmente claro, volte para o segmento de nível e tipo de medição no capítulo da teoria da gravação. O primeiro segmento de monitoramento no jester de mistura. Além de pensar em seus níveis iniciais, você precisará pensar em quais canais você começa a misturar. Existem algumas abordagens quando se trata desse assunto também. Você deve ter ouvido falar sobre a mixagem de cima para baixo, que é uma abordagem que sugere iniciar sua mistura com o processamento dos barramentos mestre ou de grupo e obter sua mista pontilhada com pinceladas mais amplas, por assim dizer, e uma perspectiva macro. A outra abordagem vamos começar a trabalhar faixa por faixa, talvez comece pelas músicas. canal de vazamento pode ser o vocal ou qualquer outro instrumento e só então adicionar canal por canal e peça do quebra-cabeça juntos. Dessa forma, muitos mixers realmente começam misturando a seção de ritmo, construindo a base rítmica da música e, em seguida, passam para os vocais ou qualquer outro canal ou seção que eles acham relevante. Cada abordagem tem seus prós e contras. mistura de cima para baixo é mais rápida do que misturar de baixo para cima. mixagem de baixo para cima lhe dará mais familiaridade com as faixas das sessões e talvez leve a ajustes mais precisos do que o amplo processamento envolvido com a abordagem de cima para baixo. Mais uma vez, ouvir tudo no contexto é muito importante, já que as faixas interagem tanto musicalmente quanto com suas relações de fase. Então, de cima para baixo, pode lhe dar uma perspectiva geral melhor. Como você vê, não há certo ou errado. E só posso compartilhar esses prós e contras e uma abordagem que pode ser útil para tirar o melhor de ambos. Então, aqui está uma prática que achei muito útil no passado e ainda me encontro usando de tempos em tempos. Embora meu fluxo de trabalho de mixagem atual seja um pouco mais flexível, a prática é separar o processo de mistura em três estágios, corretivo, de cima para baixo e de baixo para cima, começando com todos os faders down, o estágio corretivo inicial começa com uma maneira de baixo para cima. Você aumenta os faders um a um para criar um saldo inicial. Mas você a aborda com a mentalidade de um engenheiro de gravação, ainda não um engenheiro de mixagem. Você percorre as faixas, percebendo como os canais interagem com sua fase e tom, tentando entender qual serviço de canal, qual propósito e tentando diferentes variações de equilíbrio. Insira plugins, a menos que você tenha certeza se eles são necessários e se você inserir algo devido. Então, pensando que você está criando uma fonte em vez de corrigir uma. Nesta etapa, também defino meus efeitos de adaptação, reverbs, atrasos e envios de modulação para cada seção da música. Então, depois de terminar de criar essas fontes e paleta de efeitos, eu já tenho um bom equilíbrio e estou muito familiarizado com as faixas de sessões se você não tiver feito isso até este ponto, isso é um momento muito bom para fazer uma pausa e dar pouco de descanso aos seus ouvidos quando você voltar, dando-lhe uma faixa de referência, Alyson, isso recalibrará seus ouvidos e depois de dar sua mistura atual e outra escuta, você estará mais confiante na configuração processamento do barramento se achar necessário. Isso inicia o segundo estágio de cima, inferior. É importante notar que o processamento de um grupo ou uma mistura é diferente de misturar faixas únicas, tanto tecnicamente quanto artisticamente. Um exemplo simples será que o processamento um grupo exigirá uma abordagem mais leve e delicada, já que as alterações de 0,5 dB aparecem em todas as faixas que você processa e não apenas em uma nesta etapa, você também pode tomar a decisão de definir processamento paralelo em toda a mistura se você se sentir gostando, isso conclui o estágio de cima para baixo. E então passamos para o último estágio, que começa com um movimento muito surpreendente, arrastando todos os faders de áudio baixo para menos infinito. Fazer isso depois de todo o esforço envolvido nos dois primeiros estágios pode parecer contra-intuitivo, mas posso dizer que essa foi uma adição incrível ao meu fluxo de trabalho de mixagem. E às vezes repeti em uma mistura mais de uma vez. A razão é que é como começar do zero em relação à sua perspectiva, mas com fontes incríveis, efeitos personalizados personalizados e processamento de barramento personalizado para sua sessão, que é uma base incrível para começar um misto. Se você me perguntar, ao reequilibrar as faixas, tente ignorar e estou ignorando o que você já fez no primeiro estágio apenas para garantir que esses ajustes estão realmente ajudando. Você pode sentir a necessidade de adaptá-los ainda mais ou decidir que eles não são necessários. E depois de terminar o processamento adicional, faça outra pausa e toque a música desde o início, defina o equilíbrio da primeira parte exatamente como você quer e, em seguida, toque todo o volume de leitura da armadilha automação, Effects Sends automação é algo que eu faço durante a mixagem porque tem muito a ver com o tom e movimento emocional que a música terá. Mas com isso dito, na última etapa da automação de volumes, encontro efeitos, envios e retornos. Tendo em mente que depois de dominar, eles ficarão um pouco mais altos. Depois de sentir como se a mistura estivesse pronta, faço outra pausa e volto e dou a música e ouço. Esta é uma posição muito interessante para se estar, já que você decidiu que está pronto e está pronto para imprimi-la, mas ainda tem a opção de alterá-la se decidir fazê-lo. Minha sugestão é, não mude nada. Seus ouvidos já estão cansados e sua perspectiva se foi há muito tempo. Volte para ele amanhã e dê uma ouça quando estiver fresco. Isso resume as poucas abordagens de fluxo você pode e deve experimentar, experimentar e descobrir o que é confortável para você e o que lhe dá os melhores resultados se você conseguiu combinar os dois, fique com ele. 38. Salvando, revisando: Há algumas coisas a ter em mente quando você salvou a exportação e revisou ou mixes que manterão no topo do seu trabalho e podem economizar muito tempo. Você deve criar um sistema de nomenclatura para você mesmo rastrear seu trabalho. Por exemplo, eu nomeio minha primeira mistura, blá, blá, mix v1, v em pé para a versão. E quando eu reviso a mistura, a primeira coisa que faço é nomeá-la V1, 0.1, o que significa que é o primeiro Mix, primeira revisão. Então, se eu decidir começar a mistura do zero, eu o nomeio de ferramenta V e começo as revisões , blá, blá, faz V2 0.1, etc. Ter um esquema de nomenclatura e garantir que eu salve Como toda vez é importante por dois motivos. Primeiro é que você realmente não quer continuar trabalhando no mesmo projeto várias vezes, porque você pode descobrir que uma das primeiras misturas foi a melhor e você não será capaz de recriá-la. Ter sessões salvas separadamente permite que você veja sua progressão e, às vezes você pode importar elementos específicos de diferentes versões e usar o melhor de alguns. A segunda razão é que você quer saber quantas vezes você trabalhou em um projeto para os clientes e suas revisões de registros são uma parte importante do estágio de mistura, mas seus preços esquema pode incluir um número específico de revisões gratuitas. Portanto, ter essa documentação dá a você a indicação de quantas revisões foram feitas e avalie os preços de acordo. Misturando meu portão, você se concentrou em detalhes tão pequenos que é quase impossível pregar 100% do trabalho de uma só vez. As revisões são uma parte importante da mistura, mas também podem ser um processo perigoso. Há uma diferença entre uma mistura ruim que precisa outro objetivo e uma boa mistura que só precisa de revisão. Uma obra de arte nunca está realmente terminada. E então você precisa abordar as revisões sabendo que seu objetivo é terminar a música que você acha que está quase completa. Se você terminar, o artista concorda que a mistura é boa e só precisa de alguns ajustes. Sugiro ouvir a música juntos do topo e fazer uma lista das coisas que você acha que precisam de um curativo enquanto ouve. Se você passar um dia inteiro revisando, você arruinou boa mistura ou talvez seja uma boa mistura, então não é tão bom. Afinal, felizmente, você salvou o projeto com um nome diferente para poder voltar e decidir qual é o caso. Antes de exportar sua mistura, você pode colocar um limitador no barramento mestre e aumentar os níveis da mistura um pouco mais altos. Porque quando misturamos os níveis estão abaixo de 0 dBFS. Precisamos ganhar isso para o cliente não compare sua mista uma pista dominada acabada e fique frustrado com o fato de que os níveis são mais baixos, mas não bata o limitador com muita força porque isso alterará seu alcance dinâmico. E você quer manter a mistura e o imposto quatro a cinco dB de redução de ganho deve ser o máximo que você passar, adicionar seu nome às exportações e rotulá-las uma forma que correlacionará com a forma como você rotula suas sessões. Isso economizará confusão desnecessária. E, finalmente, não o processamento que você fez para isso. Por exemplo, blá, blá, nenhum homem mix, V1, 0,3 limitador. A correlação permite que você siga facilmente suas próprias trilhas, se precisar. E ter seu nome incorporado no arquivo é bom PR e uma maneira de provar sua afiliação com a faixa. Se, infelizmente, você acabar precisando provar qualquer coisa para qualquer pessoa ao exportar o arquivo, certifique-se de exportar na mesma taxa de amostragem. Você também misturou, certifique-se de exportar um arquivo de 24 bits e como um arquivo estéreo e não mono duplo, você pode exportar o arquivo limitado em MP3 e wave. Às vezes, os artistas precisam da mistura, exportam-na como hastes, que são exportações separadas para cada seção, hastes são frequentemente usadas para reprodução em shows ao vivo para criar versões remixadas ou para necessidades de masterização de tronco, que é um processo de masterização que funciona com uma música dividida duas hastes. Em vez de trabalhar com um arquivo estéreo, os artistas podem ter solicitações diferentes sobre como querem que suas hastes sejam divididas. Talvez eles precisem do baixo e tarola separados do tambor inteiro. Stan, talvez efeitos separados representem os vocais. Planejei meu modelo de uma forma que será fácil sair e faço mais adaptações quando elas forem necessárias. Você pode decidir por si mesmo se a impressão hastes faz parte do seu serviço de mixagem, o que dará um fator adicional de entrega excessiva ao seu nome. Mas é um processo que pode levar algum tempo e trabalho adicional. Portanto, é comentado cobrança extra para exportação de haste. Se você enviar sua mixagem para um engenheiro de masterização, você deve exportar em outro arquivo sem limitador e as propriedades dos projetos anotadas no nome do arquivo. Por exemplo, blá, blá, nômade mix V1, 0,32444,1. Isso permitirá que eles saibam como eles devem abrir seu projeto para manter a correlação com seu esquema de nomeação, você pode enviar o arquivo wav ilimitado e um limitado como uma referência, se você quiser, como eliminar o mix afetado. Isso conclui o capítulo de mixagem. Então, para o último segmento, quero passar por cima de mixes. Eu fiz e conversei com você sobre os aspectos técnicos e a mentalidade envolvida neles. Combinar toda a teoria sobre a qual falamos com a prática, tanto em relação às abordagens técnicas quanto mentais que foram trazidas à tona é a coisa mais importante a ser analisada. Então, vamos chegar a ele. 39. BirdSchool (Familiarize-se com a música): Santo e encontre o amarelo ao nosso redor como Kevin, quando você perdoou as perguntas. Santo. Molly e meu refrigerante, cor flutuante e Baby Yoda. ioga, meditação, masturbação e realidade de ioga, meditação, masturbação e panificação tem alguma forma. confusão sistemática problemática vive na realidade em seu corpo. E ponto de gatilho que o rim não pode. Missão versus deficiência, um carro minúsculo , eficiente quanto profundo, venenoso. O que é realmente uma estrada real? Está me dizendo o que a seleção de emoção vai me afogar? Alcançar esse cara? Então alguém disse, flores florescem onde deveriam. Mesmo quando o concreto está seco, quando tudo está pronto. Você poderia pegar e descer e nunca deixar você lê-lo por gravidade com formalidades e cortesias e quanto medo ou você, quanto preparado. Isso mesmo você vai continuar com carniça. Sabe, eles têm um plano razoavelmente cara que alguém está em casa ou eles mostram mesmo quando o concreto está seco. Tudo é tudo. Tudo é o horizonte de eventos sendo, por assim dizer, perdido em um feno empoeirado como ****? A humanidade fica encalhada no tempo presente. Desprovido de um futuro visionário. Uma ilha em um mar de tempo igual aos lucros que conhecem Registros de Adivinhação, eletrólitos, procrastinação. A tradição traça o caminho. Não há realmente nenhum lugar para ir. Nunca houve. Os meios para o final que nos dizem para lembrar é de fato um ******. Nossa constelação, o impulso à beira de acontecer tendendo em direção a um futuro nostálgico. Seria quase trágico se não fosse tão **** engraçado. 40. BirdSchool — visão geral da mistura: Agora que estamos familiarizados com o arranjo, podemos mergulhar na mistura, vou mencionar novamente que meu objetivo é expô-lo a ferramentas e técnicas. Então você pode ver plugins com os quais você não está familiarizado. Os nomes dos plug-ins são mencionados no segmento e você pode procurá-los se algum deles chamar sua atenção. Existem algumas abordagens quando se trata de misturar tambores. A primeira é usar a sobrecarga e os colegas de quarto para o tom geral da bateria e usar os microfones próximos apenas para moldar tons transientes e suaves. E a segunda abordagem é usar os microfones próximos para a modelagem de tom dominante dos drones e usar a sobrecarga e as salas para usuários apenas caídos. Porque esses germes foram gravados para uma música diferente que requer Sonics diferentes. Importou esses tambores apenas por sua vez, mas não por seu som, precisavam muito para trazê-los onde eu queria que eles estivessem, e alguns métodos muito não conservadores. A faixa principal que usei como sobrecarga são, na verdade, os quartos que não usei. A jaqueta sobrecarga simplesmente não se adequava a essa produção. E originalmente soa assim. E agora com o processamento, bastante extremo, eu sei, vamos passar por isso passo a passo. A primeira coisa que fiz foi domar o mais alto aqui. E, aparentemente, houve uma ressonância que me incomodou. Suponho que inseri isso depois, inseri essa distorção. Você pode notar que a distorção traz muita agressão e meio que a comprime. Estou usando isso mais como compressor. Vamos ignorar o EQ de pré-distorção e ignorá-lo enquanto a distorção está ativada para notar qual é o efeito. O tipo mais alto de aparece e é desequilibrado. E mais do que tudo, acho que isso se adapta ao tipo de texturas de R&B mais do que qualquer coisa. Depois, há uma instância de lixo, que é outra bela distorção e filtragem da fonte antes que ela vá para o saturado ou que eu vejo ser bastante violenta e depois comprimindo-a. Tudo bem, então vamos dar uma escuta a isso. O primeiro AQ provavelmente veio depois que eu inseri lixo porque as altas frequências são selvagens e isso realmente traz agressão e aperta emoções completamente diferentes dessa faixa. Então eu inseri um curso, o que não é uma coisa muito comum a se fazer em uma sobrecarga. Mas vamos ver o que isso faz. Como você deve ter notado, o botão de mistura é discado para 14 por cento. E o que eu sinto que ele faz é que ele cria mais dimensionalidade e mais profundidade. Não é realmente perceptível, mas ainda faz um trabalho muito bom depois do curso, estou colocando um fasor. Isso é trinta e dois por cento molhado. Vamos ouvir isso. Isso é um pouco mais perceptível e cria esse movimento no espectro de frequências que podemos sentir e ouvir. E, finalmente, esse dq. Então, estou filtrando essas frequências da informação lateral, que significa que toda minha baixa energia, estaremos em mono. Então eu também estou filtrando de todo o panorama, 90 hertz e abaixo, e domando as altas frequências. Mais uma vez, vamos ouvir isso. Tipo de brincar novamente, a estética que se adequa ao campo de R&B lo-fi e onde o garoto é colocado dentro da sala parece diferente. Agora, observe que isso parece que ele estivesse mais perto de nós e o quarto fosse um pouco menor. E estou enviando para um Weidner o estúdio D para criar mais dimensionalidade. Vamos ouvir isso. Isso é bypass. Isso amplia o som é, na verdade, outro curso. Não estou usando muito essa faixa em toda a mistura. Como você pode ver, é menos. 38,5 dB nos versos e nos coros. Acho que o automatizo um pouco mais alto porque há mais símbolos. Mas nesta mistura, usei os microfones e gatilhos próximos como os principais elementos do kit de bateria. Então, vamos para o chute. Na verdade, não usei o chute gravado. E o motivo é, como eu mencionei, isso foi gravado para uma música diferente que exigia uma sensação diferente e tons diferentes. Então eu usei substituto de tambor. Este é o meu plug-in de gatilho favorito atual. Eu inseri duas amostras de gatilhos. Este é o primeiro. E este é o segundo. Ambos juntos. Agora vamos ouvir como isso interage com a faixa errada. Eles estão fazendo o trabalho pesado e, simultaneamente, há uma cadeia paralela do bumbo. Você pode ver que esses dois são roteados para esses dois canais auxiliares e estão sendo distorcidos e depois filtrando. Então, vamos ouvir com e sem essa corrente paralela dá apenas um pouco mais de peso. Estamos de acordo com as armadilhas. Há isso e isso e oh meu Deus, passei por muita coisa com esses canais estreitos. A armadilha original é essa. Isso é distorcido em todos os estágios possíveis. Na verdade, gravamos essa faixa específica através de um preempt tão vintage. Ele não tinha um botão de volume ou fader. Acho que não teria feito isso se tivesse rastreado hoje. Mas, de qualquer forma, isso tem muita hemorragia de hi-hat. A hemorragia de hi-hat foi realmente acentuada por esse processamento e teve muito impacto em todo o sulco. Então, começando, eu cortei todas as subfrequências que estavam crescendo sem um bom motivo, nove comprimidos usando este belo Compressor, vamos fazer um teste AB. Então você deve ter notado que o chapéu alto meio que se aproxima do pico das armadilhas. Além disso, existem dois gatilhos de armadilha. O primeiro é esse, e o segundo é esse. Essas duas amostras são muito menores que a armadilha original. Esses quatro canais são todos encaminhados para este barramento único. A razão é, eventualmente, depois de eu fazer esse equilíbrio entre esses canais individuais, eu só quero um fader que eu possa considerar como meu canal de laço. O que eu fiz foi, em primeiro lugar, insira este lindo como um plugin de célula. Então eu estou levantando três dB a oito K, mas com um sino, o movimento SSL clássico é levantar oito k com a prateleira que estou usando a barriga era mais punchy. Em seguida, um designer transitório, eu queria mais ataque. Ouvindo novamente, eu realmente não adoro, mas é muito importante notar que as cadeias de sinais são construídas juntas. Podemos entender o que isso está fazendo apenas no momento em que terminamos toda a cadeia de processamento. Depois, há essa instância de Saturno, que é uma multibanda saturada. Este é um tipo quente. Estas são todas fitas antigas e isso também é fita. Eu vejo, a principal coisa que eu saturei é essa banda média baixa. Vamos ver o que isso está fazendo. Legal, dá muito peso. E a amada cassete de esboço parece como se estivesse tomando o tom da armadilha para baixo, está dando um peso ainda mais. Você pode ver que estou degradando um pouco a qualidade da fita cassete e saturando lentamente o sinal empurrando para o circuito que faz com que os substantivos sejam discados um pouco. Em seguida, outra instância de lixo, há alguma filtragem acontecendo. Mais uma vez, atenuando as frequências, empurrando em altas frequências. No módulo de saturação, estou usando saturação de fita e, em seguida, convolvo sempre tão gentilmente, 5,6% molhado. Quero ouvir o que essa convolução está fazendo. Isso está dando algum peso nas frequências mais baixas e depois comprimindo. Vamos ouvir tudo. O mix fader geral é discado para baixo cerca de 50%. Em seguida, estou atenuando, acho que esta é a frequência fundamental e algumas de médio alcance. Vamos ouvir isso. Dá o tipo de distorção de berserk, que eu gosto de usar às vezes como compressor. Então esse tipo de traz de volta o soco baixo. E como você pode ver até agora, e ainda temos mais um plug-in, mas sempre há esse jogo de dois passos à frente, um passo para trás, um passo para trás e, eventualmente, chega onde queremos. Por fim, há este transformador omega, este modela um novo transformador. Depois, há essas duas amostras para suportar a armadilha de vez em quando. Vamos dar uma escuta a isso. É apenas uma amostra de um palmas que eu filtrei as baixas frequências de uma montagem de vidro quebrado, qual eu filtrei muitas das altas frequências e das baixas frequências. Está apenas adicionando outra textura. Por fim, isso é enviado para uma distorção paralela. Estou usando a distorção preservar. Há bastante distorção EQ. Você pode ver que estou usando o EQ dinâmico aqui que está empurrando essas baixas frequências para cima sempre que a caixa atinge e depois postar distorção na fila com filtragem das baixas frequências de os lados porque eu quero as armadilhas, baixas frequências realmente centradas. E essas são frequências não têm nada a ver com armadilhas. Vamos ouvir isso inserido. É realmente sutil, mas parece um pouco mais misturado e é enviado para um atraso. Vamos ouvir o que esse atraso está fazendo. Acabei de enviar esse valor, então é muito, muito gentil. Só para dar um pouco mais de dimensionalidade. Vamos ouvir essa armadilha com eles, com base em gatilhos. Estou enviando todo o kit de bateria para este compressor e ele adiciona punção e peso. A compressão paralela faz bastante. Por fim, a língua do chão, que também é um gatilho, não senti o piso original servia à intenção da música. Então este é o gatilho que inseri. Isso é, na verdade, do gatilho Steven Slate. A última coisa legal que posso compartilhar com você sobre a bateria é o phis que eu realmente nunca fiz antes. Há esse barulho que é automatizado. Vejamos o que essa força está fazendo na parte C. Muito violento, muito legal. Passando para a base. Originalmente, soa assim. Não é muito excitante. Antes de fazer qualquer coisa, inseri um portão que acabou de limpar o ruído vindo da gravação e um LA para um, que é um ótimo compressor, mas também satura o som. Vamos dar uma escuta a isso. Dá mais um pouco de caráter, e então eu o dividi em dois canais auxiliares. O primeiro lida com as frequências muito baixas que eu queria que a base tivesse. E o outro lida com as altas frequências. Vamos começar com um menor. Então eu realmente quero que a base seja controlada. Eu inseri outro LH, que faz isso, traz alguma grade. Eu realmente amo o que isso está fazendo. E, finalmente, um compressor multibanda que reage a certas notas mais do que outras. E novamente me ajuda a manter a base no lugar. Então, com o canal alto, estou me divertindo muito. A primeira coisa que estou fazendo é outro portão porque vou distorcer o **** para fora disso e filtrando as baixas frequências. Então estou empurrando o hímen e filtrando todas as frequências muito altas. É assim que soa. Em seguida, inseri o estúdio D, que leva a fonte de ser mono a ser estéreo. Agora que eu tenho esse canal estéreo, estou distorcendo o **** fora disso com uma configuração muito, muito extrema. Então estou inserindo este EQ, o que me ajuda a moldar onde está a energia. Então eu acho que esse intervalo foi meio guardado para as almofadas e os tambores. Então eu filtrei isso e vamos ver o que isso está fazendo. Mantém a energia um pouco maior do que a cassete de esboço, que vejo que estou dirigindo a entrada. Então, vai adicionar mais saturação, mais uma agressão, e depois domar os altos. E apenas configurando onde eu quero que o foco da energia esteja. Tão muito baixo fi. E então eu estou enviando para outro estúdio, DT tem ele ainda mais amplo. E com o melhor canal, muita energia. Então, novamente, sem processamento, vamos ouvir isso dentro pista e o amarelo ao nosso redor como Kevin, 24-sete. Muito fraco em comparação com a cura ao nosso redor como Kevin quando ele apresentou pergunta. Muito divertido. As guitarras acústicas no começo originalmente soam assim. E depois de algum processamento soar assim. Estou usando o decapitado ou uma configuração que é uma cassete de esboço de texto, que é uma forma diferente de fita, cassete e reservas. Então você pode ver que existem três cores saturadas diferentes nesses dois canais. E, em seguida, alguns AQ. Isso é muito selvagem. Vamos ver o que isso está fazendo. Só meio que o torna mais baixo. Phi tira os mínimos e altos , melhora o midrange. Isso é automatizado. Meu Deus, Uau, o que o ****. Isso é lindo, vamos ver onde isso, onde essa automação entra. Certo? Então, há essa pausa antes do curso. É aqui que entra essa configuração. Então, temos esse som no começo. E no intervalo, é isso. A guitarra elétrica tem um som muito ruim para começar, então eu precisava chutá-los um entalhe. Este é o tipo exigente de guitarra. Eu inseri sketch go set, o antigo com o NR comp, que é um compressor muito violento e é muito, muito brilhante. E eu adicionei alguns wow e flutter que são flutuações no tom, que estão fazendo essa ferramenta. Muito vibrante do que algum EQ. Apenas melhorando a foto tão ligeiramente. Essas guitarras ou eu tenho aqui. Vamos ver como eles soam antes. Muito esquisito. O que estou fazendo aqui é algum EQ, não muito, alguma saturação do console de saturação. E depois há esse compressor, supostamente um compressor de pedal de guitarra. E esboçar isso novamente com o compressor engatado. E depois de duas compressões e alguma saturação, ela vai de duas. Você pode ver que há grandes quantidades de compressão acontecendo. Agora, essas são as coisas do ambiente da introdução. Não há nada muito interessante. Ligeira distorção. Você sabe, nada demais, mas as partes interessantes vêm nesse caminho. Esse caminho originalmente soa assim. E depois de ter trabalhado nisso, gradualmente. Então o que eu fiz foi filtrar os altos e baixos, montes de distorção e brincar com o tom aqui, tornando-o um pouco brilhante. Muita energia do que outra forma de distorção. Esses dois são tubos quentes. Isso é garantido, mas não estou saturando isso. Vamos ver o que isso está fazendo. Traz mais energia nas baixas frequências. E isso percebe como isso soa muito mais perto quando as altas frequências e baixas frequências são atenuadas e o midrange é aprimorado. Parece muito, muito próximo. Então eu estou enviando para algum atraso, um pouco mais só para você ouvir. E o truque é muito rápido LA Times, mas muitos comentários. E eu investi algum tempo na busca do estilo certo e alguns Weidner, o estúdio D, adoro esse plug-in. Observe que o que isso está fazendo é adicionar muito nível, mas também melhorar a largura do estéreo. Esta é a única coisa que temos no primeiro, no refrão, temos esse bloco. Que chegou assim. Ótima almofada de som. Eu só queria um pouco mais aos poucos. Então, outro cateter distorcendo o **** fora disso. Adicionando muito grão do que atenuar as baixas frequências e uma colisão no hímen. Depois, há a busca e vindo do piano. E vejo que está reagindo apenas a uma faixa de frequência muito específica. Bem, ouça como os dois interagem em um momento. Outro EQ, que é automatizado, automatizou isso para dar mais vida e um cassete de esboço. Isso apenas degrada a qualidade que leva de ser muito hi-fi a ser phi muito baixo. E agora vamos ver como essa compressão do piano ajuda. Essa mistura só lhe dá mais espaço. O piano tem apenas um EQ. Vamos ver o que isso está fazendo. É um pouco fofo sem ele, e só tem um pouco mais altas frequências com ele. O Mellotron também tem apenas EQ simples filtrando as altas frequências porque queremos deixá-las para os vocais e a bateria e também procurar no bumbo. E agora vamos ouvir como todos os elementos da reprodução interagem no curso. E antes de irmos para os vocais principais, vamos falar sobre o sentido solo que entra em ponte antes do segundo verso. Então, temos esses dois sons. Então, o primeiro sintetizador, estou apenas filtrando os baixos e altos. E isso leva disso para isso. Meio que mantém esse tom e cheque, então eu estou fazendo isso que parece um pouco contraditório, mas é uma forma de filtro muito diferente. É como se eu estivesse fazendo isso. Vamos ver como a segunda filtragem nos ajuda. Gosto do que está fazendo. Em seguida, corado, misturado. Agora com 43% das vibrações dos anos oitenta, este Plugin de fita meio que faz as coisas soarem melhores quando são empurradas o mais longe possível. E, por fim, alguma atenuação das altas frequências. Isso, por outro lado, está passando por um pouco mais de processamento. Há essa forma de EQ estranha que eu fiz depois de distorcê-la. Então, há novamente, uma instância de lixo sem isso soa assim. Então, dá algumas bolas. E então quando você pré-EQ e eu digo a ele qual frequência eu quero abordar. Este é um quando você distorce o pré-EQ e pós-agudo cumpre papéis completamente diferentes. Então esse pré-agudo disse a distorção, isso é o que eu quero que você sature. E o tipo pós-agudo me ajudou a moldá-lo mais. Em outras palavras, pré sugestão é comportamento. E pós-agudo ajuda você a moldar o tom daquele personagem que você criou. Eu só queria mais peso nas baixas frequências do que este transecta, o que ajuda a acentuar transientes. Vamos para os vocais principais e depois falaremos sobre processamento dos vocais de apoio também. Como mencionei na fase de arranjo, o vocal principal é espalhado por quatro canais diferentes, que são processados de forma diferente. Vamos falar sobre a limpeza 1 primeiro, a fonte não é muito boa, para ser honesto, foi mal registrada devido a várias circunstâncias e sozinha. Parece esse infinito sagrado ao nosso redor como o céu. 24-sete de perguntas. Há muitos médios baixos. Foi muito difícil lidar com esses vocais. Ela tem uma voz muito alta, então eu filtrei muitas das baixas frequências e depois comecei um curativo e apontando. Onde estão essas freqüências que são tosse, nasal , baixa frequência nasal. Então, essas são as frequências que atenuei segurando o infinito ao nosso redor como o céu, 24-sete de perguntas, 0,05 por cento. E então um compressor multibanda que é um pouco mais adaptativo e está reagindo às frequências Loman e graves. Vamos ouvir esse infinito santo. Você vai ao nosso redor como o céu 21º, segurando o infinito ao nosso redor como o céu, 24-sete de perguntas, muito gentil, mais alguma atenuação. E então estou empurrando as altas frequências , mas não tenho dinâmica. Então, sempre que ela tem um som S ou Sure, então ele o atenua totalmente infinito ao nosso redor como o céu. 24-sete de perguntas, 0,05 por cento responde Wholly Moly holy Molly e meu refrigerante. Depois, há esse coroinha que também é automatizado e entra e sai. E vamos ouvir isso quando ele chegar. Mais AQ filtrando essas freqüências baixas desagradáveis mantêm o infinito ao nosso redor como Kevin, 24 a sete perguntas, 0,05% respostas. Há esse EQ dinâmico, que é novamente, um pouco mais vivo e reage às coisas somente quando elas aparecem e não constantemente. Então, vamos AB sem processamento. E até este ponto, apenas o infinito ao nosso redor como o céu, 247, Sem perguntas. 0,05 por cento respostas, santo, infinito santo, ao nosso redor como o céu. 24-sete de perguntas, 0,05 por cento de resposta está segurando, para ser honesto, se fosse gravado melhor, eu não precisaria fazer todo esse processamento, mas vamos continuar e ver como eu abordei mais isso. Depois, há esse LA para LA, que novamente é um compressor, mas tem um tom muito legal. Santo infinito ao nosso redor como o céu. 24-sete de perguntas, 0,05 por cento respostas, mal fazer nada nem chega a atenuação de um dB, então há essa distorção, que se você olhar para ela, você vê que é bonito selvagem, mas na verdade o botão de mistura está desativado todo o caminho e é automatizado sempre que eu queria empurrar uma frase para a frente, eu automatizei isso e distorci os vocais e outros EQ. Isso também é automatizado. Isso sobe e desce durante a música e dá a ela um monte de personagem e o éster porque seus S são difíceis, infinito sagrado ao nosso redor como Kevin, 24-sete de perguntas, 0,05% de resposta é santo moly em certos pontos à beira da escuta, mas não é. Depois, há todo esse barramento no qual todos esses vocais são roteados e apenas comprimindo um pouco dentro de 1176, então há mais um EQ geral, principalmente abordando o S e essas frequências que eu me pergunto como elas soam. Sim, desagradável. E finalmente, sooth, que é um ótimo EQ, que aborda frequências ressonantes que vêm e vão, infinito sagrado que você vai ao nosso redor como Kevin, 24 a sete de perguntas, 0,05 por cento de resposta está segurando. Isso realmente ajuda a mantê-la e verificar com os vocais de apoio. É muito, muito simples, pois os filtros de telefone são apenas filtragem básica. Só não queria que eles dominassem a mistura de forma alguma. E vocais diferentes receberam diferentes tipos de cuidados. Cada um deles tem um tipo diferente de textura sônica e isso ajuda o ouvinte a se concentrar. O fato de serem diferentes do vocal principal só torna mais fácil de seguir. Portanto, há um tipo muito, muito distorcido de ad libs. E depois há os anúncios mais limpos. E depois há o grito. Isso é só nós gritando a mesma coisa quatro vezes. Acabei de dobrar a pandemia para a esquerda e para a direita e a rebentei em um ônibus sem processamento, parece assim. Então eu coloquei um pouco de EQ, alguma distorção, molécula muito, muito leve. E então soou assim. Apenas atitude e enviou-o para reverb, reverb de câmara e atraso. E isso fez parecer assim. Muito simples. Todos esses elementos no meu modelo vão para caules. Digamos que existam trilhas de bateria 1012. Eu os sigo lentamente até um barramento de bateria que alimenta o caule. E o mesmo vale para todos os instrumentos ligados. Portanto, há o tronco do tambor baseado em cordas de selo de harmonia, vocais de apoio, vocais e efeitos vocais. Nem todos estão sendo processados. Vamos dar uma escuta aos tambores e ver como o processamento do caule, que é um pouco de saturação, apenas um pouco de filtragem das subfrequências. E a filtragem das altas frequências afeta a haste dos tambores parece fraca e não misturada antes. E você pode ver que a saturação é uma ferramenta muito, muito forte. Eu uso isso mais para o que está fazendo na dinâmica do que para realmente receber saturação audível. Mas, mais do que tudo, a coisa legal que eu quero mostrar aqui é o que essa filtragem suave faz com toda a faixa. Ele não ultrapassa 1,5 dB. É gentil, mas na verdade está fazendo bastante. Essa atenuação realmente, realmente reúne tudo. E algo incrível que aprendi ao misturar essa música é o impacto que os médios baixos têm sobre o campo de proximidade de um instrumento para o ouvinte, isso faz com que todo o kit se sinta mais próximo do que a haste base tem um pouco de saturação. E eu estou filtrando todas as subfrequências e deixando-as para o bumbo. Isso adiciona algum caráter e atitude. mesmo vale para as hastes de guitarra e nos vocais, há um pouco de EQ, um pouquinho a 18 k, um pouquinho em 2,5. E estou usando o pré para circuitos. Isso está introduzindo a saturação do pré-amplificador e, em seguida, mais alguns ajustes. Digamos que seja essa finidade ao nosso redor como Kevin 24-sete de perguntas. Finity ao nosso redor como Kevin 24-sete de perguntas. Só um pouco mais brilhante e emocionante. E então algo bem legal que eu gosto de fazer é reverb paralelo para toda a mistura e compressão paralela geralmente, mas neste caso, eu sou paralelo distorcendo toda a mistura. Vamos ouvir o reverb abaixo ao nosso redor como Kevin ganhando por sete perguntas. Talvez você esteja ao nosso redor como Kevin ganhando por sete perguntas. Holy moly. Gosto do que isso está fazendo. É bem sutil. Às vezes funciona, às vezes não, nem sempre uso isso e depois há um bom saturado. E vamos ouvir com e sem o amarelo ao nosso redor como Kevin ganhando por 7,05. Ao nosso redor, como o Kevin. Kevin, sem perguntas. Eu realmente gosto do que isso está fazendo com a armadilha. É meio que adicionando muito peso a toda a mistura. Isso eventualmente resume a este ônibus misto que na verdade já está dominando. E isso é praticamente isso. 41. O que você dá — (Familiarize-se com a música): Diminua a velocidade. Você se encontrará com muita frequência. Eles não o entregam. O lado esquerdo porque eles não se importam. O que eles sabem é muito ruim. Enquanto ainda estivermos, eles nunca encontrarão escrita nas paredes. Só se preocupe com o que você dá. Diminua seu coração. Você se encontrará com muita frequência. O mais rápido, não traga de volta. Você descobrirá que não há nada que seja violência ou este lugar. Só está fazendo algo errado, não apenas cristãos. Estou tão confuso. Você só se importa com o que ouve. 42. O que você dá — visão geral da mistura: Agora que estamos familiarizados com o arranjo, podemos mergulhar na mistura, vou mencionar novamente que meu objetivo é expô-lo a ferramentas e técnicas. Então você pode ver plugins com os quais você não está familiarizado. Os nomes dos plug-ins são mencionados no segmento e você pode procurá-los se algum deles chamar sua atenção. Como eu mencionei, este é o chute da música, mas na introdução, eu tenho um pontapé de som diferente, que é enviado para um reverb bastante longo. E eu filtrei as baixas frequências porque não queria que ela dominasse a introdução. E parece assim. O processamento que fiz aqui é uma ligeira saturação usando o transformador Omega e filtrei as baixas frequências. Este canal não passa por nenhum processamento por si só, mas é encaminhado para um barramento. Há compressão de cadeia lateral da armadilha, e estou atenuando ligeiramente as subfrequências. Vamos ouvir como isso soa sem esse EQ. Só parece um pouco mais equilibrado. Essas subfrequências apenas dominarão seu barramento mestre e, eventualmente, exigirão mais limitações quando você dominar. Então eu decidi fazer isso na fase de mistura. A razão pela qual há compressão de cadeia lateral proveniente da armadilha é porque o termo base está jogando quatro no chão. Quando a armadilha atinge, não é tão necessário ter todo esse peso juntos. Vamos ouvir as armadilhas com o chute. Agora você pode não notar uma grande diferença quando você olha para isso. Mas se saltarmos para o nosso barramento mestre e removermos o limitador, observe onde os níveis de pico atingimos quando o tal e a compressão são ignorados. Portanto, temos menos 16,6 e agora que temos a compressão de cadeia lateral, então ganhamos um dB e meio ou mais de volume. E não há sensação de compressão porque a armadilha é o centro das atenções. Isso resultará com menos compressão proveniente do limitador no estágio de masterização e apenas será mais agradável. Eu penso em masterizar quando estou misturando, especialmente em produções eletrônicas. Vamos falar sobre as armadilhas. Temos duas amostras. O primeiro soa assim, e o segundo soa assim. Você pode notar que a primeira é nossa caixa principal e é eletrônica. E o segundo meio que traz o chocalho das armadilhas em um tambor acústico. E vou te mostrar como cheguei lá. A caixa de amostra original soa assim. Eu o saturei usando o transformador Omega modelo n, que emula um transformador de cavalete. Isso lhe dá muito peso e peso desnecessário. Então eu usei esse EQ, meio que equilibrou a frequência fundamental da armadilha, e isso aparentemente resultou com muitas frequências altas. Então, eu filtrei as altas frequências um pouco. Vamos ouvir o que isso está fazendo. Ouvindo isso e solo, você pode pensar consigo mesmo, ele arruinou a armadilha. Bem, de certa forma você está certo, mas você está muito, muito errado porque ninguém ouve sua mistura e solo. Eu tenho o bumbo tocando e o papel que o snare desempenha no contexto de toda a música não requer todas essas baixas frequências. Após este EQ, inseri outro modelo e saturo ou que tipo de foca a energia de medicamentos mais altos a minutos um pouco menos mais altos e a comprime ainda mais. Com o segundo cenário, estou fazendo um processamento um pouco mais violento, não processado, parece assim. E processado. Parece assim. Vou explicar o porquê em um minuto, mas antes, vou explicar como a primeira coisa que fiz foi atenuar as altas frequências e esse humor baixo. Então eu o distorci um pouco novamente com o ômega n. Presumo que comprei o plugin na época em que eu estava misturando a música. Então, acabei de experimentar o máximo que pude. Como mencionei na última instância do FirstName, ele meio que concentra a energia um pouco menor no espectro de frequências. Em seguida, temos o incrível 1176. Estou usando todos os botões, o modo N, que é uma compressão extrema, e pressionando a entrada extremamente. Então, ele dá muito estalo, mas, mais do que tudo, ele apenas mantém o chocalho da armadilha mais longo e cria esse longo o k que eu então balanceei usando um designer transitório. Então, o que eu fiz aqui é diminuir o sustentado porque era muito longo e não me serviu ritmicamente. Vamos ouvir os dois canais juntos e, ou ignorar e ignorar os dois processos dinâmicos. Você pode apenas ouvir essas altas frequências um tanto naturais chegando. E a última coisa a notar é que a primeira armadilha está sendo enviada para o Plate Reverb, que não é muito curto e depois filtrado ou a UTIN, estou cortando 130 para baixo, a armadilha de marcha. E a parte C é algo que programei com Midea e não processado. Parece assim. Com processamento. Você pode se lembrar que o início do Porto Marítimo é muito aberto e não há muitos elementos. Portanto, esse reverb longo está bem, mas se o poder fosse mais denso, eu não o teria enviado para um reverb tão longo nesse valor. A primeira coisa que estou fazendo é cortar todas as frequências e atenuar alguns médios baixos. Então eu estou classificando usando lixo. O lixo é uma unidade de distorção muito legal por isótopo. Há o módulo de lixo que é saturação. Então eu estou filtrando. Estou adicionando um pouco de altas frequências e estou usando um reverb de convolução. É como se o som fosse gravado em um capacete. E então estou adicionando algum atraso. Vamos ouvir o que o lixo está fazendo. Então, está adicionando muita emoção e a distorção meio que a comprime e as notas fantasmas ou apenas mais aparente na mistura. Então estou começando de novo com o comutador. Estou usando o estilo pentose e estou distorcendo extremamente, mas discando o botão de mistura. Isso traz à tona o som da sala da gravação que eu tive que passar por alguns estágios de saturação. E geralmente estou apenas degradando a qualidade de áudio deles e explicarei o porquê em um segundo. Originalmente, eles soam assim. O primeiro plugin que estou adicionando está saturado ou por um cérebro, sempre tão ligeiramente saturando-o. Só o torna um pouco mais escuro. Em seguida, estou usando tubos macios, fita adesiva e vou ser bastante. Ele também corta as tendências em um pouco mais e traz a decadência lentamente para mais perto dos porcos. Finalmente, estou filtrando todas as altas frequências. E vamos entender por que eu fiz isso apenas em contextos. Então, vamos ouvir isso. Então, essas altas frequências penetrantes realmente não servem para toda a sensação vintage que eu estava buscando. Eles apenas escolhem demais. E com esse processamento, eles podem se sentar melhor na mistura. Eu tento não solar coisas porque isso pode realmente te afastar do que é que você precisa fazer. E às vezes, na mistura, você apenas degradará algo até certo ponto para que ele deixe espaço para outras coisas. Quanto ao acidente, estou apenas filtrando poucas frequências de ressonância e, em seguida, a armadilha reversa e o tom mudando para cima um quinto e usando este plugin para criar algo como um reverb. Observe como o som sem esse login e largura. Eu realmente não sei como e por que isso está fazendo isso, mas é. Vamos agora falar sobre o baixo, que está passando por um processamento muito interessante. Quando estávamos trabalhando nessa faixa, alugamos um estúdio que tinha uma base horrível nela. E eu realmente precisei sintonizá-lo automaticamente no estágio de mixagem porque ele simplesmente não ficaria em sintonia por muito tempo. E depois da sintonização automática, inseri duas bases e emulações. Vamos ver o que cada um faz. Este é apenas o primeiro. E aqui está com o segundo. Então, deu mais atitude e tipo de foco, o ataque de médio alcance da escolha onde eu queria. E então o que eu fiz foi encaminhar esse canal base para esses envios auxiliares. O primeiro, você deve ter notado, estou chamando de base baixa e filtrando todas as altas frequências até 150 hertz. A razão pela qual estou fazendo isso é porque quero minhas frequências de graves centradas e controladas e limpas e focadas. E eu sabia que queria distorcer as altas frequências e tê-las nas laterais. Depois desse filtro, coloquei o compressor multibanda, que reage mais algumas notas do que outras e mantém minha base e verifica, vamos ouvir isso. Você deve ter notado que, sem ela, as frequências de base eram dinâmicas demais. E como eu mencionei, eu queria que eles fossem muito focados. E, por último, acabei de atenuar essa frequência que atualmente me incomodou. Então eu tenho que canais altos. O primeiro é para os cursos e os outros quatro versus o motivo é que eu criei um som baixo no início da música que funcionou lindamente. E então, no verso, ele é apenas dominado e chama muita atenção? E dificultou ouvir o cantor. Então, vamos começar com o dos cursos. A primeira coisa que fiz foi filtrar as baixas frequências e filtrar esse intervalo, que é a escolha. Aparentemente eu não gostei muito, mas você pode ver que é um EQ dinâmico e ele reage à fonte sempre que algo simplesmente ultrapassa. Portanto, a razão pela qual este filtro não está em 150 hertz é aparentemente o próximo plugin, que é uma emulação da distorção do rato. Presumo que o que aconteceu foi que eu brinquei com o filtro para moldar o que a distorção está realmente reagindo ao que resultou com esse som. Em seguida, inseri costuras, que é um ótimo plug-in que ajuda a gerenciar ressonâncias desagradáveis, mas não estáticas. Sem ele só está fora de controle. É um pouco selvagem demais. E depois de inserir outro EQ, desta vez o filtro é colocado torno da mesma frequência em que eu filtro as altas frequências e o canal baixo e continuei moldando o som dos graves. Então, novamente, você pode estar pensando consigo mesmo, por que ele está arruinando a fonte? A razão é que eu tenho o canal baixo, que contém todas as baixas frequências que eu quero. Não preciso de mais frequências baixas no canal. Eu queria apenas altas frequências. E a última coisa que estou fazendo é fazer esse estéreo de fonte mono usando a Microsoft. E com o melhor canal. Esta divisão do baixo é um truque muito legal. E vamos rever o que estou fazendo no Vs. Apenas um pouco mais leve neste canal, a única variação é que há um pouco mais de distorção do que a primeira, mas há muito mais filtragem acontecendo. Então, vamos altas frequências que são duras e estão tomando o espaço do vocalista, depois o BQ, outro EQ, que está filtrando mais das baixas frequências. E a Microsoft, a última coisa a notar sobre as guitarras que é enviada para o reverb bx 28th spring, que é automatizado, e só aparece no final da música. Então, quando a música termina, ela termina com o baixo decaindo. Observe o que acontece neste fader. Spring reverb cria imediatamente essa sensação vintage e classificou esta produção lindamente. O sintetizador baixo não tem nada acontecendo, exceto por este filtro e ligeira atenuação em 187 hertz. Não há necessidade de fazer nada extremo. Não te abençoe, faça melhor. Dito isto, faça o que precisar para chegar onde quiser ir. Agora, as guitarras, que estão passando por um processamento muito extremo, essas guitarras foram gravadas diretamente na interface de áudio e sem nenhum som de processamento como este. Eu sei. A primeira coisa que adicionei aqui é o equipamento de guitarra, que tem o primeiro módulo, o gabinete laranja AMP e Marshall, que criou esse som. Em seguida, uma predefinição de lixo, que é muito, muito violenta, passando por outro reverb de convolução e alguma compressão e atraso. Então, por que não outra distorção. Nota lateral, isso é recorte, que é outra forma de distorção. Há praticamente graus de distorção nesta cadeia de processamento. E, por último, reverb de primavera, porque novamente, vamos para uma sensação vintage e isso combina com isso lindamente. Agora estamos falando em seguida. Eu encaminhei essas duas guitarras para um ônibus, e eu fiz o EQ. Eu adicionei algumas médias altas e filtrei todas as subfrequências porque quando você extremamente saturou algo, às vezes isso resulta com isso. Essas frequências estão apenas tirando espaço dos meus níveis gerais e não são necessárias ou audíveis. Então, eu os expulsei após esse EQ que usei para modelagem tonal, estou usando este EQ, que automatizei para criar esse efeito. E a última coisa que estou fazendo é automatizar o botão mudo para não ter a decadência do reverb e ter esse efeito de vácuo. A automação é uma parte muito importante de uma boa mistura. Dá vida a misturas, cria misturas mais dinâmicas e é algo que você deve investir algum tempo e passar para a guitarra, que realmente soa como uma guitarra. É bom, mas um pouco bidimensional. Então eu inseri essa instância de uma emulação 610. 610 é um console lendário construído por Bill Putnam, o fundador da Universal Audio. Este console tem circuitos de tubo e, embora eu não tenha trabalhado com o console analógico, adoro a emulação. Eles não importavam o quão perto ou longe fosse da coisa original. O que estou fazendo aqui é um truque bem legal no qual eu empurro muito nível para o console e depois diminuo a saída, então estou dirigindo ou overdrive todo o circuito e criando alguma distorção. Eu realmente gosto, vamos ouvir isso. Acho que eles fizeram um bom trabalho em emular a distorção do tubo. Parece um pouco mais tridimensional e traz o som do tom um pouco mais longe. E então eu estou comprimindo a guitarra levemente com essa emulação 1176, proporção de dois para um. Então, isso melhora ainda mais o som do tom. Mas algo interessante que quero ressaltar é que disquei o lançamento para uma configuração que permanece apenas suficiente para que o som não se sinta sufocado, mas atenua essa baixa irritante, frequência média que só se sustenta por muito tempo. Tente perceber isso. É muito sutil. Você deve ter notado isso, você pode não ter notado, mas eu realmente gosto do que isso está fazendo. Finalmente, estou enviando para um reverb de placa que o empurra para trás na mistura. Se este fosse o único caminhão na mistura, eu preferiria secar, mas não tem um papel muito importante. Então eu o empurrei para trás, a fim de deixar espaço para o que eu quisesse na frente dos microfones. Passando para o, já que o jumbo está passando por esse EQ, que é essencialmente uma parte de toda a agenda que você já conheceu na bateria, o que está tornando as coisas um pouco baixas. O que suponho que isso aconteceu aqui é que comecei a rolar as altas frequências com a prateleira alta, e isso resultou com algumas frequências a serem retiradas. Então eu precisava atenuar isso um pouco mais cirurgicamente. Então, como eu assumi, ele apenas degrada e o torna um pouco mais baixa, mas de forma controlada que não perfura nossos ouvidos. Então estou enviando para um reverb digital. Eles são todos digitais, mas isso é uma emulação do primeiro reverb digital, na verdade o EMT para 50. Eu o defini para decair durante muito tempo. Então eu estou enviando para o curso e outro curso, essencialmente, que são mudanças macro, vamos ouvi-lo seco e depois ver quais são os efeitos. Grande jurado, maior, mais largo, e mais vintage você o B3, estou usando a fita de tubo macio novamente, uma montagem para a configuração base, mas desta vez eu defini para 15 IPS, então eu estou enfileirando isso. Nada muito. Agora, muito dramático, apenas modelagem suave que aquele sintetizador de chumbo ambiente, estou usando o Sketch case2, que é um plug-in incrível, exceto por apenas adicionar esse tipo de tom cassete, estou adicionando alguns Uau, que é, que é flutuações relativamente lentas e pitch. E então eu estou filtrando todas as altas frequências, é claro. Então, quando não foi processado com todas essas altas frequências é apenas sentida fina. E quatro, e tendo toda a alta frequência é filtrada, o som um pouco mais focado no médio alcance, fez com que ele se sinta um pouco mais próximo. Este som é enviado para um atraso de ping pong definido como oitava notas. Eu escolhi o estilo homem de memória Santos um cobol tem muitos estilos para escolher. E eu busco. Eu tentei ser muito preciso com meus pais Joyce, a linha e o último refrão também estão passando por fita adesiva e estão sendo extremamente filtrados tanto nos altos quanto nos baixos. Vamos ouvir isso não processado e processado. E, novamente, você pode ver que o médio alcance tem muito a ver com o quão próximo ou distante as coisas se sentem antes da filtragem que parece e quando é filtrada, parece mais próxima e mais poderosa. Não é necessariamente o caso sempre, mas neste caso, definitivamente é a linha no primeiro verso. Eu também tenho filtro extremamente. Também filtro essas frequências que aparentemente eram ressonantes e irritantes. E então eu inseri lixo, que uso para distorcer suavemente o som com saturação da fita, depois filtrar as baixas frequências e ligeiramente comprimido. Vamos ouvir essa fonte. Por que refrigerador? Sim, as altas frequências são superestimadas. Em seguida, temos um canal não processado. Só estou enviando para os dois cursos. Não há necessidade de fazer nada. Não faça. Quero dizer, estou fazendo algum processamento extremo aqui, mas não é porque eu quero processar isso porque senti que a fonte precisava dele quando não sinto que não faço nada. Passando para o próximo arpejador, estou usando o cassete Sketch novamente para o seu poço e apenas o som do cassete filtrando as baixas frequências, atenuando ligeiramente as altas frequências, ou não um pouco na verdade, ampliando-o usando o micro shift. Então, novamente, acabei de arruinar a fonte para deixar espaço para outras coisas que acontecem . Saltando para os vocais de apoio, vamos falar sobre o par alterado do formante. A primeira coisa que fiz foi filtrar as baixas frequências e explodir alguns médios altos na unidade do que apenas discar os formantes para quase menos cinco. Isso resultou com isso. Em seguida, empurrou alguns médios mais altos e inseriu reverb de mola. Isso colocou a fonte no espaço e ela realmente plana, ou isso é feito alguma compressão usando o 1176? Ainda seja dinâmico, mas controlado do que inseri e terminei inseri e terminei com a rolagem de todas as baixas frequências. Quanto aos vocais distorcidos, estou usando areia XAMPP, que é um belo plugin de estoque que vem com o Pro Tools. Tem a saturação premium acontecendo. E então esses três são distorção de baixa frequência, distorção frequência média e distorção de alta frequência, depois uma unidade geral e, em seguida, um EQ baixo e alto. Isso tem um tom muito específico e é lindo e é seguido com uma DSLR porque os sons de polegada e S ficaram muito duros. E vamos ver o que isso está fazendo. Estes foram enviados para uma placa reverb. O que é bastante longo, e é isso, apenas modelagem e controle de tons. Então temos os vocais gritando, eu só me importo com o que você dá, que são processados com EQ muito leve, eles mais de 2,4 dB atenuação. Então temos lixo distorcendo o bejesus para fora deles, filtrando lentamente as baixas frequências e empurrando as altas frequências e adicionando algum atraso. E, finalmente, alguns dos S para garantir que a distorção não puxe nossos ouvidos. Por fim, ele é enviado para um atraso de ping-pong com trigêmeos de nota trimestral e muitos comentários. Então, sem nenhum processamento, soa como esse gesto, o que você deu com a modelagem tonal. Parece assim. Há algum atraso no módulo de lixo para lembrá-lo. E com um atraso de ping pong, vamos ouvir como isso soa e contexta. Não é horrivelmente óbvio e frontal. É colocado no lugar. Vamos falar sobre o vocal principal. Há um grande segredo na abordagem que vim com esse vocal. Tivemos um bom desempenho com gravação de qualidade horrível e eu precisava escolher se estou indo com a abordagem de torná-lo tão hi-fi e grande quanto possível. Ou, pelo contrário, meta para um tipo de sensação baixa. E em vez de compensar, apenas lisonjear o que eu tenho e essa é a abordagem que eu estava buscando. Então, a primeira coisa que fiz foi cuidar do efeito de proximidade que estava na gravação. Havia apenas médios baixos em todos os lugares. Foi muito difícil lidar, para ser honesto, depois de equilibrar isso, inseri outra instância de ratos ou crus. Vamos ouvir o que isso está fazendo. Diminuir seu batimento cardíaco é a cidade dos mortos. Você se encontrará sozinho com muita frequência. Isso torna óbvio que o baixo financiamento é intencional e é mais uma escolha estilística do que apenas permite a gravação, o que não é algo que você quer que as pessoas sintam quando estão ouvindo para suas músicas após a distorção, estou apenas atenuando ligeiramente essas frequências, que estão me incomodando, e essas altas frequências que são apenas duras. E também as baixas frequências que não são necessariamente retardam seu coração. Bead é a cidade dos mortos. Você se encontrará sozinho com muita frequência. Isso evita que a distorção perfure nossos ouvidos. Além disso, estou usando sooth para controlar isso. Além disso, disquei a mistura para 81%. Diminuir seu batimento cardíaco é a cidade dos mortos. Você se encontrará bem conhecido com muita frequência. Saldo controlado. Está distorcido, mas não é horrível. E vamos ouvir isso no contexto e ver como ele interage com o outro som. Diminua seu coração. Você se encontrará com muita frequência. Eles não dão um ****. Porque se encaixa no cenário, ele se encaixa no texto, ele se encaixa na melodia e funciona muito bem. Agora, quero falar sobre automação. Aqui você pode ver que os instrumentos harmônicos passam por muita automação. Isso é automação de volumes. Especificamente, depois de terminar de moldar o tom dos instrumentos na mixagem , eu toco a música desde o início, equilibra. E então, à medida que a música toca, tento perceber o que sai e o que parece estático e precisa de mais movimento. Essa automação de volume são coisas que eu invisto bastante tempo. E como você pode ver, vou para detalhes muito finos aqui para garantir que o vocal esteja no lugar durante toda a música. E não há ensaios ou ervilhas que estão apenas surgindo e apenas irritando meus ouvintes. Também automatizo o sentido do efeito. Você pode ver que aqui eu tenho esse arremesso de reverb. Vamos ouvir essa escrita nas paredes. Estou tão confuso. Tento perceber onde os textos ou a melodia exigem mais tensão e então posso enviá-lo para um rio, mas atrasar e dar-lhes misturar mais vida. Minha mistura inteira é resumida a essas hastes. Há os saltos para baixo com base na haste da guitarra, etc. Aqui, se eu sinto que há uma necessidade, eu faço masterização. E nessa mistura, eu não fiz muito. Há apenas um pequeno E Q na base e algum EQ nos vocais, moldando-o ligeiramente. E, na verdade, a última coisa que está acontecendo antes de eu ser x passar pela minha cadeia de masterização esses dois canais paralelos que estão fazendo processamento paralelo para toda a mistura. Então eu tenho um rio paralelo, que não estou usando nesta mistura. Às vezes eu uso, às vezes não. Há esse canal paralelo, que geralmente é usado para compressão paralela, mas neste caso, usei para distorção paralela. É muito, muito sutil. Eu sinto que isso meio que mantém as coisas um pouco mais no lugar. Ele adiciona um pouco de energia. 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