Como criar uma quarta parede

1. Criação da quarta Wall - Episódio 1: os conceitos básicos: Olá, todo mundo. Bem-vindo a uma emocionante série de tutoriais, de cinema e cinematografia. Meu nome é Georgia Dradis e eu sou o diretor de desenvolvimento de conteúdo da Stocks the United Today e nos próximos 10 dias, vamos filmar um curta-metragem aqui na bela Atlanta, Geórgia, e vamos usar o curta-metragem como pano de fundo para ensinar-lhe alguns dos fundamentos da produção cinematográfica. Neste primeiro episódio, vamos cobrir algumas das noções básicas e o que você precisa saber se você está fazendo a transição para fotografia para vídeo. Para aqueles de vocês que são fotógrafos, você já tem uma vantagem incrível quando se trata de vídeo. Então, quando você faz a transição para o vídeo, você verá que muitos dos fundamentos básicos são exatamente os mesmos. A parte emocionante sobre o vídeo é todas as novas e incríveis oportunidades de contar histórias que você terá. Eu acho que muitas vezes pode ser intimidante entrar em filme ou vídeo muitas vezes, especialmente quando você vê o que entra nele na quantidade de pessoas na quantidade de equipamentos. Mas desde que você siga algumas regras fundamentais e diretrizes básicas sobre contar uma história com movimento, você vai descobrir que não precisa de nenhum equipamento chique ou você não precisa de todas essas pessoas extras. Você só precisa de uma câmera capaz de capturar movimento, e é isso. Então vamos começar com o básico. A taxa de quadros é expressa em quadros por segundo. Também se referem como FPs para abreviação em 24 quadros por segundo, você obteria o visual cinematográfico que você está acostumado quando você está assistindo filmes. É o que te dá essa boa moção. A maneira de alcançar câmera lenta é filmar imagens da taxa de quadros mais rápida, como 60 ou 120 quadros por segundo. E então você reproduziu uma velocidade padrão, algo como 24 quadros por segundo. Uma boa regra sobre a velocidade do obturador é que quando você está filmando em tempo real e não câmera lenta para dobrar seu quadro, certo. Assim, por exemplo, se você estiver atirando em 24 quadros por segundo, disse que sua velocidade do obturador para 50. Ei, só estou montando nossa câmera B para uma filmagem. Hoje, algumas das configurações padrão foram fotografar 24 quadros por segundo com 100 obturador de 80 graus para manter esse desfoque de movimento cinematográfico que todos estamos acostumados a ver e temos uma base eso de 800 nesta câmera. É uma magia negra ou tantos profissionais. Mas felizmente, esta câmera foi incorporada e filtros D que, de outra forma, você precisaria colocar na frente da lente. Felizmente, com esta câmera, eles são todos internos. Ajuda-nos a levantar um pouco. Vamos filmar profundidade de cor de 12 bits apenas para que possamos obter todo o alcance dinâmico e toda a informação do sensor. E isso nos dá a capacidade de mudar o i s assim e mudar um monte de configurações após o fato no caso de ter problemas onde, como se fôssemos filmar em pro rez, não seríamos capazes de fazer isso, estaríamos bloqueados em qualquer configuração que filmamos, e isso meio que não lhe dá muita flexibilidade. Então, para o filme, estamos filmando em bruto para que tenhamos a habilidade de mudar as coisas depois, se precisarmos. Infelizmente, não vou ser capaz de atirar sem perdas porque são cerca de 500 megabits por segundo e ficaríamos sem cartas num instante. Então vamos filmar uma taxa de compressão de 3 para 1 com as lentes anamórficas que estavam usando. Infelizmente não foram capazes de usar a resolução completa de 4.6 K desta câmera. Temos que ir para um modo anamórfico de três latas. Então temos que ir para a nossa configuração, por sua vez, são duas vezes anamórfico t apertar. Vamos dar uma olhada em alguns ângulos de câmera. O termo ângulo da câmera sempre se refere à forma como uma tomada é composta. Agora vamos examinar alguns exemplos de como o ângulo da câmera é relativo ao assunto. Quando você está olhando para um ângulo de nível dos olhos, esta é a visão mais comum sendo o ângulo de visão rial que todos estamos acostumados. Mostra assuntos como esperaríamos vê-los na vida real. É um tiro bastante neutro. Ah, alto ângulo mostra o assunto de cima. A câmera está de tornozelo para baixo em direção ao sujeito, e isso tem o efeito de diminuir o assunto, fazendo-o parecer menos poderoso, menos significativo, fraco, assustado ou mesmo submisso. Um ângulo baixo é usado quando queremos mostrar assuntos de baixo, dando-lhes a impressão de ser mais poderoso ou dominante. visão de um pássaro é uma cena diretamente de cima. Este é um ponto de vista completamente diferente um pouco antinatural, que pode ser usado para efeitos dramáticos ou mostrando diferentes perspectivas especiais. O oposto de uma visão de olho de pássaro é a visão de vermes. Este ângulo está perto do chão, olhando para cima, transmitindo um ponto de vista não natural do zero para cima. Um ângulo de inclinação inclinado ou holandês é onde a câmera é inclinada propositadamente. Um lado para o horizonte está em um ângulo. Isso cria um efeito dramático interessante. Comunicar algum tipo de confusão, ou que algo não está certo. Agora vamos mergulhar em tipos de tiro. Um tiro largo extremo é frequentemente usado como um tiro determinante no tiro extremo largo. O sujeito é pouco visível no tiro de largura média. O assunto é visível, mas a ênfase ainda é colocá-lo em seu ambiente. Em um tiro largo, o sujeito ocupa o quadro completo em um tiro médio. Nós mostramos mais detalhes sobre o assunto, mas nós iludimos ainda para o assunto completo, e em um close up, uma certa característica de parte do assunto ocupa o quadro completo com um close up extremo. Podemos nos concentrar em detalhes extremos do nosso assunto e sobre o tiro de ombro é quando estamos olhando de trás de uma pessoa para o assunto, um ponto de vista, tiro ou p o. tiro V é basicamente um tiro do ponto de vista do assunto. Aqui estão algumas dicas que você pode lembrar se estiver fazendo a transição da fotografia para o vídeo com vídeo, mover a câmera é muito importante, mas tão importante quanto saber quando mover a câmera. Pense na composição ao longo de suas fotos, qual é a composição no início do vídeo e, em seguida, novamente no final do vídeo. E esteja ciente de alguns problemas comuns que as pessoas enfrentam quando entram pela primeira vez no mundo do vídeo. A maioria das câmeras lhe dará a opção de equilíbrio de branco automático. No mínimo, alguns lhe darão opções para auto eso, mas essas são geralmente câmeras fotográficas em vez de câmeras de cinema. Mas você realmente quer ter certeza de que você ficar longe de usar configurações automáticas, porque dependendo dos tipos de iluminação, você está entrando ou fora dele vai mudar na câmera com o equilíbrio de branco que ele terá . Às vezes você pode ter fontes de luz concorrentes , e isso irá confundir tipicamente vai confundir a câmera, e as cores também vão mudar no meio da foto. O efeito que tem é que torna o público mais consciente da câmera do que da própria história , e remove-os das histórias. Portanto, você quer ter certeza de que você sempre faz leituras de temperatura de cor, configurações do medidor de luz e bloqueou todas as configurações. Antes de começar a rolar. Você está procurando fazer a transição da fotografia estática para vídeo ou filme. Há uma câmera lá fora para todos em todos os pontos de preço. As diferenças técnicas, embora certamente algo a considerar, não devem de modo algum impedi-lo de fazer essa transição. Tudo que você precisa é um pouco de criatividade. Não, nenhuma câmera vai parar você ou ajudá-lo ou fazer você contar uma história melhor. Tudo depende de você, não do acampamento. Muitos tipos diferentes de histórias podem ser contadas através de vídeo, e dependendo de como você filma um tiro, você pode mudar totalmente seu significado. Humor e sentimento. Compreender algumas dessas noções básicas de produção de filmes ajudará você a alcançar exatamente os resultados que você está tentando transmitir. Isto encerra o nosso primeiro episódio, por favor, volte para o segundo episódio, que vai ser tudo sobre composição. Se gostou do episódio, certifique-se de que se inscreve e nos deixe. Hum, comentários. Tenha um lindo dia. E outra coisa que você precisa saber sobre ser um cineasta é que às vezes você pode ter ficar acordado até as cinco da manhã. Que divertido. Foi isso, a propósito. Terminamos, tipo, tipo, tão empacotado. 2. Criação da quarta parede - Episódio - composição e foco: Ei, pessoal, bem-vindos ao segundo episódio do nosso tutorial, Siri. Este episódio é tudo sobre composição e foco. A composição é como uma arte em si mesma, e muitos a consideram como um dos aspectos mais importantes da narrativa visual. A maneira como você organizou as coisas em um tiro pode contar uma história por si só. E se você estudar alguns de seus filmes favoritos, você notará como essa arte pode ser magistral. A composição não é apenas uma decisão técnica, mas também talvez um dos aspectos mais expressivos da cinematografia. Composição é como se posiciona diferentes elementos dentro do quadro e a decisão qualificada do que mostrar e do que não mostrar e como mostrá-lo. A questão, no entanto, não é apenas onde posicionamos esses elementos, mas também porquê. Então, aqui estão algumas dicas de composição para você considerar intencionalmente direcionar a posição dos elementos em seu quadro para melhorar o significado, emoção e resultado que você deseja alcançar. Técnicas clássicas de composição, como a regra dos terços, ainda são úteis e ainda hoje encontradas em vídeo e filme profissionais. A regra dos terços é uma diretriz que propõe que uma imagem deve ser imaginada como dividida em nove partes iguais por duas linhas horizontais igualmente espaçadas e duas linhas verticais igualmente espaçadas , e que importantes elementos de composição deve ser colocado ao longo dessas linhas ou suas interseções. Tente contar uma história inteira com apenas um tiro usando a composição para ajudá-lo a composição primeiro lugar e acima de tudo deve chamar a atenção dos espectadores. O que a visão deveria estar olhando, e como você pode fazê-los olhar para ela? Aqui estão alguns exemplos de composição para você explorar. Sistema de quadrante é semelhante à regra de terços, exceto o quadro de divisão em quatro quadrantes, direita esquerda, superior e inferior. Usar o quadro dentro do quadro é uma ótima maneira de liderar. Os espectadores olham para um tiro, adicionando profundidade e contexto e chamando sua atenção. Até certo ponto, as linhas de liderança são outra grande ferramenta de composição. Você pode usá-los para atrair anos de atenção para uma parte específica do quadro, seja uma pessoa ou um ponto de fuga, onde todas essas linhas convergem. Se você tem um personagens imponentes, outro truque legal apenas centrá-los no quadro. Você pode usar o espaço negativo para mais uma vez chamar a atenção do espectador, ou você pode aumentar subliminarmente emoções específicas. Seus personagens falham no ar, tendo muito interesse visual no fundo de seus tiros, como neve de chuva de vento, e causa um impacto ainda maior. Se o assunto estiver parado e usando o movimento de grupos, você pode aprimorar uma cena. Por outro lado, um ator contra um grupo de pessoas equilibrar enquadramento, encenação e profundidade são todos fundamentais e como você enquadra espaço em uma cena. Agora vamos falar um pouco sobre foco. É importante encontrar seu foco antes de começar a gravar, então pratique o movimento com as mãos de antemão. Se você está planejando se mover dentro e fora de foco, é muito popular ir para profundidade extrema e superficial de campo. Mas tente evitá-lo a menos que seja necessário para sua história ou tiro, eu recomendo investir em uma mão focal ou sem fio um. Se você tem um puxador de foco de câmera assistente punhado para isso ajuda você a ver que todas as suas pesquisas dessa forma você pode ir de um objeto para outra unidade. Você precisa ter os idiotas ou qualquer coisa assim lá, e foi a Tailândia em transição para usar na platéia, olhando para filmes de Hollywood para inspiração. Você vai notar que a maior parte do tempo, a espinha dorsal não está fora de foco, exceto para tiros específicos, como close ups. Então não tenha medo de fechar para uma parada F mais baixa. Quando você tem duas pessoas em um tiro, você pode alternar o foco entre elas para ajudar a história. Use mudanças intencionais de foco dentro de um tiro. Não brinque apenas com o foco. Caçar o seu sujeito. Um bom exemplo para alternar se concentra quando um personagem se vira para olhar para algo, e você pode criar uma sensação de ser esse personagem alterando o dedo do pé do foco. Desvendar o que esse personagem está olhando. Não há mau. Estamos nos concentrando. Há foco quente e não intencional que não se encaixa na história. Então, se o seu continente se concentrou, mas você está tentando obter um tiro imóvel, esta bela, ainda foto de alguém um retrato, digamos apenas caçando. Concentre-se dentro e fora que ele só parece chocante para se encontrar no meio assim. Tenha um momento neste filme no início, onde os exportadores se preparam para cometer um crime. Então temos esse grande foco puxa em outro foco. Isso é porque na mente dele, ele está um pouco intoxicado. Ele está sentindo um pouco desse zumbido, e nós estamos bem ali com uma vingança e câmeras treinaram essa emoção. Mas se você é como eu disse, se você está indo para um tiro fixo, eu não acho que é uma boa idéia. Puxe o foco e caça-o. Encontre o foco. Ensaie. Bloquear era originalmente um termo teatral. Refere-se ao posicionamento de um movimento de atores em palco em filmes e filmes. Bloquear uma cena simplesmente significa que você trabalha os detalhes com seus atores como faras seu movimento em relação à câmera. Este conjunto em particular queria dar ao nosso ator espaço que estou interpretando, realmente no momento em que senti algo que poderia ter sido melhor. Então, enquanto nós tivemos uma maneira de bloqueio B e C tipo de construído no trabalho da câmera e em alguns dos diálogos, um pouco de espaço para interpretações enquanto bloqueio é importante para tipo de obter o fluxoinicial fluxo , arte inicial, arte visual e arte de diálogo entre ambos como atores e as pessoas que estão atirando, Eu acho que a construção em que sala de movimento e sabendo que precisa haver uma certa margem de ar construído em bem, você poderia ser flexível com o seu acontecendo Muito Então obrigado, pessoal, por assistir. Esperamos que tenham se divertido tanto quanto fizemos este episódio para vocês. Junte-se a nós na próxima vez em um episódio, tudo sobre iluminação. E se você gostou deste episódio, certifique-se de se inscrever, curtir e deixar comentários abaixo. Tenha um lindo dia. O trabalho de parto. Suficiente. Temos que consertar isso. Pode comprar um candeeiro novo, por favor. Sobre iluminação. E este é o mais fácil que vai demorar a noite toda. Certo, continuamos tendo aviões ao lado de um dos maiores aeroportos do mundo. Então, uh, ter aviões voando diretamente sobre cima e você não quer ter uma tomada perfeita e ter acabado com tudo no último segundo. Então somos uma sirene ou briga de cães, como se tivéssemos os cães latindo, mas vizinhos irritados, vizinhos irritados. Sim, maneira. Acompanhe alguém esta manhã. Não foi feliz. Sim, definitivamente. Ter 3. Criação da quarta parede — Episódio 3: iluminação: Olá a todos, todos, e bem-vindos ao nosso terceiro episódio do nosso tutorial, Siri. Hoje é tudo sobre o assunto importante da iluminação. Podemos falar sobre iluminação e luz natural e melhores práticas sobre como usar ambos - belas palmas de volta rua com vista para Atlanta, pista Georgia Downtown. Nosso tiro matinal está em posição. Pegue a câmera tentando tirar fotos do centro de Atlanta com carro vandalizado aqui. Apenas o sol está nascendo logo antes do sol nascer para que possamos juntar tudo isso e amável Boa hora mágica e explodir. Nossos são dois dos melhores momentos do dia para filmar com a vida natural. Magic Hour é a hora que leva ao pôr do sol ou logo após o nascer do sol e soprou. Nosso é o pouco tempo depois que o sol se põe, ou pouco antes de aparecer azul. Nosso é ótimo para cenas noturnas e a iluminação mágica da hora pode ser aproveitada por suas qualidades suaves e quentes que fazem suas fotos fazerem jus ao seu nome. Como você pode imaginar, trabalhando dentro desses horários limitados do dia, você deve garantir que planejou suas filmagens com antecedência. Dançar com luz é mais sobre usar luzes diferentes para criar certos humores, sentimentos e tom, ou melhorar a história que os diretores tentando contar a um cinegrafista É seu trabalho realmente garantir que você transmita qualquer diretor procurando com iluminação, câmera, movimento da câmera e sim, e tudo isso faz juntos se estamos tentando atrasar algum dia mal-humorado ou algo mais engraçado ou se estávamos indo para um pouco do temperamental e esta sala, é Obviamente dizer que vai ser uma conversa interessante. Talvez algo tenha acontecido. Algo está prestes a acontecer, algo que acrescenta drama. Portanto, pintamos esta cena com uma iluminação estilizada dramática. A iluminação é um daqueles aspectos muito importantes da cinematografia que, embora em Girl, não segue necessariamente um conjunto específico de regras, uma vez que um conjunto de iluminação diferente da mesma cena pode criar um clima diferente até que um história diferente. Dito isso, aqui está algumas das terminologia principal e mais comum para colocação de iluminação. Primeiro, vamos falar sobre a luz da chave. Um conjunto de iluminação de sempre começa com o envio da luz da chave primeiro. Por definição, esta é a sua luz principal para a cena e é usada para eliminar seu ator ou assunto para usos dramáticos. Experimente a colocação das luzes principais, por exemplo, colocar a luz no lado do ator pode criar um efeito dramático e misterioso. Depois de configurar a luz da chave, você vai acabar com algumas sombras em seu ator ou assunto. É aqui que a luz de preenchimento entra para preencher essas sombras, tipicamente o filé deslocado em frente à luz da chave e com uma potência menor na luz da chave . Às vezes, uma luz de enchimento pode ser obtida usando um refletor. Em terceiro lugar, vamos falar sobre a reação para ajudar a separar seu ator ou assunto do fundo. E para criar profundidade, uma linha de trás é colocada atrás e normalmente contrata seu ator ou assunto. Agora vamos falar sobre luzes práticas, lâmpadas, velas, velas, luzes de carro, uma TV, monitor de computador ou tela de telefone podem ser usados como uma vida prática. Isso pode melhorar sua história onde criar alguns efeitos únicos e dramáticos. Algumas maneiras de fotografar uma luz natural é usar o sol como suas linhas traseiras quase sempre evitar a luz solar aérea. Eu não tenho o sol soprar seus rostos de atores e criar sombras duras, criando um olhar desagradável sobre todos, a iluminação será mesmo em seus atores se o sol estiver por trás deles, enquanto ele também vai ajudar a separá-los do fundo. Melhor então tentar usar o sol como sua luz de fundo em vez disso. Então, geralmente falando como um diretor de fotografia sempre olhar o local antes e determinar quais luzes onde será suficiente. E depois disso, leve o tempo que precisar. Faça planos aparecerem com uma ideia sólida que você pode executar ou experimente. Muitos dos nossos colaboradores, no entanto, usam iluminação natural e prática. Mas eu sugiro ao menos tentar introduzir alguns elementos de iluminação profissional e executá-los ou experimentar-nos no final que definitivamente vai aumentar drasticamente a qualidade fora da cena, suas fotos e sua final produto luzes favoritas para trabalhar com nossos tapetes de luz e algo que estamos usando aqui luzes LED extremamente finas, e eles servem um propósito muito específico. Mas eles são sempre fáceis de usar, facilmente aplicáveis e cada situação e rápido eficiente e eles produzem excelente localização tardia é obviamente muito fundamental para o seu filme. Pequena de produção de curta-metragem. Então queríamos escolher locais que já tinham ótima iluminação, então não configuramos muito Obviamente temos um pouco hoje que ainda estamos bloqueados. . Esta localização em particular é um exemplo perfeito para a luz natural utilizada, adequada ou apropriadamente, neste caso, mais leve, bastante difusa, com base no que está acontecendo fora caminho tinha algum limite em apenas para preenchê-lo. Mas nunca montamos luzes, desde que as exposições sejam corretas e a qualidade de vida esteja lá, acho que você deve estar sempre pronto para ir. E mesmo se você introduzir luzes, você vai deve sempre ser para recriar a luz natural. Quando você acende coisas , nunca deve olhar. Deixe que pareça que não são luzes e, como se você não soubesse o trabalho. O melhor trabalho não mostra nenhuma palavra, eu acho. E neste caso, trabalhamos por tempo. Você sabe, cenário de defensividade, é claro, mas às vezes só tem que rolar com ele. Trabalhe com o que você tem, que é essa luz natural. Fotografar em luz natural pode ser muito libertador, e você pode alcançar alguns resultados surpreendentes quando feito bem. Mas certifique-se de planejar seus brotos com antecedência e trazer as ferramentas certas para o trabalho. Porque a luz natural pode ser notoriamente difícil de controlar coisas como limites e filtros D e bandeiras podem ajudar com tudo isso. Também é importante considerar o momento do dia em que você vai filmar. E não se esqueça da sua história, porque todas as diferentes maneiras de usar a luz natural podem realmente melhorar essa história. Estamos usando o Different para nos ajudar a manter nossa exposição para parar ou a meio caminho manter o campo raso em seu bastante aberto para um campo onde seu escritório de caráter Eu quero ser sua lata . Você saiu algum dia. Aplicar D em algumas câmeras tem um embutido para esses óculos de sol, muitas vezes quando você está filmando em configurações naturalmente iluminadas, especialmente configurações super amplas onde você não pode contratar alguém para operar um guindaste com como uma lança enorme, que a maioria de nós não tem. O recurso é para o meu muitas vezes gosto de usar os arranha-céus playoff. O sol no céu raspador usando que é como uma difusão ou quantidades bem aqui temos um belo, enorme arranha-céu sobre a minha esquerda, que o lado iluminando meu rosto perfeitamente uma maneira muito barata e fácil de criar alguns iluminação dinâmica sem ter que configurar qualquer vida. Às vezes, Daniel, eu gostaria de ser um pouco de coração ou um pouco de país muito forte ou talvez o mais recente muito forte e talento no fundo é muito escuro ou, você sabe, há sombras duras. Então você está tentando fazer parecer mais natural de novo. Isso vai para sempre veio com aparência natural. Hum, então você sempre introduz difusão, e assim pode suavizar seu atraso. Então, às vezes, ajudamos com as sombras difíceis. Às vezes papel. Só vai fazer parecer menos assim. RSI menos quando ela quando filmar em luz natural Bounce é seu amigo. Muitas vezes, quando você está usando iluminação prática LED ou iluminação fluorescente, como todas essas fontes de luz têm potência diferente. Taxas de atualização sobre o que acontece é se a taxa de atualização de energia na velocidade do obturador em um ângulo de obturador DSLR em uma câmera mais pro Sumer, maior e câmera. Se não coincidirem, você fica piscando. Muitas vezes, , isso é muito, muito difícil. Quase impossível consertar um post. Algumas fontes de luz simplesmente não funcionam porque o poder da taxa de novo ou está vindo para uma fonte de energia ruim ou há muita ou muito pouca energia indo para a fonte de luz real . Então, há uma incompatibilidade em que será a cintilação, mas isso é apenas algo para ser muito, muito inundação mental porque estraga completamente o seu tiro. Fique distraído para ver a cintilação no sensor. Então, se esse problema não subir, você só precisa ajustar o ângulo do obturador em uma câmera mais alta ou a velocidade do obturador em um DSLR, geralmente em algum lugar entre, como 61 60º de um 2º 1/80 de um segundo irá corrigir a maioria dos esse filme aqui. Mas é apenas algo que você tem que brincar até que pareça bem na câmera filmando uma cena onde está acontecendo com nossos grandes problemas matinais. Com isso, eles estão apenas no verão passado já chegando tiro. Eu realmente não sei o filho pode ser enganado. Estes casos sairiam. Isso soa algo como um flat 20 para o seu absoluto fora de quadro. Mas neste caso, recursos de tempo para fazer decente. Você tem? Obrigado por assistir Hope, você aprendeu muito. Você tenta ganhar essa coisa, a propósito. Oh, aqui vamos nós. Junte-se a nós da próxima vez, embora para então episódio tudo sobre movimentos de câmera motivados, um dos meus assuntos favoritos. Junte-se a nós da próxima vez, embora para então episódio tudo sobre movimentos de câmera motivados, E se você gostou deste episódio. Certifique-se de que você, gosta, assine e deixe alguns comentários. Tenha um lindo dia. Eu vou tentar obter este tiro em luz natural pode ser muito Eu tenho os bons objetivos agora isso é ótimo e só levou 50 tomadas E todas as maneiras diferentes luz natural pode melhorar essa história 4. Criação da quarta parede - Episódio 4: movimento da câmera: Olá a todos, todos, e bem-vindos a outro tutorial muito emocionante. No episódio de hoje, vamos falar sobre um dos nossos assuntos favoritos. Movimento da câmera. Para qualquer pessoa que faça a transição da fotografia para o movimento da câmera de vídeo é talvez uma das coisas mais importantes. Dedo aprenda, acostume-se e tenha em mente durante todas as filmagens antes de falarmos sobre qualquer outra coisa. O que provavelmente deveríamos sair do caminho é a regra mais importante que achamos que deveria saber. Se você estiver indo para mover sua câmera, você deve torná-la intencional e fazer backup com alguma motivação muito necessária significa por movimento intencional da câmera. Tentando não ter a câmera tremer quando não é suposto tentar usar Gimbels, Steadicam, plataformas de ombro e quaisquer tiros de mão intencionais. Basta garantir que você está estável, pois a menor quantidade de movimento pode ser chocante para o público. Mesmo o movimento mais pequeno parece muito menor no monitor da câmera do que na tela maior. Se você estiver indo para andar com sua câmera ou movê-lo através de uma cena, você quase definitivamente vai precisar de algum tipo de apoio. Seguindo caracteres na tela. Você tem algumas opções. MOVIDOS você pode mover com eles com dispositivo de estabilização como cam estável ou um controle deslizante são banidos ou duplos. Ou você poderia fazer muito com um problema com, e é apenas um ponto de vista secundário, então às vezes eu tiro você fora disso. Sinta-se mais como um espectador do que com outra grande consideração a fazer com o movimento da câmera. Sua lente é a distância focal? Usar lentes mais longas pode tornar muito mais difícil obter imagens suaves porque parecia uma parte tão pequena da cena usando uma lente focal mais ampla. Contraste, Klay ajuda de enfatizar o movimento das câmeras e fazer os pequenos solavancos e shakes muito menos perceptível. Maior truque que emoldurado Então ajuda Way Muito bom exemplo de fazer um monte de um monte de planejamento. A razão pela qual queremos ter certeza de que o movimento da câmera está motivado é que toda vez que você optar por mover sua câmera ou usar uma ferramenta para mover sua câmera, você deve ter alguma intenção por trás dela, e então ela deve apoiar sua história. Como você pode ver trapaceando aqui. Aquele tiro da irmã recebendo o que parecia um prospecto em outro carro dirigindo pelas garagens. Rastreando com são alguns sacos agora. Carro de velocidade. Sim, firme. Rastreamento da cidade verdadeira. Se você quisesse mover a câmera de um personagem para outro, se você quisesse uma panorâmica de uma parte de uma cena para outra, você poderia fazer isso usando algo que a câmera pode seguir que pode ajudar essa transição e tornar a foto melhor. E também mantém o público envolvido. Esta pode ser uma pessoa andando e noite e sendo passado dela caiu. É uma ótima maneira de fazer isso. Outro exemplo de movimento motivado da câmera é a poção e empurrar para fora quando sua história requer isso. Você pode considerar mover sua câmera lentamente em direção ao assunto, adicionando ao momento uma camada de importância, profundidade emocional ou para manter a atenção dos espectadores para o que é importante. Além disso, eles podem ser usados para enfatizar o ponto de vista de um personagem ou a situação em que eles estão. É fácil querer mover sua câmera o tempo todo, mas quando você está usando o movimento da câmera de forma intencional e motivada, é nesses momentos que seus personagens e história simplesmente brilham. Ei pessoal, isso conclui o quarto episódio sobre o movimento motivado da câmera. Espero que, agora, você saiba quando e como mover sua câmera. Junte-se a nós para o próximo e último episódio sobre a emoção das lentes. Gosta deste vídeo? Certifique-se de se inscrever, gostar e deixar alguns comentários e ter um belo dia. Obrigado. Agradeço os nossos assuntos favoritos. Movimentos de câmera. Não seguia personagens na tela. Você tem um par. Então, antes de conseguirmos mais alguma coisa, vamos voltar para cá. Está indo bem, Ellen. Eu não sei como você ainda está vivo. 5. Criação da quarta Wall - episódio 5: a emoção das lentes: Olá a todos, todos, e bem-vindos a 1/5 e último episódio sobre cinematografia e produção de filmes. Hoje vamos falar sobre lentes e lentes são parte crucial do processo de contar histórias e filmagem. Eles são necessários para alcançar o tipo de tiro que o diretor DP ou história requer. As lentes também podem nos ajudar a transmitir emoções específicas que queremos que o público experimente e, em alguns casos, aquelas emoções subjacentes ao ar que contrastam com o que os personagens estão realmente fazendo. 3500 tiros. Porque aqui, particularmente ambos filmando 50 e ambos sendo pessoais e mostrando ambiente tão perto. A razão pela qual os 80 mil e inclinações neste terrorista principalmente para realmente se concentrar no personagem traiu suas emoções, e eu dormir do mundo em torno de um rastreamento lateral em com uma distância focal fixa traz você para o espaço com o seu personagem, traz você para o seu mundo. Mas uma lente de zoom, em vez disso, separa o personagem do ambiente deles e traz-nos mais para a cabeça deles, por isso é um pouco mais íntimo dessa forma, mas eles são dois muito diferentes, hum, Dispositivo de contar histórias. Então, que tipo de emoções você pode expressar escolhendo um certo tipo de misturas. Em primeiro lugar, vamos explorar o que acontece quando você usa uma lente de grande ângulo. Uma lente grande angular típica tem uma distância focal de 24 a 35 milímetros. Os tipos de emoções que você pode alcançar com este tipo de lente é um senso de localização. Ao estabelecer um ambiente ou visto, você também pode criar uma sensação de maravilha ou isolamento. Estas lentes de ar também perfeito para paisagens comumente usadas para estabelecer tiros. Usando uma lente de 50 milímetros pode atingir a normalidade em perspectiva. É basicamente o que nossos olhos vêem. Então, se você quiser capturar a vida cotidiana ou criar uma sensação de sentimento ou compreensão para o seu personagem, ou trazer o seu ano para a cena, certifique-se de usar esta lente. Estas lentes funcionam melhor para indivíduos a uma distância próxima a média. As lentes telefoto e zoom podem criar uma incrível profundidade de campo e podem ser usadas para direcionar a atenção. Close ups sobre emoções importantes limita distrações. Ele permite que você se concentre em uma resposta. Pode sugerir e atribuir importância a uma linha de diálogo e muito mais. A telefoto e a lente de zoom podem fazer com que o espectador se sinta muito perto do assunto. Muitas vezes, lentes telefoto mais curtas são usadas para retratos, pois eles tendem a fazer seu assunto realmente se destacar na parte de trás. Macro lentes pode chamar a atenção para a magia do show ordinário detalhes, texturas, elementos importantes da história, como objetos ou até mesmo detalhes sutis de mãos ou rostos de outra forma perdidos pelos nove humanos. Aqui estão algumas maneiras que você pode alcançar alguma profundidade emocional adicional para criar mais empatia, você pode ter seu ator olhar diretamente para a lente. Isso pode criar empatia com esse personagem, tornando-os mais fáceis de se conectar, aumentando as emoções que eles estão sentindo a mesma transmissão alcançada com o ator Shot da frente. Mas o ator ver apenas após a câmera fora dos perfis da tela pode criar mistério. Atirar em um ator e perfil pode ter um efeito forte. Torna-os menos identificáveis, torna-os mais misteriosos, como se estivessem escondendo algo, eles podem ser menos acessíveis. Uma coisa que continua a ser importante, se você está fazendo fotografia ou vídeo dos lançamentos modelo e licenças que você precisa ter no lugar toda vez que você filma, é muito importante que você obtenha acordos em vigor de proprietários ou modelos para mostrar que eles aprovam o que você está filmando ou onde você está filmando, ou a participação deles no que você está fazendo. É apenas importante colocar as coisas na escrita dedo do pé para evitar problemas mais tarde e ajuda a usar um lançamento de propriedade ou um lançamento de modelo em vez de ah, pedaço de papel. Você também pode usar APS como Easy Release. Mas hoje temos um jornal analógico antiquado, então vamos conseguir que o dono da propriedade se inscreva na liberação. Além disso, as licenças podem ser um grande problema, às vezes em cidades maiores. Então eu gosto de tentar encontrar residências particulares ou lugares que parecem tão esgotados. O não se importaria se alguém estivesse filmando lá. De qualquer forma, este local acontece a ser um lugar para as pessoas decentemente, muitas vezes porque a bela vista que temos atrás de nós, você usa um Heyzer quando você quer thio minutos para humor, e é para criar um pouco de atmosfera onde talvez não haja nenhum, e acho que onde a usamos, foi na verdade para encher algum espaço morto, que pode ser bastante útil para então tivemos uma festa que correu por muito tempo na noite , e não havia muitas pessoas no final disso. Então nós transformamos um pouco de neblina, criamos um pouco de atmosfera e preenchemos algumas dessas lacunas, e você não precisa de muito apenas um pouquinho. O que é verdade? Você acha as histórias que são significativas para você? E isso é algo que sinto que atinge seu coração ou sua cabeça. Você vai se dedicar a mais do que a história de outra pessoa ou algo que você não necessariamente acredita. É como, verdade, usar um indivíduo como cineastas em cima e vindo, todos nós. Devemos sempre lembrar de experimentar, correr riscos. Não fique preso em uma câmara onde estamos repetindo a mesma coisa. Certifique-se de que sempre empurramos a linha para a frente e elevamos a barra mais alto e continuemos tentando. Continue falhando. Mas enquanto estivermos tentando fazer isso vai dar certo. Eventualmente, valerá a pena no final. Apenas embrulhado são curta-metragem, e isso significa que é também o fim dos vídeos tutoriais. Muito obrigado por assistir. Esperamos que tenham gostado deles, se divertido e também aprendido alguma coisa. Então, se você realmente gosta dos vídeos, certifique-se de se inscrever como e deixar-nos. Hum, comentários. E, como eu sempre digo, tenha um lindo dia. Personagens. O que posso conseguir? Eu vou pular do telhado agora é que está frio, então eu posso fazer uma pergunta. O que é essa coisa grande?