Como começar pintura acrílica: estudo e pintura

1. Boas-vindas: Olá artistas e bem-vindos ao meu estúdio. Meu nome é Dina e Adams, e sou pintora e ilustradora em Minneapolis, Minnesota. Eu também adoro ensinar e eu adoro especialmente ensinar iniciantes. Aqueles como você que pensaram que dizeres como, eu adoraria ser capaz de pintar uma paisagem, mas é bastante esmagador e eu não sei por onde começar. Esta aula é voltada, especialmente para você. Vou orientá-los com cuidado e prepará-los, configurar novas habilidades e novos sistemas de trabalho. Se você achar este tipo de pintura libertador, interessante, libertador, metafórico, profundo, qualquer uma dessas qualidades que eu acho a paisagem pode trazer para nós como um assunto para investigar. Então eu acho que você realmente vai adorar este mergulho profundo em bons fundamentos básicos. 2. Materiais: Vamos rever o que eu uso nesta aula. Você vai precisar de toalhas de papel, trapos ou uma esponja. E você poderia usar alguma combinação de todas essas coisas para limpar e experimentar tinta móvel em torno de sua tela ou superfície de trabalho. Eu uso uma paleta de papel de cera geralmente, ou algum tipo de paleta descartável. Usas o que te sentires confortável a usar. Placas de papel são ótimas. Ao contrário desta aula, onde tentei manter as coisas bem limpas para que você possa ver o que estou fazendo facilmente. Na vida real, tenho tendência a deixar meu acrílico secar e depois pintar mais acrílico em cima desse acrílico. Então, mesmo que minha paleta seja tecnicamente descartável, tentei reutilizar e fazer essas superfícies durarem por um tempo. E você pode se sentir livre para fazer o mesmo. Você vai precisar de um lápis e borracha. Se você não tem borracha em seu lápis e você se sente fortemente sobre isso. E eu uso uma borda reta para isso. Geralmente algum tipo de governante é bom. Você vai querer fazer um pouco de marketing e medição, mas você pode olhar o que nós acabamos fazendo, apenas usando uma borda reta como um pedaço de papelão ou apenas uma caixa aleatória deitada por aí, qualquer coisa assim está bem também. Você também precisará de papel e seu papel de raspadinha é suficientemente grosso para você colocar um pouco de tinta. Então você tem a opção de pintar no papel você deve optar por trocá-lo às vezes? Outras coisas que você vai precisar. A água é importante em acrílico, usamos para tinta às vezes mais fina se for um pouco engrossada e não muito fluida. E é o que usamos para colocar nossas escovas para que o acrílico não endureça nas cerdas. Você vai precisar de um recipiente para a água, algo que você não se importa de colocar tinta em recipientes de iogurte usados, coisas assim. Eu gosto de ter algumas facas de paleta, raspadores, espátulas, e você pode usar objetos encontrados para isso. Basta saber que você está indo para obter acrílico sobre eles que não vai ser reutilizável realmente para outros fins. Mas há muitos itens pouco lisos e afiados que podemos apropriar para torná-lo em facas paletas improvisadas. E eu completei esta aula usando um pacote de oito telas de valor do Blick. Eles são oito por oito polegadas e eu acho que há $20 em pessoa e dez dólares mais online. Eles não são caros. Algo do Michael, da Joanne, dos nossos clientes, só barganha e telas basicamente. E acabei usando quatro a oito deles, dependendo do quanto eu escolher pintar sobre eles e reutilizá-los versus manter cada pequeno exercício. É bom se acostumar a pintar nesse tipo de superfície. Eu também usei um painel para o meu projeto final que era de 12 por 12 polegadas. Então você pode usar um painel de madeira como eu fiz, ou uma tela de 12 por 12 polegadas. Para a sua versão final do seu projeto de pintura paisagística. O tipo de tinta que usamos nesta classe é tinta artesanal. Eu uso acrílico Blick Matt. E esta é apenas uma versão ligeiramente mais agradável e mais pigmento carregado de tinta artesanal. Eles custam US $2,60 por contêiner. Então, naquele bairro e abaixo, então você pode usar coisas como código Delta Suriname ou barril Americana Apple, esse tipo de coisa. Todas essas tintas de marca estão bem. Qualquer coisa que venha nestes pequenos frascos espremidos. E geralmente pintar como esta não deve custar mais de dois ou três dólares por cor. Estas não são tintas para artistas. Por que nos concentramos em tintas baratas e não para artistas? Não deveríamos usar a melhor tinta possível, etc., etc.? A melhor tinta possível é muito, muito densa e pigmentação. E ele permite que você pinte de uma forma onde você pode olhar para essa tinta como um concentrado de cor e depois adicionar um monte de aditivos transparentes à sua dor, a fim de espalhá-la, mudar sua consistência, e simplesmente realmente expandir o que essa tinta vai fazer fisicamente. A tinta artesanal foi misturada com uma certa quantidade de giz na formulação. E também é fluido, escorrendo, espalhável e fácil de usar diretamente do frasco. Isso é parte da razão pela qual eu sinto fortemente em começar apenas com esses materiais realmente acessíveis e baratos. A acessibilidade e a falta de despesas, eu acho que é realmente importante porque é muito estridente pendurado na minha experiência pessoal e na minha conversa com os alunos, é muito sniping e muito tipo de tipo de congela você no lugar de ter no fundo de sua mente, a narrativa que sua pintura é muito, muito cara. Você não quer desperdiçá-la. Você não quer, você sabe, passar por bons materiais para usar rapidamente. Você já pode ver como isso pode meio psicologicamente jogar em como você trata o ato de pintura e como você trata seu uso de materiais, e como você está disposto a experimentar ou apenas deixar algo B. Então é por isso que eu realmente sinto fortemente sobre o uso desses materiais básicos acessíveis. Além disso, quero que todos experimentem a diversão e a emoção que você recebe ao criar algo que amplia suas capacidades mais do que você pensou que poderia. Então eu não acho que a pintura artesanal é o tipo de coisa que nos prende muito. Eu realmente acho que isso nos permite mais do que nos impede quando estudamos. Então é por isso que estamos focados na pintura artesanal. Que cores você deve obter? Número um, verifique o PDF rapidamente. Alguns da linguagem em torno da escolha de cor pode ser um pouco ambíguo agora, mas uma vez que você assistiu. A classe através da seção roda de cores. Ou você pode pular para a seção de palestras de roda de cores da classe e apenas assistir a isso e, em seguida, ir escolher suas cores. Isso é uma coisa que você pode fazer porque você terá conhecimento suficiente da roda de cores e cores complementares e relacionadas que você será capaz de decidir. Oh, eu quero que minha pintura seja principalmente verde ou eu quero que minha pintura seja principalmente azul e você pode tomar decisões sabendo que isso vai funcionar como uma paleta. Mas se você quer fazer o que eu fiz, o que eu fiz envolve diferentes variações e versões de rosa e verde. Essa foi a paleta em que decidi focar. Então eu, sem vergonha, realmente gosto de rosa. Então essa é a cor que eu pensei primeiro e disse para mim mesmo, eu quero, eu quero trabalhar com isso. E então é oposto na roda de cores é verde. Então isso me ajudou a chegar a esta paleta. Eu usei laranja claro, que é uma espécie de rosa pêssego. Eu usei bege, que tem um tom rosa. Eu usei meio vermelho, que é uma espécie de rosa empoeirado. Eu uso magenta brilhante, que é um rosa quente, verde azulado, que é na verdade um muito profundo, escuro, quase preto, azul-verde. Venda, que é praticamente cinza. É cinza com um tom verde. Na gama de tintas, usei luz azul verde, que é uma cor aquática muito menta. Eu usei verde amarelo profundo, que é um verde primavera intenso, não muito chartreuse, pouco mais como uma primavera, é verde do que isso, mas perto de Chartreuse, eu usei azul sálvia, que é tipo de um cinza verde-azulado indeterminado, meio que naquela família. E depois que você decidiu, você sabe, eu estou usando rosa, eu estou usando verde, eu estou usando vários derivados e vizinhos de rosa e verde. Em seguida, quaisquer cores que você escolher, você irá adicionar branco e preto ao seu paladar. Então você pode atacar por conta própria, escolher uma cor seu oposto, e algumas cores relacionadas e tipo de vizinhos dessas cores. Misture um pouco, obtenha talvez dez recipientes totais de tinta no máximo, não gaste mais de US $30 em tinta nova para este processo. E branco e preto são uma espécie de missão crítica aqui, e isso é o que você precisa saber para começar. Então, para escovas, como com tinta nesta classe, gosto de mantê-lo barato e alegre. E isso é algo que eu costumo fazer com acrílico em toda a linha, seja tinta de qualidade ou ok. Pinte ou tudo no meio. Gosto das escovas de níquel Royal e Lang vendidas no Michael's. Eles são baratos. Eles vêm em uma bela variedade de tamanhos e eles fazem o trabalho feito. Então os tamanhos sugeridos para escovas devem ter uma escova plana ou brilhante de meia polegada, uma rodada de 12 polegadas, o que é bom, tipo de tamanho médio grande, uma rodada de seis polegadas, que é um tamanho médio muito multiuso, e, em seguida, um número para arredondar ou algum tipo de pincel pequeno detalhe. Então você pode simplesmente cair nesses pequenos toques finais. E isso seria um diâmetro muito pequeno com o qual você pode colocar pequenos detalhes em seu trabalho. Então é isso que vamos usar. Não verifique o seu inventário de coisas que você já pode ter e ver o que você pode trazer para a mesa antes de sair e obter qualquer coisa especial. Apenas para fazer esses projetos, muitas cores diferentes podem ser substituídas ou aproximadas e você ainda terá um ótimo resultado. 3. Desenhos, quadrados e estudos: Antes de pintarmos, realmente ajuda a desenhar. Não se intimide, será esboçar de uma forma muito simplificada. E vamos rever algumas das principais regras que resultam em uma boa composição. Embora seja chamado de regra dos terços, eu realmente gosto de pensar nisso como a ferramenta dos terços. papéis realmente existem como uma estrutura simplesmente para avaliarmos as coisas dentro de nossos desenhos e dentro de nossas pinturas para que eles funcionem um pouco mais eficazmente. Aprenderá a compor tanto para um retângulo quanto para um quadrado. E no final desta seção, será a sua vez de fazer um número de pequenos pregos preliminares. Esta etapa é muito divertida e leva a algumas opções que podemos usar para expandir em nossos projetos pintados. Tudo o que você precisa é de um lápis e borracha, uma borda reta t-quadrado ou régua, e algum papel de raspadinha, preferência em um tamanho grande e agradável. Então eu quero demonstrar a regra dos terços usando um formato retangular e um formato quadrado. Começaremos com um retângulo porque é aquele que você usará com mais frequência e encontrará com mais frequência. Então eu divido minha forma em nove seções iguais e você não precisa ser super granular sobre a matemática, mas geralmente coloco nove seções iguais na forma maior. Quando pintamos a paisagem, a primeira pergunta é, onde está o horizonte? Onde está o ponto mais distante que o espectador pode ver? E é intuitivo colocar isso no meio de sua tela ou painel, mas eu encorajo você a não fazer isso. Em vez disso, sua composição será muito mais dinâmica e muito mais dramática se você colocar sua linha de horizonte no marcador horizontal superior. Assim, a maior parte de sua pintura será ocupada por coisas no chão ou colocá-lo no marcador horizontal inferior para baixo, caso em que, mais de sua composição será tomada pelo céu. Cada um deles dá um sentimento diferente significativamente, mas ambos resultam em uma composição mais dramática e mais dinâmica. Então, digamos que eu decida baixar meu horizonte. Isto vai ser uma espécie de paisagem maior do céu. Essa coisa eu sei, e eu posso fazer esse tipo de linha de horizonte desigual. E se ele tem algumas características nele, mas é bastante reto e bem plano. Portanto, tenha isso em mente quando estiver fazendo a regra de composição de terços, aplicando-a a um retângulo de tamanho padrão. Estes horizontais superiores e inferiores lhe dão uma linha de horizonte natural. Agora, essas interseções de suas linhas no meio de sua peça, direção ao centro de sua peça, onde suas verticais e horizontais se encontram. Esses são tipos de ações, pontos ou pontos de acesso. São áreas de ênfase. Então, quando estou planejando, onde coloco minhas coisas? Nesta composição? Vou usá-los como um ponto de partida. E a primeira pergunta que tenho é o que está acontecendo aqui em relação a esses quatro pontos. Então, nem tudo na minha peça necessariamente tem que acontecer nesses pontos. Mas geralmente se eu tiver algo acontecendo que desenhe uma linha na minha composição, essa linha pode apontar para um desses hotspots. Se algo estiver nivelado com a linha do horizonte, talvez parte dele toque carnes e termine em um desses pontos quentes. Então não é uma questão de colocar algo direito naquele ponto de acesso. Mas você tem que olhar para eles e, em seguida, fazer engenharia reversa a partir daí, perguntar a si mesmo o que está acontecendo. Então, há uma soma, um objeto que está inclinado em direção a essa coisa? Ao fazer isso, você vai automaticamente fortalecer sua composição. Você pode apenas usar o conhecimento desses hotspots e, em seguida, trabalhar para trás. E isso funciona muito bem no tamanho padrão e nos formatos retangulares. Oito por 109 por 1211 por 14, aqueles tamanhos que você vai pegar quando você está apenas sair e comprar uma tela pré-preparada ou um painel pré-construído, você nem sempre estará trabalhando para esses tamanhos. Mas geralmente, acho que sou. Então agora você pode ver o nível de esboço que eu estou fazendo aqui. Não é complicado, certo? É assim que planeio as minhas pinturas. Não é um processo de desenho elaborado que determina como cada pequeno detalhe vai se parecer. Começo com o general e mudei para o específico. Isso é verdade com como eu desenho uma pintura preliminarmente. E é verdade com a forma como trabalho uma pintura depois de começar na minha tela ou painel. Agora eu posso embelezar essas idéias, preencher um pequeno detalhe extra, se eu quiser. E ele realmente começa a descrever algumas formas e alguns volumes e me dar uma idéia geral de onde ir. E porque todos os eventos no meu painel estão apontando para esses hotspots ou eles cruzam os hotspots. Esta composição pode não ser a melhor que já fiz, mas funciona bem. Não há nada sobre olhar para esta composição que me faça sentir muito desconfortável ou muito apertado. Então, só para enfatizar onde estão esses hotspots, vou marcá-los para sua edificação em tinta rosa. É aí que meus hotspots ocorrem nesta peça retangular. Quando eu faço uma peça retangular e eu falo sobre o polegar, Isso é exatamente o que eu estou falando. Então eu meço ou fora do meu painel se ele é pequeno ou em proporção ao meu painel, faço um pouco de matemática e apenas diminuo. E isso dá-me a informação que preciso de saber. Miniatura, a minha pintura antes de pintar. Quando trabalhamos em um formato quadrado, precisamos pensar sobre a regra dos terços um pouco diferente, não drasticamente, mas apenas um pouco. Então eu rastreei minha tela de formato quadrado e eu estou dividindo-a em nove seções iguais como eu fiz com minha forma retangular. No último vídeo. Tenho uma pequena espera para o fundo. Veja, eu fiquei um pouco desigual, mas não é drástico o suficiente para realmente me preocupar com isso para os propósitos desta demonstração. E eu vou cortar o fundo com linhas extras para que as coisas fiquem um pouco mais equilibradas. Marquei pontos de ações nesta composição. Mais uma vez, eles estão nos cruzamentos das minhas linhas de medição horizontal e vertical. Então, quando trabalhamos em um quadrado, podemos usar praticamente a mesma abordagem para a regra de terços como fizemos em um formato retangular. Só que neste caso , realmente ajuda a compensar as coisas um pouco. Você sempre tem permissão para compensar as coisas. Mais uma vez, eu gosto de pensar nisso como uma ferramenta de terços em vez de uma regra de terços, certo? Então é, é um guia que você pode verificar com e é uma ferramenta para ajudá-lo a criar uma composição bem-sucedida. Não é uma regra para se bater na cabeça com. Eu coloquei meu horizonte um terço do caminho acima como eu fiz no último exemplo. Mas desta vez você verá que estou começando a adicionar alguns objetos. E quando o faço, estou a compensá-los um pouco de onde os colocaria. Se eu estivesse sendo muito rigoroso na minha regra de colocação de terços. E em um formato quadrado, esse pequeno deslocamento é a chave. Realmente faz as coisas funcionarem. Se eu realmente me aproximar desses guias diretamente, eu tendem a me meter em um pouco de problemas em um formato quadrado onde funcionaria melhor em um formato retangular. Então este é apenas um truque realmente simples que eu encontrei em um blog de fotografia. Portanto, procure outras fontes para obter dicas e dicas sobre composição. Veja anúncios feios porque, mesmo que sejam apenas anúncios tipográficos feios, as opções de cores e a colocação das coisas são uma ótima dica para o que funciona visualmente. O que visualmente trabalhar estruturalmente não é necessariamente o que é a coisa mais bonita? Outra coisa sobre quadrados que é meio interessante é que você verá aqui, eu sou capaz de colocar esta árvore quase morta no centro em um retângulo. Colocar algo no meio geralmente é uma receita para problemas neste formato quadrado, colocar algo morto no centro ou perto do centro é uma escolha viável. quadrados são formatos de composição amigável muito central. Então vocês verão que eu tenho esse pequeno tipo de linha sinuosa que começa em um dos meus hotspots e aponta para um dos meus hotspots. Mas fora isso, não há nenhuma informação que se centre absolutamente naqueles quatro pontos de ação que se cruzam. Ainda assim, estou usando minhas diretrizes horizontais e verticais como um ponto geral de início e parada para diferentes eventos visuais dentro da composição. As coisas estão um pouco lotadas e ocupadas em primeiro plano, mas não estou muito preocupado com isso. Eu teria tomado essa decisão um pouco diferente se eu fizesse isso de novo. A beleza do thumbnailing é que eu absolutamente começar a fazer isso uma e outra vez sem gastar muito tempo ou dor de cabeça e ficar tudo perfeito e desperdiçar muito tempo em qualquer imagem. Então eu posso usar esse ponto central e eu posso compensar as coisas um pouco, empurrá-las para o lado um pouco mais, empurrá-las para o meio um pouco mais. E você vai descobrir que esse tipo de abordagem oblíqua, pouco instável para suas diretrizes realmente ajuda a tornar suas composições de formato quadrado bem-sucedidas. Agora que você sabe como compor em um quadrado e em um retângulo. É uma ótima idéia passar algum tempo fazendo algumas miniaturas ásperas e pequenas. Preencha seus quadrados com informações baseadas no que você sabe sobre a regra dos terços, usando essa regra como um ponto de salto e como um pouco de um sistema de estratégia, enquanto você desenha, no entanto, desenha rapidamente, desenha intuitivamente, confia em a sabedoria do seu instinto e do seu inconsciente. O objetivo aqui é fazer um grande volume de pequenos desenhos ásperos que são imperfeitos. E isso dá-te uma ideia muito esquelética, rápida e concreta de onde as coisas podem ir. Na sua tela quadrada. Você não precisa decidir todas as principais decisões que entram em uma pintura nesta fase, o volume é a chave. Eu gosto de definir um temporizador às vezes e apenas me comprometer a desenhar como este amigo, nosso, vendo quantos desses pequenos esboços eu posso girar para fora em uma sessão. Há uma sabedoria na sua intuição e sabedoria no seu inconsciente. E permitir que essas coisas se relacionem com o que você sabe sobre a regra dos terços é realmente benéfico. Algo que eu quero salientar é que você pode fazer pirulito e árvores triangulares e você pode fazer nuvens de desenhos animados. Nesta fase. Isso não é sobre esboços realmente eficazes ou desenho competente. Esta é uma questão de traçar onde os elementos de uma pintura podem servir melhor a imagem e pronto. Não mais, nem menos. Então use geometria, use simplificação e realmente vá para o volume. Você pode traçar sua regra de terços grade ou você pode apenas confiar em sua memória e sua lembrança dela para conduzir sua tomada de decisão enquanto você desenha esses desenhos. Depois de ter criado um número destes muito rapidamente, e contando com uma absorção inconsciente da regra de terços. Então você pode voltar e avaliar cada um e ver quais partes de cada imagem são bem-sucedidas, você pode avaliar cada um deles. E se você tem o suficiente de um volume significativo desta pequena imagem é construída, então você pode simplesmente entrar e intuitivamente escolher aqueles que têm uma boa sensação para olhar. Aqueles que você sente são os mais equilibrados e os lugares onde você gostaria de passar o seu tempo. Essas são as miniaturas que você pode usar para estruturar seu próximo movimento como uma pintura ou como um estudo que resultará em uma pintura. 4. Compartilhe seus progressos: Ao longo do curso, teremos algumas oportunidades para compartilhar e compilar nosso trabalho. Vá em frente e inicie um projeto na guia Projetos disponível na página principal da classe. Depois de concluir isso, comece a carregar algumas de suas miniaturas, esboços e esquemas. Você pode usar essa opção para demonstrar e acompanhar sua compreensão da regra de terços. E você pode aplicar esse conhecimento em quadrados e retângulos. Não tenha medo de enviar alguns esboços muito cursory e Ross. As miniaturas de todos ficarão muito parecidas com isso. Se você quer compartilhar seu trabalho nesta fase ou não, é importante começar a fazer um hábito de esboçar. Desta forma, Planear e explorar diferentes ideias para a composição. 5. Vamos estudar valor: Vamos explorar o valor e explorar as propriedades físicas da nossa pintura. Vou usar quatro ferramentas diferentes para pintar no meu papel de teste. Eu dividi-o em quatro seções de linhas horizontais. Eu tenho uma faca de palete em volta da escova, uma escova plana, e um pano, ou uma toalha de papel. Então você pode usar qualquer para ferramentas, quaisquer quatro maneiras de colocar tinta no papel. Isso é bom. Acontece que eu estou usando isso para, e provavelmente há alguns que você pode replicar facilmente. Vou usar preto e branco exclusivamente porque estamos lidando com valor e não cor. Valor é o espectro completo do preto mais negro que você pode criar para o branco mais largo que você pode criar, e todos os tons de cinza no meio. Quando eu começo minha primeira barra, eu decido que eu vou pintar em caixas que têm uma borda definida como definido pela linha de lápis na parte superior da faixa que eu desenhei em toda a minha página. E vou começar adicionando preto a este bar. Eu poderia adicionar branco e trabalhar na direção oposta. Qualquer um dos dois está bem. A primeira coisa que você vai fazer é usar seu pincel redondo pontiagudo e começar pintando uma pequena caixa. E você pode pintá-los de preto ou branco. Qualquer que seja a cor que você tenha feito, você vai então pegar um pouco do oposto dessa cor. Então, se você estiver usando branco, um pouco de preto. Se estiver usando preto como eu, um pouco de branco. E então você vai pintar uma segunda caixa avançando ao longo da faixa. Você notará que há uma diferença sutil entre esses dois tons. Adicione outro monte de branco para preto ou preto para branco e, em seguida, continue este processo. Agora, estou mais focado em ficar dentro da linha do lápis que em fazer uma linha perfeitamente reta entre essas caixas, certo? As separações aqui são um pouco irregulares e tudo bem para mim. Eu não estou focado nisso tanto quanto eu estou em ficar dentro da linha de lápis onde as coisas tendem a ser mais reto. Você pode fazê-lo desta forma ou você pode realmente tomar o tempo para fazer suas bordas em todas essas caixas tão 90 graus e precisa quanto possível sem esboçar nada em. Este é apenas um desafio de boas práticas. E a beleza disso é que você não precisa fazer isso perfeitamente. É só para começar a ter o hábito de prestar atenção a esse tipo de limitação, certo? E apenas trabalhando dentro de algum tipo de restrição, você vai se acostumar com o pincel e você vai se acostumar a fazer bordas retas e limpas. Continue a adicionar um pouco de branco para preto ou preto para branco dependendo da direção em que você está trabalhando. E veja como a cor muda com cada marca que você faz e com cada iteração à medida que você se move pela página. Neste caso, estou deliberadamente decidindo não me misturar. E é, eu acho, importante fazer uma tira de tons distintos não misturados. Esta é uma métrica útil que você pode comparar com exercícios de cores que faremos mais tarde. Então é bom ter esta pequena tira de teste. Agora você pode ver que desde que começou tão escuro, eu nunca cheguei até o branco. Isso é OK. Mas se você pode chegar todo o caminho até o branco do preto, tanto melhor. Então você pode querer fazer suas caixas um pouco pequenas e mais condensadas do que eu tenho neste exemplo. E quanto à criação de uma transição suave entre valores? Isso pode ser um pouco complicado, mas vou te mostrar como faço. Começo com duas escovas limpas nas extremidades opostas da barra, uma preta e outra branca. Posso então adicionar um pouco de branco ao meu preto e outro preto ao meu branco. Uma pequena quantidade de Black para mim, seja muito conservador quando estiver trabalhando nessa direção. E então eu posso trabalhar gentilmente esses dois lados opostos um para o outro até que eles se encontrem no meio. Eu uso o meu pincel um pouco para voltar a escovar sobre essas transições e suavizá-las. Não quero ficar trabalhando nas transições por muito tempo. E eu não quero misturá-los ou continuar a trabalhar a tinta enquanto começa a secar porque a tinta vai ficar pegajosa e essas transições não vão amolecer, eles só vão ficar mais fortes. É uma linha tênue saber quando parar de trabalhar a tinta. E é algo que vem com muita experiência. Então, se você quiser tentar fazer transições suaves, definitivamente sinta-se encorajado a tentar uma e outra vez. E dois, apenas fique melhor nesse processo através da repetição. Leva algum tempo, mas você será capaz de fazer alguns gradientes suaves realmente agradáveis que vão todo o caminho de preto para branco. Eu gosto de usar meu pincel plano para estes principalmente porque ele me permite trabalhar rapidamente e eu posso misturar antes que minha tinta realmente começa a secar. Experimente alguns gradientes e tente alguns gradientes em caixa. Então agora eu quero examinar exatamente esse mesmo processo, mas desta vez eu estou me limitando novamente e me desafiando novamente. E o único implemento que vou usar para colocar tinta no papel será esta faca de paleta de plástico. Então, novamente, estou adicionando uma pequena quantidade de branco ao meu preto. E estou expandindo minha marca da esquerda para a direita. Com cada caixa que pinto no meu papel, adicionarei um pouco mais de tinta branca, aliviando o valor que aplico ao papel. Uma faca de paleta nos dá muita textura e muita presença. E é uma ferramenta de pintura muito útil, algo que lhe dá um alcance expressivo mais amplo. E é muito bom ter um pouco de prática para lidar com isso. A pintura bem sucedida é muitas vezes resumida apenas a ter uma abordagem interessante e variada para maneiras que você pode colocar sua tinta em seu suporte. Então, praticando com diferentes implementos desde o início, pagaremos mais tarde. Eu posso usar uma faca limpa se eu quiser misturar minhas bordas um pouco mais do que parecem ser agora. Então eu posso limpar minha faca em uma toalha de papel e apenas usá-lo com um pouco de pressão para espalhar a tinta uma maneira diluída para trás em minha linha de espectro e vai suavizar a borda um pouco. Observe que cada um desses implementos tem sua própria característica distintiva, sua própria voz distinta. Estes estão todos disponíveis para você usar e vai mudar o tom de voz em sua pintura para mudar seu implemento. divertido descobrir quais são os mais confortáveis com. Um dos meus favoritos é apenas um pano simples. Então eu estou usando um papel acabado dizer para mais uma vez, trabalhar um pouco de tinta branca na minha tinta preta enquanto eu mover diferentes manchas de concreto de valor através desta folha, criando outra barra de valores múltiplos. No caso do pano, é difícil obter uma borda muito misturada com a primeira camada de tinta. Então eu não vou tentar fazer isso. Eu realmente só quero ver se eu posso controlar o valor bem o suficiente para que cada iteração e cada marca que eu faço seja um pouco mais leve sucessivamente do que a última. Divirta-se e crie uma ou mais páginas como esta com escalas de valor que se movem de um lado para o outro e englobam preto, branco e tons de cinza no meio. 6. Introdução aos valores de paisagem: Agora vamos usar tinta em preto e branco e o que sabemos sobre valor para criar um mapa de uma estrutura de valor que se aplica à maioria das situações de pintura paisagística. Você vai achar que esta é uma ferramenta super útil, praticamente indispensável quando chegar a hora de renderizar qualquer visão do mundo exterior. Eu diria que esta é a ferramenta mais importante e mais útil em um kit de ferramentas de pintores de paisagem. 7. Paisagem de forma de whimsical em preto e branco: Para este exercício, vamos limitar-nos apenas a preto e apenas branco. Você precisará de um par de escovas. Uma das suas telas em branco de oito por oito, e uma faca de palete é útil para mexer a tinta. Estarei desenhando minha imagem usando uma cor neo para cera pastel. Estes lápis solúveis em água ou dissolvíveis em água, como o nome sugere. E assim você será capaz de corrigir quaisquer problemas de esboço que você encontrar simplesmente limpando sua linha de trabalho com um pouco de água e um pano. Estou desenhando minha regra de terços na minha praça. E eu sou capaz de usar essa estrutura para inserir algumas informações no meu esboço. Vou criar umas nuvens no meu céu. Vou criar um par de árvores verticais na minha paisagem. E eu vou adicionar alguns casos o solo é plano e aponta diretamente para cima. E alguns casos em que o solo tem um ângulo para ele. Então algumas colinas à distância e um pouco de um aumento em primeiro plano. Eu completei meu esboço preliminar e meus objetos estão situados de uma forma que eu me sinto confortável. Observe que eles são muito estilizados e simplificados. Estamos lidando com uma imagem de nível de desenho animado para realmente simplificar esta imagem e realmente esclarecer as informações que ela contém. Para tornar o valor mais leve nesta tela. Estou adicionando um pouco de preto para um branco para criar uma prata muito leve, quase branca, um cinza. O grupo mais leve de valores na paisagem. É quase sempre vai acontecer no céu. Então, para replicar este fato, eu vou pintar este cinza muito claro na área do meu céu, na minha pintura na minha tela. Então eu estou pintando isso em uma cobertura muito plana. E não estou preocupado com a perfeição. Eu não estou preocupado com qualquer tipo de variação dentro desta cor. Só estou aplicando cor plana na minha tela. Tenho umas nuvens lá em cima e deixo-as em branco neste momento. E quero dizer, deixando-os em branco para ilustrar o valor de tornar o seu valor mais leve no geral, ainda um pouco mais escuro que o branco. Se eu pintei tudo isso de branco, não teria para onde ir. Se eu quisesse que aquelas nuvens fossem um pouco claras no céu, eu teria que torná-las mais escuras. E isso pode não ser o que eu quero fazer nesta situação. Então, para manter um pouco de espaço livre, um pouco de potencial brilhante onde eu posso cair em um destaque branco e ele vai olhar apenas um pouco mais brilhante do que tudo o resto. Preciso adicionar um pouco de preto ao meu branco neste caso. E se eu estivesse pintando a cores. Para alcançar o mesmo resultado adicionando algumas cores ao branco. Então, este é o grupo de valor mais leve na paisagem. É a coisa mais leve na sua tela, em média. Porque é aqui que o sol está. Você não pode ficar mais leve que o Sol. É a lâmpada do mundo. Então sua fonte de luz quando você pinta paisagem está acima de sua cabeça. E você está fazendo algo um pouco incomum em que você está sempre pintando sua fonte de luz. Você está sempre incluindo sua fonte de luz diretamente dentro de sua pintura, que era uma situação que realmente não aparece da mesma maneira quando você está pintando e assunto interior. Assim, para os propósitos deste mapa incrivelmente estilizado e simplificado de valores e como eles ocorrem na paisagem. Aqui vamos nós, temos nosso grupo um grupo de valor mais leve, completo, e nosso céu é mais ou menos pintado. Posso abordar essas nuvens mais tarde no final da minha peça. Eles não são tão importantes agora. Você pode assistir a esta demonstração ou você pode pintar junto. E sugiro pintar um desses para você. Simplifique os olhos de estilo e torne-o realmente fácil para si mesmo. É importante memorizar esta relação de valores de alguma forma e para a pintura, a melhor maneira de colocá-lo em seus bancos de memória internos é para os olhos físicos que processam um pouco e encontrá-lo através de fazê-lo, é um realmente boa idéia fazer um desses pequenos esboços de pintura, se você puder. Se você não quer dedicar uma tela a isso, mapee-a rastreando sua tela em um pedaço de papel e pintando isso em um pedaço de papel, oito por oito. Você também pode simplesmente pintar sobre esta tela e reutilizá-la se você não sentir vontade de manter a imagem final. O segundo grupo mais leve de valores em uma paisagem vai ocorrer em superfícies planas que apontam para a fonte de luz. Então as superfícies planas desta peça que apontam para esta fonte de luz em massa ocorrem principalmente no chão plano, certo? Isto é o que se inclinou para o sol mais diretamente. Então isso é o que é pintado. Meu segundo grupo de valor mais leve. Eu crio o segundo valor mais leve adicionando apenas um pouco de preto à mistura de cinza que eu criei para pintar o céu. E então eu simplesmente preencho as áreas deste plano plano plano de terra de meia distância. Se esta é uma imagem realista, haverá muita variação dentro desta área. Mas como isso é estilizado e simplificado, vou aplicar o mesmo valor uniforme de tinta a toda essa área de terra plana. Agora temos o nosso valor mais leve e o nosso segundo valor mais leve. Então, a partir daí, há um terceiro grupo de valores, um pouco mais escuro, mas ainda assim. O que eu consideraria um cinza médio. Então, um é um pouco mais leve do que o cinza médio perfeito e um é um pouco mais escuro. Este grupo de valores ligeiramente mais escuro, o terceiro grupo de valores, grupo três. Isso sempre será aplicado a coisas que captam a luz, mas não necessariamente diretamente. Então temos coisas como montanhas à distância são colinas na distância que eu incluí e estilizei. Então esses são um item que eu vou pintar neste cinza médio, este cinza um pouco mais escuro. Você pode ver como o Sol iria pegar o topo dessas colinas, mas os lados iria pegá-los menos diretamente e aqueles seriam um pouco mais escuros e um pouco sombrios. Eu também vou aplicar este valor ligeiramente sombreado mais perto do espectador na frente. Há duas razões para isso. Um deles é que este solo é realmente angulado. Não capta a luz tão diretamente. Presumo que não seja tão plana. A outra razão para isso é que é bom sombra o primeiro plano apenas um pouco em relação à distância do solo. Ajuda o espectador a sentir-se um pouco ancorado no espaço. Então eu tenho tendência a sombra da área de primeiro plano um pouco. Isso também configura seu primeiro plano para conter um pouco mais de contraste e um pouco mais de detalhes. Em seguida, áreas em sua pintura que estão mais longe do espectador. Mas nesta versão estilizada da realidade, isto não é uma grande preocupação. Só quero mostrar que este terreno não é perfeitamente plano. O valor mais escuro em uma paisagem será reservado para objetos verticais que estão mais próximos do visualizador. Então, se é muito longe na distância, tende a ser um isqueiro e lavado. Mas qualquer coisa a meio da distância ou perto do espectador vai ocupar o valor mais escuro em sua tela. Observe que eu adicionei preto ao branco com alguns abandonados, mas ainda não é um preto reto quando eu pinto nessas árvores de meia distância e perto do solo. A razão para isso é a mesma razão que eu comecei com cinza prateado em vez de branco. Se eu pintar estes quase mas não muito preto, Eu agora me deixei um pouco de um porão, um pouco de um ponto mais baixo para ir, ou eu posso cair em uma sombra mais profunda, mais escura sem aquele pouco de espaço no fundo da minha escala de valor em preto, essas sombras escuras não seriam lidas como qualquer diferente da informação que está lançando a sombra. Então, é muito bom deixar um pouco de espaço dentro de seu espectro de cores ou dentro de seu sistema de valores, que você possa levar sua pintura todo o caminho para o preto e todo o caminho para o branco, pelo menos um pouco . As formas que estou pintando são incrivelmente simplificadas. Eu estou indo para uma versão de desenho animado da realidade. Adoro pintar assim. realismo não é necessariamente melhor ou pior do que a estilização. Então, o que aprendi através do realismo, posso aplicar à estilização. E o que aprendi lá, estilização, posso aplicar ao realismo. Eu sinto que ambos os modos de trabalho se apoiam muito bem. A estilização pode ser muito boa. Então eu posso colocar minha cabeça em torno de alguns desses conceitos complicados de uma maneira muito clara e concisa. Agora você vê que eu estou usando um pouco do quarto do porão para colocar um preto ainda mais escuro nesta peça. Nos troncos das árvores. As árvores tendem a ser um pouco sombreadas em direção ao fundo em relação ao topo. Então eu posso usar minha pintura para brincar com essa ideia ajustando meus grupos de valores apenas um pouco dentro do grupo. Você pode gastar muito tempo nesta imagem e torná-lo realmente perfeito, realmente delicioso olhar para um pequeno goleiro absolutamente e agradável que depende de você. Estou brincando com isso um pouco, mas não tanto que eu esteja ficando realmente apegado a ele. Então estou confortável usando isso para pintar. E você pode realmente brincar com seus valores um pouco, fazer pequenos ajustes e pequenas decorações dentro de sua peça. Você pode experimentar com ele o quanto quiser, levá-lo o mais longe que quiser, ou deixá-lo onde está. Assim como uma experiência muito simples e simples ilustração do papel do valor dentro da paisagem. Encorajo-vos a criarem uma pequena ilustração como esta. Neste caso, ele realmente funciona como uma ilustração, uma vez que ilustra as quatro principais zonas de valor dentro de uma pintura paisagística. 8. Paisagem em preto e branco: Neste vídeo, vou demonstrar o que é preciso para obter uma imagem de roteiro estilizada de quatro valores que criamos no último vídeo. E mova isso para uma imagem mais desenvolvida e mais dimensional. Não sinta que tem que pintar sobre sua pintura como eu faço aqui. Você pode olhar para a pintura do roteiro e usá-lo como referência. Eu encorajo você a tentar este uma ou mais vezes e você pode pintar a imagem no papel ou em suas telas baratas. Eu queria pintar sobre esta pintura para demonstrar o quão perto desta estrutura de valor simplificada, uma imagem ligeiramente mais dimensional ou espacialmente convincente realmente é, Não há muito de um salto entre algo realmente estilizado e algo um pouco mais realista. O grupo de valor mais leve na minha pintura é definitivamente no céu, como eu mencionei, mas não é tão difícil e rápido e realidade, natureza não é difícil, bordas limpas muito do tempo. Então, embora seja verdade que seus valores mais leves ocorrerão no céu de sua pintura. Há uma transição. Há uma progressão de um valor ligeiramente mais escuro no topo do seu campo de visão. Isso fica mais leve e leve à medida que você se move para baixo em direção ao fundo da sua Divisão de Campo no horizonte. Esta progressão é muito mercado, muito óbvia ao nascer e ao pôr do sol. Mas também acontece no meio do dia. É apenas que a progressão no valor e a progressão da mudança de cor no céu é muito mais sutil. Então há um roll-off muito mais suave em meus valores. Se esta é uma pintura do meio-dia entre o topo deste tipo no fundo e há um rolar menos suave nessas diferenças de valor. Se é um nascer do sol ou pôr do sol, mais tempo de transição do dia que a pintura está representando. Em seguida, vemos alguma textura em que são transições e vemos mais textura dada sobre a cobertura de nuvens. E apenas transições mais ousadas e tipo de instâncias refratadas de variações mais claras e escuras dentro do intervalo de valor. Meus elementos mais longe, que estão relacionados com a cor do solo, mas talvez um pouco mais escura do que a cor do solo. Essas bordas são realmente muito macias. Na realidade, quanto mais nos afastamos de algo, mais suave e menos óbvia é a borda do objeto. Então nós, como pintores, podemos replicar essa experiência de olhar para a distância amaciando ou bordas distantes. Eu posso suavizar as bordas dentro do céu e posso deixar alguma textura dentro do céu para dar a sugestão e a indicação de nuvens. Eu não tenho que estruturar minhas nuvens muito bem. Posso apenas indicar uma dica de que eles estão lá. E o espectador preencherá quaisquer lacunas na informação. E muitas vezes é mais eficaz sugerir algo com o pincel do que realmente pintá-lo, especialmente na distância da imagem. Meu plano terrestre é um pouco mais escuro que o céu em média. E isso é definitivamente algo que eu quero manter e quero tipo de reconhecer enquanto eu pinto. No entanto, há variações dentro desse terreno plano. Normalmente, os objetos de terra plana tendem a ser um pouco mais leves em valor à medida que se afastam mais de nós. Isto é devido ao efeito da atmosfera em nossa visão. A atmosfera que existe entre nós e objetos distantes tende a arrefecer esses objetos, então os torna um pouco mais azuis. Quando chegar a hora de olhar para a cor, falaremos mais sobre isso. Mas também tende a lavar as coisas para apenas névoa e geada, a aparência de objetos distantes ligeiramente. Vou substituir as minhas árvores. E desta vez, ao invés de fazer essas formas muito concretas, muito duras e específicas, eu estou apenas mexendo meu pincel na minha tinta e fazendo uma forma menos específica, mais irregular e orgânica. Você vai notar que eu coloquei tinta para baixo. Eu meio que viro um pouco com o meu pincel. Mas você vai ver que eu tentei resistir à tentação de passar por cima coisas pintadas que eu pintei e apenas meio que massageá-los com o pincel muito. Quanto mais você evitar meio que trabalhar sobre as coisas e manter em massageá-los com o pincel e misturá-los e misturá-los mais de uma estrutura que você realmente tende a obter. E o campo que você obtém é um pouco mais dinâmico e apenas um pouco mais. Eu me sinto estruturalmente sólida Eu acho que é como eu descreveria. As árvores são um pouco mais escuras para o fundo. Portanto, há uma área sombreada reconhecida acontecendo no fundo dessas árvores. E objetos que estão mais próximos de nós e facilmente percebidos por nós, eles tendem a lançar uma sombra notável. Então, vou adicionar essa sombra. Sombra é sempre um pouco mais leve do que o objeto que está lançando. Eu não deveria dizer sempre, mas geralmente, esta é uma boa maneira de descrever essas áreas de sombra. Eu também decidi que o sol está radiando em nossa direção um pouco baixo no céu. E está inclinado um pouco para o lado direito da imagem. Então a sombra lançada pelo sol vai se mover um pouco na direção oposta. E eu vou pesar a sombra debaixo das minhas árvores ligeiramente para a esquerda. Estou adicionando alguns valores mais profundos e escuros ao meu primeiro plano, bem na frente da imagem. E eu estou tocando a textura um pouco na frente. Não estou ficando muito detalhado. Mas um pouco de textura sugere esse fenômeno que notamos mais detalhes à medida que os objetos estão mais próximos de nós. Uma ótima maneira de espelhar que é apenas adicionando um pouco de textura adicional. As árvores são mais leves em direção ao topo, às vezes apenas ligeiramente e às vezes muito visivelmente, se o sol estiver alto e batendo neles. Isso não é direta filho sobrecarga, mas eu senti que ainda era útil para tipo de brincar com essa idéia dessas árvores, significando um pouco mais leve em direção ao topo. Pense em onde a luz pode pegar alguns dos galhos nas seções do meio dessas árvores também. E você pode usar algumas de suas versões ligeiramente iluminadas de seus valores mais escuros. Se isso faz sentido, sei que é complicado. Mas se você apenas usar seu valor escuro, seu valor de árvore inicial, e, em seguida, iluminá-lo ligeiramente em relação a si mesmo. Você pode começar a criar alguns pequenos destaques eficazes. Se eu fosse apenas cair em destaques brancos, eles pareciam muito fora do lugar e eles iriam chamar muita atenção e parecia que eles estavam flutuando fora da imagem em direção ao espectador. Se você quiser adicionar alguns ramos à sua árvore e tipo de dar pequenas dicas e indicações da forma como as ramificações e formatos de tronco estruturam. Você pode definitivamente fazer isso. É uma boa idéia colocar essas sugestões em sua árvore, onde você vê algumas sombras criadas pela sombra que você adicionou para o centro e para as áreas sombreadas. Você também pode misturar essas áreas sombreadas um pouco como eu tenho aqui. Você quer evitar bordas realmente duras, mas você também não quer entrar em uma situação em que tudo é apenas misturado além do reconhecimento. É um bom equilíbrio entre estar por baixo e por cima misturado. E nestes estágios iniciais de estudo, eu recomendo errar no lado de um pouco abaixo misturado e não se preocupar muito com isso. Quanto mais eu trabalho nisso, mais eu decidi que é realmente uma espécie de imagem de tarde no dia. Então eu derrubo algumas áreas de luz realmente brilhantes na parte inferior do meu céu em direção ao horizonte. E posso ecoar esses destaques um pouco no chão plano. Apenas deixando algumas pequenas dicas de áreas onde a luz baixa pode pegar aquele terreno plano na distância média. É apenas uma questão de desenvolver o intercâmbio entre seus valores escuros e claros. Assim, as transições entre um valor e depois o próximo. Como fazer essa transição? Como fazê-lo de uma forma que é prazerosa quando você pinta e prazeroso e você olha para ele. Portanto, mais experiência você ganha em fazer essas transições de tantas maneiras diferentes quanto possível. Usando tantas texturas diferentes quanto possível, pincéis diferentes, diferentes formas de fazer marcas, usando ritmo diferente, às vezes muito lento e cuidadoso e às vezes muito rápido e quase casual. Todas essas diferentes abordagens para a transição de um valor para o próximo vão lhe dar um repertório mais amplo de maneiras de ir daqui para lá. E é aquela jornada daqui para lá, do seu valor de luz para o seu valor escuro, da sua luz para a sua sombra. Isso é o que faz uma imagem dinâmica e eficaz em preto e branco. Uma imagem dinâmica e eficaz em preto e branco torna-se a base para uma imagem dinâmica e eficaz em cores. Algo a ter em conta é que este vídeo é muito rápido e nenhuma das pinturas deste vídeo foi acelerada. Meu processo de pintura aqui é muito rápido. E eu acho que, acelerando e indo rápido, realmente ajuda a qualidade da minha marca fazendo um pouco. Então, se você achar que você está tendo um pouco de luta, tente acelerar as coisas, e apenas ver onde uma abordagem muito rápida e intuitiva desse material vai levar. Eu acho que você pode acabar surpreendido de um jeito bom com seus resultados. 9. Compartilhe seus progressos: Parabéns, agora você tem uma grande compreensão dos valores na pintura. Abriu a guia de projetos, e vá em frente e adicione alguns de seus resultados de sua experimentação. Eu adoraria ver sua mudança de transição, seus esquemas e estudos abstratos, bem como qualquer um dos estudos onde você começou a resolver problemas envolvidos em transições entre preto e branco. Seus colegas estarão junto para oferecer incentivo e feedback. Então vá em frente e sinta-se livre e encorajado a postar. 10. Introdução à cor: Nesta seção da nossa turma, retornaremos de preto e branco para cor. Vamos começar olhando para a roda de cores em alguns detalhes e cobrindo apenas um pouco de teoria de cores. Tenha em mente que estamos arranhando a própria superfície de um assunto muito profundo. Mas eu acho que é importante encontrar alguns dos conceitos rudimentares da teoria das cores. Antes de pintarmos. Em seguida, vamos cobrir um curto exercício de cor. Este exercício nos incentiva a explorar as cores que escolhemos completamente. Também nos dará um pouco de tempo praticando a pintura e tornando-se mais familiarizados com as propriedades físicas da tinta. A maneira como ele se mistura, a taxa em que seca na página. E a sensação de pintura e pincel trabalhando juntos. 11. Alguns fundamentos de cores: Vou manter isto breve e espero no lado dos fundos de corte indolor das coisas. Ok. Então o que estamos olhando aqui é a roda de cores. A roda de cores é dividida em três cores primárias. Temos vermelho, azul e amarelo. Estas são primárias. As cores secundárias são obtidas misturando duas dessas três primárias. Então, quando misturamos vermelho e amarelo, ficamos com laranja. Aqui está um secundário. Quando misturamos vermelho e azul, ficamos roxos, que é um secundário. Quando misturamos azul e amarelo, ficamos verdes, que é um secundário. Então, todas estas são cores secundárias. Eles são uma combinação de duas cores. E eu quero dizer em partes iguais, mas o fato é que pixels e luzes, feixes de luz são uma maneira muito consistente de criar cor, enquanto pigmentos químicos são menos consistentes. E é assim que criamos misturas de cores, pintura unidirecional. Então, o que podemos esperar para trabalhar de forma muito consistente e ordenada quando estamos olhando para ele através de uma reprodução digital não é algo que vai funcionar de forma consistente e ordenada na vida real. Então saiba disso, que a mistura de pigmento vermelho e azul geralmente resultará em algum tipo de violeta. Quanto vermelho, quanto azul depende. Que tipo de violeta é muito vibrante ou está meio sujo? Depende. Então isso é apenas algo para ter em mente que vai haver uma lacuna entre este tipo de Lee platônico, realidade ideal dos pixels e a realidade real e prática da sua pintura. E a melhor maneira de entender como preencher essa lacuna é através da experimentação, experimentação repetida e levando em conta o fato de que diferentes tubos de tinta, diferentes fabricantes de tinta, todos aqueles coisas diferentes vão jogar isso fora um pouco e contribuir com suas próprias peculiaridades e idiossincrasias para este processo. Então, além de nossas cores primárias são cores secundárias, temos cores terciárias e o que estas representam é uma desigualdade na mistura. Então temos algo que favorece visualmente inclina-se para um lado ou para o outro na mistura. Então, por exemplo, aqui temos esse tipo de fúcsia, violeta avermelhada. Então o que é é é uma mistura tecnicamente de vermelho e azul, mas é uma mistura que favorece muito mais o vermelho. Então ele se inclina para ler. Aqui temos uma mistura de azul e amarelo, mas favorece o azul extremamente, há apenas um pouco deste amarelo e você tem este aqua. Então isso é um terciário. Aqui. Também temos uma mistura de verde, amarelo e azul. Mas neste caso, este verde favorece amarelo. Então isto é um terciário. Neste caso, temos uma laranja, mas ela se inclina fortemente para o vermelho. Ele se inclina para longe do amarelo, embora englobe algum amarelo e é um terciário que favorece o vermelho. Então você tem uma laranja vermelha ou violeta vermelha, um verde azul e um verde amarelo. Então é assim que isso quebra. Apenas na superfície, temos misturas primárias, secundárias e terciárias de cor. Então, outro conceito em cores que você vai querer estar familiarizado com é o da temperatura colorida. Você provavelmente já ouviu as pessoas falar sobre cor quente, cor legal. O que exatamente isso significa? Vamos aprofundar isso só um pouquinho. Então, uma cor legal simplesmente se refere à presença de azul dentro dessa cor. E assim, geralmente, é esta parte da roda de cores que se pode referir como as cores frias. Então aqui temos azul, aqui, temos azul aqui, temos azul. Azul está neste verde e azul é mesmo neste verde. Embora a coisa sobre quente e legal que você precisa ter em mente é que estes também são termos relativos. Eles meio que significam algo independente de qualquer outra informação, mas eles realmente, realmente começam a se tornar mais significativos quando você percebe que há relativo. Então, quando eu olho para esta tela e eu compará-lo com este verde, este verde tem significativamente mais amarelo em sua mistura. É mais perto do amarelo na roda de cores, e isso é representado pela maneira como ele fica ao lado do amarelo. Contém mais amarelo em seus componentes. Então esse verde é mais legal que esse grito. Ambas são cores legais. Mas quando eu poderia dizer algo como aquecimento que verde, o que eu quero dizer é adicionar uma cor quente a ele. Se eu dissesse esfriar esse verde, eu significaria sugerir que você adicionaria azul a ele e você acabaria com um verde que está mais perto deste aqua. Então isso é o que se entende por cor quente e legal. Quente. Por outro lado, engloba esta parte da roda de cores. E quente pode ser um pouco complicado porque quente implica que há um vermelho sendo adicionado a esta cor. Isso é definitivamente verdade, nós sabemos disso. Mas quente também pode significar que você está adicionando amarelo. No entanto, existem cores que têm amarelo neles, mas são consideradas legais. Então amarelo é um pouco escorregadio, é um pouco mais ambíguamente quente. É uma cor quente, mas o vermelho é geralmente considerado a cor mais quente na roda de cores. Isto disse que neste final do espectro, novamente, algum tipo de coisas funky começam a acontecer. Você obtém alguns roxos muito, muito azuis, que na verdade, embora eles contenham vermelho, estão no lado mais frio da roda de cores. Portanto, há um pouco de ambiguidade nas bordas da definição como tende a haver. Então, mantenha isso em mente. E tenha em mente que não há nenhuma regra universal dura e rápida sobre isso. Estes são termos relativos. Eles não são tão objetivos quanto termos como cor primária, por exemplo. Até agora, falamos sobre cores claras, puras, vibrantes e atraentes. Cores que são realmente intensas e divertidas de olhar. E há uma escola de pensamento que você nunca quer deixar a sua cor afastar muito desses tipos de coloristas vara ideais quando você está pintando. Porque uma pintura que se afasta desses ideais começa a assumir o que é conhecido como uma aparência lamacenta. Como você faz lama e como você evita fazer lama? Este é o tipo de perguntas que você ouve várias vezes. E estes são os tipos de avisos que ouço repetidamente em lições de cores e os tipos de avisos que me deram. Mas eu acho que esse tipo de pensamento é um pouco equivocado. Para pintar uma paisagem. Você realmente precisa de cores neutras. Você precisa de cinza e marrom, verdes de baixa intensidade, cores que parecem aspas, sujas. Sem esses tipos de cores, é muito difícil descrever o mundo natural com qualquer grau de fidelidade. E é até difícil criar um espaço que possa ter um pouco da natureza contemplativa da natureza nele. Vamos dar uma olhada no que Marc Chagall quis dizer quando ele disse que as cores são amigas de seus vizinhos, mas amantes de seus opostos. Tenho a minha roda de cores aqui, do jeito que temos olhado para ela. E eu vou adicionar uma super imposição de uma versão ligeiramente diferente desta roda de cores. O que nós vamos estar adicionando é uma roda de cores onde cada cor neste nós vamos, cada cunha vai ser substituído por sua cor oposta. Então é como se eu estivesse girando essa roda. Então, em cima deste verde limão, eu vou ter esta fúcsia oposta em cima deste vermelho. Vou ter este verde em cima desta laranja. Vou ter este azul. Então eu vou clicar na minha segunda camada e você verá esta segunda versão da cor que vamos aparecer. Agora, eu virei todas essas cores. Então nós temos a camada um e a camada dois em pé para a idéia de ter uma mistura de cor. Então eu vou mudar a opacidade desta camada. E quando eu fizer isso, ele irá aproximar a idéia de misturar em algumas dessas cores opostas para todas as cores abaixo. Aqui. Eis o que quero dizer. Vou mudar isto para 25%. E você vê que esta camada sobreposta de opostos afeta todas essas cores de forma bastante significativa. E isso afeta todos eles um pouco diferente. Então, observe essa diferença. Não é uma diferença que você pode replicar exatamente se você estiver pintando com essas cores automaticamente. Mas você provavelmente poderia obter aproximações de todas essas cores misturando as cores sugeridas por essas duas rodas de cores separadas. Você percebe que todas essas cores se tornam mais moderadas. Eles têm um silêncio ou sentir a borda e a vibração foi tirada deles. E tudo é apenas diminuir um entalhe. É uma representação mais calma. São cores feias? Bem, isso é muito subjetivo. E acho que a ideia pejorativa de algo ser lama ou enlameada, um pouco equivocada. A beleza e eficácia do uso da cor é relativa. Tem a ver com contexto. Qual a sua cor é colocada ao lado. Vamos dar uma olhada no que aconteceria se adicionássemos um pouco mais de são cores opostas à mistura? Tenho outra camada a 25% de opacidade. Então isso representa adicionar mais da cor oposta a cada uma de nossas cores originais. E você vê que isso se torna ainda mais moderado. Outra coisa a notar é que há muito pouco contraste agora entre uma cunha e a outra. Se eu transformar isso em uma imagem em preto e branco, todas essas cunhas serão um tom semelhante de cinza, muito próximo. Então esta não é uma paleta que salta para nós e diz: “ Não sou linda, olhe para mim. Mas eu acho que é realmente importante honrar, reconhecer e entender como implantar cores como essas. Deixa-me mostrar-te porquê. Então aqui está a coisa. Se eu for lá fora e olhar para o mundo, e procurar beleza, ainda vou ver 90% Brown, verde embotado e lama. Algum pasto talvez no céu. Um pouco de um elenco azul. No geral, o mundo não é um lugar rico em cores particularmente puras e vibrantes muitas vezes. No entanto, é 10%. Isso realmente faz a diferença. Aqui tenho um cardeal do norte no alimentador. E essa cor tornou-se muito mais eficaz e muito mais significativa por causa do contexto em torno dela. Aqui. Tenho um daqueles céus incomparavelmente azuis de Outubro. E isso se torna muito mais bonito e muito mais significativo por causa do contexto em torno dele. Espero que entenda o meu ponto de vista. Vamos ser capazes de criar esses pontos de exclamação intensos e bonitos aprendendo a criar uma gama completa de misturas suaves entre uma cor brilhante e vibrante e o seu oposto na roda de cores, vamos criar nossas pinturas usando uma cor e variações dessa cor. Então vizinhos, e é oposto e variações de seu oposto. Então, os vizinhos da cor oposta. Também incluiremos preto e branco. O uso de Black é um pouco controverso. Muitos artistas rejeitam. E é verdade que você vai ter um escuro mais vibrante, profundo e rico se você misturar uma cor e é oposto para o escuro. Mas com nossas tintas estudantis e artesanais, isso às vezes não é tão eficaz quanto é com tintas de ponta superior. Então vamos usar preto e ainda vamos obter alguns resultados realmente agradáveis. 12. Vamos estudar cores: Neste exercício, nosso objetivo é ficar confortável com a mistura de cores e relações, e também ficar confortável com as propriedades físicas da pintura a cores. Então eu vou usar uma versão legal da minha cor escolhida e é o oposto. Então, neste caso, estou usando um rosa que contém um pouco de um elenco azulado. Por isso, é um rosa mais frio, mesmo que seja um muito vibrante. E eu estou usando um verde escuro fresco, que a tinta que parece enegrecida é na verdade um azul-verde muito escuro. Estou usando uma versão muito mais leve e mais quente de rosa na forma desta cor de pêssego. Então este é um rosa que contém favores de um pouco de amarelo. Além disso, estou usando uma folha verde que favorece amarelo sobre azul. Esta é também uma versão mais clara da cor. Então, no caso dessas tintas, quando uma cor é mais clara, ela tende a conter um pouco de branco. Então essas cores mais claras são, na verdade versões ligeiramente pastel de suas contrapartes mais escuras. Vou começar criando uma série de pequenas caixas onde estou fazendo essas pinturas dialogarem umas com as outras. Então vou começar com o meu verde claro e escuro. E basicamente o que eu estou praticando é apenas fazer uma transição convincente e pelo menos um pouco suavizada entre minhas cores escuras e claras. Verá que trabalho do escuro à luz. E que eu trabalho a tinta juntos através da área de transição com o pincel apenas um pouco. Não, não uma quantidade enorme. Vou repetir este processo com as minhas outras duas cores correspondentes. Pode mais frio, mais escuro, rosa mais intenso, e meu mais pastel, claro e mais quente rosa. E mais uma vez, estou trabalhando a tinta em uma área de transição. Quero começar com a minha cor escura. Transição através de graus de valor e temperatura de cor e cor de frio para quente. E completar meu pequeno teste quadrado minha área de teste com uma versão mais ou menos pura da minha cor mais clara. Eu recomendo praticar isso várias vezes e fazer uma dessas tiras de teste em uma página de teste como esta, que foi dividida em quatro áreas de teste. Portanto, é importante entender as propriedades dessas tintas em sua forma mais pura, mas também é muito valioso trabalhar com misturas e silenciar misturas dessas cores. Então, neste caso, eu sou. Experimentando com uma mistura de meu verde quente e meu rosa quente. E eu começo criando a área de transição entre essas cores e adicionando-a à minha página em vez de qualquer uma das duas cores. Estou adicionando a cor escura ao meu quadrado de teste com sua área de transição para um lado. E eu estou adicionando uma versão pura da minha cor clara para o outro lado. Agora eu estou misturando essas áreas de transição onde as diferentes cores carne. E você verá que ele cria uma transição convincente e suave entre essas duas cores opostas. Estou fazendo a mesma coisa usando minhas versões mais frias das minhas cores, começando com uma mistura dos dois no meio e adicionando cada cor em sua forma pura para um lado ou para o outro. Você vai notar que eu limpo meu pincel completamente entre a mudança de uma cor para a sua oposta na forma pura. E depois limpo o meu pincel novamente antes de trabalhar estas áreas de transição juntos. O pincel limpo realmente permite que parte da cor pura permaneça estagnada e intocada dentro do escopo desses pequenos quadrados. E você vai notar que há áreas de verde escuro puro e rosa quente puro que eu deixar intocado pelo pincel enquanto eu trabalho minhas áreas de cor juntos. Definitivamente praticar isso um pouco. Realmente vale a pena ter um bom controle sobre como fazer essas transições acontecerem fisicamente. Agora estou misturando diferentes proporções de cada cor com seu oposto. Então, neste caso, estou adicionando meu rosa quente ao meu verde escuro. Estas são cores opostas. Então as cores que resultam serão silenciadas e um pouco citando, unaspas, lamacentas. Mas este não é realmente o ponto. O ponto é se essas cores são atraentes, objetivo Li, O objetivo deste exercício é entender o quanto de uma cor precisa ser adicionado a uma cor, a fim de mudar a natureza dessa cor em torno completamente. Você verá que este verde realmente muda para o rosa muito rapidamente. E o rosa começa a iluminar muito rapidamente. Isso parece acontecer devido à intensidade dessa cor rosa. Quando uma cor é muito intensa e saturada, tende a monopolizar a paleta muito rapidamente. Então, se eu quiser adicionar um pouco deste rosa quente a uma cor na minha paleta para apenas influenciá-lo ligeiramente. Você pode imaginar que você não precisa adicionar muito disso. Esta série de tiras de teste é realmente uma chance para você brincar e experimentar. Tente entender o que suas cores fazem quando você misturá-los com seu oposto em quantidades crescentes. Isto não é muito diferente de como lidamos com a pintura quando pintávamos a preto e branco. Dê a si mesmo a oportunidade de brincar e experimentar em um baixo estacas, arenas baratas e simples como um caderno de esboço barato ou um pedaço de raspadinha. Não é importante pintar tudo na tela e tratar tudo como se precisasse ser exibido. Da mesma forma, acho que a pressão para me expressar ou expressar algo significativo ou profundo com cada sessão de pintura que faço pode criar um pouco de uma situação de alta pressão. Adoro pintar expressivamente. Não há nada de errado com isso, mas às vezes apenas estar no momento e apenas ver o que suas cores farão em diferentes circunstâncias é suficiente. Isso justifica o esforço de pintura que você está colocando em e ele vai te ensinar muito sobre como lidar com sua pintura para que você possa usar essas novas técnicas uma maneira mais expressiva e mais significativa mais tarde. Então eu estou combinando meu rosa claro quente com meu azul ou verde em pequenas quantidades crescentes e quantidades decrescentes. E estou comparando meus resultados neste experimento. Os resultados abaixo. Observe a diferença entre esses dois tipos de verdes. Um, quente e fresco, e sua influência no meu quente, cor de pêssego rosa. Todas estas diferentes versões de pH, bege pode ser verde claro, poderia ser relevante em uma situação paisagística. Então, é muito bom para amostras de tinta, amostras, são misturas e ver quantas coisas diferentes você pode obtê-lo para fazer. Você não tem que fazer uma amostra. Você pode continuar a experimentar com a realização de transições. E eu recomendo fazer mais de uma página como esta. Veja quantos tipos diferentes de testes e experimentos você pode fazer. Basta tomar o seu tempo e pagar com atenção para que você vai notar o que acontece em diferentes circunstâncias. Você pode tomar notas se você sentir que você está indo para perder o controle de suas misturas. Agora eu estou adicionando meu cooler rosa ao meu verde quente. E você vai ver que eu tenho uma interessante e intensa variedade de verduras e Oliver Brown. Estes também podem ser muito úteis em uma situação paisagística. Permita que a primeira camada seque e, em seguida, considere voltar e experimentar a adição de mais tinta à sua camada de drive de tinta para ver o que acontece. Então, se eu adicionar apenas rosa quente direto a estes verdes, há um contraste muito forte entre a primeira camada e a segunda. E isso pode ser útil em certas situações. Mas é realmente uma boa ideia se acostumar a criar misturas de cores que tenham uma relação estreita de contraste com a cor abaixo delas ou ao lado delas. Isso é realmente útil em seus detalhes de pintura dentro de uma sombra. Como folhas em árvores. Então, o rosa direto do tubo é um pouco intenso em um caso. Mas se eu me mover para um mais rosa sob a pintura, essa tinta quase reta torna-se mais apropriada como uma combinação de cores. Isso cria um detalhe quente e leve em cima dessa superfície bronzeada. Eu também posso usar uma cor mais fria para criar um detalhe quente em cima do bronzeado sob a pintura. E neste caso, eu experimento adicionando apenas um pouco de verde ao meu tom rosa para cor bronzeada. Brincar com diferentes misturas e diferentes proporções dentro de sua mistura. Para descobrir maneiras de pintar detalhes como folhas em árvores e arbustos. Experimente com seus pares quentes de cores e experimente com seu refrigerador ou emparelhamentos de cores também. Neste caso, eu queria chegar a uma maneira sutil que eu poderia adicionar dimensão a uma área mais sombreada. Então, adicionando um pouco desse pH, minhas misturas mais escuras, o branco dentro do pêssego torna a pintura um pouco mais aborrecida e um pouco mais opaca. Estou ajustando essa cor um pouco para criar um lado com um pouco mais de um relacionamento legal, e um lado com um relacionamento mais quente. Novamente, brinque com diferentes tipos e temperaturas de cores e veja se você pode obter essas marcas para interagir sob a superfície pintada, sob ela de uma forma que é interessante ou tem algum potencial visual, ou cria uma textura que você gosta de olhar. Leve meia hora de cada vez ou uma hora de cada vez para apenas experimentar assim. Você está criando um catálogo de marcas, um tipo de dicionário visual pessoal. E se você tomar notas e tentar lembrar como você chegou às soluções para os problemas que você chegou. Você começará a aprender e memorizar muitas abordagens diferentes para fazer com que suas cores interajam de novas maneiras. Não há regras rígidas e rápidas, que pode ser um pouco assustador, mas também pode ser muito libertador. Realmente apenas jogar ao redor e ver o que diferentes cores vão fazer em relação um ao outro. Tente manter suas misturas nestes estágios iniciais de sua experimentação de pintura para consistir em duas cores de cada vez. Geralmente, é bom adicionar três cores juntas. Mas quanto mais você se ater, mais você será capaz de entender como você chegou à cor que você está pintando maneiras. E quanto mais você poderá fazer engenharia reversa dessa cor no futuro. Eu encorajo-te a tomar notas. É muito fácil perder a noção do que você fez e como você obteve um certo resultado. E é muito útil saber como você chegou a um resultado para que você possa fazer engenharia reversa e incluí-lo um trabalho mais detalhado e complexo mais tarde. Não se esqueça de se divertir quando fizer isso. A cor é inerentemente divertida de passar o tempo. E é muito útil usar as cores pelas quais você está atraído, ver até onde você pode empurrá-las e o que elas farão. Depois de concluir algumas páginas de estudo de cores e amostras de cores, como esta. Pegue sua amostra de valor antiga, particularmente a escala em que cada valor é separado por uma linha distinta. E aproveite o tempo para tentar aprender a combinar o valor na escala com uma cor específica que você criou. É muito útil passar algum tempo fazendo isso. E apenas para começar a se acostumar com a idéia de combinar uma cor com um valor correspondente. O que você está tentando fazer é combinar sua cor com seu valor correspondente. Assim, se você tirar uma foto em preto e branco da cor e as escalas de valor completamente, você saberia onde essa cor desaparece em relação a um valor semelhante. É apenas um bom hábito passar algum tempo conscientemente percebendo esses relacionamentos e se tornando mais confortável identificando esses relacionamentos. Quanto mais você experimentar assim, melhor você conseguirá detectar essas cores importantes e relacionamentos valiosos nas florestas de uma pintura acabada. 13. Vamos explorar o fundo: Quando pintamos em tintas opacas como estas acrílicos, isso ajuda a pintar em um fundo que é matizado em uma cor de intervalo de valor médio. Neste vídeo, vamos dar uma olhada no desempenho da cor escolhida em diferentes situações. Vai fazer alguns experimentos em diferentes cores de fundo. Para escolher estão sob pintura em relação à nossa paleta. Eu tenho um quente sob pintura, uma cor neutra e tela sem pintura que foi pintado uma cor de fundo legal contra todos esses diferentes cenários. Vou usar as mesmas cores de tinta rosa. Então eu estou adicionando algumas versões diferentes de rosa à minha paleta. Então eu tenho uma espécie de pagamento empoeirado, uma espécie de rosa fluorescente, bege ish, rosa e uma espécie de cor blush. E todas essas cores rosa e eu acho que tipo de rosa adjacente são pré-misturadas e prontas para ir. Além dessas cores, vou adicionar branco à minha paleta. E porque o verde é o oposto do rosa, vou adicionar um verde claro azulado à minha paleta. E eu vou usar isso para alterar algumas das minhas cores pré-misturadas um pouco em direção ao neutro e longe do brilho. E eu vou adicionar uma versão quente da cor complementar ou oposta, que é verde. Então o verde aquático que eu adicionei até agora à minha paleta é uma versão. Este verde-amarelado é de fato mais quente porque há mais de uma presença amarela nesta cor, então há uma presença azul. Então, quando eu combinar o meu rosa seria estes verdes opostos, cada um vai se comportar de uma forma ligeiramente diferente. E explorar o efeito da cor oposta na cor escolhida é parte do que você tem a oportunidade de explorar dentro deste mini-projeto. Então, para começar, o que eu vou fazer é adicionar minha tinta à minha tela e fazer uma série de marcas ou gestos são manobras como você quiser pensar nisso. E eu vou fazer mais ou menos a mesma coisa com a mesma cor neste mesmo lugar em todas as quatro telas consistentemente. Então, quando eu faço isso, deve rapidamente se tornar evidente que a maneira que essa cor se sente e a maneira que nossos olhos interpretam o calor ou frieza dessa cor é muito, muito influenciada pela cor que está ao lado disso cor. Pink assume uma característica ligeiramente diferente quando se sobrepõe a todos estes diferentes antecedentes. E esta é uma das coisas mais importantes e profundas na pintura. E para mim, considero esse tipo de exploração dessas relações sutis e meio etéreas entre as cores. Considero isso algo que está em andamento. Essa é a coisa que sempre me aborreço quando pinto. Nunca cheguei ao ponto em que sinto que pregou esse entendimento. Há sempre algo a aprender testando uma paleta de cores e colocando cores ao lado das outras e vendo o que acontece. Então este próximo gesto que eu fiz na minha paleta é o resultado de metade do cor-de-rosa que eu usei para a primeira marca, combinado com 50% branco. Então é 50-50 entre o branco e a primeira cor que eu coloquei para baixo. Agora estou usando minha faca de paleta para usar um pouco desse rosa empoeirado e rosado direto do tubo. E apenas aplicando-o em uma marca espessa angular cada área correspondente a cada uma dessas telas. Você vê como é tão mais quente e mais rosiante. E parece muito mais enterrado e meio azulado e saturado quando você olha para ele no ouro versus no branco. Então, essas influências sutis da cor que está ao lado da cor que você pinta. Na cor que você acabou de pintar. Isso é algo que você aprenderá a prever um pouco melhor com a experiência ao longo do tempo. Mas também é a aventura. E eu acho que se eu alguma vez entendi totalmente e fosse capaz de antecipar o que aconteceria toda vez que eu misturasse uma cor e cada vez que eu colocasse uma cor em um fundo colorido específico, eu acho que a pintura perder muito do seu mistério e é uma aventura para mim se eu realmente sempre soube o que ia acontecer. Testes como este são muito importantes. Eles desempenham um papel significativo. Esta cor é uma versão neutralizada daquele rosa que acabei de usar para fazer a marca de ângulo. E eu o neutralizei adicionando uma quantidade decente. Eu diria que cerca de um terço daquele azul aquático na parte de trás da minha paleta. E isso resulta nessa cor suave, amolecida, tipo rosa púrpura. Repare como isso é diferente. A característica dessa cor é tão diferente na peça apoiada em ouro versus as ervilhas de ato azul BE. E ainda assim. Eu diria que a forma como essa pintura sai é semelhante na parte de trás dourada e na parte de trás cinzenta. Em ambos os casos, você percebe que a marca que eu fiz meio que esconde um pouco contra o valor da cor de fundo. Então isso é algo que é realmente importante para entender como a escolha de cor pode realmente afetar a maneira que algo salta para fora e o contraste da lente versus ter um baixo nível de contraste muito semelhante com a cor contextual em torno dele. Eu agora misturei um pouco daquele aqua neutralizante junto com um pouco do meu branco e um pouco do meu cor-de-rosa para fazer esta base articulada rosa muito neutralizada. Esta cor parece muito legal contra os cenários mais frios de branco e azul. E ele assume um pouco, eu acho que um pouco de um amarelo mais quente ou lançado contra o ouro e contra o pano de fundo neutro. Você não precisa usar rosa para este processo. Você pode usar qualquer cor que você quiser usar e, em seguida, uma versão legal e quente do oposto dessa cor. E incluirei no PDF o que considero as escolhas mais comuns e óbvias que você pode fazer. Então, se você quiser usar um emparelhamento diferente de cores, você pode ir em sua própria direção com isso, tudo bem. E eu o encorajo a explorar sua cor em um processo semelhante ao que estou fazendo aqui. Você também precisará de algum tipo de neutro, algum tipo de legal e algum tipo de calor para suas cores de fundo, bem como uma tela branca sem pintura. Eu queria mudar minha marca um pouco, então eu estou adicionando tinta e então rolando meu Breyer sobre ela. No interesse de fazer algo divertido de se olhar. Eu gosto de variar a marca. Eu gosto de variar a maneira que eu faço a marca, e eu gosto de variar o tamanho do elemento na tela. Então, em última análise, meu plano é fazer nove desses pequenos gestos, patches ou amostras. E para que essas nove coisas funcionem razoavelmente bem do ponto de vista composicional e visual nessas telas. Agora, você certamente pode manter essas pinturas, mas o que eu recomendo fazer com essas telas de estudo baratas é fazer suas pinturas de teste e documentá-las, fotografá-las juntas em uma formação quádrupla como esta. E então você pode seguir em frente. Você pode pintar sobre eles com uma cor diferente de sob pintura ou com gesto branco. E você pode continuar reutilizando essa superfície de estudo pelo menos várias vezes. E criando um pequeno enxame desse tipo de marcas cor-de-rosa quentes, quase fluorescentes. Então eu queria ver o quão diferente esse rosa intenso se comporta contra todos esses cenários diferentes. Você começa a idéia, divirta-se com isso e aproveite um pouco de sua mistura. Certifique-se de que ambos microfones apenas um pouco de branco em sua cor para clarear o valor. E também experimente misturar algumas das cores complementares ou opostas em sua cor. Veja até onde você pode empurrá-lo adicionando essa cor oposta quase ao ponto em que ela muda a cor e inclina o equilíbrio para o outro lado. Você verá que no 1, eu inclinei o saldo muito para o verde, e eu acabo com um verde mutante real na minha paleta em vez do rosa. Se isso acontecer, basta continuar adicionando um pouco de sua cor original à mistura e você será capaz de mudar o equilíbrio para que você outra versão da sua cor principal que você escolheu para explorar. Este tipo de pasta de dente D rosa parece tão radicalmente diferente nestas superfícies. Quase parece cinza branca e realmente parece muito lavado contra a superfície neutra. Mas contra as outras superfícies tem uma intensidade muito luminosa, não é isso. Então o que eu quero explorar é uma variedade de versões legais, neutralizadas e quentes da cor que eu estou interessado em investigar neste exercício. Aqui você vai ver o que eu estava falando mais cedo. Isso realmente inclina a balança para o Graeme e eu tenho que trabalhar um pouco para empurrá-la de volta para o rosa e o espectro. Mas se você achar que você adicionar muito do seu são cor neutralizante complementar, basta continuar adicionando um pouco da cor anterior para a mistura e, eventualmente, vai inclinar as balanças de volta em equilíbrio. E aqui, eu tenho, como, Eu acho que tanto quanto eu posso ficar longe de ser rosa enquanto ainda sem dúvida ser rosa. Rosa proximal adjacente o suficiente que este tipo de bege arenoso joga bem na minha tela, faz sentido conceitual na minha tela e me ensina ainda um pouco mais sobre meu escolhido e cor e seu comportamento com esses diferentes tipos de cenários e essas cores diferentes de pano de fundo. Então, espero que isso realmente esclareça o papel de uma pintura sob. 14. Ade Whimsical de pinheiros de Whimsical de alta qualidade: É hora de criar um estudo abstrato e simplificado que nos ensine as relações de cor, temperatura e cor em relação à paisagem. Divida sua tela em nove partes iguais e desenhe em uma imagem de paisagem extremamente simplificada, da mesma forma que fizemos em nosso estudo abstraído em preto e branco simplificado. Você pode ver que eu estou usando uma versão offset da regra dos terços para chegar a um pequeno arranjo razoavelmente agradável dessas representações triangulares de pinheiros. E eu estou adicionando algumas áreas de terreno irregular, bem como algumas áreas de solo plano para a composição no céu. Eu coloquei um pouco de linha apenas para sugerir um pouco de variação de cor e demarcação dentro do céu. Não é uma única cor lisa uniforme neste caso. O conhecimento que vamos abordar aqui é cumulativo. Tudo o que você aprendeu sobre preto e branco e estrutura de valor ainda vai se aplicar aqui, bem como algumas novas informações. Porque temos muitas partes móveis para acompanhar. Não há necessidade de complicar isso com árvores complicadas ou detalhes em nossas pinturas. Portanto, manter as coisas tão simples e geométricas quanto possível vai realmente ajudá-lo a ter sucesso neste estudo. Agora vou adicionar um pouco de branco e um pouco de preto à minha paleta. E eu vou adicionar versões quentes da minha cor, que está pagando, e seu oposto, que é verde. Você notará que rosa quente tende a ser pêssego. Tem um elenco alaranjado e um caráter alaranjado. O verde quente tende a ser uma primavera amarelada comer verde. Ele favorece o amarelo, que é uma cor quente sobre o azul, o que é legal. Agora adiciono uma versão legal da minha cor e seu oposto. Neste caso, um verde azul profundo e um rosa quente, mas ligeiramente roxo. Este rosa quente tem um tom ligeiramente roxo, e isso lhe dá um caráter mais legal do que o outro rosa no meu paladar. Lembre-se de que também vamos trabalhar de forma cumulativa em relação ao conhecimento do valor. Então, como sabemos, o valor mais leve em uma paisagem é o céu, geralmente em direção ao horizonte. Esta é também a parte mais quente do céu. Então eu estou começando com uma versão leve da minha cor mais quente, que é meu tom de pêssego, rosa. E eu estou aquecendo essa cor clara que eu caí em direção ao horizonte. À medida que você viaja do horizonte para o topo do seu campo de visão, o céu fica mais frio na natureza e se aprofunda em valor. Então eu estou criando uma situação em que ambas as coisas ocorrem progressivamente enquanto nosso olhar viaja do horizonte para esfriar, minha cor ligeiramente. Eu adicionei apenas um toque da minha cor mais azul na minha paleta. Esta cor mais azul é o verde escuro, então eu adiciono apenas um pouco dele para a minha cor clara quente. E você vê que ele muda a característica da cor, mas não altera significativamente o valor adicionando um pouco mais dessa cor. Como eu trabalho meu caminho para cima, agora eu mudei tanto a cor quanto o valor. Eu tirei essa cor para longe de ser um rosa. E agora é classificado como algum tipo de verde azulado claro. À medida que esta cor se move a partir do horizonte, ela também se aprofunda e escurece ligeiramente. Portanto, há uma mudança no valor e uma mudança na temperatura da cor, bem como uma mudança na intensidade da cor. Verá que reservei o azul mais profundo como cor mais escura, não só para a faixa superior do céu, mas para uma presença desigual que sugere um pouco de cobertura de nuvens. Ele nos protege da luz solar e apenas forma um pouco de uma cor mais profunda no meio desta tela. Apenas um pouco de desigualdade em nossa aplicação pode sugerir a idéia de nuvens, profundidade e espaço. Eu uso meu pincel para fazer com que essas cores dialoguem umas com outras apenas um pouco para que as transições de uma cor para a próxima ou não tão difícil. A próxima área de valor mais leve em uma paisagem, como você se lembra, é o chão plano que reflete o céu diretamente. À medida que criamos essa área de valor mais leve, precisamos estar atentos às transições de cores que ela contém agora. A parte traseira do terreno plano vai ficar aqui um pouco mais azul do que a parte mais próxima. E também vai parecer um pouco apagado. Eu crio um verde azul claro e, em seguida, reduzir um pouco da intensidade da cor, adicionando um pouco de preto. E eu aplico a versão desta cor que não foi atendida com preto na frente da versão que tem. Além disso, para o primeiro plano, chão plano, eu misturo em um pouquinho de vermelho ou rosa. Isso aquece um pouco a cor. E você verá que a cor quente avança visualmente em direção ao espectador. Enquanto a versão lavada, mais azul da cor se afasta visualmente do visualizador. Você também pode lembrar que o próximo grupo de valores mais escuros, o terceiro grupo de valores mais escuros, é ocupado por terreno irregular. No fundo. Isso parecerá um pouco mais azul e um pouco mais lavado em comparação com mais adiante em terreno irregular. Eu adiciono um pouco de azul ao meu verde, bem como um pouco de branco e preto para ajustar o valor e para lavar um pouco da intensidade da cor. Esta é a cor que eu uso para a maioria das colinas distantes nesta foto. Você percebe que o valor é consideravelmente mais escuro do que o do solo plano, que é como deveria ser. Há alguns aumentos mais próximos no chão. E para estes, eu adiciono um pouco mais da minha cor verde pura, ambos um pouco mais da versão amarelada, bem como um pouco mais do azul-verde. Eu quero que esta cor seja um pouco mais legal do que a cor muito em primeiro plano, mas também um pouco mais escura em valor. Você pode ver que, embora o valor destes colinas de distância média é muito perto da das colinas distância traseira. A cor mais quente permite que estes avancem em nossa direção e, portanto, eles se sentam mais para a frente das colinas ao fundo. Agora você também vai se lembrar que a estrutura de valor mais escura é atribuída a estruturas verticais como os outros objetos em nossa pintura. Quanto mais próximo o objeto estiver, mais intensa de cor é, e mais quente é a cor. Decidi que estes pinheiros são um pouco azul-esverdeados. Então, a versão mais quente e mais intensa de cores dessa cor será atribuída à árvore que fica mais próxima do espectador. Estou usando uma versão quase pura do azul-verde na minha paleta. Este é um verde fresco, mas é uma cor agradável, intensa e rica. As outras árvores sentam-se um pouco para trás desta. Portanto, há mais atmosfera entre nós. E as próprias árvores indicam isso. Eu adiciono um pouco de preto e um pouco de branco para a cor que eu usei na árvore mais próxima. Isso acinza a cor um pouco, apenas lavando-a sem afetar muito o valor. Quero manter o valor próximo ao valor da árvore em primeiro plano. Mas talvez um pouco mais leve e um pouco apagado. Você notará o efeito que isso tem nessas árvores, pois elas parecem estar um pouco mais distantes do que a árvore em primeiro plano. Para indicar que a árvore mais distante ainda está um pouco mais longe, adiciono um pouco mais branco e um pouco mais preto à cor que estou usando em minhas outras duas árvores. Ao mesmo tempo que eu faço isso, eu preciso ter cuidado para que o valor desta árvore ainda seja um pouco mais escuro do que as colinas atrás dela. Eu não quero atribuir esses e valor idêntico porque isso quebra a estrutura de valor que eu já discuti no estudo preto e branco. E essa é a estrutura de valor que dá a nossa pintura e lógica subjacente. Como você verá, cor, cor, temperatura e valor estão trabalhando juntos. Não são coisas em que sou capaz de pensar completamente independentemente um do outro. É por isso que estamos mantendo nossas imagens bem simples. Porque há muitas considerações diferentes a ter em mente quando chega a hora de pensar sobre a cor e a temperatura da cor. Existem algumas diretrizes adicionais dentro de formas que podem ser úteis para ter em mente e vou revisá-las agora. Sombras lançadas por um objeto são frias em luz quente e luz quente e fria. Esta luz é predominantemente rosa, então eu estou usando uma cor de sombra mais fria. Eu crio uma versão mais fria da cor do solo para colocar atrás do objeto longe da direção da luz indicada. Observe que eu mudei tanto o valor quanto a intensidade desta cor como eu adiciono uma sombra a esta árvore mais distante. A relação é mais entre o solo e o sombreamento do que entre a árvore e a sombra que ela lança. A sombra tem que ter um valor ligeiramente mais leve do que o objeto que está lançando. As árvores tendem a ser mais leves e mais quentes na parte superior do que na parte inferior. No geral. Isso geralmente é causado por luz quente. Então, se sua luz tem uma casta legal, você pode precisar ajustar isso um pouco. E eu estou trabalhando para criar um valor que é muito semelhante ao que eu já pintei em relação a essas árvores. Mas só aquecendo essa cor um pouco adicionando meu amarelo ou verde a ela. Você verá que isso começa a formar um pouco de dimensão nessas formas. Eu faço as áreas de transição entre minha cor principal e minha cor de destaque um pouco desiguais para que as transições não sejam tão abruptas. Quando eu faço isso, eu camada de cor em cima da cor em vez de tentar misturar tudo perfeitamente. Como as árvores são um pouco mais claras e mais quentes no topo, elas são um pouco mais frias e mais escuras na parte inferior, onde as sombras são lançadas sob os galhos. Se a sua árvore estiver em um tronco visível, ajuda a tornar o topo do tronco mais próximo desta área de sombra, um pouco mais frio e mais escuro. E o fundo da sua árvore, na verdade, apenas um pouco mais quente e luz mais leve virá através desses galhos no fundo da árvore. E isso indica um pouco dessa dimensão e um pouco desse destaque. Posso adicionar algumas dessas dimensões mais frias e escuras ao lado da árvore que está mais distante da minha fonte de luz. E isso dá às minhas árvores um pouco de forma dimensional. O último elemento que eu gosto de adicionar é um pouco de um destaque quente em algum lugar onde o sol pega o chão plano e objetos que ficam em direção a ele. Você não tem que adicionar este destaque, mas é sempre divertido, eu acho, cair naquele pouco extra de cor brilhante. E realmente ajuda sua pintura a estourar. Experimente você mesmo. Faça suas imagens muito simples e muito factível. Incluirei os mapas de valor, cor e temperatura de cor em seu PDF, bem como algumas composições adicionais sugeridas e esboços preliminares. Você pode usar esses recursos para acompanhar e estruturar um bom estudo caprichoso como este. Estou ansioso para ver o que você cria. 15. Compartilhe seus progressos: Grande parte desta classe é realmente dedicada a explorar os conceitos básicos de cor e iniciar essa relação de longo prazo com a investigação da cor. Agora é a sua vez. É hora de abrir sua guia projetos e fazer upload qualquer trabalho que seja pertinente à cor relacionada a esta classe. Este é o momento para você fazer upload suas mini-pinturas resultantes de nossos experimentos com sob pintura. Assim como suas amostras. Experimenta fazer transições entre uma cor e a próxima. E experimentos em justaposição, camadas e empilhamento de cores. Seus colegas estarão junto para oferecer incentivo e feedback. E eu mesmo mal posso esperar para ver o que você fez. Este é também o momento perfeito para fazer upload seus estudos de cores caprichosos e abstratos inspirados na minha pintura altamente estilizada de pinheiros. Entre sua compreensão de valor e composição, bem como de cor, você está agora completamente pronto para enfrentar o desafio de sua primeira pintura paisagística. 16. Pintura de paisagem com travamento em pintura de paisagem: Parabéns a todos. Através dos últimos exercícios e pinturas práticas divertidas, você agora ganhou as habilidades e o domínio dos conceitos que você precisa para pintar uma pintura paisagem impressionante. É hora de sintetizar tudo o que aprendemos e levar nossa visão de seu esboço em miniatura esquelética para seu estado completo concluído. Vai achar mais fácil do que jamais imaginaria. Agora que você tem o que é preciso. Para iniciar o nosso projeto, vamos esboçar informações retiradas do nosso favorito dos nossos esboços em miniatura. E vamos transferir esta imagem para um painel de 12 por 12 ou quadrado de lona. Eu também preparei meu painel quadrado com óxido amarelo. Então, um bom valor médio, cor quente é o meu recomendado sob pintura para sua imagem. Tal como acontece com as peças de treino, estou a esboçar as minhas informações de uma forma muito solta e esquemática. Não estou preocupado com a aparência desses objetos em particular. Tanto quanto eu estou preocupado com a sua colocação e colocando meus objetos dentro de uma regra de terços maneira responsiva que vai funcionar composicionalmente. Estou desenhando com uma cor Neo Solúvel Karen traço em água para lápis. E eu recomendo fazer isso em uma luz ou meio de valor. Depois de determinar a colocação de objetos na minha foto, vou configurar minha paleta para pintar no meu grupo de valores mais leves. Vou pintar isto de uma forma que é sensível ao fato de que é o valor mais leve dentro da minha peça, mas também de uma forma que define a progressão da cor e a progressão da temperatura da cor. Então eu estou colocando para baixo uma cor clara quente, meu pêssego rosa, bem como um pouco de branco. Para aliviar ainda mais o valor. Eu criei uma versão neutralizada oposta dessa cor, neste caso, um cinza muito esverdeado. E essa é a cor que vou usar para a maioria do céu nesta peça. Além dessas duas cores para a progressão do meu céu, estou adicionando um pouco de branco e um pouco de preto. Isso vai me ajudar a ajustar a profundidade de valor enquanto estou pintando o céu. Eu também estou adicionando um neutro quente que se relaciona um pouco com o meu rosa pêssego. Este é um bege um pouco rosa. Então eu tenho um neutro quente que existe um pouco no meio, o calor mais brilhante do meu rosa e o branco e cinza verde. Tudo isso vai passar bem de um para o outro, já que o valor mais leve desta peça vai acontecer no horizonte e a cor mais quente vai acontecer no horizonte em relação ao resto do céu. Eu posso colocar em uma versão muito leve e quente da minha cor principal, rosa para baixo no horizonte. Como eu começar a pintar no céu acima do horizonte e trabalhar o meu caminho para o topo do campo de visão do espectador. No topo da tela. Eu posso adicionar pequenos pedaços da minha cor legal progressivamente. Então eu empilho pequenos pedaços desse verde cinza na minha tinta enquanto eu misturo a cor e começo a adicionar um pouco mais de informação enquanto eu trabalhei meu caminho até o céu. Você vê que esta cor é muito semelhante em valor à cor no horizonte, mas é diferente em temperatura de cor. É mais silencioso, mais frio e mais acinzentado, mais próximo do verde ótimo. Como minha imagem ocorre um pouco mais tarde no dia, começo a aprofundar mais o valor do céu à medida que trabalho minha pintura para cima em direção à margem superior do meu painel. Há algumas nuvens desenhadas no meu céu e, por enquanto, eu decido deixá-las em branco e vazias. Posso abordar a cor, temperatura e o valor que eles precisam ser mais tarde no meu processo de pintura. A parte superior do céu contém o valor mais profundo e a cor mais legal. O preto tem um efeito de aprofundamento e resfriamento na cor. A neutralização do preto será interpretada como um pouco mais fria do que a neutralização aquecida do verde migratório. Quando pintamos, trabalhamos do general para o específico que bloqueamos em nosso grupo um valores no céu. O segundo problema que precisamos abordar é a área de segundo valor mais leve. Quando pintamos dessa maneira geral, isso nos deixa espaço para ajustar as coisas mais tarde em camadas subseqüentes. O objetivo da nossa primeira camada é apenas para obter a estrutura geral geral básica da nossa pintura no lugar. Para pintar o plano de terra que se dirige para o céu em uma orientação horizontal. Estou adicionando verdes quentes e frios à minha paleta. O valor exato não é tão importante porque posso ajustar o valor da tinta como preciso. Eu adiciono um rosa médio e quente à minha paleta, bem como um rosa fresco e intenso. Ambos serão usados para modular as cores que eu adiciono e mudar a temperatura da cor nos casos em que ele precisa ser aquecido. Este tipo de pintura generalizada é muitas vezes referido como bloqueio. Então continuo a bloquear no meu plano terrestre. Começo com o segmento mais leve e legal, o plano terrestre, que é o solo mais distante do espectador. Meu terreno vai ser verde, mas eu quero amortecer a intensidade desta maneira significativa verde, bem como mantê-lo no lado frio. Eu crio uma luz para o valor médio de verde cinza para colocar na parte de trás do meu plano terrestre. Como você vê, isso parece muito cinza no painel, mas vamos ajustá-lo conforme necessário. À medida que nos movemos para o espectador, podemos adicionar um pouco mais concordou para intensificar a cor um pouco. Você verá que ele ilumina, aquece e ilumina à medida que nos aproximamos do espectador. Você vai notar uma borda dura entre a minha primeira cor e a minha segunda. E neste momento, este é exatamente o tipo de coisa que não importa muito. Podemos ajustar coisas como bordas, o tipo de marca que estamos fazendo, texturas. Todas essas coisas podem ser alteradas em camadas subseqüentes. Agora, quero acompanhar o valor e a temperatura que preciso pintar. Para aquecer este verde, adiciono um pouco de rosa, que é a cor oposta do verde. E, portanto, meu verde aquecido ainda está um pouco no lado silencioso. Por enquanto, está tudo bem. Isso me dá uma diretriz a seguir enquanto eu continuo a pintar. Mais tarde. Eu adiciono um pouco mais rosa e um pouco de preto para aprofundar e aquecer esta cor significativamente em direção ao primeiro plano. O terreno mais próximo do espectador vai ser significativamente mais profundo e valor, mas mais quente do que o solo que está mais longe do espectador. Quero que esta área seja sombreada a luz do sol. E então, para inventar uma cor de sombra viável, eu vacilo entre o verde. Rosa fresco e um pouco de preto para chegar a um bip, neutralizado, mas ainda mais quente cor sombra. Não precisa ser uma cor quente, simplesmente tem que ser mais quente em relação às cores por trás dela. Isso faz com que essa pequena área em primeiro plano se torne mais próxima de nós do que todas as cores no fundo. Eu agora consegui bloquear e o plano terrestre e o plano do céu. Agora preciso bloquear o chão irregular das minhas colinas distantes. Isso apresenta um pequeno desafio de valor. Preciso que o valor seja um pouco mais leve do que o primeiro plano. Porque a atmosfera e seus efeitos nas colinas mais longe de nós contra o solo ligeiramente inclinado em nossa direção. Esse diferencial vai ser expresso pelas colinas distantes sendo um pouco mais leves em valor. No entanto, as colinas distantes também precisam ser um pouco mais escuras em valor do que o solo diretamente à sua frente, uma vez que reflete o céu mais diretamente. Eu crio um cinza meio legal legal para os infernos distantes. E eu posso ajustar essa cor mais tarde e alterar alguns dos valores dentro da estrutura mais tarde. Por enquanto, acho que é uma relação razoável entre as colinas distantes e a área sombreada em primeiro plano. Assim, os três primeiros grupos de valores, 123, foram todos bloqueados. Agora é hora de pintar as verticais que estão perto de nós, as árvores em primeiro plano. Estes vão ocupar o valor mais profundo e sombrio da minha tela em um todo. Eu quero criar um valor sombrio que ainda não é o valor mais sombrio absoluto que eu posso fazer, porque talvez eu precise sombra algumas áreas dentro dessas formas. A luz no final do dia é quente como sugerido pelo rosa no meu horizonte. Então minha área sombreada será legal em relação às áreas quentes da minha pintura. Eu criei um verde muito neutralizado, acinzentado, mas o tom na base para esta cor ainda é a minha tinta verde azul profundo. Isso dá a essas árvores uma aparência sombreada legal em geral. Eu continuo meu valor sombrio em uma área sombreada atrás de cada árvore, frente para o sol longe do espectador. Então eles lançaram um pouco de sombra em nossa direção. Conectando a sombra às árvores um pouco visualmente. Isso os impede de se sentirem como se tivessem sido jogados para baixo alegremente no topo do chão. Começa a sugerir a ideia de uma relação de transição entre o tronco e o solo e um pouco de folhagem que chega em direção à árvore. As bordas na natureza não são duras e limpas. Então, estabelecer esse relacionamento vai me ajudar a continuar com essa ilusão enquanto continuo minha pintura. Agora bloqueamos completamente nossa primeira camada. Considere tirar uma foto rápida de sua pintura com sua câmera. Às vezes, olhar através do meu visor no meu telefone me faz um pouco distante da minha peça e eu sou capaz de ver coisas que funcionam e ver coisas que podem não estar funcionando. Este é um ótimo momento para ajustar quaisquer valores que realmente não seguem a estrutura de valor que temos estabelecido em nossos mapas até agora. 17. Pintura de paisagem para desenvolver a imagem: Se o processo de bloqueio em nossa pintura é muito parecido com o uso de um mapa, então o processo de pintura em cima dessa camada bloqueada é como ter uma boa conversa com seus companheiros de viagem. É um para trás e para frente e um intercâmbio e uma troca entre as cores e as temperaturas dessas cores. Aproveite o tempo para aproveitar esta parte do processo e definitivamente vê-lo como uma ida e volta. À medida que pinta, pode encobrir certas coisas. Mas por tudo o que perderes, ganharás outra coisa de valor. Podemos usar a estrutura subjacente do nosso bloco e decidir o que precisa acontecer a seguir. Muitas vezes, eu gosto de descobrir algumas das principais formas em primeiro plano. As coisas nesta pintura que realmente vão captar a atenção dos nossos espectadores. E, de certa forma, importava mais. As árvores, como mencionei em nosso estudo de cores, tendem a ser um pouco mais quentes no topo e um pouco mais frias na parte inferior. Além disso, nossa fonte de luz está vindo em nossa direção de cima da colina. Então a forma como essas árvores estão iluminadas vai ser em torno de suas bordas. A parte voltada para o espectador está parcialmente na sombra. Onde quer que as árvores sejam um pouco mais quentes e coloridas, começa a dar-lhes um pouco de dimensionalidade. O ligeiro aquecimento desta cor usando o meu rosa quente está fazendo com que essas camadas apareçam para a frente em direção ao espectador. Isso dá a essas árvores um pouco de sensibilidade tridimensional. Concentre a versão mais quente de Pincus dessas cores em direção às bordas que a pintura deriva da luz solar que vem sobre as colinas. Eu lentamente adiciono mais deste rosa às minhas áreas de destaque e eu aplicá-lo ao chão também. Todas as partes da pintura que enfrentam os sinais vão pegar um pouco deste destaque rosa quente. Observe que eu não adiciono o rosa à minha pintura, mas eu misturo-o nas outras cores relacionadas. Eu lentamente começo a me esgueirar sobre essa idéia de Pinckney, em vez de me aproximar dela de cabeça. Se eu colocasse destaques cor-de-rosa nessas árvores, esse rosa realmente saltaria para a frente ao ponto em que parece estar flutuando e desconectado dos objetos. Ao combinar esse rosa com a cor de base verde escuro com a qual essas árvores são formadas, ele relaciona esses destaques com o objeto em que elas se sentam. Agora adiciono mais verde escuro à tinta para esfriá-la de volta e trabalhar alguns pequenos pedaços de destaque na parte de trás das minhas árvores. Mesmo que essas áreas sejam sombreadas, elas devem ter um valor próximo às partes mais quentes da árvore em direção ao topo. A sombra torna-os mais escuros, mais para a base do que para o topo. E agora eu posso misturar alguns desses diferentes verdes juntos para que a transição entre sombra e luz não seja tão difícil e não tão rápida. Minhas árvores já estão começando a assumir um pouco de uma forma tridimensional satisfatoriamente. E isso se deve principalmente a pequenos ajustes na temperatura da cor através da adição de uma cor quente e complementar. Eu completei o primeiro ajuste na minha pintura, e agora eu estou olhando para fazer outros ajustes em outras áreas. Algo que eu quero chamar atenção é o tamanho do pincel. Na minha primeira camada, usei uma escova plana de meia polegada para todas as superfícies pintadas. Então eu fiz grandes traços que cobriam uma grande quantidade de área ao mesmo tempo. E eu pintei de forma imprecisa nas árvores de primeiro plano, usei uma escova redonda maior, uma rodada número dez ou 12. Então isso me deu a capacidade de cobrir mais área, mas um pouco menos e um pouco mais específica área do que eu fiz na minha primeira passagem. Para entrar nessas áreas mais apertadas a meio da distância do meu terreno plano. E para começar a criar alguns destaques de valor ainda mais leve nesta área que sugere que é planicidade mais. Estou usando um pincel ainda menor, provavelmente cerca de oito ou seis pincel. A cor do chão plano e fica mais quente à medida que se aproxima de nós. Mas também fica mais brilhante e mais intenso à medida que se aproxima de nós. Então eu estou realmente tentando camada em algumas versões mais brilhantes, mais intensas e verdes puras da minha cor principal de cobertura de solo. À medida que trabalho o meu caminho de volta ao fundo e à distância, estou adicionando versões mais frias e mais leves desse destaque, levando essa ideia de volta à distância um pouco. Mas como é iluminado, ele lê como mais para trás do que seria se fosse mais escuro em valor e mais brilhante na cor, as coisas se apagam, iluminam à medida que se afastam de nós. Então, introduzimos mais azul ou mais grau ou essas cores, tornando-as mais legais. Quando você coloca a cor em camadas, você não está colocando cores em camadas até cobrir cada traço da cor base que você bloqueou inicialmente. Você está em camadas vagamente e você está em camadas de uma forma imperfeita. É melhor que sim. Coloque algumas camadas na superfície e depois vá embora. Mesmo deixando suas camadas em um estado um pouco imperfeito. Você sempre pode refinar suas decisões e refinar as informações posteriormente. Essas colinas não são planas, cutucando em nossa direção como um cenário bidimensional. Existem superfícies redondas e planas no topo delas que captam a luz diretamente. Então, Hills são uma combinação de solo angular em um valor mais escuro, mas também versões ligeiramente iluminadas dessa cor angular do solo. E é isso que estou caindo na minha pintura aqui. Para criar esta cor de destaque, eu principalmente aqueceu uma versão da cor inferno principal. E onde o sol pega mais esses itens. Estou criando uma versão ainda mais quente, um pouco mais forte dessa cor. Assim, as colinas são capturadas por este destaque bastante intenso e quente. E é isso que estou tentando apresentar aqui. Alguns desses destaques realmente quentes onde o último pouquinho de sol captura os vários pontos onde minha paisagem se mantém ou as texturas se levantam para atender a luz solar. A meio da distância. Eu uso meu rosa legal para aquecer que já amarelo, verde e é assim que eu chego a essa distância média, tipo de cor de destaque acastanhado. Eu adiciono um pouco dessa tinta à cor da minha árvore, meu tricolor mais quente. E eu levo essa ideia para o topo das árvores. Alguns desses traços e gestos mais iluminados e mais leves realmente dão a idéia de que o sol está pegando as bordas das folhas e as bordas de vários objetos na paisagem. O filho pega muitas áreas diferentes dentro da pintura, mas interage com essa cor um pouco diferente. E todas essas instâncias, as sombras lançadas pelas minhas árvores serão um pouco do lado longo e alto contraste porque o sol é tão baixo no céu. Eu pinto as áreas entre as árvores sombras um pouco de um valor mais leve. Você pode ver que por camadas para frente e para trás, criando diferentes áreas fragmentadas de cores quentes e frias, eu posso começar a achatar a área onde as árvores se sentam um pouco. Eu também decido trazer um pouco dessa sensibilidade rosa muito quente para as extremidades das folhas em meus ramos. Isso ecoa a cor rosa nas colinas e a distância. Trazendo pequenas instâncias da mesma cor em diferentes contextos através do meu Canvas. Posso guiar os olhos do espectador. Nós gravitamos em direção a cores quentes e intensas para que você possa levar seu espectador para dentro e em torno de sua composição criando áreas que eles devem se conectar visualmente. A próxima área de preocupação na minha pintura são as minhas nuvens. Eu começo por bloquear em uma versão da cor do céu que tem um pouco mais de intensidade de cor para ele. Tem valor próximo ao céu ao seu redor. Isso é algo que eu posso experimentar, ajustar e mudar. Enquanto eu continuo a experimentar com a correspondência de cores e combinações de cores na minha tela. Enquanto eu jogo e exploro as possibilidades, eu mantenho algumas coisas em mente. Uma delas é que as nuvens estão sendo iluminadas por baixo, então estruturas mais quentes e mais leves vão ocorrer na superfície inferior da nuvem, em vez de no topo. As nuvens também estão sendo iluminadas por trás e o sol é quente. Neste caso, eu preciso experimentar um pouco com versões quentes e frias de uma cor de valor ligeiramente mais profunda para descrever as superfícies das nuvens que estão mais próximas do espectador. Estas são as áreas mais sombreadas das minhas nuvens. Eu vou e volto adicionando um pouco de rosa ao meu verde, a fim de mostrar esse calor e criar aquela área sombreada. E enquanto eu quero que esta cor seja quente em geral, eu preciso pensar sobre o axioma de ter luz quente e sombra fria. Indo para frente e para trás entre rosa, cinza, verde e branco. Eu realmente posso ajustar a cor e testar cores diferentes para camada nesta parte da minha pintura. Observe que a suavidade das minhas bordas não é criada tanto através da mistura, mas através de manter minha cor próxima em contraste com as cores próximas a ela. Há uma diferença de contraste muito baixa entre uma parte das minhas nuvens e a outra. Se você se sente intimidado por nuvens e sua forma semi-sólida, então é perfeitamente aceitável deixá-las fora de sua composição. Para criar algum interesse no céu, você pode criar algumas áreas onde a transição entre suas bandas de progressão de cores pode ser um pouco mais difícil ou mais aparente versus suave e misturada. Eu encorajo você a começar a pintar em nuvens praticando mais cedo ou mais tarde. Eles estão bem e eles lhe dão muita latitude para diferentes maneiras de lidar com sua dor e diferentes maneiras de experimentar com baixos contrastes na cor. Coloquei um destaque no fundo das minhas nuvens para mostrar onde o Sol realmente captura suas superfícies. Olho para o que tenho e avalio. E sinto que o céu está faltando um pouco de complexidade de cores e transição de cores. O céu tende a ser mais brilhante, mais azul, mais intenso no topo da imagem. Então eu decidi misturar um pouco do meu azul-verde na minha dor e criar um valor um pouco mais escuro. Eu coloco esse valor mais sombrio acima da minha linha de nuvens. E eu sinto que isso realmente dá à pintura uma espécie de profundidade. Pode não ser a lógica perfeita do realismo em ação, mas há uma lógica para este aprofundamento da cor, não se sente mais equilibrado com alguns dos verdes escuros nas árvores em meu primeiro plano. Minha imagem vai de algo que é um pouco baixo pesado para algo que parece um pouco mais equilibrado. O espectador se sente um pouco mais confortavelmente contido. Quando olham para esta foto. Isso demonstra um pouco do papel que a avaliação desempenha em nosso processo de pintura. E também demonstra quão valiosa a vontade mudar de direção espontaneamente às vezes pode ser. 18. Pintura de paisagem com Refo a imagem: Após a sua segunda camada, é hora de voltar sua atenção para os detalhes. Usaremos um pincel menor e traços de tinta mais afinados para adicionar detalhes e especificidade à nossa pintura. Apenas um pouco de camadas extras em cima de nossas camadas anteriores produz grandes resultados. Agora temos uma ideia mais detalhada da nossa pintura. E a partir deste ponto, o que você realmente está fazendo é simplesmente adicionar detalhes, subtraindo qualquer detalhe em excesso que possa ter entrado em sua imagem. E o processo é realmente um processo de edição e refinamento. Então, usando as diretrizes que estabeleci com as imagens que pintei até agora. Eu posso elaborar um pouco sobre algumas dessas idéias. Continuo voltando à ideia de uma conversa entre cores. Este verde quente torna-se um pouco de uma declaração levando aos destaques rosa quentes nas bordas das minhas árvores. Pergunte a si mesmo se essas áreas são planas e cores ininterruptas se beneficiariam de mais detalhes e informações. Pergunte a si mesmo se eles são uma declaração que precisa de um pouco de elaboração nele, e essa é a sua resposta. Isso vai ajudá-lo a decidir o que fazer. Eu não acho que haja uma única pintura que eu já fiz onde eu não tenha acabado adicionando mais detalhes ou mais elaboração em alguma parte dela do que é necessário. E eu não acho que haja uma única pintura que eu já tenha feito onde eu não tenha que me afastar de uma certa decisão que eu tomei em algum momento. Notei que as áreas de sombra dessas árvores não tinham um pouco de frieza e um pouco de intensidade de cor. As escuras nestas árvores são muito quentes. Eu queria acalmá-los um pouco. Então eu adicionei um pouco de um verde mais brilhante, mais saturado e ligeiramente mais azul atrás das sombras imediatas. Não acho que isso seja um impulso ruim, mas não tenho certeza se foi necessariamente pintado da maneira mais eficaz aqui. Isso está tudo bem. Nossa pintura artesanal se cobre lindamente. Esta é uma das principais razões pelas quais me sinto fortemente em começar com um material como este. Em áreas onde descobri que havia um pouco de detalhes demais e um pouco de contraste entre as folhas destacadas e as sombras que lançam. Entro e crio formas maiores com menos transições entre elas. Aquelas árvores não estão exatamente onde eu quero que elas estejam, mas eu não preciso consertar tudo completamente na primeira tentativa. É melhor parar o que você está fazendo e passar para outra parte da sua pintura, ajustando-a de acordo com os valores que você já estruturou. A faixa de topo do céu nesta pintura parecia um pouco desprovida de cor. Esta pintura, ele tem uma paleta geral silenciada. Mas eu não quero silenciar as coisas ao ponto de não haver remuneração e nenhum tipo de deleites visuais para o espectador. Por esta razão, eu adicionei mais de um azul-verde e intensifiquei a cor um pouco acima em direção ao topo do céu. Embora esta não seja a representação mais realista, eu acho que isso faz essa imagem funcionar. À luz desse novo valor um pouco mais leve. Precisava ajustar algumas das minhas sombras e destaques dentro das minhas nuvens. Você vai notar que eu não pinto sobre tudo o que eu fiz. Só adiciono um pouco de informação ao que tenho. E neste caso, usei um pincel um pouco maior. E mantendo minhas aplicações de tinta um pouco grandes e um pouco ousadas, eu realmente suavizei a forma consideravelmente removendo alguns dos detalhes e o contraste entre uma cor e a outra. Eu também decidi trazer um pouco do calor e da cor do meu horizonte, apenas elevando a linha dessa transição e me dando uma desculpa para colocar alguns destaques mais coloridos no meu céu. Parando o que você está fazendo. Colocar a sua pintura verticalmente e ficar atrás dela cerca de cinco ou três pés é algo que não posso enfatizar a importância do suficiente. É incrivelmente útil em vários intervalos eu vou fazer isso. Outra coisa que eu vou fazer para avaliar o que eu estou olhando e o que meu trabalho está fazendo é que eu vou tirar fotos regularmente. Há um fator de distanciamento quando você tira uma foto de sua pintura que realmente ajuda a vê-la de forma unificada para que você possa fazer ajustes e correções que beneficiem a imagem geral. Eu sabia que precisava escurecer algumas das áreas de sombra e aprofundá-las. Mais uma vez, isso é um pouco mais escuro e um pouco mais quente do que eu realmente queria ir, então eu preciso ajustar essa cor um pouco. Sua pintura é um processo de fazer uma marca e, em seguida, responder à marca, fazer outra marca, e, em seguida, chegar com outra resposta a essa marca. Eu continuo voltando para a conversa Eu vou metáfora porque eu acho que é apenas tão apto para este processo. Eu queria mostrar a este segmento onde eu luto um pouco com isso porque eu quero deixar claro que quando eu pinto, eu tendem a empurrar as coisas um pouco. Seria mais fácil, eu acho, deixar isso do jeito que estava e possivelmente evitar correr para alguns dos meus problemas de temperatura de cor aparecem na frente. Mas eu acho que, às vezes, dada a escolha de tentar algo e ter que repintá-lo contra não ter tentado. Eu acho que a lição mais valiosa existe para nós em fazê-lo e ter que desfazê-lo. Também é importante não colocar toda a pressão em cada pintura que você faz. Quero falar um pouco sobre o conceito de pressionar uma pintura. Não pressão sobre nós mesmos, mas pressão sobre o trabalho. E o que eu quero dizer com isso é que às vezes eu acho que os pintores prematuramente decidem que eles querem pintar uma certa imagem e decidir em suas cabeças e avançar como eles querem que ela se pareça. E um pouco antes de suas habilidades terem realmente apanhado a fazer todas as coisas diferentes que eles querem realizar. Eles entrarão em uma situação em que pintam a pintura. E há tantos problemas e desafios encontrados ao longo do caminho que precisam ser rastreados e pintados. Que eles desenvolverão uma relação realmente intensa, muito longo prazo e um tanto frustrante com esse trabalho. Então, eventualmente, sim, ele vai ser pintado e é lindo e você nem necessariamente vê todas essas lutas. Mas sinto que o valor desse tipo de pintura é uma coisa. E é algo que eu acho que todos nós temos como um tipo de fantasia ideal artístico alimentado para nós. Esse é o tipo de narrativa. Os artistas lutam com seu trabalho, certo? E eles empurram e terminam, não importa o que aconteça. E agora é uma obra-prima. Fora dessa narrativa. Eu acredito que é muito mais valioso para fazer 51 horas ok, pinturas. Então é para fazer 15, nossa boa pintura, a 51 hora. Ok. As pinturas contribuem muito mais para o meu corpo de conhecimento do que as dez horas ou 30 ou 100 horas de trabalho. Esses trabalhos são apenas um campo de testes para sintetizar todas as coisas que aprendi fazendo algumas pinturas boas. Então defina esses temporizadores e não se preocupe com isso. E às vezes ser muito, muito mau para si mesmo e definir o temporizador e você é feito depois de uma hora, quer você goste ou não. Eu sinto que há algumas lições realmente valiosas nisso. Especialmente se você é um iniciante e está procurando desenvolver uma prática e desenvolver um conjunto de habilidades e desenvolver. Isso tem sido muito importante para o meu desenvolvimento. Então eu queria falar sobre isso porque eu não acho que essas 5 horas tipo de ok. As pinturas são super visíveis. Eles não são o tipo de coisa em que eu penso, eu acho que não-artistas e artistas iniciantes realmente são ensinados a identificar o trabalho como esse e entender o papel que ele desempenha. Tenho a tendência de pensar em algo, ver algo no meu trabalho, e depois decidir abordá-lo. E minha filosofia é ir em frente e se não funcionar, então ajustar. Você meio que entende isso de assistir isso e estar junto nesta jornada até este ponto. Então, o que eu notei quando olhei para isso e avaliei foi que a área de sombra tinha se tornado um pouco quente versus legal. Então eu senti que eu queria corrigir a falta de frieza na parte de trás dessas árvores, o espectador de frente para parte dessas árvores. Então, quando eu digo de volta, quero dizer que as costas para o Sol afetam a, a parte desta árvore que vemos. Eu conceituei que eles estão de volta como outros olhando para a distância. Então senti que a sombra tinha perdido o mandato de ser uma luz fria e quente. E eu também senti que essas árvores na frente, nós estamos faltando um pouco de intensidade de cor que eles deveriam ter, mesmo na sombra, mesmo na sombra, que as coisas próximas a nós são mais coloridas do que as coisas mais distantes. E eu meio que perdi essa filosofia quando pintei isso. Então, para corrigir. Eu entrei e misturei um azul influenciado, mas um pouco mais brilhante verde para brincar e apenas trabalhar em algumas dessas, essas massas. E, de certa forma, sinto que isso foi bem sucedido e, de certa forma, menos bem sucedido. Mas passei algum tempo resolvendo esse problema. Ver se eu poderia fazer transições entre minhas escuras quentes e minhas escuras frias que me pareciam satisfatórias. Estas sombras são um pouco mais quentes do que eu gostaria que fossem. E a temperatura da cor importa aqui. Mas o mais importante é o valor. Então este escuro realmente profundo é, na minha opinião, apenas um pouco escuro demais, introduzindo apenas um toque do meu tricolor principal de volta na mistura de preto escuro e sombra cor, eu sou capaz de obter um cinza que atinge um escuro mais apropriado para que a forma de transição entre a sombra e o objeto que lança a sombra, essa transição se torne um pouco mais suave, um pouco mais convincente e um pouco mais satisfatória. Esta é uma fase mais analítica da pintura. Mais uma vez, para voltar a essa metáfora de conversação, este é o momento de ter certeza de que você está ouvindo. Certifique-se de que você está colocando esse trabalho contra a parede e recuando para que você esteja em um relacionamento com ele, não apenas como o pintor e o autor da obra, mas também como um espectador. Tirar o tempo para ver o que estás a fazer compensa. Você notará áreas que poderiam ser melhoradas. Senti que a árvore no meio se inclinou um pouco demais, e eu queria dar um pouco mais de informação à esquerda para contrabalançar que se inclinam pelo menos um pouco. Uma sombra quente à esquerda, onde o sol não está atingindo o item diretamente, mas brilhando através das folhas que são retroiluminadas realmente ajudou estes se tornarem mais dimensionais e apenas se tornarem uma pequena área agradável de remuneração visual. Não é uma cor brilhante, mas é uma cor quente. E eu acho que esse pequeno ajuste realmente faz a luz parecer mais real do que sem ela. Observe como é simples e de ajuste. Realmente não é muito esforço e não muito detalhe e especificidade nele. A especificidade está na cor exata que usei. Último. Eu gosto de adicionar um pouco de um ponto quente no meio da distância do terreno plano. Então, em algum lugar onde minha cor fica mais quente. Acho que isso acrescenta um pouco de dimensão ao trabalho. E isso realmente reforça a idéia de que essas árvores são tipos de personagens que se afastam de nós e olham para a distância como se estivessem de fato em uma forma de diálogo entre si. É hora de dar mais uma olhada, recuar, avaliar, e perceber que, na verdade, estamos acabados. Agora é a sua vez. Reveja os exercícios, experimente algumas imagens de estudo preliminares para obter uso para valorizar a sensação de tinta e diferentes abordagens para a cor. Em seguida, selecione uma cor. Crie agrupamentos dessa cor e seu oposto. Adicione preto e branco. E vá em frente e dê-lhe uma imagem como esta, uma tentativa. Lembre-se, você começa a fazer isso uma e outra vez quantas vezes quiser e se divertir tanto quanto possível fazendo isso. Faça anotações das coisas que você vai notar na pintura. As cores que você gosta, as relações de cores que te intrigaram. O jeito que você gosta de pintar o assunto. Formas e padrões que você encontra gravitando sem pensar muito nisso, salve sua mentalidade analítica. Para o estágio de terceira camada, como você começa a adicionar detalhes e avaliar a estrutura geral do seu trabalho. Quando você se afastar. Sei que vai gostar de criar pinturas como estas várias vezes. E eu só quero que você saiba como estou muito feliz agora em recebê-lo na oportunidade de diversão, investigação e prazer de uma vida inteira na pintura paisagística. 19. Resumo: Parabéns a todos. Com seu novo conjunto de habilidades, você poderá postar uma bela imagem de paisagem completa de 12 por 12 na aba Projetos na página da classe. Estou ansioso para ver todas as suas criações. Só queria agradecer mais uma vez. Você se juntou a mim em uma classe bastante extensa e nós cobrimos um monte de habilidades diferentes, um monte de novas métricas diferentes, e um monte de diferentes novos conceitos chave. Então, espero que todas essas coisas o sirvam e sirvam muito bem ao seu trabalho. Se você tiver alguma dúvida, se houver alguma coisa que precise de esclarecimento, por favor, publique nesse sentido na guia de discussões. Estarei a vigiá-lo e procurarei as vossas perguntas e quaisquer pontos, ou poderei entrar e esclarecer tudo o que possa ser um pouco confuso mais tarde. Espero que você tenha achado isso valioso e se você gostou desta aula, considere deixar um comentário para esse efeito. Ajuda muito o canal e ajuda-me a sair. Se você quiser ter certeza de que não perde novas aulas ou novos conteúdos à medida que são adicionados ao canal, clique no botão Seguir e você será adicionado para receber notificações. Eu me diverti muito pintando com você hoje e estou ansioso para pintar com você novamente. Até lá, cuide-se, mantenha-se seguro, sejam bons uns com os outros, e divirta-se muito pintando.