Apreciação da música clássica: parte básica 3 e 4

1. Apresentação: Nesta terceira seção do curso, abordaremos alguns termos que são a gravação, que são importantes. Passando pela música clássica. Eu já usei algumas delas, então é bom entender melhor o que abordamos nas últimas palestras. Será uma parte bastante informativa. Haverá noções, haverá guerras, haverá informações em geral, nem tanta música e, desculpe, depois disso, Bruckner, isso pode não parecer tão empolgante. Ainda assim. É, é, é um bom investimento de tempo e economizará tempo no futuro. Vamos falar diretamente sobre isso. O primeiro termo que precisamos aprender é movimento. O que é um movimento? Eu já usei hoje essa palavra várias vezes. Podemos definir o movimento como uma peça secundária. A maioria das peças de música clássica são bem grandes e divididas em várias, geralmente três ou quatro, mas nem sempre peças menores. Isso significa que eles não vão do começo ao fim sem interrupção. Por outro lado, eles são divididos em outros menores. Por que isso foi inventado? Porque durante o período barroco, uma peça inteira que pode durar dez, 15 minutos, como muitas peças barrocas, tem integração média. Sem nenhuma mudança na velocidade de finalização o personagem foi considerado chato, não atraente, atraente. É por isso que uma peça que tinha, por exemplo 10 minutos de comprimento e em vez de 10 minutos rápida ou lenta, foi dividida em três peças menores com a fórmula comum de rápido, lento, rápido. Então, aquela peça em vários momentos diferentes com várias características diferentes. Mais doenças, mais material e a experiência musical geral foi mais variada e mais interessante. Quanto mais tempo passava a reivindicação do movimento único, mais atenção, mais espaço, e as peças começavam a aumentar em duração. É por isso que, se for Concerto, veremos essas palavras mais tarde. Um concerto barroco, por exemplo, em média, tem 10 minutos de duração. Entrando no período clássico, o mesmo tipo de composição duraria de 20 a 30 minutos para lembrar isso à medida que avançamos em direção à marca dos quatro minutos e assim por diante. Como os movimentos individuais se tornam vez mais importantes, eles exigem que os compositores queiram dar a cada um deles uma boa atenção e ampliam a vida útil de cada um deles. Agora, movimento é algo que veremos muito. Schumann, foi o primeiro movimento de todo o concerto no ar livre. Foi o fim do primeiro movimento da sinfonia. Então, isso está basicamente tudo acabado. Então. Algo como interruptores realmente não pertence ao tópico básico. Mas eu mencionei isso falando sobre romantismo anteriormente. Então eu acho que é justo explicar o que isso significa para você. As expressões, a música absoluta e a música programática. Coma uma pizza. Em geral, na música clássica, tinha que ser qualquer um dos dois. O que eles são? Portanto, música absoluta é a peça musical genérica que realmente não tem nenhuma referência a qualquer outra coisa. A música em prol da música, máscara de sapato, concerto para piano, sinfonia de Bruckner e cada uma das sinfonias de Bruckner. Música absoluta. Porque eles, eles, eles são, o conteúdo musical é tudo o que importa. Não precisamos conhecer nenhum tipo de inspiração fora dela na literatura, em outra coisa. É apenas a música por si só. E a música é o objetivo final. Não há interferências, interferências, interferências de outras artes ou outras disciplinas na música de programas, é o oposto? Uma peça musical de programa é sempre inspirada. Descreve ou conta a história. História retirada de outra coisa que não é musical, por exemplo , o híbrido é, como vimos no curso anterior, uma peça musical de programa. Eu tinha que contar a história da inspiração da caverna dos dedos. Nos dedos, a caverna que Madison tinha em sua jornada. É uma peça sobre um lugar. Um lugar não é algo musical. A música se relaciona com isso. Isso faz da música do programa uma peça musical que pode contar uma história. Portanto, é narrativa, pode ser inspirada em um poema. Então, ele tenta expressar o conteúdo do poema com o som e assim por diante. Eu mencionei no capítulo sobre romantismo, porque durante o Romantismo o uso do programa se torna cada vez mais importante. Sempre esteve lá, honestamente. Mas no romantismo, o romantismo, ele assume o controle. E mesmo sendo música absoluta, aço ainda é muito importante e sempre será a maior parte da música, produção musical, a música de programa está lá e ganha importância. Nós o encontraremos muito nesse século XIX. Agora, vamos apresentar o corpo principal desta seção, que abordará os gêneros mais importantes e comuns. Gêneros que eu pratiquei antes de filmar a pronúncia dessa palavra, mas minha boca italiana realmente não é generosa. Ainda assim, o que é gênero suspenso? É uma espécie de peça. Cada peça tem características diferentes. E cada peça pertence a uma categoria que se baseia principalmente nos instrumentos ou vozes envolvidos em tocá-la. Portanto, a formação de uma peça, a reforma dos jogadores, é o que define a identidade da peça. Veremos, nas próximas palestras, as próximas palestras. O mais comum e as características dos gêneros mais importantes da música clássica. Você provavelmente já tem alguns deles em seus ouvidos. Sinfonia, concerto, sonata, são palavras bem famosas se você gosta um pouco de música clássica, se não gosta, nós as veremos. Portanto, sem problemas. Portanto, antes de analisá-los um por um, é importante aprender agora que todos os gêneros pertencem a uma das duas categorias principais. Essas categorias são música de câmara e música completa. A música de câmara trata de pequenas formações. Então, um punhado de instrumentos com vozes mistas, talvez algumas que tocam instrumentos, já que são iguais. Para isso, música completa. Por outro lado, as feições, as grandes formações e, claro, devem ser executadas em um grande salão. É por isso que tem esse nome. Agora, também nos relacionamos e isso será muito importante para o conteúdo do cronograma que abordamos anteriormente. Se você ainda não deu uma olhada, por favor, faça. O cronograma é o mais importante. E porque precisamos nos relacionar com o contexto cultural para entender realmente por que alguns generosos se desenvolveram de uma certa maneira. Então, vamos, vamos entrar no chá. Partimos do pequeno para ir progressivamente em direção às formações maiores. Então, começamos com música de câmara. 2. Sonata e suíte: Na palestra anterior, eu disse que nos relacionaremos com os períodos da linha do tempo para entender a evolução e o nascimento, primeiro dos diferentes gêneros. Devo dizer que Barack é um pouco problemático nisso. Por quê? Porque é um pouco anárquico nesse sentido e em muitos outros, muitos outros lados. Não havia muita comunicação entre diferentes partes da Europa. que significa que os nomes dos gêneros também eram arbitrários, eles, não havia uma forma comum de chamar, nomear as peças. Isso significa que se um autor inicialmente chamasse o concerto de algo na Alemanha ou na França, ele poderia ser nomeado de outra forma. E isso é algo um pouco intrigante. No classicismo. Temos a primeira padronização dos periódicos e de muitos deles, que depois se estabeleceu como a mais importante, a mais importante até a era moderna, onde somos colocados nesse estado e codificados pelo classicismo. Durante o classicismo, ainda no barroco, já temos algo que nasceu e que durará basicamente por toda a história da música. O principal, um desse conjunto de gêneros é o. Então, agora, o que é a Sonata? Sonata é uma peça de proporções muito pequenas em termos de formações, que a toca, a toca. É uma peça para um ou dois instrumentos , dividida em três ou quatro movimentos, janeiro, mas esse não é um número fixo. Não estou dizendo, por favor, esteja atento pois cada peça para um ou dois instrumentos deve ser uma sonata. Há outros gêneros secundários, especialmente, eu diria, especialmente durante o Romantismo e também em Barak. Que não são sonatas e aço apresenta essa pequena formação, um ou dois instrumentos. Aço, com certeza. Sonata é sempre para um ou dois incidentes. Quando você vê a palavra sonata, é isso que você deve esperar. Agora, essa sonata dura toda a história da música, é claro que ela muda ao longo de muitos séculos. Ele é composto e usado por autores. No sensor barroco. Normalmente temos um instrumento melódico, que muitas vezes é o violino, mas não precisa necessariamente ser avaliado. Que é uma campanha de um instrumento harmônico, que pode ser um instrumento de teclado. Às vezes, o instrumento do teclado é dobrado por outro instrumento baixo de reforço, mas isso nem sempre está lá. É quando a sonata é para instrumentos verdadeiros. Quando é para um, maioria das vezes temos instrumentos de teclado. Mais tarde, a sonata para dois instrumentos muda um pouco. Durante o período clássico, pela mão de Beethoven. Os dois instrumentos ganham a mesma importância. Não é uma lista sólida com o acompanhamento. Mas geralmente, novamente, o piano é, na maioria das vezes um instrumento de teclado e um violino melódico, violoncelo ou qualquer outro, honestamente, que estão no mesmo nível de importância. Isso é algo importante porque, se você ouvir a sonata de Bach, é completamente diferente de forma expressiva. E o equilíbrio entre os dois instrumentos com um romântico, quando o piano e o outro estão, têm o mesmo peso. Por assim dizer. Antes de prosseguir com os principais generais das aulas , começamos as aulas em, em seguida, eu mencionaria outra música de câmara barroca, janeiro, que está principalmente na categoria de música de câmara. Nem sempre. É. O doce. Sweet é totalmente Barak. Não, morre com Barak. Quando você cruza a palavra doce. Em outro período, especialmente no final do período romântico, isso significa algo pessoal. Então, por favor, não se confunda. Lamento que às vezes na música clássica as mesmas palavras sejam usadas para várias coisas. Mas é por isso que precisamos ser precisos. A suíte barroca é uma peça musical dividida em vários movimentos, que tem a característica que cada movimento é uma dança. Isso não significa que foi feito para ser dançado. De jeito nenhum. A suíte é destinada apenas para fins de escuta. É música de dança. Sem nenhum dançarino. Música de dança, que deve ser ouvida e apreciada como qualquer outra peça musical. Normalmente, a suíte é uma peça de música de câmara. Significa para uma formação pequena, mas nem sempre, por exemplo, Johann Sebastian Bach escreveu um punhado de ótimas suítes para orquestra. Então, isso significa um maior. Além disso, devo dizer que, antes de prosseguir, em um Baraka, a fronteira entre a música de câmara e a música inteira não é essa. Esse é o porta-malas, como será mais tarde. Por quê? Porque essa diferença , que não está apenas nos números , mas na mentalidade e na concepção, especialmente da música de câmara, não estava realmente presente. E também porque as orquestras barrocas normalmente não são tão grandes, elas estão um pouco intermediárias. Eles são, geralmente são chamados de orquestra de câmara. Orquestra, que é algo entre toda a energia e a formação da câmara. Talvez formação de dez a 20 pessoas. Exceto quando há um curso envolvido. Então, muitas vozes , é claro que a orquestra tem que ser maior. Mas normalmente para orquestras de música puramente instrumental e nunca embarcamos. Agora, me desculpe, isso foi, talvez tenha sido um pouco confuso. Infelizmente, porque Barack é, a coisa mais importante que abordamos nesta palestra é a Sonata. Lembre-se da Sonata, para um ou dois instrumentos divididos em 34, geralmente em movimento. Ou seja, essa é a coisa mais importante, que vale a pena lembrar. Todo o resto fará sentido quanto mais adquirirmos experiência com a audição de música clássica. Em geral, eu não ouviria exemplo que correspondesse a essa parte porque encontraremos muito esses zeladores e agora não é obrigatório prolongar cada palestra. Colocar nele 2 minutos de música só para, só por causa disso, soa assim. Agora, passamos para o conceito muito importante de música de câmara clássica, que é algo real ou doce no sentido, no, em termos culturais. Esse é o chocolate mais doce , uma coisa muito, muito boa e algo que produziu e deu a ela a chance de produzir boa música. Nós vemos isso agora. 3. Música de câmara clássica: Como já mencionado, durante o período clássico. Então, estamos na segunda metade do século XVIII, a música de câmara ganha um significado completamente novo. Especialmente, ou pelo menos a partir da cidade em que moro. Y, y, em Viena. Algo novo começa. Havia aqui condições sociais muito particulares e únicas , com o prazer da relação entre as pessoas comuns, a população e a música. Aqui em Viena, havia um número sem precedentes de músicos amadores. Muitos, muitos, muitos milhares de oito, com certeza, centenas, provavelmente milhares de pessoas que não eram músicos profissionais gostavam de tocar música em seu tempo livre. E a música era vista como uma ferramenta social requintada e muito eficaz. Era muito normal passar uma noite com amigos terminando depois jantar tocando música juntos. Foi considerado parte dos rituais sociais de passar bons momentos juntos. Novamente, isso determina uma demanda muito alta de música de câmara durante esses anos. E é por isso que o grande compositor que já encontramos várias vezes hoje, Franz Joseph Haydn, com um dos principais fundadores do classicismo na música, forjou esse novo tipo de música de câmara, que responde às necessidades desse público em particular. Então, como é essa música de câmara? Então, antes de tudo, a música de câmara é, obviamente, uma variedade de formações. Começa com a Sonata , a mais pequena com um ou dois instrumentos, e vai até oito, aproximadamente oito instrumentos. Peças de aço para seis ou mais instrumentos não são muito comuns, especialmente nos anos clássicos. Por quê? Porque eles causam problemas práticos. Nem todos os quartos. A música de câmara era tocada em, em, em particular, em casas particulares. Era grande o suficiente para tantos instrumentos e também para o público, que obviamente era muito pequeno. Além disso , encontrar tantos músicos necessários para tocar uma peça, 468 instrumentos não foi fácil. É por isso que as formações preferidas eram três ou quatro instrumentos. Foi um número justo, um bom compromisso entre as condições práticas e a riqueza das possibilidades que essa formação proporcionou. É por isso que os dois principais gêneros da música de câmara clássica. E esses dois generais permaneceram importantes também para o romantismo romântico. E um deles está o Piano Trio, que significa piano, violino e violoncelo, e especialmente o quarteto de cordas. O quarteto de cordas é o gênero de música de câmara por excelência é o mais importante. A formação com quatro instrumentos de cordas, seja, violinos verdadeiros, uma viola e violoncelo, é vista pelos compositores, tem a formação perfeita porque lembra a corda vocal para homens baixos e duas mulheres altas. Os dois violinos são soberanos, Alto, e os dois viola e violoncelo, tenor e baixo, as vozes masculinas sapatadas. E isso cria uma imagem de perfeição de baixo a alto, com o primeiro violino, que é o mais alto, a criança, que é o mais baixo, que tocou papéis extremos. E o segundo violino que toca mais baixo que o primeiro. A viola, que são as partes internas, cobre todo o espectro do som e o som como um grande instrumento, porque o som dos instrumentos de corda é muito parecido, embora seja de cabeças diferentes. E isso é, isso é sentido como possibilidades infinitas. E então um instrumento perfeito. Agora, quais são as características da música de câmara clássica. Eles foram feitos para serem perfeitos para o ambiente em que foram jogados. Música clássica, câmara, peças clássicas de música de câmara mímica, uma conversa altamente refinada, educada , elegante, com T e uma conversa inteligente. Como uma fonte em um evento social, quando um grupo é aquele grupo de vozes conversando, temos um grupo de instrumentos passando um verão inteiro, saudável, não pretendido em um sentido moral, mas depois em uma conversa agradável e acelerada. É por isso que as funções dos instrumentos são iguais. Não há instrumento mais importante do que uma resposta. Da mesma forma, quando é, quando, para as pessoas, o hábito é conversar em conjunto. Haydn, o aço tem o hábito de dar ao primeiro violino um pouco mais de importância do que aos outros três. Mas ele também era violinista. Mas de Mozart sobre os quatro instrumentos e com outras formações, ainda assim, todas as mais antigas. O número dos instrumentos tem a mesma importância. Isso é uma coisa típica muito clássica. A conversa é que, embora seja refinada e, embora não seja vulgar, costuma ser um pouco frívola. Por quê? Porque é uma maneira excelente de passar tempo juntos. Não deve ser sublime. Não deve ser inesquecível. Nem um pouco para o espírito racionalista clássico. Isso não é necessário. Essa ideia ou de que cada obra de arte deve ser única, deve ser super significativa, deve ser memorável, é típica romântica nascida de Beethoven e especialmente tida em alta consideração pelos românticos. Aqui. Aqui estamos em um tipo diferente de sociedade. A visão da música é diferente e, especialmente, a visão da música de câmara é diferente. Para o clássico. Intelectuais clássicos. E os artistas são intelectuais nesse sentido. Ser frívolo não é algo necessariamente ruim, desde que a conversa seja inteligente , interessante e não vá até um laboratório vulgar. Você pode, você pode ter momentos incrivelmente artísticos, mesmo sendo frívolo. Além disso, porque são todos um pouco frívolos. Esse é o espírito da música de câmara clássica. É o primeiro público da peça. Enquanto estão sendo tocados, os próprios músicos se divertem tocando juntos. E também geralmente há um pequeno público dos outros convidados, das famílias e assim por diante. Esse é o meio ambiente. Nós estamos dentro. Uma sala como essa é a que eu estou, é fácil usar espaço para tocar música de câmara. Esse é o espírito, então, de Beethoven em diante, como muitas outras coisas, isso começa a mudar. Agora, desta vez, eu gostaria de dar um exemplo, porque como isso soa é importante para entender realmente o espírito disso. Então, vamos ouvir novamente um pequeno trecho, como sempre, de um quarteto de cordas de Haydn. Haydn escreveu mais de 70 quartetos de cordas. Ele é o mestre do quarteto de cordas. E ouça como isso realmente se parece. Encontre momentos sociais. Agora você vê, você vê com certeza como isso realmente se assemelha a um diálogo, uma conversa, e como o tipo de retórica de perguntas e respostas é tão importante aqui. Em geral, a música é baseada no padrão de perguntas e respostas, na ação e na reação que são cruciais para mim. Mas aqui isso está realmente tudo lá e confuso. Como dois. Para completar o quadro, é claro, eu mencionaria o fato de que o trio de piano e os quartetos de cordas são os tribunais mais distritais os gêneros mais importantes. Mas pode haver muitos outros com qualquer mistura de instrumentos. Realmente não há regras. Temos um quíntico, o sexo em que um octeto é um 568 instrumentos. Sete basicamente nunca está lá. Eu diria que quase nunca. E é assim que o conceito moderno música de câmara, esse tabuleiro. Agora vamos dar uma olhada no romantismo e ver brevemente como, no século seguinte, essas mudanças dielétricas mudam. 4. Música de câmara romântica: Continuando. Com o tempo, a sociedade muda. Música, mudanças, arte em geral e a concepção de arte para mudá-las, essa forma de conceber a música de câmara que vimos durante os anos clássicos em Viena, especialmente, mas é claro que ela foi exportada não poderia durar tanto tempo. No século seguinte, no século XIX, essas mudanças, primeiro vem Beethoven, que recusa esse conceito de conversa refinada, mas um pouco frívola, de jeito nenhum. Para a versão beta de cada peça musical. Objetivo principal para isso. Ser sublime, ser inesquecível, contar a história de toda a ala e abraçar o mundo inteiro. Obviamente, isso contrasta com o que estava lá, mas seremos escolhidos por muitos compositores românticos como modelo, mesmo para a pequena formação. Isso pode se relacionar mais naturalmente com o mundo da grande formação, grandes orquestras, composições que criam uma parede de som que transmite essas grandes ideias. Mas ainda assim Beethoven e alguns de seus admiradores no período romântico. Ainda tentamos conseguir isso, mesmo com números pequenos. 24 instrumentos tentarão tocar como um ocre. Então, com a mesma força de uma orquestra e a mesma roda de abastecimento e terra. Este é com certeza um fluxo de música de câmara que existe no romantismo, mas não é o principal. Há algo mais que substitui a conversa refinada que temos durante o classicismo. E é a busca, a pesquisa para a Teamocil. Isso é algo típico do romantismo. A música, a música de câmara, parece ser para todos, um produto para consumir, que, com certeza, no classicismo, era vendido e consumido. Realmente. Isso não significa que era um pneu menor de arte, de jeito nenhum, mas poderia ser uma arte maior, mas ainda assim foi produzida para ser, para ser vendida e apreciada pelo público. Durante o romantismo, isso realmente acaba. O romantismo é por si só mais militar. O círculo ao redor do artista é pequeno, massa seja pequena, porque você pode entender essa vida interior, as lutas, a fantasia e a imaginação do romântico. Romantic já sabe que está escrevendo para algumas pessoas escolhidas. É por isso que a música de câmara também, tamanho ainda menor, visa criar uma atmosfera íntima, conexão interna entre os jogadores, que são mais do que os protagonistas dos personagens principais da conversa. Eles são a voz do autor. E esse público pequeno, pequeno e final escolhido. Em equipe no miasma é o termo que usamos para definir essa tendência que produz tantas obras-primas de nossas peças que são realmente de tirar o fôlego. Chapin é certo, com a produção totalmente dedicada ao piano. Então, apenas um instrumento é o mestre disso. Mas não só Chapin, há um gênero típico do romantismo, que retrata o melhor da intimidade, é o protagonista alemão. Chumbo em alemão significa Sanger. E isso é o que é elite. Uma música para uma voz, que pode ser masculina, feminina, qualquer que seja. Normalmente, o mesmo protagonista pode ser cantado por um homem ou uma mulher. Está tudo bem. Portanto, não é dedicado a uma voz, em particular, a um piano. Piano ou combinação e a voz cantando uma música simples. Muitas dessas peças românticas de intimidade são menores. Tudo o que mencionei durante o classicismo, o quarteto de cordas do Piano Trio, que continua no romantismo, dois, são divididos em movimentos, geralmente para. O que significa que são peças bem grandes. Ainda assim. Mesmo na atmosfera de nossa conversa que vimos durante o classicismo e o romantismo, eles ficam cada vez maiores. Portanto, temos o Quarteto de Cordas de Schubert, por exemplo, que tem cerca de 50 minutos de duração com Bramson, romantismo tardio. Peças grandes, 35, 40 minutos, todas, com todos os movimentos, com a duração dos quatro movimentos. Por quê? Tantas outras peças que têm vários nomes diferentes, não as vemos nem a liderança entre elas. Eles não têm vários movimentos internos. Eles não são divididos em pedaços menores. Eles são apenas um, geralmente alguns minutos a mais. Peça, 3 min, 4 min até CS6 ou algo parecido. Eles são entendidos como uma expressão emocional sussurrada combinada com riscos, que também é auxiliada pela escolha de um ponto. Como um líder está afundado e, portanto, temos palavras, o objetivo principal é criar uma conexão forte entre a expressão musical e poética. É um gênero muito poético por si só e é típico. O protagonista alemão é realmente alemão. Em outros países, temos a ópera, que capta música vocal. A ópera, é claro, não pertence à música de câmara, nem à música tradicional. A ópera está no teatro de ópera, na casa de ópera, e é uma categoria própria 0 da Ópera de Paris. Agora, com certeza falaremos sobre a liderança no futuro. Vamos ouvir várias listas porque o chumbo, o protagonista, é a principal fonte de inspiração para o romantismo alemão. Portanto, é algo muito importante. Quase todos, eu diria, cada um sem o, quase todo grande compositor romântico na Alemanha escreveu leader, que é o plural das músicas principais. É um gênero muito, muito poderoso e culturalmente requintado. Agora, rapidamente, como final desta palestra, o que acontece depois do Romantismo? Não há, na verdade, um monte de inovações na era moderna, essa intimidade romântica desaparece, desaparece. As peças de música de câmara perdem um conjunto geral de características culturais, elas permanecem apenas a base para uma pequena formação. A novidade é que o compositor começa a experimentar porque o experimentalismo é a coisa mais comum e importante no novo século. No dia 20. Vamos experimentar uma formação estranha. Formação que não era tradicionalmente cultivada por românticos e compositores clássicos. Veremos com mais frequência misturas de instrumentos de corda e sopro. Vamos procurar instrumentos de percussão entrem na música de câmara, que é muito estranho porque a câmara não é o lar normal dos instrumentos de percussão. Porque eles são irritantes em uma sala menor, em uma sala pequena. Essa é a principal característica da música de câmara do século XX. O lado da câmara. Você realmente deve esperar qualquer coisa que pareça com peças modernas de música de câmara. Agora, isso é para música de câmara. Continuamos falando sobre as enormes formações e seus dois gêneros principais. 5. Sinfonia e concerto: Agora aprendemos sobre música completa, que significa o conjunto de gêneros que apresentam grandes formações, muitos instrumentos ou vozes. Existem dois gêneros principais nessa categoria. Na verdade, existem vários outros, mas eles não são tão importantes e os veremos em cursos separados, um porque é claro que vale a pena, mas agora não vale a pena lembrar muitos nomes, muitas palavras, vamos vê-los. Então, os dois principais são a sinfonia e o concerto. A sinfonia nasce nos períodos clássicos. Na verdade, durante Barack, havia algo escondido lá, algo assim, como a sinfonia. Mas primeiro não se chamava Symphony. E também não é, não era janeiro, que era maduro o suficiente para dizer que já existia no barroco. Nasce com óculos. Foi experimentado na transição entre Barack e o classicismo. E então, nosso habitual Franz Joseph Haydn, novamente, ele o colocou na forma final. Basicamente. Esta forma final é uma peça bem grande para orquestra dividida em quatro movimentos usuais. Os quatro movimentos estão no início, pois foram inventados por Haydn. Temos um movimento de dança mais rápido, lento, em terceiro lugar, e depois um endear rápido, acelerado e excitante. Posteriormente, o terceiro movimento de dança será substituído por outro tipo de movimento. Veremos quando for o caso. Então essa é a escala na espinha dorsal da sinfonia. Permanecerá basicamente assim para movimentos posteriores, o número de movimentos durante o romantismo tardio será, variará um pouco. Mas ainda assim, quatro movimentos são o padrão. Esta sinfonia é uma peça que com certeza é uma das mais pretensiosas. Uma vez. Eu uso pretensioso porque não é uma escolha muito boa porque pretensioso tem um significado ruim, e assim por diante. Não estou disposto a me conhecer o mau significado. Roubar. A sinfonia é um general que logo após seu nascimento adquire uma importância particular. Compositores escrevendo sinfonias. E isso vale para as últimas sinfonias, tanto de Haydn quanto de Mozart e especialmente com Beethoven. Symphony será sempre uma bolsa e uma composição meio grande, enorme tanto em duração, porque com Beethoven radiante, o motor da perna, temos inferência pulmonar. Mas também quer ser uma composição com a qual diga algo inesquecível, que é uma peça desafiadora de ouvir. Você pode comer não é, não é realmente uma peça para alugar. Uma espécie de paz para ouvir enquanto você está distraído ou apenas relaxado, ou apenas os dois, para passar algum tempo sem se concentrar. A sinfonia deles é exigente. É uma marca de nós em janeiro e Beethoven libertou o cara que, quem, que diz isso depois de Beethoven. A sinfonia não pode ser algo esquecível. Pode estar no final, pode ser resolvido, mas na intenção do compositor não. Agora, vamos falar sobre o concerto. Concerto é uma peça em três movimentos, geralmente rápido, lento, mais rápido, fórmula padrão para um instrumento, um instrumento principal e uma orquestra, ou combinando-a. Nisso, que tipo de fórmula ela acabou sendo definida. Como de costume durante o período clássico. Devo dizer que na era barroca, o Concerto já existia. Mas, novamente, no verdadeiro estilo de Barak, foi, e foi muito bem-sucedido, o sucesso da invenção do compositor. As regras que definem o concerto não eram padronizadas e compartilhadas. Em toda a Europa. Isso significa que o número de sólidos, verizon, pode ser um, pode ser verdadeiro três de até quatro, normalmente. E também a orquestra, quais instrumentos estão na orquestra? Qual é o tamanho da orquestra? Cada concerto, cada concerto é diferente. É que a maioria deles durante o Barroco são apenas orquestra de cordas ou incidentes, mas isso não é uma regra. Às vezes tínhamos alguns Wiggins, às vezes dois, às vezes três, às vezes seis. Havia, não havia regras neste censo. É por isso que o conceito moderno de Concerto, eu diria, se repete durante o período clássico, quando o sólido é reduzido. Quase sempre tenho 21 anos é vermelho. E a orquestra que acompanha geralmente é uma orquestra sinfônica. O mesmo tipo de orquestra que encontramos nas sinfonias. Talvez um pouco menor, mas não, não deve ser. Então, isso regenera a contração. A sinfonia a mais importante. Novamente, não adianta perder tempo agora ouvindo alguns exemplos. Exemplos porque os encontraremos por toda e ouviremos esses dois tipos de peças. Várias, várias, várias vezes. Na verdade, já ouvimos um exemplo de ambos. Sinfonia Bruckner. Schuman foi um concerto mais cedo. Então você pode voltar e ouvi-los se quiser. Agora, antes de prosseguirmos para nossa última seção deste curso, gostaria de passar algumas reuniões para falar brevemente sobre outro conjunto de gêneros, que é a música sacra. 6. Música sagrada: Vale muito a pena passar algum tempo falando sobre música sacra, porque na história artística europeia, em geral, uma arte sacra é muito importante. É a mais antiga e de toda a história da arte. E isso significa também que a história da música está sempre presente. Então, esse tipo de música é o mais eterno no sentido que é o menos sujeito a mudanças. Do barroco ao moderno. Os ouvidos modernos são os dois principais gêneros da música sacra. Basicamente, permaneça o mesmo. Eles são o mestre, o mais importante, e o oratório, o segundo. Então, deixe-me descrevê-los rapidamente. The Mess é uma composição que deve ser tocada durante a missa dominical. Então, o ritual é dividido em cinco Movimentos, cinco partes. Eles têm um título, que é a primeira palavra da palavra do texto, que é sempre a mesma. A principal característica da bagunça é que ela é vocal. Apresenta cantores, geralmente para cantores sólidos e um núcleo. formação vocal muito grande e está sempre no mesmo texto. As palavras permanecem as mesmas. Eles são intocáveis. É claro. Isso é para esses 555 movimentos, eles, se você quiser rapidamente seus nomes, mas não é importante lembrá-los. Área-chave, credo Gloria, Sanctus e use De Santos é dividida em duas, Sanctus e Benedick. Eles estão deixando o texto estar em Layton, que é o idioma oficial da igreja. E eles não têm velocidades fixas, características fixas. O composto tem a liberdade escrever a música que quiser nos cinco corpos principais da massa. Ainda assim, como a música se refere a palavras, existem algumas escolhas comuns que muitos compositores fazem. Acho que isso é o suficiente para a bagunça por enquanto. Talvez, no futuro, façamos um curso sobre a missa porque é muito interessante. Muitos grandes compositores escreveram missas. Então, há boa música lá. O segundo grande gênero de música sacra é o Oratório. Oratório é uma palavra italiana. Nasceu como muitas outras coisas na música clássica na Itália. Não existe realmente uma palavra original em inglês para isso. O que há no auditório? É uma enorme composição de música sacra. A formação é igual à massa. Temos orquestra, ambos oratórios de mensageiros, cantores sólidos. Alguns deles estão na bagunça para a qual são. Nos oratórios. O número não é fixo e é um núcleo, geralmente bem grande. A principal característica do oratório é que ele é narrativo. É uma história histórica, tirada da Bíblia, histórias sagradas. É basicamente como uma ópera. Ópera sacra, que são as diferenças entre o oratório e a ópera. Ópera, não muitas. Só alguns. A primeira é que no oratório não há palco. Os cantores não atuam. Talvez eles façam apenas sugestões de liderança, mas nem sempre. Normalmente é como em um show, eles ficam parados e afundam. É isso. Não é encenado. É por isso que não é. O oratório não é tocado na câmara alta. Não há necessidade disso. É tocado na sala de concertos ou na igreja. E a segunda principal diferença é que, na direção, sempre temos um narrador, uma voz, que geralmente é masculina, não interpreta nenhum personagem. Há todos os outros cantores ou personagens diferentes que intervêm na história, na trama. Mas há uma voz que diz o que está entre as cenas. E basicamente é o leitor do livro sagrado. Não há livro ou livro sagrado para ler, é claro, as coisas singulares de cor, mas ele é, ele é a cola entre a cena e os principais valores, com certeza de toda a composição. Por mais que uma ópera em oratório possa ser muito longa. É, é muito desafiador. Uma composição muito exigente, muito grande e que pode durar horas tanto quanto uma ópera. Leitura. Esses são os dois principais tipos de música sacra. Novamente, eles não são, não são os únicos, mas os mais importantes. Aqui encerramos, por enquanto, o torque dos gêneros. Esses são os mais importantes. Novamente, descobriremos o que eu não mencionei hoje em outros cursos. Agora, vamos para a seção final hoje porque acho que esse curso já é bem longo. E não quero fazer o básico. Curso de dez horas. Falamos sobre um dos personagens principais da música clássica, que é a orquestra. Como está a orquestra, quais são os instrumentos e assim por diante. Vamos passar para isso. E nós terminamos. Curso de hoje. 7. Introdução à parte 4: Como último foco deste curso, vamos conhecer a orquestra. A orquestra é um dos personagens principais da música clássica, com certeza. É uma das realidades mais comuns com as quais entramos em contato quando vamos ouvir óperas ou concertos em uma sala de concertos, em um grande salão. A orquestra está sempre lá. É um instrumento muito bom, considerado como um todo. Por causa da enorme quantidade de diferentes tipos de sons, a derrubada dos autores da orquestra. Mas isso também pode parecer um pouco difícil porque existem tantos instrumentos diferentes que conhecer e se familiarizar com cada tipo de som não é tão fácil. Então, nas próximas palestras, veremos, um por um, os principais instrumentos da orquestra. Basicamente, todos os instrumentos que costumamos encontrar e começamos a aprender e a nos familiarizar com a madeira que eles têm. Timbre é a palavra técnica novamente, é outra dessas palavras. Acho que não é necessário lembrar porque significa literalmente tipo de som. Madeira é como um determinado instrumento soa. É isso. A orquestra, vemos um pouco de sua história muito rapidamente antes de entrarmos na música e nos diferentes instrumentos nascermos no período barroco. aço, como já vimos no período barroco, ainda é muito suscetível às circunstâncias. E a roda do compositor. E a palavra orquestra no período barroco pode significar formações muito diferentes. Ela se torna padrão em tantas outras coisas quanto vemos apenas a partir do classicismo, eu diria que da carne, das aulas e assim por diante, com certeza. O significado atual da palavra orquestra é uma formação maior de instrumentos. Pelo menos 2020 é o mínimo. 25, 30 instrumentos começam a ser uma verdadeira orquestra. Os instrumentos que apresentam basicamente todas as famílias, todas as famílias instrumentais, que são as cordas, os ventos e a percussão. Pelo menos um instrumento de percussão. Normalmente, há um. Veremos todos eles mais tarde. No barroco. Orquestra pode significar apenas cordas pode significar apenas vitórias, pode significar apenas instrumentos de sopro. Pode ser muito pequeno, pode ser muito grande. É o prático. Portanto, as circunstâncias práticas ditaram o conteúdo da orquestra. Se não houvesse instrumentos disponíveis, essas palavras seriam usadas para o máximo de informações, por exemplo , no quartel. Com certeza. O caminho da orquestra é um caminho de crescimento. Começa aos poucos. Na maioria das vezes. No bar acima, a orquestra é pequena. Normalmente é quando os tribunais não estão envolvidos, quando a orquestra não precisa suportar uma massa de vozes. Então, é claro que tem que ser grande para combinar com o som das vozes. Mas quando está sozinha, a orquestra barroca normalmente é o melhor modelo. Passando para o classicismo e depois para os românticos, a orquestra fica cada vez maior. Por quê? Porque, os compositores que estão passando o tempo querem mais tipos de sons. O que significa que mais instrumentos são diferentes, ou diferentes. Falando em termos de qualidade, não em quantidade. Quero dizer, diferentes qualidades de instrumentos geram uma quantidade maior. Dois são reunidos por compositores, especialmente a família dos vencedores, que fica cada vez mais empilhada. Isso, é claro, requer também um número maior de cordas, que estavam sempre presentes para combinar com o som dos sopros e dos metais. Agora, veremos essas palavras em detalhes mais tarde : vitórias, sopros, metais. Nós os veremos. O ponto médio quando definimos a orquestra padrão, eu diria que é Beethoven. A orquestra usada por Beethoven é a mais usada, na maioria das sinfonias, pois a orquestra de tamanho médio geralmente apresenta aproximadamente 40 instrumentos e já tem a maioria dos instrumentos disponíveis. Tem um equilíbrio muito bom entre vitórias e cordas e apresenta esse tímpano como instrumento de percussão. Mais tarde, passando para romantismo, especialmente o romantismo tardio, a orquestra fica enorme, enorme, maior e maior. Até chegar no final do romantismo, final do século XIX, com orquestras de 100, até 150 instrumentos, uma enorme massa de sons. Eu diria que vale a pena mencionar o cientista louco da orquestra, o compositor que depois de Beethoven iniciou isso, essa experimentação com novos instrumentos, com a ampliação da orquestra para ter cores diferentes criadas por diferentes tipos de sons. Esse compositor é o grande gênio francês, Hector Berlioz. Ele é realmente um ótimo compositor. Eu não o mencionei quando conversamos em geral sobre romantismo. Eu sinto muito. Nós mencionamos ele. Agora ele é, ele é, ele é muito bom. E ele iniciou esse processo. Então Wagner seguiu seu exemplo e temos a ampliação em formações muito grandes. Agora. Primeiro nos mudamos para as famílias e depois para os instrumentos individuais. Usaremos uma pizza, que é construída como uma peça pedagógica para ensinar, na verdade, assim como a orquestra é, quais são os instrumentos. Portanto, é perfeito para nós. Nós, na próxima palestra, vamos agora detalhá-la. 8. Famílias de instrumentos: No início do século XX, as táticas ganharam maior importância, pois eles nunca souberam como ensinar de forma eficaz, como abordar especialmente crianças. Ensino. Isso também atrapalhou a música. De repente, foram escritas muitas peças didáticas educacionais. Peças, que queriam ensinar algo sobre música. Música que, com o passar do tempo centralmente, se torna cada vez mais empilhada e complexa. O mesmo vale para a orquestra. Peças para mostrar como é a orquestra. Existem, em particular, duas obras-primas desse gênero. Se pudermos chamá-lo assim. O mais famoso é, com certeza, Peter and the Wolf de Sergei por café. Se é um conto de fadas musical, que significa uma história ambientada e contada por um narrador com música apoiando-a e cada personagem como um instrumento diferente associado a ela, o público jovem chamou o aluno a reconhecer de uma forma divertida o tipo de som de cada instrumento, e também algo sobre seu personagem, porque era, é claro, cuidadosamente associado a uma personalidade diferente. A outra peça, que é nosso foco por ser mais esquemática, é melhor para nossos propósitos. É intitulado O guia do jovem da orquestra pelo grande compositor inglês Benjamin Britten. Agora, essa peça também tem outro título, que é um título mais, eu diria, oficial. Está mais de acordo com a tradição da música clássica, com certeza. Porque essa peça é tão boa que também é encenada, interpretada fora de seu papel educacional. Normalmente, temos um palestrante que apresenta a música e explica o que está acontecendo, que será meu papel aqui agora. Mas a peça também pode ser tocada como peça de concerto, como peça musical normal. E nesse sentido, tem um título diferente, que é variações e comida sobre um tema de Henry Purcell. Um título muito longo, sim. Novamente, diz o título, nos diz o que é a peça. Sempre acontece, muitas vezes acontece na música clássica. Então, vamos analisar esse título, variações e neblina, ornitina por cabelo, peluda por célula. A célula de Harry Potter é uma ótima, eu diria que o maior compositor inglês que morou em Barak, deixe-me lembrá-lo. Não nasceu na Inglaterra, nasceu na Alemanha. Mas o pacote é verdadeiramente inglês e ele era um verdadeiro gênio. A Grã-Bretanha parece um pouco como o cabelo de cada célula. Assumindo o papel de líder, principal compositor inglês nos tempos modernos. Variações e Phuc. Então, tema. Com variação, o que é isso? Um tema é uma melodia. Eles são sinônimos. Tema é igual a melodia. Temos um manual que mistura o início, que é a base para as variações. O que é uma variação? Se a variação é uma peça curta que geralmente está entrelaçada com outras variações, como aqui, que se assemelha a um tema original, é que se assemelha a um tema original, semelhante a ela o suficiente para que possamos reconhecê-la. Então, sim, nós percebemos uma ligação entre os dois, mas também é diferente o suficiente para ser variedade, ser, introduzir algo novo e nos deliciar com algumas novas características que geralmente são rítmicas ou melódicas. Agora, você pode entender que essa é uma maneira muito boa. Mostre instrumentos diferentes , porque o que a Grã-Bretanha fará? Escreveremos uma variação para cada instrumento da orquestra. E cada instrumento será o personagem principal de uma variação. Um após o outro, criaremos uma imagem. Isso criará uma imagem de toda a orquestra. Veremos os instrumentos individuais a partir da próxima palestra sobre. Agora, vemos o início da peça, que não é sobre os instrumentos individuais, mas sobre as famílias deles. Os instrumentos são agrupados em famílias devido às suas semelhanças. Temos três famílias principais. São vitórias, cordas, percussões. Agora, vamos para a escuta. O que acontece em primeiro lugar? O tema por set é tocado por toda a orquestra para que possamos ouvir como a coisa toda soa muito poderosa, muito imponente. Parece assim. Agora, tudo bem, agora ouvimos a mesma melodia, que vem a seguir, mas tocada apenas por uma família, que é a raiz, vence. Portanto, instrumentos de sopro são os instrumentos que precisam ser soprados para serem tocados para produzir som. Essa família é dividida em duas categorias principais. Eles são os sopros e o latão, a diferença é que sim, o material que eles são feitos, ou pelo menos eles foram feitos na origem dos instrumentos individuais, como a flauta hoje em dia não é mais de madeira, mas era, foi assim, então os sopros são a primeira família. Nós os veremos em detalhes, um após o outro, mais tarde. Então, vamos ouvir como eles se misturaram e veremos suas personalidades na próxima palestra. Os sopros não são muito poderosos, mas têm uma personalidade individual muito distinta. Eles são personagens reais. Eles têm um som muito único, cada um deles. Embora a família que chega agora tenha um tipo de som mais parecido, os instrumentos envolvidos, mas eles são realmente poderosos. Os latões são grandes. Eles parecem muito poderosos. Eles têm um som suculento e gordo que realmente alimenta o salão. Ao todo. Eles soam assim. Os pincéis, por si só, têm um tom bastante solene quando entram. Eles não podem jogar, eles nunca podem jogar sets mais rápido. Então, eles têm esse tipo de rosto grandioso, poderoso e piedoso. Agora vamos abordar as cordas, a família do violino e o violino como instrumentos. Eles são numerosos, são uma grande parte da orquestra. E eles têm uma voz doce. Eles se assemelham à voz humana, a viral em particular, mas todos eles são, eles são desenvolvidos de forma semelhante. O Byron é uma imitação intencional da voz humana. É para soar, soar como alguém cantando. O violino pode soar como se você pudesse aconselhar os mais baixos, rasos e assim por diante. Como uma voz principal. Ao todo, eles produzem esse tipo de som que ouvimos agora. A última família é a família da percussão. Aqui veremos muitas percussões. A Grã-Bretanha é tão criativa que é capaz de fazer algo realmente estranho, mas realmente impressionante, que é reproduzir algo sobre algo semelhante à melodia usando apenas as percussões. O que é muito impressionante. Sim, é algo que você não vê com muita frequência. Eu diria, e vou repetir quando elas vierem uma após a outra, que as percussões não estão realmente à altura da orquestra, pelo menos na maior parte da história da música. Há apenas um instrumento de percussão. Constantemente na orquestra, que é muito importante, que é o tímpano, que é o único instrumento orquestral. Vamos ouvi-lo twittar claramente agora, porque é ele que inicia o. Agora. O que ouvimos agora, que pode reproduzir nós reais. Todos os outros instrumentos, ou pelo menos a maioria deles, não conseguem tocar nenhuma nota, apenas a produzem porque, se for bom, ouça o que, finja que ele é capaz de criar usando apenas isso. Agora que vimos grupos de instrumentos, orquestra, sopros, metais, cordas, percussões, orquestra inteira. Novamente, passamos para os solteiros. Começamos com os sopros e continuamos na próxima palestra com as variações. 9. Madeiras: Vamos começar agora nosso caminho através da descoberta de cada instrumento. Devo dizer que foi muito difícil mostrar a vocês um vídeo das pessoas tocando a peça ou não. Eu escolhi não fazer isso porque acho que é mais benéfico começarmos a nos acostumar a nos concentrar apenas no que percebemos com nossos ouvidos e focar mais apenas no som deles e não aparência deles enquanto tocamos. Então, começamos com os sopros, normalmente em uma ordem na orquestra padrão, o que significa a orquestra de Beethoven, do último Mozart da primeira parte do Romantismo. Nós temos dois deles. Dois de cada. Instrumentos de sopro. Cada um deles desempenha um papel individual. Isso significa que para cada jogador, temos uma linha na pontuação total. O primeiro instrumento que a Grã-Bretanha nos mostra é o fluido. O fluido é um instrumento de alta qualidade e, como você verá daqui a pouco, tem uma voz muito parecida com a de um pássaro. Você não se surpreenderá com o fato de que o café se em Pedro e o Lobo escolheu o passarinho para ser representado pelo fluido. Antes de ouvirmos. Há outro instrumento parecido com uma flauta tocando com os dois fluidos principais. É o instrumento chamado flautim. O que é o flautim? Piccolo é basicamente um litro de fluido, que tem a metade do comprimento normal. Parece muito, muito alto, porque na música sempre, quanto maior o instrumento, baixos são os sons e vice-versa. O flautim soa muito alto, muito, muito alto. O nome piccolo é uma palavra italiana porque cor da ervilha em italiano significa letal. Portanto, o nome completo do nome oficial em italiano é cor de ervilha florida. Significa fluidos literários de litros. Então, os ingleses adotaram a única cor de bico ativa para mostrar o nome desse instrumento. Vamos ouvir a variação dos fluidos. Agora já entramos em um novo. Você vê que a variação vai uma após a outra muito rapidamente. O próximo instrumento é o oboé. Já vimos esse instrumento com o Schumann. Ele toca a melodia do início do concerto para piano. É, já falamos sobre isso com um instrumento que tem uma pasta longa, choro, gentil ou som. Então eu acho que não adianta gastar mais palavras sobre isso. Vamos ver como, é claro, a Grã-Bretanha escreve de forma bastante semelhante a Schumann para mostrar as características desses instrumentos. melodia, que é sim, derivada da do analisador, mas como personagem de algo linear, lento e muito triste. Agora, o personagem mudará repentinamente. Bem-vindo ao clarinete. Se em Pedro e o Lobo, Procópio escolheu associar todo o caminho à Dukkha. O cotovelo é a voz do escuro. E você vê como, quão bom é o Shizhen é o clarinete, que é o instrumento que toca. Agora você vê que é muito parecido com a aparência do, oh cara, só que as duas extremidades do instrumento são diferentes. Ainda assim, o tipo de som é completamente diferente. A clareza é muito ágil, pois o tipo de som é muito suave, mas pode ser serpentino. Além disso. Se o, oh cara é uma dança é que o tipo de som é muito denso, está concentrado, é, é como um pouco de Sandy. O clarinete é tão puro quanto um som de vidro. Quero dizer, tentar descrever o som com palavras, realmente não funciona. Apenas escute isso. Para café. Se eu escolhesse o gato para os clarinetes. Agora, já estamos no fim dos sopros. Só resta um instrumento, e é o instrumento jurídico desta família. O fagote. O fagote é muito parecido com o que soa quando o excesso de peso é muito, muito mais baixo. É um instrumento muito bonito. É muito diferente de todos os outros. Café se escolhido para associar o fagote ao avô mal-humorado. O avô de Peter, que está sempre reclamando, sempre crítico, rei, nunca feliz, sempre mal-humorado. Você verá agora como, novamente, essa escolha é apropriada? Esses eram os sopros. Você com certeza percebe que o fagote, apesar de ter esse tipo de som mal-humorado, infeliz e borbulhante , é que, especialmente quando colocado no disco alto, que significa não tão alto, mas ainda assim. Também pode ser muito melódico. Às vezes, temos ótimos momentos de música orquestral quando o fagote é lançado. E ninguém espera isso, porque, como todo instrumento baixo e baixo, ele não chama muita atenção. Você não se verá ouvindo fagotes com muita frequência. Ainda assim, quando ele tem uma frase importante aqui, isso cria ótimos momentos. Você provavelmente já percebeu que, se não o fez, pode voltar e ouvir isso novamente. Não é que quanto mais tempo cada instrumento, cada um, cada um desses quatro fossem instrumentos tocados em casal, exceto os fluidos, que também têm o flautim. Então, havia três, mas todos os outros. Por onde terminar, eles jogaram em diferentes modos. É assim que funciona a escrita orquestral para instrumentos de sopro. Agora, avançaremos na próxima palestra. Agora, vamos ver as cordas que virão a seguir. 10. Cordas: Agora ouvimos os instrumentos de cordas. Os instrumentos de corda são a espinha dorsal da orquestra. O início da vida da orquestra é como uma orquestra de cordas. Então, os sopros e os instrumentos de sopro entraram gradualmente mais tarde, enquanto a orquestra não pode renunciar às faixas. Eles são muito famosos, especialmente este, o mais alto deles no violino. Não adianta mostrar fotos dos outros porque todos parecem um violino, só que maiores. O maior de todos, que é o mais baixo, é o contrabaixo, que é tão alto daqui não sei se você vê a mão no chão tão grande quanto ela é. O nome dos instrumentos de corda. Nós os veremos novamente, um por um, propostos pela Grã-Bretanha. Temos o violino, mais alto, viola, baixo, violoncelo, ainda mais baixo, e contrabaixo, o mais baixo de todos. Agora, entramos na música. A variação os mostrará um por um. Algumas coisas muito importantes ainda são que os instrumentos de corda não tocam de verdade. O que isso implica? Isso implica que eles precisam jogar em grupos. Elas são chamadas de seções, seções de cadeia de caracteres. Porque você não pode comparar o som de um violino com o som de apenas um. Oh, cara, ou o clima. Se eles tocarem apenas 1.1 juntos, o som pode estar bem equilibrado. Mas se você pegar, para soprar sopros novamente contra quatro cordas, isso realmente não funciona. É por isso que na orquestra, temos grupos de pelo menos 868 é o número mínimo normalmente de cada corda. Quanto mais altos eles são, mais numerosos eles são. Também para o violino, temos dois grupos. A variante é muito importante e é um instrumento muito versátil. Pode funcionar muito alto, mas também em uma carne, carne, com textura intermediária. Portanto, o primeiro violino normalmente toca muito alto. O segundo violino toca, toca um tipo intermediário de registro menor que o primeiro. Então, em um padrão para orquestra de elementos d, teríamos algo como dez primeiros violinos, violinos de dez ou oito segundos, seis a oito violas, seis rasos e 34 contrabaixos. Essas são as proporções dos números que você veria em uma orquestra sinfônica ou de ópera no que diz respeito às cordas . Além disso, o que a seção implica? Isso implica que, dentro de uma seção, normalmente todos os instrumentos tocam ou os músicos tocam apenas um pi h. Os dez primeiros violinos, por exemplo, tocam as mesmas notas. Pode acontecer que em certos tipos de música, em certos autores, eles sejam divididos, mas em duas ou 34 partes nesta seção, mas normalmente eles tocam a mesma parte. Agora, vamos lá e, finalmente, ouça as variações das cordas. Primeiro, temos, vamos do mais alto para o mais baixo. Primeiro, temos os violinos com seus, com seu tom vivo , é claro, brilhante, brilhante. Bar para ou sim. Você vai, você vai ver o que quero dizer. Espumante. cintilante, cintilante e adotiva Voz cintilante, cintilante e adotiva de criança. Vamos falar sobre isso. Agora você viu como a variedade é o uso do violino. Primeiro, o fato de você ter visto duas partes, dois grupos de violino tocando, é porque a Grã-Bretanha fez o primeiro e o segundo violino tocarem juntos. Então eles eram, eles eram dois grupos. E também o violino. Realmente, realmente, realmente. Sim. Certo? E versátil. Se você voltar e ouvir novamente, verá como eles podem ficar nervosos, cintilantes, mas também podem ser muito líricos, cantando muito delicadamente. Eles podem, eles podem ser percussivos. Eles podem ser lidos pelos dentes, mas podem ser macios. É por isso que os violinos são muito amados pelos compositores e também é por isso que os violinos desempenham um papel importante no afundamento melódico. São, muitas vezes são partes melódicas, especialmente o primeiro vírus. Agora vamos para outro instrumento de cordas. Damos um passo abaixo. Nós ouvimos as violas. As violas são a voz calorosa da corda. A família de strings em geral não é tão ágil quanto a variância. Obviamente, o maior é um instrumento que lista IJ. É por natureza, por sua natureza. E elas, violas, não são usadas em um papel tão principal quanto a violência dos compositores. Eles são, muitas vezes estão atrás da cortina fazendo um trabalho sujo, o trabalho sujo da parte interna. Então, para enriquecer o som da orquestra em geral, mas sem chamar a atenção, ladrões, especialmente compositores românticos, às vezes lhes dão muito amor quando percebem que realmente vale a pena. Porque quando, quando eles têm uma parte melódica, eles são um som realmente maravilhoso. Muito quente, muito ruim. Cheia de bateria, sim, a manteiga quente quando não está muito saudável, mas dando um byte cheio de manteiga quente, é mais ou menos assim que eles se sentem. Tudo bem? Você viu a grande intensidade e as violas são realmente capazes disso. Agora, vamos ainda mais abaixo até as águas rasas. Essas águas rasas são. Eu diria que depois dos violinos, os mais versáteis e populares da família das cordas, eles são como o irmão, a principal causa da violência. A violência tem uma voz feminina. Eles são muito altos. Eles se parecem com a dublagem de soprano de uma voz feminina alta, enquanto a superficial é uma voz masculina bem baixa, isso significa que tem uma natureza dupla. Muitas vezes, o violoncelo simplesmente faz, novamente, o papel de sujo de ônibus, apenas para fornecer a base da harmonia de uma peça inteira, deixando vozes muito altas. O papel da parte melódica. Nesse sentido, eles podem passar despercebidos. Mas quando compositores, especialmente, novamente. De Beethoven em diante. Os compositores querem uma voz melódica suculenta, suculenta e de garotão. Eles escolherão os canais, canais nos quais os românticos nos carecem muito e também como instrumentos melódicos. Eles foram e também têm uma maior variedade de som. Então eles podem, eles podem ser vistos na barriga, no, no registro baixo, criando uma melodia que soa por que o final poderoso também pode tocar como aqui, como você ouvirá aqui no registro alto. A voz deles se assemelha muito à das violas. Voz. Muito intenso. Muito, eles mantêm a linha muito bem, mantendo a tensão sonora. Eles não são tão altos quanto as violas, mas são mais poderosos em termos de volume de som. Vamos ouvir as águas rasas. Você viu que o maravilhoso dispositivo de sombra o violoncelo tem é um instrumento muito, muito amado e há muitas razões para isso. Agora, tínhamos duas variações que eram muito melódicas, não podiam ser muito líricas. Vamos, temos uma nova explosão de vitalidade. Os contrabaixos são do maior tamanho e muito baixos com o som da família de cordas. Normalmente, devo dizer que eles não chamam a atenção. Eles raramente são usados para fins melódicos porque, na verdade, não são adequados para isso. Eles são muito baixos. Eles fazem, novamente, as bases funcionam. Eles fornecem ombros enormes. A orquestra toca em aço. Às vezes, eles se levantam e têm momentos dedicados. Muitas vezes eles são usados para fins cômicos, fins de financiamento, porque não são nada ágeis. E isso cria que, quando eles tocam bem rápido, você verá que agora eles, eles, eles soam muito engraçados. Eles soam muito como um homem gordo que tenta correr, talvez consiga de certa forma. Mas não é um espectro muito engraçado. É. Porque se um homem não deveria correr muito bem, e é assim que a Grã-Bretanha o mostra , porque sozinho, essa é quase a única maneira mostrar a voz do contrabaixo. Vamos ouvir a variação. Agora, estamos fora da família das cordas. Gostaria agora de tocar outra variação de um instrumento, que na verdade não pertence a nenhuma família. É a harpa. O Harper é um instrumento que normalmente não é visto na orquestra. Entrou na orquestra sinfônica. Isso significa que a orquestra, para a qual se destina, é música puramente instrumental. Só um romantismo muito tardio, tardio e tardio. Então, a maior parte da história da música não estava lá. Mas é muito usado na ópera, na orquestra de ópera já desde o início do Romantismo. Existe a ópera italiana e francesa, também italianas e francesas em particular, eu diria que os compositores franceses amam o coração porque ele tem um cume realmente mágico, produz detritos na atmosfera é uma atmosfera muito poética. É o instrumento que vemos em muitas cenas de amor quando, quando saímos um pouco da atmosfera de cada dia, nos deixamos ouvir. A Grã-Bretanha cria um ambiente maravilhoso, ambiente musical para a variação da arte. Eu diria que a Grã-Bretanha aqui um pouco mais pobre também a periodicidade. O botão de periodicidade pressiona o botão peritético porque esse é um uso muito sobrecarregado de seu Harper da forma operística típica. Você está criando uma atmosfera sonhadora forma exagerada, mesmo que um pouco. Agora, essa era a família das cordas mais a Harper. Vamos agora para a família dos metais, a próxima palestra e vemos os cânones da orquestra. 11. Brasses: Vamos agora dar uma olhada nos instrumentos de sopro. Eles são uma família que não foi muito usada até certo momento. O primeiro que começa a usá-los de forma consistente é Beethoven. Mas ainda assim, temos que esperar o romantismo tardio até pelo menos a parte intermediária do romantismo até que eles realmente comecem a ser muito usados. Eles são instrumentos importantes e também são, eles têm personalidades distintas. A primeira e a mais importante de todas é a buzina. A trompa, que é uma abreviatura de trompa francesa, que é o nome oficial completo, é a corrente entre os sopros e o latão. Eles geralmente brincam mais com os sopros do com os outros pincéis. Eles têm um tipo de som particularmente suave . Eles podem ser muito altos. Claro que são pincéis, mas conquistaram o coração dos compositores românticos. Falaremos muito sobre as trompas no Romantismo, encontraremos muitas trompas, especialmente em certos compositores românticos, especialmente no romantismo duradouro do alemão . A buzina assume o papel da voz da natureza. Porque primeiro é o instrumento da mão. Em segundo lugar, porque é, o mais importante, é que tem um tipo de som que parece chegar de longe, dá essa sensação de ritmo de espaços amplos. É por isso que foi associado à floresta, com naturezas intocadas. Natureza. Vamos ouvir e ver a atmosfera que a buzina cria. Você viu o que, o que soa , a buzina perigos é muito charmoso como instrumento. A trompa estava com certeza entre os instrumentos de sopro, aquele que entrava na orquestra, nas áreas. Ele já é usado de forma consistente. Desde o início do classicismo. Foi o instrumento, instrumentos poderosos da orquestra por muito tempo. Até que Trump entrou em cena de forma consistente. O trompete tem um papel e um significado completamente diferentes em comparação com a buzina. O trompete é o instrumento militar. É esse, aquele instrumento que, sempre que soa, nos leva ao campo de batalha, à ação, à luta. Vamos ouvir as variações de trompete. É claro que a Grã-Bretanha insistirá nisso, essa característica do trompete. Não, muito. Colocando com ele o tambor militar. Agora, já avançamos. Temos um parente próximo do trompete, que é o trombone. Trombone. Mesmo que o, o nome se assemelhe ao de trompete ainda é muito diferente dele. Eles também são muito próximos na forma como são construídos, mas ainda assim o significado deles é completamente diferente. Se o trompete for militar, o trombone tem um significado religioso. Isso pode parecer surpreendente. O som do trombone está mais próximo da buzina. Depois, para o porta-malas, mas para si mesmo. Não é tão estridente, nem tão alto e poderoso. É mais largo e mais baixo. Está ligada às guerras religiosas e ao mundo da música sacra porque foi muito usada. Além disso, tempos de variação para apoiar o curso, a religião, o curso nas grandes catedrais, como areia, marca de areia em Veneza, por exemplo, mas muitas outras. Era uma voz muito poderosa e, portanto, continua associada a isso, esse tipo de música expressiva com o ***** e largura, desculpe, com os trombones. Outro instrumento agora toca. Em Ethernet. Encontramos isso nem tanto novamente, só que em orquestras muito, muito grandes no romantismo tardio. Nós temos o bar. A barra de ferramentas é o maior dos instrumentos de sopro e toca o mais baixo. Ele usa. O correlativo do contrabaixo nas cordas, mas não muito usado. É muito, é esse tipo de insulina que faz o pior tremor. Ele toca muito baixo, mas é incrivelmente poderoso. Foi amado por alguns compositores como Wagner ou Ricard Strauss. A Grã-Bretanha, por uma questão de brevidade, diz isso com os trombones e também porque a barra azul basicamente nunca toca sozinha. Agora, vamos ouvir essa variação. Você verá que a atmosfera do Chan era, o termo que deve criar é solon, é na verdade a vida da igreja. Agora, já estamos no final da seção de latão. Vamos conversar antes de prosseguirmos sobre números. Vimos que, nos sopros, normalmente usamos cada um deles para o latão, não é tão simples assim. Sim, verdadeiro ainda é um número recorrente. Os trompetes geralmente são verdadeiros, novamente, exceto quando a orquestra é muito, muito grande. Quando a orquestra começa a ter 8.000 instrumentos, os números variam dependendo da vontade de equilíbrio do compositor. Normalmente temos dois trompetes, três trombones. As madeiras são sempre três. De vizinho para vizinho para. As trompas são quando a orquestra está normal. Tamanho médio. Normalmente, eles são verdadeiros. Mas já temos compositores, desde o período de Beethoven e do início do romantismo, desde o período de Beethoven e do início do romantismo, qual deles, com um som particularmente sombrio aumentará o número de cavalos para quatro. Isso é algo que acontece bem cedo, é uma das primeiras ampliações da orquestra. Um dos primeiros do século romântico. 12. Percussões: Agora continuando, vamos para as percussões. Há uma seção bem grande nesta peça que ouviremos sem parar na percussão. Por que nós, eu realmente não me importo com isso. Por quê? Como o importante instrumento de percussão é basicamente um único instrumento para a orquestra, ou pelo menos aquele que toca, o primeiro que o toca é o tímpano. Os tímpanos são os instrumentos de percussão da orquestra desde tempos muito, muito antigos. É usado ao lado da orquestra e até o tardio e, romantismo tardio e, especialmente, na era moderna. É o único. Nos tempos modernos do século XX, os compositores começam a adicionar muitos outros instrumentos de percussão para criar efeitos específicos. Também na ópera. Outras percussões podem estar lá para adicionar alguns efeitos de palco. Algo que acontece no palco da trama pode ser representado pela música. Mas eles não são importantes. Mencionamos renomear apenas os tímpanos. O tímpano é muito importante. O tímpano também é o único instrumento. Entre as percussões, quem pode tocar vários nós. Eles precisam de várias peças, mas cada uma delas toca um nó. Então, o menor número que podemos ter normalmente é verdadeiro para um jogador, mas podemos ter mais. O compositor pode, pode decidir perguntar ou mais. Vamos ouvir as variações de percussão. E então já estamos no final da etapa final, o que será realmente fantástico. E mostramos os instrumentos do primeiro ao último de forma super rápida novamente. Agora, você pode se perguntar por que a Grã-Bretanha passa tanto tempo na percussão? Tantos diferentes, tantas variações. Primeiro, a festa da equipe, bem, é claro que é a mais importante, mas depois tantas outras que quase nunca vemos. A resposta é simples porque este é um endereço para crianças. E as crianças adoram instrumentos de percussão. É isso mesmo, mesmo que eles não tenham um papel tão importante na orquestra. Agora, vamos para a última parte, que é um poder avassalador, que nos permitirá ouvir todas elas. Mais uma vez, em questão de alguns minutos. 13. Epílogo: As variações agora terminaram. E chegamos à seção final dessa composição, o que vai acontecer? Nós temos um puma. Se você se lembra, o título completo desta composição é Variações e névoa sobre eteno de Henry Purcell. O que é um garfo? Um garfo é um tipo de formulário. Não falamos sobre forma neste curso. Por quê? Embora a forma seja um dos tópicos mais importantes da música clássica, como em todas as artes, eu diria. Eu não, não acho que isso pertença ao básico. É por isso que eu não o incluí nisso Neste curso que você está assistindo agora, falaremos muito sobre isso no futuro, não se preocupe. Então, explicado casualmente, o que é um sapo? O que, o que vai acontecer? O folclore começa basicamente sempre com apenas um instrumento que toca o ímã. Nesse caso, a melodia do sapo será derivada do tema principal da peça, a única célula bipolar que ouvimos no início. Depois. Outro instrumento chega. E então, posteriormente, todos os instrumentos que vimos na mesma ordem entram e tocam a mesma melodia curta, um após o outro. Enquanto os instrumentos que já estavam tocando ainda continuam tocando linhas secundárias. Isso leva a um empilhamento de som. Muitas, muitas insulinas entram e atuam, criando um clímax. E a melodia principal, o tema principal, é passada de um instrumento para outro, criando esses efeitos de perseguição, que são típicos do garfo. Isso dará à Grã-Bretanha a chance de mostrar, novamente, todos os instrumentos de uma forma muito rápida, porque essa neblina é incrivelmente empolgante, mas também é muito curta, apenas 2 minutos e superamos os interesses dos instrumentos. Nosso objetivo acelerou. Vou citar todos os instrumentos que vimos quando eles entrarem. Então, eu também ajudo você a acompanhar o ritmo do pé porque a comida é muito complexa. E da mesma forma que discutimos, ao mencionar e ouvir o pequeno trecho de Bach, Johann Sebastian Bach no capítulo do quartel. Não devemos rastrear e acompanhar tudo. Há muita coisa acontecendo. Nós apenas seguimos as entradas. Então, vamos ouvir daqui. Quando paramos até o final da peça. O primeiro instrumento que toca é a coluna de palheta. Os clientes são mais velhos. Nós vamos para as ruas. Contrabaixos, muito baixos, quase impossíveis de ouvir. Coração. Agora estamos indo para a seção de latão. O trombo climático, ou os professores para superar de todas as folhas de grama ou estados regionais, o sólido. Por que é e por quê? Foi um final muito emocionante. Esta comida é realmente escrita com maestria. Você já viu muita coisa acontecendo, mas ainda assim permanece um pouco, permanece, continua divertida e você ainda pode segui-la com bastante facilidade, mesmo que seja mortalmente complexa. Agora, estamos no final de nossos cursos de orquestra. Novamente, queremos encontrar toda vez na orquestra todos esses instrumentos, ainda que a Grã-Bretanha, é claro, decida usar uma grande orquestra para poder mostrá-los todos. Quase todos, eu diria que às vezes encontraremos alguns mais estranhos. Agora estamos no final deste curso. Espero que tudo esteja claro. Se você, se não for, pode sempre entrar em contato comigo, me fazer perguntas, me dar feedback. Toda vez que você é bem-vindo a fazer isso, é sempre apreciado. Além disso, sei que já disse isso muitas vezes hoje e lamento repetir novamente. Você provavelmente está cansado de ouvir isso. Mas eu sei que neste curso somos meteóricos, muito informativos. Eu falei muito. Não havia muita música e isso é algo que eu não estou muito feliz. Mas era importante dar essa informação. Nós o usaremos no futuro, prometido a mais ícones da música é nosso objetivo, é sempre a música. Sim, passamos um tempo conversando, é voltado para mais música. Portanto, fique ligado. Obrigado por assistir e até breve para mais músicas excelentes.