A prática da narrativa visual: entrevistas com artistas

1. Introdução: Olá, sou Debbie Millman e sou designer, autora, educadora e apresentadora do podcast “Design Matters”. Você pode ter visto recentemente minha aula no Skillshare sobre narração visual, onde eu levo as pessoas através da história sobre narração visual, e eu culminei com esse show fazendo minha própria história visual, e incentivando meus espectadores a fazerem seus própria história também. Este episódio em particular é mais sobre como outras pessoas fazem isso. E então você vai ver quatro abordagens diferentes para contar histórias visuais. Eu defino narrativa visual como a interseção entre a narrativa visual e o texto. Algo que é desenhado, algo que é pintado, dados que se cruzam com a tipografia em algum tipo para criar uma forma de arte que expressa uma narrativa visual e verbal. Recentemente fiz curadoria de um show para o Museu do Design de Atlanta chamado Text Me, e é um show de 70 peças diferentes que se reúnem para refletir a maneira como vivemos agora rodeados de mensagens e comunicação de todos os tipos. E eu tive a grande honra de conversar com quatro dos artistas que estão presentes no show do Museu do Design. Adam J. Kurtz é caprichoso, espirituoso e engraçado, e ele não tem medo de mostrar exatamente quem ele é e leva você em uma jornada que você se sente muito bem em estar enquanto você descobre essas coisas sobre si mesmo como Bem. Estou escrevendo frases. Essa é a minha voz. Essa é a minha voz visual. Acho que há algo caligrafia de cada pessoa como sua voz é uma marca de quem ela é. Pam Butler é uma das primeiras artistas de rua, e eu realmente admiro a forma como ela foi capaz de criar uma carreira sem pedir permissão a ninguém para fazer nada. Acho que é uma questão do que é importante para você. Por que está fazendo isso? E o que o leva a isso é que ele tem que ser compartilhado, então você tem que fazer um trabalho que é facilmente compartilhado. Se você está fazendo isso porque você tem a compulsão de fazê-lo, então você tem que fazê-lo, quer ele possa ser compartilhado ou não. Giorgia Lupi é uma designer extraordinária e é capaz de criar poesia com dados, e eles são feitos com uma estética que eu nunca vi antes. Às vezes, gostaria de lembrar às pessoas que os dados não existem. Então, criamos dados. Os dados são uma abstração da realidade. E os dados são sempre feitos principalmente por humanos. Então, se começarmos por este ponto, também podemos dizer que os dados são muitas vezes imperfeitos. Paul Sahre é o designer mais conceitual que conheço. Tudo o que ele faz tem uma ideia muito forte e tudo é construído sobre essa ideia. Tudo o que ele está fazendo é realmente surreabral, mas também muito bonito. Você sabe, um designer gráfico não tem um público cativo como um cineasta. Você tem que criar uma situação com ele que está contando uma história, mas também está atraindo a atenção de alguém, fazendo-o parar, fazendo-o pegar algo, fazendo-o agir. Espero que tenham gostado desta série, e espero que façam suas próprias histórias visuais. 2. Entrevista: Adam J. Kurtz: Adam J. Kurtz é caprichoso, espirituoso e engraçado, e de partir o coração, e traz humanidade, e pathos e uma honestidade que raramente vimos hoje em seu trabalho. Ele não tem medo de mostrar exatamente quem ele é, exatamente por que ele é, e leva você em uma jornada na qual você se sente realmente bem em estar, enquanto você descobre essas coisas sobre você também. Oi, estou aqui com Adam J. Kurtz, mestre contador de histórias visuais e vamos falar sobre seu processo, seus livros, e seu ponto de vista geral sobre a vida. Oi Tabby, obrigado por me receber. O prazer é meu. Parabéns pelo novo livro. Obrigado. Estou morrendo por dentro. Você está? Eu sinto que, quando você faz algo de que você está tão orgulhoso, e você dá à luz a isso, e é apenas todos esses sentimentos de uma vez. É realmente excitante. Conte-nos o que contar histórias visuais significa para você? Eu acho que, pelo menos do ponto de vista do design, o que estamos fazendo o tempo todo é combinar texto e imagem da maneira mais eficaz. Embora estejamos literalmente usando, há cópia, e há sua foto, sua arte, o que quer que seja, também há muito mais que é dito no arranjo e alinhamento, e nas escolhas de produção. Então, para mim, contar histórias visuais é uma combinação tanto do visual quanto do óbvio, mas também das coisas sutis que pensamos, que tecemos no processo. Uma das coisas que eu digo aos meus alunos quando estou dando aulas de narração visual, que se você quiser escrever sobre uma maçã, tudo bem usar a palavra maçã, mas você provavelmente não quer realmente ter uma imagem de uma maçã, menos que Claro que está ensinando ortografia e leitura. Então, fale sobre como você combina os elementos visuais com o texto de sua maneira única e surpreendente. Eu realmente aterrei neste lugar muito interessante, onde quanto mais brusco eu sou, melhor parece ser. Essa não é necessariamente a solução certa em todos os casos, mas pelo que faço, estou falando diretamente com uma pessoa, e estou falando com ela de uma maneira humana coloquial como se estivesse tendo uma conversa pessoal. Então, eu me safo com muito desse extra, por falta de uma palavra melhor, essa besteira extra. Bem, você não tem um filtro, o que é realmente refrescante. Uma das outras coisas que eu gostei tanto sobre seu novo livro em particular, foi a maneira em que você ajudou seu leitor a identificar o seu eu não filtrado. E eu acho que essa é uma das chaves para uma história visual bem-sucedida, quando você está compartilhando algo que é universalmente humano. É algo que todos nós compartilhamos, e você está revelando que, você está compartilhando isso, dá a outras pessoas coragem para compartilhar o deles. Acho que é um bom argumento. Muitas vezes, especialmente quando somos mais recentes no processo, começamos um projeto pensando, oh eu sabia como um cartaz deve ser, ou eu sei como um ensaio deve ser lido. Fazemos pantomima o que pensamos ser, em vez de apenas tomar um minuto para olhar para dentro e ouvir a nós mesmos e, em seguida, comunicar isso. Bem, eu acho que você inspira isso nas pessoas. Fale sobre o processo de fazer seu novo livro. Para mim, o que é realmente importante é, eu acho que você me chamaria de nativo digital. Eu cresci através do MySpace, e a ascensão das mídias sociais, e muito do meu trabalho é sobre referenciar essa cultura naquele lugar inato onde a linguagem vive para mim, mas encontrar maneiras de torná-la tátil e tirá-la linha. Então, este livro toca nessas idéias de coisas que estamos experimentando on-line, e o idioma que usamos, e a maneira como comercializamos, promovemos ou construímos coisas para a web. Se é um livro escrito à mão, em pedaços rasgados de papel, impressos em folhas coloridas brilhantes que são então perfurados para replicar essa idéia de viralidade, para replicar a maneira como compartilhamos on-line, ou pin on-line, mas para fazer isso na vida real. Então, é a meta-experiência metafórica discreta onde eu queria fazer, e eu sou assim o tempo todo. Como fazemos um livro que é um objeto e um livro? Como fazemos um livro que não é apenas um livro? Então, pensar no produto final primeiro foi como cheguei ao formato. Agora, eu entendo que você criou sua própria fonte, sua própria letra de caligrafia, e eu quero falar um pouco sobre isso porque eu acho que muitas pessoas fazem isso, muitas pessoas fazem sua própria letra de caligrafia. Mas há alguns, eu acho que cuidado em criar uma fonte manuscrita que às vezes as pessoas não percebem. Então, uma das coisas pelas quais fico particularmente frustrado, é quando vejo letras que repetem que são idênticas. Então, isso é para qualquer arquivo manuscrito, seja fabricado, ou se ele foi criado por uma pessoa real, porque me parece que se você vai fazer algo que parece feito à mão, ele realmente tem que olhar feito à mão. No minuto que você tem que e em uma fileira que são exatamente o mesmo, ele simplesmente oblitera qualquer senso de que está sendo trabalhado. Sim, absolutamente. Comecei a rir porque sinto que somos a mesma pessoa. Frases de caligrafia, essa é minha voz, essa é minha voz visual. Primeiro, eu não quero ser um robô e dois, eu não posso dizer as coisas que eu digo com um tipo tradicional, mas isso não é quem eu sou. Então, eu acho que há algo sobre a caligrafia de cada pessoa, que como sua voz é uma impressão de quem eles são, se é a cadência das letras, a forma como uma cauda r forma, a forma como as coisas se inclinam dependendo nas ferramentas que estão usando. Para mim, é muito importante usar lápis para manter um pouco da aderência, do ponto de vista da produção eu tento nunca converter minhas formas em vetores porque eu quero essa bela, crocante, raster baseado. Quero esse brilho, quero que pareça muito, verdadeiramente humano. Bem, é interessante que você intencionalmente quer essas, essa coragem, e isso é muito uma parte da sua linguagem visual em suas histórias visuais e em todo o seu trabalho. Eu sei que James Victory, a fim de obter a qualidade do tipo que ele cria à mão, ele destrói seus afiados, ele corta-os para que eles tenham aquela coragem. Então, eu acho que para qualquer um que está trabalhando com suas próprias mãos é importante entender como sua própria mão pode ser identificável para o seu trabalho. Sim. Na verdade, nunca admiti isso, mas quando afio lápis, afio-os e quebro o ponto. Acho que nem percebi que era isso que faço, mas é isso que faço. Então, vamos falar sobre o uso de papel em seu livro também, porque ele parece ser apenas retirado de um bloco de notas. Quão intencionais foram essas páginas? Havia muito essa idéia deliberada de garantir que as páginas, embora fossem do mesmo caderno, ou dos mesmos dois ou três cadernos sentissem um pouco diferentes. Então, definitivamente há chads pendurados, ou cantos dobrados que foram intencionais, mas na maior parte do livro as páginas rasgadas que você está vendo, o tamanho da escrita real, isso é quase o tamanho real. Então, o livro é quatro por seis, e meu bloco de notas é três por cinco. Então, o que você está vendo é quase exatamente como eu criei. Para mim, isso foi parte da narrativa visual dessa idéia que eu sou um criativo trabalhando, eu não sou um especialista, mas eu acabei de viver através dessa coisa, e agora eu estou apenas passando minhas anotações como, eu fiz o curso Um semestre à frente aqui você vai. Mais do que isso, eu quero encorajar outras pessoas que encontram valor nele a dar-lhe ainda mais valor emocional, dando a alguém que eles acham que poderia usar isso. Sim, cada página deste livro é um presente. Esta é uma das minhas peças favoritas. Você leria? Claro. Você não sabe o que é. É uma surpresa. É este. Este é quase como o meu lema de viver. Oh meu Deus. Então, este é um capítulo sobre fracasso. Diz: “Sinta-se mal, fracasso é uma droga. Todos queremos ter sucesso na primeira tentativa, ser os melhores e ganhar instantaneamente, mas a vida não funciona assim. Em vez de culpar a si mesmo ou aos outros, saiba que grandes coisas levam tempo. Sinta-se um pouco ruim, mas prepare-se mentalmente para seguir em frente.” Tudo o que vale a pena leva muito tempo. Demora tanto tempo, e estou impaciente, mas vale a pena esperar. Sim. Enquanto você está refletindo sobre a minha entrevista com Adam, eu adoraria que você pensasse sobre como você pode revelar sua própria verdade humana, porque se você pode revelar sua própria verdade humana, você inevitavelmente será capaz de se conectar com os outros, e seus verdade humana. Então, pergunte a si mesmo, há algo mais que eu possa compartilhar que possa alcançar outras pessoas, ou inspirar, ou ajudar outras pessoas? Estou escondendo algo? Posso trazer algo para fora que possa permitir que alguém entenda que eles não estão sozinhos, que eles pensam assim também e que estamos todos juntos nisso? Pense em como você pode ser capaz de trazer alguma bochecha, rindo de si mesmo talvez para sua história. Traga essa pequena borda dentada que ele tem para torná-la piedosa, para torná-la ousada, e pense em como você está usando sua própria mão para refletir o que está escrevendo. É algo que pode ser identificável com sua voz, e sua mão específica? 3. Entrevista: Pam Butler: Pam Butler é uma das primeiras artistas de rua. Ela chegou à fama fazendo arte de rua no início dos anos 1990, quando você arriscou ser preso. Ela passou a ter vários shows de uma mulher só. Eu realmente admiro a maneira como ela foi capaz criar uma carreira sem pedir permissão a ninguém para fazer nada. Oi. Estou aqui com a renomada artista, Pam Butler. Vamos falar sobre o papel da narrativa visual no seu corpo de trabalho. Tomei conhecimento do seu trabalho há quase 30 anos. Já faz um tempo. Você foi uma das primeiras artistas femininas de rua junto com Barbara Kruger e as Garotas Guerrilla. Seu trabalho se destaca como um dos trabalhos mais importantes e provocativos da arte de rua dos anos 80 e 90. Você pode falar um pouco sobre sua perspectiva única e papel geral que a narração visual tem no trabalho que você faz? Penso na nossa cultura como subestimando o poder da imagem. Parte do que eu quero fazer é mostrar o poder da imagem e como ela realmente nos afeta. Uma das maneiras de fazer isso é repetir imagens, fazer muitas repetições. Então, ele se torna em seu rosto através da repetição e através da justaposição. Uma vez que você começa a fazer repetição e justaposição, mesmo sem haver uma “história”, você obtém algo de uma narrativa. Você tem uma percepção de uma narrativa e você começa a procurar o que você está sendo solicitado a contemplar. Fale sobre como você se aproximou de fazer este projeto. É o projeto The Good Girl e é um corpo de trabalho que se concentra em mostrar mulheres e homens com declarações provocativas que estão muito em seu rosto. Fale sobre como você criou esta série. Então, ele está fazendo desenhos muito simplificados, muito desenhos animados, desenhos simples. Tive a sensação de que é preciso muito pouco para lermos o que é algo, e então nos aplicamos a ele. Eu fiz um show que tinha alguns desses desenhos realmente simples com palavras. Algumas coisas políticas estavam acontecendo no momento até o início dos anos 90 e eu estava muito irritado com alguns dos diálogos no movimento feminista no momento e eu não sabia como falar sobre isso. Então, eu estava olhando para esses desenhos e eu disse, “Bem, eles poderiam ser cartazes.” Fale sobre como você é capaz de receber mensagens tão profundas em justaposições tão simples entre linguagem e arte. Tem que ser em si mesmo muito forte e direto. Meu sentimento é que alguns dos cartazes não funcionaram porque as palavras não eram tão claras ou eu estava procurando muito por uma palavra e isso mostra ou algo assim. Então, é dessa maneira que você encontra a coisa certa que você pode torcer apenas um pouco. Isso te dá mais soco. A reviravolta é a coisa mais interessante. Você falou sobre a luta para fazer parecer sem esforço e quanto trabalho vai para a simplicidade, e como você poderia ter se esforçado demais e isso era evidente. Qual é a maneira como você faz com que pareça que não é torturado? Como você consegue isso para que não seja evidente para o espectador que você tem trabalhado tanto nisso? Você só sabe quando está trabalhando nisso. Se está parecendo muito apertado, há um aperto que você começa no trabalho que foi feito duro. Então, se está começando a parecer assim, tem que ser completamente reformulado ou jogado fora. Com a forma como trabalho , muitas vezes significa jogar fora. Normalmente é essa a linha. É só que, se estiver apertado, se não tiver aquela mordida, se parecer que o esforço é muito forte. Qual é o papel que você espera que o espectador traga para as peças através da projeção? Eu quero que eles se projetem, assim como eu me projeto nele, eu quero que o espectador se projete nele e veja como eles se relacionam com sua relação com o mundo. Mas esses podem ser bem diferentes. Muitas vezes são. Às vezes são. Mas, estou surpreso que nem sempre sejam tão diferentes quanto penso que serão. Por que é assim? Porque é que isso te surpreende? Estou surpreso com a frequência com que as pessoas realmente vêem o que estou tentando projetar. Eu acho que a série Miss América tem sido provavelmente a maior luta nisso, porque as palavras do projeto Guerrilla tornaram muito mais explícito com o que eu estava trabalhando. As pessoas do Projeto Miss América trazem muito de sua própria história sem, e eles também terminam sua própria leitura feminista. Então, muito disso é que eu coloquei a política nisso antes que eles se coloquem nele. Quando você faz isso, você não chega ao que está por baixo. Por que acha que estamos perdendo mensagens? É porque estamos sobrecarregados por eles? Em parte porque estamos sobrecarregados por eles, em parte porque nos valorizamos como indivíduos e pensamos que estamos no controle de como essas coisas nos afetam, quando na verdade, não estamos. Por que não? Eu acho que é um nível de não honestidade com nós mesmos, não honestidade com a maneira em que nós não somos os seres humanos totalmente autônomos em total controle de nós mesmos, que nós somos manipulados e imagens é um fator muito grande em como nós somos manipulado, e que histórias são construídas em torno de imagens. Histórias como um símbolo realmente potente na Europa cristã era a Virgem e a Criança. Falava muito e dizia muitas coisas. As pessoas sabiam quem eram e se relacionavam com essa imagem. Sim. Gostaríamos de nos ver livres disso, mas não estamos. Simplesmente não estamos. Então, qual é o seu trabalho tentando expressar nesse reino? Para ser honesto com você mesmo que essas imagens desempenham um papel em sua vida e que elas afetam como você pensa de si mesmo e da cultura em que vive e como essa cultura funciona. Porque caso contrário, você vai ser manipulado por eles e você não vai ser capaz de ser tão eficaz quanto você quer ser no mundo. Para alguém que está interessado em criar um corpo de trabalho que seja autoexpressivo e de alguma forma universal, que tipo de conselho você daria a eles? Seja brutalmente honesto consigo mesmo primeiro. Como você começa a descascar as camadas para chegar a essa honestidade? Que tipo de perguntas você faz a si mesmo? Você se pergunta, por que estou fazendo isso? O que isso realmente significa para mim? O que realmente vai dizer? Não fique satisfeito com a resposta fácil. Não espere que sua primeira resposta seja a resposta certa. Você é alguém que nunca pediu permissão para fazer sua arte. Para qualquer um que esteja interessado em criar seu próprio trabalho, mas tem medo de fazê-lo porque não tem certeza se alguém vai estar interessado ou se alguém vai comprá-lo ou se alguém vai se importar, o que você diz a essa pessoa? Se você quer ser um artista, você vai para o estúdio e você faz o trabalho. Se mostrar e vender é o que é importante para você, então pergunte a si mesmo se você é bom no negócio da arte e se vale a pena as lutas no estúdio. Se mostrar isso é o que é importante para você, então você não será capaz de chegar aos níveis mais profundos. Você só não é porque você sempre terá a idéia do outro e como você está projetando e o que eles estão pensando. É horrível para mim ter que mostrar agora porque me sinto muito exposto e é muito mais seguro manter esse trabalho no estúdio e ser muito controlador sobre quem o vê. Então, você tem que estar disposto a encarar isso. Então, eu acho que é realmente uma questão para o que é importante? Por que está fazendo isso? O que é que te leva a isso? Se o que o leva a isso é que ele tem que ser compartilhado, então você tem que fazer um trabalho que é facilmente compartilhado. Se você está fazendo isso porque você tem a compulsão de fazê-lo, então você tem que fazê-lo, quer ele possa ser compartilhado ou não. Enquanto você está refletindo sobre minha entrevista com Pam, pense em quanta permissão você está exigindo dos outros. Se você acha que está muito ocupado para fazer algo ou fazer algo, reconheça que ocupado é uma decisão. Decidimos fazer as coisas que queremos fazer, se acharmos que é uma prioridade. Então, se isso significa que você tem que estar acordado no meio da noite, colocando cartazes de maconha em algum lugar da cidade em que mora, talvez isso signifique que é o que você tem que fazer. Mas, não peça permissão de ninguém para criar seu próprio trabalho auto-gerado. Essa é a única hora que você pode fazer o que quiser. A grande coisa sobre contar histórias visuais é que você é o autor e o artista. Então, você pode alterar o texto. Você pode mudar a arte. Você não tem que pedir permissão a ninguém para fazer nada. Então, abra as algemas, liberte seu espírito e tente criar algo como se ninguém nunca colocasse parâmetros no que você está fazendo. 4. Entrevista: Giorgia Lupi: Giorgia Lupi é um designer extraordinário e é capaz de criar poesia com dados. Suas histórias visuais são inteiramente feitas com dados e eles feitos com uma estética que eu nunca vi antes. Hoje tenho o grande privilégio de falar com Giorgia Lupi, a renomada designer de informação. Giorgia, parabéns. Eu entendo que você tem trabalho agora em dois museus. Obrigado, Debbie. O Museu de Design em Atlanta e o Museu de Arte Moderna em Nova Iorque. Tem sido um ano e tanto com a publicação do seu livro, “Querido Data”. Eu nunca conheci ninguém que é capaz de criar uma história visual com dados bastante da maneira que você pode. Diga-me como percebeu que os dados poderiam ser poéticos? Bem, eu sempre fui muito fascinado por números. Para mim, os números sempre foram bonitos, mesmo quando eu estava estudando. Eu acho que números para mim são regras que podem levar a criações que são menos arbitrárias do que apenas desenhar e criar gráficos per se. Então eu acho que para mim, os números sempre foram bonitos, e de certa forma, eles são ainda mais bonitos quando se tornam histórias qualitativas e, portanto, não apenas números, mas quando os dados se tornam uma maneira de interpretar o que está acontecendo em. Para mim, ter regras e ter números e quantidades e variáveis para trabalhar abrem minha imaginação visual. Leve-me através da sua abordagem, leve-me através dos passos que você daria para fazer alguma coisa. - Claro. Então, por exemplo, eu acho que é mais fácil se eu explicar o trabalho que está agora no MoMA. Sim. Então, eu comecei com uma exposição que é uma exposição fascinante sobre moda que através de 111 itens, então roupas e acessórios, realmente nos ajudam a entender como a moda influenciou e ainda influencia nossa vida e a forma como nos relacionamos uns com os outros. Então, comecei com uma lista de 111 itens e comecei a enquadrar algumas perguntas. Então, o que é interessante entender sobre o processo curatorial, por exemplo, e eu comecei a categorizar cada item de acordo com, é um meio ou uma mensagem? Então, por exemplo, está na exposição por causa de suas características técnicas e estéticas ou pelo que ela representa e isso já é algo que pode me ajudar a construir dois parâmetros. Então, quando foi a emergência mais interessante ao longo do tempo? Essa é outra coluna que vou preencher com dados. Então, é um símbolo do movimento ou a consequência de um movimento? Juntamente com Paola Antonelli, que é a curadora deste show, preenchemos essas categorias e muito mais. Então, veja, a partir de uma lista de elementos, você pode adicionar categorizações e tipos de análises que ajudam a trazer parâmetros para essa planilha que você vai preencher. Depois disso, acho que é importante entender qual é a história principal que precisa sair. Esta é a coisa que precisa se destacar visualmente mais, e isso é um monte de esboços para mim. Em seguida, você testa com os dados e, na maioria das vezes, você precisa voltar e esboçar novamente. Minha abordagem aos dados é muito artesanal. Eu mesmo não codificar, e eu pensei que eu vou trazer essa não-capacidade de código para o nível extremo e realmente torná-lo sobre trabalho e mãos. Então, você tem a lista fixa e, em seguida, você tem a lista subjetiva que você traz para a análise da lista fixa, e essas são perguntas que você cria que permitem que você compreenda as construções e o contexto do que você é analisando. É uma maneira perfeita de dizer isso. Neste caso, eu tenho colaborado com pessoas que são especialistas sobre este show, usando sua pesquisa de fundo como meu ponto de partida para fazer as perguntas, mas eu acho que é realmente importante porque às vezes nós pensamos que nós somos dados com dados e talvez só tenhamos que visualizá-los. Mas também podemos criar dados que podem nos ajudar a entender os padrões ocultos das histórias e, para mim, isso é o que é mais convincente. Me dê alguns exemplos, se puder, isso é realmente interessante, os padrões ocultos das histórias. Bem, eu acho que é fácil compreendê-lo quando se trata de dados pessoais, por exemplo, através do trabalho de Dear Data. Claro, nossos dias e nossas vidas e até mesmo nossos pertences podem ser vistos apenas como uma coleção de coisas e uma coleção de momentos, mas quanto mais você analisa cada momento, cada posse de acordo com perguntas que você pode querer fazer e entender, elas começam a se tornar dados. Você escreveu “Querido Data” com um amigo. Sim. Vocês se comunicaram via postais e enviaram um cartão postal a cada semana, onde visualizaram alguma experiência daquela semana através de dados. Você pode falar um pouco sobre como você se aproxima de fazer o trabalho. Bem, por exemplo, é interessante se relacionar com Dear Data porque durante 52 semanas, nós, todas as semanas, tivemos que fazer uma criação original e enviá-la fora do caminho antes do final do fim de semana, mas então o processo está novamente começando a parecer nos dados da semana e estes eram dados pessoais sobre atividades e, em seguida, enriquecemos com detalhes sobre nossos dias. Então veja qual era a história principal que queríamos contar, e na maioria das vezes, era simplesmente cronológico mostrar à outra pessoa os passos de nossos dias através dessa atividade. É claro que, ao trabalhar com dados, você tem regras em mente. Então eu sei que se você quiser contar uma história cronologicamente, eu poderia usar um cruzamento por exemplo de dias e horas ou eu posso construir uma linha do tempo ou eu posso organizar as coisas apenas uma após a outra e então você já tem uma grade em sua mente, mas então você precisa encontrar maneiras de visualizar os elementos, modo que os pontos de dados. Então, você pode falar um pouco sobre como você combina o que realmente se torna três elementos. Na narração visual, falamos principalmente sobre isso como uma linguagem e arte, mas aqui, estamos realmente falando de três elementos que tornam isso muito mais difícil, que é a linguagem, a arte e os dados. - Sim. Bem, há tanta coisa que se pode dizer sobre isso. O que eu faço, Eu acho que é mais do lado de usar uma expressão artística, como uma expressão visual que não é necessariamente aquele que é definido por convenção já built-in para uma apresentação de dados, mas, em seguida, cada vez tentar construir um que é realmente específica para os dados com os quais estou trabalhando, e a maneira como eu comunico o que está nos dados é criando uma lenda, uma chave. Meu trabalho é sempre combinado com a lenda. É outro alfabeto. - Sim. Eu acho que é um alfabeto que, eu estou realmente apaixonado pelo meu trabalho. É incrível porque toda vez que você cria um novo alfabeto. Então, temos ouvido bastante sobre notícias falsas ou fatos alternativos. Quanto disso está envolvido com a visualização de dados ou está isento dela? Sim, bem, eu começaria dizendo que às vezes, eu gostaria de lembrar as pessoas que os dados não existem. Então criamos dados porque não podíamos armazenar a vida em um disco rígido. Assim, os dados são uma abstração da realidade, e os dados são sempre e principalmente feitos pelo homem, e mesmo se eles vêm de um sensor ou de um software, um ser humano projetou o sensor, o software, e decidiu o que incluir e o que deixar de fora. Então, se começarmos por esses pontos, também podemos dizer que os dados são muitas vezes imperfeitos, e por que eu acho que estamos perdendo muito tempo é definitivamente esse conhecimento de que os dados não são perfeitos, porque o que você está dizendo é também que se os dados estão sujeitos a uma interpretação, provavelmente é ruim. Bem, os dados estão sempre sujeitos a uma interpretação, então acho que devemos parar de pensar que temos dados, fim da conversa. Esta é a resposta definitiva para a nossa verdade. Eu acho que a base de dados é melhor do que orientada aleatoriamente, mas ainda assim precisamos levar em conta que somos todos seres humanos e até mesmo as histórias baseadas em dados são imperfeitas e sujeitas a uma interpretação. Eu acho que um aspecto que pode ser confuso para as pessoas com dados é que há uma suposição de que os dados estão de alguma forma ligados ou baseados em matemática ou números, e enquanto isso pode ter a ver com padrões ou pode ter a ver com repetição, nem sempre é baseado em números, é muitas vezes interpretado. - Sim. Quero dizer, também pode ser sempre baseado em números, mas mesmo que seja baseado em números, os ângulos que você olha para esses números e as agregações que você fez são feitos por humanos. Então, ainda há um aspecto de ser orientação direcional em oposição à verdade empírica. Eu acho que sim. Enquanto você está refletindo sobre minha entrevista com Giorgia, pense em como você pode ser capaz de pegar o tipo mais mundano de mensagens e torná-lo significativo. Se você é capaz de desconstruir qualquer tipo de experiência na menor quantidade de informação, como você pode reconstruir isso de uma forma que é surpreendente? O alfabeto inglês tem 26 letras. Como você pode usar essas letras ou números que são infinitos para ser capaz criar arte que permite que as pessoas entendam uma experiência humana, qualquer experiência humana, e se você pode desconstruir qualquer experiência em suas partes mais pequenas e, em seguida, reconstruí-lo em algo maior do que a vida, as chances são de você estar em algo realmente interessante. 5. Entrevista: Paul Sahre: Paul Sahre é o designer mais conceitual que conheço. Tudo o que ele faz, seja uma peça para o The New York Times ou uma capa de livro, tem uma ideia muito forte, e tudo é construído sobre essa ideia. Tudo o que ele está fazendo é muito cerebral, mas também muito bonito. Oi, estou aqui com Paul Sahre, o incrível e brilhante autor, ilustrador e designer. Hoje vamos falar um pouco sobre contar histórias visuais. Paul, por mais que eu ame a palavra narrativa visual, o subtítulo do seu novo livro, Homem Duas Dimensionais, é uma memória gráfica. Então, como você descreveria o que é uma biografia gráfica? Acho que era uma maneira diferente de dizer um livro de memórias de design gráfico. Em termos da idéia de contar histórias, esta é a narrativa real com palavras. Palavras e visuais. Os visuais dão vida às palavras. Você acha que sim? Sem dúvida. Tudo bem. Seria um livro completamente diferente se fossem apenas palavras. Acho que não tinha pensado assim. Eu estava resistindo às imagens. Sim, em termos de memórias de um designer gráfico, eu acho que é, no final eu acho que é importante que parte do trabalho esteja lá porque o trabalho estabelece o ponto de vista em um certo grau, modo que quando estou falando de coisas que aparentemente não têm nada a ver com design gráfico você pode ver uma conexão. Algumas das coisas que acabei fazendo, acho que algumas das coisas que você está respondendo gostam do índice e fazendo coisas com a tipografia que acentuam o que está acontecendo. Poderia ter havido muito mais disso. Na verdade, havia muito mais disso e eu meio que editei um pouco. Por quê? Bem, é um livro sobre design. Não é um livro de design. Como se diferenciam? Queria que fosse uma biografia e não uma monografia. Queria que fosse sobre como alguém pode fazer isso. Obcecada pela forma tipográfica e semiótica e espaço bidimensional e grades. Para um leitor geral, por que alguém dedicaria sua vida a essa coisa? Por que você dedica sua vida a essa coisa? Eu não diria que minha mãe seria a primeira na fila em termos de leitor. Encontrei design na faculdade. Desenhei muito. É uma espécie de entrada na história, mas eu desenhei muito e realmente não sabia no que estava me metendo. Depois fui apresentado à cultura do design gráfico quando estava em Kent State estudando como estudante e me ensinaram que ser designer gráfico era uma vocação. Não é um trabalho. É quem você é. Seu trabalho é muito baseado em palavras. Considero-o o designer conceitual mais importante. É tudo baseado em ideias. Fale sobre como você aborda o design utilizando palavras como um elemento visual tão importante. Eu acho que a maioria dos designers acaba sendo assim simplesmente porque é como se você estivesse na aula de pintura na faculdade e você está apenas por alguma razão usando palavras em seu trabalho, e tipografia é algo que nós desenvolvemos um amor e um compreensão de, depois do fato, crescemos com palavras, obviamente, as palavras são importantes. Então quando você está na escola de design, e você não pensa sobre a forma dela, e então quando você está projetando a escola, é uma espécie de revelação porque de repente você está tipo, oh tipos de letra. A forma que a tipografia toma pode mudar totalmente o significado, alterá-lo, orientá-lo nesta direção e leva um tempo. Levei um tempo e tendo ensinado por muitos anos. Uma das coisas que é mais difícil logo no início com estudantes de design, é entender que, não, esqueça o que a palavra significa. Agora você está apenas se concentrando nisso, essas são formas, e E é uma forma e pode significar e sentir de certa forma totalmente desprovido do som que faz ou da palavra em que acontece de estar. Isso é uma coisa muito difícil para os estudantes de design abraçarem porque estamos tão acostumados a ler e pensar que as letras já são nossos amigos, e eles sabem que não precisamos pensar nelas. Aprendendo a respirar. Uma vez que você começar, em seguida, colocar a forma eo significado juntos, ele cria todas essas oportunidades. Você tem que ter alguma propriedade do que você está fazendo com a tipografia, e isso novamente parece não faria qualquer sentido porque um designer gráfico normalmente, embora muitos fazem, não está criando os formulários. Estamos usando formas que os tipógrafos criaram e então estamos recombinando-os de maneiras diferentes e o fato de que um designer teria um estilo tipográfico que seria muito, muito diferente de alguém, ou um voz tipográfica ser muito diferente de outra pessoa, tipo de na cara dele é como bem, como isso poderia ser? Se você não está inventando os formulários, mas é totalmente é. Então, eu acho que isso é definitivamente algo que eu estou ciente de que eu tenho que ter certeza de que eu não vou para o espaço de outra pessoa. Então eu sempre sinto que ele também tem que empurrar onde você está normalmente. Tem que haver algum risco. Será que se sente revigorante, ou se sente assustador ou? Oh, não, eu acho que ambos. É trabalho duro também. Se não estás apenas a fazer algo, estás confortável a fazer. Eu não estou dizendo que eu não me repito porque eu acho que isso é parte do que nós fazemos também. Há também toda a visão geral de qual é a situação particular que você está pedindo. O que ele precisa, o que ele quer, e você cede a isso. Quanto. Mas eu acho que em um sentido maior também que você está querendo fazer algo, um designer gráfico não tem um público cativo como um cineasta. Um cineasta, suponho que se levante e vá embora. Mas vamos para uma sala, sentamo-nos e olhamos para a tela, e você está olhando para a tela. trabalho de um designer gráfico está em algum lugar, ou está se movendo na lateral de um ônibus ou algo assim, e é como. Então, tem isso acontecendo também. Você tem que criar uma situação com ela que está contando uma história, mas também está atraindo a atenção de alguém , fazendo-os parar, fazê-los pegar algo, fazê-los agir. Eu sempre brinco em torno de projetar um cartão de visita que parece, este é um pouco de dois polegadas por três polegadas pouco espaço lá e eu acho que a maioria das pessoas iria por que você se importaria em projetar um cartão de visita, mas é super fascinante. Pense em como funciona. Estou muito interessado em como você editou seu próprio trabalho no livro. Quero dizer, muito disso neste caso tinha a ver com a escrita. Eu senti que em um certo ponto eu tinha que ter essa conversa como eu estou indo, nós estamos indo longe demais nessa outra direção. Temos que mantê-lo lá atrás. Mas muito disso tinha a ver com tentar descobrir qual era a minha voz em termos de escrita. Realmente ter um plano em termos de tudo o que está no livro tem que voltar e se relacionar com o design e formar a história. Se é algo que é apenas uma história interessante e não se relaciona, então provavelmente não deveria estar lá. Foi doloroso tomar essas decisões? Alguns deles sim. Alguns deles eram. Mas novamente sim, como você disse, eu acho que como designer você tem que ser um editor em algum grau e você está acostumado essa idéia de que em algum momento você tem trabalhado nesta coisa por um par de semanas e você está meio apaixonado por ele, e então você diz, “Eu tenho que matar isso”, porque não está fazendo ou precisa ir em uma direção diferente e eu aprendi há muito tempo para ser capaz de deixar ir nessas situações. Então, acho que foi mais fácil quando tem a ver com palavras. Você tem três peças atualmente em vista em outro museu, o Museu do Design em Atlanta. Uma das peças é um cartaz que vi pela primeira vez em Christoph meme no estúdio, e tem as palavras tentar, tente novamente como a mensagem. Então, você pode falar um pouco sobre por que você decidiu usar essas palavras em particular da maneira particular que você desenhou o cartaz? Esse cartaz é interessante porque a mensagem e a forma que ele toma são totalmente, eu realmente me pergunto o que as pessoas tiram disso, porque o contexto por que o cartaz foi projetado é totalmente diferente agora. Porque se alguém vê-lo agora ele é removido desse contexto e o contexto original foi um projeto que eu fiz que envolve as missões Apollo, e um lançamento de foguetes para envolver meu pai, um acidente de foguete modelo e, em seguida, um relançamento de 40 anos depois. Então, foi por isso que foi originalmente projetado. Referia-se especificamente às missões lunares Apollo no foguete Saturno 5 e à ideia de que a esperança brota eterna, suponho. Então, a forma que ele toma é, é um vermelho e prata e eu não sei quanto disso se depara em termos de exploração espacial, início dos anos 70, ou como mudou essa mensagem. Porque é claro, ouvimos muitas, muitas, muitas vezes em nossas vidas tentar, tentar novamente. Eu nem sei de onde essa frase se originou. Mas a forma e o que está dizendo são uma espécie de colisão estranha. Então, cria algo novo. O que ele cria, eu admito como designer, eu não tenho qualquer controle sobre agora, que ele é liberado de seu contexto original. Eu acho que de muitas maneiras, isso meio que chega a uma das coisas que é a coisa mais interessante sobre design de qualquer maneira, porque você está fazendo associações visuais por razões específicas. Então ele sai do mundo, libertado em muitos casos dessas razões e da necessidade. Então, o que significa para as pessoas, e elas se importam com isso? Eu acho que isso é constantemente um processo de aprendizagem para um designer, e também o fato de que eu sinto que nós poderíamos ser estudantes disso para toda a sua carreira e ainda ser um novato. Certo. Então, como você pode ficar entediado como designer? Enquanto você está refletindo sobre minha entrevista com Paul, pense sobre como você está criando sua história visual, qual é sua grande idéia, e como você está revelando essa idéia? Você está doando demais? Um dos grandes problemas que vejo na narrativa visual é dar toda a história. Como você pode envolver seu público distribuindo o material de uma forma que seja dramática e tenha um ritmo realmente bom em evolução. Continue pensando em trazer a história de volta a essa ideia e, em seguida, criar alguma resolução no final que nos permita entender o que é essa ideia e por que ela é importante. 6. Encerramento: Muito obrigado por assistir essas entrevistas hoje. Espero que tenham gostado das minhas conversas com Georgia Lupi e Paul Sér, Pam Butler e Adam J. Kurtz. Joseph Campbell disse que a necessidade de humanos, homosapiens contar histórias é uma das manifestações profundas do espírito humano. Então, espero que isso tenha inspirado você a fazer suas próprias histórias visuais e revelar sua profundidade e seu espírito humano. 7. Mais para explorar: