A história do design gráfico: estilo e movimentos artísticos influentes

1. Apresentação do curso: [MÚSICA] Para entender o futuro do design gráfico, você deve entender o passado e até onde chegamos nos últimos 120 anos. Esta aula rápida analisa a história do design gráfico à medida que analisamos sete estilos e movimentos artísticos diferentes que mudaram nossa indústria para sempre. São aulas divertidas e divertidas, repletas de exemplos visuais de cada movimento de estilo. Nesta aula, revisaremos os seguintes movimentos artísticos. Art Nouveau, Bauhaus, Art Déco, estilo suíço, arte pop , pós-moderna e a era digital. No final, você terá a tarefa de criar um projeto de pôster que emule um desses sete estilos. Também serão úteis pesquisas adicionais disponíveis para que você possa ver as interpretações modernas desses estilos em ação. Este curso é para qualquer pessoa interessada na história do design ou para aqueles que são apaixonados por expandir seus conhecimentos na área de design. Eu serei seu professor nesta aula. Meu nome é Lindsay Marsh e sou designer gráfica há 20 anos e ensinei mais de 300.000 estudantes de design nos últimos cinco anos. Qualquer pessoa que tenha frequentado minhas aulas viu minha devoção e amor pela indústria de design gráfico, e estou empolgada em apresentar esta aula de história para você hoje. vejo na primeira aula. [MÚSICA] 2. História dos movimentos do estilo- uma introdução: [MÚSICA] Temos muita sorte de estar em nossa posição e poder aproveitar uma história de design tão grande, maravilhosa e rica. Para entender o futuro do design, precisamos entender o passado. Esta aula analisará os movimentos de estilo duradouros dos séculos 20 e 21 que ajudaram a moldar a indústria de design gráfico hoje. Movimentos de estilo e arte acontecem raramente, às vezes apenas uma vez em uma geração e dependem muito de eventos que ocorrem na política, cultura e história globais. São mudanças abrangentes na forma como artistas e designers veem e interagem com o mundo ao seu redor. Alguns movimentos como o Art Déco, que era popular nas décadas de 1920 e 1930, ainda são relevantes hoje em design. Você pode ver como todas essas épocas de estilo influenciaram a diversidade da estética atual do design. Você notará que cada novo movimento de arte ou estilo se baseia no próximo. Quando um estilo de design específico começa a ficar obsoleto ou supersaturado em uma cultura, tende a haver uma mudança em direção a um estilo oposto. Pense no estilo dos carros nos últimos 50 anos. Nas décadas de 1950 e 60, você notará que os carros tinham barbatanas muito grandes e estilos de carroceria muito lisos e arredondados. Depois de algumas décadas de saturação e uso excessivo, algo novo e diferente foi desejado. Foi quando surgiu o estilo mais quadrado da década de 1980. Depois da década de 1990 e meados da década de 2010, notamos que os carros estavam ficando mais redondos e cheios de curvas novamente. Além disso, o mesmo fenômeno acontece com a moda. Era uma vez que eram jeans para mães na década de 1980. Em seguida, jeans rasgados de cor clara na década de 1990 e, nos anos 2000, voltaram para as calças mais escuras de pernas retas que eram populares na década de 1950. Até agora, bem, voltamos aos jeans da mãe. As cores branqueadas mais claras da década de 1990 estão aí. O pêndulo continua balançando para frente e para trás, não apenas no estilo dos carros , mas no estilo de quase tudo. Quando algo se torna comum, buscamos orientação sobre o que podemos fazer para torná-lo algo extraordinário. Na história do design gráfico, vemos o mesmo pêndulo balançando cada uma ou duas décadas nos últimos cem anos. Você notará, ao percorrer esses sete movimentos diferentes de estilo maior, que um movimento se contrapõe ao outro e eles lentamente se constroem um sobre o outro como um prédio de vários níveis, permitindo todos os estilos do passado para influenciar os movimentos mais recentes. Gostaria de começar no final de 1800 nosso primeiro movimento de estilo e acabaremos falando sobre a história mais recente do design gráfico e dos eventos que ajudaram a moldar nossa indústria agora e no futuro. vejo na próxima lição. [MÚSICA] 3. Art Nouveau e o movimento Bauhaus: [MÚSICA] Nosso primeiro estilo sobre o qual vamos falar é o Art Nouveau. Isso durou aproximadamente entre 1880 e 1910. Acredito que antes de tudo, uma pintura deve decorar. Este é o artista Maurice Denis, pintor e artista francês. Se eu pudesse descrever esse estilo em uma frase, seria cheio de curvas, brincalhão e cheio de vida, literalmente. Se a França tivesse uma herança de estilo de design , provavelmente estaria enraizada no Art Nouveau. Esse estilo arquitetônico influenciaria muitos dos magníficos hotéis e edifícios de Paris e o design de ornamentos. Como a maioria dos movimentos de design, este transcendeu o design, a arquitetura e as artes decorativas e foi dominante durante o período da Belle Epoque. Esse período no final dos anos 1800 e antes da Primeira Guerra Mundial foi cheio de otimismo animado, exploração e expressão artística. Art Nouveau é caracterizado pela abundância de vida floral e vegetal detalhada, geralmente exibida em padrões não repetidos. Você notará muitas curvas que emolduram fotos e pontos focais, como neste exemplo. Nas duas fotos abaixo, você vê vários elementos de design no estilo Art Nouveau. Você os achará abundantes, pois decoração de fundo está decorada nos cantos de um design. Você também vê que muitos personagens principais altamente ilustrativos personagens principais altamente ilustrativos tendem a apresentar muitas mulheres mais do que homens. Art Nouveau se inspirou em antigas xilogravuras japonesas. Muitos artistas de meados ao final do século XIX gravitaram em torno da arte e do estilo japoneses do início de 1800, incluindo ninguém menos que Claude Monet. O estilo topográfico geralmente apresentava letras imperfeitas desenhadas à mão com uma aparência personalizada distinta. A maioria dos pôsteres usa tipografia que usa letras maiúsculas em suas manchetes. Raramente há algum espaço em branco em uma peça Art Nouveau e quase cada centímetro quadrado tem detalhes floreios ornamentais e uma sensação de riqueza. Os personagens principais do design provavelmente estariam em uma pose muito dramática para mostrar o máximo de movimento possível. O pôster à esquerda apresenta um título em diferentes tamanhos de fonte, bem compactado. Essa é uma característica muito comum do Art Nouveau. paletas de cores usadas nesse estilo tendem a favorecer tons mais saturados e terrosos, com uma boa mistura de cores quentes e frias, sendo o quente o favorito dos dois. Você também pode ver muitos tons de bronzeado , dourado, marrom e verde natural. Uma das características interessantes do estilo são os aspectos assimétricos da maioria dos layouts. Normalmente, você verá um lado mais pesado do que o outro, com a tipografia equilibrando as imagens e os personagens. Perto do início da Primeira Guerra Mundial, esse estilo de design havia seguido seu curso e abriria caminho para um estilo de design ornamental e detalhado semelhante chamado Art Déco, que persistiria até a década de 1920. Mais tarde, você verá o quanto o estilo influencia as características curvilíneas e maximalistas do Art Déco. Agora vamos para o segundo movimento artístico. Precisávamos ter algo para contrariar todo aquele design maximalista da Art Nouveau, que seria a Bauhaus. Bauhaus durou aproximadamente de 1919-1933. Ele unificou as artes para criar um design esteticamente agradável e prático. Bauhaus era uma escola alemã que foi aberta entre 1919 e 1933. A palavra Bauhaus em alemão se traduz em construir a casa, a escola e, eventualmente, um movimento influente em arte e design, que buscava tornar os objetos do cotidiano eficazes e manter um senso de simplicidade. e beleza. Nasceu em uma era de modernismo na Alemanha, onde os artistas queriam criar novas expressões e formas de arte e estilo e deixar a era tradicional do design para trás. Ele se concentrou na produção de produtos bem projetados que podem ser facilmente produzidos em massa para uma parcela maior da sociedade. Em vez de apenas a elite rica. Há uma influência industrializada na Bauhaus ao introduzir tecnologia e novos materiais em seus designs de produtos. A escola de pensamento da Bauhaus acabou impactando o futuro do design arquitetônico, do design de produto e até da tipografia. tipografia geométrica foi influenciada pelas características precisas, mas arredondadas do estilo Bauhaus. Tem uma abordagem holística do design e das artes, sem fronteiras distintas entre diferentes campos do design e da arte. Há um grande desejo no estilo Bauhaus de se concentrar na abordagem mais científica para resolver problemas de design. Isso abriu caminho para que grades, a proporção áurea e outras interpretações mais matemáticas fossem usadas no design. O estilo Bauhaus consiste em formas geométricas básicas que servem como sua principal forma de inspiração. Há um uso distinto de bordas arredondadas combinadas com bordas retangulares mais nítidas. Buscou se libertar das expressões artísticas do passado e se concentrar mais na natureza simplista das linhas limpas e menos nas emoções. Queria dar ordem a um mundo desordenado. Esse estilo frequentemente se sobrepõe formas geométricas e garante seguir as teorias básicas de cor, layout e hierarquia para alcançar um equilíbrio e um fluxo básicos. O design da Bauhaus busca tornar as coisas o mais simples possível sem o uso de nada desnecessário. função segue a forma é o slogan principal desse estilo. A forma de um objeto deve estar relacionada à função ou finalidade pretendida. Ao contrário dos movimentos artísticos do século XIX, como o Art Nouveau, as decorações desnecessárias, ornamentadas ou adicionadas no design foram removidas. Isso ocorre porque cada elemento deve servir ao objetivo principal do design. A cadeira apresentada aqui por Marcel Breuer parece básica, mas cada decisão de design agrega valor ao objetivo principal, que é sentar com conforto. Também faz menos uso de materiais. Seria fácil de fabricar e produzir devido à simplificação. É fácil ver a influência do estilo Bauhaus no design atual do logotipo. A maioria desses exemplos continuou usando formas geométricas básicas para construir suas marcas de logotipo. O logotipo Beats do Dr. Dre é uma ótima representação da forma de letra arredondada e do círculo circundante da Bauhaus . Bauhaus pode ter ângulos agudos, mas complementados pelas bordas arredondadas mais suaves. Todas essas marcas estão em sua forma mais simples sem elementos de design desnecessários. O estilo do logotipo funciona bem no mundo digital moderno devido à simplicidade e à aparência básica. Esse estilo existe há quase 100 anos e não é um estilo que desaparecerá tão cedo e encapsula um design limpo e clássico. [MÚSICA] 4. Art Deco e o movimento suíço do design: O próximo estilo que vamos descobrir é o Art Déco, que durou aproximadamente entre 1925-1940. Isso seria descrito como detalhes dramáticos, opulentos e luxuosos. O movimento Art Déco foi inspirado no cubismo, um estilo de pintura pioneiro por Pablo Picasso. cubismo também foi fortemente influenciado por formas geométricas 3D básicas, como o cone, o cilindro e a esfera. Art Deco é menos um estilo de arte específico, mas mais uma coleção de estilos daquela época. Ela se desenvolveu no início do século XX, por volta do período da Primeira Guerra Mundial. Ela se desenvolveu com o desejo de mostrar entusiasmo pela tecnologia e pelas indústrias em rápido desenvolvimento de sua época e pelo sucesso que se seguiu. É definido pela opulência extravagante com muitos detalhes, ângulos nítidos e materiais modernos, como plástico e vidro lisos e arredondados. O estilo do movimento Art Déco inspirou edifícios como o Empire State Building e o Chrysler Building. Você também pode ver os detalhes e ornamentos neste design clássico de um baralho de cartas, muito no estilo Art Déco. Esse estilo influenciou fortemente o desenvolvimento de características tipográficas variadas, como formas de letras longas, esticadas e dramáticas, com pontas pontiagudas , mas curvas de inspiração geométrica. A influência atual do art déco pode ser vista no design de logotipos de várias maneiras diferentes. Você pode vê-la por meio do uso da tipografia, como as formas de letras ultra elásticas que você costuma ver usadas nos tempos modernos dia. Você também pode ver isso em ilustrações detalhadas, que são populares em logotipos para treinamento, desenvolvimento pessoal e hospitalidade. Como o Art Déco não é apenas um estilo único definido, é uma coleção de estilos daquela época, você pode ver diferentes representações do Art Déco em logotipos baseados em tipografia. Neste exemplo, você tem letras elásticas clássicas com o braço central do E colocado abaixo na forma da letra, bem como em caracteres sublinhados como o e este exemplo do metrô. Você também verá ligaduras mais estilizadas. Nesta interpretação tipográfica moderna, você notará os dois l's, com a segunda aninhada na primeira, isso é muito comum em todo o Art Déco. O design de layout em estilo Art Déco apresenta caixas detalhadas, arte de linha e traços duplos. Encontrei o exemplo perfeito enquanto jantava em um restaurante ao estilo dos anos 1920 em Asheville, Carolina do Norte. O layout do menu apresentava ilustrações lindamente detalhadas, bem como caixas com traços duplos ou linhas que se cruzam , criando um recurso elegante. Você também pode ver esse recurso de traçado duplo ou contorno no nome do restaurante que desce verticalmente pelo lado esquerdo. O ouro, como você deve ter notado, é muito usado nesse movimento como parte da demonstração de sucesso, riqueza e opulência da época. Monogramas e gráficos de rádio. Outra multa fantástica foi esse guia escoteiro, encontrado no saguão do meu hotel. Este monograma triplo apresenta um efeito de linha radial que emula os raios do sol. Você verá os raios de sol ecoarem e muitos designs Art Déco, bem como outras características da natureza, como folhas de plantas, conchas e outros objetos naturais, remanescentes do Art Nouveau. O próximo movimento de arte e estilo sobre o qual falaremos é provavelmente o mais influente no design gráfico moderno. Todos nós aprendemos esse método quando vamos para a escola de design ou quando estamos começando a aprender design, então é muito importante prestar atenção a este , porque ele realmente estabeleceu o básico. para muitas coisas que fazemos hoje. O próximo é o Design Internacional Suíço, também conhecido como Estilo Tipográfico Internacional. Algumas pessoas o encurtam para dizer apenas design suíço. Grades, espaços em branco e regra de fontes San-Serif. Essa forma segue o ethos funcional do movimento Bauhaus e pode ser claramente vista no estilo de design suíço popularizado na década de 1950 por designers na Suíça. Ele influenciou fortemente design moderno e pode ser visto como uma evolução contínua do movimento Bauhaus com suas formas geométricas super simples. As grades são a base do estilo suíço e ajudam a manter a ordem logicamente, mas também a apresentar informações uma forma facilmente digerível. Esse estilo se destaca entre outros estilos devido ao uso geral de espaços em branco pesados entre os elementos, o que garante que o design mantenha legibilidade e tenha um objetivo direto simples. tipografia desempenha um papel maior e até começa a se tornar o próprio design. Ele apresenta principalmente fontes San-Serif , sem detalhes ou serifas. tipografia geralmente é alinhada à esquerda com bordas direitas irregulares. Esse também é o estilo que deu origem à fonte Helvetica, a fonte San-Serif mais popular atualmente, usada até mesmo no metrô de Nova York e em muitas outras instituições governamentais. A Volkswagen aplicou o design suíço sua publicidade para criar um amplo espaço em branco. Antes dessa época, usar muito espaço em branco era considerado desperdício de um determinado espaço. design suíço acentua o espaço em branco e até se torna parte de um elemento de design por si só. A proporção áurea foi importante para o design suíço, ajudando a dar estrutura ao design. Qualquer grade criada com uma equação matemática estruturada estava agora no cinto de ferramentas do designer suíço Podemos ver um ressurgimento e grades sendo usadas em todas as facetas do design de logotipo, em geral layout para a construção da marca do logotipo , conforme visto nesses exemplos. O movimento Bauhaus, com um foco geral em formas geométricas simples e simplificação, raramente um movimento de design existe de forma independente sem ser influenciado por movimentos de design anteriores. Se você puder simplificar, faça-o. O principal mantra do design suíço é o processo de simplificação. Acho que o maior erro que os designers cometem é serem excessivamente ambiciosos ao visualizar uma ideia. A complexidade pode adicionar algum caráter a um logotipo, ícone ou design, mas também devemos garantir que nossos conceitos sejam tão simples quanto possível, para que possam ser eficazes. Há algum elemento ou detalhe desnecessário em seu conceito? Existe uma maneira de combinar gráficos para ter um único ponto focal em vez de várias coisas. Como estudamos anteriormente, Art Déco e outros movimentos artísticos anteriores dependiam decorações ou detalhes extras para impressionar o espectador. Com o design suíço, impressionamos com simplicidade e clareza. Queremos que eles vejam nosso design como limpo, simples e direto. É o que você faz com o espaço extra que importa. O que torna este antigo livro didático de física um design suíço clássico não é o que ele faz com o espaço de design, mas o que ele faz com o espaço restante, maioria dos designers modernos tem dificuldade em garantir use todo o espaço de design fornecido. design suíço permite que o designer apresente menos informações ao mesmo tempo, dando mais foco ao que é mostrado. Seria natural tornar esse gráfico de física maior. Nesse caso, ele é reduzido para que espaço em branco extra possa permitir que o design respire. Sempre há tensão quando apresentamos nossos designs, certifique-se de usar espaços em branco como elemento de design e não apenas o nada vazio. O que você faz com o espaço extra é tão importante quanto os outros elementos de design que você mostra. Este é um trabalho destacado de estudantes. Este projeto editorial, concluído por um aluno de um dos meus cursos, usa tipografia em elementos gráficos que ficam alinhados verticalmente e centralmente para desafiar a página de índice típica que você normalmente vê. O peso fino do tipo ajuda a adicionar uma sensação elegante e frágil. O assunto apresentado na capa é impressionante por si só, então eles se certificaram de mantê-lo livre de objetos, padrões e texturas que distraíssem para criar um estilo muito suíço limpo layout com muito espaço excelente. 5. Arte pop, o anúncio boom e a era digital: Vamos continuar avançando ao longo da história do design gráfico. Vou falar sobre o movimento da arte pop e isso durou aproximadamente das décadas de 1950 a 1970. Todos os dias, as coisas ficam empolgantes, coloridas e ousadas. A arte pop originada nos Estados Unidos e no Reino Unido. Pode-se pensar instantaneamente no famoso artista Andy Warhol ao ver esse estilo exagerado. Bem, o desafio da arte pop eram as formas tradicionais de arte plástica, usando objetos cotidianos e mundanos como tema, geralmente no estilo de quadrinhos. Um exemplo famoso de Andy Warhol é sua pintura de uma simples lata de sopa Campbell. Esses objetos do cotidiano se tornaram interessantes e ressoaram com os espectadores porque a arte pop era muito identificável. Muito longe dos padrões delicados e intrincados e das imagens de perfeição da era renascentista. O que define a arte pop é um estilo aleatório e menos limpo, que se concentra no assunto e menos em grades, precisão e em ser perfeito. Esboços grosseiros, jornais rasgados colagens eram elementos comuns usados na arte pop. arte pop define o estilo publicitário dos anos 60 com um senso de humor colorido, embora às vezes sarcástico. Isso trouxe um estilo realista para vender produtos. O mundo testemunhou um grande ressurgimento do estilo pop art e também da década de 1990. Você já deve ter visto esse padrão antes de ser chamado de padrão de meio-tom e se originou nesse período. Se houvesse um mantra nesse estilo, seria não deixar que as regras limitassem seu estilo. Um dos designs de logotipo mais conhecidos do nosso tempo são os famosos lábios vermelhos da banda The Rolling Stones. É uma grande afirmação com um tom cômico e um leve desafio às normas sociais. A maioria dos logotipos que adaptam um estilo pop art tem uma tipografia muito expressiva, como no logotipo da cabeça de pizza desse designer. Geralmente consiste em topografia manuscrita personalizada ou caracteres de texto, em vez de seguir uma linha reta, acariciar uns aos outros e se encaixar quase como uma peça de quebra-cabeça. O início do estilo pop art naturalmente deu origem a outro boom, que é o boom da publicidade. Da década de 1960 à década de 1990, estávamos saturados de publicidade. “Não tente ser original, apenas tente ser bom”, famoso designer Paul Rand, que viveu de 1914 a 1996. À medida que os orçamentos de anúncios corporativos aumentaram em meados do século XX, o mesmo aconteceu com seu apetite por arte e design. Os designers gráficos não eram mais relegados a simplesmente colocar palavras em uma página ou organizar fotos para um jornal. Agora, eles desempenharam um papel importante em ajudar as empresas a estabelecer marcas visuais, logotipos, campanhas publicitárias globais e ajudar as empresas a se conectarem visualmente com seu público. Paul Rand, um designer gráfico outrora humilde e autodidata, hint, autodidata, assim como eu e muitos de vocês que se tornaram diretor de arte global, desenvolveu logotipos icônicos para a Ford, ABC e IBM. Paul Rand funde o lado artístico do design com o lado comercial mais prático e o lado do marketing. Ele fez do design gráfico uma parte essencial do departamento de publicidade em expansão. Rand era mais conhecido por desenvolver identidades corporativas. Sua abordagem não era ser ousada, acêntrica, mas afetiva em sua abordagem de design , evitando ideias visuais muito complexas apenas por uma questão de expressão artística. Inspirando-se nos movimentos de estilo anteriores, ele garantiu que cada traço e objeto tivesse um significado e um propósito de estar presente no contexto. Após o boom da publicidade, entramos no movimento de design pós-moderno, durou aproximadamente das décadas de 1980 a 1990. Isso seria descrito como brilhante e experimental, e vamos quebrar algumas regras. Se você gosta de ser estranho, divertido, peculiar, ousado e viola as regras de design geralmente estabelecidas por pessoas como o estilo tipográfico suíço e o movimento Bauhaus, você pode se encontrar no movimento do design pós-moderno. Ele se desenvolveu no final dos anos 1960, mas realmente se tornou um estilo popular de design de interiores nas décadas de 1970 e 80. desconstrucionismo foi um movimento dentro do design pós-moderno, que deu aos edifícios uma aparência fragmentada. Ele usa formas não retangulares e exteriores distorcidos. Tudo isso foi para desafiar e impulsionar ainda mais a rígida arquitetura clássica do passado. Há uma vasta percepção do movimento e da arte pós-moderna com cantos arredondados e objetos que tendem a aparecer em movimento com linhas não lineares. Os logotipos abstratos nasceram desse movimento de quebrar a grade, mas também de fornecer esse movimento fluido com bordas arredondadas e elementos sobrepostos. Vamos falar sobre um exemplo da vida real. Este é o logotipo da Parsons, e a Parson é uma escola de design que faz parte da famosa New School na cidade de Nova York. Ele adaptou um tipo de letra variável aleatório para seus padrões de marca chamado new random. Ele definiria aleatoriamente diferentes larguras de caracteres conforme digitado pelo usuário, criando assim uma aparência totalmente inovadora para sua topografia e seus logotipos. Isso era controverso na época, e a maioria das coisas pós-modernas tentam ser controversas, mas decidem ser diferentes. A escola de design tem uma filosofia de experimentar coisas novas e desenvolver o futuro do design , então isso fazia muito sentido para a marca. Em que movimento estamos agora? Eu chamaria isso de era digital. A mudança para o estilo digital mesclado com usabilidade. O que fez os estilos evoluírem na última década foi um aumento no design da experiência do usuário. A experiência do usuário ou experiência do usuário coloca o usuário no centro do foco e mostra que não há obstáculos para alcançar seus objetivos, desejos e desejos. Se for um aplicativo de pedido de comida, foco na experiência do usuário permite que o usuário passe rapidamente para a finalização da compra e processe o pedido, ao mesmo tempo que desfrute de uma experiência fácil e tranquila. Talvez o aplicativo garanta que o item não tenha sido esquecido ao finalizar a compra com uma notificação que forneça uma experiência muito visual para fluir pelo aplicativo de forma rápida e fácil. A era digital nos trouxe a um novo território. Agora que os dispositivos digitais são muito pequenos e móveis, tudo o que criamos como designers deve se adaptar a esse novo mundo. Logotipos detalhados e complicados ainda são ótimos para outros ativos de marca, mas para usar um identificador principal da empresa, você deve pensar nos pequenos espaços em que ele agora deve existir. Antes que os dispositivos móveis fossem nossa principal interação com o mundo, navegávamos na Internet usando computadores desktop. As telas eram generosas e permitiam a criação de marcas de logotipo mais complicadas com sombras, destaques desfocados e camadas. Costumo pensar nos logotipos originais do Yahoo e do Google quando considero o estilo no final dos anos 1990 e início dos anos 2000. Apple mudou o mundo com seu computador iMac de alto brilho e aparência elegante, com parte traseira transparente e opções de cores individualizadas. Eles também estão anunciando mudanças com o efeito adicional de aparência superbrilhante e elegante. Esse estilo, que você pode chamar de Web 2.0, se você viveu naquela época, foi uma medida para fazer com que as marcas parecessem de alta tecnologia e prontas para ajudá-lo a avançar para o futuro com a tecnologia mais recente. Outras marcas seguiram com esse visual brilhante e adotaram o nome Web 2.0, e sua referência ao quanto a web evoluiu desde o início dos anos 2000. Muitas empresas de tecnologia seguiram o exemplo com esses detalhes extras. Os efeitos populares incluíram fluxões, como se o logotipo estivesse em cima de um vidro. Outros usam gradientes, realces curvos e qualquer coisa que possa emular o vidro, como você pode ver aqui. Apple lançou o iPhone e com ele vieram esses designs de ícones de aparência hiper-realista . Isso foi chamado de design skeuomórfico onde as camadas e o realismo eram favorecidos. Esses ícones quase tinham uma sensação tátil com texturas, padrões e destaques. Um exemplo popular é o logotipo do Instagram de 2015. À medida que avançamos para a era digital, temos a era do design plano de 2008 até hoje. Se puder ser simplificado, era semelhante a movimentos anteriores, como a Bauhaus ou o estilo suíço. À medida que avançamos para a segunda década do século 21, experimentamos um contraste total com todo o design detalhado e orientado pela eficácia. A era do design plano estava chegando. Essa era uma aparência contrária à Web 2.0 que quase todas as empresas haviam adotado naquele momento e, como falamos antes, uma vez que um movimento de estilo vai longe demais, um contra-movimento e o futuro não é diferente. O design plano não tem efeitos, sombras e detalhes. O design plano também se tornou muito usado e saturado nas últimas duas décadas especialmente na última década que quase todas as empresas tinham um estilo de design de logotipo plano, e vai e vem vai estilos. Agora, o pêndulo está girando o outro lado nos últimos anos medida que mais elementos desenhados à mão voltam aos logotipos, mas também os mantêm planos e limpos ao contrário do logotipos do início do século 21. Isso ocorre porque estamos garantindo que nossos logotipos permaneçam expressivos e exclusivos, mas também possam adotar esses tamanhos de tela menores e serem práticos para o bem do usuário. 6. Projeto do estudante: [MÚSICA] Agora que tivemos a chance de mergulhar nos movimentos influentes de estilo e arte dos últimos 100 anos, agora é hora aplicar o que aprendemos e, com sorte, despertar um pouco de entusiasmo por experimentar algo novo estilos. Quero que você escolha um dos movimentos de estilo que discutimos e crie um pôster que encontre inspiração nesse estilo. Temos o Art Nouveau, que é detalhado, cheio de curvas e elementos naturais. Bauhaus, que é geométrica, simplificada e objetiva. Temos Art Déco, que é ornamental, arte de linhas detalhadas, paletas de cores douradas e escuras . Estilo suíço, que é o uso de grades, muito espaço em branco e estrutura. Pop Art, que são objetos do cotidiano e cores brilhantes. Pós-moderno, que quebra as regras, distorcido, imprevisível. Ou a era digital, as regras da tecnologia, experiência do usuário em primeiro lugar e a prática. Sinta-se à vontade para fazer mais pesquisas sobre alguns dos artistas e designers influentes que viveram durante esses movimentos artísticos dominantes para reunir algumas ideias para seu pôster. Seu pôster pode ser um anúncio de um carro da década de 1960 ou uma peça de arte pop. Pode apresentar formas geométricas inspiradas no movimento Bauhaus, ou você quer que seu pôster seja um pôster extravagante para um musical do final do século XIX. A escolha é toda sua. Aproveite o processo de estudar outros estilos que influenciaram o design gráfico moderno. Espero que você tenha gostado dessa aula. Mal posso esperar para ver o que vocês vão inventar. Adoro apresentar trabalhos de estudantes no meu Instagram @lindsaymarshdesign, então não deixe de me marcar com seu trabalho estudantil, mas também de publicar trabalhos nas áreas de projetos estudantis para inspirar outras pessoas a participarem do desafio. [MÚSICA]