Transcrições
1. Introdução: Cada ilustração é um diálogo entre nós, e as cores, e o papel, e as ferramentas. Se você for capaz de melhorar esse diálogo, podemos criar peças significativas. Oi a todos eu sou Emiliano Ponzi, Eu sou um ilustrador e exterior de Milão Itália. Você pode ter visto no meu trabalho nas páginas do The New York, e do New York Times, capas de livros, publicidade e animações. A aula de hoje é sobre encontrar uma voz tonal única no Illustrator. O que eu amo ensinar questão não é apenas fazer ilustração, mas sua própria maneira única de ser um ilustrador, isso é uma grande diferença. Se você tem alguns blocos, se você tem medo de não ser capaz de entregar uma grande ilustração, eu posso dizer-lhe que através desta aula, você vai ser capaz de fazer isso. O que vamos fazer hoje é começar com esse rascunho e chegar às ilustrações finais. No processo, vou mostrar a vocês todas as minhas regras básicas,
as configurações mentais para fazer isso. Meu maior objetivo durante minha rotina diária é evoluir como profissional. Cada trabalho é uma nova oportunidade desafiadora para ser diferente de qualquer outra pessoa. Realmente essas aulas sobre o processo. Então você realmente não precisa de nenhuma ferramenta específica. Por favor, envie suas ilustrações para a galeria do projeto, eu adoraria ver o que você inventou. Agora, sem mais conversas, apenas junte-se à classe comigo.
2. O papel do designer: Estou tão feliz que você veio aqui comigo para responder juntos esta primeira e muito importante pergunta, quem é você? Aqui estamos tentando dar uma resposta a esta pergunta. Nós somos designers, somos ilustradores, somos pessoas criativas, mas no final, nosso objetivo é criar algo que não existia antes. Estamos criando algo para um determinado mercado, um propósito. Isso é o que se chama arte aplicada. O mercado está nos pedindo para criar uma peça única. Respondemos a esses pedidos de mercado atuando como um filtro do mundo, dando-lhes
assim o nosso ponto de vista pessoal e único sobre o mundo. Nosso ponto de vista, é construído após nossa experiência pessoal como ser humano, mas também como profissional, cada experiência que tivemos, ruim ou boa, afetou nosso ponto de vista final do mundo. Nosso ponto de vista único é a razão pela qual os clientes nos contratam. Por isso, temos de ser capazes de proporcionar um ponto de vista muito único e pessoal. Vamos tentar construir essas habilidades específicas apontando a atenção nesta aula sobre nossos processos mentais em vez do produto final. Isso vem mais tarde. Vou mostrar meu método, o que acontece na minha mente quando ninguém está assistindo, e como podemos contar com um certo número de passos para construir
uma rotina sólida e criar uma ilustração muito boa desde o início até o fim. Construir um método não significa que temos que agir como robôs, mas significa ter pelo menos uma pequena rotina mental em que podemos confiar. Isso é útil porque se queremos ser como profissionais de alto nível, temos que ser capazes de igualar algumas regras do mercado. Eu acordo todas as manhãs às seis. Eu trabalho como cinco horas seguidas, eu ligo meu celular porque eu não quero ser incomodado por telefonemas porque meu processo criativo é muito importante para mim especialmente de manhã. Depois almoco, trabalho à tarde, janto
, não trabalho mais ou tento. Então, de certa forma, eu tenho regras muito rígidas. Isso é coisa minha e funciona muito bem para mim. Mas você pode ter uma rotina diferente, um método diferente, mas o mais importante é que você tenha uma. Nesta aula, estamos tentando desenvolver seu próprio estilo, definindo qual é seu ângulo, seu ponto de vista. Vamos refinar esboços juntos, e vamos passo a passo para criar a imagem final. Vou esboçar rapidamente no papel e então posso mudar para o Photoshop. Mas você pode realmente usar qualquer material com o qual se sinta confortável. Como exemplo para esta aula, vou usar uma ilustração que fiz no ano passado para o New York Times Sunday Review. Vou mostrar a vocês desde os pequenos passos até os maiores, como construí cada peça desta imagem
de uma ideia muito solta até a final e publiquei uma ilustração. O que eu sugiro a vocês, é como seguir todos os passos que vamos
passar em um momento, de uma idéia muito solta para a ilustração final, e eu sugiro que vocês tomem todas essas
regras e tentem se candidatar a um projeto em que você está trabalhando. Então, pessoal, a pergunta agora para vocês é quem vocês querem se tornar realmente? Vamos descobrir juntos.
3. Desenvolver seu estilo: Então a maneira como você se vê como um designer, como um ilustrador afeta a maneira como você age para ser esse tipo de profissional. Nosso objetivo é ser grande, não é? Para isso, temos que desenvolver nosso potencial dia após dia no que chamo de visão de longo prazo da nossa carreira. Então a questão é: que forma eu quero dar à minha carreira? Por isso, tento ser deliberado ao escolher os trabalhos que quero aceitar. Toda vez que recebo uma oferta de emprego, me
pergunto uma série de perguntas perguntando por que devo aceitar ou recusar esse emprego. Pergunta como, quão legal é esse trabalho? Vai me dar muita visibilidade? Está pagando o suficiente? Quem está me pedindo para fazer esse trabalho? Como é que este trabalho vai afectar os meus outros prazos? Eu vou ser capaz de criar uma grande ilustração? Tenho tempo suficiente para fazer isso? Se não, se eu tiver que trabalhar durante a noite, o que minha esposa vai dizer para não me ver pela terceira noite consecutiva? Então eu tento combinar pelo menos uma dessas perguntas com uma resposta positiva, por exemplo, talvez o trabalho não seja pago o suficiente, mas ele vai me dar muita visibilidade porque é para uma marca super legal ou talvez não seja interessante em tudo mas o cliente vai me dar um monte de dinheiro. Uma vez que decidi aceitar um emprego, vou direto seguindo meus princípios para lutar e vencer nossa maior batalha, transformar o caos da criatividade em uma ilustração ordenada que faz sentido para nós e também para o público. O primeiro e mais importante princípio para mim é a clareza da intenção. Então, o que eu realmente quero comunicar no final. Para fazer isso, também peço ajuda ao cliente. Sempre me pergunto se os clientes podem me dizer o que querem comunicar,
mas, por favor, não me digam o que desenhar. Eu posso pensar sobre isso. Eu adoraria voltar ao assunto sobre quem queremos nos tornar. Acho que há algumas suposições em nosso campo que gostaríamos de explorar um pouco mais. Então eu acho que menos é mais suposição. Eu tive a sensação de que hoje em dia é apenas uma desculpa para ser preguiçoso, apenas para usar softwares e para usar técnicas para colocar alguns elementos, pequenos elementos em um pedaço de papel e dizer, “Eu estou agindo como um artista mínimo”, mas é muito mais do que isso. Minimalismo significa ser capaz de colocar centésimos elementos em um papel, e então decidir qual deles é melhor tirar
porque não está adicionando nada substancial à mensagem final. Portanto, ser capaz de ter um diálogo com a imagem é uma grande habilidade para aprender, porque uma imagem é uma criatura viva, é uma relação dinâmica com uma parte de nós mesmos que estamos criando no papel, por exemplo. Então, projetar uma linha às vezes sugere para mim qual é o próximo passo, ou talvez preencher uma parte do papel com uma forma azul é ajuste no próximo passo. Seguir tendências pode colocar sua carreira em risco, isso é o que eles sempre pensaram, porque a palavra moda em si significa uma coisa elegante que continua, mas por um curto período de tempo, mas queremos durar mais do que isso. Especialmente se você está estudando e talvez você não tenha um estilo já estabelecido, minha sugestão é que se você ver que um tipo de estilo o estilo está funcionando muito bem,
por favor, não replicá-lo textualmente porque isso é ruim para você porque esse estilo já está lá, essa pessoa já está lá. Então talvez você queira encontrar seu próprio caminho pessoal, e seu próprio espaço pessoal no mercado. A criatividade é um processo muito dinâmico, assim como a ação de adicionar e subtrair elementos de nossas ilustrações. Foi exatamente o que aconteceu comigo. Levei 20 anos para começar novamente a adicionar elementos porque minhas primeiras ilustrações eram muito diferentes de como elas parecem agora. Eu não tinha regras sobre meu estilo escritas em pedra, mas eu continuava mudando se eu sentisse esse desejo. Então, por exemplo, eu tenho algumas imagens publicadas muito antigas, elas parecem muito diferentes do estilo que eu tenho agora. Eu posso ver aqui que meu esforço estava tentando usar um par de cores no máximo e uma textura em cima de todas as camadas do Photoshop que eu estava trabalhando, e tentando mantê-lo muito mínimo. Também nesta imagem, é muito engraçado se um pensar de volta para o processo como eu projetei o C de acordo com o vestido descartar. Eu tentei projetar o C de uma maneira super mínima, tentando usar não mais do que algumas linhas, e agora eu fiz isso completamente de uma maneira diferente. Isso é super engraçado também. Como essas 50 vibe, eu estava experimentando cerca de seis ou sete anos atrás. Foi muito interessante porque eu tentei desenhar figuras
femininas com estes 50 ou 70 olhar, que era algo que eu estava super interessado. uma vez, trabalhar muito com as linhas e menos com a forma das coisas era algo muito importante para mim. Meu objetivo era exatamente esse, tentar usar apenas alguns elementos. Se você for para alguma imagem mais nova, podemos descobrir que a atenção para
a luz é igualmente o que cria formas na minha composição, e moldar-se está mais ligado a um imaginário realista. Além disso, a atenção para esta ilustração feita a partir do New York, a atenção para as pinceladas, para estes muito pintado campo quase finito. Eu poderia citar centenas de outros exemplos de como meu trabalho é diferente agora em comparação com o passado, mas a verdade é que nós somos o mestre de nossa linha do tempo. Assim, podemos facilmente ir e voltar para uma cápsula do tempo e podemos usar o estilo que melhor se adapta ao nosso propósito para criar ilustrações significativas, porque o que
temos do nosso lado é sempre a nossa perspectiva única do mundo. Há uma voz que vai identificar o nosso estilo. Então, no final, eu acho que um dos principais objetivos é desenvolver um vocabulário mais amplo para ser capaz de interpretar de forma adequada para o mundo, ou pelo menos para a tarefa em que estamos tentando trabalhar. Então, se você sabe apenas algumas palavras, vamos usar essas palavras para criar quase as mesmas frases, mas com o que
sabemos, desenvolvemos muitas palavras. Podemos criar páginas mais complexas e vamos ser capazes de nos comunicar provavelmente de uma maneira melhor. Uma prática que eu posso sugerir se você ainda está lutando para ouvir sua voz interna porque isso é totalmente normal, é um processo de construção. Então minha única sugestão por agora é ouvir a si mesmo, você vai encontrá-la. Eu não queria ser como [inaudível] viver sozinho em uma montanha, nós não estamos procurando por essa coisa. Mas do outro lado, eu me pergunto se você pode querer desligar todo o barulho do lado
de fora, das redes sociais,
das influências externas e talvez tentar ouvir; qual é o seu desejo. Como você vai pintar uma maçã, por exemplo, ou pode ser qualquer outra coisa? Como é a minha maneira pessoal de descrever essa coisa e o que eu quero comunicar retratando esse objeto? Talvez não acredites em mim, mas vou mostrar-te que tudo o que precisas já está lá.
4. Encontrar seu ângulo: Estou feliz que agora estamos indo mais fundo no
próprio processo que vai nos trazer de uma idéia muito solta para a ilustração final. Gostaria de incomodar Michelangelo com uma citação que ele costumava dizer antes de começar uma escultura. Ele estava vendo que tudo já estava lá, e ele só precisava tirar a quantidade inútil de mármore para revelar a escultura final. Então vamos tentar fazer um processo semelhante. Agora, tudo começa com um texto. Não importa se é um texto para uma revista,
para uma capa de livro, para uma campanha publicitária, devemos ser capazes de transformar palavras em belas imagens. Então, neste caso, estamos começando com um texto fornecido a mim pelo diretor do New York Times, Sunday Review, e vamos tentar construir nosso método por uma regra básica muito fácil, sendo capazes de entender o que o tópico é sobre em primeiro lugar, e depois tentar encontrar no texto as palavras que podem nos fazer clicar e criar como algumas imagens significativas. Cada trabalho é diferente, nós sabemos disso. Temos duas páginas ou duas páginas e metade dos textos aqui, você pode ter como apenas três linhas de texto ou apenas uma frase, mas isso realmente não importa porque você pode obter todas as idéias dos contextos e da sua visão pessoal do mundo. Então isso é apenas um exemplo, e estamos com o objetivo de construir um método que funcione aqui, mas também em outros cenários. O tema que estamos falando aqui a partir do título,
O Óleo de Serpente da Indústria do Segundo Ato. Então todas essas palavras são sobre a falsa possibilidade às vezes que os americanos têm que começar desde o início de sua carreira, e há muitas razões pelas quais eles podem querer fazer isso porque eles querem uma atualização em sua carreira, porque eles querem ganhar mais dinheiro porque eles pararam na universidade, na faculdade porque talvez eles tivessem um filho. Então, na América, há um monte de, digamos, Universidade oferecendo um novo caminho para um segundo ato desta vida pessoal. Mas como a palavra no título diz, o óleo de cobra, acontece que muitas dessas promessas são apenas promessas falsas. Então eu tentei destacar algumas frases para entender o que era o texto, e eu percebi imediatamente que era sobre começar de novo e de novo. Eu também tenho que principalmente é sobre dinheiro, e também há como pessoas em uma certa idade que são atraídas por essas promessas de óleo de cobra. Passei pelo texto e já destaquei em amarelo algumas passagens, muito importantes para entender o tema em si. Então eu comecei também a destacar em vermelho, as palavras-chave ou as sentenças-chave, super útil para mim para vir acima com idéias visuais. Então, como eu disse, tente construir um tipo invisível entre uma palavra e uma imagem. Então, se você pensar na palavra miragem, como você pode conectá-la a algum visual de sua experiência. Estou pensando na situação do deserto, temperatura super quente,
olhando para o horizonte e vendo coisas que ainda não estão lá ou vendo pelo menos essas formas cintilantes, super fervendo no horizonte. Há outro também, estou preso. Quando falei com ela pela última vez,
ela e sua família estavam em dívida com empréstimos estudantis. “ Por causa da dívida, estou preso.” Ela disse. Então esta palavra presa, presa ligada ao dinheiro. Dinheiro pode ser sinal de dólar, talvez sinal de dólar pode ser transformado em algum animal dinâmico. Estou pensando com você, eu estou pensando que preso pode ser como levar alguém para o abismo, tão incapaz de alcançar a superfície da água, mas ainda se afogando, e esta palavra recomeçando no início, eu não realmente notá-lo em primeiro lugar, mas vamos ler apenas a primeira frase. Nós na América acreditamos em começar de novo e de novo e de novo. Então, de certa forma, esta palavra está me fazendo pensar em uma estrada ou em um jogo onde podemos começar uma e outra vez. Mas há algo falso nesta estrada ou neste jogo. Então temos a percepção de que podemos recomeçar, mas não podemos. Então eu não sei. Isso me faz pensar nos desenhos animados do Road Runner, quando o Coyote pinta como uma porta na montanha fingindo que é um túnel, mas não é realmente, então esse tipo de coisa. Então, há muitas palavras aqui super interessantes que podem nos ajudar a chegar a grandes idéias ou talvez não, nós não sabemos. Vamos descobrir mais tarde se algumas dessas idéias podem se tornar um projeto ou se temos que deixar essas idéias à parte. Então não coloque nenhum limite na sua criatividade agora. Esboçar todas as idéias que você pode vir acima com muito rapidamente, e então nós vamos julgar essas idéias mais tarde.
5. Esboçar sua obra: Então agora o que eu costumo fazer é tomar algumas notas rápidas sobre as palavras que eu realcei e tentar ver se eu posso chegar a um rabisco rápido relacionado a essas palavras. Então vamos começar com esta imagem de corredor de
estrada que eu tinha em minha mente pensando, desenhar uma estrada, que talvez uma estrada. Talvez eu queira acrescentar também uma figura feminina aqui porque principalmente o texto fala sobre as fêmeas em seus anos 40 ,
50, algo assim. Então não sei o que pode acontecer? É algo falso? Talvez perto do horizonte não haja rua, talvez a rua possa voltar. Então traga-a no mesmo ciclo em que ela vivia. Então a sombra talvez possa destacar o fato de que não há realmente uma rua para frente. Estou preso. Então eu acho que eu gostaria de manter esta idéia de uma linha, a rua, o caminho. Esta vida, a vida dessa pessoa, talvez eu possa mudar meu ponto de vista agora, e em vez de mostrá-la super pequena e ter esse passado gigantesco, e eu provavelmente posso mudar a proporção e ela pode ser realmente preso. Ela está tentando andar, mas por alguma razão os pés estão empilhados no concreto aqui, na rua. Talvez eu possa adicionar alguns detalhes perdidos do fundo, mas eu quero que a rua seja o elemento mais importante no meu esboço. Acho que é a coisa certa a fazer. A rua e a mulher. Então a mulher é a figura positiva, e o ambiente é o mundo do mal, isso não permite que ela faça o que ela quer ir, onde ela quer ir. Miragem. Mirage, estamos vendo miragem, então não
vemos as coisas claramente ou talvez estejamos vendo coisas que nem estão lá. Então, é claro que preciso de uma linha do horizonte, e então uma mulher olhando para ela, e então talvez tudo possa ser como uma miragem,
bela paisagem, mas grossa, em movimento. Não tenho certeza sobre isso. Eu realmente não tenho certeza. Eu costumava produzir muitos desses esboços no papel porque eles realmente
me ajudaram a limpar minha mente sobre o processo final de esboço. Eu sempre tive algumas notas aqui, algumas frases ou algum ponto de interrogação se eu não tenho certeza sobre esta escolha para que eu possa revisá-lo em um segundo momento. Então, neste ponto, estou tentando entender como transmitir minha mensagem e o que exatamente quer se comunicar, estando na mesma página com o tópico, claro, mas sendo capaz de adicionar meu toque pessoal. Então, neste momento você tem que se perguntar, qual destes expressar melhor quem eu sou como uma pessoa criativa? São só ideias soltas. Agora, eu tenho que encontrar o ângulo certo para conectar esses rabiscos com meu ponto de vista pessoal. Tenho que ser muito corajosa. Selecionando idéias que me pertencem e que podem se tornar um projeto sólido e tirar todas essas outras, destruindo-as. Para fazer isso, há apenas uma maneira, tentando ficar muito apertado com uma nova versão desses esboços. Eu costumo trazer essas idéias para o computador usando o Photoshop, e eu tento recolocar cada idéia adicionando todos os elementos que também o cliente pode querer ver antes de selecionar qual deles vai se transformar na peça final. Então, estamos pegando todo esse material, vamos redesenhar tudo e vamos tornar tudo compreensível. Então, se estou usando um deserto ou se estou usando uma miragem aqui, por exemplo, eu realmente quero deixar claro que eu sei como desenhar uma miragem. Isso é crucial. Então eu vou começar uma pesquisa, eu acho. Eu vou criar uma ferramenta específica que vai ajudá-lo com esta pesquisa. Então leia os textos e tente entender a mensagem central, e então tente lê-la novamente e procure que palavras ou frases muito significativas para você criar um visual, e apenas rabiscar rapidamente. Faça um esboço rápido que vamos
refinar juntos e apresentar ao cliente em um minuto.
6. Aprimorar sua mensagem: Então, agora que já esboçamos esses rabiscos soltos, é hora de avançar com o próximo passo, o quadro de humor. Mood Board é apenas uma coisa que eu aprendi quando eu
costumava trabalhar na indústria da moda no início da minha carreira. Os designers de moda usam placas de humor para tentar entender a temperatura de sua próxima coleção. Então eu silenciei essas ferramentas deles, e criei um arquivo grande no Photoshop com toda a referência que eu talvez queira precisar. Então, o efeito miragem, por exemplo, as pessoas se afogando, o roadrunner, estrada louca túnel falso eu menciono isso. Alguma idéia solta do que significa ser preso, e eu tentei descobrir também como como como vendedor de óleo de cobra pode parecer. Todo o propósito do quadro de humor é tentar encontrar a temperatura certa para nossa ilustração final e não apenas para ele, mas também para projetar os esboços de forma adequada e torná-los reconhecíveis também de outros. Então agora é realmente a hora de pular em nosso círculo criativo interno e tentar criar alguns esboços de taxas que gostamos, idéias que gostaríamos de ver como uma peça final impressa em uma revista, como capa de livro, como outdoor. Vou começar com estas formas de estrada malucas. Quero tentar
usar algo cinza, e vamos ver. Primeiro, eu projetei a estrutura, e eu tento entender se minha idéia pode se destacar. Então talvez eu queira destacar a estrada porque é um dos personagens principais aqui. Talvez eu queira refinar e tornar esta estrada um pouco mais reconhecível como uma estrada em si, algo assim. Talvez eu precise adicionar imediatamente a mulher aqui. A mulher talvez não tão jovem, talvez não tão feliz com este falso segundo ato negado. Então, talvez também seu vestido pode ser imediatamente nos dizendo que é uma média de 50 anos de idade mulher. Portanto, temos de ser capazes de ser universais sem sermos demasiado genéricos. Talvez para amarrar isso ao mundo dos negócios, podemos adicionar uma mala aqui, uma maleta, pequena. Como nosso amigo, o coiote, nos ensina, você pode querer adicionar uma sombra para deixar claro que essa é uma estrada falsa. Algum fundo agradável talvez um céu porque deve olhar uma bela paisagem, uma bela paisagem falsa. Acho que é bastante compreensível agora. Então, o que eu sugiro agora é fornecer ao cliente um esboço muito, muito detalhado. Tirando isso, ela vai ficar desapontada se você mudar algum elemento, até mesmo um pequeno elemento. Portanto, deve ser compreensível, mas não amarrar. Também porque você nem sabe como vai parecer sua imagem final. Eu ainda posso mudar a forma de alguns elementos e a proporção entre nuvens, a mulher, a estrada, e tudo o resto aqui.Então eu passei pelo mesmo processo para todas essas pequenas idéias rabiscos que eu tinha antes. Por exemplo, este chamado esboço cinco é como a mulher de negócios derrubada por um polvo em forma de cifrão. Aqui está a mulher presa na estrada. Esse é o roadrunner estrada falsa em forma de uma maneira louca que torna impossível para a mulher continuar indo no lado do horizonte. Eles criaram este mundo louco e
desmoronado onde este buraco gigantesco é derrubado, nuvens ,
o deserto, a estrada, e tudo está na imagem deixando a pobre mulher aqui muito assustada e assustada com o que é acontecendo. Então eu criei também um esboço rápido para uma miragem que eu tentei transformar em algo mais abstrato do que apenas uma miragem como ele parecia no meu quadro de humor. Tentei transformar isto num mundo fragmentado. Isso ainda lembra a miragem, mas é algo diferente, mais pessoal. Então eu também tive essas outras duas idéias, uma mulher empilhada na estrada com a chuva do lado e nuvens, o ambiente ensolarado à direita. Acho que não são bons o suficiente para serem enviados a um cliente. Então eu acho que eu vou apenas fechá-los e viver na minha pasta por um tempo. Provavelmente as idéias que temos como primeiro, são as mais fracas porque nossa mente ainda está
no processo de conhecer o que é o assunto. Portanto, não estamos super seguros sobre todos os elementos que podemos querer usar ou não em nossa composição. Então é por isso que eu sugiro sempre continuar cavando em nossa mente criativa para encontrar as melhores soluções que sempre chegam mais tarde. É muito raro que a primeira solução seja a pronta para uso. Eu acho que você tem que ser capaz de mudar o seu ponto de vista, a fim de
entregar diferentes topologia de esboços ou diferente disso, eles vão ser apenas variações da mesma idéia. A maneira de mudar seu ponto de vista é continuar fazendo perguntas sobre os esboços que você está fazendo. A composição é boa o suficiente? Talvez seja suposto mudar o tamanho do potencial aqui ou o tamanho dos elementos,
ou a forma como os crescem juntos. Talvez eu possa enviar cinco esboços para um cliente onde a mulher é do mesmo tamanho, é super pequena no mesmo ambiente, apenas mudando alguns detalhes bobos. Eu tenho que mudar também a idéia que eu estou tentando entregar. Então talvez a mulher possa ser maior em uma cena, e a relação entre a mulher e o fundo pode mudar vez após vez. Somos artistas, por isso, é claro, inspiração é importante para nós, mas um processo leva tempo. Então, mais do que inspiração, precisamos de intuições que possamos modelar em esboços finais para enviar ao cliente. Graças ao nosso lado racional, e só há uma maneira de fazer isso. Através do processo de esboço, podemos continuar cavando em nossa mente para procurar a resposta certa, a ideia certa e a maneira certa de apresentar essa ideia. Agora é hora de enviar nossos esboços para o cliente. Então isso significa que devemos decidir quais esboços queremos enviar, e devemos ser capazes de defender esses esboços. Significa que temos de enviar apenas as melhores ideias que temos. Eu sempre tentei enviar clientes de três a cinco peças, e eu acho que isso me ajudou muito a reduzir o número de idéias também que eu posso vir acima com, e eu tentei enviar o melhor e especialmente aqueles que eu faria gostaria de ver como peça final e colorir o publicado. Acho que vou enviar a ideia do mundo fragmentado da miragem para o cliente. Eu gosto disso. Como segundo, este vazio que está destruindo todo o mundo. Vou mandar estes roadrunner, falsa ideia de estrada. O preso que eu gosto porque é muito simples, é reto, não
é super brilhante, mas ainda assim expressou muito bem o conceito. Então também este outro, onde o polvo em forma de cifrão está derrubando a mulher. Eu também criei outras duas idéias, mas realmente não tenho certeza se quero enviá-las. Quero dizer, os outros são muito mais melhores. Para cada um desses esboços, vou escrever uma linha simples de texto. Quero ter certeza de me expressar da melhor maneira possível. Por outro lado, o cliente não precisa que você escreva 30 linhas de texto para explicar o que você desenhou porque, quero dizer, desenhos são visuais. Então é suposto ser auto-explicativo. Por exemplo, o número cinco que descreve meu esboço de placa de polvo diz que foi retirado por dinheiro período de sinal de polvo. Então estamos prontos. Acho que o que podemos fazer agora é enviar esses esboços para o cliente e esperar por sua resposta. Assim que você ouvir de volta do cliente com feedback, é hora de refinar seus esboços que eu chamo de fazer seu dever de casa.
7. Refinar seu esboço: Acabei de receber o feedback do cliente. Ele quer que eu vá em frente com o esboço falso da estrada. Então agora temos que recomeçar. Então vamos criar um esboço muito apertado e limpo. Como uma estrutura para que possamos nos sentir livres para expressar nossa criatividade dentro desta estrutura. Liguei para o dever de casa porque é algo um pouco chato ou pode soar assim. Mas como Picasso costumava dizer, “A inspiração existe, mas ela tem que nos encontrar trabalhando.” Então vamos fazer esse dever de casa. Não estamos fazendo esse dever de casa para o professor, estamos fazendo esse dever de casa para nós. Vou chamar-lhe contentor final para a nossa criatividade. Neste ponto, eu tenho o velho esboço por trás do novo esboço que eu criei com este cronograma. O que eu vou fazer é adicionar cor para o fundo, porque no final da imagem vai ser em cores. Então eu provavelmente vou adicionar como um plano de fundo azul sólido, azul
branco para que ele possa ser a cor média. Eu posso querer usar ou de qualquer maneira a cor que eu quero usar para o céu. Então o que eu vou fazer, é criar algumas linhas prospectivas para ter certeza que tudo o que eu projetar está praticamente alinhado com a linha do horizonte. Quero ter certeza de que todas as linhas de perspectiva estão na posição certa. Eu realmente queria que a atenção do espectador está indo na direção que eu escolher. Então, depois disso, eu vou tentar construir rapidamente outra camada em cima da minha camada de esboço. Vou preencher com algumas cores que talvez queira usar para a composição da parede. Então, vamos tentar selecionar algumas cores que vão bem juntas. Então, se eu quiser retratar o deserto, talvez eu queira usar essas cores quentes. Talvez eu precise de um pouco de luz, muito leve, branco
quente para as nuvens, e talvez, um pouco de cor cinza, mas ainda quente para a estrada. Vou chamar essa paleta de cores de camada. Então agora eu estou muito pronto para começar a preencher como cada pedaço da ilustração com uma cor sólida que eu vou refinar mais tarde. Agora não é o momento certo para prestar atenção aos detalhes, mas agora, temos que entender como as cores estão indo junto, e se a relação entre uma cor e outra está realmente funcionando. Nossa camada de esboço está sempre no topo. Vamos tentar preencher tudo muito rapidamente. Como ver uma foto à distância. Só temos que entender se tudo está funcionando. Quero as nuvens que estão apontando para a linha do horizonte. No lado inferior esquerdo da minha imagem, talvez
eu queira também adicionar algumas montanhas aqui para que o horizonte não seja tão plano. Eu tenho que adicionar um pouco de listras aqui. Então, o elemento mais importante é a mulher. Então vamos tentar entender como podemos representá-la. Como a aparência dela pode ser. Não tenho certeza do que estou fazendo aqui. Como você vê, eu estou tentando usar uma paleta limitada de cores de qualquer maneira. Então agora é o momento certo para ocultar a camada de esboço e a camada de paleta de cores e para ver como esta imagem está realmente funcionando, como as cores estão realmente trabalhando aqui. Eu não tenho certeza sobre o que estou vendo aqui porque para mim, a relação entre uma cor e outra não é exatamente o que eu tinha em mente. Neste momento, é muito importante tentar imaginar como imaginamos a peça final. Estava imaginando algo mais forte do que isso. Então eu não tenho certeza se é uma questão de escolha de cor ou a relação entre uma cor e outra. Então, por exemplo, se eu decidir mudar a cor do deserto, a cor da areia, talvez eu também deva mudar a cor do céu. Deve ser mais sólido, mais importante em toda a composição. O mesmo para a estrada aqui. Acho que essa estrada é muito escura de certa forma. Então a mulher aqui não será visível mesmo que eu coloque a sombra. Então vamos tentar ver o que acontece se eu adicionar a sombra feminina muito rapidamente. Isso pode ajudar a definir também a sua figura. Cada elemento que tenho na minha composição afecta a mensagem final e a força. Minha mensagem final é comunicada ao público. Então eu tentei outras versões e no final, eu estou neste lugar onde eu estou tentando entender qual mulher é a melhor solução para mim. Eles têm um penteado diferente. Eles também têm
uma postura corporal diferente, um pouco. Por isso, não tenho a certeza. Gosto muito do fato de que nessa, você não vê o rosto dela e não vê os lábios dela, mas é mais sutil. Como se visses a mulher com este cabelo a olhar para cima. Então ele está olhando basicamente para o tópico principal. Assim, a impossibilidade e o limite para um segundo ato. Então eu decidi ir com essas paletas de cores porque, cores comunicam emoções. Essas cores são com certeza mais fortes do que a versão anterior, onde tudo era mais sutil e a mensagem não era forte como naquela, onde todo o contraste entre cores muito saturadas e as sombras da mulher, e o sombras aqui no deserto e essas nuvens loucas podem transmitir a mensagem final. Terminamos nossa ilustração agora e levou um longo caminho desde o primeiro esboço até a peça final. Além disso, cometemos alguns erros. Ou seja, criei uma variação que não gostei até chegar à peça final. Bem, nesta aula, isso parecia muito fácil, mas não está no final. Para mim, é muito difícil porque é como uma fórmula matemática. Às vezes, se você não tem o resultado que estava esperando, você tem que voltar e descobrir onde está o erro. É por isso que eu estou dizendo que construir um método é tão importante, porque no início, você já conhece cada passo que você precisa para chegar ao próprio objetivo de comunicação e até a peça final. Então preste atenção ao processo. O processo é a coisa mais importante. Quando você pensa que acabou, talvez não tenha acabado, e você quer se esforçar para descobrir se há outras opções para expressar sua mensagem de uma maneira melhor. Isso é exatamente o que vamos fazer a seguir.
8. Experimentação: Então esta é a versão final. Como ele se parece no site do New York Times, o cliente estava muito feliz com ele, eu estava feliz com ele porque era exatamente o que eu tinha em mente. Foram necessários vários passos para chegar a esse ponto. Como Chuck Close costumava dizer: “Inspiração é para amadores. O resto de nós precisa começar a trabalhar.” Então esse é o ponto central de todo o meu processo. Temos que continuar cavando e cavando em nossas mentes criativas para encontrar a melhor solução. Por exemplo, nesta capa eu trabalhei no ano
passado para uma revista italiana chamada Internazionale. Como você pode ver, eu testei várias variações aqui. Foi para a edição de verão deles falando sobre a viagem. Jornada significou como férias ou como uma nova descoberta, descobrindo um novo lugar. Eu precisava testar muitas variáveis, e logo no final, eu era capaz de corresponder ao meu objetivo de comunicação. Trabalhar em muitas variações é super útil porque você pode realmente entender o que está funcionando e o que não está funcionando, e o esforço é apenas escolher e selecionar o que está funcionando, por exemplo, o sol em uma ilustração, o tigre em outra versão, e combinar
a fórmula mágica, a vencedora na peça final que vamos entregar. Então você pode entender se uma opção não está funcionando, não
está levando você em um lugar melhor, então não há necessidade de perder tempo em terminar essa peça, você pode apenas entender de seus erros e passar para a outra opção, para o próximo. O resultado sempre vale a pena, especialmente porque podemos falar através de nossos produtos como designer. Assim como ter uma bela peça na nossa frente,
é a única maneira de nos comunicarmos com o mundo. Sei quando estou prestes a terminar uma peça porque o diálogo entre mim e a imagem acabou. Também posso sentir quando estou perto do meu objetivo de comunicação, há aquele momento em que a peça realmente não tem mais nada para me dar e para me dizer. Então essa é a hora de enviar para o cliente. Estou super feliz com isso porque sei que poderia continuar trabalhando na mesma peça para sempre. Então temos que ser honestos agora. Você sabe se você realizou uma grande ilustração com um objetivo de comunicação preciso. Se não for, tem que ser corajoso o suficiente para voltar e começar de novo.
9. Considerações finais: Parabéns pessoal, vocês fizeram o lote, e eu realmente espero que esta aula tenha dado algumas ferramentas para fazer a si mesmo as perguntas certas, e para construir um passo para cima ou passo um método que funcione, uma receita que funcione, e que vão levá-lo a criar grandes ilustrações. Uma última coisa, pessoal, não tenham medo de suar por causa de uma peça porque essa é a única maneira que permite que vocês aprendam e evoluam. Se você estiver suando sobre uma peça, sinta-se à vontade para enviá-la na galeria do projeto. Obrigado, pessoal. Estou tão feliz que você fez essa aula, e eu realmente espero que você possa alcançar seu objetivo, seja lá qual for. Vá buscá-lo.
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