Que seja divertido e vendável: aprofunde-se na ilustração comercial | Amarilys Henderson | Skillshare

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Que seja divertido e vendável: aprofunde-se na ilustração comercial

teacher avatar Amarilys Henderson, Watercolor Illustrator, Design Thinker

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Aulas neste curso

21 aulas (45 min)
    • 1. Trailer

      0:50
    • 2. Sobre sobre a ilustração

      0:47
    • 3. Visão geral do projeto

      1:28
    • 4. Faça sua pesquisa *Post no projeto

      1:06
    • 5. Tendência de conceito principal

      1:58
    • 6. Exercício de tendência

      1:18
    • 7. Como selecionar um alimento

      1:07
    • 8. Pensando por meio da layout

      1:00
    • 9. Esboçando sua arte de fundo

      0:35
    • 10. Pintura seu fundo de ilustração

      8:50
    • 11. Marketing

      3:20
    • 12. Coitar a Quote

      0:24
    • 13. Tipo de exploração

      1:24
    • 14. Esboçar um tipo

      1:30
    • 15. Handlettering: em aquarela em a molhada no molhado

      2:39
    • 16. Handlettering: em aquarela em a molhada no seco

      1:18
    • 17. Luca de conceito principal

      6:00
    • 18. Digitando seu trabalho

      0:51
    • 19. Combine digitalmente

      6:17
    • 20. Agora o o que?

      0:27
    • 21. Próximos passos

      1:41
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

7.097

Estudantes

33

Projetos

Sobre este curso

567b1418

Os ilustradores são os heróis não unsung fazem a felizes para objetos do dia a dia. Mergulhe no que é é como trabalhar como uma. para se você está para uma nadar rápida ou algumas em algumas em lás

Siga as instruções de Amarilys Henderson, para criar uma ilustração inspirada em um resumo de vida real. Este 45 de 45 - completar em como pintar e à mão, usando a aquarela - é um mergulho no que é é como se de abordar um breve como ilustrador. Você vai ser encorajado a criar uma peça que seja totalmente a sua e totalmente pronto para o público. Amarilys discute três conceitos principais para se aplicar em seus exercícios rápidos, sua obra final e talvez até uma carreira de budde oral.

O que você pode esperar para este curso:

  • tutoriais de pintura em aquarela
  • Técnicas de cores para fazer seu trabalho para
  • tutorial de lettering em aquarela em a molhada no molhado e em de secagem em de
  • conceitos principais para estimular o pensamento ao longo de uma carreira de marketing
  • Aulas que em que em que a de que a de que de sua em em você no Photoshop
  • Os próximos passos para lançar uma carreira de ilustração

Este curso é para quem se interessa em se divertir em se divertir em criar a diversão em - a melhor maneira de fazer com a vende!

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Amarilys Henderson

Watercolor Illustrator, Design Thinker

Top Teacher

Hello! I'm Amarilys. I process on paper and I problem-solve with keystrokes.

As a commercial illustrator, I've had the pleasure of bringing the dynamic vibrance of colorful watercolor strokes to everyday products. My work is licensed for greeting and Christmas cards, art prints, drawing books, and home decor items. My design background influences much of my recent work, revolving around typography and florals.

While my professional work in illustration is driven by trend, my personal work springs from my faith. Follow along on Instagram

 

Learn a variety of fun and on-trend techniques to improve your work!

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Transcrições

1. Trailer: Quando penso em ilustração comercial, penso em coisas. Então, basicamente, é a arte que vai sobre as coisas; pode ser uma luva de forno ou pode ser uma impressão pendurada em uma casa. Este projeto, vamos começar por aí com uma impressão. Vou mostrar-lhe um resumo que recebi. Vou mostrar-lhe como percorrer esse breve e criá-lo a tal detalhe onde espero, ele venderia muito bem. Eu amo cores, e eu amo tendências, e eu amo fazer arte divertida que as pessoas podem usar em suas vidas diárias. Olá, sou Amarilys Henderson, e convido você a mergulhar comigo na ilustração comercial. Torná-lo divertido, fazê-lo vender. 2. Sobre sobre a ilustração: ilustração comercial é um mercado enorme. É basicamente qualquer coisa que você vê arte. Então, ao contrário da ilustração de livros infantis ou ilustração editorial, quando você vê imagens em um jornal ou revista, ilustração comercial é a arte que você vê nas coisas. O mais fácil ir para, eu posso pensar, é apontar as pessoas para as lojas de destino ou decoração de casa. Muitas das obras de arte que eu crio seriam usadas nesse tipo de configuração. Em cartões, em luvas de forno, em canecas, em sacolas, esse tipo de coisa. Eles compravam a arte, colocavam no que precisassem, qualquer intenção que tivessem, e ganhavam dinheiro com ela. Sua parte é apenas criar a arte. 3. Visão geral do projeto: Vamos trabalhar em um resumo que recebi como nosso projeto da turma. Estava numa exposição de arte e tinha um amigo a ajudar-me. Então, nas minhas lacunas eu pintava e eu tinha recebido este e-mail da minha agência que eles estavam procurando cartazes de família. Então eu comecei a trabalhar bem ali no show. Eu criei esses quatro cartazes que são feitos para pendurar juntos, e é isso que estou usando para girar fora do nosso projeto de classe. Então vamos chamá-lo de nosso resumo do projeto. Aqui estão os detalhes. Vamos criar um cartaz ou uma montanha-russa. Essa foi a opção que me foi dada, estou dando a você. Não vamos criar todo o conjunto de quatro. Penso que seria pedir muito, mas tenha em mente que vamos querer que estes sejam incorporados num conjunto. Deve incluir uma citação pertencente à família, e deve ser autoria por você, seja qual for a citação que for, e vamos incorporar um motivo alimentar e haverá mais sobre isso mais tarde. Os suprimentos que você precisa são papel de caderno ou até mesmo apenas copiar papel. Então você vai precisar da superfície que você realmente vai pintar. Vários desses, seja aquarela, como mostrarei em demonstrações ou qualquer meio que você gosta, e um computador com Photoshop, e você estará usando um scanner. 4. Faça sua pesquisa *Post no projeto: Então a primeira coisa que vamos fazer, é fazer nossa pesquisa. Vamos olhar para imagens que podemos usar como referências, imagens que nos inspiram, cores de temas que gostamos, e compilá-los juntos. A tentação é ir ao Google Images, mas eu vou desafiá-lo a ir a uma loja. A razão pela qual eu gosto de ir às lojas para inspiração é porque eu sei que o que eu estou olhando parece bom, é de alguma forma lucrativo, ou mostrou promessa a um fabricante o suficiente para que ele esteja criando. Então eu tiro fotos de coisas que eu gosto, coisas que eu acho que podem me ajudar. Eu os compilo e os coloco juntos em uma espécie de acumular uma idéia. Você pode fazer isso com o Pinterest. Você pode fazer isso com um vídeo com instantâneos, mas queremos ver seu quadro de humor. Tanto quanto possível, fique longe do Google Images, talvez apenas para fotos de referência e nos dê uma foto. Coloque seu primeiro post para o seu projeto. 5. Tendência de conceito principal: Um conceito-chave enorme para uma ilustração é a tendência. Quando comecei a ilustrar, lutei contra esta ideia porque queria fazer o meu próprio trabalho e criar o meu próprio trabalho. Existe uma tensão muito real entre criar algo moderno, algo que será facilmente apanhado pelas massas. Porque afinal estamos criando obras de arte que serão usadas pelas massas, e essa pessoa do meio é o fabricante que precisa olhar para o seu trabalho e ser capaz de comprar com garantia de que isso vai vender bem, que este é um bom investimento para eles. Há esse lado e depois há o outro lado da tensão de criar obras de arte que é toda sua própria. O que vamos fazer é copiar. Sei que parece nojento dizer isso. Eu me lembro quando eu estava na escola de arte e um professor, escola de arte do primeiro ano, nos deu esses exemplos desses desenhos renascentistas a carvão. Íamos copiar um deles para a letra. Precisava ser copiado e replicado e eu odiava. Senti que finalmente tinha chegado à escola de arte e aqui estou eu copiando um artista quando estava tão ansioso para descobrir quem eu era como artista. Mas como você deve ter adivinhado, eu realmente aprendi muito. Agora eu vou pedir que você faça isso porque não há nada como ver algo desenhando. Para realmente pegar nos detalhes do que é que eu gosto nesta peça e como eles chegaram a este ponto? Apanha essas nuances e é isso que vamos fazer. 6. Exercício de tendência: Aqui estão alguns exemplos de algo que é super moderno, algo que começou a partir de uma escultura de Robert Indiana. Esta escultura “Amor” foi replicada em todas as formas que poderíamos pensar. Mas vamos escolher entre uma dessas réplicas e esboçar rapidamente o que você vê. Se você não gostar de nenhum desses exemplos, seja bem-vindo ao Google. Vamos pegar essa estrutura de carta de amor e desenhá-la. Tire de algumas das nuances, algumas das coisas que gostamos que essas pessoas fizeram com suas peças, e depois adicionem nossa própria interpretação. Leve apenas cerca de 10 minutos para este exercício, é um esboço rápido. Vamos começar a fazer perguntas como, o que eu aprendi? O que eu gostei da maneira como eles interpretaram essa palavra “Amor”? O que é que a tornou atraente para mim? Você vai pegar em cores, e apenas todas essas idéias sutis que você vai ser capaz de aplicar ao seu esboço, que é tudo seu próprio. 7. Como selecionar um alimento: Algo que está muito na moda agora é a comida, especialmente a repetição dessa imagem. Então escolha uma comida se é cupcake, sushi, pizza, frutas, sorvete, amendoim, ervilhas doces, qualquer tipo de comida que é repetitivo em um layout apenas parece muito divertido e é muito moderno. Vou contar-te uma história desta peça que fiz para o meu pai. Sempre gostei de desenhar e desenhava cones de sorvete para ele. Até hoje, quando ele me apresenta novas pessoas, ele diz, “Sabe, ela pode desenhar um sorvete muito bem, desde que ela era pequena, ela me desenhava um cone de sorvete no entanto eu pediria”, e eu penso, “ Sim, pai, isso é o que eu faço para viver. Eu desenho cones de sorvete.” Então, para o aniversário dele, eu fiz muitos sorvetes para o cartão dele. Então escolha sua comida e desenhe uma e outra vez. 8. Pensando por meio da layout: Escolhemos nossa comida, temos algumas imagens de algumas coisas que gostamos. Agora vamos pensar em como vamos expor a nossa peça. A maneira mais rápida de fazer isso é com esboços em miniatura. Eles são chamados de esboços em miniatura porque eles são tão pequenos. Eu gostaria que você fizesse três, quatro, até seis, pelo menos três esboços em miniatura. Isto seria o que o seu cartaz ou montanha-russa vai parecer no final. Fazê-los pequenas forças você a trabalhar rápido e apenas pensar nessas peças como pedaços e onde você está indo para colocá-los para fora. Enquanto você pensa sobre onde colocar para fora sua comida e sua citação você vai chegar a idéias diferentes e vai evoluir lentamente, mas você vai descobrir que um vai se destacar para você e então nós vamos saber com certeza o que este layout vai olhar como para a nossa peça final. 9. Esboçando sua arte de fundo: Agora que você fez seus esboços em miniatura, espero que uma composição esteja realmente destacando para você. Agora você vai transferir essa composição para o seu layout final para o seu papel. Eu uso papel aquarela, este é o papel que eu uso. É a marca Canson, papel de imprensa a frio de 140 libras a 9 por 12. Seja qual for o meio que você vai usar, vá em frente e transfira seu desenho para isso, e nós vamos começar a rolar depois disso e começar a pintar. 10. Pintura seu fundo de ilustração: Tudo bem, agora que temos o nosso esboço todo desenhado, é hora de pintar. Eu quero ressaltar que neste ponto, talvez não saibamos qual será a nossa citação ainda, e tudo bem, porque nós realmente vamos produzi-los separadamente. Mais sobre isso depois. Mas vamos ficar ocupados pintando e não nos preocupamos muito com a citação ainda. Queremos ter isso em mente, mas não vamos nos preocupar com isso. Só vamos nos divertir e pintar. Se você estiver pintando comigo, eu vou fazer primeiro, algumas lavagens de aquarela. Um grande princípio na pintura em aquarela é que você é branco é o papel, então você tem que deixá-lo intocado. Quando você começa com suas lavagens, agora é a hora de olhar para as partes que você quer manter branco. Se necessário, vá em frente e esboçar círculos muito levemente, bolhas, formas do que quer que você queira manter como branco. Um truque que é usado frequentemente para preservar esse detalhe branco é usando fluido de mascaramento. Não é de todo algo que você precisa, mas algumas pessoas gostam de dobrar com ele, e é uma adição divertida. É basicamente uma substância semelhante a cola que você pinta em sua página, deixe secar e pintar em cima. Uma vez feito, você será capaz de retirar o fluido de mascaramento, e você terá esses espaços brancos mantidos em branco. Eu tenho um post no meu fluido de mascaramento preferido, e se você quiser olhar para isso, eu tenho o link bem aqui. Mas, por enquanto, vamos manter as coisas simples e evitar as nossas áreas brancas. Com aquarela, começamos da luz ao escuro. É praticamente impossível e um pouco confuso começar do escuro à luz. Então nós estamos apenas colocando as lavagens de fundo e indo com muita água e muito pouca cor. À medida que progredimos com nossa pintura, colocaremos mais pigmento em nossa combinação de cores de água, então mais tinta e menos água, e continuamos. Um grande equívoco com aquarela é que, uma vez que seca rapidamente, as pessoas tendem a pensar que você só pode fazê-lo em uma sessão. Isso é algo que eu amo na aquarela que eu posso trabalhar rapidamente nela, mas não é a única maneira de trabalhar, e na verdade não vai dar as cores mais brilhantes se é isso que você está querendo. Há um monte de camadas que acontece com tinta aquarela, mas tem que ir da luz ao escuro. Quando digo luz, quero dizer papel branco, intocado para escuro, talvez três camadas de pigmento escuro em cima uma da outra, ou apenas entrar em cores mais escuras. Aqui está minha primeira camada de milho doce para se divertir, e para adicionar um pop de cor, eu vou usar uma cor contrastante aqui. Eu tenho um monte de laranjas, então eu vou usar roxo e criar sombras por baixo. Você pode fazer isso com sua comida, ou você pode guardar isso para sua letra de mão, usá-lo para ambos. Dependendo do tipo de alimento que você tem , pode não ser útil para você. Mas como eu disse, estou usando aquele roxo. É muito aguado. De vez em quando eu vou entrar e adicionar uma cor contrastante, fazer algo um pouco diferente, talvez não contrastante, mas uma cor análoga como um azul, neste caso, isso é muito próximo da cor que eu já estou usando apenas para adicionar interesse . Para o meu assunto em particular com milho doce, eu realmente queria fazer essas sombras para que a parte branca do milho doce aparecesse. Eu não vou estar pintando em um fundo nesta ilustração, então essas sombras estão fazendo duplo propósito de fazer minhas cores pop, fazendo meus brancos ser delineados e destacados, além de oferecer a oportunidade de adicionar em outro cor. Minha escolha de comida é bastante simples e cor da natureza, por isso é divertido ter mais uma cor. Em vez de renderizar meu milho doce per se, eu fui para uma abordagem mais divertida onde eu tenho lavagens e então eu fiz alguns contornos coloridos, e, claro, as sombras que eu acabei de mencionar. Então, esses contornos coloridos, eu vou mostrar a vocês com este em particular. Eu vou com um monte de cor no meu pincel, não um monte de tinta. Tão diferente da técnica molhada que eu estava usando antes. Só estou fazendo pequenos motivos de design. É a maneira mais simples e divertida, eu acho, de tornar algo divertido como doces. Tudo bem, vamos fazer uma revisão rápida só para colocar esses passos. Sei que parece super simples, e quando chega ao jornal, não é assim tão simples. Então eu vou fazer uma grande buzina de milho doce, que está tudo bem, porque eu vou escanear isso e basicamente, removê-lo. Mas estou só a mostrar-te como fiz isto. Então, primeiro entramos com lavagens leves, vamos do mais leve ao escuro. mais leve é o papel que não tocamos porque esse é o nosso mais brilhante. Eu entrei com lavagens leves, e agora eu estou caindo em mais cor para onde eu quero que ele seja mais escuro. Como eu disse antes, gosto de trabalhar molhado. Mostrei isso em uma aula antes disso onde estávamos fazendo cartas, e eu realmente não levantei muito meu pincel. Eu não renderizei muito. Deixei as cores sangrarem umas nas outras. Às vezes é preciso um pouco de manicure se começar a sangrar em áreas que eu não quero. Nesse caso, eu só pego uma escova seca e apago. Então eu pinto a sombra com água e caio em um pouco de cor que é muito diferente da minha laranja, para fazer aquele branco e todo o milho doce pop. Novamente, estou revisando aqui o estágio 2, onde o papel está seco. Eu entro com cores brilhantes. Desta vez, o meu pincel tem muito mais tinta e muito menos água. Estou fazendo contornos finos em cores muito brilhantes, cores mais escuras, fazendo alguns padrões, fazendo alguns detalhes para fazer meu milho doce divertido. Espero que esteja feliz com sua ilustração até agora. Deixei o meu de lado enquanto secava. Senti que precisava fazer algo divertido, e quando faço esse tipo de coisas, às vezes as uso em segundo plano. Portanto, é sempre bom apenas brincar quando você está esperando a tinta secar, e depois adicionar essas camadas, você terá isso como um recurso mais tarde. Estou fazendo círculos com apenas água, e então estou caindo em cores. Novamente, como eu pensei que poderia estar usando isso como meu fundo, eu escolhi cores que eram muito diferentes da laranja e amarelos no meu milho doce. Mesmo que eu esteja me divertindo, eu estou sempre pensando o que seria melhor para esta ilustração e apenas pensando através de cores e formas, e eu escolhi círculos porque essencialmente, meu milho doce são triângulos, e algo que contrasta sempre põe o olho fora um pouco, e você quer prestar atenção apenas um pouco mais, demorar um pouco mais. Eu caio naqueles azuis e aqueles roxos e de vez em quando, eu coloco um rosa brilhante só para fazer as coisas estourarem para a surpresa inesperada de outra coisa. Eu sei que quando estes secarem, eles vão secar à sua maneira. Às vezes, essas cores vão sangrar lindamente e às vezes eles vão criar esses vincos interessantes pelos quais a aquarela é conhecida. Aqui está terminado. Aqui estão os dois. Então você vê como essas bolhas se tornaram essas belas, pequenas malhas. Meu milho doce está pronto, e agora vou trabalhar nas letras a seguir. 11. Marketing: Eu queria tirar um segundo para falar sobre outro conceito-chave, que é a comercializabilidade. Quando digo essa palavra, basicamente quero dizer, sua arte é capaz de ir da sua mesa para uma grande loja de caixas? Algumas dicas para tornar a sua arte mais atraída por um comprador de arte que está à procura de trabalho que vai vender bem no mercado mainstream, seria trabalhar em um, conjuntos. Se você trabalha em cenários, as pessoas podem reunir esse contexto, elas passam por essa ideia com você, você as ajuda a permanecer lá um pouco. Pense em cartazes ou estampas de arte que têm como quatro árvores e quatro estações diferentes ou cartões de Natal que vêm em conjuntos. Isso nos ajuda a ganhar contextos e eles podem ou não ser comprados completamente, mas ajuda a se tornar mais comercializáveis. Fui aconselhado pela minha agência que me lembro uma vez, a pensar em mim mesmo como um designer de moda, e que eu saio com linhas e sets todas as estações. Isso realmente me ajudou a envolver minha mente em torno desta idéia porque eu sinto que todo o meu trabalho tem alguma continuidade. Para o olho de outra pessoa, ele precisa continuar para que nós sintamos que você está vendendo um pacote de algo. Outra dica seria tornar seu trabalho mais popular, mais aceito pelo mainstream, e isso pode significar torná-lo mais genérico. Por exemplo, eu faço um monte de cartões de Natal e eu não me importo de ouvir música de Natal durante todo o ano. Eu gosto até de incorporar essas letras do que eu acho que são realmente bem conhecidas canções de Natal. No entanto, o que venderia melhor seria um Feliz Natal ou um Noel. Então o que eu faço é muitas vezes eu crio obras de arte que é para mim, meu trabalho pessoal. Eu poderia jogá-lo lá fora, colocá-lo no meu portfólio se eu conseguir uma mordida, mas fazer meu trabalho pessoal energiza meu trabalho comercial. Meu trabalho comercial está mais focado no que venderia bem. Então conjuntos de trabalho, trabalhar no mainstream e quando você está pensando em sua cotação agora, pense em citações que funcionariam bem em um conjunto. Comida é um pouco mais fácil, então eu não precisava me preocupar com isso antes. Quando você está pensando em citações, se você está indo engraçado, se você está indo muito pessoal, pense em algo que iria funcionar bem com três outros. Pense em coisas que talvez sejam mais facilmente aceitas por muitas pessoas. Algo que todos partilhamos em comum quando se trata de família. Se quiser fazer algo muito específico, tudo bem. Se você quiser fazer comida coreana que tem alguma citação que tem a ver com um coreano nascido americano e como é a vida, eu não saberia, mas seria divertido ver. Eu seria negligente se eu não contasse sobre essas dicas de como tornar seu trabalho mais comercializável no mundo da ilustração comercial. 12. Coitar a Quote: É hora de pensar sobre o que queremos escrever no nosso cartaz. Qual será a nossa citação? Você pode ter um monte de idéias, despejá-las todas, escrevê-las todas, e você só encontrará um fio se juntando. Como eu disse, pense em séries e quando estiver frustrado, acredito firmemente na Teoria do Chuveiro que suas idéias virão quando menos esperar. 13. Tipo de exploração: tipografia é um assunto tão grande. Lembro-me de ir a uma palestra de Ellen Lupton, que na verdade também é professora de Skillshare, e fiquei impressionado com o poder do tipo e todo o pensamento e precisão que entra nele, e ainda assim está em forma de arte. Nós não vamos explorar tudo isso, mas vamos pensar sobre o que combina bem com o que você está tentando dizer. Então, uma frase em várias fontes diferentes vai dar uma sensação diferente a cada vez. Queremos usar a fonte mais eficaz para o que estamos tentando dizer. Quando eu ensinei minha outra classe projetando um alfabeto colorido de água, eu pude ver todos os tipos de fontes de diferentes alunos. Este foi escolhido por uma aluna chamada Gail. Quando vi a escolha da fonte dela, fiquei um pouco surpreso só porque não seria algo que eu escolheria. Mas quando vi a citação dela, a escolha da fonte foi perfeita, pensei que correu tão bem com o que ela estava tentando dizer. Contrastando isso com outra aluna chamada Jen que fez isso. Então, enquanto você está pensando sobre sua citação, também estar pensando em que tratamentos de fontes com letras à mão iria bem com o que você está tentando dizer. 14. Esboçar um tipo: Isso soa totalmente banal, mas a maneira que eu fiquei bom em fazer letras manuais é esboçando. Eu levo este caderno de rascunhos na minha bolsa. Tem um pouco de tudo, então eu não editei o que não era útil aqui. Mas você vê que eu desenho minhas cartas muitas vezes. Então, como faço isso? Aqui estão algumas dicas que achei úteis. Um deles está imitando, e nós conversamos sobre isso mais cedo. Mas imprimir uma fonte ou apenas usar um panfleto e olhar para qualquer tipo de rosto que está na minha frente, especialmente aqueles que são digitais, não letras manuais necessariamente, me ajuda a entender a linguagem de design de, digamos, a letra A, e como ela consistentemente tem essas curvas ou as proporções que normalmente tem. Minha segunda dica seria, se você quiser fazer algo mais solto, escrever o que você quiser escrever, e então dar-lhe um pouco de músculo. Neste exemplo, eu escrevi escrituras em uma linha de lápis muito fina, e então adicionei a ela para torná-la mais como uma fita, tornando-a mais espessa em áreas que eu achava que precisavam dela, e depois embelezada em torno dela. Use qualquer tipo de tipo que você se sentir mais confortável. Os tratamentos tipo letras mão mais divertidos são, por vezes, apenas o mais simples feito à mão. 15. Handlettering: em aquarela em a molhada no molhado: Vamos tirar nossas tintas e começar a pintar algumas letras. Vou primeiro abordar esta técnica com aquarela. Você não tem que fazer sua peça em aquarela, mas é isso que eu ensino. Isso é o que eu estou alcançando. Eu estou pintando com água, eu estou usando a técnica molhada sobre molhada e eu não pinto tão rápido. Só estou a tentar mostrar-te exactamente como é o processo. Pintei minhas cartas na água. Você não foi capaz de ver isso muito bem, mas claro que eu poderia, e então eu molhei meu pincel, eu peguei um pouco de tinta, e eu deixo cair dentro Eu sempre gosto de usar várias cores, pelo menos duas, para tornar o tipo mais interessante. Com isso, estou usando dois azuis e um verde, e como você viu, eu deixo cair no final. É contra-intuitivo trabalhar desta forma. Muitas pessoas usam o que eu vou mostrar a seguir, que é a técnica molhada e seca, que seria que seu trabalho está seco e é nisso que você está escrevendo. Mas o que eu amo nesta técnica é que a aquarela tira uma vida própria, e mesmo que você não pense que seria mais fácil escrever dessa maneira, na verdade é. É quase como escrever com um lápis muito leve. Escrevi piadas em cursivo. É realmente fácil não gostar que você faz quando você tem tudo e pintado em aquarela. Mas quando você começa com água, então você é capaz de deixá-lo secar que não parecia bom e, em seguida, quando você cair na cor, você pode guiá-lo em torno de como exatamente você quer que ele pareça. Mesmo que pareça mais assustador trabalhar molhado em molhado, pode ser mais fácil. Encorajo-te a tentares dos dois lados. Sempre gosto de te mostrar duas vezes, como uma crítica. Desta vez eu vou regar a cor para que você possa ver minha primeira camada aquosa. Eu ainda estou fazendo a técnica molhada sobre molhada. Só estou dando um pouco de tinta para que você possa vê-lo da câmera. Você pode ver minha citação e como eu estou pensando em como mudar as cores das letras. Não estou apaixonada por eles, mas terei uma segunda chance jogar com eles de novo assim que os levarmos para o Photoshop. Novamente, estou caindo nessas cores com letras cursivas. Você tem a vantagem adicional de ter as cores realmente fundem que você não faria com outras fontes. 16. Handlettering: em aquarela em a molhada no seco: Agora estou mostrando uma peça completamente diferente. Você não precisa se preocupar com a peça, eu só estou usando isso como um exemplo para mostrar a técnica molhada sobre seca em fazer letras à mão. Então molhado-on-seco, o que significa que eu começar com o padrão de água tradicional para pintar e, em seguida, papel, que é o padrão tradicional, é realmente o que eu digo aos meus filhos o tempo todo quando eles estão usando aqueles pouco aquarela barato para sempre obter água do que tinta e, em seguida, entrar no papel. Estou fazendo um marrom escuro. Eu prefiro o preto porque você sempre pode tirar a saturação no Photoshop. Você sempre pode voltar ao preto muito facilmente, mas não é fácil trazer essa cor. Apenas como nota lateral, eu sempre uso um marrom escuro. Há muito poucos verdadeiros negros na natureza, então eu gosto de usar marrons para aqueles. Como você pode ver, eu posso obter uma linha muito mais fina. Então, se sua fonte é uma fonte sans-serif ou algo que é muito fino, é muito melhor fazer essa técnica molhada sobre seca. Se você estiver fazendo algumas fontes mais scripty, é mais divertido fazer uma técnica fluindo como molhado sobre molhado. 17. Luca de conceito principal: O último conceito que quero falar com você é rentabilidade. Eu falo disso no final por uma razão, e voltarei a isso em um minuto. Mas eu quero orientá-lo através do processo de realmente vender seu trabalho comercialmente. Trabalhei através de uma agência e da bênção de ser representada por um agente. Mas se você fizer isso sozinho ou não, se alguém intermediar para você, qualquer forma você recebe um contrato. Dentro do contrato, há certas coisas que você está concordando, e esses diferentes fatores desempenham um papel no quão lucrativo sua arte será para você. Um seria como você está sendo pago. Se é uma quantia fixa no início, apenas na compra desta licença, ou é através de royalties, você tem que considerar quantas dessas peças provavelmente vão vender. Vale a pena a porcentagem de royalties? Geralmente é bem baixo. O mais baixo que já vi é 2%. Eu fiz 5-10 por cento. Quanto maior a empresa, menor será a royalty simplesmente porque eles vão vender mais, e então vocês dois têm lucro bastante. Então, considere que se for uma grande empresa, se for um grande fabricante que vai distribuir esse trabalho um milhão de vezes, então royalties seria uma ótima maneira de morrer. Na maioria das vezes, os fabricantes mantêm isso simples, e eles só querem fazer uma quantia fixa. Eles sabem quanto seu investimento está nele no início, eles não precisam acompanhar a contabilidade para royalties, e eles apenas pagam x quantidade de dólares por esta licença. Outro fator é o quão longe esta peça está indo. Será distribuído dentro dos EUA, ou em todo o mundo, ou on-line, ou impresso. Essas coisas desempenham um papel para saber se você será capaz de obter o máximo de estrondo para o seu tempo com sua ilustração. O terceiro fator seria, quanto tempo é essa licença? Licença pode ser por um período muito curto de tempo, talvez apenas uma temporada ou ano, mas um monte de tempo é para sempre. Então, se você tem um contrato, um acordo que diz, “Queremos pagar muito dinheiro para usar essa obra de arte por um ano”, seria uma ótima venda porque então você poderia colocar o trabalho de volta em seu portfólio e vender outra licença para isso. Na maioria das vezes, eles só vão querer mantê-lo para sempre porque eles querem ter certeza, eles querem ver, “Se isso funcionar bem para nós, então, hey, vamos colocá-lo para fora novamente no próximo ano”, e é muito mais simples quando vem a manter registros de coisas assim. Outro fator para manter seu trabalho lucrativo é que há uma tensão, então você quer criar um ótimo trabalho e você quer que seu portfólio seja forte, você quer que as pessoas peguem as coisas e digam, como eu faço o tempo todo, “Oh isso é [ inaudível] oh, este é [inaudível] trabalho”, e isso é emocionante e emocionante e seu trabalho precisa ser incrível o suficiente para que as pessoas queiram pegar e coisas assim. Então é ótimo investir muito tempo em seu trabalho, mas se eu receber, digamos, US $500 por uma ilustração que eu gastei uma hora contra cinco horas acima, então obviamente eu vou estar ganhando mais dinheiro se eu for capaz de trabalhar rapidamente. Agora, o truque para trabalhar rapidamente e criar trabalho de qualidade é uma forma de arte que você desenvolve ao longo do tempo e isso nem sempre acontece, então você apenas a toma pelo que é. Mas aprender a trabalhar de forma eficiente é algo que você sempre quer ter em mente. Eu escaneio cada pedaço de qualquer coisa que eu já faço, mesmo que seja apenas um pouco de rabiscos, porque eu nunca sei se pode ser útil para alguma coisa no futuro. Estou sempre desenhando e muitas vezes esses esboços desempenham um papel no meu trabalho comercial quando na verdade era apenas por diversão. Há maneiras que você pode recusar a quantidade de tempo que você gasta em sua arte, a fim de ser capaz de ganhar mais dinheiro com isso. É por isso que estou falando sobre isso no final, quando estamos pegando os diferentes elementos da nossa peça e juntando-os. Parte da razão pela qual fizemos isso foi pela flexibilidade e pela capacidade de fazer ajustes e mudanças que nossos compradores adoram se conseguirem receber um arquivo em camadas do qual podem editar certas partes ou talvez remover texto, eles Adoro isso. Outra coisa é que ele ajuda o fluxo de trabalho a ir mais rápido, e você pode ser capaz de usar certos elementos de uma peça para outra. Esteja pensando em maneiras onde você pode trabalhar de forma mais eficiente, desfrutar do que você faz, começar com o que você sabe , crescer a partir daí, trabalhar em projetos pessoais para desenvolver coisas que você quer crescer como um artista, mas quando vem para o seu trabalho comercial, você está trabalhando eficientemente, você não está rabiscando, se preocupar com, devo fazê-lo desta forma ou devo fazê-lo dessa maneira? É quase como se você usasse sua energia pessoal na experimentação de modo que quando você vem trabalhar, por assim dizer, você está pronto para mergulhar e você tem algumas idéias que você quer brilhar. 18. Digitando seu trabalho: Aqui estão as minhas quatro peças digitalizadas. Estão todos em folhas de papel separadas. Eu não vou entrar em detalhes sobre como digitalizar seu trabalho e limpá-lo porque eu já criei um tutorial para isso. Há um tutorial aqui sobre Skillshare que eu adoraria que você confira se isso é algo que você gostaria de ter ajuda. Ele detalha como eu digitalizo meu trabalho artístico, que pode parecer um pouco familiar para você, e depois trazê-lo para o Photoshop, limpá-lo. Muitas vezes eu tenho que fazê-lo em vários pedaços e o papel não é muito brilhante o suficiente ou as cores não estão certas. Vou te mostrar como fazer todas essas coisas no Photoshop. Eu acredito que este tutorial é de 14 minutos em vídeo, e também tem um passo a passo em forma de texto. Então, confira. 19. Combine digitalmente: Espero que você tenha feito aquele tutorial e você viu como eu limpo meus arquivos. Se você tem seu próprio jeito, ótimo. O que vamos fazer primeiro é pegar todos esses arquivos e compilá-los em uma folha de papel. Porque eu tenho um com minhas citações, um com o milho doce, e um com aqueles pontos que eu usei como uma imagem de fundo. A primeira coisa que vou fazer é criar um novo documento. Eu vou fazer o tamanho do cartaz 11 por 14. Vou pegar aquela janela, arrastá-la para fora, para que eu possa facilmente arrastar as camadas das outras peças. Você também pode simplesmente fazer “Selecionar tudo”, “Copiar” e “Colar”. Às vezes isso funciona melhor. Por qualquer motivo, isso realmente requer muita RAM para o computador processar, então às vezes é mais fácil apenas fazer uma cópia e colar. Agora, só estou arrastando todos para aquele arquivo. Aquele arquivo, parecendo bem confuso , tem quatro camadas realmente de cada um dos componentes nesta peça. A primeira coisa que vou fazer é ter certeza de que minhas camadas são, bem, visíveis. A minha camada mais importante vai ser este milho doce. Estou começando por aí. Ao contrário de trabalhar tradicionalmente, não tenho que trabalhar de trás para a frente, o que é divertido. Mas a primeira coisa que quero fazer é apenas pensar em como isso vai ser explicado. Só estou brincando com o texto. Não estou me preocupando com a cor, não estou me preocupando com o que eu acho que precisa ser editado, o que eu acho que precisa ser alterado; Eu estou apenas trabalhando puramente no layout neste ponto. Eu aparei cada palavra para ser sua própria camada, que eu possa movê-la ainda mais facilmente, e redimensionar, como estou fazendo agora. Eu realmente quero que piadas sejam muito proeminentes. Praticamente todas as palavras que estão em cursiva são cursivas por uma razão, então eu quero que elas pareçam realmente proeminentes. Quero que as coisas sejam centradas. Meu mas está bem no meio. Uma maneira muito fácil de fazer isso é apenas trazer para fora um guia, e trazê-lo para o meio da página metade de 11, cinco e meio. Vou continuar brincando com esse layout até que seja algo que eu realmente gosto. Acho que a minha redação está bem, mas agora tenho a sensação de que alguns desses doces de milho precisam ser ajustados. Usando a ferramenta Transformação livre encontrada na paleta Editar na parte superior, Photoshop, eu sou capaz de girar, eu sou capaz de virar as coisas e eu estou criando mais espaço porque, como você se lembra, eu trabalhei em um 9 por 12 e agora isso é 11 por 14, então é na verdade uma orientação mais longa. Outra coisa que estou fazendo aqui é que não sou tão louco por essa cor. Estou agrupando meu texto, estou duplicando o grupo, então eu sempre tenho um grupo do original logo antes de mim, e eu o dessaturei. O pressionamento rápido é Command Shift U para dessaturá-lo. Estou basicamente removendo toda a cor. Eu quero que seja apenas preto e branco, eu acho. Mas a única peça que vou deixar com cor é a parte do amor. Novamente, com essas outras palavras, eu estou fazendo a mesma coisa, eu estou agrupando em uma pasta, eu estou duplicando esse grupo, e então eu estou dessaturando esse grupo achatado. Então eu tenho uma pasta com a cor e uma pasta sem. Você também deve ter notado que eu joguei com os níveis, que é algo que eu falo nesse tutorial para digitalização. Você quase se esqueceu desses bobs. Eu vou trazê-los para dentro, mas eles estão realmente olhando muito forte para esta peça, e afogando meu milho doce. Eu o derrubei com a opacidade. Eu vou selecionar os que estão sobrepostos com o texto, e apenas me livrar deles. Eu também sinto que a cor poderia ser ajudado um pouco. Eu vou descer na minha paleta “Ajustes” para “Matiz e Saturação”, e trazer a saturação um pouco. Eu também estou descobrindo que meu milho doce está afogando aquelas partes brancas que eu realmente trabalhei em manter branco, estão interferindo com a imagem de fundo. Selecionei o lado de fora dessa camada, selecionei qualquer coisa menos o milho doce. Selecione Inverse, que é Command Shift I, e então eu enchi aqueles com branco, modo que eu realmente tenho um pouco de branco atrás do milho doce para ter certeza de que ele permanece assim. Isto parece bom, mas trabalhei mais. Eu salvei outra imagem, eu salvei uma cópia, e eu quero mostrar a você onde eu cheguei, e como eu cheguei lá. Poupei-te das milhões de decisões que tomei ao longo do caminho. Criei uma nova camada por baixo de tudo. Comecei com laranja, depois pousei com aquele roxo, um roxo muito claro, e então eu virei todas as bolhas, como eu estou chamando, que eram roxas e azuis, e eu dupliquei isso camada. Eu joguei um pouco com a cor, mas o que eu pousei foi apenas para colocá-los no modo de camada de tela. Eu sinto que eles apenas adicionam um pouco ao fundo para adicionar interesse. O mas era muito importante para mim, então eu criei um círculo atrás dele. Com isso, eu duplicei o amor, e ajustei as cores na metade de um, e apaguei um pouco; então houve um pequeno empurrão e puxe na cor. Eu também criei outra camada disso, mas como uma sombra para ir atrás dela. Aí está o pôster da minha família. 20. Agora o o que?: Isto é suposto parecer confete. Você está feito, então é hora de postar seu projeto. Se você ainda não publicou seu quadro de humor, poste as fotos em andamento, você quer nos mostrar. Para que possamos acompanhar seu processo com você. Esta comunidade Skillshare é maravilhosa sobre fornecer feedback, e estou feliz em fazer isso também. Estou ansioso para ver o que você cria. 21. Próximos passos: Oi, eu queria dar alguns de vocês que estão muito interessados em trabalhar para o próximo passo, algumas idéias. Muitos de nós sabemos sobre colocar nosso trabalho lá fora e vender de forma independente, seja através do Etsy ou agora Amazon, eBay, Society6, onde você pode realmente colocar sua arte em produtos e deixá-los lidar com a fabricação e você está recebendo o seu Corte dessa forma. Mas se você quiser colocar seu portfólio, se você tem algum trabalho, particularmente em conjuntos que você deseja colocar em um site que é seguro. Eu encorajo você a verificar ArtLicensingShow.com, e este site está muito interessado em promover o trabalho do ilustrador. Você cria seu perfil, você decide quanto trabalho ou quanto comprometimento financeiramente você quer colocar nisso, e é um lugar onde as pessoas que compram licenças para obras de arte vão para conferir a arte. Então, se você está interessado em dobrar com isso, eu o encorajo a aproveitar essa oportunidade. Em tudo o que você faz, em seu trabalho de ilustração, sempre tenha em mente esses três conceitos. Gostei desta aula. Espero que você também tenha. Mantenha-se em contacto. Eu estou no Instagram e eu blog, e eu tenho um site e eu estou aqui. Então, mantenha-se em contato. Obrigado.