Pequenas criações: mini-obras-primas com um grande impacto | Jen Dixon | Skillshare

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Pequenas criações: mini-obras-primas com um grande impacto

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Aulas neste curso

10 aulas (1 h 32 min)
    • 1. Introdução

      1:36
    • 2. Materiais sugeridos

      1:25
    • 3. Exercício: aquecimento e controle

      14:01
    • 4. Exercício: marcação intencional

      16:59
    • 5. Testando as compatibilidades de materiais de mídia mista

      20:24
    • 6. Escolhas de assunto e composição

      2:49
    • 7. Considerações sobre cores

      2:17
    • 8. Juntando tudo — criando mini-obras-primas

      28:42
    • 9. Recomendações sobre a preservação de uma mini-obra-prima

      2:30
    • 10. Considerações finais

      1:07
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

4.671

Estudantes

16

Projetos

Sobre este curso

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Este curso é para todas as pessoas, sejam artistas iniciantes ou experientes.

As mesmas regras de marcação, composição e cor se aplicam tanto à arte pequena como à grande. Projetei este curso para desenvolver tanto suas habilidades técnicas como também um processo de pensamento para criar uma obra de arte. Como na maioria dos meus cursos, quero apoiá-lo a longo prazo, não apenas em um projeto rápido. Quero que você encare tudo o que faz com mais habilidade e confiança, seja algo pequeno ou grande.

Algumas das coisas que vamos abordar neste curso:

  • Prática de pincel e marcas visuais intencionais para efeitos
  • Assunto e composição
  • Compatibilidade de mídia mista
  • Como esses princípios e habilidades são usados em exemplos reais de mini-obras-primas
  • Preservação de suas mini-obras-primas

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Ao final deste curso, você vai estar produzindo inúmeras obras de arte, pequenas e lindas.

Por que criar pequenas obras? Talvez você queira trabalhar com ideias, testar e conhecer materiais de mídia mista, combinações de cores ou composições compatíveis. Talvez esteja em uma rotina criativa e precise de um projeto para libertar sua mente e romper hábitos. Seja qual for seu motivo, fazer mini pinturas é divertido e produz resultados rapidamente.

Você também vai me ver fazer uma verdadeira bagunça com um autorretrato, aprender com isso, e depois acertar o processo. Mostro essas coisas porque sempre continuamos aprendendo com cada peça de arte que criamos, e errar é importante para nosso progresso.

Mal posso esperar para ver o que você cria; então faça o upload de seus exercícios, experimentos e mini-obras-primas! Vamos começar!

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Teacher Profile Image

Jen Dixon

Abstract & figurative artist, educator

Top Teacher

Whether you want to learn new skills or brush up on rusty ones, I would love to help. I have been a selling artist for around 35 years. In my own practice I use pen & ink, pastels, oils, acrylics, and watercolours regularly. My work hangs in private collections around the world.
I love what I do, and I teach what I love. We can do good things together here, so let's get started...

About me:
I’m an Ameri-Brit (dual citizen), living on the North Cornwall coast of the UK. I’ve been here nearly two decades, but have lived in Indiana, Pennsylvania, Wisconsin, and Berkshire (UK). I am studying Spanish daily with an aim for becoming bilingual. Hola, artistas.

My work covers everything from graffiti-influenced illustration & mixed m... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Introdução: Oi. Sou Jen Dixon e bem-vindos ao Criando Pequenas: Mini Obras-primas com Grande Impacto. Eu tenho essa aula em mente há mais de um ano, e estou tão animado para compartilhá-la com você agora. Fiz esta aula para todos, iniciantes ou artistas experientes. Vamos construir sobre princípios de várias das minhas outras aulas, mas você também pode mergulhar mesmo que esta seja a sua primeira aula comigo. Trabalhar pequeno é uma maneira fantástica de pensar em ideias que outra forma, parecem desafiadoras e podem ser uma ótima maneira de sair de uma rotina criativa. Você pode criar muita arte com suprimentos mínimos e um orçamento apertado ou até mesmo usar uma mini-obra-prima para planejar um trabalho muito maior destinado à tela. Eles normalmente não levam muito tempo para fazer, são fáceis de armazenar e podem ser muito divertidos para trocar com outros artistas ou dar para amigos. Nesta aula, vou guiá-lo através de exercícios específicos sobre técnicas de pincel, pensando através de composições, compatibilidade de materiais de mídia misturada, conselhos de cores, preservando sua arte e muito mais. O que você aprende nesta aula lhe dará as habilidades e a confiança para pintar pequeno, grande e em qualquer lugar no meio. Quer o seu assunto preferido seja figurativo ou abstrato, você vai ter seus sucos criativos fluindo e se apaixonar por fazer mini-obras-primas. Mal posso esperar para ver seus projetos. Temos muito para cobrir, então vamos direto para a lista de materiais, e começar. 2. Materiais sugeridos: Você não precisa ter muitos suprimentos de arte caros para começar suas mini obras-primas. Eu vou estar usando uma variedade de papel pesado, como Strathmore Bristol Artist Trading Cards em acabamento de velino para a minha demonstração, mas enquanto você tem papel pesado ou cartão cortado para 2,5 x 3,5 polegadas, você tem o que você precisa. Você também pode usar papel aquarela prensado a quente. Se você usar papel aquarela prensado a frio, você pode achar a textura muito distraindo visualmente em uma pequena escala, mas dê uma chance se é isso que você tem na mão. Quanto à marca fazendo suprimentos, eu recomendo canetas, lápis, carvão vegetal, pastéis macios, aquarelas, guache e acrílicos basicamente qualquer material seco e à base de água que você tem na mão. Você vai descobrir instintivamente o que você acha mais versátil e agradável ao criar. Você pode, claro, usar outros materiais, como óleos e pastéis de óleo, mas vamos nos concentrar na base de água e seco nesta classe. Outras coisas que você vai precisar são fita adesiva, algum cartucho pesado básico ou papel de esboço para exercícios, uma variedade de pincéis grandes e pequenos e idealmente, pulverizar verniz ou fixador para preservar sua arte. No final desta aula, falarei brevemente sobre maneiras de apresentar e enquadrar suas mini obras-primas. Incluí uma lista de materiais nos arquivos para download. Agora, vá lutar com alguns suprimentos e vamos começar. 3. Exercício: aquecimento e controle: Eu cobri técnicas de pincel em algumas das minhas outras aulas, mas neste vídeo, vamos criar um punhado de marcas muito específicas em três tamanhos para começar bem. Pratique estes e você estará preparado para quase tudo. Prepare uma cor favorita em uma tonalidade bastante profunda. Misture muito, você sempre pode usar as sobras para mais brocas na próxima vez que você pintar. Eu misturei duas cores que eu amo por St. Petersburg White Nights, índigo e turquesa. Eu gosto de tintas da Noite Branca porque eles oferecem boa qualidade panelas ampliar por um preço razoável. Vou usar um pincel redondo por proart no tamanho 8. Usando papel de cartucho pesado ou uma página em seu caderno de esboços, começaremos com nosso trabalho de patch prático usando marcas de escotilha curtas. Seu primeiro bloco será fino, o segundo um pouco mais gordo, e então muito mais pesado para o terceiro patch. Vamos começar. Tente ficar bastante uniforme com a quantidade de espaço em branco entre suas marcas e também o comprimento e o tamanho de suas próprias marcas. Ser confuso é fácil, mas aprender controle requer prática. Posso dizer que ainda não aqueci-me porque as minhas marcas estão um pouco erráticas, mas isso parece muito bom. Então isso foi tudo em um pincel carregado de tinta. Então, agora vamos para a marca de tamanho médio. Então, uma pressão um pouco diferente, mas também tentando permanecer consistente em tamanho e espaçamento. Finalmente, as marcas mais gordas. Então, o que você está fazendo fazendo exercícios como este, é aprender controle e ser capaz de criar marcas repetíveis quando eles são necessários. Não há atalho para este tipo de construção de habilidades. Ótima. Então temos escotilhas pequenas, médias e grandes. Em seguida, vamos trabalhar em nossas verticais. Novamente começando magro, eu estou descansando minha mão no meu papel enquanto eu vou, e eu estou puxando para mim mesmo, o que é muito mais fácil do que empurrar para longe. Então, novamente, esteja atento ao espaço branco entre suas marcas, e tente manter-se agradável e reto. Tempo para a marca média, então um pouco mais gordo. Então, eu só apertei meu pincel um pouco mais. Então, é mais do que a ponta, fornecendo a marca agora. Agradável e uniforme. Há algo quase meditativo em fazer esse tipo de exercícios. Agora, finalmente, vou ser um pouco mais forte com o meu pincel. Então, vou pegar mais tinta da barriga das cerdas. Eu disse tinta, mas estamos trabalhando com aquarela. Está tudo bem. Lá vamos nós, marcas de gordura consistentes. Próximo, horizontais. Então, novamente, começando com o fino. Sempre acho horizontais mais complicados do que verticais. Lá vamos nós, isso é muito bom. Passemos para as nossas marcas médias, parecia-me tê-las levado muito longe. Então, minhas marcas médias podem ser um pouco mais curtas. Não consigo enfatizar o quanto é importante aprender a controlar usando exercícios como este. Finalmente, vou tentar. Eu pego um pouco mais de escova seca assim então eu realmente vou pressionar para baixo sobre a barriga das cerdas. Lá vamos nós, precisávamos de mais tinta. Então essa é a nossa primeira folha de treino. Então, nós fizemos um escotilhas, verticais e horizontais. Em seguida, vamos fazer algum trabalho de forma. Então, para esta parte, estamos apenas usando outra folha de cartucho pesado e vamos fazer feijões, Vs, e pulsos. Então, os feijões são realmente apenas pequenos ovais e você pode variar a direção deles apenas para fazer o misturar-se um com o outro. Mas novamente, vamos começar com linhas finas, e tentar controlar toda a forma com uma linha fina tendo um bom fechado. Feijão Às vezes, meu pincel apenas pega o dente do papel um pouco, e eu tenho que levantar e terminar de uma maneira ligeiramente diferente. Aqui vamos nós. Mas tudo bem se você fizer isso. Eu adoraria se você pudesse praticar uma linha contínua. Então, comece a terminar em um golpe. Mas, às vezes, as coisas não saem do jeito que queremos. Então, você pode ter que terminar de outra forma, e tudo bem. Apenas faça o seu melhor. Então, há um monte de feijões. Agora, vamos fazer feijões médios. Então, um pouco mais no pincel, um pouco mais de pressão. Eu realmente gosto desta cor de azul que eu misturei. Novamente, essas são as cores índigo e turquesa de St Petersburg White Nights. Então, boas formas repetíveis. Aqui vamos nós, alguns médiuns. Agora, vamos tentar os grandes. Então, tentar mantê-los um tamanho semelhante é difícil se você quiser deixar um pouco branco no meio, mas fazer o seu melhor. Então, bons feijões grossos. Ótima. Agora, vamos passar para Vs. Então, novamente, belas marcas finas. Então, estamos puxando para baixo e empurrando para cima como uma única marca. Agora, estes estão um pouco mais perto de ser como as escotilhas e que você pode ter linhas bastante uniformes. É muito mais fácil criar um quadrado bastante uniforme. Aqui vamos nós. Então, lá está o nosso magro. Novamente, este é um pincel tamanho 8 que estou usando. É uma cerda sintética. É um pouco mais grosso para os nossos médiuns. Ponha mais ali. Tenho um alimentador de pássaros do lado de fora da minha janela. Você pode ou não pode ouvir pássaros na gravação. Eles são tão fofos. Aqui vamos nós. Finalmente, alguns bons Vs robustos. Ser capaz de mudar de direção com a mesma pressão é uma habilidade importante no manuseio de pincel, então pratique. Aqui vamos nós. Finalmente, pulsos. Então, pulso é onde você tem uma certa pressão. Então, eu vou ficar duro para amolecer. Estes são muito complicados. Então, macio a duro, duro a macio. Só estou alternando o meu. Muito, muito boa habilidade. Então, eu estou fisicamente levantando meu pincel quando fico mais fino. Estou pressionando mais para fazer os pedaços mais gordos. Eu também posso tentar um pulso dessa maneira. Então, pulso, levante, pulso, levante, pulso. tipo de marca um pouco diferente. Tudo o que você decidir praticar será benéfico. Aqui vamos nós. Estes são um pouco mais difíceis de fazer os vários tamanhos, mas vamos dar um giro. Então, aqui vamos nós. Eu adicionei um monte de tinta, e isso é muito tinta sobre isso, mas tudo bem. Um pouco mais gordo do que os meus golpes finos e pequenos. Eu provavelmente não vou ser capaz de ficar muito mais largo com este pincel particular porque há um limite de quão largo o pincel é, em geral. Se eu mudasse para um tamanho maior como 12, ou algo assim, você veria uma grande mudança nas marcas grandes. Mas vou experimentar e ver o que posso fazer. Então, talvez tente. Isso não é tão bom. Experimentar é bom, porém, porque caso contrário, como você sabe o que você pode fazer? Mas é uma marca interessante. Tenho certeza que pode ser útil para alguma coisa. Agora, se eu virar a mão, como faço? Isso é interessante. Mas basicamente, estou limitado à largura deste pincel. Então, pequeno ou médio para o meu tamanho 8. Se eu quisesse fazer um pulso maior, teria que subir de tamanho no meu pincel. Mas, basicamente, esses são seus traços de prática. Então, você fez escotilhas, verticais e horizontais, feijões, Vs e pulsos. Então, pratique isso como um aquecimento, e então, te vejo no próximo vídeo. 4. Exercício: marcação intencional: Agora que você se aqueceu com alguma prática de marca de pincel, vamos levar as coisas mais longe fazendo marcas com intenções mais específicas. Analisaremos os termos a seguir e exploraremos como transmiti-los em marcas. Seja trabalhando pequeno ou grande, criação de marcas atenciosa aumentará o interesse visual da sua arte. Em papel pesado, cartucho ou caderno de esboços, usaremos nossa pintura de exercícios que sobrou e exploraremos esses termos. Quando olhamos para o fluxo, estamos pensando em como as coisas viajam pela página, apenas um sentimento geral. Então, fluir se você pode imaginar quase em um sentido com a água, então aquarela é perfeita para isso, obviamente, mas, como algo simplesmente flui? Então, eu quero que você apenas tome esse termo em mente e eu quero que você pense sobre as diferentes maneiras que pode ser fluxo pode ser alcançado. Então, obviamente, grandes áreas de tinta agrupada podem ajudar a descrever o fluxo. Mas, e se você quiser usar marcas menores para pensar sobre o fluxo? Então, e se fizermos pequenas marcas? Alguns deles estão unidos, alguns deles aparecem na franja, no lado de fora da maior parte desta marca, mas ainda há um fluxo para isso. Assim, o fluxo pode ser descrito de várias maneiras diferentes. Fluxo pode ser com linha, por isso, se você quiser pensar em apenas marcas suaves. Então, esse é um exemplo de como você pode explorar o fluxo. Então, vamos falar sobre desequilíbrio, que também pode ser números ímpares. Então, desequilíbrio. Agora, muitos princípios de design dependem de números ímpares e você também tem coisas como sequências de fibonacci e há todos os tipos de coisas matemáticas numéricas envolvidas com design e arte. Então, uma maneira fácil de lembrar disso, é pensar em três e cinco. Então, se você criar algo com digamos três marcas, isso proporciona algum desequilíbrio. Se você criar três marcas em tamanho descendente, isso também cria desequilíbrio. Pensando em formas. Lembre-se que estávamos fazendo feijão em nossos exercícios. Se nós amarrá-los um pouco como empilhamento de pedras, novamente desequilíbrio. Você percebe que tudo o que estou fazendo até agora está em três, e você não precisa manter isso, mas se você pensar em regras de terços quando você está fazendo composição e coisas assim, desequilíbrio é realmente fácil de alcançar mesmo que tudo que você se lembre são números ímpares. Então, nós olhamos para este exemplo com o tamanho descendente e há algum desequilíbrio também. Então, algo sobre cada um é que, um pouco inquieto. Então, quase um pouco, como se algo pudesse dar errado facilmente ou algo estivesse apenas à beira do colapso. Então, desequilíbrio. Vamos dar uma olhada no espaço em branco e no espaço negativo. Então, espaço em branco também é um termo que você ouvirá em relação ao design. Então, se você pensar sobre o layout da página de uma revista ou um jornal, espaço em branco é a área entre as áreas de conteúdo. Também com pintura e desenho, o espaço em branco é a área entre suas formas e suas formas. Então, eu estou apenas criando áreas de espaço em branco entre minhas formas, e isso ajuda a dar algum interesse visual ao que está acontecendo. Então, espaço em branco no meio, bem como dentro de formas. Um espaço negativo também é essencialmente o espaço em branco entre as coisas, mas muitas vezes, espaço negativo pode ser utilizado para trazer formas mais detalhadas. Como aqui, eu acabei de fazer uma cadeira abstrata, eu deveria ter deixado outra perna lá, mas esse seria o espaço negativo. Então, eu basicamente pintei todo o fundo e deixei de fora a forma em que eu quero que você se concentre. Então, agora vamos olhar para o ritmo. Uma maneira fácil de pensar sobre o ritmo é se você pensar nisso em termos de música ou som. Então, uma maneira fácil de sintonizar o ritmo que pode parecer visualmente é ouvir algo. Então, como seria o som da chuva se você precisasse desenhá-lo? Você pode obter áreas de marcas esparsas, esparsas amplamente espaçadas e talvez se a chuva aliviar, talvez elas fiquem menores, mais distantes. Então, algo sobre isso é, é quase visualmente audível se isso faz sentido. Talvez uma música sua favorita tenha guitarras crocantes no início e talvez suavize em algo antes de ter outra explosão de energia. Então, você tem um ritmo visual lá. Ritmo é difícil de descrever. Mas quando você vê, você pode reconhecê-lo. Agora, essas formas loopy são quase uma espécie de caligrafia. Alguém que faz esse tipo de marca muito bem é o artista Cy Twombly, muito ritmo visual em seu trabalho, então, ele é muito bom para olhar. Em seguida, vamos falar sobre direção, que também vamos incluir viagens e viagens. Então, praticamente o mesmo tipo de termo, mas quando fazemos isso temos uma ideia de que podemos ir a algum lugar. Então, esta marca começou aqui e talvez esteja indo para a distância. Então, nós demos ao olho algo para se concentrar e algo para escorregar para a distância. Se eu fizer isso, é basicamente uma jornada horizontal, então, estamos indo e voltando. Então, uma linha do horizonte, a menos que você dê algo para apontar para ela, você apenas iria olhar a vista toda de uma vez. Então, basta olhar para o valor nominal. No entanto, se você tivesse algo como fingir que esta é uma estrada indo para a distância, de repente, agora temos algumas viagens. Então, temos uma direção na qual estou te guiando. Então, eu estou dizendo para começar aqui e ir para a distância, e você pode levar o lado a lado horizontal também, mas eu estou realmente direcionando você para ir para algum lugar. Vou usar essa bolha que acabei de colocar no lugar, você pode fazer isso de maneiras mais abstratas. Então, se eu tenho uma forma como esta porque eu tenho quase uma marca de estilo labirinto. Você segue as bobinas, você segue a viagem da marca. Você também pode ter agrupamentos de marcas ajudando a levá-lo a algum lugar. Então, viaje, direção e jornada. Em seguida, vamos falar sobre convergência. Convergência é basicamente apenas se unindo, então as coisas se reúnem. Assim, a convergência pode ser elementos que o levam a um lugar central. Da mesma forma que fizemos com a direção, bobina que era quase pétala. Então, nós reunimos forma bem ferida aqui, então nós estamos convergindo para isso. Você poderia torná-lo mais distinto adicionando mais formas. Então, ainda estamos tendo nossa convergência focal aqui, há uma convergência secundária acontecendo aqui apenas desviando inadvertidamente por causa da maneira como as coisas se aninham juntas. Agora, você percebe quando eu estou fazendo esse tipo de marcas segurando meu pincel de maneiras diferentes, carregando com tinta, apenas fazendo algumas marcas suaves. Mas aqui temos outra convergência que estamos indo de linhas estranhas para uma bagunça realmente quebrada, de marcas menores. Finalmente, vamos falar sobre tensão e conflito. Agora, lembre-se, enquanto eu estou fazendo essas marcas de exemplo, eu não pensei em todas as maneiras possíveis de transmitir esses termos visualmente. Então, eu estou realmente animado para ver o que você vem acima com e como você pode usar ritmo, ou espaço em branco, ou convergência. Terceiro, tensão e conflito. Se pensarmos nisso, eu realmente gosto de fazer esse tipo de formas. Se pensarmos em algo assim, como isso é conflitante com outro elemento? Temos essa coisa de blobby e temos uma marca muito pura, reta e afiada. Então, eles são dois tipos muito diferentes de marcas, mas eles estão interagindo um com o outro. Você poderia ter tensão textural e conflito. Então, onde eu tenho escova seca em uma área, eu agora tenho uma marca muito molhada, então há tensão e conflito entre esses dois tipos de marcas. Pode, claro, estar na profundidade de cor que você usa, então, pode ter algo realmente escuro e saturado ao lado de algo muito mais leve. Você também pode usar algumas de suas marcas, como no ritmo que você pode colocar em algumas dessas pequenas marcas arranhadas, mas fazê-los tocar com algo mais suave. Então, há tensão e conflito por causa desses diferentes elementos na página. Então, olhando para trás através destes, você pode ver com seu vocabulário visual que há tantos tipos diferentes de marcas que você pode fazer apenas usando algumas palavras-chave para acionar idéias interessantes. Ser capaz de criar interesse visual com suas marcas pode ser prática, mas se você tiver em mente alguns desses termos e explorar como transmiti-los visualmente, você melhorará o impacto do seu trabalho mesmo ao criar em uma escala em miniatura. Eu recomendo manter uma folha de truques pouco destes termos, Eu incluí um no download. 5. Testando as compatibilidades de materiais de mídia mista: Conhecer a compatibilidade e o efeito visual de vários materiais é crucial quando se trabalha em meios mistos. Aqui, eu vou percorrer um punhado das centenas de combinações possíveis ao usar vários suprimentos de arte à base de água e seca. Para estes testes, estou usando uma mídia mista, acabamento suave, papel pesado da Clarefontaine. Chama-se “Paint On”. Primeiro criarei uma página de teste de três colunas usando uma fórmula padrão não diluída, Winsor Newton Gouache, acrílico de fórmula fluida dourada e acrílico Heavy Body Sennelier, chamado Abstract. Tudo o que você tem em mãos, crie suas próprias colunas também. Deixe essas amostras secar e recolher um punhado de materiais de desenho. Primeiro testo três durezas muito diferentes de pastel macio. A primeira e mais difícil é por Jaxell, a segunda por Art Spectrum, e a terceira e mais suave é por Unison. Todos os pastéis parecem marcar bem em todas as colunas, com o acrílico do corpo pesado mostrando a textura mais subjacente. Em seguida, eu provei o lápis pastel Derwent. Fez uma marca muito decepcionante no guache, mas parecia melhor nas duas amostras acrílicas. Também tenho um guache de fórmula acrílica. Então, eu provavelmente vou fazer um teste para esses lápis nessa fórmula no futuro. Eu continuei a testar algumas canetas e tinta indiana para como eles se comportam nas colunas de amostra. Achei que o Posca reativou o guache, e tive que limpar a ponta. Tinta indiana parece ter um pouco de dificuldade em aderir ao acrílico, mas não tanto que eu não consideraria usá-lo. Seja qual for o material que você tentar, faça anotações em suas folhas de teste e guarde-as para referência quando necessário. Em seguida, quero verificar a intermistura e reações de gouache acrílico e aquarela. Uma palavra rápida sobre o uso de água para acrílico fino, tinta acrílica precisa de um aglutinante de polímero acrílico para manter seu pigmento no lugar. Funciona de forma diferente da aquarela. Então, se você quiser fino acrílico por muito, você precisará adicionar meio acrílico para manter a tinta estável e permanente. Mas para o que estamos fazendo aqui, não precisamos de um médium porque não estamos diminuindo drasticamente. Este primeiro experimento será acrílico seco. Então, vamos pintar algumas amostras. Força total e também diluída. Então, eu só mergulhei meu pincel na água usando o acrílico que ainda está nele. Então este é o Acrílico Fluido Dourado. Em seguida, força total Sennelier Abstract Heavy Body, eo corpo pesado diluído. Talvez um pouco mais em um diluído. Lá vamos nós. Agora, vamos deixar secar. Então eu pintei amostras de acrílico fluido dourado e acrílico de corpo pesado abstrato de Sennelier, e eu deixei minhas amostras secar. Então, nós temos as amostras de força total e nós temos a tinta como uma versão diluída deles. Então agora, vamos testar como aquarela se comporta em amostras acrílicas secas. Então, eu tenho um pouco da pintura de St. Petersburg White Nights que usamos nos exercícios. Ainda tenho um pouco disso. Então, experimentá-lo no acrílico fluido dourado, e você pode ver como a superfície plastosa, não permite que a tinta adira uniformemente. Agora, para experimentá-lo nestes Sennelier, resultado muito semelhante, mas você tem um pouco dessa textura corporal pesada mostrando através, que pode ser muito bom. Assim, a aquarela fica nas ranhuras feitas pelas marcas de pincel. Então, essas são as diferenças no acrílico de força total no papel. Novamente, esta é aquela tinta de mídia mista em papel de Clairefontaine, então tem quase uma superfície de cerdas, mas não completamente. Diluído, você pode dizer que ele absorve muito mais para a tinta diluída. Assim, a aquarela adere de forma desigual na superfície de amostras de acrílico de força total seca, e mancha melhor nos remendos diluídos. Então, lembre-se que se você estiver pintando aquarela sobre acrílico, que o acrílico será permanente, mas a aquarela ainda pode ser manipulada ou lavada. Não se ligará permanentemente à superfície acrílica seca. Assim, a aquarela mergulhará no papel mais nas manchas acrílicas diluídas , pois encontra lacunas no aglutinante de emulsão de polímero diluído. Também mancha o dente do papel. Então, se você usasse meio acrílico na diluição, a imersão da aquarela aqui em baixo nos pedaços diluídos, seria muito menos eficaz. Agora, vejamos como a aquarela reage em acrílico molhado. Então, vamos ter que trabalhar patch a patch nele desta vez. Então aqui está a força total Golden Fluid Acrílico, e vai para dentro com a aquarela. Você pode ver que ele imediatamente começa a se unir ao acrílico. Então, quando isso secar, vai ser mais permanente porque na verdade está misturando com a emulsão de polímero; uma espécie de aquarela e o acrílico tipo de tornar-se um. Você está essencialmente diluindo o acrílico, o acrílico molhado com água pigmentada. Você vê que a aquarela ainda não vai empurrar para dentro do acrílico lá. Não é forte o suficiente, por isso ainda oferece um pouco de resistência. Então, o que acontece com diluído, muito mais molhado em molhado, reação quase como aquarela. É um pouco mais de mistura, sangramento e fundo acontecendo. Você pode ver onde ele está manchando o papel um pouco mais. Então agora, vamos tentar o Sennelier, o acrílico de corpo pesado. Porque é uma tinta acrílica de estilo muito mais sólido, a aquarela é uma espécie de sentado em cima dela sem misturar muito; enquanto que no acrílico fluido, ele meio que se tornou uma cor leitosa enquanto se misturava com os polímeros acrílicos . Será interessante ver como isso seca. Para corpo diluído e pesado. Novamente, tipo diferente de tinta, corpo pesado em oposição ao fluido. Mas ainda temos uma borda mais suave, porque estamos indo para o que é essencialmente papel umedecido. Você pode ver aqui deste lado a aquarela diluída no acrílico fluido deu a ele um olhar manchado realmente interessante, e nós vamos ter um efeito semelhante aqui. Então, essas amostras com a aquarela serão um pouco mais permanentes do que no acrílico seco porque na verdade está se misturando com o polímero que está na tinta acrílica. Vamos voltar e dar uma olhada nas amostras assim que estiverem secas. Finalmente, vamos ver como a aquarela de guache e o acrílico se comportam juntos. Então, guache e aquarela são conhecidos por jogar bem juntos. Eles se misturarão, e ambos podem ser diluídos com bastante facilidade. Gouache é uma tinta corporal muito mais pesada em comparação com a aquarela. Então, se você deixá-lo cair em aquarela molhada, ele permanecerá bastante forte em forma e cor pois ele apenas intimida seu caminho através da tinta fina. Então, deixar cair aquarela em aquarela molhada , já sabemos, vai se espalhar muito facilmente e se misturar, mas tentando soltar aquarela em guache, ele vai ficar bastante isolado porque ele simplesmente não tem a força para empurrar o seu caminho ao redor e que é diluído. Então, agora você pode ver alguns dos efeitos possíveis com apenas guache e aquarela. As coisas ficam mais excitantes se você quiser adicionar metal. Porque Metallics realmente empurram as coisas por causa da mica na tinta. Mas novamente, se você deixar cair aquarela metálica em cima do guache, especialmente guache que já está secando, ele vai ficar bastante intencional em sua forma, enquanto colocando-o no material mais molhado, você pode vê-lo realmente ramos para fora. Agora, o que acontece quando adicionamos acrílico fluido à mistura? Adicione um pouco de acrílico e experimente um pouco de aquarela com ele, um pouco dessa mistura indo, mas você pode ver os acrílicos já começaram a obter uma borda dura por baixo. Aqui vamos nós, só um pouco de mistura e vamos adicionar um pouco de guache. Agora novamente, resultados bastante previsíveis colocando o guache na aquarela molhada, mas não se espalha muito porque temos um pouco do polímero acrílico lá também. Então, é um pouco mais forte, um pouco plastificado, e vamos pegar uma pequena aquarela, você pode ver onde começou a secar aqui também para ficar mais no topo. Eu ainda posso misturá-lo, mas é um pouco mais resistente. Se tentarmos colocar acrílico, você pode vê-lo tão pesado, que apenas empurra tudo de lado. Está um pouco enlameado também. Mas você pode ver que eu estou apenas adicionando mais em um único lugar e é apenas empurrando, empurrando, empurrando e apenas para funzies, vamos entrar com alguns de nossos metálicos. Metálico não tem força para fazer muita coisa. Ele encontra o caminho de menor resistência e simplesmente escorre para aquela área. Então, isso pode ser muito útil se você quiser algum tipo de efeito de mármore. Assim, todos esses materiais são compatíveis quando molhados e podem ser misturados. Mas ao procurar certos efeitos, tenha em mente que a aquarela é mais leve em peso, guache é o segundo, e o acrílico é mais pesado e menos provável de ser movido por algo mais leve do que ele. Seja qual for o material que você tem em mãos, eu adoraria que você experimente algumas amostras e veja como suas tintas se comportam. Não se esqueça de enviá-los para a seção de projetos. Agora, vamos dar uma olhada em como nossas amostras anteriores estão secando. Então, aqui temos nosso acrílico seco com aquarela por cima. Agora, eu mencionei que não vai se tornar particularmente permanente porque você está colocando aquarela sobre uma superfície muito plastificada. Então, você pode ver que você ainda pode perturbar a aquarela em cima do acrílico seco. No entanto, nas amostras diluídas, muito mais difícil de perturbar a aquarela, e isso porque é realmente embebido no papel muito mais do que quando fica no topo. Então, resultado muito mais permanente colocando a aquarela sobre os acrílicos diluídos. Esta amostra ainda não está seca, mas está chegando lá. Mas este era o nosso acrílico molhado e aquarela molhada dentro dele. Então, olhando para o acrílico fluido de força total com aquarela. Porque nós colocamos molhado em molhado, ele se uniu um pouco mais. Então, ao contrário de nossas amostras de acrílico seco, ele se uniu um pouco e um pouco mais permanente, mesmo que esteja em uma superfície plastificada. Esta parte não está seca, então ainda posso empurrar isso. No corpo pesado de força total, pode realmente ver este padrão interessante que é desenvolvido como a aquarela começa a sentar-se dentro e encontrar o seu caminho entre as partículas na tinta acrílica de força total. Então, novamente, ele vai ser, que ainda não está completamente seco, mas vai ser um pouco mais permanente desta forma do que colocar molhado em seco. Claro, com as amostras diluídas, você pode ver como elas realmente se misturaram no papel e na tinta abaixo. É muito mais um encontro desses dois médiuns. 6. Escolhas de assunto e composição: Vamos falar sobre o assunto. Simplisticamente, objetiva e representacional da arte referia-se a ter pessoas, animais, paisagens ou objetos reconhecíveis neles. Não objetiva e abstrata referem-se a assuntos muito menos reconhecíveis, usando formas, cores, formas e marcas gesturais. Não importa o que o seu assunto, figurativo ou abstrato, considere o que é envolvente; Por que alguém deve olhar para a sua mini-obra-prima? Você está contando uma história com o seu sujeito? Apresentando algo decorativo? Envolver-se com um padrão, ou cor, ou uma combinação, ritmo, humor de fluxo, emoção? Você não precisa responder todas essas perguntas antes de começar. Mas comece a cultivar o instinto de examinar seu trabalho através dessas perguntas. Tenho uma aula inteira sobre os blocos de construção da composição. Mas para esta aula, vai apenas cobrir algumas dicas rápidas para você rolar. Vamos rastrear rápido aqui. Orientação de paisagem ou retrato? ponta a ponta, ou vinheta flutuante? Perguntei-lhe há momentos, porque é que alguém deve olhar para a sua mini-obra-prima? Qual é o elemento focal? Se você sabe o que é, então vamos olhar para algumas diretrizes fáceis de lembrar para colocação de composição. Aqui e no PDF para download, É uma referência de muitas maneiras diferentes de colocar elementos em sua página, grande ou pequeno. Há também o amigo do fotógrafo, a regra dos terços. Que é normalmente encontrada como uma grade em visores de câmera. Uma maneira talvez mais instintiva e fluida de determinar a composição, é decidindo como você gostaria que o olho do espectador viajasse em torno de sua criação. Aqui estão alguns exemplos figurativos de planejamento de composição usando a regra de terços. Tente criar esboços em miniatura do seu assunto com pequenas variações, para encontrar o equilíbrio certo para a sua mini-obra-prima. Para mais informações sobre composição, consulte a minha aula, Regras de Composição: A Arte e a Ciência dos Melhores Visuais. 7. Considerações sobre cores: Ao trabalhar pequeno, tudo fica enorme. O que eu quero dizer com isso? Bem, ao criar pequenas obras de arte, mudanças sutis e cores tornam-se mais difíceis alcançar porque simplesmente não há espaço para isso. Escolher uma paleta limitada não é apenas útil para disciplina, mas praticamente uma necessidade ao trabalhar em miniatura. Você pode achar que o pré-planejamento de uma paleta de cores usando amostras em papel de sucata útil. Mas, mais frequentemente, eu tendem a ter em mente que se eu estiver pintando pequeno, que eu poderia ser capaz de escapar com uma ou duas variações de cada cor no máximo. Por esta razão, manter um olho no uso de cores que jogam fora um do outro tonalmente, que é o valor de uma cor se traduzido em tons de cinza, ou escolher tríades de roda de cores ou tons complementares é um ótimo lugar para começar. Se você está atrás de um visual mais suave, jogue alguns tons análogos da roda de cores, que são cores que aparecem um ao lado do outro. Não tem certeza de como suas cores favoritas se parecem em tons de cinza? Eu tenho uma curta aula de Studio Fu sobre isso. Mas, em poucas palavras, tente tirar uma foto à luz neutra de suas opções de arte ou cor. Em seu smartphone, iPad ou computador, mude a foto para mono ou seja qual for a configuração mais neutra, preta e branca. Você verá imediatamente o que aparece em valor e onde você pode precisar de um pouco de soco. Mini obras-primas precisam de contraste também. Não tente espremer em mais cores no lugar de sombras e destaques, porque isso vai morder você na bunda. Especialmente, se você está fazendo uma peça figurativa. Tudo isso dito, quebre minhas regras sempre que parece certo. Mas se algo não funcionar bem, revisite essas sugestões durante a solução de problemas. Então, em resumo, escolha uma paleta limitada, escolha cores que ofereçam um intervalo de tons e não se esqueça das sombras e dos realces. Diga comigo. Luz, média e escura. Luz, média e escura. Juro que vai estar na minha lápide. 8. Juntando tudo — criando mini-obras-primas: Agora é hora de juntar tudo. Então, eu quero que você corte uma pilha generosa de qualquer estoque que você tem em mãos ou talvez até mesmo tente algumas diferentes. Então, duas polegadas e meia por três polegadas e meia é o tamanho padrão do cartão comercial do artista. Então, isso é o que eu estou usando como meu modelo para as mini-obras-primas. Em métrica, é 6,35 por 8,89 centímetros, que é um pouco peculiar para tentar cortar. Então, se você tem algo que tem polegadas nele, provavelmente vai ser mais fácil. As cartas de negociação do artista são duas polegadas e meia por três polegadas e meia como um tamanho padrão, e é isso que estamos indo com, com todas as nossas mini-obras-primas. No entanto, isso não te deixa muito espaço para gravar algo. Então, se você fosse gravar algo usando esse tamanho, você teria essa borda lá. Bem, e se você quiser fazer todo o caminho até o fim? Eu vou te mostrar um pouco de trapaça maneira que você pode fazer isso com algo já cortado ao tamanho. Então pegue sua fita adesiva, e vamos colocá-la no verso do nosso cartão, todos os quatro lados. Então agora você tem seu cartão gravado na parte de trás e esta borda pegajosa. O próximo passo é pegar mais fita e agora gravá-la. Então agora seu cartão está preso no lugar. Quando terminar, basta descascá-lo e retirar cuidadosamente a fita adesiva. Aqui está uma mini obra-prima que tenho em andamento. Agora, apenas com essas marcas e essas escolhas de cores, temos coisas que já falamos em nossa cor e também em nossa criação intencional de marcas, e também com a composição. Então deixe-me falar um pouco sobre esta peça até agora. Então, já temos tensão e conflito entre esses dois tipos de marcas. Então nós temos essa marca muito redemoinho e nós temos essa barra de uma marca. Também o que está acontecendo é, o olho dessa marca, a parte verde está em um terço, e também está em um terço neste lugar também, e a barra roxa vai essencialmente de um terço deste lado para um terço para este lado. Então isso também está nos dando viagens. Então, com esses dois elementos apenas nesta posição sozinho, apenas nesta fase, nós já temos tensão, conflito, direção e terços. Então, mesmo que pareça um par de marcas acidentais, eles são realmente muito bem pensados e executados. Aqui está outra coisa falando sobre a cor, agora, o verde e o roxo, se você olhar para uma roda de cores agora, eles são duas partes de uma divisão complementar. Então, nós temos verde e se você olhar para este triângulo branco aqui na roda de cores, então nós temos verde, falando com violeta vermelho. Agora, se eu quisesse escolher a próxima cor para usar nesta peça, uma escolha sábia e lógica poderia ser escolher algo laranja vermelho. Agora eu vou adicionar outra marca, mas eu já decidi que vai ser, vamos dar uma olhada nisso. Então este é um lápis de aquarela. Então já vai ser uma laranja vermelha para combinar com estes na roda de cores. Então, se eu quiser fazer algo interessante acontecer, talvez eu adicione uma marca que entre em conflito com o que está acontecendo já na página. Então, eu só estou fazendo essa confusão juntando de pequenas marcas. Eu gosto disso. Então, eu vou definir isso por um momento e apenas experimentar uma vez que é na verdade lápis de cor de água, ele não quer desistir. É o lápis de aquarela. Certo. Então isso não está se movendo muito. Então, tudo bem. Eu vou para a minha paleta e eu vou apenas pegar um pouquinho de lago escarlate e cádmio vermelho pálido, só para me dar esta linda cor laranja vermelha. Desde que eu molhei algumas das minhas marcas lá, eu vou colocar algumas coisas dentro, e eu gosto da concentração de estar fora do centro. Mais uma vez, causando algum desequilíbrio. Eu gosto disso. Eu gosto dessas três cores juntas e a roda de cores apoia-lo por que eu gosto dessas três cores juntas porque eles são as cores complementares divididas do verde e o vermelho violeta e o vermelho laranja. Agora, eu vou deixar isso secar e então talvez entrar com alguns outros tipos de marcas, talvez com lápis ou eu realmente gosto dos revestimentos de pigmento também. Eu sei que eu disse que ia esperar e deixar secar, mas eu decidi como estava secando, que a intensidade da laranja vermelha simplesmente não é suficiente para mim. Então, eu encontrei uma tinta que também é uma cor vermelho-laranja muito fantástica. Eu só vou deixar cair um pouco de tinta lá, só para um pouco de ponche. Vamos pegar bolhas com os conta-gotas. Na verdade, acho que é melhor assim, está tudo bem. Chupa essas bolhas de volta para fora. Lá vamos nós. É disso que estou falando. É um bom soco de cor. Então, essa é a tinta indiana de Bombaim do Dr. Ph. Martin em vermelho brilhante, que é um tipo muito bom de laranja vermelho. Não sei se posso deixar o suficiente em paz. Tenho guache de lado e amarelo. Eu sei que eu disse que não iria adicionar mais cores, mas por alguma razão eu acho que isso precisa de amarelo. Então, isso parece um bom lugar para adicionar amarelo e talvez um pouco aqui em cima naquele branco, e eu vou me misturar com meu vermelho-alaranjado. É só aquele pouco de fogo extra, não é? Não estou 100% no que acabei de fazer, mas tudo bem, porque é uma mini obra-prima. Eu posso fazer um monte destes e estes são para experimentar e você pode experimentar todas as suas idéias selvagens e não se preocupar em ter muito de um investimento em tempo, materiais ou qualquer coisa. Então, aqui vamos nós. Agora vou deixar isso tentar, e agora para uma mini-obra-prima não abstrata. Devido à natureza disso, não sendo abstrato, ele precisa ter um certo nível de detalhe. Eu usei esse truque gravado onde nós o gravamos do lado de trás e, em seguida, amarrá-lo para baixo na prancha, assim ele não se move em torno de mim. Agora, isto é suposto acabar por ser um tipo de auto-retrato de pintura. Isto pode correr bem, isto pode correr mal, não sei. Nunca tentei me pintar tão pequeno, mas vou misturar algumas cores. Estou usando ocre amarelo e alizarin carmesim para obter uma cor vaga e carnuda. Vou testá-lo aqui. Minha pele é um pouco amarela, então vou adicionar um pouco mais de ocre amarelo. Certo, e eu só vou construir onde eu sei que as sombras são as primeiras. Então, eu sei de onde vem a luz nesta foto em particular que eu estou passando e tudo bem se eu colocá-la no cabelo porque isso vai ajudar a unificar a aparência da pintura. Eu poderia adicionar um pouco de azul. Eu acho que é cobalto que eu tenho lá dentro. Só para ser um pouco mais sombrio. Então, trata-se de construir em estágios e camadas agora. Lá vamos nós. Então, eu estou misturando minhas cores com cores que eu já tenho na minha paleta porque eu quero que as coisas pareçam coesas e como se fossem da mesma família. Então agora eu vou pegar esse tipo de cor quente que eu fiz. Vou adicionar um pouco de tinta só para obter uma cor mais sombria. Neutralize esse calor um pouco. Eu só vou colocar alguns pontos dentro Mas lembre-se, com isso sendo uma mini-obra-prima, não fique atolado tentando incluir todos os detalhes. Implicação é suficiente, e também algo a considerar quando você está trabalhando em uma mini-obra-prima é preto será muito duro. Então, sua melhor opção é fazer algo que se aproxima de um preto. Agora estou pegando um pouco de índigo e um pouco de marrom e uma outra cor que eu tenho na minha paleta. Só estou fazendo algo um pouco sombrio. Não é um preto verdadeiro, se eu pintá-lo aqui, é um pouco de preto azul. Mas preto-preto adequado, como marte preto ou algo assim, seria demasiado drástico. Então, eu só vou entrar. Só estou misturando novas cores nas cores que já tenho. Só permitindo que tudo se misture porque tudo ficará bem e fora da mesma família. Ele vai ter um olhar coeso agradável para ele. Vou continuar construindo e ver o que acontece. Então, minha primeira tentativa de fazer um mini-retrato de obra-prima foi sobrecarregada e eu não entendi bem a semelhança. Então, aprendi muito com isso. Porque eles são mini, eu estou bem em apenas começar de novo e eu já estou um milhão de vezes mais feliz com como este está se tornando. Então, pratique e repetição. Nenhum de nós é génio da primeira vez que fazemos algo. Então, deixe-se explorar, dê uma pausa e continue praticando. Eu também mudei para cima no tamanho do meu pincel. Eu estava trabalhando com pincéis muito pequenos e eu descobri que isso realmente apenas contribuiu para o meu desejo de excesso de trabalho, e agora eu estou realmente muito mais feliz com a peça que eu estou fazendo agora. - Sim. Vou continuar e ver como acaba. É meio divertido. Certo. Vou deixar assim. Estou muito mais feliz com essa. Então, essa foi a minha primeira tentativa e agora é onde estou, e esta é uma semelhança muito mais próxima. Então, aqui está a minha referência. Muito melhor como um esboço rápido mini-obra-prima auto-retrato. Então, continue praticando. Uma das grandes coisas sobre fazer mini-obras-primas é que você sempre pode começar outra enquanto a outra está secando. Então, eu só vou ter um jogo com algumas formas. Isso é apenas guache branco em cima da aquarela. Por que não um pouco de metal? Vou cobrir aquele canto todo. Às vezes é divertido brincar, ver o que você pode fazer, é exatamente por isso que testamos nossos materiais. Isso está ficando enlameado. Não há profundidade suficiente para mim. Hora de jogar um pouco de índigo só para obter esse contraste um grande soco. Então, eu não tenho muito espaço em branco nisso mas o espaço em branco que eu tenho é realmente importante porque ele está ajudando a quebrar as formas, então não é apenas um grande tipo de coisa tingida. Então, isso é fluxo um pouco. Mais um pequeno exemplo de mini-obra-prima. Basta fazer uma paisagem rápida. Então, eu só vou entrar aqui e misturar um pouco azul na minha paleta suja porque eu gosto de ter uma paleta suja porque só dá algum interesse às cores. Basta fazer um pouco de céu áspero. Aqui vamos nós. Suavize um pouco disso, e temos um pouco de paisagem de inverno aqui atrás à distância. Então, eu só estou fazendo esse tipo de cinza verde. Esta é, na verdade, uma fotografia que tirei do lado de fora ou da janela do meu estúdio que agora está chovendo. Então, você pode ou não ouvir um pouco de chuva. Temos um lindo celeiro. Então eu estou apenas fazendo a idéia leve de slots de bordo e tem um telhado cinza. Está ficando um pouco de preto e um pouco de coisas sujas da minha paleta, apenas qualquer coisa velha para que se torne cor muito suja porque ninguém limpa o telhado. Agora tem um jato passando por cima também, é chuva e um jato. Normalmente, é muito mais silencioso à noite quando eu filmo do que durante o dia, mas não agora. Então, eu estou fazendo tudo isso com aquele pincel número oito que eu gosto muito. Só preciso molhar minha paleta um pouco. Está um pouco seco. Então, torna difícil pegar tinta. Mas se você simplesmente borrifá-lo com um pouco de água, isso torna tudo muito mais fácil. Então, aqui em baixo, um pouco de arbustos. Apenas colocando em uma forma muito solta. Não precisa ser preciso. Vou entrar e deixar tudo sangrar um pouco mais. Algum contraste pesado agradável, algum azul índigo sombrio sendo adicionado. Mantendo isso muito rápido. A razão para a imagem é o alimentador de pássaros, que agora está sangrando no meu céu, então eu só vou apagar isso porque está tudo bem. Isso não importa. Um pouco de amarelo só para acrescentar algum interesse às plantas. Acho que talvez mais Posca faça melhor por esta parte. Pode ser muito forte porque é preto, mas eu vou dar uma chance porque, na verdade, o poste que meu alimentador de pássaros está em é revestido com pó. Então, é preto. Acho que gosto disso do jeito que está. - Sim. Talvez um pouco mais no celeiro. Talvez colocar algumas folhas. Lá vamos nós e aqui está a minha referência. 9. Recomendações sobre a preservação de uma mini-obra-prima: Mídia mista pode ser difícil de preservar. Você normalmente não verniz ou pintura em aquarela, embora existam alguns sprays especializados para isso. Mas e se a sua mini-obra-prima usar aquarelas, pastel e carvão vegetal? Você vai precisar preservar todo o trabalho. Muitas vezes, o uso de um fixador de spray de qualidade é suficiente. Alguns casacos leves de cerca de 30 centímetros de distância são melhores do que um único revestimento pesado. Deixe o spray secar entre casacos. Use aerossóis em áreas ventiladas e tente usar uma máscara facial ao pulverizar. Você não quer isso em seus pulmões. Há fixadores não aerossóis disponíveis também, e eles dependem de uma névoa fina. Verifique sempre os bicos para entupimento e acumule antes de pulverizar seu trabalho final. Eu fui impaciente muitas vezes antes apenas para assistir gotas pesadas um respingos fixador no meu trabalho, e isso pode acontecer com aerossol ou não aerossol. De um modo geral, qualquer trabalho em papel precisará ser emoldurado atrás de vidro ou plástico para evitar danos. Para armazenamento temporário, se não for emoldurado imediatamente, uso sacos de celofane destinados a coisas planas, como impressões e fotografias. Eles são muito baratos e vêm em uma variedade de tamanhos. Eu compro a maioria dos meus sacos de violoncelo de vendedores no eBay. verniz de spray é o primo mais resistente do fixador e é muito útil na proteção da arte de mídia mista. Use da mesma maneira que o fixador, limpe o bico, mantenha-o à distância, use proteção contra fumos e névoa e aplique em vários revestimentos leves. Enquadramento. Trabalhos em papel não devem ser autorizados a tocar o vidro ou o plástico devido ao risco de aderência a ele. Em vez disso, a maneira mais simples de evitar o contato é usar um suporte, também chamado de tapete, para criar um espaçador entre arte e material envidraçado. Outras formas de emoldurar papel são um pouco mais complicadas, mas incluem montagem flutuante que envolve dobradiças de fita escondidas sob a arte e espaçadores discretos sob a borda interna do quadro. Neste exemplo, eu realmente construí risers fora de placa de espuma sob a arte e emoldurado em um quadro profundo. No entanto, você optar por apresentar seu trabalho, certifique-se de deixar o fixador e o verniz secar completamente. 10. Considerações finais: Obrigado por tomar minha aula; criar pequenas, mini-obras-primas com grande impacto. Cobrimos muitas coisas em pouco tempo. Sei que tudo, desde as técnicas de exercício até pensar em materiais e composição, irá ajudá-lo a criar arte satisfatória que mostre um crescimento real em suas habilidades. Sou um grande fã de prática e repetição. Então, continue com os exercícios sempre que tiver um pouco de tinta que sobrou. Tente fazer arte todos os dias. Mini obras-primas são um ótimo formato para desafiar-se a uma semana, um mês ou até mesmo um ano de ser criativo diariamente. No entanto, você usa suas habilidades e informações, eu adoraria ver o que você faz. Então, faça o upload para a seção de projetos e conecte-se comigo no Instagram @gendicsinarts. Se você gostou desta aula, não se esqueça de deixar um comentário positivo e espero que você aprenda comigo novamente em breve. Obrigado, e tenha um ótimo dia.