Noções básicas da produção musical | Seth Mosley

1. Introdução à música completa do círculo: Oi, meu nome é Seth. Principalmente a minha empresa chama-se Full Circle Music. Você pode encontrar uma linha de música em ponto de música círculo completo Você pode encontrar nosso trabalho em todo o mundo em inúmeros álbuns vencedores do Grammy, álbuns vencedores do Prêmio Dove e no topo das paradas da Billboard e todos os tipos de maneira de TV provavelmente tem 20 Número um rádio solteiros. Full Circle Music é um coletivo de produtores, compositores e criadores, fazendo música ao mais alto nível. Nós sempre nos esforçamos para estar na vanguarda, mas abraçando a familiaridade que faz um sucesso. Eu era afortunado e abençoado quando estes 2013 outdoor Richard os sacos de Guerra do Ano em fora do ano prêmio Grammy Award para prêmios duplos. Estamos sempre procurando expandir nossa equipe e trabalhar com o melhor artista. Quem sabe você pode ser um dos nossos próximos produtores. 2. Os conceitos básicos da introdução de produção: Obrigado por se juntar a nós. Esperamos que esta seja a faísca que você precisa para perseguir seu sonho de ser um graaser musical profissional . Vamos cobrir fundamentos da produção musical pop moderna, coisas como engenharia de engrenagens, edição, mixagem e masterização. Esperamos que você se afaste deste curso com uma visão de pássaro e uma melhor compreensão de por que certos truques são usados uma e outra vez em incontáveis pop. É que há um elemento de produção que você só tem que ser natural nisso. Mas também há um grande elemento que pode ser aprendido ao longo do tempo, e acho que isso é provavelmente ainda mais importante. Treine 10.000 horas e todas essas coisas que você está aqui. É muito importante trabalhar nele de forma consistente por um longo tempo. Enquanto eu me sentei para criar este curso, eu não tinha idéia de como seria difícil levar 10.000 horas ou mais. Neste ponto de experiência e ainda em um curso introdutório, eu poderia passar horas em um único tópico, como edição ou programação de tambor, ou mesmo dividi-lo mais específico do que isso em um bom kick drum sons para diferentes tipos de edição, então eu não quero que você pense que isso é de qualquer forma vai ser um mergulho profundo, forças abrangentes desde a introdução. Mas minha esperança é que você vá embora novamente com uma visão de pássaro sobre como é a produção de música pop moderna e o mais importante de moinhos. 3. Funda 1: equipamento: Então eu quero começar esta seção falando sobre alguns dos fundamentos que você precisará para fazer uma gravação básica. Eu não quero te estressar e fazer você pensar que você tem que sair e pegar seu cartão de crédito e comprar $25.000 no ano para fazer uma gravação de som profissional. Esse não é o ponto em tudo, também, para algumas ferramentas muito básicas que no nível de linha de base, você provavelmente vai precisar em algum momento Teoh gravar áudio e fazer programação em mixagem básica e edição funções. A primeira coisa que você vai precisar é de um computador decente, algum tipo de computador decente. Não há maneira de contornar isso. Eu pessoalmente uso um Mac, e eu realmente prefiro um laptop porque ele permite que você faça o que você faz em qualquer lugar para levar seu equipamento na estrada. Fazemos muito disso agora é, mas se você tem o Windows, é perfeitamente OK para não haver realmente nenhum certo ou errado. O que eu gosto sobre Mac é que ele vem estoque com uma ferramenta de produção realmente grande poderoso chamado Garage Band permite que você gravar multi faixas. Ele permite que você programar, misturar e até mesmo dominar suas janelas de faixas. Há ferramentas similares lá fora. Coisas como audácia para jogar um fora. Há um bom lugar para começar se você não tem o orçamento para ir. Gastar em um programa como o Logic Pro, que é $200 vem com realmente tudo que você precisa fazer. Produção moderna número dois A coisa que você vai precisar é de uma interface decente novamente. Você pode ir de super barato para super caro nesta parte. Eu não estou dizendo que você tem que começar pelo topo, mas você precisa de algum tipo de interface. E resumindo, tudo o que a interface da ONU faz é conectar a fonte de som como o microfone ou a guitarra ou qualquer outra coisa que você está conectando a ele ao computador, e ele recebe o som daqui para dentro da caixa. Você não precisa gastar uma tonelada para ter uma ótima interface. Hoje em dia, essa é a beleza da moderna tecnologia de gravação. Número três. Um microfone decente Você pode ir todo o caminho de um microfone de US $20 para um microfone de US $20.000, Mas saiba que Michael Jackson gravou thriller em um Shure sm sete, que é um microfone de US $349 que pode ser caro para alguns de vocês lá fora. Pode não ser muito, eu não sei, eu não sei, mas você precisa de algum tipo de microfone para colocar sua voz no computador. Os cabos número quatro farão um PDF, que quebra exatamente quais cabos você precisará conectar, o que dedo do pé o que. E nem vou mergulhar nisso porque os cabos são a parte chata. É a parte em que ninguém gosta de gastar dinheiro, mas você só tem que tê-los e eles ficam emaranhados para que os cabos sejam a parte irritante. Mas eles conectam seu microfone à sua interface, da sua interface ao seu computador, da sua interface aos seus alto-falantes e todo o resto. Número cinco auscultadores e/ou monitores de estúdio. Os fones de ouvido são ótimos porque você pode trabalhar novamente em qualquer lugar. Basta ligar ao seu laptop. Eu conheço um monte de grandes discos que foram feitos no programa, apenas usando literalmente um laptop e fones de ouvido. Você ouve qualquer um dos novos E.G M. Stuff. Um monte de caras ar, literalmente apenas programando sem um controlador midi lá basta usar um laptop em seus fones de ouvido. Então, ter um pouco de um conjunto decente de fones de ouvido, esse tipo importante que você quer saber, você sabe o que você está ouvindo é um pouco preciso. Eu diria, você sabe, ter algo talvez um pouco mais agradável do que, como a maçã de estoque, uh, seus botões, para começar. Mas novamente, você pode encontrar alguns grandes fones de ouvido para 40 $50 que você não tem dedo do pé quebrar sua carteira sobre um sfar um estúdio monitores, vai monitores de estúdio ar Ótimo se você está colaborando com outras pessoas, porque então todo mundo na sala está ouvindo a mesma coisa até o último você para levantá-lo e mostrá-lo para as pessoas Pretty auto-explicativo Studio monitores ar apenas alto-falantes high-end, então eles são projetados para retratar com precisão o áudio que você tem em seu computador. Número seis, um controlador midi. Simplificando, um controlador MIDI é apenas um teclado, como um piano que tem uma saída USB ou FireWire ou Thunderball que vai direto para o seu laptop, e você usá-lo para acionar instrumentos de software para programar bateria para fazer todos os tipos de funções. É realmente difícil ser um produtor moderno, não ter algum tipo de controlador MIDI pequeno novamente. Você não precisa necessariamente gastar uma tonelada de dinheiro para um. E muitas pessoas ficaram muito boas. Ele literalmente apenas usando o teclado do laptop para programação, então você pode totalmente se safar com isso, também. É só preferência pessoal. Número sete a D a W D. W significa estação de trabalho de áudio digital, e isso é basicamente o software que você usará para gravar mixagem de programas, organizar e montar suas produções. Coisas como lógica. Pro ferramentas que base digital performer Esses são todos diferentes D. A W's alguns dos gratuitos ou GarageBand e audácia. Como dissemos, foram ótimos para começar até aprender o básico e os fundamentos da gravação. Então você precisa. Você precisa de um D decente um WRC, pelo menos algum tipo de DW para começar. E o número oito é um microfone. Eu nem vou gastar tempo para dizer o que é porque você sabe o que ISS segura um microfone novamente. Eu não quero me perder no poço de engrenagens porque há muitos sites que você pode ler sobre. Será que isso engrenagens melhor e você precisa desta engrenagem e você precisa desse ano, e eu tenho este high-end x r 27.000 coisa que soa melhor do que o 24.000 e você pode se perder nisso. É realmente não é sobre o ano do ano até certo ponto é importante, mas é mais importante saber o que você tem em dominar o que você tem e ficar realmente bom nisso. Na verdade, criamos um pacote para ajudá-lo com algumas de nossas recomendações para peças de engrenagem . Você pode comprar um pouco, tudo , nada disso. Mas clique no link para isso. Nós temos um PDF que tem alguns tem isso em um formato de lista que poderia apenas dar-lhe um bom lugar para sair e começar. 4. Fundamento 2: engenharia: Gravação de engenharia, rastreando o que quiser chamar. Trata-se de obter o som ideal e capturar o desempenho perfeito do artista . Não apenas sobre ser perfeito, mas sobre capturar emoções e inspirar grandes performances. As performances precisam ser credíveis. Eles precisam ser profissionais, e eles precisam ser convincentes. E é isso que o seu trabalho é e engenheiros para fazer. Muitos de vocês, vão ser vocês mesmos. Então esse é um trabalho um pouco diferente. E foi assim que eu entrei na gravação First foi apenas gravando minhas próprias músicas no porão dos meus pais, então você tem um monte de prática de engenharia e tipo de auto-edição prática enquanto você continua que é sobre ambos capturar áudio, sua voz ou sua guitarra ou teclado ou qualquer que seja a fonte de áudio. Mas também é sobre saber os sons certos para usar quando você está programando, por exemplo, uma parte de piano ou um som de bateria. É sobre saber a amostra certa para usar para um tambor ou o que quer que você queira. Um fundamental importante é a estrutura adquirida. Se você definir o seu ganho muito baixo, você vai acabar tendo toneladas de ruído e é que se compõe ao longo de muitas faixas ou apenas ter uma faixa muito barulhenta. Você disse que a estrutura de ganho é muito alta e você tem distorção, o que não soa muito bom. Então você quer ter certeza de que sua estrutura de ganho está certo desde o início em interfaces . Isso é muito fácil de fazer com, literalmente apenas um botão de acabamento normalmente ou algo assim. Então passe o tempo para acertar. Obviamente, se você está gravando uma parte silenciosa em sua guitarra que é realmente íntima dedo escolhido, você provavelmente quer virar para ganhar um pouco. Se você está indo para Town Strawman em Mumford canção, você provavelmente vai querer rebaixá-lo um pouco, então não soa como seus alto-falantes lá explodindo a menos que é isso que você está indo para . Claro, também é importante ter o tipo certo de ambiente de sala de gravação, especialmente para vocais que podem ser importantes. Se você está fazendo uma faixa pop, você quer que o quarto seja bastante morto, mas isso é possível simplesmente criando uma pequena cabine de cobertores e colocando-os em torno de você. Algumas das nossas primeiras cabines vocais, tudo o que eram. Armários que estavam forrados com cobertores e roupas e qualquer outra coisa que pudéssemos encontrar que ficasse morto no som. Se você está indo para um som mais espaçoso e quer um pouco mais de reverberação natural, tudo bem se você está gravando em uma sala que é um pouco mais ao vivo. Mas o que acaba acontecendo, como vamos descobrir um pouco mais tarde no processo de produção é quando você entra na mistura, você começa a usar uma ferramenta chamada compressão. E o que a compressão faz é parecer que se você soar como se estivesse em uma pequena caverna para seus próprios anos. Quando você ficar comprimido, vai parecer que você está no túnel subterrâneo. Então você quer realmente tomar o tempo para, você sabe, você sabe, obter algumas configurações básicas de sala e também para o seu ambiente de audição para Se você está em fones de ouvido, isso realmente não importa muito, mas certifique-se que seu estúdio monitora na sala em que você está, tanto quanto você pode controlá-lo, que não há toneladas de ecos e reflexos. Obviamente, você nem sempre tem controle sobre a situação. Muitas de nossas produções modernas são feitas em ônibus, salas verdes e vestiários e onde quer que os artistas saiam em turnê. Então, obviamente, você não pode controlar isso o tempo todo. Mas por mais que você possa, é uma coisa boa para uma dica que eu não posso exagerar o suficiente é não ter medo de ser um perfeccionista. Eu acho que quanto mais eu faço isso, lento eu fico, porque às vezes para ter aquela tomada perfeita, você tem que cantar a linha ou ter o cantor single 25 vezes e não tenha medo disso. Eu sempre acho que é melhor pegá-lo direito na frente e não ter que editá-lo ou ajustá-lo ou cronometrá-lo mais tarde. Sempre soa melhor se você conseguir o desempenho logo na frente e não se sentir envergonhado. Se você tiver que cantar a linha 25 vezes para acertar. Ninguém é perfeito, na verdade. Não consigo pensar em nenhum cantor com quem já trabalhamos que acabamos de gravar e a primeira tomada foi essa. Pode não haver um cantor hoje em dia que possa fazer isso, então não se sinta envergonhado ou inseguro. Se for esse o caso, estamos todos em sintonia com isso. Outra dica é esta. Não tenha medo de gravar sua música para criá-la em seções. Concentre-se no versus foco nos cursos. Acerte esses, depois vá para a ponte. Você não tem que sentir que você tem que pressionar gravar de cima para baixo, e é isso. Você sabe que vai se acostumar a entrar, e perfurar para fora são os termos técnicos que usamos para quando você pressiona play, você bate recorde. Isso é um soco quando você bater recorde novamente. Isso é um soco, e com o tempo você vai ser rápido isso. Mas não tenha medo de gravar a música em seções. A maioria dos profissionais faz isso. Fazemos isso todos os dias. Hoje em dia, há tantos principais e amostras grátis on-line, e ter os sons de amostra certos pode poupar uma tonelada de tempo, especialmente se você é como eu. E você não gosta de sentar aí mexendo com um tambor por semanas para acertar . Há um que nós queríamos dar um grito em particular e lá uma empresa chamada Sound lá realmente baseado aqui onde nós somos de Nashville, Tennessee, e estão fazendo algumas das amostras da mais alta qualidade que você está A audição aparece em todos os discos profissionais hoje em dia. Verifica isso. É que eu quero aquele som ponto com. Você pode obter seus bancos para Sochi, e é irreal o quão rápido você pode ir com sons de bateria para suas faixas. Última dica Como um lembrete, é sempre melhor colocá-lo direito na frente e em vez de tentar corrigi-lo no back-end . 5. Funda 4: mistura: misturando. Esta pode ser uma das partes mais subjetivas de todo o processo de produção. Não consigo enfatizar isso o suficiente. Cada pessoa vai ter um gosto diferente quando se trata de como eles gostam de ouvir um som. Eu vou ouvir um tambor talvez diferente do que você ouviria. Mas resumindo, misturar é pegar todos os seus sons. É equilibrá-los. É pintá-los, ajustando seus níveis, usando a automação de compressão e que e outros efeitos para levar o ouvinte em uma jornada desde o início do sinal do fim da música. Ele também está destacando as partes importantes da faixa na criação da quantidade certa de espaço para aqueles que os melhores mixers que eu sei realmente tomar seu tempo e ouvir a música que eles misturam com música em mente. E se é uma música country e é sobre uma história, eles vão se certificar de que a letra é a coisa em que você está focado. Você não vai se concentrar no pandeiro do lado esquerdo a menos que o cérebro do Tam esteja contando a história. Claro, misturar é um trabalho difícil porque se você fizer isso bem, você meio que desaparece na música e ninguém realmente sabe que você está lá, e ninguém realmente sabe o que você fez. Mas é um trabalho difícil porque se você fizer um trabalho ruim, as pessoas definitivamente sabem onde apontar o dedo. E eles sabem que algo simplesmente não soa bem. Não digo isso para desencorajar. Eu só digo isso para dizer isso misturado com música em mente. E nunca tenha medo de estar sempre evoluindo e desenvolvendo seu ofício de misturar a melhor mistura. Engenheiros que eu conheço estão constantemente aprendendo constantemente usando novas ferramentas. Eu estava com um hoje, na verdade, e quando eu estava lá há um mês, conjunto de ferramentas dele estava completamente reformulado, então não tenha medo de mudar e evoluir constantemente sua arte. Como eu disse antes, mistura é muito subjetiva porque a maneira que você ouve vocal pode ser completamente diferente da maneira que eu ouço é realmente uma arte. E é o lugar onde você pode deixar sua assinatura em uma produção. Uma mistura ruim pode distrair o ouvinte do que realmente está acontecendo na música. Uma boa mistura é como tirar uma foto e colocá-la no quadro perfeito e ficar fora do caminho, alguns conceitos básicos de mistura para deixá-lo com o número um e que curto para equalização ou equalizador. E isso é essencialmente equilibrar os baixos, os médios e os altos para explicar de forma muito simples, se um tambor está soando muito estudo, você provavelmente vai aumentar os altos um pouco. Se os vocais soar muito duro, você pode durante os altos para baixo um pouco. É muito mais complicado do que isso, mas essa é a visão geral básica do que E. Que é e faz. Número dois é compressão e limitação, e isso cai sob um grande subtítulo do que você chamaria de dinâmica. compressão traz essencialmente as partes mais silenciosas do seu sinal e esmaga as partes mais altas. Então, em vez de assim, é um pouco mais nivelado. Os profissionais sabem que não há problema em esmagar as coisas, mas também sabem que usar muita compressão e limitação pode tirar a humanidade de uma performance, e pode fazer com que pareça morta e sem vida. Limitar também é como os discos de hoje podem soar tão alto. As pessoas não têm medo de prender o limitador para baixo e apenas fazê-lo bater e bater como uma parede de tijolos . Isso é uma espécie de Touchstone da música pop moderna é o quão alto é, e as pessoas conseguem isso através de compressão criativa e limitação criativa. Número três é reverberação e atraso. Esta é uma ferramenta que pode no espaço para uma pista que pode aconselhar, e pode ter estilo para ele. Esta pode ser a maior diferença, de gênero para gênero, de como as pessoas usam reverberação e atraso. Se você voltar e ouvir um monte de discos dos anos 80, eles não tinham medo de virar o rio sobre 2 11 E se você vai ouvir Taylor Swift, 1989 seu novo disco em seus vocais, O reverb é alto e claro. O atraso é alto e claro, e não tenha medo de fazer isso. Mas então você pode ir lá e ouvir dinheiro gigante. Eu não sei se o último disco dele usou qualquer rio se eu pudesse estar completamente errado. Mas há diferentes tipos de reverberação. Há diferentes tipos de atrasos. Alguns exemplos são reverberação da primavera. Há placa reverb fechado, reverb, hall re verbos e verbos do rio quarto em atrasos. Há atrasos na fita, atraso digital, ping pong estéreo e atrasos no tapa. Em última análise, cada uma dessas coisas cria uma vibração diferente, e muitas pessoas usam uma combinação de todas elas em suas misturas. 6. Funda 3: Edição de edição: edição. É aqui que a magia acontece. Chame isso de mal. Chame isso de incrível. É auto tune, sua linha de melodia batida, detetive vocal. Sou flextime, comping, quanta, izing. Faças o que fizeres, faz parte da edição. Acontece em todos os discos pop modernos, e na verdade, eu aposto em dizer que é realmente o que vai fazer suas produções se destacarem e não soar como produções amadoras. Obviamente, no início, você não vai ser incrível editor logo fora do portão. Mas com o tempo você vai melhorar, e sua produção vai começar a soar um pouco mais profissional. Aqui é onde você pega aqueles 25 incríveis Tex vocais que você cantou antes de pegá-los juntos. Literalmente. Não tenha medo de ir palavra por palavra. Há muitas vezes que fazemos isso, hum, hum, e você se certifica que uma vez que você tem um Copt, que é a tempo e que uma vez é a tempo que está em sintonia. Esse é o processo de fazer vocais, e é o mesmo em faixas de guitarra ou áudio. Mas obviamente você não está usando o recurso de ajuste. Você só está se certificando que é tudo no tempo e no bolso se sente bem, obviamente, de gênero para gênero e de estilo de música que você vai fazer. Alguns discos serão mais apertados que outros, e no final, isso é bom para o seu gosto pessoal. Se você ouvir um monte de coisas top 40, está no rádio agora. É muito apertado, e é muito importante que esteja na grelha, por assim dizer, tão cronometrada. Você pode usar isso e fazer isso ao seu gosto. Muitos instrumentos são muito mais fáceis de editar, já que está tudo no computador, você não está lidando com a manipulação de áudio. Você pode usar um recurso que chamamos Quanta izing, que está essencialmente tomando. Se a minha batida está aqui, na grelha, está aqui. Ele apenas vira-o para que ele se alinhe direito para que você possa fazer isso realmente facilmente com muitos. Então, se você é principalmente um programador, você provavelmente vai ser um pouco mais rápido do que alguém que talvez seja baseado apenas em material de áudio . Mas não há caminho certo ou errado. É só ter uma boa compreensão de todo o processo novamente. Passei muito tempo acertando isso. Muitas gravações amadoras. Este é o lugar onde as músicas apenas Fall flat está na cara de edição e um monte de pessoas estão com medo de fazer o som de gravação muito mais produzido. Mas aqui está a verdade. Poucas pessoas são genuinamente talentosas o suficiente para pressionar gravar e cantar uma música ou tocar uma tomada de cima para baixo e deixar isso levar. Seja assim, a menos que seja especificamente o que você está procurando e você está tentando capturar algum som humano realmente cru cru. Mas o fato real é que, Adele pode ser uma das poucas exceções, e mesmo em seu novo disco, parece que há talvez um pouco de afinação acontecendo lá. Mas eu só digo isso para dizer, não tenha medo de usar a edição e usá-lo liberalmente. Cada D A W, que falamos antes, tem um conjunto diferente de ferramentas de edição, mas o uso sexual básico é cortar, desvanecer, cruzar, desvanecer, desvanecer, esticar e mover. Vamos entrar em mais detalhes em cada d aaw porque cada um deles tipo de função diferente. E a maneira como os atalhos funcionam é diferente. Mas não vamos gastar muito tempo nisso agora. Eu só queria cobrir as ferramentas básicas que você vai precisar principalmente para ter uma compreensão de algumas dicas. Seja lá o que for que você está trabalhando para salvar muitas vezes, eu gostaria de ter aprendido isso há muito tempo. Acerte, salve e até pressione Salvar quantas vezes. Quando você está nesta fase de edição e você especialmente para o seu novo editor, você pode fazer algo que em cinco minutos você acha que não soou assim. Se você acertar, salvar como e salvar uma nova versão, você pode acabar com 21 versões da música no momento em que terminar, mas você terá a liberdade de voltar para trás se quiser desfazer, por assim dizer e revisitar um antigo versão. Muitos dos promotores promotores têm um recurso de salvamento automático, que usamos muito religiosamente. Eu acho que o nosso este conjunto a cada dois minutos em ferramentas profissionais, então aperte salvar muitas vezes. Dica número dois. Se você está trabalhando com uma mistura de material de programa e áudio gravado, muitas vezes isso é uma receita para o que chamamos flam, onde há uma amostra que está bem na grade, e então há um kick drum que é gravado ao vivo. Se estiver um pouco desligado , também vai. Vai soar como um flam, que é como, ao contrário, e não vai ser o som título fora de fase. Normalmente, como regra geral, você vai querer operar um pouco mais apertado no áudio. Se você estiver usando uma mistura de áudio gravado e programas. Amostras de software Dica número três. Se você está produzindo outro artista ou cantor, a parte em que você começa a editar os vocais pode ser um bom momento muito cedo. Aquele cantor em uma pausa para o café, pode ser um pouco irritante sentar em um estúdio. Ouça a sua voz e todas as suas imperfeições sendo tocadas uma e outra vez, e muitas vezes pode fazer os cantores segundo palpite. Este é um bom aproveitador? Essa cantora de música? Eu sou mesmo bom? Porque vamos encarar como artistas e criativos eram todos muito inseguros sobre nós mesmos . Então faça a si mesmo e ao artista um favor e mande-o sair para almoçar. Parte do que enfatizamos em nossa empresa é ser capaz de ter algum grau de edição como você vai, e isso obviamente requer uma grande quantidade de velocidade e eficiência quando você está quando você está rastreando e editando logo depois de fazer uma tomada editá-lo. Então dá ao cantor a sensação de como a música acabada vai se sentir. É um pouco mais inspirador ouvir na última dica. Não tenha medo de começar devagar. Você vai ficar mais rápido mesmo que leve a noite toda para ficar acordado. Editando uma linha de uma faixa vocal. Não tenha medo de colocar as horas e apenas fazê-lo. 7. Funda 5: dominando: dominar. Esta é a parte final do processo de produção, onde você leva o acabado para acompanhar mix estéreo que você tem um aplicar final e que compressão e limitando a essa faixa para trazê-lo até algo que é competitivo com outro material. Está lá fora hoje. Na verdade, é o último a maior parte do tempo. Os últimos 2% das misturas de processos hoje em dia são muito quentes e muito pré masterizadas, então os engenheiros de masterização têm muito menos a fazer do que nunca fizeram antes. Mastering também é sobre se certificar de que todo o seu disco e isso está falando depois que você teve várias músicas produzidas. É sobre ter certeza que todo o disco flui sonicamente para que uma música o que, o que, o que vai acontecer. Muito do Times é diferente. Produtores vão fazer músicas diferentes no disco, e eles serão misturadores diferentes e, às vezes, jogadores diferentes. Então ele está realmente tomando a curva geral lá, não tendo controle sobre. Devolva a guitarra depois dos tambores para cima ou qualquer coisa, mas é apenas um pincel geral sobre a mistura estéreo e certificando-se de que flui como um. Registros simultâneos não ficam muito pendurados para começar em masterização. Muitas vezes é um pouco de artes negras onde se o engenheiro de masterização fez bem o seu trabalho, você nem sabe o que ele fez. E muitos dos ouvintes médios não treinados nem sequer saberiam o que aconteceu. Mas é algo para praticar ao longo do tempo e não sinto que você tem que usar demais e que e compressão e limitação e masterização. É apenas algo que deve ser o último polimento na sua mistura. Mastering é também a parte do processo em que você decide qual será a sequência do seu álbum . Isso é decidir quais músicas vão para onde e qual ordem. É uma espécie de arranjo, mas só para todo o seu registro. Então também está decidindo desvanecimentos e lacunas entre as músicas quanto espaço há, se houver, entre as músicas, é também onde o engenheiro de masterização tem que criar códigos I.R S C, que é essencialmente apenas um monte de baboseira que não vamos entrar agora. Mas é parte do lado clerical de masterização, e você não vai ter que se preocupar muito com isso agora, mas é realmente apenas esquecer sua música. Em um CD pressionado ou no iTunes ou em um formato específico que os distribuidores exigem. O quadro que eu quero fazer é este um B A B A B. Não tenha medo de referenciar outras músicas que estão lá fora. Todos os profissionais fazem isso. Na verdade, já vi muitas procissões onde, no final da sessão, terão outra música lá. Por exemplo, eu vi as sessões pro tools para a música do fundo We Are Young, que foi um grande sucesso há alguns anos. Jeff Bhasker produziu. Incrível Produtor, e naquele registro de fundos que tinham, acho que eram três referências. Eles tinham uma pista de Kanye West. Eles tinham uma faixa queen, e então eles tinham outra faixa hip hop abaixo dela, e eles estavam constantemente indo e voltando ouvindo suas coisas. Ouvir essas coisas são baixas e atingidas como há o Pé Bizarro. São vocais como maiores os vocais Queen, então não tenha medo de fazer isso em masterização Especialmente, pode ser importante porque o que acontece é quando sua música está em listas de reprodução de um ouvinte. Muitas vezes as pessoas estão apenas ouvindo isso em um ambiente de solteiros hoje em dia, então eles podem ouvir Taylor Swift. E então eles podem ouvir a sua música. Você quer ter certeza que quando sua música tocar, eles não têm que ligar o mostrador só para ouvir a coisa. E você também quer ter certeza que parece competitivo. Você também quer ter certeza de que não soa muito alto para onde ele está apenas esmagado e não tem vida. Então dominar é realmente sobre um ser, tornar suas coisas competitivas, torná-lo apropriadamente alto e colocar o polimento final sobre ele. 8. Os conceitos básicos de produção: Aqui está o último ponto que eu quero fazer a melhor peça de engrenagem na melhor ferramenta de produção é uma ótima música. Não importa o quão caro é o seu equipamento. Não importa o quão bom o estúdio seja. Não importa o quão legal a faixa soa. Se sua música é medíocre, fazer uma grande produção nela ainda vai ser uma música medíocre. E a maior parte do tempo. Se uma música é ótima, não há muito que você possa fazer para torná-la ingrata. Você só tem que não estragar tudo. Então, muito tempo é o nosso trabalho. Como os produtores de música foram encarregados de obter essas músicas que já soam nota, eles têm grandes demos. As letras são ótimas. As melodias de grande Nosso trabalho é meio que ficar fora do caminho e colocar a imagem no melhor quadro, por assim dizer. Não fique muito pendurado nas ervas daninhas de todas as pequenas coisas dele, como a edição e a engenharia e a mistura na estrutura do jogo na engrenagem, você vai obter essas coisas ao longo do tempo. O que eu enfatizo para os produtores é apenas ter certeza que a música está bem no front-end, e muitas vezes isso significa voltar e ajudar a reescrever. Claro, se os artistas estão abertos a isso, sempre sejam sensíveis a esse fato. Mas certifique-se de que a música está certa antes mesmo de mergulhar nisso. E em um mundo perfeito, escrever músicas é uma coisa. Produções. Uma coisa. Você termina isso e então você segue em frente para aquilo, muito de como nós fazemos na nossa empresa e muito de como eu acho que muitas outras pessoas fazem isso. Os dois estão constantemente se misturando entre e saindo um do outro, e você realmente não pode dizer, OK, OK, agora terminamos com o processo de escrita de músicas porque você pode começar a cantar vocais. E então você pode mudar uma letra uma vez que os cantores na cabine ou você pode mudar a melodia ou você pode tirar uma seção de uma música. Mas eu digo tudo isso para dizer que a música é sempre rei e tomar todas as suas decisões de produção baseadas no que é melhor para a música, o projeto de classe que queremos que vocês tirem a música que ela escreveu na Guerra de Classe. Para aqueles de vocês que não viram a primeira classe, era uma canção sobre a única pessoa ou coisa que você mais ama. Pegue essa música, apresente uma demonstração de usar o que quer que seja. Aqui, seja lá o que for, e faça o upload para o MP 3. Essas letras, se puder. Estou muito animada para ver o que vocês acabam inventando.