Mixagem da sua música — obtenha um som profissional

1. Introdução à mistura profissional: Ei, amigos e criadores de música Mike aqui e agora é hora de você aprender o essencial de misturar suas produções musicais para obter um som profissional. Vamos começar. Então, o que significa misturar bem a sua música em excesso de essência? Misturar música é realmente muito simples. O objetivo geral é criar um bom equilíbrio fora da produção global. Você faz isso misturando todas as faixas individuais, usando várias técnicas para chamar seu próprio espaço único. No mix final, você está se esforçando para obter um bom grau de separação entre cada pista em seu projeto para que cada um tenha seu próprio lugar, seu próprio domínio na mistura. Sim, as faixas se sobrepõem umas com as outras. Isso é natural porque a separação total é basicamente impossível. Mas quando você somar todas as técnicas que você aprenderá neste curso, você será capaz de criar uma melhor separação entre faixas, que levará a uma maior clareza para todos os instrumentos e sons em sua mixagem. Imagine um restaurante cheio de pessoas falando ao seu redor. O som geral será como um grande ruído de rolagem. Você será capaz de ouvir que são muitas pessoas falando, mas não conversas realmente individuais. Esta analogia é como uma má mistura em uma produção musical, muitos instrumentos e faixas lutando uns com os outros, que criará uma grande confusão de som. Mas digamos que você tinha um controle de volume para cada pessoa naquele restaurante. Digamos que você possa criá-los de forma diferente no espaço estéreo. É apenas suas vozes com e que e filtragem automatizar volume. Use a compressão para domar o equilíbrio de áudio e a alma. Bem, então você estaria no controle de todas as conversas para que pudesse separá-las o suficiente para poder ouvir o que eles falam. Isso é uma analogia para o que é uma boa mistura. Incrível. Agora você sabe o que você será capaz de fazer quando você aprender técnicas essenciais de mixagem música. Está na hora de controlares a tua música. Aprenda o verdadeiro poder desligado, prática de mistura o ou para melhorar suas habilidades. Torne-se um mestre de suas produções musicais. Eu poderia, e eu vou te ver na próxima 2. As mais 10 dicas do Mike sobre mistura: Ei, amigos e criadores de música Mike aqui e neste vídeo, eu vou te dar minhas 10 dicas ou misturar música profissionalmente. Tudo bem, eu vou bem rápido, mas você sempre pode voltar e assistir de novo. Dica um. Concentre-se no quadro geral. Misturar música é tudo sobre o resultado final. O quadro geral. É por isso que eu aconselho você a concentrar a maior parte do seu tempo em coisas que têm grande impacto no quadro geral. Como os canais de grupo, por exemplo, dica para fazer muitas pequenas alterações. Minha diretriz pessoal é fazer muitas pequenas mudanças em toda a mistura. Aumente um pouco o parâmetro aqui, reduziu um pouco lá. Mudanças drásticas em instrumentos individuais geralmente soam cama, então ter a mente desencadeada fazendo muitas pequenas mudanças tendem a produzir o som mais natural e ponta mista profissional. Três. Misture o núcleo primeiro. Qual é o núcleo? Bem, é basicamente o foco principal da sua música. Os elementos mais importantes, se quiserem. Normalmente são coisas como bateria, baixo e melodia de chumbo ou vocais. Se você conseguir aqueles equilibrado e bem misturado primeiro, o resto de suas faixas será muito mais fácil. Dica. Quatro. Ponha os holofotes no centro. Pense em sua música como um palco de teatro e seus instrumentos como atores. Você sempre terá atores principais que têm os principais holofotes sobre eles, e da mesma forma, você terá instrumentos e sons em sua produção musical que exigem mais atenção. Você dá isso a eles colocando-os no centro, então decida quais sons em sua mistura ou os atores principais. Dica. Cinco. Misture com os ouvidos primeiro. O mais importante para você tem como compositor e produtor musical ou seus ouvidos. Aprenda a usá-los para ouvir instintivamente a música, os instrumentos e as células individuais, e fazer pequenas mudanças enquanto escuta ativamente com cuidado. Resistir à tentação de usar uma análise para gostar de um analisador de espectro. O Onley. Use ferramentas técnicas como essa para confirmar seus instintos. Dica seis. Use faixas de referência. Encontre músicas populares publicadas em um estilo semelhante à sua faixa e usadas como referência orientadora . Estes já são profissionais misturados. Na verdade, ouvir e analisar música misturada profissionalmente pode ser uma boa maneira de treinar seus ouvidos . Talvez a sua música tende a ter demasiadas frequências inferiores ou talvez demasiado pequenas . Dica. Sete. Aprenda o seu quarto e ainda monitora. Cada cômodo adicionará sua impressão digital acústica ao que você ouve quando ouve seus monitores de estúdio. É por isso que você deve ouvir muita música em seu estúdio e em seus monitores para que você aprenda o som da sala e de seus alto-falantes. Dica. Oito. Calibre os seus níveis. Nossos ouvidos respondem de forma muito diferente a vários níveis de volume, o que afeta como ouvimos as frequências e o equilíbrio na música vai ouvir. É por isso que você deve calibrar seus monitores de estúdio para um nível específico para que você sempre misture sua música enquanto monitora com um som baixo pré-definido. Basta procurar calibrar seus monitores de estúdio no Google e cheio de um dos guias para encontrar a dica nove. Verifique seu equilíbrio estéreo e capacidade moral. É importante saber que muitas pessoas vão ouvir sua música em um sistema moral como em pequenos dispositivos como smartphones, tablets, etc Durante o processo de mistura. É importante que você verifique sua mistura em monoaural de vez em quando na mistura final, deve ter um bom equilíbrio estéreo e também soar bem mesmo em um sistema moral. Tip 10 misture para um nível de volume dedicado. Faço sempre a minha música para que a produção final tenha um nível médio de volume dedicado . Você produzirá misturas muito melhores se você não for muito influenciado pelo nível de intensidade . Muitas vezes nos enganamos pensando que uma mudança feita soar melhor quando simplesmente faz soar mais alto. Eu recomendo usar um medidor de amor conectando sua saída estéreo mestre e decidir logo no início do seu processo de mistura, qual o nível médio de intensidade. Você vai misturar o atraente, por exemplo, menos 14 amores. as Essas eramasminhas melhores dicas ou misturando sua música profissionalmente. Espero que algumas dessas fitas o tenham feito mais consciente do seu próprio processo de mistura. Agora só há uma maneira de melhorar suas habilidades de mixagem, e isso é misturando muito fora da música. Nada é melhor do que aprender. Fazendo isso. Certifique-se de implementar e experimentar algumas das coisas que você aprende com minhas dicas, em seguida, faz o máximo de música que você pode cada semana. Meu nome é Mike, e te vejo na próxima 3. A tela 5D de música: Neste vídeo, você vai aprender meu conceito especial de mistura profissional de música, que é baseado nas cinco telas D da música, e você ou o pintor misturando música versus pintura. Este é um conceito que desenvolvi para ensinar mixagem profissional, e também é uma ótima diretriz para ter o fundo de sua mente ao trabalhar em sua mistura. Baseia-se na analogia da pintura. E não se preocupe. Você não precisa ser Leonardo da Vinci para misturar sua música em uma produção profissional, mas eu acredito que a analogia da pintura é ótima para desenvolver um sentido fora da perspectiva. Fora da música. O pintor tem limites rígidos para trabalhar ao criar sua arte do tamanho da tela, os pincéis e as ferramentas usam as cores que ele pode produzir com seu paladar. Mas mesmo dentro desses limites, uma pintura pode se tornar uma verdadeira obra-prima. Os milhares de traços individuais do pincel, todas as camadas de tinta e imagem e mistura de cores todos trabalham juntos para formar a pintura final. Que assassinatos é a impressão que você tem quando você fica assistindo a pintura final na parede? Qualquer quadro complementar. Agora vamos comparar essas duas músicas. Tal como acontece com a pintura, você tem restrições baseadas na física e nas regras do domínio digital, que compõe a gravação de áudio de sua produção finalizada. Um exemplo de tal restrição é a audição humana. Não há razão para fazer música fora do alcance que nossos ouvidos podem ouvir som. Sua missão é pintar sua música dentro do alcance e limites que você tem disponível para áudio e som. Então, quando você mistura música, você pode se imaginar como um grande pintor, um DaVinci arável Leone. Mas para a música, então qual é a tela 5 D da música? Bem, não é pintura ou cores, mas comparado a uma pintura física, você realmente tem um domínio maior na música para pintar seu som final mais apaziguado. Eu chamo isso de cinco câmeras D de música, que representa as cinco dimensões. Ao misturar sua produção musical, vamos passar por elas uma por uma dimensão uma vez a primeira dimensão para pintar sua música em seu tempo. Se você tem dois sons diferentes, você pode fazê-los tocar exatamente ao mesmo tempo, ou você pode alinhá-los ligeiramente um do outro e você pode até mesmo separá-los completamente na dimensão de tempo. A dimensão de tempo tem o impacto mais forte na separação entre instrumentos e sons na mistura. O maior controle ao longo do tempo está na fase de arranjo, que é principalmente tratado pelo compositor. Mas ele pode, por exemplo, uma linha de áudio todas as faixas de mídia depois que as peças terminaram como produtor e engenheiro de mistura. E, é claro, muitos fabricantes de música nos dias de hoje fazem tudo sozinhos, desde a composição até a organização até a produção e mixagem. Mesmo pequenas variações no tempo podem ter um grande efeito na clareza e separação entre as faixas. Por exemplo, digamos que você tenha zonas de percussão começando exatamente ao mesmo tempo. Você pode simplesmente arrastar um deles um pouco mais cedo na ganância de seu D W e o outro um pouco mais tarde na ganância. Agora, as duas células terão alguma separação no tempo fora do ponto de partida para sons percussivos . Pode ser uma questão fora de mili segundos para criar essa dimensão de separação para a frequência. A segunda dimensão fora da tela 5 D da música é a frequência. Você está limitado ao alcance da audição humana para pintar sua música na regra geral é de 20 hertz a 20 mil hertz ou 20 assassinos. Para curto 20 Hertz é o som baixo baixo que os seres humanos podem ouvir em média, e 20.000 hertz é a frequência mais alta. Podemos pegar a música Terra, mas é feita de 12 notas que estão espalhadas por várias oitavas. Cada nota representa uma frequência fundamental diferente, indo da base mais baixa para o tom mais alto. E ao compor e organizar música, é muito importante estar ciente de onde, nessa faixa de frequência, você está colocando todos os seus instrumentos e sons na fase de mixagem. Acredito que os ajustes de frequência que você faz em cada instrumento e faixa é um dos elementos mais importantes sobre os quais você tem controle na tela final de sua produção musical. Você tem várias ferramentas disponíveis como engenheiro de mistura, como equalização, Hi Paul e baixa filtragem de pós, multi ruim e compressão etc. Nível de dimensão três. A terceira dimensão que você tem disponível nas cinco telas D da música é nível ou volume, se preferir, já que estamos trabalhando no domínio digital. Ao misturar suas músicas, você fica restrito pelos limites da escala de áudio digital do nível de áudio, o que significa que o volume em qualquer momento é descrito por um valor digital. E esses valores tem um teto no nível de pico absoluto, que é Ciro decibel. Nada pode ultrapassar esse limite, e se você tentar, ele só cortará a forma de áudio diretamente nesse nível de pico. Como sua espada samurai ou melhor analogia é pensar na escala de audiência DD dois como um copo de água. Você pode Onley derramar uma quantidade limitada de água nesse brilho antes que ele esteja cheio. O brilho total representa zero decibéis na escala de áudio digital. Se você tentar derramar mais água nele, que a água vai derramar ao redor das bordas e criar bagunça. Mas as meninas de verdade ainda terão a mesma quantidade de água nele. Ao misturar sua música, você pode equilibrar seus instrumentos e sons para estar mais ou menos em foco ajustando o nível de todas as faixas. Isso é feito principalmente usando todas as falhas de nível no mixer, mas ele também pode usar para, como compressão dinâmica, passeios, compressão, limitação etc para moldar tanto o nível de pico bem como o nível médio de todas as faixas individuais no seu mix. Dimensão quatro. Nos velhos tempos da música, tudo foi gravado em mono, e na verdade, ainda há dispositivos que Onley coloca em modelo hoje. Eu sei que é terrível, mas infelizmente, é verdade. Claro, a melhor experiência de audição da música vem da adição da dimensão do som estéreo ou mesmo surround, em alguns casos colocando os instrumentos da esquerda para a direita ou, no caso desligado, cercam mesmo da frente para trás. Para isso, você usa um botão panorâmico no mixer, e é muito importante aprender a usar essa dimensão. Se você tem dois instrumentos que estão lutando muito uns com os outros, como um piano calmo e uma guitarra rítmica, por exemplo, quando tocam juntos, você vai ouvir o quanto eles competem, o que é diminuindo drasticamente a separação e a clareza de cada instrumento. Mas simplesmente adicionando variação na dimensão panorâmica, você aumentará muito a separação e a clareza, então vamos fazer uma panorâmica sobre a faixa de guitarra rítmica, bem como a faixa de piano comm, transformando-os em direções separadas e Vamos dar uma escuta Se você ouvir isso em um sistema estéreo, você poderia claramente ouvir a separação melhorada entre a guitarra rítmica e a faixa calma de piano . No entanto, você deve estar ciente de que se o seu pessoalmente desde a pista em um sistema moral, por exemplo , em um rádio , um telefone , etc, essa separação não estará presente. Então, não confie em panning sozinho. Dimensão 5 Espaço A última e quinta dimensão da tela da música é o espaço, e por espaço, quero dizer espaço acústico. Todo o áudio pode ter vários graus em tipos de salas acústicas. Som embutido no som. Por exemplo, sua voz soará muito diferente em um banheiro em comparação com um quarto. Isto é devido à diferença de reflexos de áudio na sala, os materiais de tamanho da sala, etc. O termo musical para estes é reverberação ou reverberação para abreviar. Agora, na mistura, você pode usar esse fato para criar separação entre faixas aplicando vários graus e estilos de som de reverberação em diferentes faixas porque a variação cria contraste, o que, por sua vez, torna mais fácil para o nosso cérebro Separe cada som. Na verdade, você deve se lembrar da palavra contraste. Faz parte da essência da produção musical e da mistura. Compare estes dois quadros novamente por ano. objeto baixo na pintura se destacará ainda mais se for colocado contra um fundo azul . Porque se você conhece alguma teoria de cores, você sabe que azul e amarelo ou o que é chamado de cores complementares, o que significa que eles estão nos lados opostos um do outro na cor real. Basicamente, a taxa de contraste é tão alta quanto pode ser entre as cores. Então, se você tem um som muito seco que significa reverberação mínima, ele vai se sentir ainda mais focado em punchy se tocado ao mesmo tempo que um som com uma grande quantidade de rio. Incrível. Agora você aprendeu os conceitos muito importantes misturando sua música profissionalmente, as cinco dimensões da tela da música. Lembrem-se destas cinco dimensões. Escreva-os. Reserve um momento para verdadeiramente Litton, mergulhe e use-os como sua diretriz. As cinco dimensões dos cânones da música, tempo, tempo, movimento panorâmico de nível de frequência e espaço. Porque quando você mistura suas produções musicais, você ou mesmo, o Leonardo da Vinci ou música, eu poderia, e eu vou vê-lo na próxima 4. A cadeia de produção de música: neste vídeo, você vai aprender uma regra muito importante sobre mixagem de música em relação a outras etapas de produção no processo de fazer uma peça final de música. Não corrigi-lo no post. Vou explicar isso usando outra analogia. E desta vez é da indústria cinematográfica, porque um filme disse que é um lugar muito agitado e erros são cometidos o tempo todo. Este fato criou uma frase que está sendo usada tantas vezes quando não há tempo para corrigir. O erro no Set irá corrigi-lo no post, que significa que eles deixá-lo para a equipe de pós-produção para tentar resolvê-lo. Claro, os caras da pós-produção estão tão cansados disso, mas tornou-se parte do processo, então eles simplesmente aceitam isso pelo que é. Bem, misturando música e masterizando para isso ou os estágios finais de uma produção musical. Então, quando você mistura sua música, você está essencialmente no mesmo passo que os caras da pós-produção. Para filmes, fazer música é uma cadeia de tarefas. Começa com uma idéia continua com o passo de composição, em seguida, para a gravação fora de instrumentos e sons do que organizar e, em seguida, misturar. E finalmente, dominar cada cadeia é tão forte quanto seu elo mais fraco. Você não deve consertar as coisas no post, o que significa o estágio de mistura e masterização. Se você está misturando sua própria música, você está em total controle. E mesmo que você não faça sua música, muitas vezes você pode entrar em contato com o artista e sugerir alterações para melhorar uma gravação. O arranjo, etc. É sempre melhor corrigir as coisas mais cedo na cadeia. Deixem-me dar-vos um exemplo. Se você tem uma gravação vocal que soa muito brilhante em vez de corrigi-lo com EQ você no estágio de mixagem, que podemos chamar de estados de pós-produção. É muito melhor experimentar diferentes microfones até encontrá-lo melhor, um que se adapte a esse vocalista e música. E em algumas situações você pode realmente querer mudar o vocalista completamente. Deixe-me fazer outro exemplo. Digamos que você tenha muita coisa acontecendo durante qualquer parte da sua música. Bem, em vez de tentar corrigir essa bagunça e lama na fase de mistura, mude-a no arranjo e no processo de composição. Então lembre-se que a produção musical é uma cadeia de passos que são todos importantes e devem ser tratados com cuidado. Não se apresse através de qualquer estágio porque isso afetará gravemente o resultado final. Outra coisa importante a lembrar é que esta cadeia não é estática. Como criador de música, você pode e deve saltar para frente e para trás em qualquer porto de sua cadeia para fazer alterações e melhorias. Não deixe que nenhum passo se torne superior a outro. Todos estes passos todos de igual importância. Lembre-se da cadeia de produção musical, e você terá um tempo muito mais fácil misturar sua música para alcançar um som profissional. Meu nome é Mike, e te vejo no próximo vídeo. 5. Dimensão 1 - tempo: Neste vídeo, vou explicar várias maneiras de misturar sua música usando a primeira dimensão fora da tela de tempo de música. Por que começamos com o tempo como a primeira dimensão na tela da música? Simples, porque quando você separa instrumentos e sons no tempo, você cria a melhor separação entre eles. Normalmente, esta dimensão ao pintar a sua música nela é feita no processo de composição e organização de uma produção musical. Mas você também tem maneiras de criar a separação no tempo no processo de mistura. Vamos dar um exemplo prático. Se você tiver um bumbo e um tambor tocando ao mesmo tempo, todas as cargas que eles são imaginados e tocados no mesmo ponto no tempo, teremos um forte conflito entre eles, e ambas as faixas perderão clareza como resultado. Digamos que você tenha uma batida de bateria em 44 significando quatro batidas por barra e uma linha de base que reproduz um padrão de oito batidas. Todas as outras notas de baixo entrarão em conflito com o tambor, e o baixo espectro da sua produção musical ficará enlameado e descontrolado. Mas se você, em vez disso, compor e organiza os hits e as notas de base para serem completamente separados no tempo, metade do seu trabalho de mixagem já está pronto. Por exemplo, se você tocar as notas de baixo nas batidas off em Lee, os hits do kick drum soarão claros e os acentos das notas de baixo ainda terão seu foco . Mas você pode não querer manter a base Onley entre as batidas de bateria. Bem, um truque legal é simplesmente alinhar a linha de base para acionar as notas um pouco cedo. Estamos falando de mili segundos aqui apenas para deixar o ataque inicial fora das notas de base ser ouvido antes do ataque dos nós de bateria. E isso é algo que você pode fazer na fase de mistura, mesmo que você não esteja no controle do processo de composição e organização. Em alguns casos, você pode até empurrar essas segunda faixa um pouco mais tarde na ganância para adicionar ainda mais separação. Mas para o tambor de pontapé, normalmente você quer tê-lo amarrado à grade. Deixe-me mostrar-lhe uma demonstração prática, então uma maneira de alinhar suas faixas no espaço é simplesmente selecionar um clipe no sequenciador, desligar o encaixe e, em seguida, simplesmente arraste com o mouse, para a esquerda ou para o Certo. Mas eu descobri que a melhor maneira de realinhar ligeiramente faixas no espaço com mais controle e precisão é usar um recurso que a maioria do DWS tem, onde você pode alinhar automaticamente toda a faixa adicionando um atraso a ela, que pode ser positivo ou negativo, dependendo da direção que você deseja empurrar para a pista. Isso pode ser diferente, dependendo do seu D W. Mas na lógica, você simplesmente seleciona a faixa que deseja alinhar e, em seguida, ir para o inspetor de pista aqui e encontrar um recurso chamado Delay está sob mais aqui, e você pode fazer esse atraso positivo ou negativo. Deixe-me mostrar o que acontece se eu usar uma configuração de alto valor aqui e ah, no sequenciador. As faixas ainda estão perfeitamente alinhadas com a ganância e em sincronia umas com as outras, mas agora você vai ouvir a faixa de baixo tocando as notas muito mais cedo. Devido a este atraso, Eu adicionei, para que você possa definir o atraso manualmente, arrastando para cima ou para baixo com a boca quando você segurar o botão esquerdo do mouse ou escrever algo com o teclado do computador. Ou você pode usar este botão aqui para ver os valores reais da nota e o que eles correspondem em ticks, bem como em mili segundos. Então vamos dizer que queremos empurrá-lo mais cedo por um total de 16 notas, que é 240 ticks, que é igual a 136,4 milissegundos. Agora ouça o som da faixa. Como você pode ouvir, o baixo soa totalmente fora do tempo porque eu empurrei muito para a esquerda na grade . Mas se você escolher uma sessão mais moderada como, por exemplo, isso é fazer em torno de 20 milissegundos, que é igual a dois, uma nota de 96 e 40 leva agora você vai criar alguma separação adicional entre o chute tambor e o baixo, que pode trazer para fora o seu som arrancar base. E isso ainda vai soar apertado na mistura. Então, vamos ouvir. Na verdade, é bastante comum que os baixistas colocar aliado Itália no início da grade. Agora vamos fazer outro exemplo se você tem uma faixa de guitarra rítmica e um fato de piano calmo tocando ao mesmo tempo e em aproximadamente o mesmo alcance fora do espectro de frequências eles irão competir uns com os outros. Bem, você sempre pode se perguntar, as duas faixas devem estar tocando ao mesmo tempo? Para começar? Talvez você comutar o piano enquanto a guitarra fornece o comping e o ritmo para a faixa e, em seguida, mudar para o piano e silenciar a guitarra em outra seção da faixa. Basicamente, você está usando o princípio fora dos arranjos. Mas no processo de mistura, considere isso como uma opção. Se você tem duas faixas que estão competindo fortemente um com o outro, qualquer domínio de frequência específica a próxima dica que eu tenho é alternar foco ao longo do tempo qualquer produção, porque a mistura é geralmente sobre a escolha. Mas o ouvinte deve se concentrar em quais faixas devem tomar as quatro rondas e quais devem estar em segundo plano para suporte. Digamos que a guitarra vem primeiro na pista e depois no piano. Bem, um truque que uso pessoalmente para criar separação. Usando a dimensão de tempo aqui é alternar o foco entre dois instrumentos concorrentes, não por silenciamento ou corte. Dois separá-los completamente no tempo, mas para automatizar o nível em cada faixa para escolher Onley, um fora deles como o primeiro plano em qualquer ponto no tempo Então, quando o piano ficar em segundo lugar aqui, eu automatize o guitarra rítmica para descer em volume para esta seção, e em outra seção eu poderia mudar de volta para focar na guitarra novamente. Então eu automatizar os níveis em ambas as faixas de acordo. A dimensão de tempo para misturar e criar separação não se limita a organizar, silenciar, cortar e ajustar os níveis. Como mencionei nos exemplos anteriores, você pode de fato todos os tipos de automação em vários parâmetros para ajustar o grau fora primeiro plano versus fundo em instrumentos concorrentes em sua mistura. Basicamente, você está usando diferentes pontos no tempo para se concentrar em diferentes sons e instrumentos em sua mistura. Toda vez que você introduzir um novo instrumento ou som em sua faixa, considere quais instrumentos você pode diminuir o foco na mistura para que o novo instrumento possa ser claramente ouvido. A razão pela qual esses trabalhos são ótimos é que nossos ouvidos e cérebro já processaram os instrumentos antigos , então mesmo que reduzimos o foco sobre ele, ainda vamos ouvi-los claramente porque o padrão e a presença fora deles já foram processado pela nossa mente. Tudo bem, vamos resumir os pontos chave que você aprendeu uma vez é a dimensão mais poderosa para criar separação entre instrumentos e sons. mistura interna para a maioria do controle sobre a dimensão de tempo está no processo de composição e organização separando quando as notas são acionadas, bem como organizando seções onde os instrumentos tocam ou não três na mistura. Você sempre pode alinhar as faixas ou seções individuais para ser ligeiramente adiantado ou atrasado na grade. Para adicionar alguma separação de tempo no ataque inicial, descarregue os instrumentos na sua mistura. Quatro. Você também pode cortar seções mudo e reorganizadas de instrumentos no processo de mistura para evitar a concorrência. E cinco, você pode usar o poder da automação para apenas certos parâmetros, como filtros de panorâmica de nível e e que para basicamente mudar o foco para as faixas em sua mistura. Lembre-se disso. Você pode ir em duas direções em Lee. Ou você coloca o instrumento de volta na mistura, o significa menos foco nele ou você o puxa para a frente, significa mais foco nele para o ouvinte. Parabéns. Agora você aprendeu a controlar bem o tempo na música. Isso ocorre porque as máquinas do tempo ainda não estão disponíveis na minha loja local agora tomam ações e práticas, adicionando separação no tempo quando notas ou acionado alternam e focam entre faixas para diferentes seções em seu projeto e empurrando e puxando instrumentos para trás ou para a frente da sua mistura usando automação. Posso prometer-lhe que isto é extremamente poderoso para criar misturas melhores e mais profissionais . Talvez, e vejo-te no próximo vídeo. 6. Dimensão 2 - frequência: Neste vídeo, vou ensinar-lhe várias maneiras de misturar música usando esta segunda dimensão fora da tela de frequência musical. Tudo bem, então eu chamei essas dimensões de frequência, mas como você provavelmente sabe, frequência e tom ou relacionado na música, você tem várias oitavas para compor sua música e sons dentro de si. Agora isso significa que, como com a dimensão de tempo, você tem o maior controle sobre a distribuição de instrumentos antigos e sons sobre a faixa de freqüência quando você está no modo de composição e organização, basicamente, você está tentando criar um equilíbrio de todos os instrumentos e sons em sua mistura para preencher toda a faixa de freqüência sem ficar muito confuso em qualquer faixa específica. Digamos que você, por exemplo, tem muita coisa acontecendo no intervalo médio, que é bastante comum. Bem, quando você está compondo, você pode, por exemplo, considerar a transposição de instrumentos para cima ou para baixo de uma oitava para reduzir o cortador em qualquer faixa específica de frequências. Ou você pode simplesmente silenciar um instrumento durante uma determinada passagem em sua pista. Porque uma regra de mistura é que cada vez que você tira algo, as coisas restantes automaticamente recebem mais poder e clareza. por isso não se trata de aumentar os níveis. Na maioria das vezes, é uma questão de remover ou reduzir outros elementos na mistura. Agora, se você é um post o modo de composição e organização, você pode fazer muito no modo de mistura técnica, bem como seus melhores amigos aqui ou os equalizadores sobre os filtros. Você pode usar EQ uso e filtros em basicamente todas as faixas em seu projeto. Quando você mistura para moldar o tom e a frequência , desvie todas essas faixas para que cada faixa tenha seu próprio espaço e ponto focal na dimensão de freqüência. Permitam-me que vos dê um exemplo prático. Digamos que você tem um tambor e uma base que estão lutando uns com os outros. Seu papel na fase de mistura é certificar-se de ambas as faixas ou audível e distinto na mistura. Isso significa que você terá que tomar decisões criativas quando você moldar o tom e o ponto focal dessas duas faixas. Aqui está uma maneira de trabalhar. Comece usando um equalizador paramétrico no tambor de pontapé, disse que a uma banda estreita e deslize com um grande impulso em decibéis sobre as frequências mais baixas até encontrar um bom golpe claro que marca o pisar fundamental fora do tambor chute. Digamos que você ache que é por volta de 120 hertz. Em seguida, você escolhe um equalizador específico, conectando que você deseja usar para moldar o som do tambor de pontapé e aumentar um par de decibéis em 120 hertz naquela pista de bateria de pontapé. Então você adiciona um e que na faixa de baixo, onde você faz exatamente o oposto, reduzindo por um par de DB, tudo 120 hertz. Então você vai para a faixa de baixo e faz o método e que swiper nele também. Digamos que você encontre um bom fundamental próprio em cerca de 60 hertz novamente. Use um impulso E Que em 60 hertz na faixa de baixo e, em seguida, na faixa de bateria de pontapé, você faz o oposto, fazendo um pequeno corte em 60 hertz por um par de decibéis. Esta é basicamente a essência da mistura na dimensão de frequência, escolhendo um ponto focal para uma determinada faixa, impulsionando-o um pouco nesse ponto focal em cortar um pouco em faixas concorrentes na mesma freqüência. Isso criará uma separação de veteranos entre trilhas. Mais uma coisa. Um instrumento não precisa ter apenas um ponto focal. Por exemplo, você pode querer ter outro ponto focal na faixa de kick drum para ampliar o hit inicial Port Off the Sound, que é uma freqüência muito maior. Digamos que encontre uma boa parte do ataque. Soar fora do tambor para ser em torno de dois quilohertz. Bem, então você adiciona outro ponto focal nessa freqüência e faz o QE. Você aumenta contra a rotina de gado de novo. Um conselho geral que eu gosto de dar ao usar e Que é ter cuidado com o quanto você aplicar. Geralmente soa melhor em pequenas doses. É por isso que aumentar um pouco em uma pista enquanto reduz um pouco em outra pista funciona muito bem. E quanto aos filtros? Bem, filtros ou basicamente, cada Você inclina em qualquer extremidade do espectro de frequência. Um filtro de pós baixo é uma inclinação na frequência mais alta, e que permite que as frequências mais baixas postes e um filtro de passagem alta é o oposto, permitindo que as frequências mais altas pulsem. Você também pode definir o quão íngreme é a inclinação ajustando o filtro cortado em decibéis por fita de carvalho . Eu aconselho ter cuidado com o uso de encostas muito íngremes porque, como com igualação pesada, ele pode facilmente tirar o caráter natural sobre um som. Alto. Filtros de postagem são muito bons para remover desnecessários baixos e rumble em um som que não precisa adicionar essa base. Muitos produtores e engenheiros de mistura realmente colocar um pouco fora de filtragem em todas as faixas, exceto o kick drum e baixo, porque aqueles todos os instrumentos que devem lidar com a extremidade muito baixa fora da dimensão de freqüência na música no espectro oposto, os filtros de pós baixos podem ser ótimos para reduzir a aspereza e mordida em um instrumento e basicamente empurrá-lo um pouco para trás na mistura. Uma ótima maneira de obter um som vocal claro em uma mistura é usar um pouco de baixo post filtragem em basicamente todas as faixas, exceto os principais instrumentos de enfrentamento vocal como revivendo tudo vem cordas de apoio de piano etc não tem que ter muita freqüência informações em tudo , porque seu objetivo é principalmente estar em segundo plano e o domínio de maior frequência é o que nossos ouvidos tendem a se concentrar em mais. Então, se você quiser empurrar um instrumento ou som de volta na mistura, uma maneira é reduzir algumas de suas altas frequências. Incrível. Agora você aprendeu maneiras de pintar sua música na dimensão de frequência, como equilibrar os instrumentos e sons em tom geralmente no processo de composição e organização. Reduza a desordem e falta em uma faixa de frequência específica, por exemplo, transpondo faixas para outra oitava ou mesmo silenciando uma seção de um instrumento usando e que e filtros para moldar todas as faixas individuais na mistura para cada ter seu próprio espaço e ponto focal ou pontos focais. É muito importante que você aprenda a equilibrar todas as faixas do seu projeto em toda a faixa de frequência. Então, lembre-se, você tem uma grande variedade de oitavas para pintar sua música. Meu nome é Mike, e te vejo no próximo vídeo. 7. Dimensão 3 - nível: Neste vídeo, você vai aprender a misturar sua música na terceira dimensão fora da tela da música, que é níveis. Se você já tocou em uma banda, você provavelmente aprendeu uma lição sobre a natureza humana. Todo mundo parece querer sempre aumentar o nível de seu instrumento e música inexperiente . Compositores e produtores também caem nesta viagem porque nem tudo pode ser alto ao mesmo tempo. Deixa-me dar-te uma analogia. Digamos que sinta um pedaço de papel com texto. Agora, qual deve ser o foco para o leitor? Essa é a sua primeira decisão criativa que terá que tomar. O próximo é de que maneira você deve direcionar o foco. Uma das maneiras mais comuns é fora do curso usando manchetes. Claro, nem toda frase pode ser uma manchete, porque isso é ridículo e não faria nenhum bem prático. Outra maneira de direcionar a atenção é marcar algumas palavras selecionadas ou grupo de palavras em negrito novamente. Selecionar todo o texto e torná-lo em negrito iria derrotar o próprio propósito de direcionar o foco. Então, esses são exemplos extremos para ilustrar o que você faz como engenheiro de mixagem. O ponto chave a ser lembrado é quanto mais instrumentos e sons você tenta se concentrar em qualquer ponto no tempo. O poder da lista que cada um terá, por exemplo, voltando ao pedaço de papel com texto. Se você tiver apenas uma única manchete grande no topo da página e o resto do texto sendo parágrafos simples, esse título terá um foco super poderoso. Quanto mais manchetes ou mais palavras você marcar em negrito, menos impacto cada um deles terá. Como engenheiro de mixagem, você tem o poder e a responsabilidade de definir os níveis de cada faixa individual de forma a orientar o ouvinte para fora da produção musical completa. O que ou as manchetes de sua faixa e o que deve ser marcado em negrito definindo os níveis é na verdade, uma das formas mais naturais e musicais de misturar música de forma rápida e eficiente. Aqui está um caso em que eu recomendo altamente para aprender a usar seus ouvidos. Eu monto essas falhas sem olhar para os medidores de áudio ou outras ferramentas de análise, mas primeiro, lembre-se de sentar todos os níveis com uma grande quantidade de espaço livre antes de começar a misturar. O termo técnico para isso é ganho de encenação. Isso significa que ajustar o nível de cada faixa para que ele tenha muito espaço para aumentar o nível antes de entrar no vermelho. Isso significa que ele ajusta o nível de todas as faixas antes do canal fader para que ele inicie seu processo de mixagem. Com todas as falhas definidas para a posição padrão, que é zero em alguns D. W's, você tem a opção de ajustar o nível de entrada de todas as faixas diretamente no mixer no topo. Chama-se Game Here in Reason. Em outros d. A. W's, você precisa realmente inserir um ganho plugging como o primeiro efeito de inserção em todas as faixas para fazer o processo de preparação de ganho. Mas o objetivo é garantir que você comece a misturar com uma boa quantidade de espaço livre em cada faixa , e eu pessoalmente gosto de começar com todas as faixas tendo em torno do mesmo nível de pico médio em torno de menos 20 decibéis. Então eu simplesmente redefinir falhas de canais antigos e, em seguida, usar um ganho de entupimento ou ganho de entrada no mixer para ajustar cada faixa até que o medidor mostre em torno de menos 20 decibel para as seções de pico de cada faixa. Quando ele tocar, certifique-se de equilibrar o fresco fora da música primeiro e deixar todo o resto ser misturado em torno dela. O legal para a maioria das músicas é a bateria, a base e a melodia principal, motivo ou gancho. Esses elementos geralmente devem ter mais foco e poder em sua mistura. Quando você tem esses elementos centrais equilibrados, o resto deve seguir mais facilmente. Então eu costumo começar por equilibrar os níveis de todos os canais do grupo. E depois disso, eu costumo passar por todas as pistas restantes, uma por uma, montando os fracassos, usando meu instinto e ouvidos só às vezes eu mantenho meus olhos fechados quando eu definir os níveis . Na verdade, o meu principal conselho ao misturar os níveis é misturar musicalmente. Tecnicamente, não está certo. Aqueles fracassos com seus ouvidos para guiá-lo Grande. Agora aprendemos a misturar a dimensão mais musical e instintiva da música, que é níveis. É tudo sobre decidir o que colocar como manchetes e o que marcar em negrito. Basicamente o que você quer puxar para a frente na mistura todos empurrar para trás. Você está no banco de direção, o diretor fora da produção musical. Você tem que fazer as escolhas criativas que orientam a atenção do ouvinte, e Littles é a sua ferramenta para isso. Então, tome medidas agora e pratique andar nesses níveis. Eu recomendo tentar até mesmo fechar os olhos quando você mistura níveis para realmente aprender a misturar de seu instinto, usando seus ouvidos em longe, é som Você está trabalhando com um doutorado. Meu nome é Mike e te vejo no próximo vídeo. 8. Dimensão 4 - panning: Agora é hora de entrar no mundo fora do som estéreo aprendendo várias maneiras de misturar música, usando a quarta dimensão fora da tela fora da música, que é panning, Tudo bem, então primeiro de tudo, você precisa aprender que você não pode depender dessas dimensões. Todas as outras quatro dimensões fora da tela da música serão traduzíveis para sempre de ouvir música. Mas, infelizmente, nem todos os dispositivos que as pessoas costumavam ouvir música ou em estéreo. Na verdade, existem incrivelmente muitos dispositivos que existem em mono, especialmente pequenos dispositivos e mais dispositivos biliares. E mesmo que eles ou em estéreo, é uma imagem estéreo muito pobre, tipo fora. Porque o som estéreo depende da distância física entre o alto-falante esquerdo e direito em relação ao ouvinte. Basicamente, você está criando um triângulo entre você e os dois alto-falantes. Agora você pode entender por que tantos dispositivos ou em mono ou o que eu chamo de som estéreo mínimo . Com este fato em mente, você deve ter certeza de que sua mistura tem uma boa separação entre os instrumentos e sons , mesmo sem qualquer estéreo aplicado. É por isso que muitos produtores recomendam que você verifique sua mistura em Mona de vez em quando durante o processo de mistura, então vamos aprender sobre o básico fora do som estéreo. Estéreo é uma forma de colocar um som dentro de um campo da esquerda para a direita. Isso é feito com um conceito chamado panning. Se uma faixa é panorâmica no meio, isso significa que ela enviará quantidades iguais de sinal de áudio para o alto-falante esquerdo como o alto-falante direito . Misturar nesta quarta dimensão é basicamente separar as faixas individuais no espaço estéreo , deslocando-as de forma diferente. O som estéreo tem uma grande potência para adicionar profundidade à sua música. Com o estéreo, a música não parece originar-se dos próprios alto-falantes, mas de um palco invisível à sua frente. Por exemplo, se você reproduzir um som modelo em um sistema estéreo, ambos os alto-falantes pagarão o mesmo som exatamente da mesma maneira, que tem o efeito acústico psicopata desligado. Fazer o som parecer vir de um ponto bem no meio dos dois alto-falantes, mesmo que a realidade seja que ambos os alto-falantes ou tocando o mesmo som. Isto é o que o som estéreo é tudo sobre. Colocar seus sons em um palco invisível na sua frente aqui estão algumas diretrizes para misturar em cereal um. Mantenha o núcleo da sua música no centro. A maior potência vem dos sons que parecem originar-se do ponto central imaginário criado pelo som estéreo. Uma razão para isso é que você terá mais focado no centro e também que você terá mais energia sonora física proveniente de ambos os alto-falantes. Portanto, a recomendação é manter o “kick drum”, snare drum”, bass” e os vocais principais em frente ao meio. Mais duas panning equivale a empurrar para trás na mistura. Quanto mais você mover algo, menos energia e foco a pista terá, que basicamente significa que você está empurrando para trás na mistura. Três. Rastreamento duplo é igual a usar o verdadeiro poder do estéreo. Já ouviu falar de rastreamento duplo? Bem, é uma técnica que usa som estéreo para criar um som muito maior e mais poderoso. Certifique-se de obter as notas, cronometragem, groove e tudo o mais próximo possível em suas gravações. Em seguida, você desliza uma faixa para a esquerda muito distante e a média dos quatro. Neste momento, você fez um desempenho duplo, o mais comum usado para rastreamento duplo ou para vocais principais, bem como guitarra rítmica, especialmente riff de guitarra pesada e comping tracks. Usava esta técnica praticamente o tempo todo. Quatro. Baixa para alta mona para estéreo. Basicamente, as frequências mais baixas têm menos separação estéreo. No mundo físico do som, não podemos nem aqui de onde vêm as frequências mais baixas. É por isso que você pode colocar um subwoofer basicamente em qualquer lugar da sala. Isso ocorre porque quanto menor a freqüência, maior a graxa de comprimento de onda para o som, que na porta é por isso que as freqüências graves viajam através de paredes tão facilmente. Então, como você aplica esse conhecimento à sua mistura bem? Basicamente, uma diretriz é ter menos separação estéreo na base e menor faixa de suas faixas em seu projeto e separação estéreo MAWR nos médios altos e problemas que irá abrir o seu som. Dê-lhe mais profundidade e dimensão, mantendo a produção de alimentos soando apertado e foco porque os baixos são mantidos principalmente no meio cinco estéreo com largura ou estreito. Eu tenho uma dica avançada final para você sobre informações estéreo em uma faixa individual. Comece por encontrar histeria com controle Pugin ou talvez seu D W já tenha um embutido em seu mixer. Porque o movimento panorâmico é apenas uma parte da separação estéreo. Você também pode escolher em cada faixa em seu projeto a largura dos campos estéreo fazendo uma faixa, ter menos steri com você está essencialmente empurrando para trás na mistura. Incrível. Agora você aprendeu o som estéreo desligado, como ele funciona e como implementá-lo em seu processo de mistura. Você até tem minhas principais diretrizes e fitas sobre panning e separação estéreo, que eu uso para mixagem profissional agora tomar ação e praticar ALS. Estes conceitos que você acabou de aprender sobre como usar estéreo e panorâmica em seu fluxo de trabalho de mixagem , a fim de realmente adicionar essa profundidade extra e separação em suas produções musicais. Meu nome é Mike, e te vejo no próximo vídeo. 9. Dimensão 5 - espaço: Agora é hora de você aprender a usar o poder fora da quinta e última dimensão para pintar sua música ao misturar, que é o espaço, todas as gravações de instrumentos e sons pesados senso de espaço neles. Isso porque os sons físicos são afetados pelo ambiente acústico em que todos eles criaram o termo técnico. Para isso é reverberação ou reverberação para abreviar, O reverb diz ao nosso cérebro a distância para o som, quão grande os espaços e até mesmo em algum grau, os materiais e a dimensão fora da sala. Quando você ouve uma orquestra gravando, você ouve o som de um todo em que foi gravado. Agora, como você pode praticamente usar reverberação na mixagem para criar mais separação no espaço para sua música? Bem, deixa-me ensinar-te. Agora há uma reverberação, tamanho e quantidade do quarto. Ele pode usar diferentes tamanhos de sala de reverberação, bem como quantidade fora do nível de sagacidade para diferentes fax em seu projeto quando você misturar sua música, isso irá separar as faixas no espaço de três profundidade D. Quanto maiores as baías do rio, significa uma maior deterioração do som. Quanto mais para trás você empurrá-lo na mistura sobre os mesmos objetivos. Se você aumentar a proporção molhada para seca. Oi, seu nível de inteligência significa mais espaço. O termo seco refere-se ao seu som antes de ser afetado por qualquer reverberação, que significa que você não adicionou uma sensação de espaço nele. No termo nível de sagacidade significa a saída processada do rio. Por exemplo, se você usar uma reverberação completa orquestral em um som, ele fará com que pareça mais distante no sinal mais sagaz que você misturar com o sinal seco, mais espaçoso e distante o som se tornará. O extremo é ir até 100%, o que significa que você só ouvirá a saída prós ist da própria reverberação na direção oposta. Se você quiser, faz um instrumento ou vocal para ser mais focado e em seu rosto, a lista, reverberação ou espaço que você deve adicionar. Na verdade, alguns instrumentos. Você provavelmente quer nos manter secos como você pode dar a eles aquele caráter apertado, focado e punchy. Outro exemplo de uma gravação realmente seca, significa uma sensação mínima de espaço é uma narração para um trailer de filmes comerciais, etc. Quando eles gravam essas faixas vocais, eles certificam-se de minimizar a reverberação no espaço de gravação tanto quanto possível. É por isso que essas gravações podem parecer que a pessoa está bem perto de você. Ouça este exemplo de uma gravação vocal seca, seguida de gravação com Reverb adicionado. Esta é uma gravação vocal seca. Esta é uma gravação vocal com reverberação. Agora eu tenho carregado um plug rio para estes truques de guitarra rítmica que eu vendi. Então ouça o que acontece quando eu aumentar a taxa reverberação seca para molhada, indo de porcentagem de sear, que significa som seco total para talvez algum lugar no meio, que será um som muito espaçoso e distante. Vou tocar a faixa agora. Agora, se eu for solo, a guitarra rítmica vai dar uma escuta a toda esta pequena peça novamente, você será capaz de ouvir o piano calmo assumindo como o foco para o ouvinte, já que é basicamente seco em comparação com a guitarra rítmica que agora é muito distante e quatro volta na mistura. Vamos dar uma escuta. Tudo bem, então este foi um exemplo bastante extremo apenas para ilustrar o ponto principal para você, que é que se você adicionar reverberação a um som, você empurra de volta na mistura, quanto maior e mais molhada a base do rio, quanto mais para trás você empurra o instrumento, que por sua vez ajusta o foco para outras faixas que são mais secas e na frente em sua mistura para reverberar lindamente, os elementos mais importantes de uma reverberação ou este tamanho no nível molhado, o tamanho é medido como quanto tempo a reverberação Taylor antes de desaparecer completamente. No nível de ameaça é simplesmente o quanto fora da saída prós ist fora da reverberação você mistura com o sinal seco. Bem, há 1/3 elemento do rio, mas isso é muito importante para moldar o ataque do som de reverberação. E é chamado de pré Dele. Basicamente, ele adiciona um atraso muito curto no sinal molhado fora da saída reverb em comparação com o sinal seco original . O que isso significa na prática é que o ataque inicial do seu som permanecerá seco. Deixe-me compartilhar uma pequena história com você para ajudá-lo a entender o conceito de pré-atraso no rio. Digamos que você se sente no meio de um grande buraco orquestral na sua frente. Você tem a orquestra. Se eles baterem em uma nota, você ouvirá o som dos instrumentos na orquestra um pouco antes da reverberação do todo. Isso ocorre porque o som leva tempo para viajar, e quando eles tocam uma nota, o som vai em direções aled diretamente para você, bem como para as regras no outono. À distância, da orquestra para você é mais curto do que a distância da orquestra para saltar sobre as bolas e, em seguida, vir até você. Então isso é simplesmente física que você pode usar em seu rio. Conecte-se usando o recurso chamado pré Delay. Na verdade, se você carregar um rio inteiro, apresentá-lo. A maioria provavelmente já tem um tempo de pré-atraso configurado porque é o estado natural. Como você aprendeu com a minha pequena história. Agora, tome medidas e use esta quinta dimensão para colocar suas faixas individuais em seu projeto de mistura , use diferentes tamanhos de sala, muito a proporção molhada e seca e tempos de pré-atraso ajustados em diferentes plugues do rio. Use em faixas diferentes em seu projeto. Você será capaz de não apenas colocar suas faixas no espaço estéreo, mas na sala de três D que você cria com suas marcas. Meu nome é Mike, e te vejo no próximo vídeo. 10. Como misturar o fluxo de trabalho - a configuração de mistura: neste vídeo, vou compartilhar meu trabalho de mistura pessoal baixo com você. Há muitas maneiras de cozinhar uma refeição, mas eu acho que você pode se inspirar e ter idéias de como você pode criar seu próprio sistema para misturar sua música profissional. Então é assim que eu começo. primeiro passo organizou o projeto como cozinhar alimentos. Será muito mais fácil, e você não vai perder tempo se você se certificar de que você tem todos os ingredientes em casa e também que você colocá-los para fora em seu banco de cozinha antes de seu ponto. Então, como isso se traduz em mixagem de música? Bem, coisas como ordenar suas faixas e nomeá-las corretamente usando grupos de canais para aumentar a eficiência, certificando-se de que todas as faixas ou roteadas corretamente, e basicamente iniciar o projeto completo para que seja muito clara e estruturada antes de mergulhar na fase de mistura. Passo para limpar o projeto como cozinhar, começando com um banco de cozinha limpo e Onley. Os ingredientes que você vai usar irá ajudá-lo muito, Então, antes de eu começar a misturar, Eu passar por todo o projeto para remover todas as faixas e sons que não serão usados na mistura final Eu também remover, ou pelo menos reduzir ruído indesejado cortando portas ou, por exemplo, reduzindo os sons respiratórios. Então eu passo por todas as gravações para ver que eles têm destinos adequados, bem como destinos cruzados para evitar cliques repentinos, estalos e paradas. Eu ouvi através de todas as gravações de áudio, bem como clipes de mídia para garantir que todas as performances ou de alta qualidade sobre isso, não há artefatos de áudio neles como, por exemplo, recorte digital, OLP Peneiras, ruído de fundo, etc. Como eu faço minha própria música, só eu posso escolher voltar para o palco de gravação para refazer gravações de áudio ou performances de mídia também. Passo três configurar o suporte Rogaine em todos os canais que eu sempre faço. Ganho adequado Preparação em todas as faixas ganham. Preparação é uma etapa muito importante quando você mistura no domínio digital porque você tem uma quantidade limitada fora do espaço livre antes que o áudio será clipe. Então, como você faz isso? Bem, você ajusta o nível de cada faixa antes do fader do canal para garantir que cada faixa tenha uma quantidade generosa de espaço livre. Eu o configurei pessoalmente para que cada canal espreite em torno de menos 20 deficiência ou assim quando o Channel Fader ainda está em sua posição inicial. O que, claro, é zero. Ter essa quantidade de espaço para poupar é um dos segredos da mistura profissional, porque misturar é sobre ossos. Não, o nível geral que você pode e atirar sempre decidir o nível final de volume no Merced durante o estágio, não na mistura. 11. Como mistura de trabalho - a mistura de a mistura de trabalho - de: Neste vídeo, vou compartilhar minha maneira de criar o primeiro rascunho fora da mistura, que eu chamo de uma mistura áspera. Fazer uma mistura áspera deve ser extremamente rápido para que ele se forçará a confiar em seus instintos e ouvidos para o seu primeiro rascunho após a preparação do jogo e configurar todos os canais para ter níveis de pico iguais em torno de menos 20 decibéis. O equilíbrio da mistura será. O caos agora é onde a verdadeira mistura começa. Então aqui estão os passos. Eu pessoalmente uso um nível áspero sentado para todos os canais individuais. A primeira coisa que eu faço é fazer uma varredura áspera através de todos os canais individuais para obter um nível inicial áspero para a mistura. Faço isto através dos canais numa base grupo a grupo. Isso significa que eu vendi um grupo de cada vez os níveis ásperos para as faixas dentro desse grupo, em seguida, indo para o próximo grupo e assim por diante até que eu tenha feito esses dois canais individuais dentro do projeto. Então eu não estou tocando as falhas de canal de grupo em tudo nesta fase dois níveis difíceis sentados para todos os canais de grupo. Uma vez que os grupos têm seu saldo interno definido. É hora de equilibrar os grupos uns contra os outros. E aqui, eu sempre pensei, com o frio fora da pista primeiro. Na maioria dos casos, estes são os grupos de bateria e percussão, o grupo baseado e o grupo principal, por exemplo, vocais , ganchos , melodias, etc, basicamente a força motriz e foco da sua música. Uma vez que esses grupos principais foram equilibrados uns contra os outros, eu passar pelo resto das falhas do canal do grupo e, na maioria dos casos, reduziu o nível do mesmo para aumentar o foco no núcleo fora da música. Então eu balanceei os outros grupos de conchas entre si até que eu tenha marcas ásperas fora todos os grupos. Três filtros de pulso baixo e pós altos. Antes de começar a adicionar acusados dois canais e grupos, eu sempre adiciono filtros primeiro, e eu pessoalmente prefiro começar diretamente nos canais do grupo porque isso terá o maior efeito. E eu ainda quero me concentrar em uma mistura rápida e áspera. Então, por exemplo, eu costumo adicionar filtros de pulso alto em todos os grupos exceto o grupo de tambor e o grupo baseado. Então eu tinha filtros de postagem baixos em grupos de canais que eu quero empurrar um pouco para trás na mistura como grupos de instrumentos de compilação, por exemplo. Depois ajusto a frequência de corte e filtro a inclinação de todos esses filtros e em cada canal de grupo. Lembre-se, um filtro passa-alto é usado para filtrar o Lewin em um filtro de postagem baixo é usado para filtrar o high-end fora do espectro de freqüência. Isso pode ser muito confuso no começo. Quatro canais de enfileiramento. Depois de adicionar e ajustar todos os filtros de pós baixo e passa-alto, continuo com o mais cirúrgico para moldar as frequências de todas as faixas na mistura. O equalizador. Eu me certifico de seguir o método de impulso versus corte, o que significa que para basicamente todos os reforços, eu faço. Eu tento encontrar um corte correspondente em um som competitivo. Desta forma, eu posso fazer muitos pequenos ajustes que todos se somam para criar uma mistura clara. Cinco. Panning. Definir a posição estéreo para todas as faixas individuais é um fator enorme para adicionar separação e clareza na mistura. Assim, como com os níveis, eu faço uma varredura áspera com as normas de panning em todas as conchas individuais. Eu tendem a deixar o grupo Canal Fader é centrado em Onley fazer o movimento panorâmico para os canais individuais . Eu sempre mantenho as faixas que eu quero ter mais poder e clareza completamente no centro também. Como o “kick drum “baseado nos vocais principais. Na verdade, qualquer coisa que você quer se destacar e estar na frente fora da mistura deve ser inclinado diretamente no meio. Seis em certificados. Em seguida, eu adiciono todos os certificados em uma base canal por canal, coisas como compressores, distorção , plugins, de adivinhadores, etc. Uma vez que isso mudará drasticamente o personagem, o alcance dinâmico e o foco nas faixas individuais, também preciso ajustar os níveis de acordo com as falhas do canal. Sete. Enviar efeitos. A única coisa que eu pessoalmente usei efeitos de areia para ou o que é resfriado efeitos UIT estes ou efeitos que mudaram a dimensão do espaço da pista, o significa rive ervas sobre efeitos Delay. Já tenho os efeitos sonoros configurados no meu modelo de produção. Então, nesta etapa, eu simplesmente preciso ajustar os níveis de envio em cada canal que eu quero ter algum espaço para oito reprodução e analisar depois que eu tenho uma mistura áspera completa fora da produção completa, eu ouço de volta para ele. Enquanto tomava notas mentais. Eu ouvi coisas como má separação entre faixas concorrentes, faixas que soam muito brilhantes ou para Bumi e até mesmo faixas que eu sinto que não são necessárias, e Onley cria uma bagunça no próximo. Então eu volto para os passos anteriores e repito-os e, em alguns casos, até mesmo mudo seções ou faixas removidas. Tento roubar, trabalhar rápido e seguir o meu instinto. Basicamente, eu quero ter um áspero faz concluída em uma hora. Então eu passo para a fase final de mistura, que é tudo sobre a afinação fina, bem como implementar técnicas especiais de mistura para levar a mistura para aqueles profissionais idiotas . 12. Como misturar o fluxo de trabalho - a mistura final: Neste vídeo, eu vou te ensinar meu estágio final fora de misturar minha música para criar as marcas profissionais finais . Tudo bem. Então aqui estão os passos que tenho na minha fase final de mistura. Uma afinação fina. Eu percorrer cada faixa e fazer pequenos ajustes para encontrar os filtros de níveis IK usar panorâmica, efeitos de areia e em certificados. Como eu já fiz uma mistura áspera mais cedo, eu não vou fazer grandes ajustes aqui. Eu também faço isso para os canais do grupo. Eu me certifico de que eu ainda vejo uma boa quantidade de espaço livre em cada faixa na mistura, o que significa que nenhuma pista está perto do vermelho nos medidores de nível para automação. automação de parâmetros é provavelmente a maior diferença entre os remixes de início nas misturas profissionais. Você deve se concentrar especialmente em automatizar os níveis em canais que competem uns com os outros. Orientar o foco para o ouvinte. Lembre-se, nem todo som pode ser uma manchete. A mistura é tudo sobre escolhas criativas sobre o que puxar para a frente ou empurrado para trás. E a automação é uma ótima ferramenta para essas três técnicas especiais de produção. Existem muitos truques do comércio que você pode usar como engenheiro de mistura, compressão e equalizador. Ewing é apenas a fundação. Por exemplo, a compressão lateral Shane é uma ótima técnica para garantir que um certo som instrumental seja claro e distinto na mistura. Na maioria das vezes, é o tambor de pontapé que está em foco, e a base é comprimida automaticamente para reduzir a presença em cada hit ou no tambor de chute . Mas você pode se surpreender com a quantidade de ciência em compressão usada hoje em dia para cada estilo de música possível, porque em sua essência, a compactação de dimensionamento ajuda a automatizar a automação. Eu também tendem a usar compressão de perigo em tambores e percussão, que é basicamente misturar o áudio comprimido da ONU com o fortemente comprimido ou você. Isso fará com que os tambores batam duro, mas ainda mantém o som aberto autêntico. Eu também gosto de usar shapers transitórios para controlar o ataque e sustentar sons percussivos , especialmente um shaper transitório, é basicamente um tipo especial de compressor que tem o propósito de trazer ou discar para baixo o ataque inicial, bem como o sustain sobre o som. Então, esses são os meus principais efeitos especiais de produção são usados na mistura de compressão de cadeia lateral, compressão paralela e shapers transitórios para pré masterização no estágio de pré masterização. Concentro-me no Lee nos canais de grupo aqui. Eu trago as armas grandes, os plugues do compressor high-end e EQ uso para fazer o polimento final fora da mistura. E novamente, eu usei o método Boost versus Cat para adicionar um pouco mais de separação entre os canais do grupo . Eu também uso um deleite especial aqui que eu quero compartilhar com vocês, que é adicionar um pouco de saturação extra nos canais de grupo legais de sua produção musical. Basicamente o Drum Group, o grupo baseado e o grupo líder. Eu faço isso usando um efeito de inserção em cada fora dos canais do grupo núcleo, geralmente alguns Plug saturação vintage em cinco cadeia de masterização. Finalmente, adiciono minha cadeia de masterização à saída estéreo mestre. Mastering não é realmente um porto fora da mistura tradicional, mas eu pessoalmente gosto de fazer o meu mastering no mesmo projeto que a mistura. No entanto, eu não ativar os plugins até o final. Minha cadeia de masterização muda de pista para pista, mas aqui está a cadeia mestre são geralmente usados como um compressor bum ponto de partida para a luz . Equilibrando a dinâmica na mistura quanto depende da faixa de estilo que eu produzo para e que. Para moldar a anulação. Som da produção três imager estéreo para abrir o high-end fora do espectro de frequência , ampliando a história de um campo e controle a extremidade baixa, empurrando-a para o centro. Quatro limitadores para aumentar o nível geral da produção por um par de decibéis. Quanto depende do estilo da música e quanto eu quero manter os transientes naturais . Cinco metros de nível. Finalmente, eu tenho um plug reunião para analisar o nível médio de volume no medidor Lux padrão no sistema.