Melhore seu desenho com tinta usando técnicas de hachura | Jen Dixon | Skillshare

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Melhore seu desenho com tinta usando técnicas de hachura

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Aulas neste curso

8 aulas (37 min)
    • 1. Introdução

      1:10
    • 2. Vamos falar de hachuras

      2:07
    • 3. Materiais necessários

      3:58
    • 4. Projeto: personalidade das canetas

      2:56
    • 5. Projeto: mosaico de hachura

      3:25
    • 6. Projeto: levando mais adiante

      0:56
    • 7. Obrigaoa

      0:24
    • 8. Aula bônus de 2021 sobre transições de tintas

      21:47
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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Sobre este curso

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*ATUALIZAÇÃO de 2021: nova aula bônus! * Vamos fazer um desenho com tinta em tempo real com técnicas de hachura para melhores transições visuais na sua arte e ilustrações. Este novo capítulo de hachura mais do que dobra a duração do curso compacto original, então se você já estiver querendo mais, é só chegar.

Este é um curso de nível introdutório, em um formato compacto, para desenvolver habilidades através da prática.

Melhore seu desenho com tinta usando técnicas de hachura se trata de criar linhas confiantes com controle para expressar tons ou padrões únicos nos seus desenhos e ilustrações. Embora seja direcionado para iniciantes, este curso é útil para desenvolver habilidades ou sair da rotina em qualquer nível.
Existem três projetos neste curso.

--> Para um curso mais avançado de desenho com tintas, dê uma olhada no meu Curso Intensivo de Desenho com Tintas: desenvolva habilidades incríveis. <--

Primeiro, você vai criar uma folha de referência Personalidades da Caneta. Então, usando um diagrama, você vai praticar a hachura linear, hachura cruzada e criação de marcas de contornos criando um Mosaico de Hachuras. Por fim, usando sua nova confiança na hachura de tintas, experimente fazer camadas de linhas e misturar marcas para criar texturas e efeitos únicos, talvez usando mídias mistas.

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Jen Dixon

Abstract & figurative artist, educator

Top Teacher

Whether you want to learn new skills or brush up on rusty ones, I would love to help. I have been a selling artist for around 35 years. In my own practice I use pen & ink, pastels, oils, acrylics, and watercolours regularly. My work hangs in private collections around the world.
I love what I do, and I teach what I love. We can do good things together here, so let's get started...

About me:
I’m an Ameri-Brit (dual citizen), living on the North Cornwall coast of the UK. I’ve been here nearly two decades, but have lived in Indiana, Pennsylvania, Wisconsin, and Berkshire (UK). I am studying Spanish daily with an aim for becoming bilingual. Hola, artistas.

My work covers everything from graffiti-influenced illustration & mixed m... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Introdução: Olá, sou Jen Dixon e bem-vindos ao, Melhore seu Desenho de Tinta com Técnicas de Incotação. Nesta aula, vamos nos concentrar em usar caneta e tinta como meio, no entanto, eclosão pode ser realizada com lápis, tinta, pastéis e inúmeros outros materiais. Eu mesmo trabalho tipicamente em uma variedade de estilos, mas eu adoro voltar a essa simplicidade organizada que você obtém com caneta e tinta, e é especialmente útil se você quiser afiar suas habilidades de desenho. Então, seja desenhando um rabisco aleatório como o design, ou talvez até preparando uma ilustração para reprodução, é difícil superar essa linha preta nítida. Então, para construir confiança com tinta e é inevitável permanência, estaremos desenhando em um estilo chamado eclosão. Você vai construir disciplina através desses exercícios e possuir suas habilidades para desenhos futuros, e talvez até mesmo começar a integrá-la em trabalhos experimentais. Junte-se a mim neste projeto, mostre-me seu progresso e vamos nos divertir. 2. Vamos falar de hachuras: A eclosão é uma técnica usada para criar áreas de tom ou sombreamento desenhando linhas paralelas fechadas. Você pode já estar familiarizado com o cruzamento, que é eclodir com outra camada de linha sobre ele em um ângulo. Antes da impressão a cores estar prontamente disponível, as ilustrações para reprodução receberam qualidades tonais e dimensões através da eclosão. Poderia ser replicado em gravuras, gravuras, xilogravuras , e só precisava de tinta preta para a impressão final. Albert Durer usou a técnica extensivamente em seu trabalho entre as 14 e 15 centenas. Na ilustração moderna, você pode já estar familiarizado com mestres de incubação, Maurice Sendak, Edward Gorey, e este maravilhoso livro, A História de Ferdinand, ilustrado por Robert Lawson. Há uma linda sensação texturizada para eclodir desenhos que é complicado e maravilhosamente simples. Mesmo que você não esteja criando um desenho complexo, você pode facilmente trazer os elementos de eclosão para seus esboços diários, sua linha e lavagem, até mesmo suas pinturas e trabalhos de mídia mista. Há alguns conceitos básicos diferentes para lembrar, mas a partir daí, você pode ser brilhantemente criativo. Vamos explorar três marcas básicas de eclosão. Inchaçamento linear, simplesmente eclodindo em linhas paralelas. Eles podem ser longos, curtos ou uma mistura, para quebrar áreas tonais ou indicar formas e planos. Hachura cruzada, uma camada de linhas eclodidas desenhadas em um ângulo sobre uma camada existente de linhas eclodidas. camadas criam tons mais escuros. eclosão contornada usa linhas curvas para implicar formas e contornos mais orgânicos. 3. Materiais necessários: Precisará de alguns materiais básicos para começar nossa aula. Para o papel, eu vou estar usando placa Bristol em tamanho A4, que é muito semelhante ao tamanho da letra dos EUA. Ou, você também pode usar Paint'on Multi Techniques de Claire Fontaine que tem uma superfície muito semelhante à placa de Bristol, sendo que ambos são brancos muito brilhantes e muito suaves ou em uma pitada, você pode usar um cartucho de qualidade papel por enquanto. No entanto, vou mencionar que se você estiver indo para usar o papel Cartucho, a superfície do papel Cartucho é muito mais porosa e, portanto, sua tinta corre o risco de sangrar na fibra de papel um pouco. Se você vai seguir junto com os exercícios, você pode achar um pouco menos frustrante se usar papel cartucho, você vai junto com os exercícios usando uma caneta esferográfica ou apenas um lápis. Assim você não corre o risco de ter sangrado na fibra do papel. Qualquer coisa que você faz é uma ótima prática. Então não se sinta mal se tudo o que você tem é papel cartucho ou um livro de esboços por enquanto. diz respeito a suprimentos de mercado, você vai me ver usando coisas como a caneta Mitsubishi uni, o forro Steadler Pigment, bem como o Stabilo Point 88. O ponto 88 tornou-se muito popular, bem como Stabilo 68 também. Desde que a tendência do livro de colorir adulto realmente decolou. Eles são um bom orçamento minded caneta. Eles têm um grande ponto sobre eles e eles vêm em uma variedade de cores, não apenas preto. Então essa pode ser uma ótima maneira de começar com as técnicas de caneta e tinta que vamos fazer hoje. Estas outras canetas são um pouco mais caras, um pouco mais especializadas, mas também são muito boas e muito leves. Até a caneta Uni tende a ser à prova de água e desbotamento. É uma tinta pigmentada. Steadler também é impermeável e uma tinta pigmentada. Então aqueles vão suportar o teste do tempo um pouco mais do que os Stabilos. Os Stabilos são um pouco mais baratos e alegres, mas vai ser uma ótima maneira de começar. Outras coisas que você pode querer vão ser uma fita de rolo para segurar seu papel, um pouco de papel de raspadinha para testar suas canetas antes de entrar no papel bom. Você vai precisar de uma régua e eu encontrei um quadrado, muito útil. Sei que é um triângulo, mas chamam de quadrado. Então achei isso muito útil para fazer a grade que vamos fazer. Agora que você tem tudo isso em mente, adicionei todos os materiais a uma lista no PDF para download. Vamos começar. Você pode ver a diferença na maneira como o papel Cartucho e a placa Bristol se comportam quando você aplica caneta a eles. O papel Cartucho tem um dente para ele, modo que o torna mais adequado para fazer o trabalho de lápis porque ele tem esse dente. O grafite adere a ele um pouco melhor e você obtém aquele tipo adorável de textura de esboço. Considerando que Bristol placa é muito mais adequado para ilustradores e pessoas que estão fazendo trabalho de tinta. Então a tinta realmente simplesmente desliza contra a superfície em vez de no cartucho. Você pode ver que ele fica preso e fica um pouco irregular no dente do papel. É apenas uma diferença na superfície e como eu disse, se você quiser experimentar os exercícios com papel Cartucho, por todos os meios, por favor faça. Mas você pode obter melhores resultados se você estiver usando talvez uma caneta esferográfica ou um lápis no cartucho e eventualmente, tentar a placa Bristol ou algo igualmente suave porque você vai encontrar uma diferença real nos dois. 4. Projeto: personalidade das canetas: Se você é como eu, você já tem um grande estoque de canetas e continue coletando mais. Acho que metade da razão pela qual me tornei artista, foi para recolher suprimentos. Este primeiro projeto é um pouco de aquecimento com um resultado final muito útil. Cada caneta faz um estilo único de marca dependendo do fabricante. Criar uma folha de referência de personalidade da caneta ajudará você a escolher a caneta certa para o trabalho sem adivinhação. Então, reúna suas canetas de diferentes empresas, mas limitado a preto e talvez sépia. Use a placa de bristol ou o papel mais branco mais suave que você tem. Alinhe suas canetas pelo fabricante e coloque-as em ordem de ponta de fino a largo. Se uma caneta não estiver em boas condições, omita-a deste exercício, pois você está criando um guia de referência baseado nos materiais de melhor condição. Se você não tem todos os tamanhos de ponta, basta ir com o que você tem. Posicione seu papel em retrato e imagine-o como um layout de duas colunas. Com cada caneta, desenhe à mão livre, uma linha horizontal por algumas polegadas ou cerca de seis centímetros usando uma pressão neutra. No final de cada linha, escreva o tamanho da ponta, como 0,01 ou uma letra. Escreva o nome da caneta acima da linha. Se você tiver vários tamanhos de pontas do mesmo fabricante, você pode pular escrever o nome de cada um e apenas rotular a próxima nova marca quando você trocar. Sob a linha, faça um pequeno pedaço de eclosão cruzada sobre o tamanho da sua miniatura, um rabisco e alguns pontos. Isso lhe dará uma idéia melhor de relance que tipo de marcas essa caneta é capaz de criar. Continue até que você tenha amostrado todas as suas canetas. Eu também tendem a colocar canetas sépia como uma referência, porque eles são frequentemente usados em kits de esboço e podem variar muito quanto à intensidade do marrom. Você pode ver a diferença entre o marcador copic e o marcador de artista zig na página antes de você. Basicamente, você pode criar uma folha de referência para todas as canetas que você tem e se você gostaria de criar uma para cores, você pode fazer uma de forma semelhante, mas provavelmente sem tantas marcas de exemplo para cada uma. Folhas de referência de personalidade da caneta são satisfatórias para criar e dar-lhe uma sensação real de caneta para caneta, o que cada um tem para oferecer ao seu trabalho. Uma vez que você começa a fazer folhas de referência, você pode encontrar-se fazendo para uma variedade de seus suprimentos de arte. Eu acho minhas tintas aquarela relógio referências muito útil. Agora que você tem sua ficha de personalidade, vamos passar para o próximo projeto. 5. Projeto: mosaico de hachura: Bem-vinda de volta. Nesta lição, estaremos criando uma colcha de retalhos para incubação. A razão para este patchwork é começar a treinar sua mão para fazer marcas controladas consistentes, que você pode aplicar a qualquer ilustração desenhada à mão que você criar. Certifique-se de fazer pausas regulares porque eu prometi que isso é mais difícil do que parece. O primeiro passo é construir uma estrutura para a sua prática de incubação. Usando um lápis afiado, crie uma grade em linhas finas, com espaço entre colunas e linhas em uma folha de Bristol. Fiz três centímetros quadrados com espaços de um centímetro no meio. Para as medidas dos EUA, mantenha os quadrados apenas um pouco mais de uma polegada cada. Isto é importante. Fique pequeno. O número de linhas ou colunas não é realmente tão importante, basta preencher sua página. Para a primeira linha de quadrados, concentre-se em uma linha eclodida de 45 graus. Resistir ao desejo de começar do meio, mas em vez disso, começar a treinar-se para permanecer consistente em toda a praça, de cima para baixo. Uma nota importante antes de continuar. Puxar uma linha em sua direção, será sempre mais fácil e suave do que empurrar uma linha para longe. Então, sempre que possível, desenhe para si mesmo. Continue esta prática em toda a linha de quadrados. Aumentei a velocidade do vídeo em alguns lugares, então sinta-se à vontade para pausá-lo até que você esteja em dia. Se as suas linhas deriva e os espaços variam entre si, isso é normal. Tente abrandar um pouco e não se esqueça de respirar. Também tente evitar correções, pois parecerão óbvias e menos atraentes visualmente do que inconsistências. linha 2 deve ser linhas verticais de cima para a borda inferior. Continue através da fila. linha 3 deve ser de 45 graus na direção oposta à primeira linha. Resistir a transformar seu papel para tornar isso mais fácil. Você está treinando sua mão e alguns movimentos vão se sentir novos. linha 4 é praticar a eclosão contornada. Estes são muitas vezes os mais difíceis e provavelmente serão separados um pouco mais. Pratique toda a fila. linha 5 deve praticar a eclosão contornada numa direcção diferente. Tal como acontece com as marcas de 45 graus, tente evitar girar o papel para tornar isso mais fácil. Treine sua mão para aceitar novas maneiras de desenhar. Depois de concluir o patchwork, volte para a primeira linha, segunda coluna. Cruz escotilha o quadrado usando uma marca oposta de 45 graus. Trabalhe para baixo na coluna, aplicando uma marca oposta sobre cada um para alcançar o cruzamento. Você ainda tem várias colunas, então tente alterar ligeiramente os ângulos para alcançar padrões e tons diferentes. Deixe a primeira coluna sozinha como referência. Criei o mesmo patchwork de incubação em cores para ver quais efeitos de cor mesclada eu posso criar. Experimente se tiver as canetas para ele. Trabalhar três ou mais cores pode criar resultados surpreendentes. 6. Projeto: levando mais adiante: Agora que você está confortável e confiante com sua eclosão, vamos levar essas marcas para um novo território. Comece a experimentar com mídias mistas. Usando aquarelas, pinte algumas imagens de prática e tente criar camadas, ou tire um caderno de esboços e combine essas técnicas para capturar rapidamente uma cena. Tente combinar trabalho de ponto e eclosão. Pode ser muito gratificante criar texturas novas e inesperadas. Explore tintas coloridas. Tal como acontece com qualquer habilidade de desenho, prática irá mantê-lo afiado e você estará preparado para adicionar apenas a marca certa ao seu trabalho, sempre que precisar. Para este projeto, experimente. Mostre como você está trazendo sua hábil incubação para sua arte. 7. Obrigaoa: Obrigado por se juntar à minha classe, melhorar seu desenho de tinta com técnicas de incubação. Espero que você tenha gostado dos projetos e tenha sentido sua confiança crescer melhorando seu trabalho com caneta. Estou ansioso para ver seus projetos e suas experiências, então não se esqueça de enviá-los. Tenha um ótimo dia. 8. Aula bônus de 2021 sobre transições de tintas: Olá, bem-vindo de volta. Estou gravando esta lição bônus cinco anos e quase 20 aulas de Skillshare como líder de professores. Quando essa turma saiu, fomos encorajados a manter as coisas curtas e doces. Desde então, todos aprendemos que quando você faz uma aula online, um tamanho não serve para todos. Desde então, tenho feito aulas que são tão longas quanto precisam ser para te dar o melhor que posso te dar sem precisar de um saco de dormir. Se você está vindo para esta aula pela primeira vez agora ou aparecendo para atualizar e conferir este novo capítulo da lição, estou tão feliz que você está aqui. No resto desta classe, aprendemos quais são os estilos básicos de incubação e seus usos. Nós testamos e aprendemos as capacidades de nossas canetas usando um gráfico de personalidade da caneta e praticamos a construção dos músculos das mãos e criação de marcas consistentes com as grades de patchwork para incubação. Então eu mostrei alguns exemplos de maneiras que você pode colocar um pouco de incubação em sua arte e esboços para dar a eles sombra e dimensão extra. Mas hoje, eu quero dar um pouco mais com algumas demonstrações em tempo real. Esta lição bônus é uma espécie de ponte entre esta aula introdutória sobre eclosão e minha classe de treinamento de desenho de tinta mais avançada que saiu alguns anos depois. Eu gostaria que você juntasse três canetas diferentes. Eu estou usando um Stabilo 68 que tem uma ponta bastante grossa, um Sakura Pigma Graphic 1 que tem uma marca pouco mais fina, e um estúdio Monoline em tamanho 05 de The Pigeon Letters. O papel que estou usando é a pintura de Claire Fontaine em branco e tem uma boa superfície lisa. Use as canetas que você tem na mão em três tamanhos, e use um papel liso que não faça sua tinta sangrar ou pena demais. Uma coisa eu vou notar desde as primeiras lições, enquanto eu ainda acredito que você deve girar seu papel o mínimo possível para melhor treinar sua mão para ser forte na maioria das direções, Eu desenvolvi osteoartrite e isso me dá uma compreensão que às vezes devemos girar nosso papel para evitar que experimentemos dor. A dor não é fixe. Desafiar seus músculos e construir suas habilidades é uma coisa, mas se você precisa modificar as técnicas para o seu corpo, fazê-lo. Estou aprendendo ativamente a escrever e desenhar com minha caneta em dedos diferentes para me manter um pouco mais confortável e também estou aprendendo a fazer mais com minha mão não dominante. Às vezes, não é prático ou possível girar o papel, tela ou a parede em que você está desenhando e, nesses tempos, é bom estar preparado. Mas acho que o que estou dizendo é ouvir seu corpo, desafiar a si mesmo, mas não se coloque em dor. Agora pegue uma bebida saborosa, estique os dedos e vamos começar. Você já pode se sentir pronto para começar com as coisas novas, mas se você quiser um aquecimento rápido, aqui está uma coisinha que eu gosto de fazer com um dos stencils que eu tenho. Eu traço as formas e as uso como molduras para algumas linhas básicas. Apenas um pouco de eclosão linear para fazer os olhos e a mão trabalharem juntos. Jogue uma curva ou uma onda em algumas das linhas se estiver sentindo. Estou mostrando minhas marcas na velocidade real aqui, mas as primeiras formas eram definitivamente mais lentas até eu começar a aquecer. Eu sou um grande fã de aquecimento para a arte, assim como os atletas fazem para o esporte. Antes de desenhar ou pintar, eu gosto de fazer uma folha de rabiscos primeiro para obter o suco do cérebro fluindo e os músculos ativados. Se você não tem um estêncil, você pode traçar em torno de pequenos objetos ou desenhar algumas formas à mão livre. É o aquecimento que importa, não os estênceis ou formas. Vamos dar uma olhada rápida por que estamos chocando. O que você precisa mostrar nas linhas? Perto de longe, claro para escuro? Ou talvez os dois. Eu mostrei alguns dos meus livros favoritos no início da aula, mas vamos realmente olhar para algumas das páginas agora. Em Ferdinand, eu amo como Illustrator Robert Lawson usa a espessura da linha para ajudar a mostrar a distância. Confira as marcas de eclosão curvas grossas ao longo da borda da torre. Parece próximo porque nos dá uma sensação de escala para as texturas na cena. A textura maior é logicamente mais próxima. As pequenas escotilhas delicadas na parede parecem distantes e o telhado na parte traseira do meio do desenho usa belos cruzamentos sobre a eclosão linear para transmitir sombras escuras sobre uma superfície de azulejos canelados. Lawson usa brilhantemente marcas dispersas e quebradas para dar uma sensação de superfície contínua, deixando a mente do espectador preencher os espaços em branco. O estilo de Edward Gorey é completamente diferente. Ele cobre a maioria das superfícies com pequenas marcas usando direção e densidade para mostrar cada elemento na cena. Seu trabalho tende a parecer plano, mas é por design. É um pouco claustrofóbico e surreal e isso é tudo até suas técnicas de eclosão. Ele certamente sabe como usar luz e escuridão e perto e longe quando ele quer como você pode ver neste exemplo para essas asas. Dependendo de qual parte da história você está lendo, as asas são profundamente eclodidas para parecer mais 3D no palco, mas quando inativas, as asas são lisas e só nascem com linhas lineares suavemente curvas. Ele usa a eclosão para contar a história mesmo sem palavras. Finalmente, onde estão as coisas selvagens. Sendak usa cor tanto como linha e blocos de fundo para sua eclosão. É tão inteligente e ajuda a transmitir não só cada elemento na página, mas a hora do dia também. Cores mais brilhantes e menos linhas ajudam a mostrar cenas diurnas, enquanto cores de fundo ligeiramente suaves e escuras com eclosão mais densa cria um efeito noturno ou noturno. O que você precisa? Você vai querer planejar isso antes de desenhar, assim como esses artistas fizeram. Como você consegue uma sensação real de longe para perto ou escuro para a luz? Praticando transições na eclosão. Obtenha uma folha de papel liso e a ponta de caneta mais gorda dos três que você tem, desenhe uma série de linhas paralelas com espaçamento bastante uniforme. Começando de uma extremidade, desenhe linhas perpendiculares próximas, mas espalhando-as à medida que você viaja para a direita. Agora, aperte os olhos para borrar um pouco as marcas. Você vê como as linhas estão mais próximas, elas parecem mais escuras, parecem na sombra, ou ainda mais longe de você? Vamos fazer outra, mas complicar um pouco as coisas. Comece exatamente da mesma maneira, mas agora vamos adicionar cruzamento em um ângulo de 45 graus para as primeiras marcas. Estabeleça e você pode ver que tudo parece um pouco mais lisonjeado. A diferença é mais sutil na transição. Agora, tente mais linhas de cima para baixo novamente e faça menos marcas enquanto você viaja para a direita. O que acontece quando você adiciona outra camada de linhas opostas de 45 graus? Funciona, mas não parece particularmente interessante, pois não? Isso é algo que nossos ilustradores favoritos sabem e estamos aprendendo aqui. Se você começar da mesma maneira, mas permitir que suas marcas variem em comprimento e colocação um pouco, você tem um efeito visual muito mais interessante. Parece que a luz e a sombra estão mais envolvidas. Adicionar a primeira camada de marcas de ângulo de 45 graus, mas dividi-las um pouco dá mais interesse visual e textura. Adicionando a camada final de marcas opostas de 45 graus, novamente, quebrada e cambaleada sobre o remendo, dá uma aparência mais agradável e profissional. Dá à sua imaginação apenas mais para mastigar. Você sempre pode entrar e adicionar mais algumas marcas para criar um efeito mais dramático, mas lembre-se de apertar os olhos com frequência para verificar se sua transição está se misturando uniformemente. Em seguida, eu quero que você experimente com duas larguras de linha ao mesmo tempo. Crie o mesmo patch de transição escuro para a luz com a caneta grossa primeiro, depois vejamos o que acontece quando trouxemos a melhor ponta da caneta. Estou adicionando muito do mesmo para marcas direcionais, mas parece desajeitado. Aqui está como evitar esse olhar desajeitado ao misturar as espessuras da linha. Vamos fazer isso juntos. Desenhe as primeiras marcas, mas não todo o caminho para a direita. Cambalear seus comprimentos. Seja um pouco mais aleatório, mas ainda espaça-os para a direita. Agora, entre lá com a caneta fina, mas permita que ela se estenda bem além dos traços mais grossos. Lembra como em Ferdinand as marcas próximas eram grossas e focadas, mas as marcas parecem distantes? Bem, isso é um pouco diferente porque as marcas são misturadas e você tem uma sensação de profundidade no lado esquerdo, mas visualmente, parece mais leve para a direita, e assim parece mais perto. Soa um pouco confuso, eu sei. Mas, dependendo do efeito que você deseja, sua largura de linha e como você a aplica tem o poder de contar uma história visual muito diferente. Para descobrir isso, você precisa experimentar e estudar exemplos de outros artistas que você admira. Sempre pergunte a si mesmo, como eles fizeram isso? Então experimente. Nesse último exemplo, eu também trouxe uma caneta de tamanho médio para melhorar a transição. É óbvio, especialmente quando você aperta os olhos, que é desajeitado e que tem uma transição mais suave. Para a nossa última prática de transição, vamos ver o barco em “Onde as Coisas Selvagens estão”. Você vê o barco de Max à luz do dia e do lado, o barco parece bem iluminado. A frente de seu barco é destinado a chegar a um ponto, então ele se curva ligeiramente para longe de nós para chegar a esse ponto. Não está tão perto de nós como o lado. Para mostrar essa mudança de profundidade, Sendak usa a eclosão quebrada para fazer a transição do escuro daquela área para o lado mais plano e bem iluminado do barco que está mais perto de nós. Pratique um patch em um estilo semelhante até ter a sensação uma transição suave do escuro para a luz, longe para perto. Eu não me preocupei em desenhar o barco primeiro ou ser perfeitamente preciso porque isso é sobre construir seu estilo natural de fazer marcas, não copiar Maurice Sendak exatamente. Use outros artistas como inspiração ao criar sua própria maneira única de fazer as coisas. O que você está vendo é a primeira vez que eu tento emular esta parte da ilustração do livro. Estou aprendendo junto com você enquanto coloco o que sei em prática com o exemplo. Da próxima vez que tentei desenhá-lo, sei que posso fugir com menos marcas e vai parecer mais leve e mais perto por causa disso. Espero que tenha gostado desta lição bônus. Se você está pronto para mais com desenho de tinta, espero que você faça minha aula de treinamento de desenho de tinta para uma experiência muito mais aprofundada. Muito obrigado por se juntar a mim para esta lição bônus de aniversário e tenha um ótimo dia.