Masterclass de orquestração, Parte 4: escrevendo para cordas

1. Apresentação: Olá pessoal, bem-vindos à parte de orquestração. Então, nesta aula, vamos nos aprofundar e focar nas cordas. Isso é provavelmente o que as pessoas mais me perguntaram. Porque se você é um, muitas pessoas pensam em orquestra. Eles estão pensando aqui sobre cordas. Quando eles estão pensando em fazer aquelas trilhas sonoras de filmes grandes e exuberantes, eles estão pensando em cordas. Então, nesta aula, vamos nos concentrar no que faz aquela trilha sonora de um filme grande e exuberante, ou apenas aquele som de orquestra muito bom. Não se trata apenas de ter boas amostras. Essa é uma grande parte disso. E vamos cobrir isso muito em breve. Mas nesta aula, vamos falar sobre o que é preciso para escrever para as cordas que farão com que pareça bom. Ok? Portanto, precisamos aproveitar ao máximo as coisas que as cordas podem fazer. Essa é basicamente a essência disso. Então, vamos falar sobre coisas tradicionais como primeiro plano, meio termo, escrita de fundo, dublagens de acordes e harmonias e melodias. Trabalhando com textura, vamos mergulhar em um pouco de Beethoven para ver como ele fez isso. No final, veja algumas das minhas músicas e as separe um pouco. E falar sobre algumas das coisas que eu gosto de fazer nas cordas, o que é muito porque eu realmente gostei de escrever para cordas. Agora, uma coisa que eu notei e filmei esta aula é que enquanto estamos focando nas cordas, e vou dizer isso novamente em apenas alguns vídeos. Mas a maioria das coisas sobre as quais falamos se aplicam a todos os instrumentos aqui, são apenas eles focando nas cordas, mas muitas dessas coisas podem ser aplicadas a todos os instrumentos. Então, mesmo que você não esteja tão interessado nas cordas, aula é muito importante. Ok, dito isso, vamos mergulhar. 2. O formato deste curso: Tudo bem. Vamos mergulhar. Eu tenho uma câmera nova. O que você acha? É melhor? Corrige um pouco da luz da minha janela, que eu também consegui resolver um pouco. De qualquer forma, você não se importa com a minha câmera. Você quer falar sobre escrever para cordas. Então, o formato desta aula será semelhante ao da última aula. Não vamos usar um coral de Bach, pensei apenas para animar as coisas, por assim dizer, trocadilhos. Nós, usaríamos exatamente como um padrão de jazz. Eu não sei qual ainda. Descobriremos isso no próximo segmento. Mas vamos pegar uma música e mostrar 100 coisas diferentes que podemos fazer com ela, para orquestrá-la. Para usar apenas strings para preenchê-lo de várias maneiras diferentes. Podemos fazer com que pareça exuberante e romântico. Podemos fazer com que pareça grooving e dirigindo. Podemos fazer com que pareça dissonante e severo. Toneladas de coisas diferentes que podemos fazer apenas usando as técnicas de cordas que já conhecemos. Nós vamos nos concentrar realmente naqueles nesta classe. Outra razão pela qual eu queria me concentrar apenas nas cordas, pois isso parece ser o que maioria das pessoas pensa quando pensa sobre a orquestra. Pensando em cordas e conseguindo aquele som grande e exuberante que ouvimos nos filmes. Você ouve em alguns jogos aqui e até mesmo em músicas pop com uma grande orquestração para eles. Isso é ótimo. Definitivamente, vamos fazer isso. Não vou gastar muito tempo fazendo coisas dissonantes e ousadas, mas eu gosto dessas coisas. Então, eu só quero focar esta seção da aula apenas nas cordas e realmente apenas obter aquele som de corda realmente bom. Você pode estar pensando, bem, conseguir esse som de corda é muito fácil, certo? Tudo o que preciso fazer é conseguir uma boa biblioteca de cordas. Isso faz parte disso. Mas você também precisa saber como escrever para as cordas. Você precisa estar ciente das vozes de seus acordes, como tudo isso funciona para que eles soem como, eles soem bem, eles soem como boas cordas. Então você tem que saber como escrever para eles. Você também precisa de boas amostras se realmente quiser que elas soem grandes e ricas, mas você também precisa saber o que vai soar bem. Se você juntar um monte de notas, não vai soar bem, não importa quão boas sejam suas amostras. Ok, então vamos fazer uma pequena revisão super rápida sobre o que falamos nas outras três seções. No caso de já ter passado algum tempo. Depois vou falar sobre as ferramentas que vamos usar e depois vamos mergulhar direto no nosso primeiro projeto. Olá pessoal. Oh, mais uma coisa, uma pequena atualização. Então, estou voltando agora que terminei de filmar toda a turma. Agora eu só queria pular para trás e adicionar uma coisa a isso. Você pode estar pensando, eu não acredito em você, que você terminou a aula e pulou para trás porque você está vestindo exatamente a mesma camisa. Isso só mostra que eu tenho um guarda-roupa muito limitado. Seguindo em frente. Eu queria salientar que, ao terminar esta aula, percebi que sim, nos concentramos nas cordas e em toda essa aula. Mas a maior parte do que estamos falando nesta aula pode ser aplicada a todos os instrumentos focados em cordas. Porque, novamente, eu, eu, acho que é isso que muitas pessoas querem estudar. Mas tenha em mente que muito do que vamos fazer com essa aula pode ser feito com qualquer uma das famílias de instrumentos ou mesmo entre as famílias de instrumentos. Portanto, a maior parte não é exclusiva das cordas. Eu só queria apontar isso antes de seguirmos em frente. 3. Anteriormente em Orchestration: Anteriormente em orquestração. Então nossas duas primeiras aulas de orquestração foram apenas sobre instrumentação, como os instrumentos funcionam, certo? A primeira é onde realmente mergulhamos nas cordas. Então, só para lembrá-lo de algumas coisas sobre as cordas. Conversamos sobre a Boeing e coisas diferentes em que precisamos pensar com a Boeing. Quer escrevamos ou não Boeing ou não escrevemos Boeing, eu prefiro não escrever no Boeing. Você pode, se essas informações forem novas, você pode revisá-las. Também falamos sobre técnicas que não são da Boeing, como pizzicato, fazendo várias paradas, paradas duplas, paradas triplas em uma ocasião rara, mas paradas duplas principalmente. Isso significa apenas violência ou qualquer um dos instrumentos de corda tocando duas notas ao mesmo tempo. Falamos sobre o alcance e o som dos diferentes instrumentos de corda. E só para revisar nossos instrumentos de cinco cordas, temos cinco deles. Mas realmente só para, na orquestra tradicional padrão é violino um violino, viola, violoncelo e base dupla. Esses são nossos cinco. Agora eu disse meio que apenas quatro porque Viola, violino um e violino dois são obviamente violência. Mas escrevemos para eles como se fossem dois instrumentos diferentes. Eles são basicamente como um coro de cinco vozes de certa forma. Mas eles são tecnicamente os mesmos instrumentos, apenas seções diferentes. Mais sobre isso quando entrarmos nisso. Harmônicos, mudos, col legno, isso significa brincar com as costas, a madeira do arco. É uma boa maneira de fazer inimigos com violinistas. Sandy vibrato marca para Ciara. Isso significa que é uma maneira elegante de dizer reajustando o violino. Outra boa maneira de fazer inimigos com violinistas. Ok, então isso foi meio que na primeira classe. segunda classe era instrumentação, metais e percussão, voz e as coisas são de terceira classe. Falamos principalmente sobre linhas e duplicações. Essa é a que você provavelmente acabou de pegar. Talvez tudo isso seja uma ótima informação daqui para frente. Vamos construir sobre isso nesta aula, embora nos concentremos apenas nas cordas, na ideia de seguir uma linha e criar uma linha e dobrar essa linha para suporte à densidade. Tudo vai ter um papel importante nessa aula também. Então isso nos deixa atualizados. Vamos falar muito rápido sobre as ferramentas que estou usando. Eles são os mesmos que eu estava usando no último vídeo. Então, se você quiser, você pode pular o próximo. Mas para qualquer um que acabou de se juntar a nós agora, quero ter certeza que você entende o que estou usando aqui. Então, vamos entrar em um novo vídeo sobre isso. 4. Ferramentas que estou usando: Ok, então as principais ferramentas que estamos usando, na verdade, acho que as únicas ferramentas que usaremos neste programa de notação. Estou usando Dory co. Esse é o mais novo no mercado de software de notação. Você pode realmente usar o que quiser. O Musescore pode funcionar. Ok, eu decidi por esses dois, para essas aulas atualizar para uma ferramenta mais profissional, que é Dora CO. Também há Finale ou Sibelius. Essas são todas essas três ferramentas profissionais. Então, os programas de notação profissional no mercado agora. Nosso Dory co Finale e Sibelius MuseScore não o levam lá em termos de uma ferramenta profissional, mas é muito bom. Então, eu vi algumas coisas realmente ótimas feitas com o MuseScore. Portanto, não há nada de errado em usar o MuseScore. A principal razão pela qual eu atualizei para a linha Doric para essas classes é que eu quero ser capaz de importar as amostras, sobre as quais falarei em apenas um segundo. E eu não sei se você pode importar esses tipos de amostras para o MuseScore. Talvez você possa, mas eu só queria usar um programa mais sólido para isso. Então, sobre isso, a biblioteca de amostras que estou usando aqui será a Orquestra Sinfônica da BBC. Acredite que isso é chamado de adição principal. Deixe-me ver. Profissional. Esta é a edição profissional da BBC Symphony Orchestra Pro. Eles também têm uma adição básica que é gratuita. E eles têm essa versão de descoberta. Talvez essa versão de capa seja a que é gratuita. Um deles é gratuito e é ótimo. Estou usando o profissional, que não acho que seja gratuito, mas por apenas cordas, você estará bem perto de qualquer uma das versões. Então, na Orquestra Sinfônica da BBC é muito bom. Em uma aula futura, vamos dar uma olhada em algumas outras bibliotecas de amostras que nos deixarão ainda mais perto de soar profissionais. Mas neste vamos usar Orquestra Sinfônica da BBC. Se você precisar de informações sobre como fazer o download , como encontrá-lo e como instalá-lo em seu software. Volte para a aula anterior. Fiz um vídeo inteiro apenas sobre como instalar e configurar isso. E é isso aí. Então Doric Row e BBC Symphony Orchestra, essas são as ferramentas que vamos usar. E nós vamos apenas escrever. Legal. Tudo bem, então vamos escolher uma música que possamos organizar e reorganizar e reorganizar um pouco mais. E espero que um que não o deixe louco. E vamos de lá. 5. Como escolher uma música: Ok, então vamos começar escolhendo uma música da última vez. Na última aula, usamos corais de bach. Esses são ótimos. Quero dizer, acho que acabamos de usar um e há centenas mais para escolher. Mas pensei em fazer algo um pouco com uma melodia um pouco mais definida. Desta vez. Eu queria usar um padrão de jazz e peguei meu livro de verdade procurei nele e passei horas pesquisando nele. Mas uma coisa que percebi depois de escolher algumas músicas e depois fazer uma pequena pesquisa sobre elas, é que praticamente nenhum padrão de jazz é de domínio público. E eu realmente quero usar um Tune de domínio público para que isso não removido e eu não tenha que lidar com todos os problemas de direitos autorais associados a ele. Então, vamos ficar longe do jazz. E em vez disso, o que eu decidi foi usar apenas uma música medieval muito antiga que é bastante familiar para a maioria de nós. E isso é Greensleeves. Então, se você não conhece Greensleeves, é uma melodia menor em N6 ou em três. Você poderia escrever nos dois sentidos. Consegui financiado, um tom de liderança que nos dará algumas coisas estranhas para mastigar. E tem letras diferentes ao longo dos tempos. Às vezes dizemos pegar no Natal e usamos a letra x. Que criança é essa? Mas é apenas uma boa e velha melodia medieval. Parece assim. Ok, e então basicamente se repete, repete a primeira parte novamente, e então esse é o fim. Parece que eu encontrei algumas partituras aqui e nós vamos, eu vou te dar essa partitura porque é apenas para um arquivo JPEG. Alguém escreveu isso na chave de Mi menor. Normalmente estou acostumado a ver isso em um menor, mas isso pode ser apenas porque eu sou um guitarrista e é assim que gostaríamos de tocar. Ele cai em nossas mãos e no A-Minor com muita facilidade. E menor também é legal, então vamos trabalhar em Mi menor. Está tudo bem. Então, a letra aqui, diz, infelizmente, meu amor, você me faz mal em me expulsar cortesia, pois eu te amei bem por muito tempo me deleitando em sua companhia. Greensleeves foi toda minha alegria. Greensleeves foi minha delícia. Greensleeves, meu coração de ouro. E quem comprou minha senhora Greensleeves? Não tenho ideia do que é Greensleeves nesse contexto. Talvez alguém nos comentários aqui possa ensinar como seus Greensleeves, o nome da mulher, o nome do cara. É literalmente como se ele estivesse usando mangas verdes. E então eu não sei, de qualquer forma, isso não importa. Para nossos propósitos. Nós realmente não vamos trabalhar com letras aqui de qualquer maneira. Nós vamos apenas organizar isso. Então, vamos para um novo vídeo. Eu não quero falar sobre por que eu escolhi este no que especificamente eu estava procurando, porque ele tem algumas coisas que vale a pena investigar. Então, vamos entrar nisso. 6. O que podemos dizer sobre esta sintonia: Ok, então há algumas coisas que estou procurando quando estou decidindo o que fazer aqui. E isso vai ser diferente para você, porque na maioria das vezes, suponho que muitos de vocês irão orquestrar principalmente sua própria música. Mas isso vale a pena apontar para que você entenda o que eu sou, o que estou pensando aqui. Primeiro, quero uma peça harmonicamente interessante. Eu quero algo com uma progressão de acordes que tenha corda em movimento regular. Então, isso vai me permitir explorar interseções desses acordes e como eu posso amarrar notas e criar uma textura agradável com isso. Então isso tem, esta é uma peça muito diatônica. Está tudo muito importante. Tem essa nota de tom principal bem aqui. Mas se dissermos que é em menor harmônico ou melódico, isso está totalmente dentro da peça, então é tudo divertido. Mas tem um acorde diferente. Cada bar, praticamente. Há B7, que é o que esperaríamos em um menor harmônico, para nos levar de volta ao Mi menor. Isso meio que muda para G aqui, poderíamos argumentar que isso é uma mudança para um curso relativo. Aqui vamos nós, G, D, D menor, Mi menor, C, B7. Nós realmente não somos como um D7, então não é realmente uma modulação, mas certamente parece um por um minuto. Nada disso realmente importa. O que eu sou. O que importa é que temos uma peça harmônica muito rica. Nem sempre precisa ser uma peça harmônica rica para orquestrar. É exatamente o que eu estou procurando porque eu realmente quero me concentrar em como podemos construir essa harmonia. Outra coisa que estou procurando é uma peça com a qual possamos realmente brincar muito. Porque o que eu quero fazer é trabalhar com essa melodia como basicamente eu quero colocar a melodia e todas as cordas diferentes. Quero colocar o acompanhamento e todas as cordas diferentes. Eu queria experimentar diferentes tipos de acompanhamento. Eu quero tentar fazer parecer muito agressivo, fazer com que pareça realmente sereno, e tudo mais. Então, vamos fazer alguns tipos de versões estranhas de Greensleeves. Mas essa notação, o que temos na partitura, diz tudo. Tudo o que temos é a melodia e os acordes. Isso é tudo que eu quero, certo? Eu não quero o acompanhamento que o pianista tocou que acabamos de ver porque eu queria fazer meu próprio acompanhamento. Talvez façamos algo parecido com o que eles fizeram com as cordas. Mas vamos fazer vários tipos diferentes de acompanhamento, eu acho. Então. Dito isso, quero apresentar a vocês um dos nossos grandes conceitos nesta parte da aula. E isso é primeiro plano, meio termo e plano de fundo. Então, vamos ao novo vídeo e falar sobre isso e como vamos trabalhar com isso no contexto de Greensleeves. 7. Primeiro plano, meio-termo, plano de fundo: Ok, então quando pensamos em orquestração, e isso não é apenas uma coisa de cordas, isso é verdade para toda a orquestra, mas eu realmente quero mergulhar nisso aqui nas cordas porque é mais fácil para lidar com essa categoria menor de apenas as cordas. Uma das grandes coisas em que nos concentramos são essas três camadas, primeiro plano, meio, solo e plano de fundo. A ideia aqui é que primeiro plano é basicamente sua melodia, sua melodia ou material melódico. Seu principal, seu principal, o que você quer, pessoas indo embora, assobiando, o que você realmente quer que elas se concentrem, certo? É o foco da peça. O meio termo é qualquer tipo de contra-melodia ou qualquer material que realmente suporte a melodia. Portanto, poderia ser material mental de acompanhamento, mas são principalmente coisas que apoiam a melodia principal, como uma contra-melodia, harmonia. Qualquer coisa que seja como um contraponto à melodia, será meio termo. Basicamente, coisas que são importantes para ajudar a trazer a melodia adiante, mas não as coisas que você quer que as pessoas realmente se apegem. Se houver uma contra-melodia, você não quer que as pessoas se afastem cantando a contra-melodia, certo? Você quer que eles cantem a melodia. E então o material de fundo é o acompanhamento. Então, qualquer coisa que seja como arpejos ou coisas rítmicas, ou apenas cordas, apenas harmonias. As linhas de base geralmente estão em segundo plano, embora possam estar nas outras duas, dependendo do tipo de linha de base que você está fazendo e veremos isso mais tarde. Mas qualquer coisa que possa ser considerada apenas acompanhamento. Agora, todas as três camadas são importantes. Não é que um seja mais importante que o outro. E eles também equívocos comuns, não se alinham com o registro. Não é verdade que sua melodia esteja sempre nos violinos e violinos ou no primeiro plano. E seu violoncelo é, e as bases são sempre o fundo. E suas violas e violinos dois são o meio termo. Isso não é verdade. Uma coisa que eu quero colocar na sua cabeça, provavelmente a coisa mais importante sobre toda esta seção é que qualquer dessas cinco partes da seção de cordas pode ser o primeiro plano, meio chão ou plano de fundo. Não é verdade que a violência sempre recebe a melodia. Dada a melodia ao violoncelo. Às vezes é incrível. Dê a melodia à base às vezes e deixe os violinos serem o acompanhamento. Você pode fazer isso. E veremos maneiras de fazer isso. Então, para ver essa ideia em primeiro plano, meio termo, plano de fundo, sempre queremos pensar nisso quando estamos trabalhando com orquestração em termos dessas camadas. Portanto, tenha isso em mente. Então, primeiro, nosso primeiro grande tópico, porque eu quero focar no primeiro plano. Como podemos fazer com que algo realmente brilhe em primeiro plano? Então esse é o nosso próximo grande pedaço de coisas. Então, vamos mergulhar. 8. Processo de orquestração em primeiro plano: Vamos começar com o primeiro plano, que é o lugar óbvio para começar. Não é o lugar onde você sempre tem que começar. Na verdade, meu processo, quando estou escrevendo música, apenas música original, é focar no fundo. Primeiro, eu gostaria de realmente aprimorar a textura e conseguir isso realmente discado. E então deixe a melodia que você se encontrar. Eu falei muito sobre isso nas minhas aulas de composição. Mas aqui estamos fazendo mais um acordo. Já temos o Tune. Então, o que precisamos fazer e estamos começando a trabalhar com o primeiro plano é, na verdade, muito simples. Obviamente, é a mais simples de todas as três camadas. Já temos uma melodia escrita. Esse é o nosso primeiro plano, certo? Precisamos considerar algumas coisas. Precisamos considerar. O alcance e esse tipo de tessitura do instrumento em que queremos colocá-lo. Então, por exemplo, se vamos colocá-lo no violoncelo, precisamos pensar sobre se queremos isso na extremidade inferior do violoncelo, onde ele tem essa sala real. E como isso se encaixa na melodia? Ou queremos isso na faixa superior do violoncelo, onde ele realmente tem aquela habilidade de cantar, cantável e de mobilidade única. Acho que essa é a palavra que estou procurando nessa faixa superior. Se eu colocar nos violinos, essa faixa superior não tem muito poder, mas é muito, pode ser muito doce. Então, temos que pensar sobre isso. E por essa razão, eu quero passar por essa melodia para Greensleeves e ver se podemos colocá-la em todos os diferentes instrumentos e examinar os diferentes lugares em que ela cai. E a maneira como eu pensaria sobre isso se fosse totalmente orquestrada. Então, vamos focar nos próximos cinco vídeos apenas em juntar o material em primeiro plano de cinco maneiras diferentes. Uma vez no primeiro violino, segundo violino, viola, violoncelo e baixo. Eu também vou dizer, Bem, estamos aqui. Se eu estivesse organizando isso e quisesse que fosse no meu próprio estilo e fosse meu próprio tipo de trabalho. Minha primeira reação instintiva não seria colocar a melodia nos violinos. Eu não gostaria de fazer isso. A razão pela qual eu não gostaria de fazer isso é só porque essa é a coisa mais esperada. Pode parecer ótimo e a violência. Mas estou sempre procurando uma maneira colocar uma melodia realmente ótima nas violas ou nas águas rasas. Eu provavelmente tentaria fazer isso primeiro. Se eu descobrisse que simplesmente não conseguia fazer funcionar, eu poderia ir para a violência, mas minha reação instintiva geralmente não é colocar a melodia na violência, só porque a maioria das melodias geralmente está na violência. Não há nada de errado em colocar a melodia e a violência. Faça isso. É ótimo. Mas as coisas de Alex Stuart estão em alta. Ok, então vamos nos aprofundar e falar sobre o uso da melodia na primeira violência. 9. Como usar Violino como Melodia: Ok, então eu coloquei sua melodia em Doric ou aqui. Vamos apenas ouvir uma vez para que todos saibamos o que somos o que estamos ouvindo aqui. Aqui vamos nós. Está bem? Então, o que precisamos considerar enquanto pensamos sobre o primeiro plano aqui? Então, o primeiro plano é realmente apenas a melodia. Não temos nenhum tipo de contraponto, nenhum tipo de acompanhamento, qualquer outra coisa? Então, temos o céu é o limite do que podemos fazer. Nós podemos fazer qualquer coisa. Mas eu quero apontar algumas coisas. Há coisas em que pensar. Aqui estão algumas considerações que temos. E é por isso que eu queria passar por isso com cada instrumento para que você realmente entendesse o jeito que eu pensaria sobre isso. Pode parecer óbvio, mas não se preocupe, vamos construir sobre isso à medida que construímos um arranjo para essa música. Então, a primeira coisa em que vou pensar, estamos olhando para violinos aqui, violino um. E a primeira coisa que eu realmente vou olhar é o alcance dessa melodia. E essa é uma melodia meio estranha e seu alcance é maior que uma oitava. A maioria das melodias tradicionais cantáveis está dentro de uma oitava. Isso não significa que aqueles que são maiores do que uma oitava ou ruins ou algo assim. Se você estiver trabalhando em uma melodia própria e for maior que uma oitava. Não se preocupe com isso, isso é ótimo, isso é legal. Só estou dizendo que, na maioria das vezes, é dentro de uma oitava. Significa que a nota mais baixa da melodia e a nota mais alta da melodia, ou uma oitava ou menos. Este, na verdade, é um décimo. Se olharmos para a nossa nota mais baixa, que é natural, acontece algumas vezes, vemos que há um C sustenido, Há um B novamente. E em C sustenido ficamos bem, então sim, essa é a nossa nota mais baixa. Ok, então confirmamos isso. Agora vamos procurar nossa nota mais alta. Passa por aqui. Isso é uma oitava maior, mas aqui está um C acima disso. Então, se formos para a seção B aqui, nós entendemos isso. D é nosso ponto mais alto, nossa nota mais alta. E isso realmente acontece de novo. B a D, certo? Então essa é uma dica que tem mais de uma oitava. O que isso me diz é que eu posso estar um pouco limitado na faixa porque é uma grande variedade. Então eu não posso mover essa coisa toda para cima ou para baixo uma oitava. Talvez. Ok, vamos explorar isso um pouco mais. Posso movê-lo para baixo uma oitava? Eu não posso. Eu vou sair do alcance do violino. Se eu movê-lo para baixo uma oitava, isso não tem nada a ver com o alcance do, o décimo da melodia que só tem a ver com o violino. Vamos ficar abaixo da nossa nota mais baixa, que é um G no violeta. Se formos para baixo. Agora, se subirmos uma oitava com tudo, vamos tentar. Agora. Fizemos algo um pouco estranho, porque o que está acontecendo agora é que estamos montando duas tessituras diferentes, escrevendo dois intervalos diferentes. Esse alcance na equipe, logo acima da equipe, é um bom alcance para o violino. Tem um pouco, tem alguma emoção nisso. Acho que tem algum poder nisso. Mas à medida que chegarmos a isso, D, vamos ficar bem altos, bem lá em cima. Agora, se eu organizar foi apenas uma oitava vou estar abaixo como B bem aqui. Então, um pouco mais palatável. Mas como temos um alcance tão amplo, eu não amo essa oitava. Eu não adoro estar aqui em cima porque temos algumas notas que são muito baixas na equipe confortável e algumas que são, que são significativamente mais altas. Isso vai criar uma faixa dinâmica estranha. Vai ser um pouco estranho. Então eu prefiro manter isso baixo uma oitava onde estávamos. Então, vamos voltar lá. Aí estamos nós. Então eu acho que esse é o melhor lugar para isso. Agora, o que eu realmente adoraria fazer é mudar a chave de tudo isso e reduzir esse B para um G, certo? Porque isso faria com que, aquela nota baixa atingisse nossa corda aberta. E eu acho que isso ressoaria muito bem se esse tipo de dar um belo tom escuro, que é o que eu quero nesse tipo de melodia medieval menor. Mas eu não vou fazer isso porque eu não quero mudar a chave agora, mas se eu tivesse a opção de mudar a chave, eu faria. O que Q isso nos colocaria se isso fosse um G, Basicamente, estamos descendo um terço maior quando a chave de Mi menor agora, então se pegarmos um E e descermos um terço maior, , b, e c, passamos para o chave de dó menor. Então, seria um pouco mais complicado, mas tudo bem. Então, ok, então vamos seguir em frente e ver como colocar a melodia no segundo violino. E se houver alguma diferença surgindo, aí. 10. Como usar o Segundo Violino: Vamos falar sobre violino também. Então, se você está se perguntando, ei, você pegou um resfriado? E entre os dois últimos vídeos? Sim, eu fiz. As alegrias de viver com uma criança pequena. Oh, ei, violino, dois anos pensando que deveria ser o mesmo, porque é o mesmo instrumento. Ele acabou de ter sua própria equipe. E você está certo. Não há nada monstruosamente diferente aqui, mas eu quero aproveitar a oportunidade para falar sobre deixar espaço para o meio termo e segundo plano. Então, com essa melodia sendo tão grande em termos de alcance, se é aqui e o violino dois. Nós não, queremos pensar um pouco sobre o que vamos fazer com nosso meio termo e experiência, certo? Porque vamos supor que o violino será um material mais alto do que violento também. Não precisa ser. Mas com o propósito de pensar sobre isso, vamos supor que seja. Então, nesse caso, precisamos pensar sobre o que queremos um violento faça que seja maior. E fique fora do caminho do violino dois. Mas ainda deixe o violino brilhar como a melodia. Isso é realmente uma coisa muito complicada. Se quisermos que o violino dois seja ouvido como o principal, o primeiro plano. E queremos que algo esteja acima disso. Em termos de notas. Isso é complicado, especialmente porque isso vai de B para baixo, todo o caminho até aquele d, certo? Então, se quisermos ficar longe disso, precisamos estar provavelmente pelo menos um terço mais alto. Portanto, F é a equipe do nosso primeiro arquivo, será nossa nota mais baixa se quisermos estar acima dela. Então, provavelmente teremos que fazer algo ritmicamente muito diferente se quisermos que isso funcione e ainda assim termos violentos para serem ouvidos como primeiro plano. A maneira mais fácil de fazer algo soar como o primeiro plano é colocá-lo na voz mais alta, certo? Tipo ir a qualquer coral. Se você quiser que algo soe como a melodia, dê para os Sopranos, o que estiver no topo. Normalmente ouvimos isso. Agora. Isso não significa que tenha que ser assim. Essa é a maneira mais fácil de fazer isso. Mas não vamos escolher a maneira mais fácil. Vamos escolher a maneira mais musicalmente interessante. Agora vamos ao mesmo tempo que tudo isso. Queremos deixar a raiz, deixar espaço embaixo dela para nosso meio termo e material de fundo, certo? Portanto, temos muito espaço embaixo dele. Mas essas serão coisas em que pensamos à medida que descemos, o que faremos nos próximos vídeos. Todo o caminho até as bases. E pensando em como fazemos acompanhamento quando a melodia está no baixo. Então, um F sobre isso. Vamos seguir em frente e falar sobre a viola. 11. Como usar a Viola como melodia: Ok, vamos para a viola. Então, se colarmos direto na viola, acabamos aqui. Então isso vai ser a mesma oitava. E isso pode ser bem legal. É a viola, então no geral vai ser um pouco mais escuro. Vai ser esse alcance e a viola está bem no alto da viola. Não é minha faixa favorita, especialmente para uma melodia menor que queríamos dar uma olhada em um som mais escuro, que é esse. Então, eu vou olhar para reduzir isso uma oitava e ver se podemos fazer isso. Então, vamos tentar. Então, vamos pegar a coisa toda. Aí estamos nós. Então, agora vamos dar uma olhada na nossa gama. Ok, essas são quase nossas notas mais baixas. O quê? Este B está fora do alcance. Esta é uma nota para a nossa nota mais baixa é um C. Há meio passo muito baixo. Então, a menos que estejamos dispostos a pedir ao nosso violino ou viola para afinar novamente ou algo assim. Isso não vai funcionar. É só aquela nota mais baixa. Tivemos a mesma nota novamente aqui. Por meio passo. Essa melodia, eu acho, seria linda nessa faixa. Muito baixo, a viola, vai fazer um som muito sombrio e assustador. Não sei se essas amostras vão fazer justiça, mas vamos tentar. Vamos continuar até a nota alta aqui. Sim, acho que essa é a minha opção favorita até agora. Eu acho que é lindo bem nessa melodia. Agora, lembre-se de pensar que estou indo para aqui é esse tipo de melodia mais sombria. Então, se você não quer esse tom escuro, isso não será perfeito para você. Mas para essa melodia, eu realmente gosto dela aqui. Então, o que posso fazer sobre isso? UMA? Complicado, desculpe que este a seja B, misturando-o com claves. Eu poderia fazer algo assim. Eu poderia colocar isso no violoncelo ou algo assim onde possamos fazer isso. Porque isso acima, há alguns termos diferentes para isso. Falaremos mais sobre como fazer isso mais tarde, sobre como mudar de ideia. Poderíamos chamar esse tipo de coisa de pontilhismo, embora não seja uma. Poderíamos chamá-lo assim, esse termo estranho chamado colódio Clang Farben, que é uma palavra muito divertida de se dizer. Mas isso também não é isso. Isso é realmente mais uma espécie de cobertura dessa nota que é muito baixa. Estou trapaceando. Vamos chamá-lo de trapaça. Poderíamos fazer algo assim. Como vamos, vamos ouvir daqui. Como eu faço? Lá vamos nós. Então meio que funciona, mas também torna um pouco difícil para o seu ouvido seguir essa nota, especialmente se ela fosse tocada ao vivo, você a ouviria. Não consigo trocar de instrumento. E dependendo do que nossos acompanhamentos fazem, podemos realmente perder a melodia lá. Teríamos que ter muito cuidado com nosso meio termo e experiência se quiséssemos tentar fazer isso. Mas nós podemos fazer isso. Podemos ter muito cuidado com essas coisas e puxar isso para cima. Então, pode ser minha opção favorita até agora, porque eu realmente gostei daqui. E é o homem do dinheiro, é só esse meio passo. Novamente, se pudermos mudar a chave, levante a chave meio passo, neste caso, para Si bemol menor. Seria dez vezes melhor do que fazer isso, mas podemos fazer funcionar. Eu realmente gosto dessa faixa, no entanto. Então, podemos voltar a isso, brincar com essa ideia se realmente quiséssemos. Mas enquanto isso, vamos seguir em frente e falar sobre o que acontece quando o colocamos no violoncelo. 12. Como usar o Violão como Melodia: Ok, vamos falar sobre o violoncelo. Agora. Se apenas o movermos direto do tom original, eu o coloquei nos violinos. Nós o pegamos bem alto, certo? E a gelatina. E você sabe que eu amo a faixa superior do violoncelo. Já falei sobre isso algumas vezes. Isso não está tecnicamente fora de alcance, mas é muito gritante assim. Nero vai ser difícil ficar ainda mais difícil de entrar em sintonia. Então, vamos descer uma oitava. E então vamos ver se podemos derrubá-lo mais uma oitava. Está bem? Então, vamos dar uma olhada nisso. Isso nos coloca bem no meio do violoncelo, pelo menos nesta página. Se formos aqui, aqui, estamos nos aproximando daquele belo tipo de toque lírico do violoncelo que eu, que eu realmente gosto. Vamos sair bem rápido. Isso fará com que pareça muito mais pesado. Ok, então isso vai ser como um som mais pesado, não exagerado, pesado. Ainda pode ser relativamente lírico. Isso é legal. Acho que isso funciona bem. Não é tão escuro quanto uma madeira como eu gosto na viola, mesmo que a viola, a viola nesta faixa só tem um Tambora um pouco mais escuro que eu gosto um pouco mais do que este. Mas não é ruim. Vamos experimentar. Vamos ver se podemos descer mais uma oitava. Ok, então ainda estamos ao alcance? Não. O mesmo problema com a viola. Nós perdemos esse. Observe que b está apenas meio passo abaixo da nossa baixa. Veja que essa melodia é realmente muito irritante para as cordas, na verdade. Então, vamos ter o mesmo problema aqui. E francamente, está tudo bem. Eu sei que não vou gostar da melodia aqui porque vai ser meio gordo em torno do violoncelo nesta faixa. Vai ser grande e volumoso. Por mais volumoso que seja, vamos encontrar a base para ser, mas vai ser muito volumosa para o que eu quero nessa melodia em particular. Sim, até isso é como ir até isso. Esse D é realmente meio sem intercorrências. E esse registro, é como, mas não é poderoso, cantável ou lírico, na verdade. É meio que lá. Este não é um registro emocional real para o violoncelo. Espero que você perceba que tudo o que estou dizendo aqui é super opinativo. Você está convidado a discordar de mim sobre isso. O que estou fazendo agora é apenas brincar com essa melodia e ver onde posso fazer com que ela se encaixe de uma maneira que eu goste. Também tendo em mente que, devido ao registro ou ao alcance dessa melodia, ser maior que uma oitava, causa alguns problemas únicos. Ok, então você pode estar pensando, eu poderia fazer o mesmo truque aqui? E colocar essa nota na base? Eu poderia, no entanto, oops, eu não quero ficar com isso. Eu poderia fazer isso. No entanto, Timperley, a base é um pouco diferente do violoncelo. A base é tão grande e gorda que acho que isso realmente vai se destacar. É como se a base tivesse tanta presença, enquanto o violoncelo tem muito menos. Então parece que um nó é repentinamente mano, e não é apenas estranho fazer isso. Então, o outro caso em que usamos o violoncelo para cobrir a viola funcionou muito melhor. Esse caso. Eu só não acho que você vai fazer isso soar muito bem. Simplesmente não vai funcionar muito bem. Então, o que eu faria aqui é provavelmente, eu não usaria essa melodia nessa faixa para o violoncelo. Minha opção favorita até agora ainda é aquele registro inferior ou a viola, com a cobertura do OneNote no violoncelo. Leve de volta para cima. Em oitava. Nós vamos. Ok, vamos dar uma olhada na base. 13. Como usar o baixo como melodia: Portanto, a base nos dá alguns problemas exclusivos. Se vamos colocar a melodia no baixo. Agora, tenha em mente, eu acho que você deveria fazer isso. Coloque a melodia no baixo de vez em quando, dê aos baixistas algo divertido para mastigar. Então, eles não vão apenas dar a eles uma melodia bonita e bonita. Eu farei um amigo para sempre. No entanto, há uma boa razão pela qual não temos toneladas de melodias e a base. Na verdade, existem alguns deles. Então, vamos começar com apenas nossas coisas de registro sobre as quais já falamos. Então, aqui estamos nós. Registro violoncelo. Já estamos gritando alto. Estamos realmente meio fora de alcance aqui. Você sabe, nós realmente não conseguimos essas notas. Então, vamos descer uma oitava. Ok? Então agora temos uma oitava razoável para a base. Eu sou, nada está fora de alcance. É muito bom. Legal. Vamos ouvir parte disso. Ok? Então é meio sem graça aqui. Contrabaixo, não é muito lírico aqui. Se você quer que isso realmente cante, é um ótimo lugar para contrabaixo. Pense no contrabaixo como um gigante. Escreva o gigante como Jack and the Beanstalk ou algo parecido. Quando o gigante se move, não é gracioso, não está fazendo balé. É preciso energia para se mover. Então, quando o, o uso mais eficaz do gigante é fazê-lo seguir esses grandes passos. Problema. Boom, certo? Não faço balé. Mais ou menos assim. Eu era uma analogia meio estranha, mas talvez você entenda. Então, uma melodia que vai funcionar bem para os contrabaixos é aquela que talvez não seja tão lírica, mas que tem esse tipo de movimentos grandes. Talvez encontremos um e eu possa apontar, mas isso não funciona muito bem. É muito gordo, é muito grande e não está muito escuro. Está escuro, mas é quase como se fosse uma madeira tão escura que não está mais escura. Eu não sei. É difícil explicar. descer mais uma oitava? Meio que duvido disso. Nossa nota mais baixa com base no E. Não há, não temos espaço para descer mais uma oitava. Além disso, outro problema que teríamos aqui é o que vamos fazer para acompanhar? Na verdade, há muito que podemos fazer para acompanhar. Se a melodia estiver no baixo, poderíamos fazer coisas rítmicas como imaginar grãos de pizzicato acontecendo nas outras cordas. Isso funcionaria muito bem. Isso manteria a base separada porque será a única coisa que é arco. Enquanto tudo o resto é pizzicato, faça muito bem na verdade. Mas seria ótimo? Eu realmente não sei o meu gosto, mas você é bem-vindo para experimentá-lo. Portanto, há muitas coisas interessantes que podemos fazer com o acompanhamento quando a melodia está no baixo. E veremos alguns deles quando falarmos sobre meio-termo e antecedentes. Mas há algumas coisas especiais você terá que pensar para manter fora do caminho da base. OK. Acho que é tudo o que tenho a dizer. Basicamente, o que eu quero que você entre na sua cabeça é, você pode dar a melodia para a base? Sim. Você deveria? Sim, você deveria tentar. Isso sempre funciona? Não. Nem sempre funciona. Mas é muito legal o que ele faz. 14. Considerando o fundo: Ok, então algumas coisas sobre escrita em primeiro plano. Nós realmente precisamos de nossa melodia ou o que quer que seja nosso primeiro plano. Eu vou dizer melodia por enquanto, mas tenha em mente que a melodia não é a única coisa que pode estar em primeiro plano. Pode ser uma textura que você queira apresentar. Pode ser apenas algum tipo de gesto. Mas na maioria das vezes estamos falando sobre uma melodia aqui. Então, como podemos fazer com que essa melodia seja a coisa mais ousada? Agora, para explicar algumas técnicas para torná-la a coisa mais avançada, temos que falar sobre os antecedentes. Porque a maior coisa que fará com que o primeiro plano fique em primeiro plano é manter o fundo longe dele, certo? Então, vamos falar um pouco sobre o plano de fundo no que se refere a tornar o primeiro plano o mais presente possível. Então eu escrevi aqui, fundo mais chato do mundo, ok, eu acabei de colocar os acordes em K, Então, muito simples harmonia tríade contra a melodia. Então, vamos ouvir o que eu fiz e eu só fiz esses cinco primeiros compassos. Vamos entrar em muito mais detalhes sobre texturas de fundo em breve. Por enquanto, isso é apenas para provar um ponto. Vamos apenas ouvir isso. Só isso, certo? Agora. Existem algumas maneiras diferentes fazer essa melodia se destacar mais do que já é. No momento, na verdade, não se destaca muito, certo? Está meio que enterrado lá. Agora, o óbvio seria a dinâmica, certo? Como se eu pudesse fazer a melodia mais alta, alta do que tudo o resto. Sim, essa é uma maneira. Mas existem maneiras melhores. O primeiro problema que temos aqui é que a melodia, o alcance, o alcance da melodia estão bem ali com a harmonia. Agora, eu não deveria chamar isso de problema porque isso nem sempre é ruim. Há momentos em que você quer que isso aconteça e pode ser um som legal. Mas se você está realmente tentando separar o primeiro plano do plano de fundo , falaremos sobre o meio termo. Não me esqueci do nosso amigo, o meio termo depois, mas esse é um animal diferente. Se você realmente quer que eles sejam separados. O alcance é uma ótima maneira de fazer isso. Ok? E esse é um exemplo de não fazer isso muito bem. Então você olha a primeira nota, enquanto a segunda nota, nosso segundo violino e a harmonia tem a mesma nota. E então estamos certos, estamos bem lá em cima. Um terceiro fora, um terceiro fora. A mesma nota novamente. Então, se pudéssemos fazer algo para separar nosso, o alcance da nossa melodia do nosso plano de fundo. Vai soar muito melhor. Então, vamos fazer isso. Vamos lá. Vamos pegar o violino em oitava. Simples o suficiente. Aqui vamos nós. Vamos ouvir isso agora. Definitivamente se destaca muito mais, certo? Da mesma forma, porém, poderíamos dizer que realmente gostamos da melodia nessa faixa. Então, como podemos ficar longe disso? Poderíamos reorganizar nossa harmonia aqui para ficar fora de seu caminho. Deixe-me fazer isso bem rápido. Vamos nos livrar do violino. Dois, ainda estão muito próximos. Vamos ver se consigo colocar a viola em uma nota diferente nas harmonias. Então aqui temos um Mi menor. Então vamos descer para, levá-los até aqui estamos em um acorde G, acorde Sol maior. Então, vamos descer para B. Agora eu sei que estou criando algumas oitavas e não a melhor voz, mas apenas tenha paciência comigo por um segundo. Vamos para Ré maior aqui. Então, vamos descer para um A e D menor aqui. Então, vamos descer para B, eu acho, e um Mi menor. Então vamos descer para, ok, agora o que fizemos, e vejo que dobramos a linha do violoncelo. Então, um monte de oitavas paralelas, mas não nos importamos oitavas paralelas agora. Vamos apenas ouvir em termos de, mantivemos fora do caminho da melodia em termos de alcance? Vamos ouvir. Sim, um pouco melhor. Não é perfeito. E a harmonia é chata porque são iguais. Mas nós trouxemos essa melodia um pouco mais, um pouco mais de apenas criando algum espaço entre o primeiro violino ou o que quer que seja o primeiro plano e tudo mais. Não se trata de deixar a melodia agradável e alta. Essa não é a questão. Trata-se de criar espaço entre a melodia e o acompanhamento, ou o primeiro plano e o plano de fundo. Agora, você poderia fazer o inverso desses dois, certo? Na verdade, vamos fazer isso. Vamos para um novo vídeo e vamos colocar a melodia na base novamente e colocar o ou mesmo o violoncelo. Vamos colocar no violoncelo e colocar o acompanhamento acima dele. 15. Fundo acima do primeiro plano: Pelo contrário. Então aqui está a melodia em violoncelo, e eu escrevi a harmonia acima dela. Agora, lembre-se de que o nome do jogo aqui não é alto e baixo. O nome do jogo é distância. Crie algum espaço para que nosso ouvido se encaixe em quatro, essa melodia. Então eu escrevi o violoncelo, eu escrevi a melodia e o violoncelo e eu escrevi bem e baixo. Realmente na parte inferior do violoncelo. Se continuarmos com a melodia, você verá que saímos do alcance porque está muito baixo. Mas para esta primeira linha, está tudo bem. Então, vamos deixar isso aí por uma questão de experimentação. Então, uma reescrita na parte inferior do violoncelo. E eu tenho a harmonia, agradável e alta, certo? Não está gritando alto nos violinos , mas é, é alto. E vamos ouvir isso. Bastante agradável. E então Melody realmente se destaca. Não há dúvida sobre o que é a melodia aqui, certo? Você não está ouvindo essa nota de topo como a melodia, certo? É porque temos espaço. Temos espaço entre o que está acontecendo. Essa é a coisa mais importante. Nosso ouvido naturalmente vai querer se agarrar , a coisa mais alta. Então, se você quiser que a melodia seja mais baixa, você realmente precisa torná-la distinta. E uma das boas maneiras de fazer isso, criar algum espaço entre a melodia e a harmonia. Agora você notará que eu não usei o contrabaixo. Usar o contrabaixo seria muito difícil aqui. Não consigo obter o contrabaixo alto o suficiente para ser, para sentir que faz parte dessa harmonia. E não consigo baixá-lo o suficiente para criar espaço suficiente para ficar fora do caminho do violoncelo. Então eu decidi que a melhor coisa a fazer aqui é não usar a base aqui. Eu poderia fazer um primeiro plano, uma coisa de meio termo, talvez um pizzicato para enfatizar algumas das notas. Isso pode ser uma opção aqui. Ou até mesmo um pizzicato, algo ou harmônico provavelmente poderia fazer. Um harmônico pode fazer com que ele faça parte da harmonia. Mas agora que penso nisso, não vai dar muito certo. Falaremos mais sobre isso mais tarde. Mas a coisa óbvia a fazer aqui foi deixar o contrabaixo de fora porque vai atrapalhar a melodia do violoncelo. A menos que eu não tenha dobrado a melodia, que eu realmente não senti a necessidade de fazer aqui. Ótimo. Ok, vamos passar para mais algumas coisas sobre o mesmo tópico. 16. Cor como separação: Ok, então falamos sobre o alcance ser algo que realmente pode fazer com que o plano de fundo e o primeiro plano fiquem longe um do outro para mais coisas que eu quero mencionar além do alcance que pode alcançar o mesmo efeito. A primeira é apenas alguns minutos atrás, quando estávamos olhando para colocar a melodia e os diferentes instrumentos, conversamos sobre o caráter diferente da tessitura. Cada instrumento, que é um bocado. Deixe-me dizer isso de novo de uma forma menos estranha. Sabemos que a faixa superior do violino tem um certo som. No meio do violino tem um certo som, e a parte inferior do violino tem um certo som, certo? Você pode usá-los para criar uma separação que trará essa melodia ou trará de volta o fundo. Por exemplo, digamos que, digamos que a faixa superior do violoncelo é quando eu sempre falo sobre isso. E eu provavelmente já falei demais sobre esse som lírico incrível que eu adoro, certo? Então esse alcance e o alcance inferior dos violinos, ok? Esses são praticamente os mesmos. Essas são as mesmas notas. A parte superior, como vamos imaginar um E. Vamos como esta nota. Certo? Bem, ultrapassou isso. OK. Essa nota e essa nota são a mesma nota, certo? Mas muito diferente em termos de cor, em termos de tessitura, certo? Esta vai ser uma nota muito lírica, e isso é na verdade é baixo no violino, está um pouco quieto, está um pouco escuro. Então, usar isso pode realmente ser algo que pode nos ajudar a separar essas duas partes. Se eu escrevesse a melodia no violoncelo para estar aqui em cima, e eu tivesse o acompanhamento para estar aqui embaixo e o violino. Eles não estão separados por alcance, mas são separados em cores, certo? E se isso for confuso para você, pense nisso como literal por um minuto. Digamos que você esteja pintando um quadro e tivesse algo pintado todo de azul, e então você fez uma pequena linha laranja nele, certo? Mesmo que essa linha laranja tenha sido misturada com todas as coisas azuis, ela vai se destacar porque é de uma cor diferente. Assim, você pode usar esse tipo de ideias de cores para criar uma separação entre o primeiro plano e o plano de fundo. 17. Textura como separação: Então, a última coisa que vem à mente imediatamente a esse respeito é a textura como uma forma de separar. E isso meio que está acontecendo aqui um pouco. Se eu tiver essa melodia e o violoncelo, e estiver tocando no ritmo em que está tocando. E então eu tenho esses violinos fazendo meias notas pontilhadas. Só estou mantendo a harmonia. É uma textura diferente. Não é uma textura radicalmente diferente, mas seria melhor se algo como os violinos estivessem tocando. arpejos vão fazer com os dados, com a identidade digital e digital. Identidade digital. Enquanto o violoncelo está indo, bom, bom, bom, bom, bom. Isso vai criar uma textura muito diferente. Isso vai ajudar a separar os dois. O primeiro plano e o plano de fundo. Se eles estão fazendo coisas totalmente diferentes, isso é textura. E essa é uma forma de mantê-los separados. E é algo que provavelmente é um dos mais comuns. Parece meio abstrato, mas veremos em algumas partes como a textura é usada para separar o primeiro plano do plano de fundo em todo o lugar. Então, vamos fazer isso agora, vamos dar uma olhada em algumas músicas. 18. Análise de Beethoven, Parte 1: Ok, Sinfonia número um de Beethoven logo no início, ou talvez alguns minutos para esta peça. E há um grande momento que faz praticamente o que estávamos falando. Agora, estou usando um clipe do YouTube aqui por motivos de direitos autorais. Então, vamos dar uma olhada no que está acontecendo aqui. Vamos ouvir primeiro, mas este é o segmento que eu quero que você se agarre e todo mundo só um fio de cabelo para nos colocar nisso. Uma boa cadência bem antes dela. Então, temos a melodia no baixo. Não sei nem dizer se isso é uma base ou o raso. Vamos ver. Oh, dobrou. Então é base e violoncelo na parte inferior. Então, para 30. Ok, então temos a base e o violoncelo com a melodia. E então temos essa harmonia relativamente simples acima dela. Qual é a coisa que os separa para que nosso ouvido tenha espaço para se agarrar a essa melodia. É alcance? Um pouco? O alcance é um fator aqui, porque lembre-se de que a base soará uma oitava abaixo do que está escrito aqui. Então, há muitos graves acontecendo aqui. Se for baixo e raso, estamos ouvindo boom, boom. O resto das cordas são bem baixas. Na verdade. Quero dizer, não há nenhum lugar perto dessa baixa embora haja espaço. Há um certo intervalo entre os dois. Mas também vou dizer textura. Porque olhe para o ritmo que todo o resto das cordas está fazendo. Apenas aquelas semínimas muito curtas, que por si só é um pouco diferente da melodia relativamente rápida que o baixo está tocando, mas também é curta. Versus Doo, Doo, Doo, Doo, Doo, Doo Doo também, certo? Portanto, é uma textura realmente muito diferente. Vamos ouvir de novo. Vou deixar tocar um pouco mais. Também temos algumas das vitórias e coisas que estão chegando para ajudar. Mas o verdadeiro foco principal aqui, pelo menos logo no início, esses primeiros compassos são as cordas com a melodia na base. Acho que também há um contraste dinâmico e é algo mencionamos brevemente que está ajudando a separar isso, o primeiro plano do plano de fundo. Mesmo que esteja tudo marcado como pianissimo, todas as cordas são marcadas como pianissimo. O material baixo, os resfriadores e as bases estão claramente se apresentando muito mais apenas em termos de volume. Mas acho que a coisa mais importante aqui é a textura, na verdade. 19. Análise de Beethoven, Parte 2: Aqui está outro bom exemplo que é textura e registro. Ainda na Sinfonia Número um de Beethoven, ou cerca de 13 minutos. E neste momento, não sei se estamos no ar, provavelmente estamos no segundo movimento agora. É difícil dizer nesses vídeos do YouTube. Mas se você olhar aqui, nós temos isso. Este é um bom exemplo de primeiro plano não ser necessariamente uma melodia. Isso é algo que eu chamaria de textura. Não é necessariamente uma melodia, mas é como uma melodia, e é definitivamente o primeiro plano neste momento em particular. Então temos acompanhamento, certo? Definitivamente, há uma diferença textural aqui. Temos notas muito curtas e rápidas em trigêmeo. E aqui também temos shorts, mas muito espaço entre eles, não tão curtos. Estão todos marcados com piano pianíssimo. Mas o alcance é provavelmente a maior coisa. Bem, a textura é provavelmente a maior coisa, mas o alcance também é um grande problema. Muita distância entre isso, mesmo quando desce baixo, está cruzando por baixo, mas apenas momentaneamente a maioria está um pouco separada em termos de alcance. Vamos ouvir isso. voltar um pouco para entrar nisso. Ok, aqui vamos nós. Certo? Então, definitivamente, muita variedade, textura. Não necessariamente uma melodia bem ali, certo? É uma coisa muito brilhante. Talvez você possa chamar isso de melodia, talvez não. Eu provavelmente não faria. Mas isso é legal. Nem sempre precisa ser uma melodia. Mas geralmente há algo em primeiro plano. Nem sempre é preciso haver algo em primeiro plano . Mas geralmente há. 20. Considerando o Middleground: Ok, vamos falar um pouco sobre as coisas do meio termo. Muito do que estamos falando quando estamos olhando para o meio termo é o que normalmente chamamos de contraponto ou contra-melodia, ou melodia acompanhante ou algo parecido. Então, para demonstrar isso, eu meio que organizei mais completamente nossa pequena melodia aqui. Então aqui está nossa melodia, certo? Então Greensleeves está lá. Mas eu adicionei uma textura mais completa aqui só para nos dar uma ideia disso. Vamos ouvir e depois vamos conversar um pouco sobre isso. Aqui vamos nós. Ok, então eu acabei de fazer essa primeira parte de novo. Então, a primeira coisa que queremos fazer é investigar isso a partir de alguns dos tópicos sobre os quais estávamos falando antes. A melodia se destaca o suficiente? Acho que sim. Em primeiro lugar, valeria a pena ressaltar aqui que eu provavelmente não lançaria uma peça com esse tipo de arranjo. O que eu faria no início da peça é provavelmente dar essa melodia em termos muito mais simples, para que nós realmente dêmos a eles, damos diretamente ao público a melodia sem muita coisa acontecendo. em torno disso. Queremos colocar isso na cabeça deles de uma maneira limpa e agradável, para que tenhamos certeza de que eles entendam a melodia quando a ouvirem mais tarde na peça, ou até mesmo pela segunda vez. E tem todas essas outras coisas por aí , como acontece aqui. A melodia ainda se destacará para eles porque é familiar, enquanto os acompanhamentos não são familiares. Então eu acho que você poderia até dizer isso, que familiar, familiaridade, familiaridade. Sim, essa é a palavra que estou procurando, é outro daqueles elementos que podem separar o fundo do primeiro plano. Meio termo. Na verdade, não estou no meio termo. Vamos falar sobre miligrama em apenas um segundo. Primeiro, estamos falando sobre se separamos a melodia o suficiente para que a melodia já seja familiar. Agora vamos dar uma olhada no alcance. Então, temos muita coisa acontecendo aqui. O alcance é muito bom. Estamos bem perto aqui. Mas se afastando. Movimento contrário, movimento semelhante. E estamos pensando no movimento que normalmente pensamos. Um pouco de contraponto. Então, vamos continuar bem. Encha-me até um terço aqui. Então, o alcance está bom. Mas o mais importante, temos um ritmo totalmente diferente acontecendo aqui. Esta é uma semínima consistente. Isso realmente fará com que ela se destaque da melodia, que não é uma semínima consistente. Então a outra coisa que vou chamar fundo é essa parte, algumas lacunas nele. Então isso definitivamente vai se destacar. Também é muito menor. 21. Técnicas de Middleground: Ok, então vamos falar sobre o meio termo real aqui. O que estamos vendo é essa contra-melodia aqui no violino dois. Então, primeiro, vamos jogar isso. Vou silenciar tudo, exceto o violino 12, ok, então vamos apenas ouvir a interação entre o primeiro plano e o meio termo. OK. Aqui vamos nós. Ok, ótimo. Então, há algumas coisas que eu acho que funcionam sobre isso para torná-lo um bom meio termo. Primeiro, é simples e simples de várias maneiras diferentes. Tem um ritmo simples. Tem um registro simples. E isso é importante porque você notará que o registro não é o tipo de registro superior ou o violino que é muito lírico, ou o registro baixo ou o violino que é um pouco mais grosso e quente. Mas está bem naquele registro do meio. Isso não é, não se destaca por nenhum motivo específico. É relativamente próximo do primeiro violino, da melodia principal, do principal material de primeiro plano em termos de tom, certo? Não estamos a um terço de distância, mais longe, mas a 6 terços de distância. Então, estamos meio próximos. E isso é realmente normal para a escrita de cordas, ok, ter esse tipo de emaranhamento das duas linhas que a melodia e a contra-melodia. É algo que eu realmente gosto. Eu realmente me agarrei a esse som, então estou sempre feliz em fazer isso. Para que isso funcione. Tivemos que ficar meio próximos. Temos que ter um pouco de dissonância lá. Então, alguns tons sem acordes. Mas não queremos estar muito próximos e, ou dois dissonantes, certo? Ou então vai soar como MC. Então, o que estou fazendo aqui com a contra-melodia é verdade, apenas delinear os acordes. Este é um acorde em Mi menor, E, D, C. Então esse E está obviamente no acorde. Poderíamos argumentar que D talvez esteja no cordão se quiséssemos tratá-lo como um acorde de sétimo menor. O C é um tom sem acordes. Aqui embaixo. O acorde mais grosso é Sol, Sol maior. Então temos b, d, Ambos estão no cordão. E, novamente, o C é o tom sem acordes. Faz um bom som crocante contra isso. Seja um bom sétimo lá. Então você pode ver que eu estou apenas delineando acordes com alguns nós de conexão lá apenas para preenchê-los e torná-los suaves, rítmicos, rítmicos, suaves. E faça aquela sensação suave e rítmica. Então isso é muito idiomático para as cordas, esse tipo de contraponto. Vamos ouvir por curiosidade. Vamos, vamos ouvir o plano de fundo e o meio termo juntos. Acho que isso pode ser interessante. Então, vou silenciar o primeiro plano. Ok, então não vamos ouvir o primeiro violino aqui. Então ouça como os dois violentos e a viola e o violoncelo trabalham juntos. Ok, aqui vamos nós. É um bom uníssono de ficar fora do caminho como eles estão, eles não estão pisando muito nos pés um do outro. Mas também estamos trabalhando juntos. É quase como andar com uma terceira perna. De alguma forma, eles descobriram a maneira de caminhar junto com a terceira perna como uma analogia estranha. Vamos ouvir mais uma vez. E novamente, o que estou fazendo com a viola e violoncelo aqui é apenas delinear os acordes sem tons de acordes nessas partes. E se você não notou a viola e o violoncelo, ou apenas uma oitava um do outro. Esse Octave vai fazer com que eles realmente avancem. Isso vai fazer um som bastante forte. Mas como é significativamente menor, permanece separado do segundo violino e, especialmente, do primeiro violino. E também é uma articulação diferente. É um ritmo diferente. Por isso, fica um pouco fora do caminho. O que eu fiz na base aqui foi realmente usá-lo como uma forma de enfatizar o que a viola e o violoncelo estão fazendo. É, ainda faz parte do acompanhamento, com certeza. OK. Então, vamos dar uma olhada no que alguns, alguns deles se parecem em uma peça maior. E provavelmente voltaremos a Beethoven porque há muito nas sinfonias de Beethoven para escolher. 22. Beethoven Exemplo: Middleground: Ok, de volta à Sinfonia Número um de Beethoven. Estamos a cerca de 5,5 minutos. E tem esse momento perfeito que faz essa coisa legal e é apenas uma coisa divertida que eu realmente pensei em fazer no arranjo Greensleeves que acabei de fazer é aqueles dois bares . Mas eu decidi não fazer isso. Mas aqui temos Beethoven fazendo isso. Portanto, é uma ótima maneira de mostrar outra técnica para essa ideia de meio termo. Então, o que eu estou vendo é isso bem aqui. Ok, vamos ouvir primeiro. Vou rolar um pouco para trás. Aqui vamos nós. E então eu vou apontar quando chegarmos lá. OK. Então deixe-me nos levar de volta lá, ok, então dê uma olhada. Então, temos apenas as cordas aqui. Violino um, violino, viola e violoncelo e baixo combinados aqui embaixo. Ok, então violino um claramente em primeiro plano, certo? É como se a ideia da melodia aqui fosse violino um, arquivo no meio termo. Tem uma coisa de acompanhamento para violino um, e voltaremos a isso em apenas um segundo. Viola e violoncelo, baixo. Acompanhamento, certo? Fundo, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum. Só uma pontuação. Então, vamos voltar aqui. Então o que temos aqui são dados, dados, dados, dados que, certo, Esse é o primeiro. Este símbolo, aliás, se você nunca viu isso, isso significa basicamente colcheias. É como uma coisa abreviada. Então, isso significa 16ª notas. Então isso é dívida, dívida, dívida, dívida e, em seguida, mais colcheias, ponto, ponto, ponto, ponto, dados de dados de pontos dados, dados, dados, dados, dados, dados, dados de dados. Então, isso é tudo colcheia. Portanto, há uma pequena melodia bastante ativa que estamos ouvindo. Não temos uma melodia muito ativa que estamos ouvindo embaixo dela, certo? Boom papai, papai data. Certo? É muito parecido. Na verdade, é o mesmo, mas uma oitava para baixo e tarde. Então é meio que um pequeno canhão, certo? É como um canhão é como remar, remar , remar seu barco, remar, remar, remar seu barco. E então eles se sobrepõem. É meio assim. C, B-flat, E-flat, G, F, E plano, B plano. Saltamos uma oitava, B-flat, E flat, G, F, E bemol. São as mesmas notas, mas atrasadas por uma medida e uma oitava abaixo. Isso é legal. Isso faz com que seja um contraponto muito legal. Eu adoro isso. Então, isso não vai realmente pular como assumir o controle da melodia. Não vamos ouvir isso. Está assumindo o controle da melodia. Está uma oitava abaixo. E embora seja o mesmo material , mas uma oitava abaixo, é um bar tarde. Então, quando estamos ouvindo, a melodia está tocando algo novo, certo? Está jogando isso agora. Então, nosso ouvido vai se agarrar a essa parte superior. É muito mais alto e é a coisa mais importante. Começou como o foco e vai continuar assim. Portanto, não corremos o risco de atrapalhar isso. Eu diria que o principal aqui é o alcance porque somos muito mais baixos do que ele. Mas é um truque muito legal. É como uma ideia de canhão. Basta pegá-lo, atrasá-lo em uma barra e soltá-lo uma oitava. Às vezes, você pode escapar sem cair uma oitava nas circunstâncias certas. Então você sempre pode tentar fazer um contraponto muito rápido. Basta fazer um pequeno canhão. E agora estou pensando nisso. Deixe-me ver se teria funcionado. Vamos voltar aqui. Então, aqui está o que eu quero dizer. Se eu pegar nossa melodia e for aqui, ali. Então eu apenas coloquei nossa melodia, mas uma oitava depois, ou desculpe, um bar depois. Ok, então começa aqui e entra lá. Isso cria uma bela melodia contrária. Vamos ouvir isso. Eu tenho meu primeiro solo de violino, ainda está, lá vamos nós. Vamos tentar mais uma vez. Ok, não funciona tão bem, meio que descarta nossa harmonia. Poderíamos baixá-lo uma oitava. Isso pode ajudar. Vamos tentar descer uma oitava. Ainda vai estragar nossa harmonia, mas vamos tentar. Não é ruim. Poderíamos ajustar algumas notas para que funcionasse. É uma ótima técnica para criar um meio termo realmente sólido, muito rápido. 23. Textura e ritmo: Ok, vamos falar um pouco mais sobre a escrita de fundo. Agora, a questão do plano de fundo é que se trata realmente de focar em uma textura, o que eu chamaria de textura. Então, vamos definir isso um pouco. Pense em uma textura como um cobertor de som. Mas há um milhão de maneiras diferentes de fazer isso. Você quer algo que seja o acompanhamento, certo? É algo que vai cobrir como um cobertor. O espaço aberto, não todo o espaço aberto, mas parte do espaço aberto. Para criar a cena, se você quiser. Seguindo essa ideia, vamos pensar sobre isso. Jogar. A textura ou o acompanhamento, nesse caso, é como as peças do cenário no palco, certo? Não são os atores. É o cenário. Essa é a textura. Essa foi uma analogia razoavelmente boa. Sabe, algumas das minhas analogias são bem estranhas. Saiba o que eu acho que foi bem sólido de qualquer maneira. Assim, você pode fazer qualquer um de um milhão de coisas diferentes para criar uma textura que soe bem, especialmente com as cordas. As cordas são muito hábeis em fazer esses tipos de texturas ou ideias de fundo ou acompanhamento. Todas essas três palavras agora estão meio que significando a mesma coisa. Então eu acho que eu ia escrever alguns para o nosso acompanhamento à nossa melodia são a melodia de Greensleeves. Mas então eu pensei que havia tantos milhões de coisas diferentes que eu poderia escrever. Não vamos fazer isso. E em vez disso, vamos ficar com Beethoven e olhar para alguns pontos onde ele escreve um acompanhamento. Isso funciona muito bem. Então é meio que saltou aleatoriamente aqui, e eu estou com nove minutos e 42. Temos esse lindo momentinho. Temos essa melodia e os primeiros violinos e um ollie, outras cordas. Temos esses dados, dados que são um pouco rítmicos. Não é enorme, não é grosso. Mas é apenas um pequeno movimento rítmico que preenche a textura. Vamos ouvir isso. Deixe-me voltar um pouco para nos colocar nisso. Isso mesmo. Muito, muito sutil. As coisas não precisam ser grossas, elas não precisam ser grandes. Eles podem ser muito sutis assim. Mas neste caso, você pode estar pensando consigo mesmo, bem, qual é o meio termo aqui, temos uma melodia e, em seguida, como pano de fundo. Neste caso em particular aqui. Sim, eu diria que é isso que está acontecendo. Temos melodia de primeiro plano e fundo. Não há meio-termo aqui. Tudo bem. Não precisa haver sempre a necessidade de ter todos os três. E se houver um caso em que você não tem um, a coisa mais comum é o meio termo. Então, quando você está pensando sobre essa ideia de fundo, eu quero que você sempre tenha em sua cabeça o ritmo. Pense no ritmo. Muitas pessoas quando estão apenas começando com essa ideia, especialmente se você está se concentrando na composição. Muito do que você pode fazer é colocar notas inteiras nos acordes, certo? E concentre-se na harmonia. E isso é uma opção. Isso certamente é uma opção. Mas não deixe seu pensamento parar por aí. Tente pensar em adicionar um ritmo a isso, certo? É aí que começamos a realmente obter aquele som de corda, aquele som de acompanhamento fazendo algo ritmicamente e, ao mesmo tempo, contribuindo para a harmonia. Isso vai te dizer quais notas usar, qualquer harmonia que você tenha acontecendo lá. Mas tenha em mente que ritmo é uma coisa importante para criar esse tipo de fundo animado. Vejamos alguns outros exemplos de Beethoven. 24. Variação rítmica: Ok, então aqui está, eu acho um bom exemplo daquilo que estávamos falando. Você quer, basicamente, você vai usar notas inteiras, mas você quer apenas adicionar ritmo a isso. Então, aqui estamos no que está nesta gravação cerca de 21 minutos em. E veja o que está acontecendo aqui. Temos essa melodia acontecendo nos primeiros violinos novamente. Apenas esta semínima toca e desce. Agora, tenha em mente que esse é um ritmo realmente holandês. Então isso é ponto, ponto, ponto, ponto, ponto. Estamos indo muito rápido nessas semínimas. Agora aqui temos apenas os acordes, certo? Mas lembre-se disso para sinalizar algo nos nós, isso significa 16ª notas. Estou pensando que eles podem porque estão indo rápido. Mas tudo o que eles estão fazendo é adicionar um ritmo aos nós que estão segurando a quadra. Agora, o ritmo que você usa pode ser literalmente qualquer coisa. Não precisa ser um ritmo reto como esse. Significa direto e consistente em todo o caminho. Apenas as notas 16 retas são colcheias retas ou o que quer que seja. Isso é o que acontece. Mas você pode variar em repousos em diferentes valores rítmicos. Este é realmente simples que mostra a harmonia que mostra a harmonia que está sendo tocada por ter um ritmo mais complicado. Então, vamos voltar um pouco. E vamos ouvir isso, certo. Bem legal. Vamos ouvir mais uma vez só porque meio que passa rápido. Então, apenas esses cabos efetivamente apenas segurando acordes para toda a barra, duas barras neste caso. Mas pensar, pensar, pensar em pegar essas notas, para dar um pouco de vida extra, criar um tipo de textura cada vez melhor , mas diferente para o fundo. 25. Mais sutil: Ok, só para um exemplo de um pouco mais complicado. Aqui temos, estamos de volta em torno de nove minutos, 9,5 minutos. Eu salto de volta para o anterior. Se eu não dissesse que estava perto do final em torno de 23 minutos. Plano de fundo 9,5 minutos. Vamos ver aqui o que está acontecendo. Então temos o que vou chamá-los de melodia, os primeiros violinos. Então, primeiro plano, fundo, desculpe, meio termo e o segundo violino. Então, uma harmonia. Então, o mesmo ritmo em todo Pfeffer no final. Tão ligeira variação no ritmo, mas significativamente menor no registro do violino, e também adicionando uma harmonia. Então, vou chamar isso de meio termo e fundo. Nós realmente temos essa coisa muito sutil acontecendo aqui. Poderíamos chamar a viola de parte do fundo é parte do meio termo. Porque na verdade está apenas complementando algumas notas no meio termo. E depois o violoncelo ao fundo. E o violoncelo é notado aqui, aquele VCL que diz violoncelo, isso implica, eu acredito neste caso, que a base está parada. Temos a base voltando aqui. Então isso é só o violoncelo. Então, estamos ouvindo muito sobre meio-termo. E então o fundo é um momento de violoncelo muito sutil. Ok, então vamos ouvir. Volte só um pouco. Aqui vamos nós. Ok, então paramos bem aqui. Esse violoncelo é bastante silencioso, então fica difícil de ouvir, mas você pode ver como é um pouco simples. É quase como o primeiro que escrevi para os Greensleeves. É só para notas que descrevem o cordão, é tudo. É realmente muito simples. Portanto, há muito que podemos fazer agora. Quero abordar mais sobre isso com textura, concentrando-me em três princípios com os quais trabalhamos muito. Isso seria texturas homofônicas, polifônicas e monofônicas. Então, estamos dançando em torno disso com todos esses exemplos, mas eu meio que queria apenas apresentá-los dessa maneira. E agora vamos nos aprofundar e falar sobre esses diferentes tipos de texturas e como podemos trabalhar com elas. Com as cordas. Lá vamos nós. 26. Escrita Homofônica: Ok, a seguir vamos falar sobre três coisas texturais. Então, primeiro é a escrita homofônica e depois a escrita polifônica e a escrita monofônica. Então, escrita homofônica, esse é um termo que usamos para, eu sempre penso nisso quando estamos realmente focando na vertical, certo? Então, eu não estou preocupado com esses ritmos e fazendo ritmos de acompanhamento muito legais. Nós podemos fazer isso. Mas o que eu realmente quero focar, com a escrita homofônica, é a forma como o acorde é dublado. Isso é o que eu quero pensar mais do que qualquer outra coisa aqui. Então, o termo escrita homofônica realmente significa que há, há uma voz e tudo está apoiando essa voz. Então, geralmente esse é o caso em que temos uma melodia e, em seguida, apenas cabos sustentando para apoiar essa melodia, certo? Então, o que temos aqui na tela é realmente uma textura homofônica. Há uma melodia e , em seguida, tudo está apenas apoiando isso com harmonia. Então, o que queremos fazer aqui é pensar sobre esses acordes que colocamos aqui e como podemos torná-los mais interessantes, ok? A forma como os temos aqui é boa, mas podemos torná-los melhores. Está bem? Então, vamos falar um pouco mais sobre espaçamento de notas e voz. E para fazer isso, voltaremos e falaremos muito brevemente sobre a série de overtone. 27. Nota de Espaçamento: Ok, lembre-se de que quando você está espaçando notas, você pode fazer o que quiser. O que estou prestes a dizer é algo que caracteristicamente, soa muito bem, especialmente em cordas. Esta é uma técnica que as pessoas têm usado por 100 anos, centenas de anos, talvez duzentos, trezentos anos. 400? Sim. Neste ponto, sim, 400 talvez em cinco. Para realmente fazer um som grande e rico. Isso pode não ser o que você quer. Mas se é isso que você quer, veja como você faz. Há, na verdade, um pequeno truque bem fácil. Vamos dar uma olhada na série de overtone. Se você se lembra da série de overtone, se você fez minhas aulas de teoria, você pode saber disso. Se você pegou algumas coisas de design de som, você deve saber disso. Basicamente, o que a série de overtone nos diz são todos os sons dentro do som que ouvimos. Então, quando tocamos algo como quando tocamos uma nota, esse aviso é composto de um monte de outras notas que se juntam para formar a nota que estamos tentando fazer. E a forma como as conotações são estruturadas, isso realmente nos dá madeira. Mas não estamos preocupados com isso agora. O que nos preocupa, bem, não estamos preocupados com nada, mas o que estamos falando é que há um padrão definido para a série de overtone. Sempre funciona da mesma forma. Você toma sua primeira nota em que está começando. Neste caso, é C. Ok? E isso, você apenas coloca isso em qualquer lugar, qualquer nota que você tocar. Então, digamos que você jogue isso muito, muito baixo. Veja, as notas que estão dentro desse nó que o compõem, é primeiro que vai ser uma oitava maior C, e depois vai ser um quinto acima disso, e depois outra oitava, e depois uma terceira, e depois outro terço. E então um sete plano, estranhamente, e depois outra oitava. E então ele começa a ir pela escala. Então C, D, E, F, Isso significa que é F, que é um pouco nítido. G, um apartamento. Começamos a obter algumas, algumas notas cromáticas e, em seguida, estamos basicamente indo para o cromático. Ok? Você não precisa memorizar isso agora. Aqui está o que é importante sobre isso. Observe o espaço entre os nós. Começa com grandes espaços, oitavas, oitavas. À medida que sobem, esses espaços ficam cada vez menores até que estejamos crescendo cromaticamente. Então isso é meio que, isso é apenas física. É assim que esse som funciona. Qualquer som em que qualquer som agudo funcione, é apenas a parte inferior dele, terá grandes espaços no meio. E à medida que você for mais alto, ele terá espaços menores. Ok? É assim. Grandes espaços, você sobe e eles ficam cada vez menores e menores. Podemos espelhar isso com a forma como escrevemos um cordão. Ok? Isso vai soar bem. Talvez por causa da série de overtone, talvez porque seja apenas tradição. Não sei, mas é o que fazemos e parece bom. Então, deixe-me reescrever esses primeiros acordes usando isso, e então eu voltarei e mostrarei como soa. 28. EXEMPLO: Ok, vamos dar uma olhada e depois eu vou te contar o que eu fiz. Então eu deixei a primeira parte como está, você pode apenas ouvir a voz normal que tivemos. E depois há algumas barras de vazio. E então, quando a melodia voltar pela segunda vez, você tem a minha voz mais adequada desses tribunais. Então, vamos ouvir de cima. Ok, então deixe-me tirar o primeiro violino. Então, nós apenas ouvimos nossos acordes. Eu também quero desacelerar para que possamos realmente sentar neles e sentir a maneira como as notas estão empilhadas. Vamos muito curtos. Ok? Tudo bem, vamos tentar isso. Então, sem violino e mais baixo. Ok, então eu fiz algumas coisas aqui que valem a pena destacar. A primeira coisa que quero destacar, porque parece contradizer algo sobre o qual já falamos. Ou seja, deixei a harmonia subir muito alto e, na verdade significativamente acima da melodia aqui em cima. A razão pela qual eu fiz isso é que eu acho que ele cria uma linha que meio que se sobre a melodia de uma forma que não distrai muito dela. Nós temos exatamente isso, nós temos, não temos um ritmo complicado. Temos apenas aquelas notas seguradas indo para o meu ouvido. Não distrai muito a melodia. Você ainda pode manter o ouvido dela na melodia. Na verdade, deixe-me colocar a melodia de volta. E vamos ouvir mais uma vez nesse ritmo mais lento. E você pode ver se concorda comigo. E é muito difícil se agarrar a essa melodia nesse ritmo lento. Mas acho que sim. Eu acho que, especialmente quando você chega bem aqui, onde está realmente acontecendo, você pode sentir essas notas acontecendo, então eu me sinto muito bem com isso. OK. Eu quero apontar algumas outras coisas. Você deve ter notado que o div aqui, então acho que mencionei isso antes, mas significa DVC. Isso significa que vou dividir esta seção neste caso em duas. tão violentos. Eles vão se dividir ao meio. E violas eles vão se dividir ao meio. Isso significa que você pode escrever dois nós para eles. Isso não é uma parada dupla. Isso significa que metade da seção toca a nota de cima e metade dessa seção toca a nota de baixo. Você usa as letras DIV apenas para dizer a eles que se trata de um DVC. Eu só queria mais grosso, queria mais notas, então é assim que você faz. Ok, então agora vamos ver como as notas são empilhadas. Você verá que, para todos esses acordes, eles seguem um padrão muito semelhante. Eles não são todos exatamente iguais. Porque eu mudei algumas delas para dar uma boa voz, mas elas estão bem próximas. Então, no contrabaixo, temos apenas a raiz, na verdade. Nada extravagante. Grande nota baixa. Que no violoncelo temos a mesma coisa e oitava acima. Então lembre-se daquela série de overtone, certo, onde temos a nota e, em seguida, o próximo nó é uma oitava. Há uma grande lacuna aí. Então é isso que eu estou tentando segurar, isso vai fazer esse som quente realmente espesso. Em seguida, as notas começam a ficar um pouco mais próximas. Aqui você pode ver que eu tenho quartos e quintos. E minha viola, na verdade, apenas quartos e quintos durante todo o caminho , ou ambos os tons de acordes. Então aqui temos, este é um acorde em Mi menor, então vamos pensar sobre isso. Nós temos um E, nós temos um e, nós temos um B, e outro E. Assim como a série de overtone, eu tenho uma oitava e uma quinta e depois outra oitava. É assim que a série overtone funciona. Então, a partir daí, eu tenho um G e um B. Então, apenas as duas notas superiores do acorde. E aqueles aqui, eu tenho terços, terços, 66, sexto, quinto, terceiro novamente, então um pouco mais apertado com isso, com aquele terceiro e inverta o sexto, mas basicamente um terceiro. Então, à medida que aumentamos, estou deixando essas harmonias ficarem um pouco mais apertadas juntas. E você verá esse padrão por todo o caminho através de alguns deles, o padrão muda só porque eu queria que ele se arqueasse mais alto. Então aqui deixei, eu meio que inverti as duas notas para obter a nota mais alta e a mesma coisa e a viola, mas é basicamente o mesmo padrão. Ok? E tudo isso, eu não preciso desses lá. E tudo isso nos torna um som muito bom, rico e quente. Vamos ouvir mais uma vez. Faz sentido. Então, quando você está pensando em escrever acordes verticais assim. E isso é verdade se você estiver trabalhando em uma estrutura ou textura homofônica como estamos agora. Ou se você está apenas escrevendo acordes em geral, você sempre pode pensar assim. Se você quer esse tipo de som quente, é assim que você faz. 29. Redação polifônica: Ok, a seguir, vamos mergulhar na escrita polifônica de cordas. E é aqui que as coisas ficam realmente divertidas, especialmente nas cordas. Assim como muitas outras coisas que podem ser feitas e alguns dos outros instrumentos, mas as cordas são realmente construídas para isso. Você pode realmente enlouquecer com isso nas cordas e vai soar muito bem. Bem, deixe-me reformular isso. É bastante fácil fazer isso soar bem nas cordas. Em alguns dos outros instrumentos, os ventos em Nebraska, é preciso pensar muito para que realmente funcione bem. Mas na corda, esse é um ótimo momento. Então, o que é escrita polifônica? Se você, mesmo, se você fez minhas aulas de teoria, você sabe, escrita polifônica, seu contraponto basicamente. Então, vamos definir essas três palavras. Temos Homofônico, Polifônico e, eventualmente, depois disso, faremos monofônicos. Então, aqui está o que essas três palavras que queremos dizer. Homofônico significa que há uma única melodia e, em seguida, o outro material é em apoio a essa melodia. Então, há uma coisa e estamos apoiando com todo o resto. Polifônico significa que há várias coisas. Isso realmente significa que existem várias ideias melódicas. Agora um pode ser o primeiro plano, certo? E um pode ser o meio termo. E talvez sejamos o plano de fundo. Pode haver ainda mais do que isso lá. Pode haver cinco ou seis linhas diferentes se movendo por lá. Se você olhar para Bach, ele era muito conhecido por isso. Ou pode haver apenas duas linhas indo e voltando. Mas geralmente há um primeiro plano e depois um meio termo. E então eles podem fazer parte do plano de fundo. Incrível. Então isso é escrita polifônica. Então, a escrita monofônica realmente significa que há uma única linha melódica. Às vezes penso na escrita monofônica como um ritmo único. Não é exatamente verdade, mas funciona muito bem. Então isso significa que há uma melodia. E então tudo o mais que estamos fazendo está se movendo no mesmo ritmo da melodia. Podemos ter notas diferentes. 30. Greensleeves Polifônico: Ok, então o que eu fiz aqui foi adicionar acordes à próxima seção da música, o mesmo estilo dos que fizemos anteriormente para a seção homofônica, certo? Então, é observar o espaçamento dos acordes com os intervalos grandes na parte inferior e os intervalos menores no canto superior direito. Então deixe-me tocar isso para você primeiro. E então vamos começar a criar alguma polifonia aqui. Aqui está o que temos, e ainda está nesse ritmo lento, mas acho que será útil quando adicionarmos polifonia. Então aqui vamos nós. Ok, e foi por isso que eu parei. Agora que temos isso, o que vamos fazer é começar a jogar conectar os pontos. Agora, o que quero dizer com isso é que vamos encontrar lugares onde há um grande intervalo, como aqui. Este D. E nós vamos preencher algumas notas no meio, conectar os pontos. Agora, é assim que vou criar polifonia aqui. Você não poderia simplesmente escrever nos acordes, mas apenas começar a escrever polifonia e começar a ler todos os tipos de linhas extras. E talvez você acabe com algo interessante. Mas eu encorajaria você a não fazer isso. É muito mais fácil escrever em harmonia primeiro. E então comece a conectar as coisas e tentar encontrar pequenas lacunas que você possa preencher. É assim que você faz algo parecer muito bom e muito natural. String, como escrever, escreva a harmonia primeiro e depois toque conecte os pontos. Então, vamos mergulhar e brincar de conectar os pontos. 31. Como conectar os pontos: Ok, vamos começar com essas linhas de violoncelo. Nós temos um G até D. Eu poderia fazer isso com semínimas, mas eu preciso de mais semínimas e eu tenho, se eu vou subir a escala mais do que eu tenho. Então, vou usar colcheias. Eu vou ter que fazer uma pequena trapaça aqui. Opa. Comece aqui. E, novamente, a razão pela qual estou escolhendo esse intervalo ou esse ponto, porque vejo um grande intervalo que posso preencher as lacunas intermediárias. Ok, então eu tenho um G. Então eu vou subir na escala. Então agora o que eu realmente quero fazer é conectar esse G a esse D. Eu já estou no D e preciso de mais uma nota. Então eu vou trapacear e ir até este e depois voltar para o d. Há algumas maneiras diferentes de fazer isso. Eu também poderia iniciar o OneNote baixo, ou começar com a nota e, em seguida, ir para baixo e depois voltar para o alto. Mas isso vai funcionar. Agora, o que estou fazendo aqui é que estou subindo à escala e isso deve funcionar. Deve soar muito bem. Na maioria dos casos, isso soará perfeitamente bem. Basta manter a escala e criar alguns tons sem acordes. Você vai criar alguma dissonância, mas mais ou menos será bom. Agora, esse caso em particular que acabei de escrever tem um problema, que você precisa tomar cuidado com ele. Porque eu não posso simplesmente escrever na escala neste caso porque estou em um tom menor, certo? Se você está em um tom maior, você realmente não precisa se preocupar com isso, mas em um tom menor, eu tenho que me preocupar com esse tom principal, especialmente se a melodia estiver usando. E acontece que o que acabei escrever Conflitos no momento exato. Retire-o na melodia. Esse C é elevado para o Dó sustenido ali mesmo, bem no final de dois. E as notas que eu acabei de adicionar no final de dois, eu escrevi como c. Então eu preciso fazer uma de duas coisas. Ou eu preciso reescrever minha pequena linha de conexão para não acertar um C ali. Ou eu preciso fazer disso um C-Sharp. Acho que fazer disso um C sustenido vai soar bem. Acho que isso vai funcionar. Vamos experimentar. Eu vou realmente aumentar o violoncelo aqui para que ele se destaque e ouvimos isso muito bem. Então aqui vamos nós. Ok, muito bom. Vamos encontrar outro lugar. Aqui até aqui seria um bom lugar. Mas acho que será um pouco pesado demais para ter essa grande linha se movendo em oitavas. Não acho que seja isso que realmente queremos. Vamos ver se há outro óbvio. Seria um. Haverá um aqui. Não tanto porque é só um passo. Definitivamente não está aqui porque é a mesma coisa. Embora você possa subir e descer e depois acabar no mesmo lugar. Aqui. Vamos ver se podemos fazer alguma coisa na violência. Que tal vamos com esse. Então, vamos mudar isso. E vamos ver se eu posso ir F, G. Eu só estou supondo aqui porque eles estão nos mesmos dois nós, certo? Mas há movimento neles porque é uma harmonia, certo? Pode ter um indo até o outro. Eu poderia fazer com que os dois se movessem um pouco. Mas o que eu acho que quero fazer, eu não amo esse quinto, apenas me movimentando, então vou abrir esse intervalo para um sexto. Eu vou lá. Ok, então você vê que este está subindo em terços. A linha superior está subindo em terceiro lugar a linha inferior está subindo em segundos. Ok, então o que eu adicionei aqui é um D, F, a, então meio que soletrando uma tríade D menor. Mas então ele pousa, meio que sobe e desce e depois pousa neste G, que é a tônica do próximo acorde. E então nossa voz baixa subiu até a escala G a, B, e então um pequeno salto para um D. Ok, então eu acho que isso vai soar bem. Agora eu vou aumentar a Viola. Puxei nosso violoncelo um pouco. E vamos ver se conseguimos ouvir isso. É um pouco estranho. Essa nota. Eu ouço isso de novo. É um pouco diferente, mas eu gosto. Na verdade. Tudo funciona nele. É só criar movimento. É tudo o que estamos fazendo aqui. Então, quero dizer, tecnicamente estamos criando um monte de novos acordes e estes são acordes diferentes ou a harmonia mudou, mas tudo está passando. Então, pode funcionar muito bem. Tudo bem, vamos continuar e ver se podemos encontrar mais. 32. Um pouco de nozes: OK. Então eu levei para onde o que estávamos fazendo e acabei isso dois tipos de nível extremo que ficaram um pouco malucos com isso. Então eu acho que tínhamos esses dois e agora eu adicionei este e , em seguida, apenas colcheias até o final, apenas descendo, descendo e subindo e depois meio que indo a lugar nenhum e depois descendo. Algumas coisas para salientar que eu fiz aqui. Você notará que ambos quando você tem DVC, eles podem ser realmente independentes. Eles não precisam se mover juntos. Basicamente, você pode escrever duas vozes diferentes. Em todos esses casos. Eu escrevi isso como fazendo a mesma coisa ritmicamente, mas eles não precisam ser assim. Eu poderia ter tido isso em vez de tê-lo em vez de tê-lo segurando ou reanexando esta nota toda vez, eu poderia tê-lo, apenas segurar aquela nota e fazer um ritmo diferente. Isso seria bom. Mas eu meio que queria que fosse recolocado, para enfatizar um pouco a moção aqui. Uma vez que este, está indo e voltando. Esse aqui. Eu mudei muito rapidamente para oitavas aqui porque eu realmente queria enfatizar esse abandono. E então eu movi esse G para baixo uma oitava, acertei aquela nota baixa do violino. Essa é a nota mais baixa deles. Porque funcionou muito bem no final dessa linha. Então isso é um pouco espalhafatoso. É um monte de movimentos estranhos, mas, hum, eu não sei, é meio legal. Então, aqui vou fazer, vamos apenas ouvir como está. E então eu vou silenciar a melodia e podemos ouvi-la novamente. Aqui vamos nós. Agora, aqui está o que é legal sobre isso. Se eu silenciar a melodia. Nós meio que com toda essa emoção extra, todo esse movimento extra que adicionamos. Nós realmente levamos isso muito longe da melodia real de Greensleeves. Então imagine que você não sabe nada sobre aquela melodia de Greensleeves. E eu tiro essa melodia. Você vai naturalmente encontrar uma melodia. Você provavelmente ouvirá algo que soa como uma melodia para você. E imagine isso como sua trilha sonora mais recente. Aqui vamos nós. Certo? É bastante lírico, na verdade. Então essa é uma técnica que funciona. Eu já usei isso antes, onde você harmoniza e orquestra a melodia. Acho que se livrar da melodia. E o que resta é algo único. Ainda tem a essência dessa melodia, mas não é violação de direitos autorais. Você não está usando essa melodia. Então, mesmo que neste caso possamos usá-lo porque é uma melodia de domínio público. Mas você pode fazer isso com qualquer melodia, mesmo como uma música dos Beatles orquestrada. Em seguida, apague a melodia e você terá sua própria coisa. Ok, eu quero mostrar mais uma técnica para esse tipo de ideia. 33. Desfoque as linhas: Eu quero fazer mais uma coisa e isso é o que eu chamo de borrar as linhas. Se você já fez outras aulas de composição comigo antes, você já viu isso. Mas é algo que especialmente nas cordas, pode soar bonito. Então, adicionei nossos acordes nesse mesmo tipo de estilo de voz rico ao resto da melodia. Agora, vamos ouvir isso primeiro e depois terminamos. OK, então desfocar as linhas basicamente significa encontrar todos os tons comuns possíveis e deixar alguns aguentarem um pouco mais do que precisam. Então, vamos começar com tons comuns. Ok, então isso é o mesmo que isso. E esse G está bem alto porque nós o movemos. Então, vamos pegar esse G e movê-lo. E agora vamos amarrá-los juntos. Então, sempre que for possível amarrar uma nota, nós vamos fazer isso. Aqui. Não há nada que possamos amarrar. Ok, aqui podemos amarrar tudo. Porque queremos o máximo de sustentação. Aqui podemos amarrar esse nó superior, certo? Mas não o de baixo. Posso amarrar isso. Observe isso agora. OK. Agora o que eu vou fazer é ver se, bem, deixe-me terminar isso primeiro. Eu posso amarrar isso. F lá. Não há nada lá. Não há nada lá. Mas eles podem digitar isso. Não temos nada lá. Não há nada lá. Nada lá e isso, nada lá. Isso, e nada em nossa base até os dois últimos acordes. Está bem? Então agora o que eu vou fazer, especialmente nesta parte em que nada está realmente amarrando é que eu vou amarrar as coisas de qualquer maneira. Então, aqui está o que eu vou fazer. Vou mudar algumas notas por aqui como esta d, vamos deixar isso não chegar lá. Bem, isso não um bom exemplo e vou explicar o porquê em um segundo. Isso funciona melhor do que as vozes superiores. Isso estaria bem aqui. Ok, confira. Essa abelha está indo para este a, certo? Mas o que vamos fazer é deixar isso durar um pouco mais. Isso vai ser meio complicado de fazer com várias vozes, mas vamos f, a, e vamos fazer isso como meias notas. F. Ok, agora eu vou pegar esse G, ou há um, movê-lo para um B. Então, se você se lembra de um contraponto, isso é basicamente o nosso isso é uma suspensão. Suspensão. O oposto seria antecipação é quando mudamos a nota mais cedo. Mas uma suspensão dessa forma, significa essencialmente algumas coisas diferentes. Mas a suspensão dessa maneira significa que vamos suspender a nota um pouco mais e depois deixá-la cair no novo acorde. Agora, com essa outra nota, eu poderia deixá-lo pousar ali mesmo. Ou eu poderia ter aquele por perto. Acho que vou deixar aquele fazer o que está fazendo. Está bem? Então esse F vai acertar exatamente onde deveria atingir, mas depois vai resolver para fora. Vamos ver se conseguimos ouvir isso. Realmente enfatize o segundo violino. Tente ouvir essa suspensão aqui. Você sente que basta usar a inclinação para isso. OK. Então, eu vou tentar. Preencha o resto dessas cinco ou seis medidas com um monte delas. E eu já volto. 34. Suspensões: OK. Então, não encontrei muito mais pontos bons para usar uma suspensão. Na verdade, só um. As suspensões funcionam muito bem quando você tem movimento por um passo inteiro, esse é o meu momento favorito para usá-las. Meio passo também pode funcionar, mas um intervalo maior não funciona tão bem. Esse som de suspensão que tanto gostamos realmente é o resultado de uma dissonância de meio passo ou de um passo inteiro. Esse é o dinheiro, é a coisa perfeita a se fazer. Então eu achei um bem aqui que era bom . Então temos esse F. Estamos resolvendo para um E, F sustenido que estamos resolvendo para um E. Então esse foi um bom ponto. Eu também poderia fazer isso aqui, voltando, mas fazer isso para e para trás não funciona tão bem. Esses outros, não tão bons. Como se eu fizesse isso aqui, eu tenho um e e depois um b. Então, se eu apenas segurar esse E por muito tempo, E vai parecer mais um tom de acorde para o próximo acorde, então vai parecer como uma suspensão. É meio estranho nesse sentido. Então, vamos ouvir essa e ver se podemos chamar nossa atenção para ela. Vou aumentar um pouco a viola para que possamos realmente ouvir isso. Ok, aqui vamos nós. Então, sim, é um bom som. Todas essas pequenas coisas sutis, no entanto, você pode desfocar as linhas. Portanto, não é apenas acorde, acorde, acorde, mas você tem notas mudando em momentos diferentes. É assim que você realmente consegue esse som polifônico. Ok? Está adicionando tons sem acordes. Está criando essas suspensões. Vamos ouvir toda essa última parte. Com essas duas suspensões. Vamos ouvir isso por último silenciando a melodia. Vamos tentar a mesma coisa que tentamos da última vez. Isso poderia funcionar como algo próprio? Vamos descobrir. Sim, eu realmente acho que poderia se você está procurando uma cama de cordas, isso soa bem. 35. O Monty completo: Uma última coisa que vale a pena destacar é que nós, durante toda a duração desta pequena melodia. Nós o orquestramos agora, de três maneiras diferentes. Temos o jeito simples das tríades. Nós temos o mais cheio. Experimente, ganhe mais acompanhamento de acordes completo. Aqui. Temos movimento polifônico aqui, e temos suspensões aqui. Então, quatro maneiras diferentes. O que isso realmente faz é nos mostrar um desenvolvimento dessa melodia que é muito bom. Sempre que você tem uma melodia, você não precisa orquestrá-la da mesma forma. Às vezes, desenvolver as vozes à medida que elas carregam a melodia pode dar a ela um belo arco, certo? Um bom senso de construção. Então, eu quero ouvir essa formalidade como uma peça. Eu não pretendia que isso fosse uma melodia totalmente orquestrada. Eu estava olhando para ele em pedaços, mas eu estava apenas olhando para ele e pensando, Ei, nós realmente fizemos isso de uma maneira que funciona muito bem. Começa muito fino. Fica muito grosso. É um belo arco para toda a melodia. Então, vamos nos levar a isso. Tendo em mente que há uma mudança de ritmo monstruosa bem aqui. Devemos nos livrar disso, ou devemos, que tal isso? Eu vou me livrar dessa mudança de temperatura. Vou colocar uma mudança de ritmo menos dramática no começo. Então vamos lá, isso foi 50 alguma coisa? Vamos tipo 8584. Ok, então agora a coisa toda será o mesmo tempo se obedecer às minhas marcações de tempo, o que nem sempre funciona. Mas será um pouco mais lento no começo, um pouco mais rápido para o resto. Aqui vamos nós. Grupos e eu ainda temos a melodia silenciada. Ok, aqui estamos nós para o bem real. Eu esqueci desses dois, esses poucos bares. Ben. 36. Redação monofônica: Ok, vamos falar a seguir sobre escrita monofônica. E não há permissão para falar aqui, mas no interesse de ser uma conclusão, como deveríamos falar sobre escrita monofônica. Certamente podemos fazer isso em nossa orquestração e as cordas são tão boas quanto qualquer outra coisa. Monofônico aqui significa uma coisa. Uma música, literalmente mono, uma música fônica, ou som, um som. Então, uma maneira de usar uma textura que é monofônica seria ter a melodia tão baixa por si só. Então eu adicionei a melodia aqui novamente no final do arranjo de onde paramos. Então, está apenas começando de novo aqui. Então, isso por si só, claro, é monofônico. E parece bobagem apontar isso, mas vale a pena pensar. Se você está trabalhando em algo e está tentando construir uma arca com ele, como falamos há apenas um segundo. Considere reduzi-lo apenas à melodia. É uma coisa muito poderosa que você pode fazer. Há um pouco mais que podemos fazer com o monofônico. Poderíamos adicionar oitavas. Então, vamos ver. Vamos acrescentar, não posso descer uma oitava aqui. Então vamos deixar isso aí e depois pegar nossos primeiros violinos e subir uma oitava. Então, agora ainda somos monofônicos. Temos dois instrumentos, mas eles estão tocando a mesma música, um som, certo? Para que pudéssemos fazer isso até o fim. Poderíamos ter oitavas espalhadas por todo o lado. Vamos lá. Há uma oitava. Há uma oitava e um octeto. Lembre-se de que este já está uma oitava abaixo. Então agora temos cinco oitavas da melodia. Isso pode ser legal, vamos ouvir. Então, neste caso, estamos todos em primeiro plano, realmente não há meio termo ou plano de fundo porque temos apenas uma coisa acontecendo. Mas dobrando dessa forma, assim como já falamos sobre isso antes. Como no início desta série de aulas de orquestração, falamos sobre dobrar oitavas. E há uma boa razão para fazer isso, certo? Pode, esta é uma maneira realmente poderosa de realmente divulgar a declaração dessa melodia. Se você quiser dizer, eu quero que você ouça essa melodia a todo custo, então essa é uma boa maneira de fazer isso. Certifique-se de realmente passar por isso. Então, escrever monofônico é legal. Não se esqueça disso. Na verdade apenas focar em uma única linha. Se adicionarmos uma harmonia, se pegarmos uma dessas e as mudarmos para uma harmonia, não estamos mais escrevendo música homofônica tecnicamente. Mas estamos escrevendo o que eu quero falar a seguir. Então, digamos que eu acabei de me mudar. Pego meus segundos violinos e os levo um terço para cima. Ok, então agora os segundos violinos estão se movendo, são uma harmonia. Vamos apenas ouvir isso. Ok, eu vejo que é sutil porque você está aqui para famílias de instrumentos fazendo a mesma coisa. Uma pequena segunda família de violinos, chiando fora de harmonia, mas isso é diferente. Isso não é monofônico. Isso podemos chamar de mono rítmico. E se você se lembra, se você fez minhas aulas de pontuação de filmes aqui, você deve se lembrar de falar sobre essa ideia rítmica mono, mas pode ser uma textura muito legal de se fazer. Funciona muito bem nas cordas, funciona muito bem e tudo mais. Mas eu gosto de fazer isso nas cordas. Pode ser um som agradável. Então, vamos a um novo vídeo e falar sobre isso especificamente. 37. Escrever "Monorhythmic": Ok, mono rítmica. A ideia aqui é que temos um ritmo. Podemos ter vários nós diferentes, mas apenas um ritmo. Esta é essencialmente uma maneira elegante de dizer, vou pegar essa melodia e harmonizar cada nota, mas vou mantê-la se movendo no mesmo ritmo exato. Então, você terá basicamente acordes de bloco para cada nota. Então, vai ser denso e você precisará fazer algo para ajudar a melodia principal a aparecer. Mas pode ser uma textura legal. Então, a maneira como eu faria isso aqui é que pode ser bastante entediante, porque temos que pensar em muitas harmonias. Então eu vou pular aqui e fazer isso. Vamos adicionar uma linha de barra dupla para separar o que estamos fazendo. E nós vamos para este G. Então, normalmente nosso acorde aqui é, ver onde estamos nessa coisa? Isso fará mais sentido. Lá vamos nós. Ok, então nós estamos, ok, então normalmente nós queremos um acorde Mi menor aqui. É assim que estamos harmonizando isso. Quando chegarmos a esse ponto, você pode querer algo diferente. Então, vamos fazer isso bem rápido. A maneira mais rápida de fazer isso. Na verdade. Nós pegamos isso. Então, vou usar a mesma voz porque sabemos que gostamos disso. Ok, então agora aqui está o nosso acorde em Mi menor. Mas agora eu tenho que pensar, o que eu vou fazer com isso? A, a não está no acorde Mi menor. E eu preciso mudar esse ritmo. Se eu realmente quero que isso seja mano rítmico, preciso adicionar semínima. Aqui vamos nós. Ok, então eu vou tirar aquela gravata que queria que ela fizesse. Oh, eu vejo o que está fazendo. Lá vamos nós. Ok, agora, vamos pensar que acorde poderia ir lá? Eu poderia fazer um acorde em Mi menor novamente, basta recolocar o mesmo acorde em Mi menor, mas é, ele terá um a na parte superior como um tom sem acorde. Isso pode funcionar. Mas a maneira como eu realmente gosto de fazer isso é, na verdade, tudo totalmente harmonizado. Então, minhas opções aqui na chave de Mi menor. Eu poderia fazer um menor, poderia fazer Fá sustenido diminuído, que realmente só vai funcionar se eu for para um acorde G em seguida, que eu realmente vou fazer, nós estamos harmonizando este compasso com um G. Vamos fazer isso . Isso vai soar meio Arad. Ok, então vamos para Fá sustenido. A, C é o que eu preciso. Então vamos pegar esses dois, dois A e C. E então vamos descer até o fundo. Um pouco mais fácil de soletrar isso de baixo para cima para mim. Aqui vamos para Fá sustenido, Fá sustenido, e depois seguiremos esse padrão. Faremos outro Fá sustenido aqui. Fá afiado. E então temos um ANC lá em cima. Portanto, temos todas as nossas notas cobertas. Vamos ver o que será mais fácil aqui. Temos A, B e E. Vamos pegar isso. Eu preciso de outro Fá sustenido. Nós poderíamos fazer isso. Vamos pegar, sim, vamos fazer isso. Vamos pegar esse e. Experimente isso. OK. Agora vamos ao nosso acorde G. Então eu vou voltar e roubá-lo daqui. Aqui está o nosso acorde G. Bom som de acorde G. Ok, agora eu preciso mudar o ritmo disso e harmonizar esses dois nós. Mas antes de fazermos isso, vamos ouvir o que temos. E vamos ter certeza de que essa linha é alfa k. Então esse fá sustenido, lembre-se, esse é o nosso tom principal. Ele realmente precisa empurrar para G, então isso vai para G e isso funciona. Ok, temos um grande salto aqui. é fácil consertar. Vamos levar isso lá em cima. E esses funcionam muito bem. OK. Então, olhe para aquela voz. Na verdade, isso é muito bom. Vamos ouvir isso. Deixe-me dar um pouco e vamos voltar um pouco. E então , certo, você pode ouvir. Deixe-me fazer um pouco mais para que possamos ter uma melhor noção disso. Eu farei os próximos dois ou três compassos. Então eu voltarei e ouviremos uma parte maior disso. Então, no próximo vídeo, vamos ouvir um pouco mais. 38. Exemplo de escrita Monorhythmic: Ok, então eu adicionei um pouco mais aqui. Vamos ver o que eu fiz aqui. Amplie um pouco aqui. Ok? Então nós vimos isso, então temos dois G aqui. A melodia subiu. Então eu adicionei um acorde C e depois de volta a um G. Então, realmente tratando isso como um tom de passagem GCG aqui em baixo. Ah, e eu rotulei meus acordes para, este foi um interessante. Então vai, a melodia fica em Fá sustenido. Estamos harmonizando toda essa medida como um d. E posso continuar fazendo isso aqui. Então eu coloquei um D nisso, na batida, mas depois na batida três, eu apenas reafirmei o D porque D está em ambos os acordes, então ele ainda se encaixa com a textura. Para fazer dessa forma. Você meio que reafirma e toca de novo. Tudo bem. Eu poderia ter feito isso pela terceira vez aqui porque isso está no núcleo dois. Mas eu não fiz, porque até agora temos harmonizado essa barra como Si menor. Então você não vai ser, desculpe, d, e, f. Então eu decidi usar B menor no downbeat, Mi menor aqui, e então Fá sustenido aqui, eu volto para o B menor neste Fá sustenido, já que está no b acorde menor também. Tudo isso eu poderia ter harmonizado de várias maneiras diferentes. Este Fá sustenido, eu poderia ter harmonizado como um Fá sustenido diminuído novamente, embora isso fosse complicado porque eu realmente quero, se você vai usar um acorde diminuído, você realmente quer que isso seja uma liderança acorde de tom. Então eu teria que harmonizar isso como um acorde G, o que eu poderia ter feito porque esse d está em um acorde G, teria funcionado. No entanto, seria um pouco chocante porque até agora harmonizamos isso como um Si menor. E isso mudaria um pouco, mas pode parecer legal. Então harmonize as coisas como quiser. Esse não é o ponto aqui. O ponto aqui é essa coisa mono-rítmica. Ok, vamos dar uma olhada no que temos aqui. Certo? Então é, é grande, é um som grande, quase volumoso, quase tipo de Game of Thrones. Não sei por que estou pensando em Game of Thrones por algum motivo. Mas é um som grande e volumoso. Mas pode ser ótimo no contexto certo. 39. Strings são Versáteis: Estamos prestes a terminar. Esta unidade é uma seção da classe grande, essa pequena classe dentro da grande ilustração. Mas há algumas grandes ideias com as quais eu quero liderar. Coisas com as quais você pode lidar enquanto escreve para as cordas. A primeira é ter em mente que a seção de cordas é extremamente versátil. Eu sei que se você é novo na orquestração, você pode pensar, ok, eu vou dar uma melodia para as cordas quando eu quiser que seja exuberante e romântico. Mas você pode fazer muito com as cordas. Eles podem fazer coisas sombrias e assustadoras, exuberantes e românticas, e tudo mais. Portanto, lembre-se de que as cordas são simplesmente versáteis. Não quero dizer o mais versátil de todos os instrumentos. Porque enquanto eu acredito que isso é verdade, eu vou ser gritado por alguém que está assistindo isso e diz: “Bem, eu toco trombone e drumlins, o mais instrumento, o instrumento é o mais incrível. Mas eu acho que como uma seção, eu acho que a corda ou a mais versátil. Então pense no que eles podem fazer com o Dynamics. Eles podem fazer de tudo, desde um silêncio extremamente rápido até muito alto. Se você tem todo mundo buzinando o máximo que puder. Forte duplo, forte triplo. Eles podem ser uma força real. Diverso em termos de estilo. Você pode ter as cordas, basta uma melodia simples até ver um som mais inspirado no jazz. Você pode encontrar cordas na música clássica, música pop, hip hop, jazz, bebop. Tudo tem um conjunto de cordas, pode ter um segundo de corda nele. Pense na versatilidade em termos de textura, o que eles podem fazer com textura. Você pode ter um som muito fino, som muito grosso e tudo mais. Eles podem ser densos. Eles podem ser gentis. Eles podem ser esse tipo de cama textural. A cama, porque R é uma ideia interessante. Isso é algo que veremos um pouco mais na próxima aula da série. Mas o que quero dizer com a cama é que muitas vezes quando as pessoas escrevem para orquestra, o que elas pensam é em escrever cordas principalmente e depois usar todos os outros instrumentos para complementar o que as cordas estão fazendo. Essa não é uma técnica horrível. Você está perdendo muitas coisas que os outros instrumentos podem fazer, mas pode ser um bom lugar para começar, eu suponho. Mas pensamos nas cordas como sendo o tipo de coisa que mantém tudo unido. A coisa mais importante na orquestra. Eu não iria tão longe a ponto de dizer que isso é preciso, mas certamente parece assim a maior parte do tempo. É por isso que escrever para um conjunto, como um conjunto de sopros. Tão difícil, pelo menos para pessoas como eu. É tão difícil porque eu não tenho cordas e é isso que eu confio. Eu preciso que as bebidas sejam a cola. Então, quando eu tenho que escrever para uma banda de concerto ou um conjunto de sopros, é aterrorizante. Portanto, não houve oscilações. Cordas. Eu tenho saxofones, o que ajuda, e eu sou cordas. Então pense apenas na extrema versatilidade da sua seção de cordas. Eles podem fazer qualquer coisa. As cordas são realmente fantásticas. É por isso que temos tantos deles na orquestra. A orquestra evoluiu por séculos para ser um conjunto realmente perfeito. E a razão pela qual a força disso é porque as cordas são tão boas em fazer o que fazem. Ok? Eu fui a outro tipo de grande argumento que eu quero fazer. 40. Você não precisa usar todas as cordas o tempo todo: Uma dica sobre as cordas a ter em mente. Nós meio que conversamos sobre isso durante toda a aula, mas eu quero deixar isso bem explícito. Você não precisa usar todas as cordas o tempo todo. Ok? Anote isso em algum lugar e guarde-o como algo em que você está sempre pensando enquanto usa. Então, aqui está o que eu quero dizer com isso. Primeiro, você não precisa usar nenhuma corda. Você pode ter uma seção de sua peça na qual as cordas estão descansando. Tudo bem. Mesmo que eu tenha dito que fazer isso, não ter amarras pode ser meio assustador e pode, mas aterrorizante pode ser bom. Então, se você tem uma seção em que, tipo, eu não sei o que fazer com cordas aqui. Não tenha medo de deixar as cordas descansarem. Tudo bem. Pode ser muito bem-vindo texturalmente. Você também pode dividir as cordas, como vimos em alguns projetos diferentes aqui. Porque aqui, você pode pegar seu primeiro violino e dividi-lo em duas partes. Então você tem seu primeiro violino agora dividido, o que significa que eles podem tocar duas notas, mas você tem metade das forças em cada nota, certo? Só vai ser um pouco mais silencioso. Provavelmente. Eu posso fazer isso com todas as seções. Não costumamos dividir os contrabaixos, mas você pode, se quiser. Isso os divide em dois. Você pode dividi-los em três não é, não é recomendado como falamos na aula, mas você pode dividi-los em quatro. Eu não faria isso mais do que isso, mas isso pode diminuir a seção. Se você quer um som mais baixo e mais fino, então divida sua seção em dois e meio, metade das seções de latão, certo? Isso vai afinar suas cordas pela metade. Pode ser uma boa textura. Você também pode ter um solista aparecendo a qualquer momento nas cordas. Pode ser uma coisa bonita. Você pode ter uma melodia surgindo na peça em que você não quer que sejam cordas tão grossas e você quer que seja apenas essa linda coisinha voadora que sai. Dê isso a um plano de estudos, basta escrever sozinho sobre ele, e então todos os outros descansarão. E apenas o primeiro jogador jogará. Essa linha. Pode ser uma coisa linda agora que está ficando um pouco mais silencioso. Então você tem que orquestrar em torno disso. Você tem que abrir espaço para isso. Mas ter um solo saindo pode ser lindo. Nessa mesma nota, você pode lançar um quarteto solo. Você pode ter uma seção onde apenas o, você vai até um único violino, um único segundo mielina, uma única viola e um único violoncelo. Então, basicamente, um quarteto de cordas sai como quatro solistas. Isso é bastante comum. Vemos isso muito quando um quarteto de cordas aparece como um córtex solo. Você pode fazer qualquer outra variação que você possa imaginar, certo? Assim, você pode dividir, fatiar e cortar as cordas como quiser. Você não precisa usar todos eles o tempo todo. 41. As cordas podem Groove: A terceira e última peça de um grande conselho. Eu não sei, coisas gerais para pensar sobre o que as cordas, algo sobre o qual você nunca ouvirá ninguém falar. Essa é a minha coisa que eu adoro em trabalhar com cordas. O que eu encontrei com eles que eu faço e tudo o que escrevo. E evitei realmente falar sobre qualquer música minha nesta aula até agora , exceto talvez eu tenha feito logo no início, mas eu quero tocar você. Algumas das minhas músicas têm exemplos dessa próxima coisa, mas aqui está o conselho. Não esqueça que as cordas podem se encaixar. Ok? As cordas podem se encaixar. Você não pensa nisso. Você acha que há umas 50 pessoas? Há umas 50 pessoas na seção de cordas. Como eles poderiam ter feito um ritmo? Eles podem. É mais fácil ao redimensionar de volta para esse tipo de quarteto ou uma textura mais fina. Mas todo o quarteto de cordas ou uma seção de cordas pode fazer isso. Então, o que quero dizer com groove é que você pode escrever bastante complexo com uma seção de string. Esses jogadores são muito bons. Então, se você escreve como ritmos interligados, ritmos em que as coisas têm que se encaixar muito bem. E para tornar esse padrão quase como um padrão de bateria, onde você tem os primeiros violinos fazendo isso, a caixa e os heteroátomos e a outra violência fazendo esses símbolos semelhantes e metade das vezes. E esse é o groove de percussão, certo? Apenas como exemplo, isso é meio que, uh, antes de você poder escrever isso. E com um pouco, com um bom condutor, vai travar junto, certo? Como esses jogadores são realmente bons, eles vão descobrir. Então eu quero mostrar a vocês alguns exemplos de onde eu fiz isso, onde eu realmente confiei nas cordas para fazer groove, para me unir e fazer um groove. Adoro fazer isso com as cordas. Toda vez que estou sentado para escrever para cordas, eu fico tipo, Como posso fazê-las dançar? Porque é um som tão legal e eles são bons nisso e as pessoas não pensam nisso. As pessoas não pensam em cordas, como ranhurar. Então, deixe-me mostrar a vocês que dois projetos são meus e onde eu fiz isso. Vamos lá. 42. Exemplos de String Groove: Ok, este é um pedaço antigo meu, meu terceiro quarteto de cordas. E eu quero especificamente olhar para o segundo movimento, que está aqui. Ok? Então esse movimento começa com essa coisa realmente escura e escura. Então isso é apenas um quarteto de cordas, ok, Então isso funcionaria, essa coisa que estou prestes a mostrar a vocês em particular funcionaria em uma orquestra completa. Mas esse é um intervalo para o tipo Justice Rehnquist. Então nós temos isso, isso é um jogador solo fazendo, fazendo esse riff. Então não é DVC nem nada. Mas meio que começa no escuro e obscuro. E então esse pequeno solo de viola, simplesmente legal. E então aqui começamos a entender esses, esses ritmos são ritmos de tipo. E começa a se formar em um sulco por aqui. E então ele meio estabelece seu sulco nesta seção de m para o é onde ele está realmente entrando no ritmo. Então eu acho que o que eu vou fazer é ir para um novo vídeo. Vou tocar a coisa toda, mas preste atenção especial a esse material de groove que estabelece marcações em torno das letras. Tudo bem, aqui vamos nós. 43. Exemplo: Eu: Quarteto de Strings No.3: OK. Ok, aqui vamos nós. 44. Exemplo: Eu: História do gelo: Sim, então esse foi o Quarteto de Cordas Número três. Eu recebo mais um exemplo disso, meu muito mais recente. Este é outro quarteto de cordas chamado The History of ice. E o primeiro movimento, há muito disso, há muitos tipos diferentes de grupos de ida e volta. Na verdade, pareceu bastante, alguns momentos para pensar sobre isso. Mas deixe-me jogar para você o primeiro movimento e você verá o que pensa. 45. O que vem em seguida?: Tudo bem, isso nos leva ao final da Parte quatro. Chegando a seguir. Em parte. Vamos fazer um pouco mais em conjuntos. Vamos falar sobre os conjuntos que não são da orquestra, como bandas, a banda de concerto, jazz, conjuntos de jazz, possivelmente conjuntos de metais. Quando bandas. A orquestra de cordas, que é um pouco diferente. Então, uma orquestra que é só cordas, sem coisas extras. Vamos dar uma olhada em alguns desses grandes conjuntos e como abordamos escrever para eles ou organizar ou orquestrar para eles. Depois disso, vamos mergulhar totalmente na duração da sintase. Eu sei que o que vocês estavam esperando para lembrá-los é o material mais técnico de como fazer com que amostras de orquestra, ventos e metais soem realistas. Então, vamos mergulhar nisso quando chegarmos lá. Enquanto isso, fique por aqui mais algumas coisas.