Lumetri para o Premiere Pro: correção de cores como um profissional | Jordy Vandeput | Skillshare

Velocidade de reprodução


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Lumetri para o Premiere Pro: correção de cores como um profissional

teacher avatar Jordy Vandeput, Filmmaker and Youtuber

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Aulas neste curso

23 aulas (2 h 9 min)
    • 1. Vídeo promocional

      1:33
    • 2. Introdução

      2:59
    • 3. O mecanismo Lumetri

      1:36
    • 4. Correção vs. gradação de cores

      2:54
    • 5. O que é cor?

      3:03
    • 6. Psicologia de cores

      3:52
    • 7. As ferramentas básicas

      5:46
    • 8. O equilíbrio de brancos (extra)

      2:21
    • 9. A forma de onda

      8:57
    • 10. O vetorscópio

      5:52
    • 11. Uma correção básica de cores

      6:21
    • 12. Como trabalhar com LUTs

      6:40
    • 13. Visuais criativos

      3:50
    • 14. Ajustes criativos

      7:37
    • 15. Curva RGB

      9:48
    • 16. Curva de saturação

      3:44
    • 17. Rodas de cores

      5:18
    • 18. Correção de cores secundária (extra)

      7:08
    • 19. Mascarar e rastrear

      6:23
    • 20. Trabalhando com vinheta

      3:53
    • 21. Transições de cores

      7:15
    • 22. Combinando clipes

      12:49
    • 23. Gradação de cores com base no verde

      9:07
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

14.832

Estudantes

3

Projetos

Sobre este curso

NOTa: de que esteja usando uma versão mais recente do Adobe Premiere Pro, por favor participe do nosso curso atualizado: o a a o a o Dreambook Pro Lumetri 2020: Coro de cores e cores de cores como um o Pro.

Este curso completo levará a os fundamentos da correção de cores com as ferramentas de cores de o Lumetri dentro do seu início de Pro. Você aprenderá técnicas diferentes e entender como a filosofia de cores funciona.

Vamos voar com este mundo de cores. E, no final você será capaz de corrigir as questões de cores e fazer suas fotos para um nível profissional mais superior.

O que eu tenho de começar?

  • Cinco aulas de introdução para cores digitais (vídeo em HD)
  • 15 aulas técnicas de tela de tela (vídeo em HD)
  • Um instrutor que responde a sua pergunta em 24h
  • Todos os arquivos de projeto e clipes de vídeo usados neste curso

 

O que vou aprender?

Você aprenderá um treinamento essencial de correção de cores e gradação no Premiere Pro.

  • A filosofia da cores digitais
  • A funcionalidade de cada ferramenta de Lumetri
  • Leia e use as ferramentas de medição como a forma de onda e o espaço vetorial
  • Faça uma correção de cores em uma foto ruim
  • Criar máscaras para corrigir uma área específica
  • Corre as cores de diferentes fotos

 

Para quem é este curso?

Este curso é para iniciantes na correção de cores. Você não é necessário ter nenhum conhecimento, no entanto alguma experiência básica com o o Premiere Pro vai ajudar muito a ajuda.

Este curso não é para o colorir de experientes

Requisitos

  • Uma instalação do Adobe Premiere Pro CC 2015 ou posterior
  • Mac ou PC que possa processar clipes de vídeo completo para trabalhar com os materiais de ligação

 

O que é o Lumetri?

Desde o início do Adobe Premiere Pro CC 2015 que agora podemos encontrar o mecanismo de Lumetri dentro do a a a Premiere. Antes de que apenas o programa de correção de cores “Adobe Speedgrade”. Essas ferramentas de de a a de as de de uma a varo e a gradação que não precisamos de um programa dedicado para isso.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Jordy Vandeput

Filmmaker and Youtuber

Top Teacher

Hi, I'm Jordy and I hosts one of the biggest YouTube channels about filmmaking & video editing; Cinecom.

With more than 2 million subscribers, we publish weekly tutorial videos. After graduating from film school in 2012, I immediately began teaching online where my real passion lays.

I've never liked the way education works. So I wanted to do something about it. With the classes I produce, I try to separate myself from the general crowd and deliver a class experience rather than some information thrown at a student.

Take a look at my unique classes, I'm sure you'll enjoy :-)

Visualizar o perfil completo

Nota do curso

As expectativas foram atingidas?
    Superou!
  • 0%
  • Sim
  • 0%
  • Um pouco
  • 0%
  • Não
  • 0%
Arquivo de avaliações

Em outubro de 2018, atualizamos nosso sistema de avaliações para melhorar a forma como coletamos feedback. Abaixo estão as avaliações escritas antes dessa atualização.

Por que fazer parte da Skillshare?

Faça cursos premiados Skillshare Original

Cada curso possui cursos curtas e projetos práticos

Sua assinatura apoia os professores da Skillshare

Aprenda em qualquer lugar

Faça cursos em qualquer lugar com o aplicativo da Skillshare. Assista no avião, no metrô ou em qualquer lugar que funcione melhor para você, por streaming ou download.

Transcrições

1. Vídeo promocional: Classificação de cores ou correção de cores. É o que eu acredito que as partes mais difíceis de fazer um bom vídeo. Como podemos consertar esse tiro superexposto? O que são Lutz, e como os usamos? Tenho duas fotos de câmeras diferentes, mas não consigo fazê-las coincidirem. Não consigo fazer meus vídeos parecerem épicos. Essas são frustrações ou você deseja seguir-me neste curso e torná-los desafios? Olá, meu nome é Joldi, sou cineasta da Bélgica. Neste curso, quero ensinar a você como começar com a correção de cores profissional nos conjuntos de ferramentas elementares do Premiere Pro. Este vai ser um curso de introdução profissional. Isso significa que vamos começar do básico. Vou te ensinar o que é uma cor digital e como podemos manipular isso. Em seguida, vamos analisar todos os recursos de ferramentas de cores geométricas, e também como alcançar as ferramentas de medição como para adicionar forma de onda no escopo vetorial. Finalmente, vamos levar essas ferramentas em ação onde criamos máscaras e até mesmo qualquer método as cores. Enquanto eu lhe ensino essa informação técnica, eu sempre refletirei através da filosofia das cores. Quero que entenda a cor para que saiba o que está fazendo. Se você está curioso para mais, então aperte esse botão para fazer este curso e começa a corrigir cores como um profissional hoje. Obrigado por assistir. 2. Introdução: As cores, as coisas que tornam este mundo tão incrível. Como editores de cinema ou coloristas, podemos jogar com essa coisa incrível. Podemos manipular os contrastes, o olhar e a sensação de um filme. Bem-vindo ao maravilhoso mundo de gradação de cores e conjuntos de ferramentas elementares do Adobe Premier Pro CC 2015 e além. Em primeiro lugar, muito obrigado por comprar este curso. Meu nome é Jordy, o autor e produtor deste curso. A Cinecom é a minha produtora localizada na Bélgica. Nós nos concentramos em comerciais e vídeos promocionais. A classificação de cores é uma parte muito importante da pós-produção. Este é um processo que irá diferenciar o seu filme de um projeto amador ou profissional. Isso também é o que dizemos aos nossos clientes. Se eles estão empatados nos orçamentos, aconselhamos que deixem de fora o guindaste ou os tiros do drone, mas a classificação de cores é algo muito importante para deixar de fora. Você veio aqui para aprender os conceitos básicos de manipulação de cores no Premier Pro, classificação de cores, correção de cores, qualquer nome que você gosta de nomear. Por um lado, temos o aspecto técnico. Isto é muito fácil de aprender. Posso mostrar como adicionar um pouco mais de contraste a um vídeo, mas isso ainda deixa você com a pergunta: quanto contraste devo adicionar ao meu vídeo? Infelizmente, não posso te dar a resposta a essa pergunta porque é uma escolha pessoal, como se eu não pudesse te ensinar qual história você deveria contar, porque se eu fizer isso, então seria minha história e não sua. Mas o que posso te ensinar são técnicas, emoções que combinam com uma certa cor para que você possa usar essas técnicas para contar sua história. Durante este curso, vou ensinar-lhe a filosofia da cor enquanto explico as partes técnicas que são necessárias para alcançar o resultado desejado. Agora, Kim vai ser a adorável atriz para todas as filmagens de exemplo, e você pode baixá-la também para praticar nos mesmos clipes usados neste curso. Você verá que há vários capítulos neste curso. É muito importante que você entenda tudo de um capítulo depois de passar para o próximo. No final de cada capítulo, há um pequeno teste. É completamente normal e não é um problema se a sua pontuação não é tão boa. Vocês são alunos passando por um processo de aprendizagem, o que significa que às vezes você tem que assistir novamente certas lições para entender completamente a informação. Você tem que me prometer uma coisa, não desista. Se estiver preso ou precisar de ajuda , me avise na discussão. Novamente, eu não sou apenas um cara em um vídeo, eu sou seu professor, e eu vou te ajudar a fazer notas de cores incríveis em seus vídeos. Estou pronto e acho que você também, então vamos mergulhar juntos no maravilhoso mundo das cores. 3. O mecanismo Lumetri: O mecanismo Lumetri foi introduzido pela primeira vez no Adobe SpeedGrade, e mais tarde foi trazido para o Premier Pro. Fomos capazes de fazer looks e velocidade excelentes e usá-los dentro do Premiere. Mas desde o lançamento do CC 2015, também temos os controles Lumetri dentro do Premiere. Isso significa que podemos executar nossas correções de cores dentro de nosso espaço de trabalho de edição familiar. Agora vamos dar uma olhada onde podemos localizar esses controles Lumetri. Desde a versão 2015, podemos ver um painel do espaço de trabalho no topo.Clique em “Cor” para alterar seu espaço de trabalho. Isso traz todas as ferramentas de classificação de cores, como todas as opções de ajuste à direita, mas também uma ferramenta de medição aqui à esquerda. Ambos vêm do seu motor Lumetri. Agora, se você não conseguir ver este painel do espaço de trabalho na parte superior, você também pode navegar até o “Menu”, selecionar “Windows” “Espaços de trabalho” e, a partir daqui, clicar em “Cor”. Ou você também pode habilitar esse painel de espaço de trabalho na parte superior do menu do Windows novamente, e todo o caminho para baixo você verá Espaços de trabalho. Agora, digamos que você gosta de permanecer em sua área de trabalho de edição e deseja que suas opções de cores Lumetri sejam visíveis lá. Em seguida, você pode fazer isso novamente no menu Janela e procurar a Cor Lumetri. Isso abrirá o painel para você. Então, essas são as duas coisas novas, as opções de cor Lumetri e os escopos Lumetri, que são as coisas com as quais vamos trabalhar neste curso. Obrigado por assistir. 4. Correção vs. gradação de cores: Correção de cores ou classificação de cores. Qual é o problema com esses dois termos? Eles significam o mesmo ou é algo diferente? Bem, é algo diferente. Vamos começar com a correção de cores. Como o nome diz, vamos corrigir as cores. Vamos dar uma olhada neste clipe. Podemos dizer que algumas coisas não estão certas. O ambiente parece muito amarelo e pouco exposto. Então vamos consertar isso para fazer o clipe parecer normal. Primeiro, consertamos as cores para que a cena não pareça mais amarela. Em seguida, aumentamos o brilho, comparando o antes e depois, podemos dizer que corrigimos os problemas ou, em outras palavras, fizemos uma correção de cor. A correção de cores é uma coisa bastante fácil de aprender como tudo técnico. Mas há a classificação de cores, que é um processo criativo. Em teoria, nada é certo ou errado na classificação de cores. Durante este processo, você vai adicionar uma emoção ao seu tiro adicionando cores e efeitos não naturais. Vamos dar uma olhada neste clipe. As cores e a exposição são naturais. Mas quando mudo as cores para algo assim, percebemos uma emoção diferente que são grandes contrastes e há uma sombra de cor verde no vídeo. Isso não parece mais natural. Então falamos sobre gradação de cores. Estamos manipulando as cores de uma forma não natural para criar uma certa aparência e sensação. Neste exemplo, todos nós podemos concordar que ele tem algo assustador nele, como um filme alienígena ou algo assim. Agora, correção de cores e classificação de cores não são duas coisas que você deve escolher. Um resultado é geralmente uma combinação de ambos. Ao aplicar uma determinada nota ou olhar para um vídeo, muitas vezes precisamos corrigir nosso comportamento extremo. Por exemplo, você quer que essa foto aqui pareça muito fria, então adicionamos esse visual azul a ela. Mas esse olhar nos dá alguns problemas. O tom de pele começa a parecer muito antinatural. Parece que Kim está um pouco doente agora ou está quase morta. Então temos que corrigir esse problema. Selecionamos a pele e adicionamos um pouco de calor na cor. Agora sua pele parece melhor, mas ainda permanecemos que é olhar frio. Assim, a correção de cores resolve problemas em nossos vídeos. Às vezes, apenas realizamos uma correção de cor. Mas quando o editor ou um colorista quer adicionar uma certa emoção, ele ou ela deve mudar as cores de uma forma não natural, e esse processo chamamos de classificação de cores. Obrigado novamente por assistir. 5. O que é cor?: Antes de começarmos a brincar com os controles Lumetri Color, primeiro temos que saber o que estamos fazendo. Então vamos dar uma olhada nas cores e de onde elas vêm. Aqui está uma roda de cores. Vamos ver isso com mais frequência ao longo deste curso. Se começarmos no topo, vemos a cor amarela. Ao redor da direita, veremos vermelho, magenta, azul, ciano, verde e, novamente, amarelo. Podemos usar esta roda para misturar uma cor selecionada com o nosso clipe de vídeo ou uma cor existente. Ao misturar cores em vídeo, falamos sobre mistura aditiva. Outra maneira de misturar cores é com tinta, aqui falamos sobre mistura subtrativa. Isso geralmente nos deixa confusos. Se você perguntar a alguém como fazer uma cor amarela, verde. Normalmente, eles respondem com azul e isso está correto. Se você misturar tinta amarela com tinta azul, você obtém tinta verde. As três cores básicas em tinta ou tinta são azul, vermelho e amarelo; com essas três cores, poderíamos fazer qualquer outra cor. Mas, se misturarmos as três cores juntas, ficamos pretos. As cores digitais não funcionam com tinta. Olhe para a tela do seu computador, o que sai dela? De fato, luz, apenas luz, nada mais. Na luz colorida, temos cores de base de diferença, ou seja, vermelho, verde e azul, RGB. Com estas três cores, podemos criar qualquer outra cor. Se misturarmos os três juntos, teremos luz branca. Tal como acontece com a tinta, teríamos ficado pretos. Então, qual cor aditiva devemos adicionar para formar amarelo em verde? Bem, removemos a cor vermelha. Sabe, essa é a melhor coisa das cores digitais, podemos remover algo. Esta imagem aqui mostra as três cores de base. Quando se sobrepõem uns aos outros, temos novas cores. Verde e vermelho formas amarelo. Verde e azul formas ciano, e azul e vermelho formas magenta. Se combinarmos todas as cores juntas, ficamos brancos. Este gráfico não me parece familiar? Na verdade, é a roda de cores. Mas, como vamos ficar negros, então? Bem, nós diminuímos a intensidade da luz; certifique-se de escurecer todos eles igualmente. Se o azul e o verde estiverem em 70% e o vermelho estiver em 20%, poderíamos parecer cianos. Então traga todos eles para baixo igualmente até vermelho, verde e azul todos se sentarem em zero por cento de intensidade. Onde não há luz, há escuridão, ou preto. Obrigado por assistir. 6. Psicologia de cores: Agora que sabemos de onde vêm as cores e como elas reagem umas às outras, podemos agora olhar mais para a psicologia dessas cores. Vamos começar com o básico de novo. Existem dois tipos de luzes. No lado esquerdo, podemos encontrar luzes frias. Estas luzes são coloridas de azul. Se você quiser mudar as cores de um vídeo para torná-lo frio, você quer torná-lo azul. Agora, do outro lado desta linha, podemos encontrar luzes quentes, o oposto do frio. Aqui podemos encontrar luzes laranja como velas. No meio, podemos encontrar luzes neutras ou luz branca. Esta linha representa perfeitamente uma parte da roda de cores e essa parte é chamada de temperatura de cor. É até medido em Kelvin, onde 8.000 Kelvin é uma cor mais azulada ou fria e 2.000 é uma cor laranja quente. Agora as câmeras de vídeo sempre se ajustarão a essa temperatura, isso é chamado de equilíbrio de branco. A câmera quer equilibrar suas cores para que o branco seja branco e não azul ou laranja. Você pode ajustar isso manualmente em uma câmera profissional ou você também pode configurá-lo para o equilíbrio de branco automático. Então isso significa que você pode fazer as cores quentes de uma vela luzes, por exemplo, olhar branco neutro, ou em outras palavras, sua câmera vai fazer uma correção de cor. Infelizmente, não é assim tão fácil. Às vezes queremos ter cores frias ou quentes ou definimos erroneamente nossa câmera para um equilíbrio de branco errado. Então devemos corrigir isso na pós-produção ou edição. Mas vamos mergulhar mais fundo no balanço de brancos mais tarde neste curso. Agora, há mais duas cores que têm um certo sentimento por trás delas. Se você olhar na roda de cores novamente, também podemos encontrar o verde e magenta como as duas cores opostas. Esta parte é chamada de tonalidade. Agora essas cores não têm um certo nome como parecem artificiais. Então, eles são freqüentemente usados para consertar algo. Por exemplo, as luzes de florescência tendem a lançar uma cor verde. Agora, com o balanço de brancos, não podemos remover este verde, então usamos a tonalidade. Ao adicionar um pouco de magenta, neutralizamos o verde. Mas é claro, que é quando queremos ter cores realistas. Quando você quiser adicionar um certo sentimento ao vídeo, talvez você queira adicionar um pouco de verde a ele. Como eu disse antes, parece bastante artificial, é por isso que você costuma ver essas cores em filmes de ficção científica. Isso tende a te dar a sensação de que há algo natural, alienígena, artificial. Agora de volta à roda de cores. Vimos que azul e laranja são cores opostas. A mesma coisa vale para verde e magenta e também todas as outras cores que você vê nele. É uma roda, então cada cor também tem uma cor negativa ou oposta. Isso significa que se você quiser remover uma determinada cor de um vídeo, você terá que adicionar a cor oposta a ele. Então, vamos dar uma olhada nessa técnica no próximo capítulo, onde você aprenderá essas coisas no Premiere Pro. Agora você tem uma base muito sólida e essas informações o ajudarão a entender melhor tudo o que faremos no Premiere Pro. Obrigado novamente por assistir e boa sorte com um pequeno questionário que vai seguir agora. 7. As ferramentas básicas: Ei pessoal. Bem-vindo de volta ao segundo capítulo deste curso. Vamos começar esta lição com as Ferramentas Básicas de Correção. A primeira coisa que você quer fazer é selecionar qualquer dos clipes que você deseja fazer alterações de cor e, em seguida, no seu lado direito, podemos encontrar todas as ferramentas Lumetri Color. Agora, como podem ver, temos cinco guias aqui. Temos Correção Básica e se clicarmos nisso, podemos encontrar várias opções de fontes e então temos Creative, Curves, Color Wheels e finalmente Vinhnette. Mas vamos começar com as Ferramentas Básicas de Correção. Abra isso e a primeira opção que podemos ver aqui é o LUT de entrada. Clique neste menu suspenso e ele lhe dá várias opções. Agora, como podem ver, estes são todos os perfis das câmaras. Você tem algum perfil ARRI Alexa, nós temos perfis CANON ou também NIKON DSLR, mas até mesmo perfis GOPRO, e você também pode adicionar um perfil personalizado se você quiser. Agora, eu vou explicar isso muito rapidamente porque eu tenho uma lição separada sobre isso porque ele requer mais algumas informações e não há nenhuma boa informação bem na Internet, mas basicamente o que fazer é alterar as cores do clipe para que você possa começar a fazer as correções de cores. Por exemplo, eu vou selecionar este perfil CANON 5D, e isso vai mudar as cores do meu clipe e agora eu posso começar a fazer minhas correções de cores ou classificações nele. É um perfil inicial, isso é o que ele faz. Mas mais sobre isso novamente mais tarde neste curso, então eu vou apenas defini-lo de volta para nenhum. A próxima opção que temos é o Balanço de Branco, então isso é algo que já vimos anteriormente neste curso. Temos o controle deslizante de Temperatura e Tint. Adicione um pouco mais de calor ou um pouco mais de frio ao tiro. mesma coisa para o Tint, adicionar um pouco mais de verde ou um magenta à sua foto. Agora podemos usar esses controles deslizantes para classificar suas filmagens, por exemplo, tornar suas fotos mais quentes, mas também se você definiu uma temperatura de cor errada em sua câmera, você pode corrigir isso aqui mesmo com este controle deslizante. Agora, para redefinir esse valor, basta clicar duas vezes no controle deslizante, lá vamos nós. Agora é reiniciá-lo. A mesma coisa para o Tint também. Vamos dar uma olhada frágil nas configurações que temos. A próxima coisa é a Exposição das configurações de Tom e, como o nome diz, basta adicionar alguma exposição ou diminuir a exposição. Em outras palavras, o brilho pode ser alterado aqui. Novamente, clique duas vezes para redefinir esse valor. A próxima coisa é o Contraste, e isso é algo muito interessante. O contraste é a diferença entre os destaques e as sombras do seu tiro. Por exemplo, os destaques estão bem aqui no rosto da câmera no lado direito e as sombras são filmadas, o que é bastante preto ou escuro aqui. Bem, eu vou diminuir esse valor, você pode então ver que a exposição dos destaques e das sombras foi ajustada para que esses dois níveis se aproximem um do outro em termos de brilho ou exposição. Bem, eu vou aumentar, este valor o Contraste, você pode então ver que há uma diferença maior entre os destaques e as sombras. Normalmente, um contraste rico, o que falamos quando o Contraste é alto é mais agradável para os olhos de olhar, modo que é isso para o contraste basta clicar duas vezes sobre ele para redefinir isso novamente. Então as próximas quatro opções que temos são os Destaques, Sombras, Brancos e Negros. Agora, você pode pensar a princípio que os Destaques, e os Brancos, e as Sombras, e os Negros são um pouco iguais e é verdade , mas eles têm uma pequena diferença neles. O que os destaques realmente faz é aumentar a exposição dos destaques ou diminuir a exposição dos destaques Enquanto os brancos, bem, eu vou reiniciá-lo novamente, vai fazer exatamente a mesma coisa, aumentar ou diminuir a exposição para os brancos, mas há um pouco de diferença entre estes dois. Os destaques não tocam em todas as áreas brancas de suas fotos. Para explicar melhor isso, tenho outra chance que está superexposta. Deixe-me ampliar o rosto da câmera aqui, vou definir isso para 100% assim. Quando vamos mudar agora os destaques basta olhar para o rosto dela, o que ele vai fazer. Eu vou diminuir os destaques e de alguma forma irá corrigir as partes superexpostas, mas não inteiramente porque as partes que estão superexpostas são perdidas, que está bem aqui no lado direito e, portanto, os destaques também não tocarão as partes superexpostas reais. Isso é algo que o branco fará. Redefine os destaques novamente e eu vou diminuir os brancos agora e aqui você vai ver que seu rosto está começando a ficar acinzentado. Isso é porque os brancos tocam as partes superexpostas. Essa é a diferença entre os Destaques e os Brancos. Os destaques e também a mesma coisa para ele vai para as Sombras, a propósito , mas então estamos falando de partes subexpostas. Eles só tocarão as partes que não estão recortando ou sobrepostas ou subexpostas e eles podem ser usados para corrigir certos problemas. Como com os brancos e os negros, você tem que ter cuidado quando você vai usá-los. Redefina esses valores novamente porque a última configuração que eu quero mostrar agora é a Saturação e para isso eu vou voltar para o meu tiro normal e mudar o tamanho da tela de volta para caber. A Saturação irá adicionar mais cores ao seu tiro, tornar suas cores mais saturadas como o nome diz ou também irá diminuir a saturação para que você tenha um tiro preto e branco. Isso é tudo para as Ferramentas Básicas de Correção, isso é o que eles fazem e como eles funcionam. Obrigado novamente por assistir e eu verei todos vocês na próxima lição. 8. O equilíbrio de brancos (extra): Premiere Pro continua atualizando seus programas e isso é uma coisa boa. Isso também acontece depois que eu criei este curso. Neste momento, existem alguns novos recursos nas ferramentas Lumetri. Um deles é o seletor automático para o equilíbrio de brancos. Você pode descobrir que logo acima de suas configurações de equilíbrio de branco, temos este seletor de cores bem aqui. Muito simplesmente o que ele faz é que você pode selecionar um ponto branco em seu vídeo e dizer para estrear que, que é branco. Para ajustar sua temperatura e tonalidade de acordo para tornar esse ponto realmente branco, e isso também irá mudar as outras cores em sua foto para que seu equilíbrio de branco é definido corretamente. Esta é uma ferramenta típica para a qual você deseja usar quando o balanço de branco estiver desligado na câmera. Vamos fazer isso por um momento. Eu vou clicar aqui no seletor de cores e bem, essas portas bem aqui, elas deveriam ter sido brancas e elas são bem amarelas no momento. Eu só vou clicar neles. Vamos começar com a porta certa aqui. Como eu estou clicando sobre ele, você pode ver que imediatamente ele realmente consertou de alguma forma as cores, e foi muito drasticamente então você nunca será capaz de obter isso é realmente certo. É sempre melhor, é claro, ajustar ir para a temperatura, apenas corrigir na câmera. Agora queremos avisá-lo de que, usando essas ferramentas automáticas, você sempre quer usar seus olhos para ter certeza que a ferramenta fez seu processo corretamente. No momento, tudo parece bem. Certifique-se também de guiar o vídeo e ver se está tudo bem. Mas vamos, por exemplo, supor que eu selecionei um ponto diferente neste vídeo, por exemplo, aqui à minha esquerda, onde é ainda mais amarelado e isso é por causa dessa sombra que temos aqui. Quando eu estou indo para clicar sobre isso, você agora vai ver que na verdade é muito azul. Neste ponto sim, as cores são melhores, mas do outro lado aqui nesta porta, na verdade é muito azul. Agora você pode querer ajustar isso adicionando um pouco mais de temperatura a isso novamente, ou também mudar a tonalidade. Como você pode ver, Lumetri adicionou muita magenta ao seu gráfico. Você também deseja ajustar isso de acordo, ou apenas talvez pegar esse seletor de cores novamente e selecionar um ponto melhor até que você acerte. É isso para o seletor automático de balanço de branco, não é nada mais do que isso. Mas há mais uma ferramenta e que é a HSL secundária bem aqui. Este também é um novo recurso das atualizações de junho de 2016 e vamos mergulhar nisso, o que é muito mais, por sinal, como você pode ver mais adiante neste curso. Obrigado de novo por assistir, e vejo vocês na próxima aula. 9. A forma de onda: Temos um videoclipe de Kim sentado em frente a uma janela. Portanto, é muito brilhante aqui dentro da janela, mas também muito escuro aqui fora, nas bordas daquela janela. Agora, se quisermos saber o que podemos fazer com isso, precisamos medir esta imagem aqui. Temos algumas ferramentas de medição dentro do Premiere Pro agora. Uma delas é a ferramenta de forma de onda que eu quero explicar como essa funciona. Para chamar essa ferramenta de forma de onda, você só precisa ir até o menu, selecionar Janela e, a partir daqui, selecionar os Escopos Lumetri. Você clica nisso e isso abrirá suas ferramentas de medição, e já podemos ver a forma de onda. Se você não conseguir ver a forma de onda aqui, clique com o botão direito do mouse nesta janela e selecione a forma de onda a partir daí. Você também pode selecionar outras ferramentas de medição como o vetorscópio aqui, que vamos dar uma olhada na próxima lição, mas por enquanto, eu quero me concentrar na forma de onda. O que você quer fazer é desmarcar tudo menos a forma de onda, então eu vou desmarcar o vetorscópio novamente. Fazendo uma cor. Antes de começar, primeiro tenho que explicar a diferença entre uma forma de onda colorida e uma forma de onda de luminância. Atualmente vemos o RGB ou a forma de onda colorida. Se clicar com o botão direito do mouse aqui, podemos ir para as opções de tipo de onda, e a partir daí podemos escolher Luma. Se eu clicar nisso, você verá que todas as cores desapareceram, e agora temos uma forma de onda em preto e branco. Esta é uma forma de onda luma. Agora, ambos são exatamente os mesmos, mas a forma de onda de cores tem mais algumas informações nele como este. Como o nome diz, esta é a forma de onda luma, o que significa que só mostrará a exposição ou a lumosidade da cena. Se você gostaria de ver cada canal de cor separadamente, então a exposição ou luminância de cada canal, temos que selecionar, temos que selecionar botão direito novamente, vá para o tipo de forma de onda, a forma de onda RGB. Agora podemos ver essas cores. Agora, se isso pode ser um pouco louco para você, clique com o botão direito novamente sobre isso e também abra o desfile por uma vez. O desfile mostra cada canal de cores separado, então aqui temos os vermelhos, os verdes e os azuis. Se colocarmos todos esses três em cima um do outro, teremos a forma de onda RGB. Esses dois são exatamente iguais, mas estamos separando cada cor. Por enquanto, quero deixar de fora o desfile do RGB. Basta olhar para a exposição. Mais uma vez, vou desmarcar o desfile e vou mudar a minha forma de onda aqui para a forma de onda Luma. Temos uma maneira vertical e horizontal de ler esta forma de onda. Vamos começar com o caminho vertical. A forma vertical mostra a luminância ou a exposição de 0-100, 100 significa muito branco ou muita exposição, que é esta janela aqui. Isso está superexposto na verdade, então a informação desta janela fica no topo bem aqui, nós também podemos ver isso em 100. O resto fica no meio em algum lugar, então Kim, essas folhas, etc, todos sentam em algum lugar no meio. Então, finalmente, temos os negros, que são as sombras aqui, e eles estão todos deitados abaixo. Isso já é uma grande parte, é assim que podemos definir uma certa luminância para o nosso vídeo. Se você não tem certeza se ainda há detalhes em suas sombras ou destaques, você pode ver isso aqui, se há ou não. Isso é tudo para a maneira vertical de ler isso. Depois há o caminho horizontal, e o caminho horizontal é uma representação da nossa imagem de vídeo aqui. Vamos começar pelo lado esquerdo onde só há preto, bem aqui, logo antes desta janela começar. Nesse ponto, nós realmente não temos nenhum branco ou destaques, então nós também devemos ver isso em nossas formas de onda, e também é assim. A primeira parte aqui de nossas formas de onda só tem informações lá embaixo nas sombras, tudo fica abaixo de 10%, e essa é a parte aqui. Mas também, muito importante, você pode ver que ele ainda não está no zero, e isso significa que ainda temos alguns pequenos detalhes aqui. Não está subexposta. Mas se formos mais além sobre esta imagem, chegamos à janela aqui, você pode ver que estamos superexpostos aqui. Isto aqui é a janela, e como é que eu sei disso? Porque aqui nós temos essa pequena lacuna como vocês podem ver, e essa é essa parte aqui. Isso garante que temos essa pequena lacuna nele e, em seguida, começa a grande janela ali, e essa é essa parte. Novamente, temos essa pequena lacuna, como vocês podem ver aqui, e então temos a outra janela, que tem mais algumas folhas e menos céu, e portanto esta parte não está superexposta. Como você pode ver, esta informação não está grudando no 100 por cento como acontece com a janela no total aqui. Então, novamente, a janela pára bem aqui, e então nós temos novamente uma parte que é preta, e essa é a parte onde toda a informação está sentada abaixo. É assim que você pode ler tal forma de onda. Mas vamos fazer isso com outro clipe. Eu vou abrir a pasta de clipes, e a partir daqui, eu vou apenas selecionar um clipe normal onde Kim está apenas de pé, se você pode encontrar um desses. Oh, bem aqui. Basta arrastar isso para a sua linha do tempo assim. Basta fechar essa pasta, e eu vou ficar em cima disso agora. Você pode ver que não temos partes sobrepostas ou subexpostas, o que é ótimo. Ainda temos espaço aqui. Novamente, quando eu vou ler isso, eu posso ver claramente que esta parte aqui é onde Kim está de pé porque há mais informações aqui sentadas em direção aos negros, e isso é por causa de sua camisa preta. Porque a luz está vindo do lado direito, que faz sua camisa ir de muito preto para um pouco menos preto, você também pode ver essa linha aqui indo para cima, indo de quase zero, um pouco até 10 por cento em algum lugar Agora vamos ver o que essas formas de onda fazem quando eu vou fazer uma correção de cor nelas. Por exemplo, vou aumentar a exposição. Como você pode ver, ele também levantará essas formas de onda, e isso é normal, claro. Eu estou levantando as sombras, eu estou levantando tudo, os destaques, os tons médios, tudo está apenas subindo quando eu estou aumentando a exposição. Mas há um certo ponto em que eu vou aumentar isso realmente muito. Com 100 por cento, podemos ir acima disso, então tudo está se recortando e quebrando um no outro. Claro, isso cria uma imagem superexposta, então não é o que queremos, é claro. Reinicie a exposição de novo. Vamos dar uma olhada quando vamos apenas ajustar as sombras, por exemplo. Quando eu vou aumentar as sombras agora, o que eu só deveria ver agora é que a camisa de Kim vai ser levantada porque essas são as sombras que estão aqui embaixo. Deixa-me só fazer isso. Aumente as sombras, e vejam o que acontece, pessoal. De fato, as sombras estão sendo levantadas, mas essa informação aqui, que eu pensei que também iria subir, não está subindo muito. Aqui você pode agora definitivamente ver a diferença entre as sombras e os negros quando eu vou mudá-los agora. Só, novamente, redefina as sombras e veja o que vai acontecer quando eu vou aumentar os negros agora. Agora, ele pega toda essa informação e levanta isso, e essa é a grande diferença entre a sombra e os negros. Novamente, a mesma coisa vale para os destaques e os brancos, a propósito. As sombras vão preservar os negros um pouco mais. Vai ser cuidadoso apenas levantando esses. É também assim que podemos usar essas formas de onda. Por exemplo, eu gostaria de adicionar contraste à cena, mas eu quero ter certeza de que eu não sobreponha ou subexponha quaisquer partes. Como você pode ver, eu ainda tenho um pouco de espaço livre aqui em cima e também um pouquinho abaixo aqui, então eu poderia aumentar meu contraste até que eles quase toquem o zero e 100 por cento. É assim que podemos usar a forma de onda. Minha informação é recortada ou não? O que está recortando, quero dizer que a informação vai ficar em direção a 100 ou ficar em direção a zero. Isso significa que a informação é recortada. Quando vamos dar uma olhada no primeiro gráfico, é muito claro que muitos dos brancos estão apenas recortando. Eles estão superexpostos, não podemos mais fazer nada com eles. Na próxima lição, vamos dar uma olhada no vetorscópio. Obrigado mais uma vez por assistir. 10. O vetorscópio: Vamos continuar com as escovas Lumetri. Vamos dar uma olhada agora nesta lição no vetorscópio. Vimos que na lição anterior para mudar isso, basta clicar com o botão direito do mouse aqui e selecionar o vetorscópio. Agora, como podem ver, temos duas opções para isso. Deixe-me abrir os dois. Primeiro clique no HLS e clique com o botão direito do mouse novamente e selecione YUV. Vou desmarcar a forma de onda por enquanto, para que possamos vê-los um ao lado do outro. Agora, basicamente estes dois são exatamente iguais, mas o segundo aqui do lado direito, este é o YUV, tem mais algumas informações sobre ele. O da esquerda, na verdade, mostra tudo dentro deste círculo aqui. Este é realmente um pouco ampliado como você pode ver. Vou fechar o da esquerda para que tenhamos mais informações com as quais possamos trabalhar. Clique com o botão direito do mouse e vou desmarcar o HLS. Vamos trabalhar com este vetorscópio aqui. A primeira coisa que você verá é a roda de cores. Já vimos isso neste curso até agora. Podemos ver várias das cores básicas como as magentas, os azuis, os cianos, os verdes, os amarelos e os vermelhos ali. Cada um deles tem uma cor oposta. Os amarelos têm seu azul como a cor oposta. As magentas têm seu verde como a cor oposta, e o vermelho tem seus cianos como a cor oposta. Este é um controle aqui também nas ferramentas de cores Lumetri. Se eu selecionar meu clipe, que também podemos alterar. Talvez já fique claro que o vetorscópio mostra as cores de suas fotos e isso está correto. Mas antes de mudarmos as cores, vamos começar com a saturação. Tal como acontece com a exposição, há também uma certa quantidade de saturação e nós também podemos saturar mais ou menos saturar um certo tiro e isso pode ser visto aqui. Vamos apenas adicionar um pouco de saturação e olhar para o que esta informação branca aqui está fazendo. Aumenta a saturação e também fica maior. Quando eu vou diminuir a saturação, ele vai para baixo para um ponto muito pequeno. No meio aqui podemos encontrar zero e do lado de fora podemos encontrar 100, e tudo acima que é realmente saturado. É por isso que este vetorscópio é tão bom para ver se sua saturação é saturada ou não. Para saturar isso corretamente, eu vou adicionar um pouco de saturação até que eu quase toque essas bordas assim. Esta é, na verdade, a saturação máxima que posso ir agora. Mas vai mais longe do que isso. Vamos mudar o contraste. Vou adicionar um pouco mais de contraste e veja o que ele vai fazer no nosso vetorscópio. Não só a exposição e os negros e os destaques estão sendo afetados, mas também a saturação. Estamos ganhando mais saturação adicionando contraste. Vou redefinir o contraste e agora diminuir as sombras. Além disso, veja aqui, a saturação está subindo um pouco mais. Quando eu vou aumentar as sombras, olhe o que ele vai fazer agora, ele vai fazer o oposto. Isso diminuirá um pouco a saturação. É ainda mais claro quando vamos diminuir o contraste. Agora há menos saturação. Isto é definitivamente algo a ter em conta, quando eu vou aumentar o contraste, você tem que ter certeza de que você pode reduzir a sua saturação um pouco até que quase toca o lado de fora assim. Agora, eu também tenho certeza que a saturação está correta. Isso é tudo para a saturação. Saiba que cada uma de suas ferramentas de exposição também pode afetar sua saturação. Então é por isso que você sempre tem que verificar isso dentro do seu vetorscópio. Mas há outra coisa, não só a saturação, mas também a forma como as cores são equilibradas pode ser vista aqui. Deixe-me apenas redefinir todos esses valores aqui. Quando, por exemplo, eu tiver ajustado minha temperatura de cor um pouco errada na câmera, você pode ver algo assim. Meu tiro é muito quente, mas também todas as minhas cores estão agora mais inclinadas para as partes vermelhas ou amarelas. Você pode se perguntar a si mesmo, quanto azul devo adicionar até que as cores sejam neutras? Nem sempre é tão fácil ver quando não há partes brancas. Traga isso para baixo até que a informação fique de alguma forma no meio. Se eu adicionar muito, você também veria todas as cores inclinadas para o azul, o que não é bom também. Tente encontrar um meio. Não olhe para o seu controle deslizante ou para a sua imagem, apenas olhe para o seu vetorscópio e tente procurar um ponto onde esta informação fica em algum lugar no meio assim. Este tiro precisou de um pouco mais de calor, como você pode ver. Como em primeiro lugar, pensamos que a temperatura da cor estava realmente correta. Mas na verdade, não foi porque os escopos estavam nos dizendo a diferença. Claro que também podemos brincar com a tonalidade. Temos as magentas e os verdes. Se eu adicionar mais verde a ele, você pode ver que todas as cores vão inclinar-se mais para isso ou se eu adicionar mais magenta, todas as cores vão inclinar-se mais para esse lado. Então talvez você queira corrigir isso também. Geralmente é quando você está indo para preenchê-los com luzes fluorescentes baratas ou outras luzes artificiais que têm uma determinada cor para ele. Então aqui você pode corrigir isso, certifique-se de que as cores estão em algum lugar no meio, assim. É assim que o vetorscópio funciona. Vamos usar o vetorscópio em conjunto com as ferramentas de forma de onda. Clique com o botão direito do mouse aqui e selecione suas ferramentas de forma de onda. Agora, se quisermos corrigir a cor desta imagem, vamos dar uma olhada nesses dois escopos, mas isso é para a próxima lição. Obrigado por assistir. 11. Uma correção básica de cores: Vamos usar as informações que aprendemos até agora para fazer uma correção básica de cores neste clipe aqui. Como você pode ver, há algumas coisas erradas com ele. Está um pouco superexposto e o balanço de brancos estava errado. O tiro está muito quente. Então vamos usar as ferramentas aqui à direita, mas também olhar para nossos escopos elementares aqui à esquerda para corrigir essa foto. Novamente, sempre selecione seus clipes para que possamos começar. Agora a primeira coisa que vamos fazer é a exposição. Porque você sabe que os controles de exposição aqui também podem afetar as cores. Então, sempre primeiro faça as configurações de exposição e depois corrija suas saturações ou cores. Então, se olharmos para a forma da onda, você pode ver que muita informação está sentada no topo, o que significa que está um pouco superexposta. Não estamos perdendo nenhum detalhe, talvez um pouquinho aqui e ali, mas não acho que seja muito. Ainda temos muito espaço aqui embaixo. Então a primeira coisa que queremos fazer é reduzir a exposição. Basta tomar este controle aqui e mover tudo um pouco mais para o meio assim. Mas tenha cuidado para não cortar os negros aqui. Talvez se você quiser reduzir a exposição ainda mais, você poderia trazer os negros por um segundo. Então mova isso assim. Agora, você pode reduzir a exposição ainda mais. O que estamos realmente fazendo, é levantar este pico aqui movendo os negros. Agora, não olhe apenas para suas formas de onda, mas também para sua imagem. O que eu posso ver, por exemplo, é que aqui no lado direito do rosto de Kimara ainda está um pouco superexposto. Acho que estas partes aqui são as que estão aqui em cima. O rosto é realmente algo que deve ser em torno de 70 por cento ou 75 por cento. Então eu vou rolar os destaques, trazer para baixo os destaques para corrigir isso um pouquinho. Como você pode ver, a informação agora está indo mais para os 70 por cento, o que é bom. Isso também significa que agora eu posso aumentar a exposição novamente como eu estou recebendo mais espaço acima. Então aumente isso de novo. Isso é realmente também o que correções de cor tudo sobre. Você vai adicionar algo ou remover algo, e depois você vai mudar as configurações. Como podem ver, primeiro defini a exposição para um certo valor. Então eu fiz alterações nos destaques e então eu vi que eu realmente tinha que repensar sobre o meu valor de exposição. Então tive que mudar isso de novo. Você está realmente constantemente fazendo isso enquanto a cor corrige uma imagem. Então a exposição está começando a parecer boa. Mas eu estou perdendo algum contraste enquanto eu estou levantando os negros bem aqui, eu estou removendo alguns dos destaques, então aumentar os contrastes novamente. Mas mantenha um olhar em suas formas de onda que você não vai cortar suas informações assim, apenas um pouquinho. Agora, começa a parecer ótimo. Tudo bem, então é isso para a exposição. Estamos usando todo o espectro de zero ou eu diria quase zero a quase 100 anos e isso é uma coisa boa. Certifique-se de que você está usando esse espectro se quiser ter uma imagem limpa. Não estamos falando de classificação de cores aqui, pessoal. Estamos falando de correção de cores. Na correção de cores, queremos ter uma aparência natural. Para cada aspecto natural, queremos usar todo o espectro assim. Certifique-se de que a maioria das informações está em algum lugar no meio em torno dos 70 por cento para os tons de pele e o resto tudo fica de zero a 100. Então isso aqui é bom. Agora, vamos dar uma olhada nas cores, porque essa é uma história diferente. Essas coisas não estão boas no momento. Como podemos ver na imagem, mas também nos escopos vetoriais, as cores estão todas inclinadas para amarelo, laranja, vermelho, tudo para esta parte. Então temos que adicionar um pouco de azul para trazê-lo para os outros lados. Como vimos, podemos fazer isso com as ferramentas de balanço de branco aqui, basta adicionar um pouco de azul a essa foto. Enquanto você está fazendo isso, certifique-se de olhar para o seu escopo vetorial aqui para que a informação esteja em algum lugar no meio, em algum lugar assim. Agora, mesmo que isso tenha sido filmado com luz natural, quando a câmera está ajustada para uma temperatura de cor errada, às vezes podemos ter uma mudança de cor na tonalidade. Nós também podemos ver que, que há mais algumas informações inclinadas para os verdes. Então eu vou adicionar um pouco de magenta neste tiro, mas apenas um pouquinho, não muito, para que esta informação fique mais no meio. Agora, as cores também são muito melhores. Talvez adicionar mais blues porque quando eu olho para a imagem, ainda parece um pouco quente demais, então eu vou adicionar um pouco mais de azul a ela. Lá vamos nós. Estamos recebendo alguns picos azuis aqui. Isso é por causa dos destaques aqui. A cara de Kimara está um pouco superexposta. Uma coisa que podemos fazer aqui é diminuir os brancos. Isso vai derrubar esse pico. Mas, novamente, você pode ver que seu rosto está começando a ficar um pouco cinza. Então, infelizmente, isso é algo que não podemos corrigir. Está superexposto e não podemos fazer nada com isso. Então eu vou trazer de volta aqueles brancos porque isso não está parecendo muito bem. Teremos que fazer assim. Mas, claro, ainda estamos usando as ferramentas básicas de correção. Há mais algumas opções onde podemos corrigir isso mais, mas isso é para mais tarde neste curso, quando também vamos jogar com as curvas criativas, rodas de cores e ferramentas de vinheta. Por enquanto, acho que fizemos um ótimo trabalho para corrigir essa imagem aqui. Se eu olhar para o antes e o depois desmarcando e marcando novamente esta caixa aqui, você pode ver o antes e o depois. Então já parece muito melhor agora. Não é perfeito, mas para tê-lo perfeito, você só precisa fotografar suas imagens com a temperatura de cor correta e as configurações corretas. Então você não tem que fazer muito trabalho de pós-produção mais. Quanto menos trabalho de pós-produção que você tem que fazer, melhor suas fotos também serão. Então foi isso para esta aula de vídeo e também para este capítulo onde eu expliquei todas as ferramentas básicas. No próximo capítulo, vamos mergulhar nas ferramentas mais avançadas e vamos começar com os efeitos criativos aqui. Então, muito obrigado por assistir. Novamente, como qualquer capítulo anterior, vamos acompanhar com um pequeno teste. Desejo-lhes todo o sucesso e verei todos no próximo capítulo. 12. Como trabalhar com LUTs: Ei pessoal, bem-vindos de volta ao capítulo número 3 deste curso. Neste capítulo, vamos dar uma olhada em algumas das coisas mais avançadas com as ferramentas de cor Lumetri, e vamos começar nesta lição em particular com os LUTs. Agora nós vimos este pouco em uma das lições anteriores, mas eu quero ter um olhar mais detalhado sobre isso nesta lição. Então vamos ver novamente onde podemos encontrar os LUTs. Quando você seleciona o clipe, as ferramentas de cores serão ativadas e, na guia Correção Básica, você encontrará LUT de entrada e que lhe dá um menu suspenso de todos os tipos de LUTs onde podemos escolher. Agora, um LUT significa uma tabela de pesquisa e na verdade é um arquivo matemático que vai alterar sua imagem. Agora, essencialmente o que ele vai fazer é mudar a aparência da sua imagem. Então ele vai fazer alguma correção pré-cor em suas filmagens. Então, por exemplo, quando eu pegar qualquer um desses, vamos apenas dizer que o arquivo LUT da câmera de cinema magia negra, então você verá que as cores estão mudando. As cores, o contraste, qualquer coisa pode mudar aqui e isso é armazenado dentro do arquivo LUT. Agora, por que devemos usar um desses arquivos LUT? Bem, por exemplo, eu vou redefinir isso de volta para nenhum. Você vê que este tiro é bem plano. Quando eu vou comparar isso com outra foto, quando eu abrir minha pasta de clipse e eu vou apenas tirar um tiro normal daqui para esta. Basta fechar isso novamente e eu vou comparar isso com este tiro, você vai ver que há muito mais contraste e cores disponíveis nesta foto. Como estamos nisso, o primeiro aqui é muito plano, e isso é feito com uma configuração dentro da câmera. Algumas câmeras têm um perfil de registro especial para suas câmeras e isso vai disparar muito plana. Por exemplo, as câmeras Sony têm um SLOG2, ou também um perfil SLOG3 e que também irá disparar muito plana. Agora, por que atirar no plano? Bem, ao fotografar em um modo muito plano, então quando dermos uma olhada nos escopos elementares bem aqui, você verá que temos muito mais espaço para fazer nossa correção de cores. Ainda temos algum espaço aqui nas sombras, mas também temos mais espaço aqui em cima destaques e quando eu comparar esta foto com a outra, vocês verão que este perfil lutiliza muito mais o alcance dinâmico. Então estamos quase no zero aqui nas sombras, e também estamos quase no topo, ainda temos um pouco de espaço livre, não é tão extremo, mas algumas câmeras até filmam e eu vou fazer algo aqui e um perfil como este que este é algum contraste extremo, mas há câmeras que são capazes de filmar assim e uma vez que você tem essas cores, você não pode fazer nada muito com ele mais. Suas sombras estão subexpostas e, às vezes, seus destaques também serão superexpostos. Por isso, dá-lhe não tanto playground mais no fluxo de trabalho de correção de cores. Então é por isso que vamos filmar em perfis planos. Agora os perfis planos têm uma grande vantagem, mas também vêm com algumas desvantagens. Os perfis planos devem ser corrigidos por cores todas as vezes. Então, em cada tiro, você tem que adicionar algum contraste a ele e talvez adicionar um pouco de saturação a ele, apenas para torná-lo natural e fazer isso toda vez é apenas muito trabalho. Há uma razão para usar LUTs. Eu só vou redefinir isso novamente, também a saturação aqui. Por exemplo, digamos que eu vou selecionar neste menu suspenso, o SLOG3 de que eu estava falando. Agora ele vai realmente adicionar algum contraste e alguma saturação etc a este tiro que combina com o perfil SLOG3. Agora, o grande benefício de usar um LUT agora é que quando o LUT vai expor demais partes da sua imagem, você sempre pode resgatá-lo com os controles abaixo aqui. Então você poderia, por exemplo, dizer que eu vou aplicar um LUT a cada tiro na minha linha do tempo e depois eu vou corrigir os problemas que o LUT criou. Às vezes, é um fluxo de trabalho mais fácil e mais rápido. Por exemplo, os destaques aqui são talvez um pouco demais agora, e podemos apenas trazer isso para baixo com o controle deslizante de destaques ou mesmo com o controle deslizante branco aqui, sem fazer muito errado. No entanto, ao usar LUTs, você deve saber qual LUT você não está usando. Eu só vou redefinir isso novamente, mas eu vou pegar um dos LUTs Alexa aqui, por exemplo, este aqui, então você vai ver que a imagem parece um pouco muito azulada e que os destaques são bastante explodidos, e nós também podemos ver que bem aqui no escopo vetorial e isso é porque bem isso não foi filmado em um Alexa e, portanto, eu estou realmente usando um perfil errado. Isso nem sempre significa que você tem que pegar exatamente o LUT de sua câmera porque isso foi realmente filmado em um GH4 em um perfil CineD e eu realmente testei com o perfil SLOG3 e parecia bom. Então eu poderia usar este, mas é claro a melhor coisa é sempre procurar um perfil que corresponda ao seu perfil de câmera e uma maneira de fazer isso é simplesmente indo na Internet e procurar sua câmera e ver se você pode encontrar um LUT para ele. Também fiz isso e encontrei o perfil do CineD. Quando eu clicar novamente neste menu suspenso, eu posso selecionar a partir daqui, navegar e, em seguida, na minha área de trabalho aqui, eu baixei o arquivo CineD e selecionei isso, basta abri-lo, e ele será aplicado à sua foto e este define o contraste e as cores do meu tiro em um pellets naturais e isso é essencialmente como LUTs funcionam. Agora, você vai ouvir de algumas pessoas que eles vão dizer-lhe para nunca usar LUTs dentro de um fluxo de trabalho de correção de cores, ou outras pessoas vão dizer-lhe que você tem que usá-los. Portanto, não há regras sobre o uso de LUTs ou não usá-los ou como usá-los. Eu só digo para ter certeza de que você usá-los corretamente e apenas saber o que você está fazendo. Se você quiser realizar um olhar como este e um LUT vai ajudá-lo com isso, em seguida, use o LUT. Mas se você descobrir que o LUT vai fazer algo estranho à sua imagem e você tem que dirigir muito com esses controles, então talvez não usá-los e isso também depende muito se você vai criar sua filmagem ou corrija suas filmagens. Isso também é o que vimos nas lições anteriores no primeiro capítulo, diferença entre correção de cores e classificação de cores. Para correção de cores, acho que um LUT de entrada é uma ótima maneira de começar com sua correção básica. Agora, se você estiver indo para abrir a guia Criativo, você também vai ver novamente um menu olhar a partir daqui e que dá novamente muitos LUTs, mas eles são um pouco diferentes, mas isso é para a próxima lição. Obrigado por assistir. 13. Visuais criativos: Acabamos de ver o que é um LUT e como usá-los dentro da guia de correção básica. Mas se formos para a guia criativa agora, você também verá o mesmo menu suspenso, exceto que, neste caso, ele é chamado de Look em vez de LUT. Mas, essencialmente, é exatamente o mesmo. No entanto, na guia criativa, você encontrará alguns LUTs diferentes. Agora estes são mais, parece que o nome também diz. Como você pode ver aqui, nós temos os resfriados azuis, Blue Day for Night, Blue Eyes, Blue Intense, Cinespace, Gold sport, etc Agora estas são todas as predefinições de classificação de cores que você pode usar diretamente em seu clipe. Há uma característica legal abaixo aqui onde você pode facilmente esfregar através de todos esses looks se você pressionar nesta seta aqui, e então você pode ver uma das pré-visualizações de como ele vai olhar. Se você clicar sobre isso, ele é aplicado ao seu clipe, e então você pode apenas escrever novamente através do qual até encontrar algo interessante. Por exemplo, aqui mesmo, temos o Cinespace. Vou clicar nisso de novo, é aplicado ao meu clipe. Na verdade, parece muito bom agora. Você também pode alterar a intensidade desse visual. Você pode adicionar mais ou você pode adicionar menos. Às vezes, apenas um pouco deste olhar já é suficiente para o seu tipo de tiros. Depende de suas necessidades novamente. Mas neste caso, vou manter isto em 100, porque quero mostrar-vos uma coisa. Digamos, por exemplo, que escolhemos trabalhar com esse visual, mas, na verdade, o contraste é um pouco demais. Eu não consigo ver mais os detalhes aqui, também aqui no fundo, os negros não têm mais muitos detalhes. Você também vê isso bem aqui nos escopos elementares onde toda essa informação aqui fica no zero. Então isso significa que está esmagado, está cortando. Mas novamente, como este não foi filmado como este originalmente, nós podemos mudar todas essas coisas dentro da correção básica. Vou voltar para a correção básica agora. Você sabe o que? Só vou aumentar as sombras assim. Você verá que toda a informação está bem ali. Além disso, os destaques são um pouco demais, então eu vou trazer isso para baixo. Isso parece muito legal. Acabamos de usar uma predefinição para uma classificação de cores e bang, temos algo. Isto é algo utilizável. Vou ser honesto aqui. Eu também às vezes uso uma dessas predefinições apenas porque é tão fácil de usar, mas estamos muito limitados ao que podemos fazer, e também não sabemos o que estamos fazendo aqui. Porque quando se trata de gradação de cores, você sempre tem que saber quais emoções eu quero colocar no meu vídeo. Normalmente, não é tão fácil apenas folhear algumas predefinições aqui para encontrar o tipo de sentimento que você está procurando. Normalmente, nós vamos jogar com as cores em muito detalhe e não usar nenhuma dessas predefinições, mas eu quero que você saiba que ele está lá, e para alguns projetos, que tem que ir rápido, podemos usá-los de Claro. Agora, você não está limitado apenas a esta lista como com o LUT, nós também podemos ramificar aqui e podemos encontrar qualquer LUT que possamos baixar da Internet. Tenho uma pasta aqui que encontrei na internet. By the way, se você apenas pesquisar no Google LUTs, você vai encontrar toneladas de predefinições Parece que você pode apenas baixar gratuitamente. Por exemplo, o que eu tenho aqui são alguns looks Kodak e Fujifilm. Isso é dos velhos tempos e eu só vou pegar qualquer um desses, selecionar isso. Aparentemente, este aqui é o visual de um filme da Kodak. Então, isso pode ser uma identificação para primeiro aplicar uma aparência de uma determinada câmera de filme à sua filmagem digital e começar a classificar a partir daí para ter esse visual de filme. Agora, eu deveria ter a aparência de um filme da Kodak, e agora eu posso começar com minhas correções básicas sobre ele. Talvez adicionar um pouco mais de contraste, talvez jogá-lo com os destaques, etc Eu posso até fazer alguns efeitos mais criativos sobre ele, mas isso é para a próxima lição. Obrigado por assistir. 14. Ajustes criativos: Vamos continuar com as configurações abaixo da guia Criativo. Vimos os looks criativos e agora temos mais algumas configurações de ajustes abaixo aqui. Agora o primeiro cenário aqui é o filme desbotado, e o que isso realmente faz, ele vai levantar seu preto para que suas filmagens pareçam filme que está desbotado como o nome diz. Quando eu vou aumentar isso, você vai ver o que ele realmente faz. É uma mudança drástica, então tenha cuidado com isso. Saiba também quando você vai usar isso. Isso é o que o filme desbotado faz. Às vezes eu uso isso um pouco porque às vezes eu acho meu peito um pouco demais escotilha e então eu aumentar isso apenas um pouquinho para 10 em algum lugar 15 talvez para ter que mais cinematográfica ou para ter aquele olhar de filme. Mas, por enquanto, vamos redefinir isso de novo. Porque eu quero mostrar a você a nitidez, então, como o nome diz, a nitidez só irá afiar sua imagem como você pode ver. Traga-o para o lado direito para afiá-lo, mas você também pode trazê-lo para o outro lado para tê-lo mais embaçado. Agora, por que você usaria isso? Bem, na verdade, algumas câmeras ou realmente muitas câmeras nos dias de hoje, especialmente aqueles DSLRs, eles têm a opção de trazer a nitidez da câmera até zero. Também recomendo que você faça isso porque o Premiere Pro aqui faz um trabalho muito melhor em afiar suas filmagens do que sua câmera. A propósito, estou falando sobre a nitidez da câmera final. Esta é sempre uma nitidez digital. Isso não tem nada a ver com suas lentes ou algo assim. Se você tiver a opção, em seguida, diminua a nitidez da sua câmera para zero, e basta trazê-la aqui apenas um pouquinho para algo em torno de 20 ou mais. O que eu sempre recomendo com afiação é que eu vou apenas aumentá-lo agora ao máximo. Você vai ver que, na verdade, esta camisa pode parecer bem, mas quando eu vou jogá-la, você vai ver que é realmente mais afiada. Não é isso que queremos. Sempre trazê-lo de volta um pouco e, em seguida, testá-lo por exemplo, em torno de 20. Isso era algo que eu estava dizendo, jogue e olhe para si mesmo, isso parece bom ou não? Em seguida, é bastante afiada, então temos a vibração e saturação. Agora, a diferença entre estes dois. Vamos começar com isso porque ambos realmente alteram as cores. Quando eu aumentar a vibração, você verá que temos uma imagem mais saturada, mas a mesma coisa também vale para a saturação, é claro. Agora, a saturação é uma batida uniforme da intensidade de todas as cores em sua foto, independentemente do ponto de partida de suas cores. Agora, isso pode resultar em recortes e sobreaturação de tons de pele, deixando-os muito laranja ou natural. Tal como acontece com a vibração, é uma ferramenta inteligente que aumenta inteligentemente a intensidade das cores mais silenciadas e deixa as cores ordenadas bem saturadas sozinhas. É um preenchimento de luzes, mas para suas cores. A vibração também evita que os tons de pele se tornem excessivamente saturados e não naturais. Se você olhar em um escopo vetorial, você também verá que o vermelho está mais saturado desde o início. Então, quando eu vou aumentar a saturação, você também vai ver que ele aumenta muito em direção a esses lados. Agora você pode ver que realmente o blues, nós podemos definitivamente ver que aqui e os vermelhos estão pouco mais saturados quando eu mover isso para o máximo. Mas olha o que acontece quando vou aumentar a vibração agora para ser o máximo. As cores estão agora espalhadas muito melhor. Na verdade, deixa aqueles vermelhos e azuis um pouco sozinhos. Ele os toca, apenas um pouquinho, mas não muito, mas vai funcionar mais nas outras cores para ter um aumento muito melhor dessas cores. Agora, se você ouvir minha história, você diria que eu sempre vou usar vibração. Bem, isso não é verdade. Você sempre tem que olhar para a sua situação novamente. O que você precisa? Às vezes você precisa aumentar a saturação um pouco porque você quer ter aqueles [inaudíveis], vermelhos ou azuis ou dependendo de você ver essas cores. Às vezes você quer fazer uma mistura entre esses dois. Isso poderia ser, por exemplo, bem, eu realmente quero aumentar muito a sua saturação. Mas como podem ver, o cabelo dela aqui está começando a parecer castanho em vez de loiras. Eu posso baixar a vibração dessa parte, e agora eu estou recebendo um olhar muito interessante. As cores são muito vivas aqui nos vermelhos e nos azuis, mas seus tons de pele não são. Já outras cores aqui são as magentas e o lado verde aqui, sabendo que vai dizer que seu tom de pele parece bom aqui, mas pode ser uma idéia. Talvez isso seja para olhar para o seu futuro, então é uma boa idéia misturar essas duas configurações. Você também pode ir no lado oposto, talvez derrubar a saturação para ter este olhar muito desbotado ou preto e branco. Mas, mais uma vez, você deseja trazer algumas cores, elas apenas trazem a vibração para ter algo assim. Agora você realmente tem um olhar preto e branco colorido, talvez isso seja algo interessante. É assim que você pode brincar com a vibração e a saturação. Vou redefinir isso novamente porque a última configuração aqui é a tonalidade de sombra e realce. Como o nome diz, vamos adicionar uma cor e você poderia apenas falar a partir da roda de cores, e isso também é algo que vimos no início deste curso, esta roda de cores. Você pode atribuir isso a essas sombras e também aos destaques. Por exemplo, eu quero ter um pouco mais amarelo nas sombras para que você possa apenas trazer isso para o lado amarelo, e eu vou apenas exagerar aqui. Destaco e vou adicionar azul a ele. Agora lembrem-se que estamos alterando aqui as sombras e os destaques. Estes não são os negros e os brancos. É diferente. É o mesmo que nas suas correções básicas aqui. Nós também temos os destaques e as sombras, e como você se lembra, estes não tocam os espaços em branco que estão todo o caminho até aqui no zero. Isso é realmente ótimo, pois vai deixar seus negros e brancos como eles são. Mas quando eu olho para a minha imagem agora, na verdade é mais azul do que amarelo, ou eu toquei em ambos. Onde está o meu amarelo? Bem, esse é o equilíbrio da tonalidade. Atualmente seu conjunto no meio, que está em algum lugar bem aqui em 50 por cento. O que ele vai dizer também, tudo acima disso, já destaca e tudo abaixo que já sombras. Mas você também pode mover essas partes, por exemplo, para o lado esquerdo. Quando eu vou fazer isso você vai ver que agora é mais azul, e isso é porque nós movemos esses pontos para baixo. Agora estamos em algum lugar em torno de 20 por cento ou talvez 10 por cento, e ele vai dizer tudo abaixo dos 10 por cento já sombras e tudo acima disso, que é muito mais informação como você pode ver, são agora o destaques. É por isso que mais agora é azul, ou se levarmos isso para o lado direito, vocês verão agora que podemos ver o amarelo muito melhor. Isso é porque trouxemos esse equilíbrio de matizes até aqui. Talvez estejamos agora em torno de 70, 80 por cento em algum lugar, e ele realmente disse, bem, tudo acima dos 70% é azul, que não é muita informação, mas tudo abaixo de 70, o que é tudo essa informação agora, já sombras. Agora sempre use esse equilíbrio de tonalidade enquanto olha para a sua imagem. Talvez eu queira ter um pouquinho de azul aqui em seu rosto que é mais para os destaques, e o resto pode ser muito mais quente. Vamos levar isto para o lado esquerdo até veres um molde azul na cara dela assim. Agora eu realizei o efeito que eu quero você. Novamente, se você quiser redefinir qualquer um desses valores, basta clicar duas vezes sobre eles, e isso irá trazê-lo de volta a zero. Na próxima lição, vamos dar uma olhada no terceiro toque dentro das ferramentas de cor lumetri e que curvas RD, e são na verdade duas grandes partes aqui. Temos as curvas RGB e temos a curva de saturação de matiz, mas isso é para a próxima lição. Obrigado mais uma vez por assistir. 15. Curva RGB: Vimos tudo desde a guia Criativo, e isso significa que agora podemos ir para a guia Curvas. Vamos começar com as curvas RGB bem aqui. Agora, vamos começar explicando o que isso realmente é. Como podem ver, temos uma linha bem aqui e temos uma área negra atrás disso. Agora, a primeira coisa que você pode querer saber é que podemos pegar esta linha e posicioná-la em outro lugar. Já, você pode ver que ele faz algo à nossa imagem. Agora, ele cria este ponto como você pode ver. Atualmente, temos apenas um ponto. Você sempre pode pegar esse ponto de novo e colocá-lo em outro lugar. Mas também podemos clicar em outro lugar nesta curva e criar um segundo ponto. Ele sempre funcionará em uma curva, então você não pode fazer linhas retas nela. É por isso que é chamado de curvas RGB. Há também um ponto abaixo aqui que podemos pegar, e há também um ponto aqui em cima que também podemos agarrar e nos mover. Estamos trabalhando atualmente na linha branca. Isso significa que estamos trabalhando na exposição. Isso significa que todas as três cores juntas: vermelho, verde e azul. Mas também podemos mudar uma dessas cores separadamente. Por exemplo, este tiro é muito azul. Vou redefinir isso primeiro clicando duas vezes aqui. Então, eu vou clicar no ponto azul aqui mesmo. Agora só posso mudar as cores azuis. Por exemplo, há muito azul aqui. Eu posso pegar essa curva e derrubá-la. Agora, você pode ver que estamos tirando o azul dele, e já parece um pouco mais natural agora. Essa é uma maneira de consertar suas vacinas. Trabalhando com essas curvas, podemos brincar com as cores individuais. Temos mudado essas curvas agora. Mas como funcionou? Para isso, vou reiniciá-lo novamente e voltar para as curvas brancas, que é a exposição. Aqui em cima podemos encontrar os destaques ou os brancos e abaixo aqui podemos encontrar as sombras ou os negros. Então, há esta linha aqui, a linha branca, e que representa o nosso videoclipe. Aqui em cima podemos encontrar de novo os brancos, e um pouco abaixo temos os destaques. Então, aqui embaixo temos os negros de novo e aqui em algum lugar estão as sombras. Então, aqui no meio temos os tons médios, é claro. Agora, eu vou pegar o ponto todo o caminho para baixo aqui, e eu vou arrastar isso para cima. Você vai ver que eu vou adicionar exposição aos meus negros e que ele vai desaparecer a imagem de alguma forma, ou eu também posso adicionar mais preto a isso indo para o outro lado, para o lado direito aqui porque bem aqui estão todos os negros. Já podemos ver que podemos realmente adicionar contraste ao nosso clipe, se eu mover esta barra para a direita e a outra parte mais para os destaques. Lá vamos nós. Mas para isso, eu vou para o meu outro clipe bem aqui. Bem, eu vou adicionar contraste aqui. Eu posso apenas pegar meus negros, movê-lo mais para os negros, pegar meus brancos e movê-lo mais para aqueles foram destaques ou brancos novamente. Agora, temos um belo contraste adicionado ao meu clipe. É o mesmo que quando eu vou adicionar contraste com as ferramentas básicas de correção aqui, controle deslizante de contraste. Mas vamos ver o que mais isso é possível porque estamos trabalhando em curvas agora. Atualmente, eu desenhei uma curva linear, o que significa uma linha reta. Isso nem sempre é tão bom porque, como podem ver, estou pegando os negros e na verdade estou batendo aqueles negros, a mesma coisa com os destaques. Estou caindo ou cortando os destaques. Você também pode ver isso aqui. Você também pode ver isso neste lugar bem aqui. É por isso que eu tenho esse clipe de novo aqui. Deixe-me desenhar uma linha diferente aqui. Eu não vou pegar os negros supremos agora, mas eu vou pegar as sombras. Isso significa que eu tenho que clicar em algum lugar bem aqui, um pouco abaixo daqueles negros. Eu só vou mover isso para cima, adicionar um pouco mais de exposição a esses destaques. Então, eu vou fazer exatamente a mesma coisa, mas depois para as sombras. Não leve os negros bem aqui, mas apenas um pouco para cima em torno dos 10% em algum lugar e traga isso para baixo. Basta olhar para a sua forma de onda e, ao mesmo tempo, para as suas imagens, bem, para o quão longe você pode ir com isso. Mas como você pode ver, os brancos sempre permanecerão brancos e os negros sempre permanecerão negros. Não vamos esmagar essas coisas. Isso preserva os detalhes nele. Agora, também temos uma imagem maravilhosamente contrastada. Quando eu vou comparar este com o outro, que tinha uma curva linear, como você pode ver, a curva S parece muito melhor agora, pois preserva esses detalhes aqui nas sombras. Olhe para essas partes. Muito melhor, como pode ver. O mesmo vale para os seus destaques, ele preserva aqueles muito melhor. Coloristas também vai sempre falar sobre a curva S, uma vez que altera seus contrastes muito mais natural. Agora, se você quiser trazer para cima ou para baixo seus tons médios ou apenas a exposição normal, você pode sempre pegar o meio dele e simplesmente movê-lo para cima ou para baixo. Agora, aqui está uma coisa interessante que eu quero mostrar a vocês. Para isso, vou voltar à minha primeira imagem. Agora, o que eu posso realmente fazer com essas curvas é tornar meus negros completamente brancos apenas trazendo tudo para cima. O que eu também posso fazer é pegar meus brancos e trazê-los até os negros. Isso cria uma imagem negativa. Você também pode ver que minha linha está agora em uma posição negativa. Essa já é uma maneira de fazer seu clipe parecer negativo. Mas também permite que você entenda como as curvas funcionam. Vamos voltar para o primeiro. Porque nós vamos tentar corrigir esta imagem porque, deixe-me apenas redefinir isso novamente, nós temos vários problemas. A primeira é que está subexposta. Toda a informação aqui fica abaixo dos 50% e até temos algumas partes subexpostas. Como você pode ver, a blusa dela aqui, quase fica no zero. Então, também esta imagem é muito azul, então temos que corrigir a cor também. Agora, já que estamos trabalhando com as curvas RGB aqui, vou trazer uma nova ferramenta de medição. Clique com o botão direito do mouse aqui, e eu vou dizer o Parade RGB. Além disso, para facilitar um pouco, vou desmarcar “Vectorscope” para que possamos ver a forma de onda e o desfile RGB aqui à direita. Agora, temos vermelho, verde e azul. Nós também temos isso aqui em nossas curvas; nós temos vermelho, verde e azul. Isso significa que podemos mudar qualquer um destes em separado. Por exemplo, eu já posso ver que o blues é demais. Mas onde exatamente? Bem, ele está falando em seus destaques. O que poderíamos fazer é pegar os destaques aqui e apenas trazer isso para baixo para que de alguma forma corresponda ao verde assim. Para os vermelhos, eu só vou pegar isso e trazê-lo um pouco para cima porque os vermelhos estão apenas deitados lá por si mesmos abaixo assim. Além disso, para os negros, você sabe que seus vermelhos estão colocando muito lá em baixo. Então, basta trazer isso para cima, só um pouquinho assim. A mesma coisa para o blues. Eu só vou derrubar isso também. Basta clicar em blues e apenas tomar esse ponto para que de alguma forma corresponda. Como você pode ver, eles agora estão todos na mesma linha. Concentrando-se apenas no desfile RGB e tentando fazer todas essas três cores jogarem exatamente os mesmos níveis, você já pode corrigir suas fotos assim. Mas há uma última coisa que temos que fazer e que é a exposição, é claro. Basta clicar nos brancos agora. O que eu quero fazer é pegar os brancos e trazê-lo todo o caminho para algum lugar por aqui, para o 90. Eu vou adicionar alguma curva aqui porque a maioria dos tons médios [inaudível] também estão colocando caminho em direção ao preto. Eu só vou perfurar uma curva nele e já começa a parecer muito melhor. Talvez seja demais aqui nos destaques, então abaixe isso um pouco. Só que parece um pouco avermelhado e você também pode ver isso, então talvez eu vou derrubar os vermelhos um pouco mais. Algo assim. Você sabe que isso realmente parece muito bem se você sabe de onde estamos vindo. Se você olhar para o antes e o depois agora, este é o antes, muito azul e subexposto. Este é o depois agora. As cores estão agora muito melhores. Eu não vou dizer que é perfeito, mas muito melhor, e também a exposição agora também é muito melhor. É assim que podemos usar as curvas RGB. Você vai mudar os vermelhos para verde e os azuis aqui. Você sempre vai usar seu desfile RGB em seus escopos Lumetri quando você vai mudar essas cores para que você saiba o que eles fazem em segundo plano. Outra maneira de saber quando suas cores estão deitadas umas sobre as outras é clicando com o botão direito do mouse aqui, novamente, em seus Escopos Lumetri. Vá até Tipo de forma de onda e selecione o RGB. Então, você pode ver se eles estão deitados um sobre o outro ou não. Já posso ver que os vermelhos não estão deitados tão bem aqui nas sombras, então talvez traga isso de novo um pouco mais assim. Talvez derrubar os verdes um pouco para que ele vai cobrir os vermelhos lá. Este é um processo difícil e às vezes também demorado para tê-los deitado um sobre o outro de alguma forma. Como sabe a ideia por trás disso? Eu diria que só brinque com essas curvas. Você tem este arquivo de projeto também. Você pode trabalhar mais nisso ou simplesmente começar de novo com a gravação de teste que você também pode baixar. Isso é tudo para as curvas RGB e como elas funcionam. Na próxima lição, vamos dar uma olhada na curva de matiz e saturação, que também é algo muito interessante. Obrigado mais uma vez por assistir. 16. Curva de saturação: Então, na lição anterior, vimos como as curvas RGB funcionam e agora vamos dar uma olhada nas curvas de saturação. Sim, de fato, também a saturação pode ser alterada em direção a curvas. Aqui temos a roda de cores novamente, e basicamente como funciona é que podemos fazer esse círculo interno maior, ou menor. Se você olhar para a nossa imagem também, você pode ver que nós vamos adicionar mais saturação se nós vamos mover isso para cima, ou nós também podemos diminuir a saturação e torná-lo preto e branco se nós vamos mover isso para baixo. Novamente, clique duas vezes para redefinir. Agora, a grande coisa aqui é que nós também podemos criar pontos neste círculo. Por exemplo, gostaríamos de isolar as cores vermelhas. Então isso significa que vou viver o Homem-Aranha muito mais nos fundos. Para isso, eu apenas clique aqui em algum lugar nos vermelhos para criar um ponto para isso, e para isolar isso, eu vou criar mais dois pontos ao lado dele. Isso significa que quando eu vou tomar o ponto médio agora, eu posso aumentar a saturação apenas para os vermelhos. Além disso, se você olhar para o seu escopo vetorial aqui, os escopos Lumetri, você pode ver o que ele faz com os vermelhos. Assim podemos aumentar os vermelhos ou diminuir os vermelhos. Isso nos dá muita personalização para a saturação das cores. Se eu vou aumentar os vermelhos por agora, você pode ver que o Homem-Aranha é muito mais vívido, mas também, podemos derrubar o resto das cores. Se vamos derrubar o ponto esquerdo aqui, assim, e também os pontos certos, em direção a isso, você pode ver que temos um grande efeito agora. Tudo está em preto e branco, exceto as cores vermelhas. Isso também é chamado de efeito Cidade do Pecado. Agora devemos ser honestos que este clipe não é tão bom para fazer isso porque temos tantos tons de cores aqui e isso significa que temos que aumentar os intervalos enquanto você pode ver o que ele faz aqui. Às vezes temos que aumentar isso, este alcance para aceitar totalmente todos os vermelhos aqui, talvez você vai em algum lugar magentas. Aqui você pode ver o que ele faz com o nosso Homem-Aranha. Mas também, novamente, você pode adicionar mais pontos a ele. Então talvez se você estiver pegando muito amarelo aqui, apenas crie outro ponto e faça uma curva fora dele. Isso também é o que o nome diz, é uma curva de saturação. Então não tenha medo de adicionar muitos pontos aqui, fazer curvas, é para isso que serve essa coisa. É assim que você pode realmente isolar completamente apenas a cor vermelha do Homem-Aranha. Se você deseja redefinir isso, novamente, basta clicar duas vezes em sua curva de saturação. Agora abaixo você vai encontrar várias cores, e isso é, por exemplo, quando você quiser selecionar os vermelhos, você pode simplesmente clicar sobre isso e ele irá criar automaticamente três pontos aqui, e você pode então apenas mover para cima aqueles vermelhos para aumentar a saturação disso. mesma coisa vale para o blues, se você quiser alterar o blues, em seguida, basta clicar no azul, e ele irá automaticamente criar esses três pontos novamente. Então você pode fazer isso manualmente, com a ferramenta Caneta aqui, basta clicar em qualquer lugar onde quiser, ou você já pode selecionar qualquer uma dessas cores aqui. Agora nem sempre significa que você vai fazer mudanças drásticas como eu fiz com o Homem-Aranha. Mas às vezes, por exemplo, você quer ter um tom de pele mais natural, e então você pode selecionar em algum lugar aqui, o amarelo, laranja este lado aqui, e apenas mover essa saturação um pouquinho até alterar esses tons de pele e fazê-la parecer muito mais viva. Se olharmos para o antes e o depois, você verá que as mudanças são apenas menores. Na verdade, muito mais para o cabelo dela, mas isso também é por causa da saturação ali. Então é assim que as curvas de saturação funcionam. Você pode isolar uma cor e alterar sua saturação dela. Na próxima lição, vamos para o próximo passo novamente, e que são os movimentos de cor. Mais uma vez, obrigado por assistir. 17. Rodas de cores: As rodas coloridas. Outro toque dentro de nossas ferramentas de cores no Lumetri. O que podemos encontrar aqui são os três níveis, as sombras, os tons médios e os destaques. Novamente, as sombras não são os pretos anti destaques ou não o branco, então lembre-se disso. Agora, o que essas rodas coloridas fazem? Bem, eles são na verdade um pouco iguais às curvas que vimos nas lições anteriores. Quando eu vou diminuir as sombras e eu vou aumentar os realces, eu posso criar contraste exatamente como usar as curvas RGB aqui. Mas às vezes eu prefiro usar as rodas coloridas, como você pode pensar que isso não me dá tanta liberdade. Bem, as rodas de cor são muito mais controladas como com as curvas que não são controladas. Deixa-me mostrar-te isso. Eu vou primeiro redefinir esses valores aqui apenas clicando duas vezes neles. Quando eu vou voltar para Curves, deixe-me apenas fazer uma curva, por exemplo, eu vou derrubar as sombras, trazer os destaques, e talvez adicionar outro ponto aqui, e fazer outra coisa Bem ali. Já pode ver o que está fazendo aqui. Quando eu vou mudar um valor, por exemplo, este ponto, ele também vai mudar os outros valores como aqui e lá em cima e é por isso que as curvas não são tão controladas. Estou começando a ficar com medo da Kim agora. Eu só vou redefinir esses valores aqui porque isso não parecia muito bem. Quando eu voltar para minhas rodas de cores agora e eu vou mudar minhas sombras, e então eu vou mudar meus tons médios, eu tenho certeza que eu não estou mudando o valor agora mesmo. Portanto, isso é muito mais controlado. O que posso fazer é aumentar a exposição de cada nível. Novamente, para criar contraste, derrubar as sombras e trazer os destaques e , em seguida, talvez mudar algo dos tons médios para definir bem a exposição. Esta já é uma maneira de adicionar algum contraste ao seu tiro. Se você ver o antes e o depois, isso parece bem. Mas isso nos dá um mais controlado como você pode ver, com as rodas de cor também. O que podemos realmente fazer é atribuir uma cor aos tons médios ou realces das sombras. Por exemplo, o que às vezes queremos fazer é tornar o tiro um pouco mais quente, mas queremos manter certas cores em um certo nível. Isso poderia, por exemplo, ser bem os destaques e as sombras são boas. Agora, eles estão parecendo pretos e eles estão parecendo brancos, então eles estão bem. Eu não quero mudar as cores disso, mas eu gostaria de tornar a cena um pouco mais quente. O que eu posso então fazer é apenas um pouco de calor para os tons médios como esse. Então não tocará muito dos destaques e das sombras. Como se eu mudasse a temperatura da cor das ferramentas básicas de correção, então mudará as sombras, anti-destaques mais como você pode ver aqui. Se você gostaria de fazer o seu tiro um pouco mais quente, pelo menos sugere usar as rodas de cores e apenas pegar os tons médios para isso. Mas há mais que podemos fazer com isso, por exemplo, e isso é algo que vimos no início deste curso, há cores opostas ou contrastantes. Se olharmos para a roda de cores, por exemplo, os amarelos aqui, eles são o oposto dos azuis. Se pensarmos nas sombras, também pensamos em blues porque quando é noite é escuro, pensamos no azul, o luar também é azul. Eu vou adicionar um pouco mais de azul naquelas sombras e não tenha medo de adicionar o suficiente para isso. Então, para os destaques quando pensamos na luz, no sol, à luz de velas, talvez esteja tudo quente. É tudo amarelo, laranja. Vou aumentar isso, os destaques em direção a esse site para que pareça mais quente. Estamos agora a criar algo muito interessante aqui. Na verdade, estamos adicionando mais contraste à cena sem alterar os níveis. Como não há azul nas sombras, parece que as sombras são mais profundas ou mais pretas, enquanto na verdade não é, estamos apenas mantendo os detalhes lá dentro. A mesma coisa vale para os destaques. Parece que aumentamos a exposição dos destaques, mas não é, acabamos de adicionar um pouco amarelo a ele. Mas nossos cérebros inventam isso porque atribuímos amarelo a cores brilhantes, a coisas brilhantes. Esta é também uma técnica que é usada em muitos filmes de Hollywood. Por exemplo, você viu um dos filmes Transformers. Eles até foram muito extremos nisso. Basta prestar atenção a essa classificação, o que eles fizeram foi adicionar um monte de azul naquelas fotos e ainda mais laranja nos tons de pele. Eu acho que eles ainda adicionaram um pouco mais, bem como a partir dos tons médios e eles criaram algo assim, talvez adicionar algum contraste mais real trazendo isso para baixo e trazer os destaques para cima. Mas esta é a aparência do que os Transformers usavam. Porque nos dá a impressão de que há muito contraste e contraste é cinematográfico, definitivamente em filmes de ação. É assim que as rodas de cor funcionam. Podemos atribuir cores diferentes para cada nível, mas é muito mais controlado e não vai selvagem como com as curvas. Isso nos leva às últimas configurações dentro controles de cor Lumetri e essa é a vinheta. Mas vou deixar isso para a próxima e última lição deste capítulo. Obrigado por assistir. 18. Correção de cores secundária (extra): Bem-vindo a, novamente, uma lição adicional para este curso, porque, como você sabe, Adobe lançou uma nova atualização e novos recursos, programa de estudantes em junho de 2016. Se você ainda não fez essa atualização, definitivamente fazê-lo porque eles adicionaram agora esses corretores de cores secundários. Na verdade, havia a última coisa que eu estava faltando na sua ferramenta Métrica. Vamos começar e olhar para aquela coisa. Você pode achar que há uma aba extra dentro de sua ferramenta, então embaixo das rodas de cor você pode encontrar HSL secundário. Clique sobre isso, e você vai encontrar um monte de botões e controles deslizantes e rodas de cores e tudo mais. Mas não fique muito assustado ainda porque é realmente muito simples e muito legal também, uma vez que você sabe como usá-lo. Vamos começar. A primeira coisa que temos que fazer, vamos basicamente toda a idéia desta ferramenta é selecionar uma cor específica em sua captura de vídeo para que possamos manipular essa cor específica. Vamos definir que isso é cor. Basta tirar o seletor de cores, e por exemplo, nós vamos selecionar a camisa azul desse cara. Você quer apenas clicar em algum lugar, realmente não importa onde, nós vamos ajustar isso mais tarde. Então podemos adicionar outra cor, e isso é para selecionar um tom diferente daquele azul. Agora selecionamos uma parte mais brilhante, e para a cor da arte, vamos selecionar cores mais escuras, então em algum lugar aqui embaixo. Basta clicar nisso, e agora temos dois tons de azul. Em seguida, você também pode selecionar para remover uma cor. Digamos que há algo que vem muito perto daquele azul, talvez algum verde, por exemplo, a grama bem aqui. Se você tem medo disso, você pode selecionar a grama no fundo e dizer para remover isso. Todas essas coisas que você está selecionando aqui estão realmente sendo mostradas visualmente na HSL e é daí que essa coisa vem. É saturação de uso e leveza. Está fazendo a seleção automática para você. Mas você vai notar é que uma vez que você está fazendo isso também, que não será tão conveniente. Digamos que nove em cada 10 sempre terão que entrar nessas coisas e configurá-las corretamente manualmente. Há uma configuração muito legal que pode ajudá-lo com isso. Há esta pequena caixa de seleção aqui, basta clicar nela e que irá isolar essa cor já para você, que aqui você possa ver qual será a saída. Agora, atualmente, a máscara ou a chave é mostrada como a própria cor, e um cinza, que vai ser deixado de fora. Mas você também pode selecionar algo diferente, por exemplo, cor e preto, ou você também pode selecionar branco e preto, então o branco é agora a seleção. Note que isso depende basicamente de você o que você mais prefere. Normalmente sou o cara que escolheria a cor anti-preta. Agora, você pode ver que a seleção não foi feita tanto. Bem aqui nas sombras aqui você pode ver que nem tudo foi selecionado muito bem. Você pode realmente mudar essas coisas aqui para que ele possa fazer o intervalo maior para você se a cor não foi bem selecionada, ou ele também pode aumentar isso mais longe para que ele leva um pouco mais de alcance, mas na área mais distante. Agora geralmente a tonalidade é selecionada muito bem ao usar as ferramentas automáticas aqui. Se você acha que só piora ao alterar esta opção aqui, então, logo abaixo de suas ações, digite, traga-a de volta ao padrão. Se olharmos então para a saturação anti-leveza, e geralmente aqui você verá uma mudança grande ou drástica às vezes. Eu só vou aumentar esse alcance, e você já pode ver que mais coisas estão selecionadas aqui. Basta aumentar isso, agora não aumenta muito porque você já pode ver o que acontece aqui, eu estou selecionando peças que eles não querem selecionar. Eu só jogo com isso também com os bits mais distantes para que essas bordas não são muito difíceis, até que você é capaz de selecionar a maior parte de sua camisa e que a mesma coisa vai para a sua luz, isso é bem, faz aumentar isso e já aqui você pode ver que estamos recebendo muito mais camisa acabada. Você também vê alguns pedacinhos bem aqui? Geralmente não é grande coisa. Se você tiver algumas outras partes selecionadas também, você sempre pode criar uma máscara, a propósito, em torno de sua camisa. Mas neste exemplo, eu não estou muito preocupado com esses pequenos pedaços aqui, mas eu estou mais preocupado em mascarar mais tarde neste curso. Eu acredito que eu tenho tudo selecionado agora, eu poderia querer mudar o mais longe um pouco mais, lá vamos nós, eu estou muito satisfeito agora. Se o seu resultado ainda não está tão bem, você sempre pode refinar isso adicionando um pouco de embaçamento a ele, então este é um real mais longe, e eu não estou aconselhando a usar isso a menos que você esteja realmente tendo um problema ao selecionar seu cor. Você também pode usar um denoise se você tem alguns desses dedos acontecendo aqui nas bordas em algum lugar, então você pode usar isso. Novamente, não use se você não ver nenhum desses dedos nas bordas. Em seguida, basta desligar sua máscara porque estamos feitos, nós selecionamos a cor. Agora, se você entrar em rolagem para baixo, temos todas essas ferramentas que não estamos muito familiarizados com para mudar essa cor. Podemos usar a roda de cores unidirecional para mudar a cor dessa camisa. Normalmente você não vai ter grandes resultados com essa coisa. É por isso que eu geralmente aconselho a usar as rodas de cores de três vias, basta clicar neste botão aqui, e agora podemos mudar muito mais do que apenas os tons médios. Por exemplo, nas sombras, podemos adicionar mais disso, digamos mais verde e, em seguida, nos tons médios, talvez ir um pouco mais para o lado amarelo para dar a esta camisa verde. Também aqui nos destaques, porque pessoal, estamos misturando cores aqui. Não estamos mudando essa cor de camisas azuis e agora estamos adicionando amarelo a esse azul, que resulta em verde, se você se lembra das primeiras lições. Agora temos uma linda camisa verde. Olhe para isso, e é tão fácil que simplesmente do que os resultados finais são bastante impressionantes. Se você tem alguém que está usando as camisas coloridas erradas ou algo assim, você sempre pode alterá-lo e postar. Também coisas como a temperatura podem mudar aqui mesmo. Tinta, contraste, mais nítida e saturação, todas essas ótimas ferramentas. Agora eu estou indo muito rápido sobre isso porque quero ir para uma coisa muito legal. Se puder se lembrar do filme “Cidade do Pecado”. O que eles fizeram na Cidade do Pecado é realmente fazer tudo preto e branco e só tinha uma cor, e essa era a cor vermelha, aparece naquele filme. Isso tornou também muito especial, é muito bom filme também. Se você ainda não viu esse filme, definitivamente assista. Vamos também fazer isso, mas em vez de preto e branco e vermelho, vamos preto e branco e azul. Eu só vou redefinir todas essas coisas aqui para apenas fazer isso, e eu cliquei em todas essas coisas, e eu estou voltando para a minha chave bem aqui. Porque o que eu vou dizer agora é que em vez de trabalhar em uma seleção, nós vamos inverter isso e dizer trabalhar em tudo o resto, exceto a seleção. Isso é feito por realmente um simples clique e ele tem este botão bem aqui, ao lado da sua máscara. Basta clicar nisso. Agora invertemos essa coisa toda. Agora o que eu vou rolar para baixo na saturação úmida, e o verde fica todo longe para baixo, agora você vai ver que todas as cores se foram, exceto aquele lindo azul. Agora temos aquele visual da Cidade do Pecado, só que agora é azul em vez de vermelho. Mas é assim que funciona a ferramenta Correção de cores secundárias. Isso também é usado para permitir que tons de pele selecionem aqueles para torná-los mais quentes do que o resto da cena. Isso geralmente não é tão fácil de fazer como tons de pele é uma cor que volta, geralmente no fundo também. Deixe-me clicar duas vezes de volta na saturação, se pudéssemos selecionar esses tons de pele bem aqui, é isso voltar nesses prédios também, nós temos essas letras aqui, então definitivamente não vai ser fácil. Mas novamente, eu tenho uma lição neste curso que irá cobrir o trabalho com tons de pele, e nós vamos usar a técnica de mascaramento. Isso é muito legal também. Muito obrigado por assistirem e vejo vocês na próxima aula. 19. Mascarar e rastrear: Ei pessoal, bem-vindos de volta ao último capítulo deste curso. Neste capítulo vamos dar uma olhada em algumas das coisas mais avançadas dentro do processo de correção de cores e vamos começar com o mascaramento nesta lição. Agora, em primeiro lugar, o que é mascarar? Bem, eu tenho uma foto bem aqui da Kim. Kim, ela está andando de um ponto para outro e eu gostaria de fazer uma correção de cor apenas no rosto dela. Há algumas coisas que temos de fazer. Primeiro de tudo, temos de isolar o rosto dela, mas também temos de apanhá-la porque ela está a mover-se. Vamos dar uma olhada em como podemos fazer isso. Primeiro de tudo, vamos duplicar esta camada. Porque se vamos mascarar o rosto dela, então só veríamos o rosto dela e isso deixaria um fundo preto. Portanto, precisamos ter uma duplicação dessa camada e a maneira mais fácil de fazer isso, é mantendo pressionada a tecla “Alt” no teclado e, em seguida, arraste o clipe para o canal número 2. Assim, e isso irá duplicar exatamente o mesmo clipe de vídeo. Agora, o que você selecionou na camada superior, vamos para os controles de efeitos e, a partir daqui, abrir a guia Opacidade. Já você tem algumas ferramentas de onde você pode fazer um mascote. Vou selecionar a ferramenta de caneta normal. Agora, primeiro vou ampliar um pouco mais o personagem. Vou definir isto para 100 por cento aqui e localizar Kim, lá está ela. Eu vou pegar a ferramenta de caneta, como eu disse antes, e agora eu apenas desenhar uma máscara em torno de seu rosto. Vamos começar de algum lugar aqui. Você pode fazer isso muito duro se você quiser, porque nós vamos jogar com algumas penas depois. Algo como isto. Lá vamos nós. Agora, se eu desativar a camada abaixo, você verá que tudo é preto e nós apenas ajustamos isso de volta para caber, e veremos que agora tudo é preto e só o rosto dela é visível. Então é por isso que precisávamos adicionar a segunda camada, essa duplicação sem a máscara, é claro. Agora o que podemos fazer é, podemos fazer mudanças nisso. Por exemplo, vou apenas exagerar para que possam ver o que está a acontecer. Vou adicionar muita exposição a ele. Você já pode ver que só agora estamos afetando seu rosto. Então, isso é ótimo. Agora, você pode ver essas bordas duras aqui embaixo. Eu vou apenas fazer zoom de volta, eu vou fazer isso mais vezes eu acho. Bem aqui, você pode ver essas bordas duras. Podemos de alguma forma removê-los, aumentando a pena da máscara. Então, dentro de seus controles de efeito, aqui está a máscara, máscara número 1, podemos aumentar a pena e aumentando que você verá que, essa borda dura será visível menos. Agora, também podemos brincar com a expansão. Pode ser que sua máscara era um pouco pequena demais, então você pode aumentar a expansão para fazer sua máscara maior ou torná-la menor como você pode ver o que está fazendo. Então nós temos nossa máscara, agora vamos dar uma olhada no que gostaríamos de mudar. Vou reiniciar esta exposição aqui. Primeiro de tudo, gostaríamos de estourar seu rosto e agora essas são coisas que estão sendo feitas muito. O rosto é algo que olhamos. O rosto é algo que tem que ser afiado. Vamos começar adicionando um pouco de nitidez a ele. Aumente a nitidez na guia Criativo. Algo assim, não muito porque você não quer ver muita diferença entre o rosto dela e o resto do vídeo. Algo por volta dos 30 parece bem. Então vá para a correção básica e talvez sua pele pareça um pouco azulada, então vamos adicionar um pouco mais de calor nela. Só um pouquinho assim, e talvez também aumente a exposição, mas não muito. Certifique-se de que ainda pareça natural. Pouco assim, pode ser diminuído seus destaques, como você está ficando um pouco demais, você está no lado direito e, em seguida, aumentar algum contraste. Isso é algo com que você pode brincar. Mas se vamos dar uma olhada no antes e no depois agora, você verá que ele realmente faz um bom trabalho. Sua pele agora parece muito melhor e Kim parece e mais viva. Mas quando eu vou tocar isso, você vai ver que a máscara realmente vai ficar neste ponto bem aqui. Vou desativar a primeira ninhada novamente, agora podemos ver o que está acontecendo. Tudo começa em um grande ponto, mas quando ela começa a se mover, ela sai da máscara. Então temos que rastrear a máscara com o rosto dela e isso é muito fácil de fazer. Eu vou voltar para o modo Ajustar aqui, e da máscara aqui em cima, nós temos o caminho da máscara, e a partir daí nós podemos realmente animar essa máscara ou realmente fazê-la rastrear. Agora, nós temos vários controles aqui, este aqui vai apenas tocar o clipe e ele irá automaticamente rastrear a máscara com o rosto dela, mas também há alguns outros controles que também podemos reverter a reprodução, nós você não tem que rastrear a máscara de uma maneira para a frente. Também podemos fazer isso para trás ou também podemos mover um quadro para a frente ou ir um quadro para trás. Agora, a razão pela qual temos esse quadro para trás e para frente, é porque às vezes sua máscara não colará tão bem a um determinado objeto em movimento, e então você deseja ajustar a máscara enquanto você está fazendo o rastreamento. Mas na maioria dos casos, os rostos acompanham muito bem. Então vamos ver como vai ser. Vou selecionar minha máscara para que eu possa vê-la aqui e agora eu apenas pressione o botão “Play”. Como você pode ver, está indo muito bem. Um conselho aqui, mantenha o mouse no botão Parar, porque se você ver que a máscara iria enlouquecer em um determinado ponto, você sempre pode pressionar “Parar” e, em seguida, ajustar a máscara para que talvez agarrá-la e posicioná-la no lugar correto. Para mim, isso foi bem legal. Então eu vou deixar onde estava e então você pode continuar. Como você pode ver aqui, ele está criando todos esses quadros chave. É animador, isso é ruim. Agora, até aqui. Agora, ela está fora da imagem. Pressione “Ok”, e tudo está feito. Quando eu estiver indo para reproduzir este vídeo agora, eu vou desligar a camada abaixo para que você definitivamente pode vê-lo. Você verá que a máscara está seguindo perfeitamente seu rosto. Eu vou habilitar essa camada agora novamente, você não vai notar que nós realmente fizemos uma correção de cor em seu rosto, mas na verdade ela está muito mais natural. É assim que o mascaramento funciona e também como podemos rastrear essa máscara. Isso é algo que é usado muitas vezes para fazer algumas mudanças em um determinado ponto. Mais uma vez, muito obrigado por assistir. Na próxima lição, vamos continuar com isso, onde vamos animar as cores em vez de uma máscara. 20. Trabalhando com vinheta: Vinhetas, o último controle e controles Lumetri Color. Vamos ver o que isso pode fazer. Como o nome diz, podemos adicionar vinheta ou remover alguma vinheta no seu tiro. Mas vamos ver o que esses controles realmente fazem. Vamos começar com a quantidade, quanta vinheta você gostaria de adicionar. Podemos mover isso para o lado direito, que vai adicionar uma vinheta negativa ou uma vinheta branca ou para o lado esquerdo, que vai adicionar a famosa vinheta preta. Mas vamos começar do lado direito porque eu quero mostrar as outras configurações aqui também. Então o próximo é o ponto médio e ver o que ele vai fazer. Ele irá adicionar mais vinheta ou irá mover o ponto médio mais perto do meio, ou também podemos mover isso para o exterior. É apenas um pouquinho que gostaríamos de mudar. Isso é o que o ponto médio faz. Então temos a redondeza. Se movermos isso todo o caminho para a esquerda, ele vai tirar mais da forma do tiro, que é quase um quadrado. Mas também podemos mover isso todo o caminho para a direita e isso fará um círculo perfeito de sua vinheta. Agora geralmente você não quer ter um círculo perfeito como você tem uma captura de tela larga. Normalmente, você quer ter certeza de que as bordas aqui à direita são do mesmo comprimento que a aqui em cima, de modo que geralmente fica aqui no meio. Mas, novamente, isso realmente depende de suas necessidades. Então finalmente temos a pena. Se eu vou mover isso todo o caminho para a esquerda, você vai ver que nós temos uma linha muito dura, que geralmente não é algo que nós queremos. Mas novamente, se essas são suas necessidades, então você também pode usar isso e também vamos trazer isso para o lado certo. Podemos adicionar mais emplumação a essa máscara ou vinheta. Agora, de que maneiras posso usar vinhetas? Bem, em primeiro lugar, nós já fizemos alguma coisa. Isto é algum tipo de tiro de sonho, um efeito de fumaça talvez. Vou deixar isso com você, mas você pode adicionar alguma vinheta negativa para criar isso e deixar seu personagem sonhar, ou nós também podemos ir para o outro lado para adicionar alguns negros a ele. Redefina essa emplumação novamente e agora temos aquele estilo de skatista, a vinheta típica que vemos às vezes talvez aumente o ponto médio ainda mais, adicione mais penas nele e agora nós realmente temos esse estilo de skatista. Usamos muitos desses vídeos de skate ou outros vídeos de esportes radicais. Mas a vinheta nem sempre é usada para adicionar um certo efeito ao seu vídeo. Também é usado para corrigir sua imagem e para isso eu tenho esta segunda foto bem aqui. Isto foi filmado com uma lente que criou automaticamente alguma vinheta aqui em cima. Você também pode ver isso, e não é o que eu quero, então eu vou remover essa vinheta e eu posso fazer isso com aqui. Em vez de adicionar mais indo para a esquerda, eu vou mover o controle deslizante para a direita e levantar essa vinheta um pouco assim. Talvez seja um pouco demais, está indo longe demais. Eu também vou mudar o ponto médio um pouco. É mais para o lado de fora. Não é muito de vinheta assim e agora parece muito melhor. Quando eu olho para o antes e o depois agora, você pode ver que nós removemos a vinheta e parece muito melhor agora, definitivamente olhar aqui nos cantos, você pode ver que ele fez um ótimo trabalho. Então, como cheio, essencialmente, é como a vinheta funciona. Estes são os controles e isso é o que você pode fazer com ele. Você pode corrigir um clipe com ele ou também adicionar um estilo específico a um clipe. Foi também para o capítulo número 3. Ele vai continuar novamente com um pequeno teste. Desejo-lhe toda a sorte com isso. Então, no capítulo 4, nós realmente vamos mergulhar nas técnicas avançadas porque nós sabemos tecnicamente agora como todos os controles dentro das ferramentas Lumetri Color funcionam, então podemos começar a fazer máscaras agora, podemos fazer qualquer nação das cores, vamos combinar algumas fotos. Nós vamos até fazer algumas notas de tela verde, e finalmente, eu vou deixar vocês com uma conclusão sobre o final deste curso. Obrigado novamente por assistir e também novamente, boa sorte com o pequeno questionário. 21. Transições de cores: Temos um cenário muito típico na linha do tempo agora. Vamos tocar este vídeo e ver o que acontece. As cores aqui são bastante naturais. Tudo parece bem até Kim entrar em espaços diferentes, sala diferente. balanço de branco verde agora está completamente fora de seu caminho para aquecer, então temos que consertar isso. Vimos como podemos fazer isso, por exemplo, com o controle deslizante de temperatura. Então eu vou adicionar um pouco mais de azul neste tiro assim, para que vocês brancos aqui em cima pareçam brancos. Este tiro agora parece natural, mas quando eu vou voltar ao início, agora você vai ver que o resto aqui parece muito azulado, tão frio. Isso não parece mais natural. Temos que animar esta cor. Num ponto em que ela se muda para esta sala, temos que animar a temperatura aqui. Deixe-me redefinir isso de novo. Agora, para animar, temos que criar quadros-chave. A partir das ferramentas de controle lumétrico aqui, não conseguimos criar esses quadros-chave. Temos que entrar em nossos controles de efeitos, e aqui, você também verá efeitos de cor lumétrica. Se você abrir esse efeito, você pode ver todos os selos que nós também temos escrito aqui, correção básica, criativo, etc Quando eu vou abrir essa correção básica, nós novamente temos todas as ferramentas que temos dentro a correção básica como também que as temperaturas mais leves. Você também pode fazer suas notas de cor aqui, mas é claro, isso é visualmente mais atraente para trabalhar como com todos esses números aqui, mas para animá-lo, temos que trabalhar aqui. Então vamos dar uma olhada em como podemos fazer isso. Vou começar pelo ponto em que ela vai entrar nesta sala. Então isso é em algum lugar bem aqui. Eu vou criar um quadro-chave para a temperatura ali, em seguida, mover um pouco mais no tempo aqui mesmo quando a sala estiver visível, e então diminuir esse valor para que nós adicionemos mais azul naquele tiro, que seus brancos pareçam brancos. Você também pode ver esse controle deslizante se movendo enquanto estamos mudando o valor ali mesmo. Agora criamos uma animação. Quando eu vou jogar este tiro agora, você vai ver que as cores são naturais, as cores vão mudar agora e eles continuam parecendo natural. Essa é uma maneira de usar a animação de cores para mudar o equilíbrio de brancos quando você está andando dentro salas diferentes que têm iluminação diferente, mas agora vamos dar um passo adiante. Vou remover o efeito elementar aqui, lá vamos nós. Porque eu realmente gostaria de adicionar alguma classificação nele e eu não quero usar os controles aqui, eu quero usar meus controles de cores lumétricas familiares aqui. Claro que podemos fazer isso, mas não com quadros-chave normais. Agora, temos que trabalhar com camadas de ajuste então. No painel do seu projeto aqui, selecione o novo botão, e pressione a camada de ajuste, em seguida, pressione “Ok, e um novo item está em seu painel de projeto júnior, camada de ajuste, basta arrastar isso para cima do clipe de vídeo. Agora, esta camada de ajuste é algo onde podemos adicionar efeitos, e esses efeitos serão aplicados a tudo abaixo. Nós também poderíamos jogar isso no canal de vídeo número 3, e em outra camada abaixo aqui, então os efeitos que serão aplicados na camada de ajuste também serão aplicados a ambos os canais. Mas por enquanto, vamos deixar isso no canal número 2. Vamos aplicar uma classificação para a primeira parte aqui, onde tudo parece bastante natural. Vou ser muito radical agora porque quero mostrar-te a grande diferença. Vamos fazer uma loucura aqui. Eu vou para as minhas rodas de cor, e eu vou adicionar este verde-azulado muito popular em laranja. Então eu vou adicionar um monte de azul-petróleo ou azul em minhas sombras. Como isso. Vou exagerar, e vou adicionar muita laranja aqui nos destaques. Lá vamos nós. Em seguida, adicione um pouco mais de contraste movendo os realces para cima e movendo as sombras para baixo. Lá vamos nós. Talvez também mover para cima os tons médios, apenas um pouquinho, ir para adicionar de volta à minha correção básica aqui, talvez adicionar um pouco mais de contraste. Algo assim. Está começando a parecer muito desagradável, mas tudo bem, é só para que você possa ver a grande diferença. Esta é a primeira foto que queremos ter até que ele ou ela se mude para cá para esta outra sala e a partir deste ponto, gostaríamos de ter outra coisa. O que vamos fazer é arrastar a camada de ajuste novamente apenas no ponto em que gostaríamos de ter essa mudança. Isso é em algum lugar bem aqui. Vou cortar esta camada de ajuste, adicionar a nova camada de ajuste logo ao lado dela, e agora vou trabalhar nessa segunda camada de ajuste. Novamente, podemos usar todos os controles aqui, então talvez fazer uso das curvas agora. Isso é um contraste mais a partir daqui, aquela bela curva S como vimos neste curso, depois do tablet criativo, basta aplicar muito a ele. Veja o que temos aqui. Lua Azul. Basta pressionar isso. Parece intenso, não é? Vá para a correção básica. Vou diminuir um pouco os destaques porque isso é demais. Temos algo louco agora. Temos dois olhares diferentes. Temos um olhar amarelo alaranjado. Muito desagradável de novo, e agora temos este olhar azulado, também desagradável, mas de duas maneiras diferentes olhares. Agora o que eu vou entrar em jogo isso, você vai, é claro, ver que há um corte duro entre as duas cores, o que não é bom. O que podemos fazer é adicionar uma transição entre estes dois. Vá até seus efeitos, digite aqui, dissolva ou diss e role para baixo. Aqui, podemos achar que a cruz se dissolve. Arraste isso entre essas duas camadas para adicionar uma transição, e então você verá que as cores vão bela transição entre um e os segundos. Agora, a propósito, DJI fez um grande filme aqui também. DJI é uma empresa que faz estabilizadores motorizados como DJI Ronin, Gimbal de três eixos, e o que eles fizeram foi fazer um curta-metragem inteiro em apenas um tiro. Eles tinham todos esses tipos diferentes de cenas, como um visto à esquerda, uma cena dramática, uma cena de ação, etc, e cada uma dessas cenas tem uma classificação de cor diferente. Eles também aplicaram a mesma técnica hoje, fizeram uma certa classificação de cor para uma cena e, em seguida, aplicaram uma bela transição sobre a outra cena como esta. É assim que você pode animar as cores. Uma maneira é apenas animando o efeito real em seus controles de efeitos com os quadros-chave, ou você também pode trabalhar com camadas de ajuste e, em seguida, basta adicionar uma transição de dissolução cruzada entre esses dois, e você pode sempre fazer esta transição por sinal, maior se você desejar assim, então agora leva um pouco mais para fazer a transição de uma para a outra classificação de cores. Lá vamos nós. Agora é mais sutil, ou você também pode, é claro, fazer isso menor se você gostaria de ter uma mudança mais rápida entre as duas cores. De lá vamos nós. Isso foi tudo para animar cores. Muito simples, mas algo que você só precisa saber, e você também vê que você vai usar isso com mais freqüência do que você pensa. Na próxima lição, vamos dar uma olhada em como podemos combinar dois tiros. Acho que é algo que todos procuramos. Temos duas câmeras, filmamos essa entrevista, mas por alguma razão, essas duas câmeras, essas cores, elas não combinam. Então isso é para a próxima lição. Obrigado novamente por assistir. 22. Combinando clipes: Fizemos uma entrevista de Kim com duas câmeras, mas infelizmente, essas duas câmeras não combinam. Este é o primeiro ângulo que temos, é um tiro no escuro. Como você pode ver, as cores são muito cinza, é muito frio tudo. Também é mais suave como dentro deste tiro aqui, que é filmado com uma câmera diferente. É filmado em 4K, o que nos dá essa imagem muito nítida e muito nítida. Além disso, as cores são muito mais saturadas, é mais quente e tudo. Esses dois tiros não combinam, e isso é algo que não podemos entregar se fosse por um cliente. Então temos que fazer algo com as cores aqui. Agora, antes de começarmos, vamos primeiro reorganizar algumas coisas em nosso espaço de trabalho. A primeira coisa que vamos fazer é trazer o monitor de referência, porque gostaríamos de ver essas duas imagens próximas uma da outra se vamos compará-las, é claro. Você pode fazer isso no menu aqui, selecione “Janela”, e então, a partir daí, encontre o Monitor de Referência, está bem ali. Isso vai trazê-lo para cima em uma nova janela, é aqui. Agora, a grande coisa sobre este Monitor de Referência é que ele não está vinculado ao seu indicador de reprodução da linha do tempo como com seu monitor de programa. Se você estiver indo para mover o seu indicador de reprodução, você também vai ver que bem aqui no monitor de programa que ele vai seguir isso, mas isso não acontece em seu monitor de referência, mas é uma apresentação de suas linhas de tempo. Então isso significa que você pode pegar este pequeno indicador de reprodução monitor de referência e movê-lo em qualquer ponto na sua linha do tempo. Mas você simplesmente não vai ver seu playhead também se movendo quando você está fazendo isso. Vamos posicionar este aqui no primeiro clipe e, em seguida, posicionar o indicador de reprodução real no segundo clipe. Para que possamos vê-los um ao lado do outro. Agora, outra coisa que vamos precisar são Lumetri Scopes bem aqui. Nós vamos trabalhar especialmente com o Vector Scope e também um pouco com o Monitor de Forma de Onda, que é bem aqui. Agora, nós também vamos posicionar isso em outro lugar porque senão nós não vemos mais o monitor de referência. Nós só vamos pegar isso e eu vou arrastar isso para o meu painel de projeto bem aqui. Então ele vai usar este espaço ali. Agora temos um tiro número 1 à esquerda, tiro número 2 à direita, nós temos os escopos Lumetri, nós temos a linha do tempo, e também nossos controles de cor Lumetri aqui no lado direito. Agora nós estamos constantemente indo para comparar essas duas imagens enquanto nós estamos indo para combinar essas duas fotos. Agora, antes de prestarmos atenção aos detalhes, vamos primeiro fazer algumas mudanças globais. Isso começa com a saturação ou a vibração da imagem. Eu atualmente tinha a segunda foto visível no meu monitor de programa, e você também vê que aqui no meu Vector Scope há um certo padrão de saturação. Quando eu vou comparar isso com o primeiro gráfico, você verá que a saturação é totalmente diferente. Na verdade, não há muita saturação lá, então vamos aumentar isso. Em seus controles de cores, abra a guia Criativo porque daqui temos tanto a Vibração quanto a saturação. Vamos começar com o Vibrance. Não queremos exagerar porque também vemos no segundo tiro que temos um bom pico aqui. Então, se só aumentarmos a vibração, não criará um pico como você pode ver. Na verdade, só vai fazer esse ponto maior, então não é o que queremos. Você não vai ter esse pico, então vamos trabalhar com a saturação. Então aumente essa saturação. Vamos ver para onde podemos ir. Acho que podemos ir muito alto com essa coisa. Algo em torno deste 155, 160 talvez. Não tenha medo de ir muito. Talvez também tenha aumentado a vibração apenas um pouquinho porque estamos comparando esses dois. Como você pode ver, apenas uma saturação global é um pouco menos. Basta olhar para as duas imagens também. Não só siga suas métricas aqui, mas também veja as duas imagens. Vamos precisar de um pouco de vibração, não muito. Talvez apenas dois e meio. Só um pouco de vibração. Algo assim. Isso está começando a parecer bem. Eles só olham para a saturação das cores, não olhem para o calor, na verdade, porque isso às vezes é enganoso. Este é, naturalmente, um tiro muito quente, e este é um tiro muito frio. Não olhe muito para isso, basta olhar para a saturação das duas cores. Acho que pode ficar um pouco mais. Em seguida, a próxima coisa que também notamos, este aqui foi filmado em 4K, portanto, muito afiado, e este aqui é filmado apenas em 1080P, mas também a nitidez virada para baixo dentro da câmera. Então o que eu quero fazer é apenas adicionar um pouco de afiação a ele. Não tenha medo de exagerar nisso porque estamos comparando isso com uma imagem 4K. O que eu vou fazer é adicionar algo por volta dos 75. Como eu senti você antes, sempre reproduzir seu clipe quando você está indo para adicionar nitidez e talvez um pouco demais. Traga isso um pouquinho. [ inaudível] é 37, 35. Toca outra vez. Isto parece muito melhor agora. Além disso, se compararmos essa nitidez agora com esta tacada, ela já corresponde muito melhor. Então a próxima coisa que você quer fazer, e a propósito, ainda estamos trabalhando globalmente, é a exposição. Há também uma grande diferença entre os dois. Como você pode ver, os tons médios são menos expostos como nesta foto. Você vê que temos um tiro muito brilhante aqui. As sombras são muito parecidas. Estes são muito bons, mas os tons médios não são. Agora podemos aumentar apenas os tons médios, mas isso sempre afetará de alguma forma os destaques. Portanto, há uma maneira melhor de fazer isso. Vá até sua Correção Básica e aumente a Exposição. Não muito. Vamos ver até onde podemos ir. Talvez por volta das seis ou algo assim. Só olhe para os tons médios agora, a propósito. Eles são muito parecidos se eu olhar para os dois. Veja também a sua forma de onda. O segundo tiro está realmente usando todo o alcance aqui. Então não vai ser tão fácil, mas tente com sua exposição. Também levante isso um pouco para que ele esteja usando mais desse alcance. Acho que cerca de 0,6 deve estar bem. Então, seus destaques, vamos consertar isso. Vamos derrubar os destaques. Não sei quanto. Talvez por volta dos 50. Isto parece muito bem. Definitivamente olhe para o seu rosto agora quando você está fazendo isso, porque isso é algo que podemos comparar nestes dois tiros porque não há nenhum céu nesta foto. Então isso parece muito bem agora com os destaques durante um pouco para baixo, e nós também temos que corrigir o contraste agora porque à medida que estamos levantando a exposição e reduzindo os destaques, estamos diminuindo o contraste. Então nós vamos adicionar um pouco mais de contraste também. Vamos ver o quanto temos que acrescentar. Acho que podemos ir muito alto com isso, porque como este é um tiro bem vívido, talvez cerca de 50 em algum lugar. Também preste atenção quando você vai aumentar o contraste. Também aumentará sua saturação. Então você pode querer alterar a saturação novamente. Depende muito da sua situação, mas neste caso, está tudo bem agora. Acho que a saturação e a exposição estão começando a combinar muito bem. Temos um bom contraste aqui. Temos cores bem saturadas, assim como no outro tiro. Então está tudo bem agora. Agora vamos começar a trabalhar nas coisas mais precisas, que são as cores reais. Eu acho que é bastante óbvio que o tiro certo aqui, o segundo tiro é bem mais quente do que o da esquerda aqui. Então nós vamos adicionar um pouco de calor em sua, mas nós temos que ser cuidadosos novamente. O que eu vou adicionar um monte de temperatura aqui. Ok, o tiro vai ser mais quente, mas você vai ver que algo simplesmente não está certo quando eu estou fazendo isso. Isso é porque, bem, o controle de temperatura vai pegar todo o alcance aqui e fazer tudo mais quente. Mas se olharmos para o tiro certo, nem tudo está quente aqui. Os negros são lindamente pretos e Kim enfrentou os destaques aqui. Bem, eles são um pouco quentes, mas eles não são laranja. Quando eu estiver adicionando tanta temperatura no meu primeiro tiro, você verá que estamos começando a ter um céu laranja. Também nosso rosto, não é mais natural, é apenas laranja demais. Então vamos usar controles diferentes para isso. Vamos trabalhar mais nos níveis, mas isso não significa que não possamos usar um controle de temperatura. Se eu vou redefinir isso, você vai ver que está muito frio. Então podemos adicionar um pouquinho disso. Talvez algo por volta das 10, mas tenha cuidado, não adicione muito. Vamos então dar uma olhada onde podemos mudar esses tons quentes, e isso está nas rodas de cores bem aqui. Vamos trabalhar nos tons médios e nos destaques um pouco, mas vamos ficar longe das sombras. Queremos manter os negros. Então vamos começar com os destaques. Você pode realmente empurrar muito calor para isso, um monte de laranja, porque comparado com o outro tiro, é muito frio. Então talvez algo em torno disso. Acho que estamos no meio do caminho agora. Está começando a parecer muito bom. Não olhe para o rosto dela neste momento. O rosto dela está mais dentro dos destaques. Olhe para o ambiente ao redor dela. Definitivamente dê uma olhada no casaco dela. Este casaco aqui está começando a parecer um pouco roxo. Então não tenha medo de ir um pouco mais para o lado verde. Compare esses dois elementos um com o outro. O casaco dela tem de ser o mesmo azul e os dois tiros. Tente também mesclar isso jogando com os tons médios. O casaco dela está em tons médios. Então algo em torno disso, isso está começando a parecer muito bem. Agora também podemos adicionar um pouco mais de calor aos destaques, mas vamos ter cuidado com os destaques porque eles também afetarão o céu e nós não queremos aquele céu laranja. Então não vamos adicionar 50% ou algo assim no lado laranja. Talvez apenas pequenos pedaços, talvez algo em torno de 20%, 10%, algo em torno disso, não muito. Basta fazer a pele dela aqui um pouco mais quente como neste tiro, e isso já é suficiente. Comparando esses dois tiros, ainda há algo errado nessa foto. Agora, porque estávamos consertando este tiro frio muito drasticamente colocando muitas cores quentes nele, nós estávamos realmente mudando as cores. Nós estávamos realmente puxando as cores de uma forma não natural e, portanto, eu vejo esse elenco magenta nela. Bem, podemos facilmente corrigir que se você voltar para a correção básica, podemos querer adicionar um pouco de verde nesta foto. Não muito. Tenha cuidado com isso. Talvez queira ser por volta de menos quatro, menos cinco, apenas um pouquinho de verde para levantar as magentas que você viu. Isso já está começando a parecer muito melhor. Agora há uma última coisa que eu quero passar e que é a grama aqui. A grama parece artificial e isso é principalmente porque eu adicionei um pouco mais verde no tiro, mas também por causa da saturação que foi bombeada muito grande. Kim está ótima, mas há muito verde, que torna isso artificial. Então vamos diminuir a saturação dessa grama também. Porque comparando com essa foto, onde não vemos muito verde, é só um pouquinho lá em cima e um pouco aqui em baixo. Mas para o resto é mais acastanhado por aqui e também Kim está cobrindo mais imagem. Como nesta foto, temos uma grande mancha de grama. Vou para as minhas Curves porque daqui, sei que só posso diminuir aquele canal verde. Então deixe-me habilitar esse canal verde aqui. Vou diminuir esse verde só um pouquinho, não muito. Não queremos ter uma grama 2D saturada. A grama tem que ser vívida porque o outro tiro também é bem vívido, mas não tem que parecer tão artificial. Algo à volta disto. Eu também poderia querer derrubar esta parte bem aqui porque a grama não é realmente verde. Agora está mais como este outono verde. Também é outono, a propósito, então é por isso que não é verde perfeito. Então eu vou habilitar o canal amarelo também para que eu possa tocar este aqui. Talvez eu queira derrubar um pouco mais disso, algo em torno disso. Continue comparando os dois tiros a propósito. Então lá vamos nós. Os dois tiros foram combinados. Lembre-se de como eu fiz isso. Trabalhei em selos diferentes. Comecei globalmente com a exposição e a saturação, e então comecei com as cores reais trabalhando nos diferentes níveis. As sombras, os tons médios e os destaques. É assim que podemos conseguir isso. Lembre-se de sempre olhar para os diferentes pontos detalhados como eu estava dizendo jaquetas de inverno. Às vezes, seus tons de pele ficam ótimos, mas seu casaco pode ser de uma cor totalmente diferente. Então tenha cuidado com isso. Claro, acho que estão todos à espera disto. Vejamos o antes e o depois. Eu vou para os meus controles de efeitos para ficar naquele tiro. Deixe-me ligar e desligar essa ferramenta Lumetri Color. Este é o antes e este é o depois, que é uma diferença extrema. Também dê uma olhada nos seus Lumetri Scopes aqui. O Vector Scope, você tem muito mais saturação e também na forma de onda, podemos ver que agora estamos usando um muito mais desse intervalo. Agora falando em combinar dois tiros, na próxima lição, vamos combinar um tiro de chave verde com alguns fundos. Então fique ligado para isso, e obrigado por assistir. 23. Gradação de cores com base no verde: Nesta lição, vamos dar uma olhada em como podemos combinar uma foto de uma tela verde com seu plano de fundo. O que eu tenho aqui, é algo que eu realmente trabalhei no ano passado por volta do Natal. Aqui está um casal que está dançando. Este vai ser o pano de fundo que vou usar. Agora, eu devo dizer aos amigos que eu sinto muito por não poder compartilhar este passado porque eu não tenho que licenciar para isso. Mas eu tenho um link em um arquivo do bloco de notas de onde você pode ver esse fundo e também comprá-lo se você quiser por US $8. Mas fora isso, é tudo sobre a técnica que eu vou explicar, e não este fundo em particular. Vamos começar. A primeira coisa que queremos fazer é, na verdade, fazer a própria chave. Normalmente faço isso dentro do Premier Pro porque o Premier tem um ótimo chaveador. Vamos para os nossos Efeitos e procurar a Ultra Key. Arraste isso para o seu clipe e isso nos ajudará a fazer todo o trabalho de chaveamento. A primeira coisa que vamos fazer aqui é pegar o seletor de cores e selecionar verde do fundo, e isso já dará algumas chaves. Então vamos para as configurações aqui, e vamos ver o que mais podemos fazer. A primeira coisa que vamos começar é a Transparência. Vou mover isto para baixo até não vermos mais nada a sair daqui. Na verdade, tudo parece bom. Primeiro vamos prestar atenção aos personagens, a coisa que não vamos descobrir. Olhando só para isso, eu poderia realmente querer colocar minha Transparência algo em torno de oito, talvez. Isto parece bom. Então a próxima coisa que queremos fazer é mudar o Destaque e eu posso trazer isso até o zero. Então vem a Sombra e apenas traz isso para cima ou para baixo. Eu vejo que tenho que consertar algumas coisas porque você pode ver que também está chaveando partes por aqui, então tenha cuidado com o Shadow, trazendo isso para cima, e eu acho que nós temos que estar em 60 para isso. Então a próxima coisa vai ser a Tolerância. Vamos ver até onde podemos trazer isso para cima. Podemos levar isso até 100, o que é ótimo. Em seguida, o pedestal, vamos ver até onde podemos ir com essa coisa sem tocar na imagem real. Aparentemente, nós também podemos subir para 100, o que é ótimo. Agora, nós vamos voltar para Transparência porque ainda há algumas coisas franjas em torno dele, que nós gostaríamos de ter longe. Agora, podemos aumentar essa transparência porque mudamos algumas outras configurações aqui também. Vamos ver qual número podemos ir, algo em torno de 23, que vai fazer isso. Esta é uma boa chave que fizemos. Claro, ainda há essa vantagem e isso é algo que vamos corrigir, e as próximas configurações, é a Limpeza Matte. Aqui, vamos começar com o amaciamento. Agora, tenha cuidado com o seu amaciamento, não amacie muito. Só vai deixar a sua chave feia. O máximo que eu costumo sugerir é apenas um amolecimento de 10. Isso já fará alguma sufocação, e é por isso que primeiro fazemos o amolecimento. Agora, podemos adicionar um pouco de estrangulamento a ele. Acho que podemos sufocar. Vamos ver até onde podemos ir. Acho que algo em torno de 84, 85, algo em torno disso. Então, finalmente, a Supressão de Derramamento porque ainda vejo algum verde aqui. Traga a dessaturação. Podemos ir por volta dos 50, eu acho. Então, para o Range também, basta trazer isso para cima um pouco. Isso está começando a parecer melhor, algo em torno disso. Acho que o Luma, podemos acabar com isso sem prejudicar muito. Diminuindo isso para zero. Agora, nós realmente fizemos um grande chaveamento como você pode ver. Ainda temos algumas coisas aqui, mas vamos mascarar isso com a opacidade aqui e desenhar uma máscara em torno dessas duas pessoas. Lá vamos nós. Você pode querer trazer esses dois pontos aqui fora do quadro. Isso é tudo para o chaveamento. Agora que fizemos a chave,agora podemos ver claramente que, bem,eles não combinam agora podemos ver claramente que, bem, com o fundo em tudo. O fundo é algo à noite e bem, eles são filmados em um estúdio com uma iluminação de tungstênio. Você pode ver que é um tiro interno que estamos colocando em um tiro de fora, então isso não é bom. Nós vamos fazer alguma correção de cor sobre ele. Selecione seu clipe e vá para as ferramentas de cor Lumetri, e vamos começar com a correção básica. Porque aqui a primeira coisa que vamos fazer é baixar a temperatura da cor. Você pode derrubar muito isso. Vamos reduzir para cerca de 65 ou algo assim, algo em torno disso. Sua camisa pode realmente parecer azulada porque estamos à noite e quando estamos à noite, bem, as coisas começam a ficar azuis, como também o fundo, então isso é ótimo. Então a próxima coisa é a exposição. Estamos à noite, por isso está escuro. Derrube a exposição. Não muito. Talvez em torno de 0,2 ou algo assim, e então aumentar o contraste também. Acho que podemos adicionar um monte de contraste a essa foto, definitivamente muito, algo em torno disso. Porque é noite, temos sombras muito duras. Porque o único ponto de luz que temos é a lua e luar também está lançando muitas luzes, então vamos aumentar os destaques. Faça algo em torno de 60, em algum lugar perto disso. Quando eu vou olhar para o antes e o depois agora, você pode ver que já tinha correspondências muito melhor. Mas podemos fazer ainda mais. Vou descer aqui e procurar as rodas coloridas nas sombras. Eu só vou adicionar um pouquinho de azul. Não muito, só um pouquinho. Eu também vou corrigir isso agora porque quando eu estou adicionando azul nas sombras, ele também vai tocar um pouco dos tons médios, então, portanto, eu vou levantar isso para o site oposto aqui adicionando um pouquinho de amarelo para manter esses tons de pele quentes como você pode ver. É assim que combinamos essa foto. O que você tem que fazer é imaginar onde está o fundo. Que tipo de cena é essa? Está em um hospital? É um lugar abandonado, talvez? É algo de horror ou algo dramático, algo de ação? Pense nisso e olhe para as cores. Temos muito azul nesta foto no fundo, e também temos luzes cardíacas aqui. Estas partes ali, na árvore de Natal, e ao luar, estas duas partes têm muita luz e dá-te aquelas sombras duras, que são bastante naturais à noite. Portanto, aumentei o contraste e aumentei os destaques. Esta é uma parte sobre como você pode combinar sua chave verde com o plano de fundo. Deixe-me olhar de novo o antes e o depois. Como você pode ver, parece muito melhor. Mas há mais uma coisa que podemos realmente fazer para misturá-lo ainda mais. Quando pensamos no Natal, também pensamos na neve. Então o que eu tenho aqui nos meus clipes é, na verdade, uma queda de neve bem aqui. Vou arrastar isso para a minha linha do tempo. Lá vamos nós. Podemos usar essa queda de neve em algo que eu gerei dentro do After Effects. Eu exportei isso, então nós também podemos baixar isso e usá-lo em qualquer lugar que você quiser. Ao selecionar esse clipe, vá até a Opacidade e, a partir daqui, selecione o Modo de mesclagem, Clarear. Então você vai ver que ele se mistura com essa imagem. Agora, temos um pouco de neve caindo ao fundo, mas também sobre essas duas pessoas. Isso pode ser qualquer coisa. Por exemplo, também poeira se você estiver filmando um filme de guerra, um filme de ação onde alguma explosão explodiu, então você pode ver essa poeira entrando no tiro, que não está apenas aparecendo em segundo plano, mas também em topo de seus personagens, ou um clarão de sol ou qualquer coisa assim. Certifique-se de que você tem algum elemento que não só aparece em segundo plano, mas também em cima de seu assunto, e que fará com que eles se misturem ainda mais. Agora, para aqueles de vocês que vão baixar este projeto porque como eu disse antes, eu não posso compartilhar isso infelizmente, então vocês verão algo em torno disso para também dar o mesmo efeito como o plano de fundo. É isso para esta aula de vídeo, mas também para este curso. Quero agradecer-lhe muito por segui-lo. Você aprendeu tudo agora com as ferramentas de cores Lumetri. A única coisa que posso aconselhá-lo agora é continuar praticando. A classificação de cores ou correção de cores é uma das coisas mais difíceis dentro da produção de filmes e, portanto, eu diria, não desista. Nenhum deste curso não é algo mágico que de repente fará de você o melhor grader do mundo. Ele só irá ajudá-lo para que você possa praticar mais fácil e mais rápido. Vou deixá-los com um teste final depois desta aula. Se você concluir isso, você completou todo o curso e também receberá um certificado. Você pode querer me seguir mais, e isso é possível no meu canal no YouTube. Você pode se inscrever lá e ver um novo vídeo todas as terças-feiras. Eu carrego muitos tutoriais e dicas de filmagem. Meu nome é Jordy, e muito obrigado por assistir.