Layout para lettering: hierarquia, composição e sistemas de tipos gráficos | Jon Contino | Skillshare

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Layout para lettering: hierarquia, composição e sistemas de tipos gráficos

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Aulas neste curso

13 aulas (1 h 24 min)
    • 1. Trailer

      1:10
    • 2. História: iluminuras, art nouveau e jornais

      8:44
    • 3. História: o século XX

      3:09
    • 4. Hierarquia e formas: miniaturas

      9:36
    • 5. Hierarquia e formas: miniaturas (continuação) e layout de formas

      8:07
    • 6. Hierarquia e formas: exercício de layout

      10:50
    • 7. Sistemas de tipos: pergunta n.º 1

      7:28
    • 8. Sistemas de tipos: pergunta n.º 2

      7:50
    • 9. Sistemas de tipos: pergunta n.º 3

      6:05
    • 10. Sistemas de tipos: pergunta n.º 4

      7:09
    • 11. Sistemas de tipos: pergunta n.º 4, continuação

      4:45
    • 12. Integrando fonte com imagem

      8:31
    • 13. Explore o design na Skillshare

      0:37
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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Estudantes

29

Projetos

Sobre este curso

Ao criar o lettering para um produto ou resultado específico, você deve considerar cuidadosamente as imagens, as ilustrações e o espaço negativo para comunicar uma ideia em uma área definida. Isso significa que o layout geralmente é mais importante do que as fontes em si. Se você é um designer freelancer ou simplesmente faz caligrafia por passatempo, dar forma às palavras e incorporá-las em um layout prático é uma ferramenta incrivelmente valiosa para seu arsenal criativo.

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Tive a sorte de trabalhar em vários projetos que exigiam uma infinidade de layouts, tanto com outras marcas como em meus próprios empreendimentos. Desde roupas até sinalização e equipamentos esportivos, cada plataforma apresenta novos desafios, mas os princípios básicos de hierarquia, composição e comunicação permanecem os mesmos. Estou ansioso para compartilhar tudo que aprendi, para que seu próprio estilo de lettering possa embelezar várias plataformas.

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O que você vai aprender

Vamos analisar muitas maneiras de aplicar suas habilidades de lettering a uma variedade de produtos, usando layouts simples para obter belos resultados. Observe que NÃO falaremos sobre como desenhar letras à mão. (Existem muitos outros cursos incríveis na Skillshare para isso!) Abordaremos:

  • Uma história dos layouts. Dicas importantes para o design de pôsteres, embalagens e publicidade de gerações anteriores e atuais.
  • Hierarquia e design espacial. Como estabelecer ordem e valor ao comunicar palavras escritas, e como usar esboços e formas em miniatura para criar um mapa para o posicionamento do seu lettering.
  • Sistemas de fontes. Identificando quais tipos de fontes funcionam bem em conjunto para apoiar seu lettering e comunicação. 
  • Integrando fontes com imagem. Como usar a hierarquia e design espacial para encontrar um equilíbrio entre fotos, ilustrações e fonte.

O que você fará

Neste curso, você vai aprimorar suas habilidades de layout criando estruturas de composição para dar sustentação ao seu lettering, incluindo fontes e imagens. Cada etapa do projeto vai ajudar você a pensar de forma crítica e sistemática sobre todos os elementos em seu design de layout consistente. Divirta-se no processo!

 

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Jon Contino

Creative Director

Professor

As a New York native, I have been under the influence of corporate mass marketing and inspirational street art since my first breath. Not surprisingly, I have garnered considerable attention for my unique approach to design utilizing hand-drawn lettering and typographic illustration in conjunction with a modern yet minimalistic sensibility.

I received numerous accolades for my fusion of old and new world aesthetics and continue to influence modern trends in graphic design and apparel design.

I reside in New York with my wife Erin and daughter Fiona where I work as a freelance illustrator, and also as Co-Founder and Creative Director of menswear brand CXXVI Clothing Company.

For a complete list of my features and accolades, check out the information ... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Trailer: Meu nome é Jon Contino e sou designer. Vou dar uma aula de layouts para composição hierárquica de letras e sistemas de tipos. O que vamos começar com é a história do layout e composição, é uma espécie de onde ele vem em um design bastante gráfico. Então vamos saltar para uma hierarquia e design espacial, e basicamente qual seria a base de qualquer peça de design gráfico apenas em geral, então vamos passar para o tipo em sistemas de letras e famílias, e então vamos começar a integrar imagens e ilustração. O que esta aula não é, não é uma aula de desenho, não é uma aula de letras manuais, o que é, é uma aula para ajudá-lo a aprender a compor corretamente. Você será capaz de levar suas experiências externas de outras classes e de outros projetos, e integrá-las a isso. Tudo é baseado em fundações, tudo é baseado em composição, espaço e hierarquia, e é nisso que vamos tentar realmente ganhar uma compreensão muito sólida. 2. História: iluminuras, art nouveau e jornais: Então, bem-vindo à aula. Vamos fazer um pouco de lição de história, e dar uma olhada no que existiu no passado, o que existiu no passado não tão recente, e o que existe hoje. Quando você está lidando com layouts e composição, a maneira mais simples que você poderia dividi-lo é o fato de que você ou vai ter uma pequena quantidade de informação que você precisa exibir, meio que uma quantidade média, e, em seguida, uma enorme quantidade de informações para exibir. Não importa o período de tempo que você está se referindo, não importa de onde suas referências estão vindo, esse sempre foi o caso. Às vezes as pessoas têm um pouco a dizer, às vezes as pessoas têm muito a dizer. Vamos olhar para o layout em termos de onde as coisas são colocadas, vamos olhar para os tamanhos de cada coisa, o que é maior, o que menor. Vamos tomar um pouco para olhar para a cor, e como isso é usado para diferenciar. Vamos dar uma olhada em como as peças finais embrulharam. Há alguns pequenos detalhes que ajudem a juntar tudo? Você pode ter uma página de duas palavras, você pode ter uma página de um milhão de coisas, mas qual é o fator unificador? Cada uma dessas coisas terá um fator unificador que as uniu. Então, vamos nos certificar de passar por todas essas coisas e olhar para cada pedaço dela. Com a criação de livros e a capacidade de começar a fazer essas referências utilizáveis usando letras e imagens, nós definitivamente vimos como o design e a estética fundacional, composicional, realmente começam a se desenvolver. Especialmente olhando para essas imagens, você pode ver onde as diretrizes começam a fazer sentido, como elas estão definindo formas, elas estão definindo áreas de importância. O conceito de um layout em si estava apenas começando a florescer neste ponto. O uso de uma grade realmente começa agora para. Você realmente vê onde algo com que estamos tão familiarizados hoje tem suas raízes, esses antigos manuscritos iluminados que eles lembraram realmente eram os fundamentos básicos dos layouts criados de hoje e da composição básica de hoje elementos fundamentais. Estes manuscritos iluminados, eles estavam realmente chutando em torno das centenas 12 ou assim. O século XIII é uma espécie de marca privilegiada para estes. Eles definitivamente existem um pouco antes, um pouco depois. Mas eu diria que o principal ponto de popularidade para estes provavelmente em torno do século 13, período renascentista. Eles são muito ornamentados, eles são feitos lindamente. Eles são todos feitos por mãos, isso foi antes da invenção de tipos móveis, então você realmente não tinha outra maneira de criar um livro como este. Então, eles são belos pedaços de trabalho, mas a idéia e o conceito de hierarquia e legibilidade não são necessariamente abordados como nós tratamos hoje. É mais sobre um foco em uma determinada capitalização ou ilustração específica em vez de tentar digerir todas as informações de uma forma muito legível de olhar rápido. Isso é algo que aconteceu nos tempos modernos. Então, estes são os alicerces, aqui é onde todos começamos, este é o começo da cadeia evolutiva, se quiserem. O próximo movimento que eu realmente quero falar é Art Nouveau. Eu gostaria de pular para Art Nouveau porque como estamos nos concentrando um pouco em letras, é aqui que começamos a ver o início do design gráfico como o conhecemos hoje, e eu acho que é muito importante perceber que especialmente com algumas dessas imagens que vemos aqui, particularmente o Job Cigarro Packaging que é de Alphonse Mucha. Uma das minhas favoritas. Eu acho que é importante perceber como o design gráfico está tomando forma durante este período. Muitas pessoas vão olhar para isso e considerá-lo belas obras de arte, mas eu pessoalmente e outras pessoas também considerá-lo algumas das primeiras etapas do design gráfico. Eles criaram belas ilustrações em conjunto com letras bonitas, e ainda é simples o suficiente para que seja legível, ele faz o ponto atravessar. Muitas dessas coisas tem a ver com produtos, é ótimo ser capaz de entender que eles estão vendendo produtos, estes são anúncios iniciais, e é muito bem feito e é feito sem ir ao mar ou interrompendo a legibilidade ou conceito de qualquer maneira. É uma coisa linda, mas não demorou muito para este mundo. Infelizmente, morreu muito cedo em 1900. Então, estas são as últimas peças que veremos a partir deste estilo particular. Assim, no final de 1800 e início de 1900, o jornal tornou-se algo que era extremamente importante para o design gráfico. Era muito mais fácil de fazer, era mais barato de fazer, e naquele ponto, com todos esses aspectos tocando nele, começamos a ver muito mais estilização. As ilustrações tornaram-se mais ornamentadas, tornaram-se menos ornamentadas. Foto-realismo começou a jogar nele, tornou-se muito mais de um foco no produto. Você vê mais da mentalidade de Las Vegas Strip Times Square começar a se desenvolver, onde as coisas seriam chamativas e ousadas e grandes e agarrando os olhos, que você olhasse lá primeiro. Isso também é meio que eu acho que talvez o capitalismo começa a se estabelecer. Então, a idéia de economia colocada em por que essas peças parecem do jeito que elas fazem. Se você olhar para este anúncio, a primeira coisa que você percebe é Coca-Cola. Esse cara aqui está segurando um copo e Coca-Cola está bem na cabeça dele. Então, esse tipo de imediatamente leva você até onde você vê cinco centavos, aqui está como começar a ler um pouco sobre isso e você está vendendo automaticamente um produto. O uso desta hierarquia está ajudando a direcionar para o espectador de tal forma que está criando quase uma diretiva, onde você nem precisa estar lá para dizer a pessoa para onde eu devo ir. O layout real do tamanho das coisas e a posição para elas na página está direcionando-as para você. Então, é aqui que a composição e o layout realmente começam a tomar forma, e como é importante trabalhar com vários estilos e manter um DNA unificado porque esses anúncios certamente funcionam como uma peça unificada. Você pode ver por que é importante que seja do jeito que é. Porque mesmo hoje, mesmo no século XXI, ainda podemos olhar para isso e isso realiza exatamente o que eu me propus a fazer. Então, este é um ótimo exemplo de onde os layouts e a composição dos dias modernos começam. Você está vendo uma variação e estilos de texto, todos eles estão chamando sua atenção, você meio que não sabe onde olhar primeiro, mas é meio que uma coisa ótima. Você pode ver como vários estilos de texto podem viver em uma página e ainda não parecer completamente como eles estão em conflito. Todo o layout funciona. Então, enquanto você tiver o DNA consistente, como eu disse, ainda funcionará. Então, se você passar para o Fall Foot Wear, você pode ver quase mais de um campo Art Nouveau atualizado. Mas em vez de o foco estar na ilustração, o foco está na letra, o foco está na mensagem. Então, essa é uma ótima maneira de realmente colocar em contraste como Art Nouveau mudou para o que o design gráfico estava se tornando. Era mais sobre vender um produto, era mais sobre vender uma marca, e você pode realmente ver aqui. Então, se você passar para o próximo, o Ever-Ready Safety Navor, este é provavelmente o mais moderno dos quatro, porque a marca está na frente e no centro, a imagem é realmente como um revés, Não é assim tão necessário, é mostrar-lhe o que ele faz, é tudo o que importa. Quero dizer, esta imagem pode até ser mais confortável para o comercial de TV de hoje porque a cópia que está lá é algo que você precisa ler em sua cabeça e deve ter um tom particular. Do jeito que está disposta, tem esse tom que está te dando uma idéia do que é a Navalha de Segurança Ever-Ready. Basta olhar para isso, você pode quase imaginá-lo como um comercial de televisão, então este é um grande antepassado para a publicidade moderna como um todo em qualquer forma de mídia, e então tem muito a ver com a hierarquia e a maneira que o ritmo para o material se desenrola por isso é ótimo tipo de dar uma olhada neste e ver como ele vai se tornar você sabe nosso modelo moderno para o que todos os tipos de mídia publicitária é. 3. História: o século XX: À medida que passamos do início do século XX para meados do século XX, tudo se torna super simplificado. Você está recebendo esses designers que estão começando a se especializar na arte do design, na arte do layout, na arte da composição. Tornou-se muito claro como hierarquia, ritmo e tom, e esse tipo de DNA compartilhado são importantes para anúncios. Há uma variedade de meios que utilizam os mesmos ideais, e tudo se resume a onde começamos com esses manuscritos iluminados iniciais e suas grades. Quero dizer, se você olhar para alguns desses, há grades. Muito presente, mas estão quebrados. Estas são pessoas que entenderam a natureza da grade e o quão importante era, e a entenderam tanto que puderam brincar com ela e manipulá-la. Se você olhar para algumas dessas peças, você verá um monte de usos inteligentes de espaço positivo e negativo. Você verá como o ritmo é usado para comunicar uma mensagem. Se você começar a ler todas essas imagens em particular, você quase pode ter uma sensação de ritmo. Você pode ter uma noção de como eles devem ser lidos. Se você olhar para o topo, ele diz, “Uma Exposição Aquariana em White Lake, Nova York”, o fato de que o “in” é pequeno, você sabe que não é suposto ser enfatizado tanto quanto o resto das outras palavras. Acho que é importante notar. Estas imagens aqui são um grande salto fora do ponto para realmente começar a falar sobre o que vamos estar falando nesta aula. Há sistemas de tipos, há layout, e há a integração da imagem, o que, neste caso, é ilustração. Então, você pode realmente começar a ver como esses sistemas de tipo vivem em um lugar divertido. Por exemplo, se você olhar para o cartaz do “Little Richard”, há ilustração e há fotografia. Não tem necessariamente de ser um dos outros. Desde que uma imagem desempenhe um papel nisto, é com isso que estamos a brincar. Mas se você olhar para o tipo, nós temos uma fonte grande em negrito no topo, temos um script pintor de sinal, embaixo dele, nós temos “Little Richard” em si. É muito grande e ousado, mas está pulando. É criar um tom. Por baixo dele, temos algum tipo menor que não é necessariamente o mais importante, mas ainda está comunicando uma mensagem. É comunicar ao espectador algo com o qual eles estão familiarizados. Na parte inferior, para encerrar, temos outro script de pincel que, tipo, se encaixa com o “Em Pessoa” no topo. A cor, a forma como as fontes são dispostas, o tamanho das letras. Todas essas coisas funcionam juntas para criar um layout de sucesso, e é algo que é um ótimo modelo para avançar quando você está projetando sua peça também. 4. Hierarquia e formas: miniaturas: Para esta parte do projeto, o que eu sempre gosto de fazer primeiro, é apenas obter uma vibração geral do que eu vou fazer, especialmente quando o cliente lhe dá a cópia que você precisa usar, que é a maioria dos casos. Você realmente tem que descobrir o que as coisas são mais importantes, o que é vital para o espectador ver imediatamente e quais são as coisas que o cliente, nem mesmo o espectador, ou o cliente, quem, o cliente sente é mais importante? Então, o que eu gosto de fazer, é primeiro digitar tudo em apenas no quadro de arte em branco no Illustrator. Eu coloco no sentido da maneira que eu imagino lendo de cima para baixo. Para este exemplo, por exemplo, é um livro. Então, título do livro, subtítulo, nome do autor, ilustração, citação de críticos, todas essas coisas têm que jogar em toda a idéia. Nisso, eu realmente gosto de ver onde o espaço fica na página. Eu uso esses livros de grade de pontos de notas de campo. Eles são pequenos, são baratos. Eu sei que as pessoas estão sempre curiosas em diferentes classes, o que o professor usa para desenhar, desenhar com, ou o que quer que seja. Realmente não importa. É o que você se sentir mais confortável. Para mim, é isso que grava livros, porque é uma grade, mas é uma grade menos intrusiva. Você pode usá-lo para ser geométrico, você pode ser orgânico com, você pode fazer todas as coisas. Isso é o que eu gosto sobre isso. Então, entrando nisso, o primeiro estágio obviamente, seria apenas esboçar o que ele vai colocar, o que é a tela. Neste caso, é uma capa de livro. Para começar, eu realmente gosto de desenhar um retângulo, assim como a tela, assim como a capa do livro, é realmente básico. As proporções não são muito importantes, então você pode estar um pouco fora. Isto é apenas para se dar uma orientação. Gosto de me deixar muito espaço, porque sei que vou fazer um monte destes. Então, basicamente, o que temos aqui é, precisamos ter certeza que o título é importante, precisamos ter certeza que o ícone está lá, o copo de Martini, e precisamos ter certeza que o autor está lá. Então, essas são as três coisas que têm que ser muito claras, muito legíveis, porque isso essencialmente vai se tornar a marca deste livro. Muito rapidamente, você tem seu retângulo básico, você tem seu copo de Martini, que vai ficar em algum lugar por aqui, certo? Então, seu título. Neste caso, chama-se Botanista Bêbado. Então, são duas palavras, não palavras curtas. Então, talvez possamos brincar com algo assim. Um pouco de arco, isso é grande. Podemos usar o, seria no topo. Estou apenas rabiscando coisas só para conseguir espaço, e depois o nome do autor. O nome do autor aparece assim. Então, agora, você vê que os principais elementos estão lá. Temos o espaço para o título, temos o espaço para o autor, temos o espaço para isso, mas também temos o subtítulo, e depois alguns pedacinhos e peças que precisam viver aqui dentro. Então, o que eu estou pensando é, eu estou olhando para isso agora. O botânico bêbado. De repente, comecei a desenhar isto. Eu me sinto bem, eu provavelmente vou ter que mudar isso, porque encaixar o tipo naquilo. Apenas em uma coisa rápida já está olhando apertado, mas eu vou brincar com ele quando eu voltar para ele. Então, agora temos o subtítulo, que é “As Plantas que Criam as Grandes Bebidas do Mundo”. Inicialmente, a forma da imagem aqui, a forma do ícone do copo de Martini, deixa muito à esquerda e à direita. Então, talvez possamos fazer algo assim, brincar com isso aqui. Mas, novamente, também é muito importante lembrar as batidas do título, do que você está lendo. Quando lês alguma coisa, se estás a ver televisão, se estás a ver um filme, ou a ouvir uma música, tudo tem um ritmo. Então, neste caso, é o botânico bêbado, as plantas que criam as grandes bebidas do mundo. Se não houver espaço entre lá, se não houver ponto final, se não houver respiração, é uma longa sentença e onde você pára? Você tem que ter certeza que tem essas batidas lá dentro. Essas batidas são muito definidas pelas formas que você cria. Amy Stewart é a autora, e então eles querem ter certeza de que é denotado que ela também é a autora de outro livro que é um New York Times Best Seller, que também é algo que temos que incluir lá. Então, é The Brunken Botanist, The Plants Que Criam As Grandes Bebidas do Mundo, de Amy Stewart, autora de Wicked Plants, um Best Seller do New York Times. Então, é um bocado. Então, o que vamos fazer aqui é, nós temos o título, nós temos a área para o subtítulo, nós temos a área de autor, mas então nós temos autor de Wicked Plants, eu posso designar isso com uma linha, um Best Seller do New York Times. Então, você vê que está começando a ficar com uma pequena cãibra lá. Então, o que eu vou fazer é ir ao lado dela e desenhar outra caixa, fazer isso de novo, dar outra chance. Então, temos um copo de Martini bem no meio. Agora, Botanista Bêbado, eu vi que era longo e não se encaixava. Então, eu ainda quero manter a forma do arco. Então, talvez eu mantenha isso um pouco mais apertado e faça duas linhas. O botânico bêbado. Ele se encaixa lindamente. Agradável e ousado, agradável e legível. Este copo de Martini. Ainda temos, lidamos com isso mais tarde. As plantas que criam as melhores bebidas do mundo. Então, vamos ver se isso funciona daqui a pouco. Por Amy Stewart. Talvez façamos algo assim, apertando um pouco melhor. Um pouco de arco. Amy Stewart. Certo, isso se encaixa bem. Autor de Wicked Plants, um Best Seller do New York Times. Então, agora, isso é começar a fazer um pouco mais de sentido. Agora, sabemos o que está acontecendo aqui. Então, agora que temos as formas designadas e o espaço designado, bem como a hierarquia, podemos brincar com isso um pouco, e fazer algo um pouco mais divertido. Com o subtítulo aqui, isso é algo com que vamos jogar à medida que entrarmos em esboços mais detalhados. Haverá algumas mudanças nisso. Mas é bom saber que em termos de conteúdo sábio, ele vai caber. Aqui vamos nós, copo de Martini, e esse cara aqui, Botanista Bêbado. Sabemos que se encaixa, sabemos que se encaixa. Então, já estamos estilizados aqui. Há um pouco entediado com. Acho que podemos fazer melhor com isso. Então, o que eu vou fazer é talvez, em vez disso, eu vou descer assim. Faça o espelho do topo, e então use um pouco de uma forma de bandeira e gravado autor de Wicked Plants, um New York Times Best Seller juntos, porque eu acho que eles deveriam estar juntos. Autor de Wicked Plants, um Best Seller do New York Times, isso é quase deve ser dito de uma só vez. Então, eu não quero separá-lo completamente com duas linhas separadas, mas eu ainda quero manter a calma. Então, eu vou fazer algo assim, que se encaixa com o tema. É um pouco de forma de bandeira. Ele mantém as batidas lá, Autor de Wicked Plants, Breath, um Best Seller do New York Times, mas mantém em uma linha. Então, visualmente, você está olhando diretamente para o outro lado. Então, faz sentido. Você pode dar alguns pequenos floreios aqui e aqui. A partir deste ponto, agora, começamos a mostrar um pouco. Agora, começamos a entrar no estilo. Este é o ponto em que podemos brincar com letras. Podemos brincar com a ilustração e podemos usá-la a nosso favor na composição. Há uma coisa que eu aprendi como um jovem designer de muitos dos meus professores, meus professores não trabalhavam na era digital. Então, eles não tinham muitas dessas coisas. Então, quando você estava colocando comps, isso era tudo papel de rastreamento e marcadores, e você fazia isso uma e outra vez. Haveria linhas retas e haveria caixas em todos os lugares, e haveria também as formas. Isto é o que um layout consistia nos velhos tempos. O que ele realmente faz consiste hoje em dia, quero dizer, mesmo se você olhar para web designers e desenvolvedores, wireframe, isso é o que parece. Então, você quer manter isso em mente. Formas, linhas, isto é o que é composição. É tudo sobre peso, é tudo sobre espaço positivo e negativo. Se você olhar através de um monte desses, ele não parece muito preso em qualquer lugar, ele não parece muito lotado, mas também não parece vazio. Você está utilizando seu espaço corretamente, você ponderou. É apenas o suficiente em cima, apenas o suficiente em baixo. Nada parece flutuar, nada parece que não pertence, você quer fazer isso parecer uma unidade. Uma vez, chegamos a este ponto e exploramos muitas dessas opções. Enchemos um caderno com todas essas coisas, escolhemos aquele que achamos que é o melhor. Novamente, se você está fazendo isso para um cliente muitas vezes, essas coisas são enviadas por e-mail, eles dizem, “Nós gostamos, isso precisa, mudar isso.” É vara, isso só vem com o território. Mas para o bem deste exercício, escolhemos o estilo que gostamos e vamos um pouco mais fundo com ele 5. Hierarquia e formas: miniaturas (continuação) e layout de formas: Seguindo em frente, eu vou ir para uma miniatura maior neste momento porque eu quero obter um pouco mais em detalhes. Uma vez que você descobre o espaço, é um passeio livre nesse ponto. É tudo sobre as coisas divertidas, sobre por que começamos a fazer isso em primeiro lugar. Então, uma boa maneira de fazê-lo, apenas para começar, voltar para as nossas formas. Aqui está isso, eu vou brincar com isso, esses arcos, essa área bem aqui, e então o título do autor, o nome do autor, sinto muito, aqui, essas formas bem aqui. Novamente, é tudo geometria. Isso é coisa que uma criança pode fazer. É mesmo. Quando digo que é o básico, é o básico absoluto. É a parte mais importante. Você prega isso, você prega tudo. Novamente, aqui está como ele se forma, indo para vai para este fim - Botanista bêbado. Está bem. Amy Stewart. Ainda é a maneira de fazer. É carnudo para fora. Quero dizer, parece uma capa de livro. Então, o que eu quero fazer agora é obter um pouco mais de detalhes, focar um pouco mais nas letras, começar a escrever um pouco mais, colocar alguns toques legais sobre ele. Quero dizer, trabalhando com letras por anos e anos, você tem uma idéia de como as coisas vão ficar, como eles vão brincar um com o outro, qual é a perna do órgão da sopa embaixo de você, todos esses tipos de pequenas coisas legais que podemos fazer com letras. Uma vez feito isso, você pode decidir: “Devo redimensioná-lo? Devo ficar um pouco mais detalhado com ele?” Então, nós jogamos o copo de martini aqui, e então é aqui que você pode começar a dar outros detalhes, também. Vai haver uma fronteira? Eles vão colocar uma fronteira por aqui. Isto pode parecer fixe. Não sei, há uma fronteira, como é que ela vai interagir com as letras? Agora, podemos começar a jogar com o subtítulo. As plantas, agora, ok. Este é um bom ponto onde você começa a analisar o que está fazendo, certo? O Botanista Bêbado, descobriu, Amy Stewart descobriu, New York Times descobriu. Isso, estávamos esperando porque estava boca e era algo com que tínhamos que trabalhar. Então, eu vou sentar aqui, e você só dê uma olhada. “ As plantas que criam as grandes bebidas do mundo.” Então, se você está olhando para ele, o copo de martini, onde nós escolhemos colocá-lo, está criando um separador. Então, ele vai criar batidas, quer você goste ou não. Então, nosso trabalho é colocar as palavras onde o separador vai criar as batidas adequadas. Então, “As plantas que criam as melhores bebidas do mundo.” Espacialmente, funciona: “As plantas que criam as melhores bebidas do mundo.” Está muito quebrado? Então, estou começando a sentir que talvez seja um pouco desarticulado demais. Então, eu estou pensando que talvez possamos até puxar isso e usar isso para criar uma batida, e então isso para criar duas separadas, “As plantas que criam as melhores bebidas do mundo.” Isso tem um fluxo melhor para ele. Então, agora, temos todo esse espaço negativo. Agora, o que queremos fazer com ele? Às vezes você deixa, às vezes você o preenche por isso. Eu sinto que talvez esta seja uma oportunidade perfeita para ficar um pouco mais orgânico com ele. Talvez possamos colocar alguns floreios aqui que imitam plantas. Poderíamos jogar algumas folhas aqui. Estamos desenvolvendo este mundo, estamos desenvolvendo esta marca para este livro em particular e este projeto em particular, e a maneira como fizemos isso é ir de formas e descobrir onde as formas estão para um pouco mais de estilo para descobrir fora o estilo um pouco mais delicadamente sem ter que entrar em “Isso vai caber? Isto vai caber? Estamos brincando com como podemos torná-lo melhor. Estamos testando. Estamos nos certificando de que o peso e a composição são bem feitos para que as coisas importantes sejam grandes o suficiente, as coisas não tão importantes são pequenas o suficiente. Em termos de miniaturas e esboços, isso é o que você quer fazer. É assim que você quer fazer. Você quer ter certeza de que todas essas coisas fazem sentido, você quer ter certeza de que você não está omitindo nada que é importante para o cliente ou para a peça em si ou para o que a visão vai ver. Quero dizer, seu trabalho como designer também é ter certeza de que você está comunicando o melhor do que você recebe, e às vezes isso significa fazer sugestões. Agora, ninguém me fez uma sugestão que eu tinha que colocar esses floreios aqui. Só pensei que talvez fizesse sentido. Quando eu mandei para o editor, eles vão me dizer, “Isso é uma ótima idéia.” ou “Não queremos ir nessa direção.” Neste caso, funcionou e fomos nessa direção, e fez sentido. Mas a partir deste ponto em diante, temos que ficar um pouco mais detalhados e temos que começar a criar um layout que esteja preparado e pronto para nos colocar no computador para que possamos começar a apoiá-lo para o nosso peça final. Eu acho que é importante apenas rever o fato de por que é importante trabalhar com formas, apenas em geral. Você pode pensar que é tão fácil desenhar palavras, grandes e pequenas, e obter a sensação para isso, mas a melhor maneira de pensar sobre isso é quase como uma maneira elementar de fazê-lo, onde se você cortar formas e você alinhá-los em um ou em uma mesa ou algo assim, você vai obter uma composição fora dela. Então, você poderia escrever uma palavra realmente grande, e você poderia escrever uma palavra muito pequena, e você pode ter a idéia, mas formas ajudam você a obter o conceito primeiro e acima de tudo sem ter que se preocupar com isso. Então você pode colocar as palavras, você pode fazer o design, você faz todas as letras, e todas essas coisas depois. Mas o que você quer fazer é que você quer obter os aspectos mais duros do que você está fazendo para baixo da maneira mais fácil para o seu cérebro digerir. Você pode olhar para algo que tem um grande título no topo. O que é que se parece? É a melhor maneira de fazer isso, um grande retângulo. Pode ter uma pequena linha de texto na parte superior. Uma linha fina na parte superior seria ótimo para a sua miniatura, basta designar essa área. Pode ter uma ilustração à esquerda em forma oval. Então, desenhe o oval. Pode ter alguns textos que vão ao lado dele que é um pouco maior. Então, vamos fazer retângulos ligeiramente maiores ou ligeiramente menores mas ligeiramente maiores do que uma linha reta. Então, você está definindo essas formas, você definindo essas áreas na página, e aqui vamos nós, uma cópia menor aqui, talvez outra pequena imagem aqui, forma como um diamante, círculo, quadrado. O que quer que sejam esses ícones , seja lá o que for, vai ocupar X espaço. Se você pensar em jornais, esse é um exemplo perfeito. Um jornal é tudo sobre formas e layout em geometria. Eles têm o mastro bem no topo, que geralmente é o logotipo, blá blá blá, os tempos. Então eles têm um par de linhas bem aqui. Então eles têm colunas. Colunas são apenas retângulos, e então isso pode ser uma imagem grande, então há mais algumas colunas abaixo. Então, você está vendo o que é importante aqui, quais são as coisas que realmente precisamos nos concentrar. As formas são a melhor maneira de lidar com isso. É tudo sobre grades, é tudo sobre usar os ângulos e a geometria básica de quadrados, retângulos e sua família distante e o que você pode fazer com eles para criar algo interessante na página. 6. Hierarquia e formas: exercício de layout: Ok. Então, o que eu quero falar um pouco agora é basicamente um bom exercício para ajudá-lo a criar a hierarquia, e o espaço, e todas essas coisas divertidas que realmente ajudam a separar suas informações e estilizá-las. O que estamos fazendo aqui agora, é abrir um pequeno documento do Illustrator, e este é um bom exercício para brincar. Isto é algo que eu faço primeiro com pequenos esboços rápidos em miniatura. Quando eu digo esboços em miniatura, eles geralmente não mais do que uma polegada ou duas de altura. É só rabiscar, é só para colocar minhas idéias no papel primeira referência. Mas ilustrador é uma grande ajuda para isso, porque você pode fazer as coisas muito rapidamente. Então, o que temos aqui é basicamente um tamanho 8,5 por 11, e eu tenho um, dois, três, quatro, cinco retângulos dispostos. Agora, esses retângulos podem representar qualquer coisa. Eles podem ser uma linha de apresentação, um título, um subtítulo, outro pedaço de texto, algo, podemos dizer que isso poderia ser uma capa de livro, isso poderia ser uma capa de revista, poderia ser um cartaz, poderia ser praticamente qualquer coisa. Mas para este exemplo, vamos apenas dizer que é uma capa de livro, e nós teremos nosso pequeno título de abertura aqui, nosso título principal aqui, legenda, autor, e talvez uma pequena etiqueta em algo assim. Então, o que queremos fazer é criar uma camada única fora disso, e agora não é muita coisa. Quero dizer, se você está indo para um layout moderno, isso já pode ser um vencedor, mas vamos tentar e fazer algo um pouco mais interessante com isso, e vamos dar-lhe um pouco mais de sensibilidade vintage só porque é muito fácil de demonstrar como a hierarquia pode funcionar se você trabalhar mais nesse mundo. Então, basicamente estamos trabalhando de trás para frente. Então, o que eu vou fazer aqui é copiar isso e eu vou começar a mover as coisas ao redor. Então, agora a criação de um pequeno slogan aqui, eu vou puxar para baixo porque eu quero que isso seja perto do fundo. Eu vou pegar essas peças e eu vou puxá-las um pouco mais para o meio, e eu vou começar a remodelar. Então, aqui mesmo a linha de apresentação pode ser muito mais fina, isso não é tão importante, talvez mover isso para cima. Talvez o título faça muito mais sentido, para ser grande você quer que isso seja ousado e acerte as pessoas na cara imediatamente, talvez o subtítulo seja talvez um pouco mais estreito, mas ainda é uma ferramenta. Vamos com o nome do autor aqui, talvez fôssemos assim, e isso é tudo arbitrário agora, é só experimentar. Eu vou pegar este pequeno slogan aqui, e agora, de repente, você transformou um layout básico de cinco caixas em algo que se parece com algo. Parece um design. Quero dizer, se você está do outro lado da sala, você pode olhar para isso e parece algo, você quase pode adivinhar o que tem nessas caixas. Então, é um bom exercício fazer isso, e apenas brincar com isso. Quero dizer, você pode pegar essa peça, e você pode mudá-la de novo, você pode dizer bem, eu quero que o nome do autor seja bem grande, eu quero que esse slogan seja mais longo, e eu quero que ele venha à tona em uma grande parte disso. Eu quero que este subtítulo seja talvez algo que não ocupe tanto espaço, e eu quero que isso seja realmente mínimo, e isso tenha um pouco mais de espaço para respirar. Então, isso é, nós podemos realmente fazer muito para mudar para o estilo de layout, nos cinco para o que estamos trabalhando, e é tudo sobre formas. Particularmente retângulos, porque com retângulos, como já discutimos, é muito fácil delinear para onde o texto vai. Lemos da esquerda para a direita, de cima para baixo. Então, você pode ver que este é o lugar onde as letras podem estar. As cartas podem estar aqui. Você pode ler isso primeiro, então você passa para isso, e você lê desta maneira, então você passa para aqui, e assim por diante e assim por diante. Vai se unir para formar algo que faça um pouco mais de sentido. Então, agora este é o seu layout mais básico. Isso é algo que pode existir muito facilmente no mundo moderno de hoje, mas vamos saltar um pouco no tempo e vamos fazer algo que tem um pouco mais de uma sensação vintage, e que tem muito a ver com manipular formas, e você pode fazer isso usando as ferramentas de distorção no Illustrator , já que é uma ótima técnica brincar com ele e ver o que podemos fazer. Então, de repente, damos a este título um pouco de arco no fundo da linha de base aqui. Podemos pegar essa linha de apresentação e talvez dar um arco em algum lugar em direção ao topo. Talvez queiramos apagar isso um pouco. Então, são formas básicas. Quero dizer, apenas pense em ilustrar com formas primeiro e como você faz isso, você será capaz de ter uma melhor sensibilidade de como você quer que esta conversa se sinta. Isso é tudo composição, e se você é capaz de colocar isso em movimento, realmente vai te dar uma ótima idéia de exatamente onde você quer que sua peça esteja no grande esquema das coisas. Como de imediato, temos algo interessante, e é ótimo poder sentar aqui e olhar para ele e dizer, ok, isso é definitivamente mais interessante do que o acima, e estamos tendo um ótimo jogo com as formas, e você poderia apenas imaginar o tipo correndo através deste arco aqui, e o tipo tendo perdido este recuo arredondado legal no meio onde o tipo terá que seguir esta linha de base, já é mais interessante. Então temos esta bela forma de bandeira aqui em baixo. Então, isso pode ficar tão detalhado quanto você queria, podemos fazer todas as coisas loucas com ele. Quero dizer, é claro que deve ser dentro da razão e e é ótimo se as peças podem se entrelaçar de tal forma que ainda pareça parte de algum tipo de grade. Ainda parece que esse espaçamento faz sentido. Ainda parece que há uma unidade lá. Você não quer que seja apenas formas aleatórias, como se nós estamos puxando isso para fora, se não há nenhuma rima ou razão para isso às vezes, apenas mover as formas ao redor, você pode ver que não necessariamente faz muito sentido. Quero dizer, você pode fazer isso talvez com algumas formas mais básicas, mas uma vez que você começa a brincar com as formas de se manipular, você verá um problema começar a ocorrer, e você não quer isso. Você quer que isso seja legível, você quer que ele seja limpo, você quer que ele seja legível. É muito importante que todas essas coisas estejam dentro desse mundo, e é claro que você pode pegar isso, e você pode fazer todas as coisas com ele. Não precisa ser necessariamente um retângulo, pode ser um diamante. Comece a desenhar formas. Quero dizer, isso é coisa básica de ilustrador, e vai fazer muito para ajudá-lo com seu fluxo de trabalho apenas em geral. Isso pode ser, a forma pode ser isso, que pode ser algum tipo lá dentro. Pode haver todo tipo de coisas. Pode começar a trabalhar aqui. Isso não precisa ser um retângulo, isso pode ser uma grande elipse, você poderia caber o tipo lá dentro. Basicamente, em qualquer lugar que você possa ler da esquerda para a direita sem alterar muito as letras, modo que ainda é reconhecível pelo olho humano, você está em muito boa forma. Novamente, o tipo não tem que preencher isso completamente, isso pode ser apenas uma forma que o tipo fica cruzado direito no meio. Poderia ficar assim. Não precisa estar dentro da forma. Esta é apenas uma ótima maneira de ajudar a definir sua composição, definir o que você está procurando fazer. Então, divirta-se e experimente com ele e há uma infinita quantidade de layouts que você pode usar utilizando isso. Você pode ver o que acabamos de fazer seis deles aqui muito rapidamente. Mais uma vez, você entra aqui, e começa a brincar com as coisas, não tem que ser nada louco. É apenas uma boa maneira de começar a explorar usando formas e usando composição. Então, novamente, seja rudimentar com isso, volte ao básico. Isso é tipo de coisa de infância, cortando as coisas com papel de construção e colocando-as em uma página colando-as para baixo. Quero dizer, foi assim que o design gráfico começou. Então, é ótimo ser capaz de sentar aqui e fazer isso de tal forma que você possa tentar tocar algum tom nele, tentar colocar algumas vibrações nele para sua peça geral. Se você pode vir acima com este conceito que você está muito feliz com, tente acentuar isso, e tente usar essas formas dentro desta peça para ajudar a acentuar isso. Se você fizer isso, você pode realmente realizar algo grande. Então, certifique-se de ficar de olho nisso, e certifique-se de que você não vai ao mar também. É muito fácil ir ao mar com essas coisas. Eu poderia continuar jogando formas aqui por dias, e eu posso continuar preenchendo e não é a pior coisa, mas não é para todos os layouts. Às vezes, um layout como este faz mais sentido. Às vezes, se você está fazendo algo, pode ser tão simples quanto aqui está um pedaço aqui, aqui está um pedaço bem aqui, e aqui está um pedaço bem aqui. Isso é tão eficaz quanto isso, como isso, como isso, todos eles têm sua própria personalidade para isso, e todos eles fazem sentido por uma razão particular. Então, fique de olho nele, há um monte de coisas que você pode fazer, e não apenas fazê-lo porque você sente que você quer fazer esse estilo de lettering, fazê-lo porque é apropriado para o tom da peça, e certifique-se faz sentido, e uma vez que tenhamos isso definido, então podemos trabalhar facilmente em nossos sistemas tipo e realmente começar a brincar com ele. Mas esta é a base, estes são pedaços da fundação. Mesmo que você faça um monte deles, é sempre ótimo fazer um monte deles, eu sempre sento aqui e faço um monte de esboços em miniatura, um monte de testes ilustradores porque é rápido e fácil, e você pode realmente ter uma noção do que a vibração da peça vai ser dessa maneira. Então, se você pode fazer isso, isso seria ótimo, e você pode pegar isso e usar isso como trampolim para entrar em coisas mais detalhadas e realmente começar a fazer isso parecer algo. 7. Sistemas de tipos: pergunta n.º 1: Ok. Então, uma vez que você tenha feito descobrir seu layout básico usando suas formas e seus métodos de composição que falamos, queremos realmente ter uma vibração para o que o sistema vai ser. O que vamos definir é o sistema, o sistema de tipos, o sistema de letras. Há algumas coisas que você quer perguntar a si mesmo enquanto trabalha com sistemas de tipo enquanto você está tentando desenvolvê-los e quando você está tentando escolher um estilo. A primeira coisa que eu sempre gosto de me perguntar é basicamente, qual é o tema geral? Qual é a vibração da peça? O que está descrevendo? A quem ele atrai? Basicamente, quem é o público? Quem é o público e qual é o produto? A próxima coisa, há uma letra ou estilo de fonte que imediatamente salta para cima de mim? Ele se encaixa no tema específico do trabalho que eu identifiquei? Está se encaixando dentro da vibração da peça? Baseado nisso, é uma coisa boa combiná-lo ou é melhor contrastá-lo? É melhor fazer algo um pouco diferente e mudá-lo? Depois disso, é sempre bom pensar sobre suas letras e suas fontes. Eles vão variar? Eles vão permanecer parecidos? Vamos escolher tamanhos diferentes, estilos diferentes, cores diferentes? Vamos fazer tudo isso ou vamos ficar um pouco mais mínimos? Então, finalmente, como essas opções de estilo de letra suportarão a hierarquia? Fizemos as formas, descobrimos o espaçamento. Que estilo de letra vai caber melhor nestas formas? O que realmente vai enfatizar esses layouts o melhor? Essa é basicamente a lista de verificação que eu gosto de executar toda vez que eu começo um novo layout, e ele funciona sempre. Todas essas perguntas são universais, elas funcionam para cada peça de design que você vai fazer e é importante. Tenha isso em mente, esta é uma daquelas coisas pegajosas que você pode deixar na frente do seu computador para que você não esqueça, quando nós certificamos que eu faço isso, isso, isso, e isso, porque isso vai ajudá-lo. Então, vamos entrar na primeira pergunta. Basicamente, qual é o tema geral e a vibração da sua peça? Qual é a vibração geral? quem é atraente e o que está descrevendo? Então, a melhor maneira de eu passar por isso por você é passar por um projeto em que eu trabalhei. Este foi um recente em que trabalhei para a Lincoln Motor Company. Era um comercial para ajudar a distinguir a história da marca do carro e apenas correr através de uma linha do tempo. A primeira coisa que recebi foi um resumo da agência em que estamos trabalhando. Basicamente, o que eles estavam dizendo é que eles me deram alguns cartões de título que eu iria trabalhar, alguns cartões de título que estaria dentro do comercial que eu estaria ilustrando com algumas notas. Há algumas anotações com dublagem, saltamos em um telefonema e conversamos sobre isso. Basicamente, o que estamos vendo aqui é que eu tive que projetar para o ano de 1918 e o ano de 1922 e alguma cópia de apoio. Então, basicamente, o que temos aqui é, para o ano de 1918, eles estão procurando algo distintamente 1918 e o mesmo com 1922. Quatro anos não deveriam fazer muita diferença. Mas quando você está falando sobre design, uma pequena quantidade de tempo faz uma enorme diferença. Podemos ver o que passamos nos últimos cinco anos e ver o quanto o design mudou. Então, você só pode imaginar. Quero dizer, as coisas realmente mudam e é importante fazer sua pesquisa. Ao projetar para 1918, eu puxei um monte de imagens de referência e, eventualmente, desci para alguns dos meus favoritos, e este é um exemplo de alguns deles. O que eu notei é que ainda era bastante decorativo, mas era muito mais simplista do que eu esperava. Os estilos de letras eram muito geométricos. Você vê um monte de círculos, você vê um monte de quadrados e triângulos realmente sentindo como se eles fossem parte das letras. As alturas X são únicas. Nada está realmente dividido bem no meio. É tipo que as alturas X são um pouco mais altas ou um pouco mais baixas. Mesmo nos casos em que estão divididos no meio como no exemplo das Escolas Católicas Romanas, ainda não tem essa vibração exata. Quero dizer, se você olhar para o R e o M, eles não são o que você pensa particularmente como seu R básico ou seu M básico. Há algum sentimento nisso. Você pode ver que há um tema geral correndo por aqui. Os O's são grandes e largos. Os “S “têm bolas gigantes no fundo. O B é o mesmo, a parte inferior é muito maior que o topo. Há muitos desses ativos únicos que foram trabalhados nessas letras que ajudaram a definir esse período de tempo e ajudaram a definir esse sentimento. Agora, saltando para as peças de 1922, parece que quase se torna muito mais sofisticado. Estamos nos afastando de formas geométricas e estamos ficando mais em aprimorar as letras para ser mais estilizado. Não se trata apenas de círculos e triângulos e quadrados fazendo essas letras. É um pouco menos Art Deco e é um pouco mais moderno, basicamente. Esta é uma diferença de quatro anos, e já estamos vendo algo que parece muito mais moderno. Você pode realmente ver esta evolução do tipo e esta evolução do imaginário. Então, outra coisa que eu anotei para mudar para 1922. Além disso, você pode ver onde a linha de base e apenas o topo das letras realmente se movem em linha reta. Isso foi algo que eu senti que era realmente importante para anotar em oposição aos exemplos de 1918, onde você pode sentir que talvez você poderia começar a fazer algumas coisas interessantes. Especialmente, se você olhar para a minúscula no exemplo de 1918 onde ele diz, “Enquanto ele viver”, o tipo G de pendura realmente interessante. Assim, é também nas escolas católicas romanas, o “de” o minúsculo. O f minúsculo é muito interessante na forma como é projetado. Em exemplos de 1922, não há muito disso. Agora, se você olhar para as minhas letras para 1918 e as letras para 1922 e até mesmo apenas os layouts em geral, você pode ver que eu realmente referenciei as peças de referência muito de perto. Para o 1918, eu realmente queria ir geométrico. Os O's são grandes e largos. As alturas X têm uma mentalidade muito baixa. Mesmo as pequenas legendas nos títulos de abertura onde diz “Lincoln Motor Company”, tem essa sensação muito básica para ele. Não é demasiado ornamentado e está a utilizar a geometria de uma forma muito interessante. Eu não vou exagerar com nenhuma dessas coisas também, isso é quase como um tipo básico, mas apenas feito com aquele flare 1918 que eu encontrei em minha pesquisa. Agora, olhando para o 1922, você começa a ver onde há muito mais decoração chegando e há alguns floreios saindo das letras. Estamos brincando com as linhas de base, estamos brincando com as alturas das coisas, mas tudo é feito de uma maneira muito mais elegante. Se você olhar para esses dois lado a lado, você quase pode ver como a versão 1922 é muito mais evoluída do que a versão 1918. Você pode ver onde há mais de um 1918 simplista e mais de um elegante e sofisticado 1922. Isso é algo que eu acho que foi realmente importante com base nesses vários recursos que eu peguei. Você pode ver como isso é importante e é importante honrar isso. 8. Sistemas de tipos: pergunta n.º 2: Agora, vamos entrar na próxima pergunta que estamos fazendo a nós mesmos. Existe uma letra ou estilo de fonte que corresponda ao tema em que estamos trabalhando? Identificamos o tema, agora temos que identificar se há um estilo de letra específico que corresponda. Além disso, como vamos abordar isso? Então, vamos fazer do jeito que estamos quase esperando que nós mesmos façamos, ou vamos tentar quebrar as regras um pouco? Vamos dar uma olhada em alguns exemplos. Isso é algo que todo mundo sabe. Tudo bem, se falamos sobre esses estilos particulares de design, já sabemos quais estilos de letras combinam com ele. O primeiro que eu vou usar é o meu favorito, uniformes de beisebol. Sempre adorei uniformes de beisebol. São uma grande fonte de inspiração, principalmente porque são extremamente tradicionais. Vem de um lugar onde design e branding, e todas essas coisas não eram importantes para o esporte. O esporte era muito mais robusto, era coisa muito passatempo. Então, sempre que você via letras para equipes de beisebol, geralmente vem dos mesmos caras que fizeram anúncios de jornais no final de 1800, ou onde os caras que fizeram assina em prédios. Havia um tema consistente. Se você olhar para o exemplo dos Dodgers, aquele script com o Swoosh que vai por baixo dele. Que nós pensamos nisso como um logotipo de beisebol agora, mas que não era um logotipo de beisebol, que era apenas um logotipo geral da empresa que era muito popular. Que estilos são populares no final de 1800, início de 1900. Então todas essas coisas vêm daquela área. Quando olhamos para isso em termos do que eles se tornaram, a letra tinha que ser ousada, tinha que ser simples. Porque você precisava distinguir equipe da equipe quando você estava no campo de beisebol. Você quer saber quem está na sua equipe. Há também o fato de que muitos desses logotipos, ou esses pedaços de letras foram espalhados pelo peito, e muitas vezes eles foram estendidos através de um arco, ou de alguma forma diagonal, de modo que enquanto o corpo humano gira, senta-se de uma forma muito natural. Então, você pode lê-lo, você pode jogar, é utilitário em algum sentido. Há definitivamente de variação e estilos há a versão mais bloqueada, há a versão mais script, e há mais toscana quase todos os tempos a sensação ocidental. Todos eles são muito tradicionais para o beisebol porque eles eram muito tradicionais para imprimir naquela época em que essas coisas foram inventadas. Ao contrário de outros esportes, o beisebol permaneceu bastante tradicional para que o final dos anos 1800, início dos anos 1900, definitivamente houve atualizações. Mas, na maior parte, ele permanece, e a quantidade de decoração que geralmente é adicionada nunca é muito mais do que um simples esboço, ou sombra cair aqui e ali. Outro bom exemplo é o militar, o exército americano, ou praticamente qualquer militar para esse assunto. Quando você pensa em coisas militares, você pensa forte, ousado, estênceis, e sempre parece que é sobre os estênceis. A razão pela qual isso acontece é porque, isso é coisa utilitária, e ainda mais do que beisebol. Esses caras têm um trabalho a fazer. Não há tempo para apenas fabricar esses desenhos nessas roupas, nesses produtos e bolsas, e qualquer coisa que eles estão usando. estênceis são rápidos e fáceis. Eles estão bem ali, você pinta sobre eles bem rápido, manda o cara seguir seu caminho, e isso é o que é tão interessante sobre este exército. Se alguém diz exército para você, você imediatamente pensa em estilo particular de fonte estêncil, e essa é a coisa bonita sobre determinar sua vibe e seu tom para uma determinada peça, porque se você tem que associação já, torna sua vida dez vezes mais fácil, e você tem um ótimo ponto de partida. Então, basta ver o que os militares realmente têm a oferecer em termos de letras. Quero dizer, você está olhando para a simplicidade, você está olhando para muito pouco uso de decoração. Não é uma organização chique. O exército não é nada chique. O exército não é chique, é baseado em utilidade e eficácia. Sempre que você está projetando algo, é sempre ótimo ser capaz de pelo menos ter algum aceno para o que é a utilidade do que você está projetando, o que quer que seja refrigerante, computador, carros, qualquer roupa. Desde que você tenha um pouco de um aceno para ele, quer você esteja indo contrastando, ou apenas como tonalmente, é bom ser capaz de referenciá-los de alguma forma. Isso cria uma estética que as pessoas vão copiar para itens de novidade e o que quer que seja, mas há propósito para isso, e há utilidade nisso, e é isso que faz com que pareça da maneira que ele faz. É aqui que você toma seu conhecimento como designer gráfico e a história que você estuda, e você o aplica a algo, e é daí que vem a estética. A estética vem de como a história definiu certas utilidades. Neste exemplo em particular, sabemos exatamente de onde veio. Sabemos por que ela existe, e isso é o que associamos a ela. Quero dizer, sempre que você vê um estêncil disso é uma das primeiras coisas que você vai pensar. Em seguida, movendo-se para o extremo oposto do espectro, estamos pensando em luxo aqui. Luxo, sempre que você pensa luxo sempre pensando roteiro, você está pensando elegância, e decoração, e o tipo de estilo é geralmente imitar isso. Parece sempre muito limpo. O layout sempre parece muito limpo. Tem muito espaço para respirar, há muito ar, há muito espaço negativo. Mas isso não significa que seja ilegível também. A legibilidade dos scripts, e dependendo do tipo de script que você está usando, ele pode quase se tornar completamente ilegível. Mas há também os scripts que ajudam a definir uma certa característica. Isso implica uma certa maturidade e sofisticação, enquanto, você realmente não precisa ser capaz de lê-lo imediatamente. Você está assumindo que a pessoa que está olhando para isso, está vindo de um ponto de vista particular. Um ponto de vista particular de refinamento onde é como se eles tivessem o luxo de sentar aqui, e descobrir o que este belo roteiro diz. Vou absorvê-lo pela sua beleza. Com isso, vem o suporte de letras que geralmente é muito mais fácil para os olhos, e não é apenas para utilidade segura, mas também para estética. Quero dizer, se você tem um belo roteiro de letras, é quase como uma ilustração em si mesmo. Então, ao fazer isso, você não gostaria de elogiar uma ilustração com outra. Você gostaria de elogiar uma ilustração com algo que é um pouco mais útil. É o exemplo perfeito para mostrar como o equilíbrio é importante também. Então, suas coisas de hierarquia em que você trabalhou realmente entram em jogo quando você trabalha com algo assim porque é tudo sobre que equilibra, é tudo sobre esse peso e a natureza de como esses títulos jogam uns com os outros. Então, usando esses três exemplos, você pode ver como utilitário e função, e história realmente jogar nele. Ao fazer isso, você pode ajudar a identificar onde cada estilo de letra se encaixa em seu ambiente específico. Uma vez que você é capaz de identificar isso, então você pode fazer a escolha, eu vou continuar com isso? Vou ser tradicional? Ou vou enlouquecer e fazer algo totalmente diferente onde as pessoas não esperam? 9. Sistemas de tipos: pergunta n.º 3: Agora, movendo-se para a terceira questão, nós vamos ter x quantidade de letras. Vamos ter uma cópia. Então, vai variar muito ou vamos ficar parecidos? Vai viver dentro da mesma família? Então, quero mostrar-vos dois exemplos diferentes em que trabalhei. O da esquerda é aquele estilo quadro-negro que vocês viram popularizar nos últimos dois anos, e isto é para a revista Rachael Ray. Basicamente, o que temos aqui é muito ornamentado. Temos muitos estilos de tipos diferentes. Tem muita coisa acontecendo. Do lado direito, temos o memorando padrão, que é um projeto de notebook que eu projetei. Ao fazê-lo, eu queria que fosse muito utilitário. É um livro diário de recordes. Então, o design dele tem que ficar fora do seu caminho para que você possa preenchê-lo com suas próprias coisas. Basicamente, o que você está tendo aqui é que você está tendo algo muito ornamentado que deveria parecer pessoal, mas em essência, é muito mais frio já que está em uma revista. Então, ao contrário do que no lado direito, temos algo que parece mais frio, mas uma vez que você começa a usá-lo, torna-se muito mais pessoal. Então, você pode ver como os estilos jogam uns com os outros e como os estilos de letras podem realmente afetar a aparência de algo. Só para entrar um pouco, quando você senta aqui e está começando a projetar algo, você se pergunta, você quer que isso seja ornamentado? Você quer que seja mínimo? Como você quer comunicar esses sentimentos? Vai ser divertido? Vai ser sério? Vai ser utilitário? Vai ser decorativo? Estas são perguntas muito importantes para começar a fazer a si mesmo. Isto vai caber na vibração em que trabalhamos tanto neste momento? Tudo tem que fazer sentido. Tem que se juntar a todos. Se você decidir usar vários estilos, tem que haver algum elemento comum para mantê-los juntos. Tem a ver com o estilo do tipo. Você precisa ver alguns elementos comuns. No artigo da Rachel Ray, estou trabalhando com esse tipo de vibe do início dos anos 1900 com as alturas x são diferentes. Eles não estão em linha reta. Há um monte de x alturas que estão acima. Há muitos que estão em baixo. Você pode ver como há um vínculo comum em muitos desses estilos, um DNA comum, mas então também é compensado com alguns scripts e alguns floreios e alguns pequenos pedaços aqui e ali que ajudam a reunir tudo em um unificado Pedaço. Então, o que você está vendo, novamente, é quase como uma ilustração. uma vez, é mais dessa vibração de ilustração em oposição ao estilo de design gráfico tipográfico frio. Se você está fazendo isso sem qualquer rima ou razão, ele vai começar a parecer desleixado. Vai parecer muito confuso, e você vai perder a harmonia que você vem desenvolvendo através suas formas e sua hierarquia e seus estilos e seu estudo dos recursos e da história. Quanto mais estilos de letras você adicionar, mais difícil fica para torná-lo bonito. Então, se você vai fazer isso, certifique-se de que você está confortável. Agora, quando você entra em alguns layouts mais modernos, e os layouts mais modernos realmente vêem essa história de meados dos anos 1900 até hoje, é tudo sobre limpeza e espaço e a capacidade de deixar seu design respirar e ser legível. Mesmo algo que é tão simples como este pode ter tanto estilo quanto algo com uma tonelada de tipos diferentes. Então, a melhor coisa que posso ilustrar no exemplo do caderno de Memorando Padrão é o fato de que a hierarquia está claramente definida. Você pode definitivamente ver onde nossas formas foram usadas no design deste. Você pode ver como era 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15 retângulos. Você pode simplesmente ir de cima e ir direto para baixo e contá-los e você pode ver exatamente como eles foram esticados, puxados e movidos ao redor para criar o layout que temos lá. Ele serve exatamente o mesmo propósito que a peça de letras à esquerda serve. Os dois layouts são completamente diferentes em como eles são abordados, mas eles estão realizando exatamente o mesmo objetivo em ser únicos e interessantes e criar uma personalidade para a peça que está representando. Então, é aqui que suas escolhas realmente começam a afetar a aparência do seu trabalho. Basta lembrar, você não precisa usar mil estilos diferentes. Você não precisa usar um estilo. Você pode usar dois ou três estilos. Tudo isso é baseado em todas essas coisas para as quais estamos trabalhando. É tudo baseado na história. É tudo baseado em seus recursos e em seu breve e no tom da peça e tudo mais. Apenas certifique-se de que quando estiver trabalhando em seus layouts de texto e estiver escolhendo quais estilos de tipo você vai usar, apenas certifique-se de que é apropriado. O nome do jogo é apropriado. Você tem que se certificar de que funciona. Você pode entrar em todos esses estilos diferentes, mas se ele simplesmente não está funcionando e não está fazendo sentido com a razão que você está definindo esta mensagem, então qual é o ponto? O aspecto básico disso é que tudo se resume ao fato de que isso serve a um propósito. Design, em geral, serve a um propósito e esse propósito é comunicar uma mensagem. Então, é ótimo ser capaz de decorar a mensagem, mas antes de tudo, você tem que comunicar essa mensagem e você tem que comunicá-la claramente. Então, certifique-se de que quando você está escolhendo seus estilos de texto, é de uma maneira muito clara e, em seguida, quando você estiver confortável, você pode começar a adicionar, subtrair e fazer algumas coisas interessantes com ele, mas sempre certifique-se de que você está claro e você é conciso e você é apropriado. 10. Sistemas de tipos: pergunta n.º 4: Agora, a última pergunta que gostaria de me fazer quando chegarmos a este ponto é, como essas escolhas de cartas vão apoiar a hierarquia? Agora, é aqui que ele está realmente chegando ao fim e você está realmente escolhendo exatamente o que é que vai definir estilo. Para fazer isso, eu queria ver um dos meus desenhos de cartazes para o nacional. Para me intrometer, eu sabia que só com um nome como o National, eu queria fazer algo tipo de americano presidencial. É um estilo divertido de trabalhar. Ele realmente meio que cria um grande visual e tem uma grande história visual para extrair. Ao fazer isso, eu queria fazer um grande estilo de serifa presidencial para as letras. Foi realmente prevalente no século 19 e muitos dos cartazes do governo, era do Tio Sam, tem essa sensação de que quase parece um pouco primitivo, porque originalmente, eles tinham a mesma vibração que as fontes de San Serif fazem hoje, porque os Serifs eram muito mais decorativos. Vou falar disso daqui a pouco, mas eu realmente queria isso. É uma fonte grande e arrojada que tem o DNA de um San Serif, mas ainda tem Serifs e alguns trabalhos decorativos dentro dele. Quando saio de lá, pergunto-me : “Qual é a próxima parte mais importante?” A coisa que eu pulei foi a data, claro, você conhece a banda que você quer ver. A próxima pergunta é: “Quando você quer vê-los? O encontro é super importante e eu queria fazer isso grande e ousado. O que eu fiz foi, eu tomei o mesmo tipo de estilo que o Nacional estava mas eu removi os Serifs e eu removi a decoração dentro dele. Então, ainda é o mesmo estilo, mas é meio que despejado um pouco, e moveu-se um pouco pela página. Quando você olha para isso, mesmo se você olhar de olhos, se você pode ficar para trás e você piscar de olhos, a primeira coisa que você vai ver é o nacional e a próxima coisa que você vê é a data. É incrivelmente importante ter certeza de que isso é muito claro. Você quer ser capaz de ingerir essas informações rapidamente e fazê-lo sem ofuscar o cabeçalho ou o título principal. Eles parecem diferentes, mas o DNA está lá. Se você olhar para as peças que são iguais, é o caminho da linha e é a altura x. Eles são muito parecidos. Se você apenas remover um pouco da decoração em que Serifs, você tem quase a fonte idêntica. Logo ali, essas duas peças mais importantes têm um vínculo que são criadas entre elas. Ajuda muito a unificá-lo imediatamente. Então, tipo de minimalizá-lo um pouco e não usar os Serifs na data realmente mostram que é quase subordinado ao tratamento do título principal e você deve gostar dos Nacionais, é a coisa que merece atenção porque tem mais decoração e você segue em frente até a data e você sabe que é importante porque ele compartilha importante porque ele compartilhao mesmo estilo, mas está faltando alguma atenção aos detalhes que o Nacional tem. Então, você pode ver apenas fazendo essas pequenas escolhas, como você é capaz de desenvolver a hierarquia de sua peça. Depois disso, a próxima coisa importante seria o convidado especial, que é a próxima informação mais vital. O convidado especial será Owen Pallett. O que você tem aqui com o estilo tipo de letra Owen Pallett e eu uso letras de tipo de letra intercambiavelmente porque nem todo mundo vai usar letras, algumas pessoas podem estar manipulando fontes, você poderia estar fazendo de muitas maneiras. Olhando para Owen Pallett, estamos vendo um estilo de letras que ainda está dentro do mesmo período estilístico que o resto dessas peças do quebra-cabeça até agora. Neste período de tempo, esta Americana do século XIX acumulou uma grande quantidade de ativos estilísticos dos quais você pode retirá-la. Na criação deste cartaz, eu queria tentar utilizar um monte deles e tipo de ter como este sentimento abrangente de Nacional. fim de equilibrar os estilos de letras que usei para o Nacional e para o 30 de setembro, eu queria fazer algo que fosse um pouco mais ousado em contraste que ainda chamaria a atenção, mas não ser arrogante. O que eu fiz foi, eu fui para um peso de linha mais fino e eu fui um pouco mais inato mas eu ainda mantive algumas escolhas estilísticas semelhantes. Se você olhar para o tipo Nacional, temos algumas esporas saindo do meio em direção à altura x. A mesma coisa acontece com o rosto do Owen Pallett, exceto que é um pouco mais inato e é um pouco mais ampliado. Então, estamos vendo um pouco mais desse estilo desenvolvido ainda mais. Esta é uma ótima maneira de jogar com os estilos que você está escolhendo, você está ficando grosso, pesado e depois fino e leve. É ótimo ser capaz de equilibrar os pesos das fontes que você está usando ou os estilos de letras que você está usando e usar isso em sua hierarquia e, em seguida, uma vez que você passa esse ponto onde você tem suas informações que são 100 por cento necessário, então você pode começar a jogar com as outras coisas. Para isso é um cartaz da banda. Este cartaz provavelmente estava pendurado no local onde você estava indo, que você estava, que a banda ia tocar. Então, você meio que já sabe onde vai ser, então, não é tão necessário. Quando você pode brincar ao redor que especialmente ao vivo, obviamente, estas são todas pequenas peças que ajudam a decorar o cartaz. Então, decidi que quero me divertir um pouco mais com essa parte do projeto. Não era necessário que tudo fosse completamente óbvio, não precisava ser super legível, mas poderia ser suportes estilísticos para o resto do design do cartaz. Não tem que ocupar tanto da paisagem visual. Isso não, eu não estou sugerindo que você jogar completamente fora o guia de estilo e apenas tipo de enlouquecer com este ponto, ainda é importante para ficar dentro do tema geral que você está trabalhando em, mas você pode se divertir um pouco com ele. Se ele não vai ocupar tanto da paisagem visual, você pode enlouquecer um pouco e você pode se divertir um pouco com ele e fazer algumas coisas interessantes. Neste exemplo, eu realmente escolhi usar vários outros estilos de letras do período de tempo mais como elementos decorativos e não tanto como elementos comunicacionais e isso é o que você vê com algumas dessas peças que têm um monte de tipo ou um monte de letras. Nem tudo é super importante então, você pode se divertir um pouco com ele e foi isso que eu fiz com esta peça. 11. Sistemas de tipos: pergunta n.º 4, continuação: Eu só queria ver mais um exemplo de como as escolhas de letras suportam hierarquia e eu queria usar este projeto Dockers no qual trabalhei. Logo após o bastão, meu resumo incluiu o logotipo, o logotipo tinha que estar na frente e no centro. No meu estilo particular de letras desenhadas à mão, trabalhar com um logotipo vetorial limpo nem sempre é a coisa mais fácil de fazer. É difícil misturá-los. Então, esse foi o meu desafio ali mesmo, o logotipo tem um estilo definido. No entanto, a campanha da qual esta era uma parte era mais ou menos uma campanha muito humana, tinha um sentimento mais mãos sobre ela. Se você se lembrar de volta para nossas lições no início do tom e tema, muitas dessas coisas vêm do resumo criativo. Então, se alguém diz, “Aqui está o logotipo, mas tem que ser humano”, aqui é onde seu cérebro começa a agitar e a engrenagem começa a ir e você começa a pensar : “Ok, como eu vou resolver esse problema?” As mãos reais no campo para ele é diferente do que o logotipo sugeriria assim, como eu realmente alcançar esse objetivo. Como faço para que isso pareça uma peça unificada? Então, minha decisão foi ir com uma abordagem mais serif. O logotipo do Dockers em si mesmo com o ícone de ilustração que o acompanha, é sans-serif todo o caminho é um peso de linha única, é basicamente um traço grosso ao longo. Então, eu queria meio que imitar isso um pouco. Então, com o título da campanha, Homens de Estilo, eu fui com isso em um único peso de linha, aquele único golpe, exceto que eu adicionei um pouco mais de decoração e adicionei algumas serifas. Coloquei em um arco e dei um pouco de sombra. Assim, ainda se destaca dentro da composição da peça, mas o próprio logotipo do Dockers ainda é o foco principal. Então, você está vendo o número um e o número dois do quebra-cabeça da hierarquia. Quando você olha para esta composição como um todo, você realmente vê o logotipo sans-serif pop porque ele é cercado por todos esses estilos de letras serifed e esta borda desenhada à mão. É ótimo ser capaz de definir a essência de uma campanha apenas dentro desses pequenos contrastantes para frente e para trás. Este sans-serif do logotipo é realmente ousado quando você olha para ele, em comparação com todos os pequenos detalhes que saem de serifas em geral. Quero dizer, uma vez que você está usando um serif, você está deixando de lado uma certa quantidade de controle e uma certa quantidade de autoridade que as letras estão exigindo, porque há aqueles pequenos detalhes lá dentro. Então, se você estiver contrastando com um sans-serif, você definitivamente vai ver alguma interação entre os dois e, neste caso, é o logotipo em si aparecendo e estando na vanguarda do design. É importante notar, porém, que o peso da linha permanece bastante consistente ao longo. Quero dizer, eu acho que os subcabeçalhos, que se vestiriam como você quer dizer, são um pouco mais variados, mas as duas coisas principais, os Dockers, e, os homens de estilo e o ícone do Dockers, todos têm esse peso consistente. Isto é novamente, semelhante ao Nacional onde o Nacional e o 30 de setembro estamos muito perto, mas nesse caso foi quase invertido, onde eu fui de serif ou sans-serif. Mas realmente o que se resume é que estamos trabalhando o mesmo tipo de letra de DNA, ainda está tudo lá, você é capaz de amarrá-lo e parece que é parte dele. Mesmo sendo desenhado à mão, ainda há aquela relação lá que faz funcionar. Quando é usado no contexto, o espectador nem percebe, ele só se torna sua própria peça, própria marca e é isso que você realmente queria fazer, esta estética Dockers limpa misturada com a natureza corajosa do pessoas cotidianas. É para onde o resumo estava indo e os elementos humanos de imperfeição misturados com a natureza perfeita de um par de calças fabricadas, realmente nos dá esse tema e realmente nos traz à frente, ao espectador e ao cliente, Quem quer que esteja a olhar para isto, o público, terá essa vibração. 12. Integrando fonte com imagem: Uma das últimas coisas sobre as quais quero falar é integrar o tipo e as letras com uma imagem. Há um monte de vezes em que você pode se safar fazer apenas tipo e isso é realmente divertido e realmente ótimo, mas na maioria das vezes isso não é o caso. Quero dizer, especialmente se você tem clientes, há produtos que eles querem vender, imagens que eles precisam colocar lá fora, há fotografia que precisa ser mostrada. Há muitas vezes em que a imagem é importante. Então, você tem que decidir como sua digitação e suas letras vão se integrar dentro dessa imagem, seja fotografia, seja vídeo, seja produto, não importa. Você tem que descobrir onde ele vai ficar, e há um monte de maneiras diferentes de você fazer isso. Ele pode interagir diretamente com a imagem, ou pode interagir indiretamente com a imagem, e essa é uma escolha que você pode fazer com base no tom e com base no ritmo e com base no sentimento geral de que você quer este particular projeto para ter. Quero passar por alguns exemplos e mostrar como trabalhei com eles. Ambos os exemplos são para uma campanha que fiz com o Bing. A primeira que me foi dada foi uma fotografia de bicicletas, e o título era andar de bicicleta. Então, imediatamente eu estou olhando para a imagem e são tons mais suaves, cores suaves, é muito sereno, moderado, relaxante, todas essas coisas estão começando a passar pela minha cabeça, eu estou fazendo anotações de todas essas coisas. Tudo parece muito orgânico, mas as bicicletas estão na frente e no centro. Então, é rígida e geométrica ao mesmo tempo. Então, há uma certa arquitetura nisso. Então, é quase como olhar para uma paisagem urbana, ou algo assim comparado com a natureza. Você tem uma certa quantidade de arquitetura humana que está sendo utilizada dentro de uma situação ambiental e orgânica. Então, há contraste bem ali. Então, novamente, eu estou pensando sereno, relaxante, mas agora eu estou pensando em contraste também. Apenas em geral, a foto em si parece muito leve e arejada. Então, eu tenho um monte de espaço negativo para brincar. Então, devo usar todo esse espaço negativo ou devo deixá-lo continuar a ser leve e arejado? É aí que as ideias começam a funcionar e é aí que as miniaturas começam a entrar à medida que começamos a esboçar e a tentar descobrir exatamente onde deveria estar. Então, vocês podem ver aqui, esta é a minha ideia inicial do que eu queria ir com. Eu sabia que queria que fosse algo que fosse sentimento orgânico e muito fluído porque você tem a praia, você tem as ondas, e então você tem a moto. Uma vez que você está em uma dessas bicicletas de Beach Cruiser, é apenas, você apenas senta-se lá e você apenas flui através delas e é muito relaxante. Eu queria que o tipo se sentisse muito fluído e muito livre, mas uma vez que eu fiz isso apenas me senti muito pesado. A peça é muito leve, muito arejada. Há muito espaço para respirar e o tipo em si parecia muito pesado. Então, eu raspei ele voltou para a prancheta e eu vim para cima com a próxima peça, e isso é o que acabou sendo a final. É mais uma sensação de golpe único, parece mais que imita uma moldura de bicicleta e ainda assim é orgânica, e ainda traz a leveza da natureza por trás dela e o fluxo das ondas. Então, eu realmente tentei incorporar ambos nesta peça e ainda não ofuscar a foto em si. Então, o tipo fica atrás da imagem um pouco e lhe dá um pouco de dimensionalidade. Então, é bom ser capaz de olhar para esta peça e não se sentir sobrecarregado por qualquer coisa. Em vez disso, ele se sente mais equilibrado, e se sente mais como algo que você pode realmente olhar e ingerir e dizer ok, andar de bicicleta, em vez de apenas ser martelado com muita informação visual. A mesma coisa vale para a próxima. Este foi, você pode ver algumas pessoas em uma jangada lá dentro, é rafting de água branca lá dentro. Eles estão bem ali com a água branca e parece muito louco e parece muito agitado e eles têm coletes salva-vidas, eles tinham capacetes, a água é muito agitada. Você pode ver este elemento de intensidade e quase masculinidade também, apenas a ação áspera que esta fotografia está capturando. Além disso, uma vez que você olha para o espaço negativo que você tem para jogar, é um terreno acidentado. Se você piscar de olhos e puxar para trás novamente e olhar e ver que tipo de formas começam a aparecer para você, você pode ver que o espaço negativo da água é cortado pelos remos e pelas cabeças das pessoas e pelos ombros das pessoas e pela própria balsa . Então, você está preso com uma sensação interessante de espaço negativo e o que eu vou fazer para entrar nessa vibração. Então, do outro lado da bicicleta, este é muito intenso, e não é leve e arejado. Tem muita coisa visual acontecendo. Há textura e padrão em todos os lugares, e é algo que distrai muito o olho humano. Então, se você vai começar a jogar letras lá, só vai se distrair mais. Então, minha primeira escolha foi jogar fora a idéia das ondas e como era rochoso, e eu acabei indo com um estilo mais leve para sentar atrás, mesma forma que eu fiz com a peça de bicicleta, mas acabou se perdendo. Perdeu-se muito rapidamente. É uma peça muito movimentada e esse detalhe se perde em todos os detalhes da água, das ondas e de tudo o que está acontecendo. Então, eu tive que voltar e eu tive que pensar em algo. Então, o que eu pensei foi, uma boa maneira de realmente trazer isso para um bom lugar era fazer o tipo realmente pesado e muito grosso e ocupar muito desse espaço negativo e realmente fazê-lo preenchê-lo, então é quase sentimento claustrofóbico, porque ajuda a inflamar esse sentimento que a fotografia está tentando liberar, onde é apenas, não há para onde ir. Você está nessa jangada e é uma loucura e eu queria que o tipo imitasse isso. Então, eu peguei o tipo e comecei a projetá-lo para que ele ocupasse quase tanto espaço negativo quanto possível. Eu fiz um grosso, por isso foi ousado e fácil de ler, e eu fiz o estilo um pouco mais rígido. Não é tão livre e não há muitos sinais encaracolados e isso e aquilo. Este não é apenas um dia na praia, é algo muito intenso. Você pode imaginar a sensação de estar nesta jangada e ser jogado para frente e para trás. Se você estivesse em uma jangada e passasse por cima dessas letras, teria uma sensação semelhante porque há algumas bordas duras e alguns cantos afiados, e isso é algo que acabou fazendo esta peça bem sucedida. foi reavaliar qual era o tom e realmente levar em consideração o que a imagem estava tentando retratar. Isso é uma grande coisa a ser capaz de fazer é, se você tem o tempo e a capacidade de sentar lá e dizer, “Ok, o que esta imagem está me dizendo e como posso expressar isso e como posso torná-la apenas em geral, melhor para o público, para o público de visualização?” É ótimo poder contar essa história, utilizando uma fotografia que alguém lhe dá como parte do resumo e você está respondendo de volta com algo tão vital quanto importante. Isso realmente ajuda a criar a composição de uma forma significativa. É algo que requer prática e é algo que você precisará trabalhar para fazer as escolhas certas, e está tudo bem se você fizer as escolhas erradas, porque você vai aprender com eles e isso é o que isso é tudo sobre. Mas apenas olhando para eles e vendo como eles trabalham juntos, você pode ver como você pode utilizar todas essas coisas sobre as quais falamos e criar algumas peças realmente bonitas de trabalho. 13. Explore o design na Skillshare: maneira.