Ilustração gráfica: design ousado com cor e forma | Olimpia Zagnoli | Skillshare

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Ilustração gráfica: design ousado com cor e forma

teacher avatar Olimpia Zagnoli, Illustrator

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Aulas neste curso

12 aulas (1 h 13 min)
    • 1. Introdução

      1:33
    • 2. A linguagem das cores

      9:40
    • 3. Inspiração e recursos

      7:14
    • 4. Esboçando as ideias

      10:53
    • 5. Esboçando sua ilustração

      4:43
    • 6. Digitalizando seu esboço

      10:26
    • 7. Desenhe com formas

      10:03
    • 8. Refinando sua ilustração

      10:08
    • 9. Aplicando as cores

      4:28
    • 10. Como experimentar com cores

      10:04
    • 11. Encerramento

      3:38
    • 12. O que vem a seguir?

      0:37
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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24.213

Estudantes

392

Projetos

Sobre este curso

Cor e forma são comunicadores poderosos em design e ilustração - e este curso vai aprimorar suas habilidades.

Junte-se a famosa ilustradora Olimpia Zagnoli neste curso inspirador explorando seu uso inteligente e inesperado das cores. Inspiradas por sua criação italiana e artistas que ela admira, suas ilustrações são o veículo perfeito para explorar a interação de inspiração e técnicas - e maneiras de combiná-las em seu próprio trabalho de ilustração gráfica.

Cada aula dá vida para como a ilustração pode ser uma ferramenta para comunicar uma mensagem. Você vai explorar:

  • Inspiração e recursos
  • O poder das formas simples, tanto no esboço quando na ilustração digital
  • Seleção de cores que se encaixam na sua história artística e editorial
  • Aperfeiçoar sua ilustração com alguns toques finais

Se você está apenas começando ou é um ilustrador experiente, você sairá com uma abordagem mais ponderada e criteriosa para seu trabalho, bem como técnicas para adicionar ao seu repertório de estilo. Todos os alunos são incentivados a tentar compartilhar a tarefa máxima: criar uma ilustração de autorretrato do início ao fim.

______________

O que você vai aprender

  • Introdução. Neste tutorial de ilustração, você aprenderá a traduzir sua personalidade e identidade em um autorretrato expressivo.
  • A linguagem das cores. Você aprenderá a usar as cores com sabedoria enquanto Olimpia Zagnoli conduz você pela sua jornada pessoal com a exploração de cores. Você vai ter uma ideia de como usar as cores "com responsabilidade", o que significa confrontar conotações políticas e culturais associadas a certas cores usadas em contextos específicos, e entender como evitar exagerar no uso das cores.
  • Inspiração e recursos. Antes de começar este curso de ilustração de verdade, você precisará cultivar sua própria singularidade. Você aprenderá a fazer isso se perguntando uma série de coisas, começando com, "De onde você vem?" Olimpia compartilhará como sua origem e sua cidade natal continuam a inspirar seu trabalho atualmente e impressionar você sobre a importância da qualidade sobre a quantidade.
  • Esboçando ideias. Você aprenderá a combinar vários conceitos em uma únicailustração gráfica. Finalmente, colocando o lápis no papel, você definirá uma moldura para sua ilustração e trabalhará dentro dela para criar um esboço de si mesmo. Lembre-se de pensar sobre como a ação ser traduzida para uma imagem estática e passar uma sensação sobre você.
  • Esboçando sua ilustração. Agora você pode refinar a ideia que você criou em seus esboços iniciais e criar uma versão que você planeja digitalizar. Você aprenderá a equilibrar sua composição em termos de cores e verá quantas cores você pode usar no seu design.
  • Digitalizando o seu esboço. Você verá como Olimpia faz uma pintura digital de seu esboço original, desenhando em um tablet conectado ao seu MacBook Pro. Você aprenderá em quais elementos focar primeiro ao começar seu desenho no Adobe Illustrator, e quais partes da imagem você pode salvar para mais tarde.
  • Desenhando com formas. Você aprenderá a identificar onde o Illustrator e outros programas de ilustração de computador “consertam” automaticamente seu trabalho para você e como evitar isso para um produto final mais individualizado. Olimpia ensinará algumas técnicas para ajudar você a detectar erros na sua pintura digital brincando com sua orientação física.
  • Refinando sua ilustração. Você receberá dicas de como obter suas próprias imagens de referência exclusivas e como traduzir fotos em ilustrações digitais. Você aprenderá como dobrar a realidade enquanto mantém um senso de realidade física em seu trabalho e como fazer pequenos ajustes no Illustrator que permitem “manter sua identidade ao usar as ferramentas de outras pessoas”.
  • Aplicando cor. Você praticará a exploração de cores com uma outra composição finalizada. Olimpia levará você a um tour pelos artistas que inspiraram seu uso de cores e mostrará como chegar a uma paleta de cores que expresse o humor que deseja mostrar em seu trabalho.
  • Experimentando as cores. Você terá ideias para inspiração de cores e padrões, aprendendo a evitar a ideia de perfeição em favor de criar algo interessante. Você também aprenderá a evitar que as imagens copiadas e coladas no mesmo design se tornem repetitivas, aplicando padrões e matizes surpreendentes.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Olimpia Zagnoli

Illustrator

Professor

Olimpia Zagnoli was born on a leap day in a small city in Northern Italy. She moved to Milan at an early age and graduated from the Istituto Europeo di Design in 2006. She has been working as an illustrator ever since. Her client list includes, among others, The New Yorker, Taschen, Google, Vanity Fair, The New York Times, The Guardian, Fendi. Her work has been exhibited in several galleries worldwide. Her style is characterized by soft shapes and chameleonic colors. She lives in Milan in a house with kaleidoscopic floors.

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Transcrições

1. Introdução: Realmente não importa o que você tem em torno de si mesmo em tudo, pequena coisa que você poderia encontrar uma fonte de inspiração. Então, estamos aqui para cultivar isso e transformá-lo em algo fantástico. Oi, meu nome é Olimpia Zagnoli, e eu sou um ilustrador com sede em Milão, Itália. Se eu tivesse que descrever meu trabalho, eu provavelmente diria que é realmente colorido, mas simples ao mesmo tempo, como ilustração está ficando cada vez mais popular, eu acho que é essencial saber de onde você está vindo, saber quais são suas referências, a fim de se tornar um ilustrador único e ser feliz e bem-sucedido. Hoje, vamos dar uma olhada no meu processo criativo e ver como eu tento incorporar todos esses elementos em uma ilustração e vamos fazer isso criando autorretratos. Eu trabalhei duro para encontrar minha própria voz. No começo, foi muito difícil porque eu sabia o que eu gostava, mas eu não sabia como traduzir do meu jeito no papel, e então eu levei muito tempo para tentar incorporar todos esses elementos que eu amava em algo Isso era meu, quase tudo o que eu faço fala minha língua, então eu tenho sorte de estar lá agora. 2. A linguagem das cores: Uma vez que para mim é realmente importante é a cor. Quando comecei a trabalhar, eu era muito tímido no departamento de cores do meu trabalho. Porque eu senti que a cor era tão poderosa que poderia realmente mudar o humor de uma peça especialmente se fosse emparelhada com outra cor ou com mais cores. Quanto mais eu comecei a explorar esta língua, porque eu acho que é realmente uma língua, mais eu comecei a usá-lo de forma mais responsável ou não, dependendo do caso. Levei anos para me tornar mais corajoso no uso da cor e um monte de cores que eu odiava tornaram-se minhas cores favoritas. Muitas dessas cores tinham uma conotação muito específica na minha memória. Por exemplo, o amarelo e marrom juntos eram algo que eu odiava porque eles me lembravam dos suportes de pote da minha avó e, em seguida, ao longo do tempo eles mudaram e eu comecei a usá-los um pouco e incorporá-los um pouco em minhas peças até agora que eu os amo juntos porque eles se tornaram algo novo e mais emocionante e eles agora têm uma conotação totalmente diferente em comparação com o que eles tinham anos atrás. No início, eu usei um monte de fundos cinza especialmente e eu usaria vermelho, azul e amarelo como uma escolha segura. As cores primárias tiram a pressão da sua escolha de cores e permitem que você trabalhe na estrutura da ilustração, no conceito por trás dela, enquanto ainda faz uma escolha muito segura e elegante. Eu sugeriria que alunos e iniciantes usassem essas cores quando você não sabe qual cor escolher, como azul, vermelho e amarelo são sempre uma ótima escolha e quanto mais você vai usá-las, mais você aprenderá a adicionar algumas outras cores para eles e mudá-los e fazer mistura interessante a partir deles. A cor permite que você defina o clima para uma cena. Você também pode dar uma cor muitas interpretações se você sabe como usá-lo. Por exemplo, o preto é uma cor que geralmente é muito escura e sombria. Mas se você misturá-lo com outras cores, com cores mais vibrantes, torna-se muito alegre e muito vibrante. Pode ser como o fundo de uma composição gráfica. Pode ser uma ilustração sobre a luz na escuridão. Poderia ser um lindo vestido elegante. Depende de como você o usa. Por exemplo, rosa costumava ser tão feminino para mim que eu não poderia sequer usá-lo em meus trabalhos quando eu comecei trabalhar e então eu aprendi a usá-lo e como combiná-lo com outras cores e agora não me sinto feminino em tudo. Sente-se como uma cor neutra muito grande que se sente tão bem para misturar com outras cores, especialmente cores que são chatas de uma forma como marrons e cinza e eles trabalham tão bem juntos. Na verdade, tornou-se uma cor que eu uso muito e eu amo agora. Quanto mais você vai usar cores, mais você vai descobrir novos significados para as cores. Eu nunca defini um limite no uso de cores que eu vou usar para uma peça. Mas eu costumo usar três a quatro cores em cada ilustração que eu faço. Especialmente com os alunos, eu descubro que é realmente importante dar-lhes um limite às vezes. Porque as cores são tão excitantes e você quer usá-las. Talvez você tenha um novo conjunto de lápis ou algo assim e você quer usar todos eles. Mas novamente, como eu disse, o poder da cor é tão importante e tão pesado que às vezes quando você coloca muitas cores, ele se torna muito pesado e você perde a concentração e você não sabe qual é o foco principal do a imagem. Perguntar a si mesmo, quantas cores eu quero usar para esta peça é sempre uma boa pergunta para começar a trabalhar em uma peça. Então, enquanto você está nele, você pode adicionar mais uma cor ou você pode tirar uma das cores e eles vão mostrar-lhe uma grande diferença na peça final. Preto pode ter tantos significados. Por exemplo, há uma peça de Fortunato Depero, que é um futurista italiano e um dos meus artistas favoritos, onde ele usa o preto para sublinhar os personagens que ele tem em sua peça. Ele o emparelha com branco e rosa e torna-se muito vibrante e muito alegre de certa forma. Bem, há outra peça de Dick Bruna. É uma capa de livro e ele usa preto em par com vermelho e isso é um contraste muito forte. Ele a usa para descrever uma cena misteriosa. Sempre que recebo uma nova tarefa, sempre me pergunto qual personagem quero representar? Digamos que eu receba uma tarefa sobre ser o chefe de uma grande corporação. Tenho muita sorte porque posso parar por um segundo e me perguntar se quero representar uma mulher? Eu quero representar um homem? Eu quero representar uma pessoa negra, azul, branca e amarela para ser o chefe desta corporação? Na maioria das vezes, minhas escolhas são aceitas por um diretor de arte. Para parar por um segundo e perguntar a si mesmo, qual é a história que você quer contar? Eu acho que é muito importante e é uma responsabilidade que todos que trabalham com imagens visuais devem ter e devem fazer. Porque uma vez que o trabalho é impresso, então seu público vai reconhecer a escolha que você fez e se você não fizer uma escolha, você faz uma escolha de qualquer maneira. Eu acho que é realmente importante abordar sua peça acordo com suas necessidades e seus pensamentos sobre o mundo. Quando cheguei a Nova York, peguei o metrô, obviamente, e percebi que havia tanta arte ao meu redor. Eu imediatamente tentei encontrar quem estava no comando deste programa de arte. E descobri que o MTA tinha um programa de arte e enviei um e-mail, acho que era 2008 e nunca tive notícias deles por anos. Dois anos atrás, talvez três anos atrás, eu recebi um e-mail de um de seus diretores e eles me convidaram para fazer parte desse projeto e eu estava super animado. A tarefa era criar um cartaz sobre a cidade de Nova York. Era um conceito super amplo. Eu só tinha que decidir que história eu queria contar. Comecei a pensar na ideia de uma mulher do Harlem que caminharia até a Estátua da Liberdade e chegaria lá ao pôr-do-sol. E quando comecei a desenhar e comecei a fazer todos esses relógios de cores ao redor dos meus esboços, eu imediatamente soube que eu queria que ela fosse uma mulher de cor porque eu achava que isso era realmente autêntico para a minha história. Construí a paleta de cores em torno disso. Escolhi a cor para a pele dela, e em volta dela, escolhi as outras cores de acordo com isso. Eu sabia exatamente o que eu queria retratar no início e escolhi as cores principais e então comecei a brincar com elas e pensei que seria interessante introduzir uma cor ou algumas cores que não eram esperadas. Por exemplo, ela tem cabelo laranja brilhante, que talvez não sejam esperados. Eu acho interessante mudar a perspectiva do que você acha que vai ser natural e normal e tentar vê-lo de outro ponto de vista. Os cartazes que eu fiz eram usados para estar nas plataformas do metrô dentro dos trens e eles foram vistos por muitas pessoas. Foi realmente inesperado para mim. Foi realmente emocionante porque tive a chance de interagir com tantas pessoas que geralmente não são meu público. Recebi fotos, e-mails de pessoas que viajavam, que andavam de trem todos os dias com seus filhos, com suas famílias, para o trabalho e isso é realmente como uma janela em um mundo que eu raramente vejo do meu pequeno estúdio. Foi realmente um projeto muito especial para mim. 3. Inspiração e recursos: O que eu descobri dando aulas é que, maioria das vezes os alunos sentem que eles precisam ir para o exterior para fazer isso ou eles precisam se inspirar por outros ilustradores que talvez são dos EUA ou eles são asiáticos, e isso é ótimo porque obviamente copiar ilustradores é uma ótima prática. Mas eu acho que eles esquecem que a razão pela qual esses ilustradores se sentem tão exóticos e excitantes é porque eles são únicos. Então, precisamos cultivar essa singularidade que temos dentro de nós. Para fazer isso, é sempre muito bom fazer algumas perguntas antes de começar a trabalhar. Uma das perguntas é, onde você está vindo? Você pode pensar que o lugar de onde você vem é o lugar mais chato do mundo, e que não há nada de bom nisso. Mas aposto que cada lugar tem um potencial. Por exemplo, eu cresci, quero dizer, eu nasci em Reggio Emilia, que é uma cidade muito pequena no norte da Itália e está em um avião. Então, se você pegar um trem por horas, tudo o que você vai ver da janela são duas riscas. Uma é listra azul para o céu e outra para a grama. Então, não há nada realmente interessante nisso, mas eu acho que crescer em torno dele, eu meio que tive isso no fundo da minha mente por tanto tempo, e essa é provavelmente a razão pela qual, por exemplo, quando eu desenho paisagens Eu uso um tipo muito bidimensional de como dizer sobre lugares, e também talvez isso poderia ser a razão pela qual eu amo listras tanto. Eu sempre uso listras, sempre coloco listras nas roupas do meu personagem. Novamente, você pode sentir que sua vida não é tão emocionante, mas se você olhar em volta, você verá algo que é especial e que é sua. Por exemplo, quando eu estava crescendo, minha mãe tinha muitos livros de arte na casa, que eram, naturalmente, muito úteis. Mas quando se é criança, não se interessa pela arte propriamente dita. Então, eu olhava para as capas de livros e, na maioria das vezes, eu abriria o livro e o livro era totalmente chato para mim. Então, eu só olhava para as capas dos livros. Lembro-me que a minha mãe tinha um livro sobre arquitectura, era como uma arquitectura fantástica. Na capa, tinha uma casa, que é basicamente um rosto e eu descobri anos e anos depois que é na verdade um prédio de Nikki de Saint Phalle. Eu achei tão interessante porque esse artista poderia pegar algo que é um rosto, com olhos grandes e uma boca grande com uma língua lá fora e transformá-lo em uma arquitetura. Então, eu acho que de todas essas coisas que eu olhava ao redor, que eu encontraria na casa, então eu nunca pensei que elas fossem especiais. Eu peguei pequenos pedaços deles e os transformei em algo que agora é o meu estilo. Uma outra coisa que eu tinha quando crescia era a música. Eu costumava ouvir muita música e acho que houve um momento em que a música meio que salvou minha vida. Quando eu era adolescente, meus pais terminaram e eu sentia que precisava de algum tipo de comunidade ao meu redor que pudesse me entender e eu não encontrasse na minha sala de aula. Então, foi então que descobri que o punk e o punk era muito importante para mim porque me dava algum tipo de conforto e, no punk, descobri muitas coisas que não esperava. Por exemplo, eu vi não só a música, mas também o estilo dela, e eu vi especialmente que o papel das pessoas no punk onde era muito diferente do que eu imaginava. Especialmente o papel das mulheres foi muito interessante para mim porque as mulheres no punk poderiam ser livres, poderiam ser excessivas, poderiam estar vestindo uma minissaia e então ter cabelo azul, e cantar em uma banda, e ser o centro do atenção sem se sentir julgado. Isso foi algo que era tão poderoso e ficou tão preso a mim que eu penso agora, meus personagens como as mulheres que eu descrevi mas também os homens não têm medo de ser diferentes, e não têm medo de ter cabelos loucos, ou vestindo coisas que geralmente não estão associadas com seu gênero, por exemplo, que é outra característica do punk. Novamente, deve parecer que não são coisas tão importantes da sua vida, mas sempre há uma maneira de usá-las na sua arte. Hoje em dia, vejo muitos alunos e iniciantes tentando encontrar inspiração no Instagram, no Pinterest, no Google Images, e isso é ótimo porque há muito material e isso é fantástico. Mas eu acho que se você der um passo atrás, é mais interessante parar por um segundo e fazer algumas perguntas antes de produzir. Produzir é ótimo e faz você se sentir ativo, e é ótimo compartilhar o que você fez. Mas eu acho que é mais importante trabalhar na qualidade da peça que você está fazendo, em vez da quantidade e quanto ela é vista na Internet. A fim de recuar por um segundo e trabalhar na qualidade da peça, eu acho que é realmente importante perguntar a si mesmo como, quem é você? De onde você está vindo? Ao invés de ter esse medo de produzir e fazer, é realmente mais importante se concentrar no que está por trás da peça, em quem você é como artista, e só encontrando sua verdadeira maneira de dizer as coisas, eu acho que você vai se tornar um artista que é único. Acho que desenvolvi minha linguagem e estilo de vida. Mas cada dia é um novo desafio. Não quero continuar fazendo as mesmas coisas várias vezes, e sempre que sinto que sinto, me sinto um pouco desconfortável com isso. Então, eu sempre tento usar novas técnicas e mesmo que eu não as compartilhe na Internet ou se você não as vê no meu trabalho, elas estão lá no meu estúdio. Estão no chão. Estão nas gavetas. Então, eu acho que é realmente importante não se ater a uma coisa porque está indo bem porque você acha que é legal, mas também é muito importante continuar trabalhando em sua prática todos os dias e encontrando novas maneiras. Caso contrário, seu trabalho vai se tornar muito chato muito em breve, e o propósito do seu trabalho não é apenas para fazer uma imagem bonita, mas para se tornar um artista melhor. 4. Esboçando as ideias: Então, conversamos muito sobre lugares de onde viemos e agora que íamos começar a esboçar, vou pensar no lugar onde estou agora, estou em Nova York. Como eu disse, eu gostaria de fazer um auto-retrato, mas eu também queria incluir o fato de que eu estou em Nova York agora e que eu amo Nova York e é uma cidade onde eu passo muito tempo. Então, estou tentando juntar esses dois conceitos e ver o que vem à tona. Então, vamos começar a desenhar, vou usar o meu caderno de rascunhos e só o lápis. Geralmente, começo definindo um quadro em torno da minha ilustração, uma área onde meu trabalho será. Então, eu acho que é realmente importante definir se você vai trabalhar em um quadrado, horizontal ou verticalmente e então começar a desenhar dentro da caixa ou pelo menos isso funciona para mim. Então, vou definir uma área. Digamos que eu o faça verticalmente, que por algum motivo é um dos meus formatos favoritos, e pensarei em mim mesmo quando estiver em Nova York. Então, eu tenho uma maneira muito específica de me retratar. Então, eu costumo me desenhar com óculos porque eu os uso o tempo todo, e eu vou pensar sobre o que eu faço quando estou em Nova York geralmente, eu ando muito. Para conhecer amigos, conhecer clientes, fazer compras, ir a livrarias e coisas assim. Então, no final do dia, minhas pernas estão completamente destruídas e é uma sensação boa porque eu me relacionei com a cidade de Nova York e eu gosto disso. Então, uma coisa poderia ser, por exemplo, trabalhar nessa idéia e tentar sublinhar como minhas pernas se sentem depois de um dia caminhando em Nova York. Então, isso pode ser uma maneira de dar essa sensação de pernas loucas, pernas balançadas depois de um dia na cidade. Eu percebi que ultimamente eu gosto de usar muito do espaço que minha caixa me dá. Ultimamente, todos os meus números tendem a usar todo o espaço. Eles quase vão para as fronteiras. Então, eles quase tocam as fronteiras, o que eu gosto, e eu acho que isso expressa sua necessidade viver neste espaço e eles me lembram um pouco de Fellini. Federico Fellini é diretor da Itália. Ele geralmente desenhava e representava essas mulheres que são muito grandes, muito icônicas, e elas se sentem tão poderosas e tão importantes em seus filmes que eu acho que é ótimo se referir a elas em meus trabalhos de certa forma. Então, este é o meu cabelo agora. Normalmente, eu realmente gosto de descrever o cabelo que não são apenas cabelos lisos por muitas razões. Primeiro de tudo, porque meu cabelo é geralmente ondulado e eu cresci pensando que cabelo liso era muito mais sexy talvez ou socialmente aceitável do que cabelo ondulado ou cabelo encaracolado. Então, adicionar cabelo encaracolado ou cabelo ondulado à minha ilustração é uma vingança para com todos que me fizeram sentir assim. Então, eu sempre tento incluí-las em minhas ilustrações e também acho que elas são mais interessantes em termos de composição da peça. Pode haver talvez um fundo que conte um pouco sobre a cidade onde estamos, mas poderia ser um pouco chato, talvez. Normalmente, uma ilustração quando você não sabe como mostrar onde você está, você usa um horizonte na parte de trás, que às vezes funciona e às vezes é um pouco chato. Então, não vamos continuar com isso. Começarei aqui e mudarei a posição do personagem. Novamente, estamos quase tocando as bordas do quadro. Já que estou em Nova York, poderia ser eu sentado em um parque, tomando um café. Isso vai ser muito grande porque estamos em Nova York. Então, isso é um copo grande. Então, quando eu esboço eu sempre tenho que lembrar que eu não uso um contorno preto na minha ilustração. Então, tudo o que pode parecer que está funcionando no esboço, pode não funcionar tão bem quando é digital porque eu não tenho todas essas linhas que me dizem onde uma peça termina e quando a outra começa. Então, vou apagar todas as linhas que me ajudarão a definir onde meu personagem começa e termina. Para definir as áreas que eu quero separar, vou usar algo como uma cor, como uma cor completa ou um padrão. Uma coisa que eu gosto de fazer quando estou aqui é ir a brechó e encontrar algumas camisas vintage dos anos 60 ou 70, as que derretem se você fumar ao redor deles. Mas geralmente, eles têm belos padrões e eu gostaria de comprá-los e em seguida, quase nunca usá-los, mas eu acho que eles funcionam muito bem em personagens. Então, eu uso a cor agora apenas para definir as áreas. Eu não sei se eu vou usar amarelo ou vermelho na peça final, mas é apenas como dar uma sensação de todo pesado todas essas partes estarão na ilustração final. Aqui, já podemos ter uma noção de quantas cores queremos usar nas ilustrações finais. Por exemplo, se você estiver usando apenas duas cores, os sapatos serão amarelos e talvez a cor possa ser vermelha e talvez tudo o resto possa ser, vamos fazer um azul. Como apenas o fundo será uma cor. Eu acho que é muito bom quando você trabalha com algumas cores para também ter branco ou preto, que eu sei é outra cor, mas ele vai ajudar talvez definir algumas formas melhor e talvez eu vou ter algum batom naquele dia e um pouco de esmalte, e o café pode fazer uma grande nuvem atrás mim ou algo assim. Então, eu meio que gosto do desenho agora, mas eu acho que poderia ser mais interessante em termos de composição da imagem. Então, ela poderia ir para fora do quadro, talvez apenas algumas partes acima poderia ir para fora como o sapato de nuvem e o braço, ou talvez poderia ser interessante vê-la dobrada. Então, vamos tentar isso na próxima página. 5. Esboçando sua ilustração: Uma coisa que posso fazer é usar o caderno de esboços aqui para me ajudar a dividir as duas partes. Vamos ver. Talvez ela possa estar deste lado ou daquele lado. Vamos colocar o chapéu dela aqui e tentar trabalhar em simetria. Então, se ela estava bebendo café na outra imagem, talvez pudéssemos fazê-la tomar o café americano nesta foto como com o copo grande, e talvez ela pudesse tomar um café italiano na outra foto, então com o copo menor. Então, ela poderia tomar uma boa xícara de café expresso e aqui, ela poderia ter sua grande xícara. Talvez a fumaça possa ir nessa direção e se encontrar com o outro. Então esta, eu acho, é uma composição mais interessante do que a outra. Funciona melhor e acho que também descreve a situação um pouco melhor. Novamente, como você pode ver, os esboços são bastante sujos e ásperos, e é ótimo ter esse tipo de espaço. Às vezes, quando você começa a trabalhar em um arquivo digital, parece que há menos espaço para cometer erros, e tentar repetidamente, e encontrar o momento certo para se concentrar na composição e no conceito de a peça. Então, uma vez que esta imagem se tornou simétrica agora, eu acho que poderia ser interessante usar a cor também do mesmo tipo de forma espelhada. Então, ela poderia ter, por exemplo, calças verdes e a outra poderia ter uma camiseta verde, e vice-versa com a outra cor. Então, comece com vermelho. Ela pode ter um verniz verde. Então, podemos encontrar mais uma cor para o fundo. Ela obviamente tem sapatos vermelhos e outra cor para o fundo aqui. Eu acho que é um bom exercício, se você quiser tentar, você pode definitivamente fazer esta ilustração com apenas duas cores. Então, digamos que você pegue o verde e o vermelho, você pode definitivamente organizar a ilustração para suportar apenas duas cores. Eu acho que poderia ser um exercício interessante para ver quantas cores você pode evitar usar. Então, aqui está. Este é praticamente o esboço para a nossa ilustração. Então, vamos ver como funciona digitalmente. Então, agora que o esboço está feito, vamos torná-lo digital. Lá, vamos ver se todas essas coisas funcionam e provavelmente vamos usar esse espaço também para adicionar mais detalhes à ilustração. Eu poderia usar um padrão, por exemplo, para as roupas. Posso ver se esta nuvem em cima delas funciona ou não. Então, este é apenas o primeiro passo. Então, a partir daqui, vamos aprender muitas coisas novas na parte digital. 6. Digitalizando seu esboço: Agora, vamos recriar o esboço que fiz no meu caderno de esboços nesses tablets Wacom conectados ao meu MacBook Pro. Vou começar definindo a área. Como fiz no esboço, vou dividir a tela em duas partes, e vou começar a desenhar. Eu nunca uso um contorno preto no meu desenho, então eu apenas vou direto para uma forma de cor plana. Eu realmente não me importo com as cores agora porque eu vou trabalhar com eles mais tarde, mas eu vou apenas escolher algumas cores aleatórias para que eu tenha uma idéia do peso da imagem. Eu vou em frente e desenhar o corpo, e novamente, vamos colocar uma forma plana aqui. Quando eu fui para a escola, eu fiz aula do Adobe Illustrator, mas eu tenho que dizer que não era o melhor, e então minha maneira de usá-lo, provavelmente vai fazer algumas pessoas chorarem, mas eu acho que isso também está na maneira como você usa o que você tem seu próprio caminho e fazer suas próprias escolhas pessoais. Às vezes eu gostaria de ser mais rápido ou saber um monte de atalhos e outras coisas, mas então quanto mais eu conheço a ferramenta melhor, menos minhas coisas parecem autênticas, então talvez seja bom ter um equilíbrio entre o que você sabe e o que você não sabe, o que parece terrível, mas às vezes é verdade. Como você pode ver, o corpo agora está indo para fora da grade, o quadro. Vamos expandi-la mais tarde, vou deixar assim por um segundo, sabermos quanto espaço ela ocupa. Eu acho que se ela está bebendo uma xícara de café, ela teria que ter algum espaço para seus braços. Estas pernas são definitivamente muito altas, então eu vou abaixá-las. Uma coisa que eu realmente gosto sobre a simetria entre a imagem e a próxima, que nós podemos ver já só para ter uma idéia, é que ela realmente me lembra de arquitetura. Eu realmente gosto de arquitetura e alguns arquitetos. Quando estou viajando, estou sempre ansioso para conhecer e ver novas arquiteturas. Eu acho que há tantas coisas em comum entre ilustração e arquitetura porque basicamente você está criando um equilíbrio entre formas e definitivamente há pesos na imagem. Por exemplo, a parte inferior é muito pesada, então vamos pensar se gostamos de manter isso ou se queremos mover a atenção para outro lugar. Um exemplo de arquitetura que realmente funciona com simetria e com muito, eu diria cortes limpos formas, mas também tem um lado romântico para ele. Racionalista pode ter todas essas arquiteturas que são realmente limpas, e muito quadradas e outras coisas, mas então ele também tem detalhes bonitos como janelas redondas, e grandes colunas, e grandes arcos, e às vezes a entrada de um palácio ser decorado com um monte de mosaicos e bela arte. Novamente, acho que é ótimo se referir a ele para a composição do trabalho. Vamos esperar ir um pouco nessa direção. Agora, que sabemos que as duas figuras poderiam ficar em um lugar como este, talvez vamos adicionar um pouco mais em cima. Podemos nos livrar deste e vamos usá-lo mais tarde quando esta parte estiver pronta. Está um pouco estático agora, então vamos tentar torná-lo um pouco mais suave e natural. Todas essas mulheres, gostariam de pernas longas e formas interessantes e torná-las muito, novamente presentes na imagem. Eu também gosto de descrevê-los como não os, belos modelos photoshop que você vê na capa de revistas, porque eu acho que isso parece mais a maneira que as mulheres sentem sobre si mesmas, ou pelo menos é mais semelhante ao que eu sinto sobre mim mesmo. Eu sou uma pessoa bem alta e eu sempre fui um pouco fora de tamanho comparado com meus colegas de classe e meus amigos, e eu acho que é bom dar uma voz para outros tipos de corpo, e tipos estranhos de corpo, eu acho ou não estranho, mas diferentes tipos de corpo funcionam muito bem no mundo da ilustração, então por que não descrever diferentes tipos de corpo quando você pode. Como você pode ver, eu estudei arte, mas eu não fui treinado por muitos anos, como desenho de figuras e outras coisas, então tudo o que eu sei em termos de formas corporais e outras coisas, eu aprendi com o que eu vejo ao meu redor. A percepção que eu tenho sobre os corpos mais do que a forma real dele, e pode parecer muito errado, mas eu acho que também é uma boa maneira de construir sua própria maneira de fazer as coisas. Claro que são os limites, muitas vezes é o limite, mas eu acho que você também pode transformar esse limite em sua própria língua, então não é tão ruim. Como você pode ver, eu apenas coloquei algumas formas e eu as coloquei muito brevemente, e então eu começo a trabalhar nas formas e então eu as refino pouco a pouco. Parece um pouco como uma escultura onde você coloca toda a matéria sobre a mesa e você começa a dar-lhe a forma, e então leva um longo tempo para tomar a primeira forma, e então a partir daí você começa a refinar o trabalho repetidamente. O que eu estou procurando é uma forma que não se sinta muito forçada e muito falsa. Ao refinar e refinar, procuro encontrar um bom equilíbrio entre o resto da imagem e o único detalhe, especialmente em termos de linguagem. Na maioria das vezes eu começo a trabalhar e adiciono linhas diferentes, pesos diferentes, cores diferentes. Uma imagem torna-se muito complexa muito facilmente. Eu acho que a adição de um bom nível de refino, mas não muito, é muito útil para manter um bom equilíbrio na imagem. Por exemplo, se eu fizesse esta mão de uma forma muito definida, como uma forma muito, muito definida, não se sentiria orgânica com o resto do corpo porque as pernas não estão definidas. Especialmente as pessoas que são realmente boas em desenhar, que é uma grande coisa, obviamente, mas também pode distraí-lo, e se você pode gastar 20 minutos nesta mão e , em seguida, tê-lo completamente errado com o resto do foto. Acho que precisa encontrar um bom equilíbrio entre o que está refinando e o que não está. Vou deixar a mão assim por um segundo. 7. Desenhe com formas: Uma coisa que eu acho que é realmente importante ao desenhar no Illustrator ou em outros programas digitais, é que, como você pode ver, Illustrator ajuda você um pouco a fazer tudo um pouco mais redondo e mais perfeito. Isso é obviamente ótimo. Mas eu acho que é realmente importante que o computador esteja seguindo o que você gostaria de fazer e não o oposto, você não segue o que o computador diz. Assim, por exemplo, ir e tentar refinar cada pequena forma é muito importante, porque caso contrário ela será visível. Você pode reconhecer onde o computador ajuda você, e quanto mais você usá-lo como um artista, mais você é capaz de reconhecê-lo nas obras de outras pessoas. Então, por mais que seja excitante ter alguém que te ajude, acho que é muito importante que estejas no comando e não o contrário. Antes de ter o Illustrator ou o Photoshop, eu acho que era realmente complicado para mim trabalhar e ficar satisfeito com o meu trabalho, porque a minha inspiração vinha de muitas fontes diferentes. Mas o resultado que eu realmente gostei foram os trabalhos de designers gráficos e ilustradores dos anos 60 ou 70 e a maioria deles usou impressão de tela. Mas a impressão de tela é muito cara, especialmente se você está começando e não permite que você use muitas cores. Mas eu entendi que essa era a maneira mais próxima de imprimir ou representar uma imagem ao meu gosto. Foi realmente frustrante porque nenhuma outra técnica poderia me permitir ser tão plana e fazer meu trabalho parecer simples, mas ainda colorido e vibrante. Então, eu já fiz algumas impressões antes, mas novamente, é muito caro e você tem que ter um estúdio para fazer isso. Então, eu acho que as ferramentas digitais me ajudam a encontrar o efeito que eu queria, que era ter cores boas, planas e vibrantes. Se você imprimir, você também pode imprimi-lo como uma impressão de tela ou você também pode imprimi-lo como uma impressão digital muito boa eo resultado é bonito de qualquer maneira. Então, eu acho que estou muito feliz com isso não só porque é fácil e rápido, mas também porque reflete um pouco minha maneira ideal de desenhos. Além disso, eu realmente gosto de trabalhar muito rápido e não porque eu tenho outras coisas para fazer, mas porque eu realmente gosto de ser muito instintivo enquanto eu trabalho. Então, quando eu trabalhei em livros, por exemplo, para mim foi um pesadelo porque para um livro, você tem que estar conectado ao projeto por tantas horas, tantos dias. Há tantas coisas que você precisa mudar e no final você está muito satisfeito, obviamente, espero. Mas, ao mesmo tempo, acho que é muito difícil estar no projeto por tanto tempo. Eu acho que eu realmente gostaria de ver o resultado imediatamente, e eu acho que de certa forma ele funciona muito bem com o meu estilo e com a minha personalidade. Então, eu só tomo como está, eu acho. Uma coisa que é realmente útil também é imprimir o que você está fazendo. O que é um pouco antiquado, mas é verdade que você não vai ser capaz de entender exatamente como uma peça está saindo até que você imprima. Eu tenho que ser honesto, eu dificilmente faço isso. Mas quando eu tenho a chance de fazê-lo ou quando eu tenho que fazê-lo, eu descubro tantas coisas novas sobre a peça. Normalmente, há erros. Há pequenas coisas que eu não vi na tela, é por isso que eu tento ampliar o máximo que eu posso para ver se tudo está correto. Mas também, imprimir o trabalho fora, mesmo que seja com uma impressora ruim, vai lhe dar a sensação do peso da peça assim, o peso da peça. Eu acho que é realmente importante entender se a composição é certa ou errada. Também acho muito útil imprimir um trabalho. Quando você está perdido e você não sabe se você gosta do trabalho ou não, imprima-o e, em seguida, use a impressão como quiser. Basta cortá-lo, colá-lo, colocar outra coisa sobre ele, rasgá-lo em pedaços. Eu acho que é realmente bom porque é meio do caminho oposto, você vai de digital para manual, basicamente. Mas isso realmente ajuda você a ver as coisas em perspectiva. Então, muitas vezes quando eu estava perdido e eu não gostava de uma peça, eu apenas imprimi e depois colocava na mesa, cortava e trocava, virava de cabeça para baixo. Também lhe dá uma relação mais real com a sua peça, que eu acho que é muito útil às vezes. Ele me salvou tantas vezes, então, eu definitivamente recomendo isso. Vamos tentar replicar isto do outro lado e ver como funciona. Eu acho que eu gostaria que eles se tocassem um ao outro apenas brevemente aqui. Então, isso significa que este cabelo não funciona muito bem juntos. Além disso, você verá se você virar uma imagem, ela não é necessariamente boa do outro lado. Então, por exemplo, eu gosto desse rosto, mas eu não gosto desse rosto. Novamente, talvez você não tenha que virar todas as suas imagens, mas se você fizer algumas vezes, você verá se há algumas coisas com as quais você não está feliz. Então, novamente, use sua imagem, mova-a, vire-a e verá coisas novas em perspectiva. Então, o que podemos fazer aqui é, definitivamente mudar o cabelo porque agora a forma é estranha e eu não gosto disso. Como você pode ver, eu sempre zoom in e zoom out porque ele me dá um pouco de uma distância para a peça e por isso é mais fácil entender se algo está funcionando ou não. Outra coisa boa que você pode fazer é, apenas deixar a ilustração lá e apenas levantar-se e talvez ir um pouco mais longe e ver se você gosta ou não de longe. Então, o da direita está tomando uma xícara de café americano. Então, vamos torná-lo grande. Para coisas como mãos e posições das mãos, é sempre ótimo tirar uma foto e ver como ela se sente e como parece ter uma xícara de café pesada em sua mão. Outra coisa é que, é claro, formas como quadrados, retângulos, o que são realmente úteis. Mas olhe para todas as outras formas, eles são mais suaves e redondos. Se você manter este retangular aqui, eu acho que vai parecer um pouco computacional demais, eu não sei como usar outro termo para descrever isso. Então, é sempre melhor não usar a forma ou pelo menos eu nunca faço, e apenas redesenhá-la. Um pouco imperfeito, mas definitivamente vai ser mais orgânico com o resto do desenho. Pelo menos com meus desenhos porque nenhum deles é perfeito, perfeito. Então, ter uma pequena irregularidade aqui e ali, eu acho que é muito bom. 8. Refinando sua ilustração: Quando não sei desenhar algo, como mãos e pés são muito complicados para mim. Então, quando eu não sei como desenhá-lo, eu costumo tirar uma foto de mim mesmo com o meu iPhone fazendo o que eu quero exibir na foto. Tenho uma coleção de fotos muito estúpidas minhas em posições muito diferentes no estúdio. Mas eu acho que é realmente bom e também é muito melhor do que se inspirar em uma imagem do Google que todos tinham em suas telas. Então, ele também pode lhe dar um pouco de variedade e você não precisa ir para a mesma mão várias vezes e ter a mesma mão que todos os seus colegas têm, se eles estão usando o Google Images obviamente. Ok. Então, aconteceu de nós termos uma xícara de café expresso aqui. Então, vou tirar uma foto da minha mão segurando. Ok. Então, eu vou escolher a foto que eu mais gosto, aquela que eu sei que graficamente funcionaria melhor. Vou enviá-lo para o meu e-mail. Não precisa ser uma bela foto como você pode ver. Vou passar por cima com o lápis e ver se funciona. Como você pode ver coisas que podem ficar agradáveis na imagem realmente não olhar agradável na ilustração. Então, vamos precisar trabalhar um pouco nisso. Então, deixe-o aí por um segundo. Vou trabalhar na taça. Então, eu realmente não gostei da foto, da silhueta das fotos que eu tirei. Então, eu vou trabalhar a partir daí e ver se eu posso recriar uma forma que eu gosto. Se alguém quiser ser contratado no meu estúdio só para fazer as mãos, ele é bem-vindo. Provavelmente passo mais tempo nas mãos do que em todo o resto. Vamos ver como fica neste espaço, caso contrário, não faz muito sentido. Lembre-se que, naturalmente, a ilustração não precisa estar muito próxima da realidade, o que é obviamente um potencial de ilustração. Então, se você pode imaginar uma posição diferente, uma perspectiva diferente, eu acho que é ótimo apenas ir em frente e não ter medo, oh meu Deus, não vai parecer como na vida real. Essa é uma boa parte da ilustração e não é apenas uma desculpa para não ser capaz de desenhar uma mão. Só estou dizendo que às vezes também é divertido dobrar a realidade um pouco. Quero que as duas xícaras sejam mais ou menos no mesmo nível. Então, eu só vou, eu não preciso de um guia, eu só vou ter a sensação de que eles estão no mesmo nível. Então, eu vou tentar torcer esta mão um pouco. Então, agora temos os personagens principais. Nós temos o equilíbrio. Vamos colocar um fundo. Às vezes eu coloco um fundo no início do projeto para que eu tenha um melhor senso de como ele funciona. Desta vez eu coloquei no final. Então, nunca há uma regra na minha vida. Simplesmente acontece. Então, vamos ver se gostamos da nuvem saindo dela. Eu coloquei o esboço para ter uma noção. Eu só estou indo um rapidamente colocá-lo lá para ver se nós gostamos da coisa, estender o fundo um pouco e talvez também estender isso um pouco. Então, obviamente, quando você recebe uma tarefa, você geralmente recebe o tamanho da ilustração. Então, você vai trabalhar com o que você tem. Mas neste caso, estamos livres para ir para que possamos continuar expandindo o quadro o quanto quisermos. Então, acho que gosto disso por enquanto. Então, vou polir um pouco. Como você pode ver, o programa em si faz algumas formas estranhas. Então, você sempre tem que ter certeza de que todas essas pequenas coisas são feitas da maneira que você quer que elas sejam ou pelo menos o mais perto que você puder. Eu acho que ainda é apesar das ferramentas serem incríveis e super evoluídas, eu acho que é realmente importante ser capaz de ser responsável pelo que você está fazendo. Então, nunca vai haver uma coisa que seja exatamente como desenhar em um pedaço de papel ou talvez existiria, mas por enquanto, eu acho que todas as ferramentas digitais que temos são fantásticas e super atualizadas e elas são ótimas. Mas ainda há uma diferença entre um lápis em um pedaço de papel e um lápis em um tablet. Então, você tem que aproveitar ao máximo, não importa quais sejam suas ferramentas. Mas é sempre importante manter sua identidade bem clara e quando você trabalha com lápis ou um marcador em um pedaço de papel que é mais evidente do que o que você faz com o tablet às vezes. Então, é importante que você mantenha sua voz mesmo que você esteja usando as ferramentas de outras pessoas. Então agora, temos a composição. É quase final, mas temos que trabalhar na escolha das cores, é claro. Então, eu vou manter a nuvem branca porque eu acho que é um bom efeito e cria um buraco na página. Então, vou ficar com isso. Vamos ver se há muito branco ou não. Só vou fazer os óculos diferentes da boca. Então, vamos fazer isso e então essas duas coisas serão da mesma cor, provavelmente. Então, como você pode ver, é semelhante ao esboço, mas no primeiro esboço, eu escolhi dois fundos diferentes. Então, eu vou ter certeza que ele preenche o mesmo lugar. Vou replicar o fundo. Então, este lado será de uma cor diferente. Vou deixar assim por um segundo. Agora, vamos ver se ela tem calças pretas, a outra vai ter uma camisa verde e isso é o oposto. Então, ela tem o copo vermelho. Ela tem o copo verde. Então, este pode ser um bom exercício se você quiser tentar fazer uma ilustração com preto branco e apenas quatro outras cores. Claro, você poderia trabalhar como se ela estivesse vestindo apenas um terno vermelho e ela estivesse vestindo apenas um terno verde. Você poderia trabalhar e tornar o fundo desta área verde e o outro vermelho. Então, este poderia ser um ótimo exemplo de como fazer uma ilustração com apenas quatro cores em geral. Então, branco, preto, vermelho e verde. Claro, você precisa consertar os copos e outras coisas, mas você pode totalmente fazê-lo e é um ótimo exercício. Então, vamos dar um passo atrás por um segundo, porque podemos ir nessa direção, mas ainda não sabemos. Agora que a estrutura da ilustração está feita, vamos trabalhar na cor, na escolha das cores, se você quiser usar o padrão ou não. Vamos explorar mais sobre isso e ver quais são as possibilidades que temos com as cores. 9. Aplicando as cores: Então, agora estamos quase terminando. A peça está quase acabando. Vamos trabalhar nas cores agora. Eu acho que vai ser um momento em que nós vamos ver algumas das referências que estávamos falando antes em ação, e nós vamos ver de onde eu me inspiro em termos do humor da peça e dos sentimentos em torno dela e o olhar final sobre isso. Então, sim, vamos entrar nisso. Então, eu realmente não gosto de como é agora. As cores parecem muito tristes. Então, vou tentar encontrar outra combinação. Claro, como eu disse antes, mais cor você vai usar, mais vai complicar para equilibrá-los. Então, o que eu faço nesta fase é gastar muito tempo tentando encontrar um bom equilíbrio entre as cores, e é um processo que pode levar muito tempo. Esperemos que seja bem rápido agora. Mas, às vezes também é bom deixá-lo descansar por um tempo e talvez dar uma olhada nele se você tiver tempo no dia seguinte e ver se você ainda gosta das cores. Em termos de cores, minhas referências são muitas. Eu realmente gosto de design italiano. Então, por exemplo, eu realmente acredito no princípio dos designers italianos como Bruno Munari, que também era um ilustrador de livros infantis, o designer. Ele foi capaz de tomar alguns dos princípios do design e adicionar imaginação a eles. Então eu gosto muito do trabalho dele. Eu também gosto do trabalho de designers dos anos 80 como Sottsass e Mendini, Alessandro Mendini, porque eles levaram as lições de Munari para outro nível. Eles ficaram muito mais loucos sobre os propósitos do design. Seus projetos não foram feitos apenas para servir, mas também foram feitos para serem engraçados e excessivos. Há um monte de suas cores que eu encontrar no meu trabalho acidentalmente, então isso é definitivamente uma fonte de inspiração para mim. O que eu gostaria de transmitir nesta imagem é como um humor feliz e um muito pop, como um efeito vibrante para ele. Como pode ver, continuo indo e voltando para a combinação certa. Outra inspiração para mim é o futurismo, o futurismo, e também as vanguardistas dos anos 20 e 30, porque eu acho que o uso da cor que eles fazem é bastante impressionante. Eles usam muitos tons naturais em comparação com cores mais ousadas, e isso é realmente interessante. Eles usam muitos marrons e cinzentos. Artistas como Sophie Taeuber-Arp ou Sonia Delaunay, eles usam cores deslumbrantes que são uma mistura de, novamente, como tons que vêm do chão como castanhos e eles combinam com rosa ou roxos muito brilhantes. É realmente interessante quando você encontra uma cor, como uma cor muito básica como esta poderia ser, e você a emparelha com algo que é mais vibrante, eu acho que os resultados geralmente são muito interessantes. Acho que agora é a hora de tentar. Ainda não acabou, obviamente. Mas acho que seria bom ver se há algum padrão que possamos adicionar às roupas. Então vamos ver se eles funcionam. 10. Como experimentar com cores: Então, eu só vou colocar algumas flores no topo. Às vezes eu acho que mesmo as lojas vintage são uma ótima fonte de inspiração. Se você passar pelas camisas que eles têm, você provavelmente vai encontrar um monte de padrões que são tão interessantes e tão intrincados às vezes. Eu costumo ir à loja vintage perto do meu estúdio apenas para dar uma olhada nos padrões e tirar fotos deles, e às vezes comprar algumas coisas. Mesmo quando você está copiando e colando algo, eu acho que você deve prestar atenção que ele não parece muito repetitivo. Então, se você pode girá-lo e movê-lo um pouco para fazer com que ele se sinta menos repetitivo e apenas como copiar e colar, ele ficaria bonito. Como você pode ver, a Imagem ainda é a mesma, mas o humor muda muito. Agora é muito mais decorar e tem, eu acho que uma vida mais interessante. Se quisermos torná-lo ainda mais, também podemos adicionar algum padrão para as calças. Vamos ver como é. Vamos tentar com alguns pontos. Não vamos torná-los muito parecidos com as flores, para que possamos fazer as menores. Deixe-me tentar fazer uma amostra. O que você pode fazer é usar essas amostras ou criar novas, o que é sempre a melhor opção porque tudo o que já está no computador será mais reconhecível, obviamente. Então, o que eu faço é geralmente, passo para trás. Eu mantenho as calças como eram antes, marrom. Tenho certeza que há uma maneira melhor de fazer isso, mas vou colocar uma grande parte dele. Digamos que você os queira maiores. Então, eu vou preparar esse arquivo e então eu vou estender o quanto eu quiser. Então, É o mesmo padrão, mas desta forma, ele vai olhar menos reconhecível do que o que tínhamos antes. Então, eu gosto das roupas do jeito que estão e acho que o fundo ainda precisa de alguma edição. Então, eu provavelmente vou colocar o rosa no lado mais marrom e algo aqui. Eu gosto dele sem os dois antecedentes agora que eu vejo isso assim, mas vamos ver. Isto pode ser bom. É um pouco perto demais do marrom e dos sapatos, então vou tentar torná-lo um pouco diferente. Quando eu faço um trabalho para mim, geralmente é mais complicado do que é com um trabalho de cliente porque eu tenho menos limites. Então, no início da minha carreira, eu sempre fui ilimitado, então eu era muito bom em lidar com isso. Agora que estou mais acostumado a ter tarefas e trabalhos a fazer, está ficando cada vez mais complicado acompanhar o trabalho pessoal, o espaço pessoal. E assim, às vezes é difícil me convencer de que gosto de uma coisa ou não gosto de uma coisa. Como eu não tenho um prazo na maior parte do tempo, é ainda mais difícil saber quando um trabalho é feito. Então, sim, é definitivamente mais complicado agora trabalhar em uma peça pessoal do que costumava ser. Eu acho que é bom também porque isso significa que para fazer coisas boas, você precisa tomar algum tempo e maioria das obras-primas não foram feitas em dois dias ou apenas algumas horas. Então, é bom às vezes ser lembrado que o tempo é necessário às vezes. Então, com coisas pessoais, você pode fazer isso e levar o tempo que quiser. Além disso, não sou fã da perfeição em si. Então, eu não procuro você sabe o equilíbrio perfeito, a forma perfeita, o assunto perfeito. Eu só tento ir com o fluxo e ver o que funciona para mim naquele momento. Se não funcionar dois dias depois, não é problema. Eu definitivamente posso me livrar de tudo o que eu fiz até agora ou começar de novo. Eu não estou como chocado com a idéia também porque eu trabalho muito rápido. Então, mesmo que eu tenha que me livrar de tudo, não vai ser muito complicado para mim. Minhas cores são geralmente bastante saturadas, então eu nunca dificilmente ir nesta área da roda de cores. Eu costumo escolher cores brilhantes e elas têm que estar bastante saturadas. Eu dificilmente trabalho com transparência, a menos que o propósito do trabalho seja trabalhar em uma colagem e fazer algumas formas se encontrarem como interagir entre si. Mas eu dificilmente vou para este lado. Quando eu faço, é encontrar cores neutras que eu posso combinar com cores mais brilhantes, especialmente com tons de pele. Eu gostaria de ir como em torno desta área para tentar encontrar alguns cinza, alguns marrom, alguns rosa que estão nesta área da roda de cor. Eu acho que quanto mais limite você tem, melhor é. Se você apenas decidir trabalhar com três cores, você vai encontrar uma solução que pode ser mais interessante do que o que você teria se você tivesse todas as cores do mundo. Eu acho que é importante dar um pouco de contenção para que você possa operar entre os limites, e eu acho que os limites são uma ótima maneira de quebrá-los. Então, é importante que eu pense, se você ainda não tem uma tarefa, dar a si mesmo alguns limites para que você possa encontrar sua própria maneira de superá-los. Em algum momento, eu vou deixar você ir, porque caso contrário, poderia levar horas para encontrar um bom equilíbrio. Porque há tanta coisa acontecendo nas roupas que eu acho que um fundo duplo acrescenta muito, há muita coisa acontecendo, eu acho. Então, se você tirar essa camada, eu acho que é muito melhor porque os dois personagens podem respirar muito mais facilmente agora e eles têm espaço para estar vivos. Eu acho que você pode ler a composição muito melhor. Então, agora temos três cores: o marrom, o amarelo e o rosa na parte de trás. E então, é claro que também temos o preto e branco. Vamos ver se podemos tirar o preto apenas para torná-lo ainda mais consistente, porque o preto era o único elemento que estava fora da paleta. Então, quando você tem uma paleta tão curta, às vezes quando você tem apenas uma cor em um pequeno lugar na Ilustração, ela pode distrair, e preto como branco cria um grande buraco na ilustração. Então, é realmente importante que você considere o peso dessa cor. Acho que funciona melhor com o marrom. Mas agora, deixe-me ver se consigo fazer estes óculos cor-de-rosa e estes batons cor-de-rosa. Deve funcionar melhor. Então, acho que pode ser isso. É muito próximo do que eu tinha em mente. Esta escolha de cores me lembra um pouco das cores que os modernistas costumavam usar. Então, eu sou um grande fã de Ray, Charles Eames e Alexander Gerard. Eles eram realmente bons em incorporar a paisagem ao seu redor em seu trabalho. Assim que vejo o trabalho deles, penso na Califórnia e nas Fronteiras com o México. Então, há uma mistura de sol, tradição e folclore. Eu realmente gosto da maneira que eles sintetizaram esse sentimento, esse humor em um design muito limpo e colorido, e ilustrações, e objetos, e tudo mais. Então, isso realmente me lembra disso e é definitivamente como uma grande fonte de inspiração para mim. 11. Encerramento: Então, acho que terminamos. Trabalhamos nos esboços antes, fizemos algumas opções, pegamos digitalmente, e mudamos. Como você pode ver, o desenho inicial é um pouco diferente em comparação com o final, e sempre acontece, e é sempre como uma surpresa. Então, definimos uma caixa para ilustração. Decidimos que iríamos usar dois personagens, e não apenas um. Trabalhamos então no tipo de arquitetura da peça. Então, são apenas duas figuras conectadas por uma nuvem de fumaça. Depois trabalhamos muito na escolha das cores, e adicionamos alguns padrões à ilustração. Então, basicamente, toda a estrutura mudou um pouco porque os padrões são tão decorativos. Então, no final, eu escolhi essa opção de cor, que é um tipo de sensação elástica. Então, sim, acho que é um bom equilíbrio. Claro, eu poderia estar aqui escolhendo outras opções de cores para sempre. Eu poderia sentar aqui e apenas fazer mudanças várias vezes, mas eu acho que há um momento que você acha que o equilíbrio entre todas as cores é meio certo, e você tem que confiar nesse instinto, e talvez como eu disse antes, talvez você possa deixá-lo descansar, e depois voltar, talvez no dia seguinte, ou dois dias depois para ver se você ainda gosta. Como estudantes, eu acho que você sempre pode se perguntar para que direção você está indo. Se o conceito que você escolheu é claro ou se está apenas em sua mente e só você será capaz de entendê-lo. Fazer um auto-retrato, eu acho que é um ótimo exercício porque ele coloca você na frente de um espelho, e você tem que encontrar uma maneira de se descrever para outras pessoas e às vezes até se descrever para si mesmo. Então, não precisa ser uma imagem bonita de como você está naquele dia, o mesmo suéter exato que você está usando, o cabelo que você tem naquele dia, mas pode ser uma projeção sobre como você se sente sobre si mesmo, como você acho que você olha, como você gostaria de olhar, quais são as coisas que importam para você e você quer colocar lá fora. Então, eu acho que um auto-retrato é um exercício muito bom para fazer um ponto, e ver onde você está com sua vida e quem é você? Então, quanto mais você pode incorporar sobre sua vida sem ser muito literal, melhor será. Olhando para trás na minha carreira, acho que fiz milhares de autorretratos, e os primeiros se pareciam muito mais comigo na vida real, mas então comecei a tentar sintetizá-los, e torná-los sempre mais perto do que eu tinha dentro e não do que eu tinha lá fora. Então, o auto-retrato que você vai fazer depois desta aula, vai ser apenas um de muitos. Então, todos os anos, todos os meses, todas as semanas, sempre que quiser, tente fazer um autorretrato rápido para saber onde você está. Então, divirta-se com seus retratos, e mal posso esperar para vê-los na Galeria de Projetos no Skillshare. 12. O que vem a seguir?: [ inaudível]