Ilustração cientifica: transmitindo informações com charme | Christine Nishiyama | Skillshare

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Ilustração cientifica: transmitindo informações com charme

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

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Aulas neste curso

12 aulas (1 h 6 min)
    • 1. Trailer

      3:37
    • 2. Uma introdução à ilustração científica excêntrica

      4:06
    • 3. Como consegui encontrar e entender o meu estilo

      6:55
    • 4. Como superar a temida página em branco

      2:43
    • 5. Como começar a esboçar

      1:58
    • 6. Dicas de desenho para se ter em mente

      6:26
    • 7. Finalizando seu conceito e desenho

      5:14
    • 8. Trabalhando digitalmente com linha e valor

      4:52
    • 9. O confuso mundo das cores

      12:30
    • 10. Técnicas de coloração digital

      9:20
    • 11. Crie e aplique suas próprias texturas

      4:51
    • 12. Implementando tipografia desenhada à mão

      3:36
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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3.447

Estudantes

38

Projetos

Sobre este curso

Neste curso, você aprenderá a pegar um fato ou conceito científico e transformá-lo em uma ilustração emocionante que vai além da realidade, mas ainda comunica o conceito com precisão.

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Você vai aprender sobre as etapas de criação de uma ilustração, incluindo pesquisa, brainstorming, esboço, refinamento de um desenho e produção digital no Photoshop. Também vou mostrar para você alguns fundamentos de ilustração que são muitas vezes vezes incompreendidos, incluindo linha, valor e cor, para tornar seu trabalho o mais forte possível.

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Além disso, vou abordar a pergunta número 1 em arte/ilustração: como encontro o meu estilo? Embora não possa lhe dizer qual é o seu estilo — afinal, é a sua própria impressão digital - vou orientá-lo sobre como cheguei a entender meu próprio estilo e por que acho que combina comigo, e talvez isso o ajude a acertar a trilha para descobrir sua própria impressão digital criativa!

Aprenda fazendo

Escolha um conceito científico que desperte a sua curiosidade. Pesquise o conceito, desenhe para entender e criar uma ilustração final que atraia os espectadores com personalidade e charme, e sempre com base na verdade e explicando com sucesso o conceito.

Assista a 11 aulas em vídeo

  • Pesquisando e pensando: aprenda sobre ilustração científica feita com capricho e estilo.
  • Esboçar para aprender: aprenda a superar a fobia de páginas em branco + comece a esboçar.
  • Refinando o desenho: aprenda as técnicas de fortalecimento + acabamento de um desenho.
  • Trabalhando com linha, valor e cores: aprenda sobre valores, traços + teoria das cores.
  • Cor, textura + tipos desenhados à mão: aprenda a trabalhar digitalmente com cores, textura + tipos.

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Christine Nishiyama

Artist at Might Could Studios

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

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Transcrições

2. Uma introdução à ilustração científica excêntrica: Ei, caras. Esta é Christine Fleming, e este é o primeiro vídeo da minha turma, ilustração científica, transmitindo informações com charme. Obrigado por se inscrever para esta aula, e vamos começar. Este vídeo é chamado de introdução à ilustração científica caprichosa. O que é ilustração? No livro de Andrew Loomis, Illustração Criativa, ele diz que a principal função da ilustração é fazer uma interpretação gráfica de uma ideia. Eu amo essa definição porque ele usa a interpretação da palavra e não representação. Para mim, meu trabalho como ilustrador não é apenas representar a idéia ou conceito que me é dado em uma tarefa. O meu trabalho é interpretar a ideia à minha maneira, e depois ilustrar a minha interpretação pessoal. Ao trabalhar desta forma, suas ilustrações sempre agregarão valor em vez de apenas repetir o que o texto já declarou. Mas quando se trabalha na comunidade científica, sua interpretação tem que estar bem informada. Ao contrário de outros campos, você provavelmente não deve interpretar a alpaca que você está desenhando, para ter roxo brilhante, ou roxo até longe, incrível que possa ser. Como ilustradores científicos, primeiro temos que pesquisar nosso assunto, reunir todos os fatos, e então podemos exagerar e expandir esses fatos com nossa imaginação. Aqui você pode ver uma ilustração que eu fiz de uma baleia azul. Estou mostrando isso como um exemplo de como você tem que ser cuidadoso ao pesquisar. Pensei que tinha pesquisado o suficiente sobre a baleia azul para saber que é assim que eles se parecem. Mas foi-me dito que isto se parece mais com uma baleia orca do que com uma baleia azul. Eu tive que revisar a ilustração para destacar mais obviamente as características que fazem uma baleia azul, uma baleia azul. Aqui você pode ver que as barbatanas são menores e o nariz é mais plano. Portanto, lembre-se de pesquisar seu assunto cuidadosamente e certifique-se de que você o representa com precisão. Acho que desenhar é uma das melhores ferramentas que temos para entender algo. Mesmo que você não pense que é bom em desenhar, apenas o ato de tentar desenhar algo nos ensina muito sobre o que a coisa realmente é e como ela realmente se parece. Johann Wolfgang von Goethe, um escritor alemão de botânica, anatomia e cor, disse uma vez: “Você realmente não vê uma planta até desenhá-la.” Você já notou como uma alpaca parece estranha? Se você for desenhar e então você vai realmente saber. Gosto de desenhar coisas que não entendo, o que equivale a muitas coisas para desenhar. Porque eu saio do outro lado do processo de ilustração com um pouco mais de compreensão e uma maior apreciação do quão estranho o mundo é. Ao desenhar algo, você percebe o que é necessário para comunicar a idéia dessa coisa. Qual é o seu aspecto mais importante, e o que recebe de volta sem importância. Aprender a ver pelo desenho ensinará você a ver de uma maneira totalmente nova. Você começará a ver as coisas em níveis de importância. O que se destaca, o que recebe, o que pode ser simplificado e o que pode ser exagerado. Muitas vezes, uma ilustração pode representar o verdadeiro caráter de algo mais do que uma fotografia pode, apenas por causa desta ação seletiva do artista. Uma fotografia grava tudo sem priorizar. O artista pode escolher o que destacar, o que ignorar e o que embelezar além da realidade. Algumas pessoas sugerem que você deve manter o que você sabe na vida. Desenhe o que sabe, escreva o que sabe. Mas gosto de desenhar coisas que não sei nada sobre. Só sei um número muito limitado de coisas. Então, por que eu pararia por aí? Estou mais inspirado por coisas que ainda não sei, e adoro usar o ato de desenhar para aprender coisas novas. Então vamos continuar e aprender mais. 3. Como consegui encontrar e entender o meu estilo: Este vídeo é chamado “ Como eu vim para encontrar e entender meu estilo”. A pergunta número 1, ilustradores e provavelmente todos os artistas são perguntados é, como eu encontro meu estilo? A resposta curta é, eu não sei. Mas para cavar um pouco mais fundo, o que é um estilo do Illustrator? Acredito que o estilo de um artista é como a escrita criativa deles. É algo com que você nasce e que é verdadeiramente você. Mas também é algo que evoluiu ao longo do tempo. Você já olhou para trás em sua caligrafia ou assinatura de quando você está no ensino médio? Definitivamente não se parece com sua letra agora, espero, mas de alguma forma ainda parece com você, você segura seu lápis de uma certa maneira, vê o mundo de uma certa maneira, e interpreta o mundo de uma maneira única. Tudo isso junto contribui para produzir seu estilo criativo único. É algo que é inatamente você e está em constante evolução, assim como você, como pessoa, está em constante evolução. Então, como é que o encontras? Honestamente, a única maneira de encontrá-lo, é continuar fazendo coisas, continuar desenhando, continuar pintando, continuar fazendo o que quer que seja que você faz, e eventualmente as coisas começarão a se repetir. Você notará processos que pareciam vir naturalmente para você. Você vai notar que começa a entrar na zona meditativa que algumas pessoas chamam de fluxo. Você vai começar a ver certos aspectos do seu trabalho aparecer e se repetir subconscientemente. Meu único conselho é continuar desenhando. Não é um conselho novo e talvez seja clichê, mas é realmente a única maneira de se encontrar. Levei quase dois anos de desenho constante, sem incluir toda a minha infância, para sentir que tinha um estilo coeso. Eu acho que geralmente o estilo de um artista pode ser mais óbvio para os outros do que é para eles mesmos. Mas para ajudar você a encontrar seu próprio estilo, vou tentar passar pelo que eu acho que meu estilo é, e como ele evoluiu. Um aspecto que eu acho que é central para o meu estilo, é lindamente articulado por Scott McCloud em seu livro, Understanding Comics. Ele tem um conceito chamado, amplificação através da simplificação, onde ele diz que, “ao retirar uma imagem ao seu significado essencial, um artista pode amplificar esse significado de uma maneira que a arte realista não pode”. Eu acho que isso é algo que eu tenho feito desde que eu era jovem, junto com provavelmente qualquer outra criança, mas nunca ouvi falar tão bem. Minha arte não é realista, eu não desenho as coisas perfeitamente, e eu não as desenho tão fiéis à vida. Mas acho que a forma como os desenhei, é fiel à minha interpretação deles. Ao eliminar alguns detalhes e abolir outros, sou capaz de focar minha ilustração para mostrar o caráter real do assunto, além de injetar minha maneira pessoal de ver. Simplificando para amplificar, posso focar a atenção do espectador para permitir que eles vejam o que eu vejo. Outro conceito de McCloud, é quando ele descreve a universalidade. Uma maneira que ele descreve esse fenômeno é, quanto mais caricatura é um rosto, mais pessoas podem ser ditas para descrever. Ele continua a falar sobre como não nos vemos da mesma forma que as outras pessoas nos vêem. Nossa imagem mental de outras pessoas é bastante clara e precisa, mas nossa imagem mental de nós mesmos é vaga e apenas uma sensação de posicionamento geral de nossas características, quase como se fôssemos uma ilustração simples. McCloud diz que, é por isso que as pessoas são atraídas por desenhos animados e ilustração não tão realista. Quando você vê uma fotografia de uma pessoa, você vê outra pessoa, quando você vê uma ilustração de outra pessoa, você vê a si mesmo. Eu acho que este conceito também é central para o meu estilo. Eu queria que minhas ilustrações fossem representações visuais de mim mesmo e de meus processos de pensamento, mas também quero que outras pessoas sejam capazes de se relacionar com elas e se verem neles. Por exemplo, eu desenhei essa ilustração de mim, mas se você é uma garota com cabelo castanho, o que é uma descrição bastante comum, você pode vê-lo como você mesmo também. Eu também tenho alguns aspectos visuais e técnicas que eu acho que são dominantes no meu estilo. Estas são coisas que evoluíram ao longo do tempo e continuaram a repetir-se até eu perceber que eles eram como um grupo fazendo isso o meu estilo. Fui treinado como designer gráfico, então composição e espaço em branco são muito importantes para mim. Eu acho que as ilustrações precisam de muito espaço para respirar, e muitas vezes prefiro ter meus assuntos em um fundo branco. Acho que permite que o sujeito se sinta mais sem fronteiras e mais vivo do que contido em uma caixa de cores. Mas, como sempre, às vezes as regras têm de ser quebradas. Eu tenho essa técnica esquisita de textura de lápis que eu realmente amo desenhar. Aconteceu naturalmente e nem me lembro quando comecei a fazer isso nas minhas ilustrações, mas agora só acontece inconscientemente. É como o padrão em ziguezague, e eu gosto de juntá-lo para cabelos e outras texturas detalhadas. Sempre que estou desenhando essa textura, sou quase instantaneamente transportado para aquele estilo meditativo da mente. Eu poderia fazer isso por horas e não perceber quanto tempo passou. É algo que eu não tenho que pensar conscientemente. Eu não estou planejando agora e pensando adiante sobre onde esta linha vai ir ou em que ângulo esta linha deve ser, ele apenas flui da ponta do meu lápis e de alguma forma funciona para fora. Quando você encontrar isso, aquela coisa que faz sua mente ficar entorpecida de contentamento e suas mãos se movem de todas as maneiras certas, agarre nela e fique com ela. Continue fazendo essa coisa e ela vai evoluir para uma assinatura para você. Eu também aprendi ao longo do tempo, que eu prefiro trabalhar com paletas limitadas de apenas dois ou três tons, cores brilhantes e texturas delicadas. Eu não sabia disso anos atrás, mas enquanto eu continuava criando, eu percebi que eu continuava gravitando em direção a cores e texturas semelhantes. Não se segure, explore e experimente tudo, mas também esteja ciente de onde você gravitará de volta, e o que aparece naturalmente. Seguindo essas coisas, vai levá-lo ao seu estilo. Continue desenhando e criando. Como nota final, Nadia Boulanger, uma compositora francesa, disse uma vez: “Não me fale de tempo, fale comigo de desejo.” 4. Como superar a temida página em branco: Este vídeo é chamado Como superar a página em branco temida. Andrew Loomis, em Ilustração Criativa, disse: “A criatividade está no planejamento, pura e simples. O resto é um bom trabalho de carpinteiro.” ilustração é sobre visualização, criando uma imagem visível a partir de uma ideia abstrata. Então isso significa que você tem que ter uma visão para começar. Mas vou te contar um segredinho, ninguém sabe a maneira perfeita de visualizar algo quando começam uma nova ilustração. Alguém me disse recentemente que ele achava que os artistas têm uma imagem em sua mente desde o início sempre que desenham, e que eles são bons em fazer uma arte, porque eles são capazes de colocar com sucesso esse mental imagem em sua cabeça para baixo no papel perfeitamente. Talvez algumas pessoas trabalhem assim. Mas para mim, não faço ideia do que estou fazendo quando começo a desenhar. Posso ter uma vaga ideia na minha cabeça de como quero que o desenho se pareça, mas nunca sai do jeito que ficou na minha cabeça, e isso é uma coisa boa porque a imagem na minha cabeça era ruim de qualquer maneira. Normalmente, quando começo a desenhar, não tenho ideia na minha cabeça. Eu só começo a desenhar e as linhas começam a tomar forma e se transformar em coisas interessantes. Tens de libertar a tua mente, e começar a fazer marcas na página. Como você desenha, pequenos acidentes felizes ocorrerão e você tem que aproveitar esses acidentes. Observe o que funciona e o que não funciona enquanto você desenha, e eventualmente as imagens evoluirão para algo que você nunca poderia ter imaginado no início do projeto. Na minha opinião, é essa habilidade de experimentar, cometer erros, conhecer cada erro para manter que faz alguém um bom artista. Eu acredito que qualquer um pode desenhar, você só tem que não pensar muito sobre isso e colocar no tempo para aprender como o lápis se move em sua mão, e como estar constantemente observando e interpretando tudo ao seu redor. Essas observações e interpretações entrarão em seu trabalho e tornarão seus desenhos pessoais. Walt Stanchfield, em Drawn to Life, disse: “Desenhar não é apenas colocar linhas em um papel. Constante observação, interpretação, curiosidade, envolvimento e excitação. Desenvolver um olho para semelhanças, contraste, sutilezas, e ser capaz de transpor todos os itens acima para um.” 5. Como começar a esboçar: Como começar a esboçar. Geralmente, as primeiras ideias que você tem ou as primeiras coisas que você desenha provavelmente serão chatas e clichê. Se alguém te disse para visualizar o amor, você provavelmente pensa em um coração, certo? Tão clichê, tão acabado, tão chato, mas desenhe assim mesmo. Colocar esses primeiros pensamentos clichês no papel vai libertá-los de sua mente e deixar novos pensamentos originais substituí-los. Ao desenhar, não abaixe nada que apareça na sua cabeça. Tudo vale a pena e vale a pena desenhar durante esta fase. Não há más ideias no início. Nunca se sabe onde algo pode te levar. Não se preocupe em desenhar perfeitamente agora. Esboçar é a hora de tirar todas as ideias da sua cabeça. Não se preocupe muito em fazer algo parecer legal e não se sinta mal se algo acontecer horrível. Eu acho que a chave para um esboço bem sucedido é simplesmente não se importar. Pense nisso como a fase experimental divertida no projeto onde não há regras e se você quiser, ninguém nunca verá o que você desenha. Não há pressão. Pense em todas as possibilidades. Eu tinha um caderno de esboços da Moleskine chique e levei uma eternidade para preenchê-lo porque parecia muito precioso. Eu não senti que eu poderia desperdiçar páginas e cometer erros em um caderno de esboços tão caro com uma capa tão agradável e papel adorável. Esboçar não é um momento para se preocupar com as ferramentas adequadas. Eu gosto de desenhar em esboços realmente baratos que custam apenas alguns $ e muitas vezes desenhar em papel de computador simples. Encontre o que funciona para você. Desenhe em papel barato, desenhe com um lápis barato, faça o que for preciso para se sentir confortável porque é quando você solta e desenha o seu melhor. 6. Dicas de desenho para se ter em mente: Dicas de desenho para ter em mente. Há um livro maravilhoso sobre desenho chamado Drawn to Life, 20 Golden Years of Disney Master Classes Volume um, as Palestras Walt Stanchfield. Stanchfield foi um animador no Walt Disney Studios e trabalhou em filmes como The Jungle Book e The Aristocrats. Ele liderou uma série de treinamento de animadores na Disney Studios, onde ensinou nossas celebridades animadoras atuais como Brad Bird e John Lasseter. Anos após as aulas, suas notas de palestra foram publicadas como um livro e são minas de ouro de dicas de desenho e inspiração. Vou delinear algumas das minhas dicas favoritas aqui neste vídeo, mas eu recomendo que você leia o livro se você está procurando algumas dicas sobre desenho com personalidade e originalidade em vez das dicas de desenho usuais como um corpo humano deve ter seis cabeças de altura. Vamos mergulhar. Minha dica favorita e mais útil de Stanchfield é algo que ele afirma repetidamente no livro : “Desenhe gestos, não anatomia”. Ele diz isso de muitas maneiras diferentes; desenhe toda a pose, não partes do corpo, desenhe verbos ou ações, não substantivos, desenhe ideias ou histórias, não desenhos ou coisas. Basicamente, quando você está desenhando uma ação, por exemplo, um homem levantando um objeto pesado, você quer se concentrar no conceito geral e não se concentrar em desenhar seus dedos ou sapatos. Você quer manter o seu desenho simples nesta fase e obter a pose geral e ação antes de mergulhar em todos os detalhes finos. Se a base do seu desenho não for bem sucedida, todos os detalhes incríveis e únicos do mundo não serão capazes de salvá-lo. Concentrando-se em gestos e ações ajuda a trazer vitalidade e vida ao seu desenho. Pense assim, você está desenhando uma camisa de botão usada por um homem levantando uma prancha, você está desenhando uma tábua sendo levantada por um homem usando uma camisa de botão. Nos estágios iniciais do desenho, tente se concentrar em desenhar a energia da ação acontecendo em vez das partes individuais do corpo anexadas ao corpo. Gosto de começar a esboçar semi realisticamente. Eu não desenho em um estilo fotográfico realista. Mas se eu estiver desenhando uma aranha, vou começar olhando para referências fotográficas e desenhando como eu vejo. Nesta fase do projeto, não há problema em desenhar diretamente da foto. Estes esboços são apenas para você aprender sobre o assunto; como ele se parece e como ele se move. Eles não vão ser o produto final. Uma vez que você desenhou o assunto algumas vezes e você sente que você tem uma boa compreensão dele, você pode então começar a afastar-se um pouco da realidade. aqui que você é capaz de injetar sua personalidade interpretando o que você aprendeu sobre o assunto desenhando e observando-o. Agora você deve começar a embelezar seus desenhos, não desenhar diretamente de suas referências fotográficas. Então, como você começa a se afastar da realidade? Experimente algumas dessas técnicas; evite uniformidades ao desenhar, linhas não precisam ser retas e peças repetidas não precisam estar perfeitamente alinhadas. Esta é uma das razões pelas quais eu sempre vou esboçar com papel e lápis em vez de no Photoshop. É muito fácil fazer as coisas perfeitamente alinhadas e diretas no Photoshop; eu quero todas as imperfeições. Há um termo chamado Fisiognomia; a arte de descobrir o temperamento e o caráter da aparência externa, daí o caráter interior revelado externamente. Isso é o que estamos tentando alcançar em nossos esboços agora. Você entende o assunto, você desenhou com precisão, agora você precisa começar a puxar seu personagem para fora e enfatizar sua personalidade, embelezando o desenho um pouco e afastando-se da realidade. Empurre seu esboço mais longe do que a realidade. Desenhe essa aranha maior do que realmente é, faça seus olhos enormes para adicionar um pouco de humanidade e fofura. Você pode até fazê-lo sorrir se quiser. Ou vá para o outro lado, dê à sua aranha pequenos olhos ameaçadores, pernas longas e cabelos emaranhados. Uma coisa a ter em mente nesta fase é ainda estar ciente de suas referências fotográficas. Dependendo do seu conceito ou atribuição inicial, pode ser importante manter algumas características específicas do seu assunto. Por exemplo, talvez seja importante que eu esteja desenhando uma espécie específica de aranha e o comprimento das pernas é importante para identificar essa espécie. Você quer empurrar seu desenho para além da realidade, mas ainda tê-lo baseado em fatos e ainda comunicar seu conceito com precisão. Empurre seu desenho o mais longe possível, mas perceba que você pode ter que redimensioná-los novamente para manter uma comunicação bem-sucedida. Outra boa maneira de se afastar da realidade é abstrair o assunto. Abstrair algo é reduzi-lo apenas aos elementos essenciais. Você quer deixar cair a maioria dos detalhes fora deixando apenas as peças necessárias e mais indispensáveis. Se você tem dificuldade em pensar visualmente, tente descrever seu conceito em palavras e anote-o. Por exemplo, “Vou desenhar uma aranha correndo pelo chão.” Em seguida, adicione alguns advérbios à sua frase : “Eu vou desenhar uma aranha corajosamente correndo pelo chão”. Agora você tem algo extra para inspirar alguma personalidade em seu desenho. Desenhar advérbios diz como a ação está acontecendo e responder por que ela está acontecendo. Isso cria uma história. Lembre-se, estamos desenhando ações, não substantivos, e história, não coisas. 7. Finalizando seu conceito e desenho: Finalizando seu conceito e desenho. Esta é a última etapa do nosso projeto antes de nos mudarmos para o mundo digital. Agora é a hora de obter o seu desenho o mais próximo possível da final antes de irmos para o digital. Você sempre pode redesenhar e digitalizar novamente ou desenhar diretamente no computador, mas é mais eficiente colocar o conjunto direito antes de entrar no computador. Você deve ter um esboço final do seu conceito. Agora vamos levar o esboço final até o desenho final. Você pode escolher seu meio favorito para o seu desenho final, lápis, canetas, marcadores. Eu costumo terminar meus desenhos a lápis, mas às vezes escolho caneta. Eu tenho uma caixa de luz que eu usei para traçar meu esboço original levemente em uma nova folha de papel. Se você desenhou seu esboço em um caderno de esboços, você pode tirar uma foto do esboço e imprimi-lo para que possa ser rastreado mais facilmente. Você quer apenas traçar levemente seu esboço para colocar o formulário no papel. Em seguida, remova o esboço por baixo e redesenhe sobre as linhas de luz à mão livre. Costumava traçar todo o meu esboço ao mesmo tempo em caneta ou lápis escuro. Mas o ato de rastrear me deixou tenso e meu desenho final foi consistentemente menos natural e orgânico do que meu esboço. Às vezes é difícil capturar a espontaneidade e a vida do esboço em um desenho final. Mas descobri que traçar levemente o esboço e, em seguida, redesenhá-lo à mão livre torna este processo muito mais bem sucedido. Se você estiver usando tinta digital, você pode decidir que você deseja rastrear toda a linha de desenho para linha. Experimente ambas as técnicas e veja o que você prefere. Se você não tem uma caixa de luz, você pode apenas usar sua janela. Tape seu esboço, coloque outro pedaço de papel em cima, e depois rastreie. Também antes de continuar, agora é uma boa hora para se lembrar do seu conceito novamente. Ainda está no caminho certo? O seu desenho ainda comunica o conceito original com precisão e rapidez? Às vezes é fácil ir em um desvio e não perceber isso. Apenas faça uma pequena verificação antes de seguir em frente. Como você está finalizando seu desenho, você deve manter algumas técnicas básicas de desenho em mente. Aqui estão algumas coisas para pensar quando você está desenhando. Simplifique seu esboço sempre que possível, isso é bastante auto-explicativo. Não desenhe detalhes sem motivo. Evite linhas tangentes. Linhas tangentes são quando duas linhas se unem para fazer um relacionamento não intencional. Neste exemplo abaixo, de uma torta sentada em uma mesa, você pode ver um desvio de linha no balcão atrás da mesa, corre para a linha da parte de trás da mesa. Tangentes como esta são estranhas porque destruíram a profundidade. Este problema pode ser corrigido apenas movendo a mesa um pouco para cima para que as duas linhas não se encontrem. Você retas contra as curvas. As linhas retas contrastantes contra linhas curvas ajudam a criar profundidade. A regra T é usada quando uma coisa está na frente de outra, maioria das vezes quando o pescoço de uma pessoa corre para o peito. Veja como nesta ilustração o pescoço e o peito fazem um T. Usando esta linha cria profundidade. Evite repetições de início, repetir as coisas exatamente é chato. Certifique-se de variar formas, tamanhos e direções para adicionar interesse ao seu trabalho. Evite paralelos, linhas paralelas não têm interesse. Este desenho seria muito mais interessante se a mesa estivesse no ângulo de Marvin para que as linhas no tapete e na mesa não fossem paralelas umas às outras. Pense na composição do seu desenho. É equilibrado? O seu olho flui facilmente? Você tem um ponto focal? Normalmente, é uma má ideia colocar o ponto focal exatamente no centro da sua área de imagem. Também é uma má ideia ter diagonais que atravessam os cantos da sua composição. Ele tende a parecer antinatural e distrativo. Nesta ilustração, você pode ver que não há linhas diagonais passando pelos cantos. Você pode testar a força da sua composição olhando para ela e silhueta. Preencha todas as áreas para preto sólido e veja se a composição abstrata que isso cria parece agradável. Você pode fazer isso facilmente escolhendo a imagem na barra de menus e no photoshop, depois ajustes e níveis e, em seguida, basta arrastar a seta no gráfico todo o caminho para a direita. Isso preencherá tudo com preto. Esta é uma boa maneira de se forçar a ver as formas e não o seu desenho, quase como se estivesse vendo com um novo par de olhos. 8. Trabalhando digitalmente com linha e valor: Trabalhando digitalmente com linha e valor. Então, qual é o propósito de uma linha? As linhas podem adicionar apelo estético, dividir uma área, definir forma e focar a atenção. Linha é o contorno ou contorno, enquanto o tom é a forma ou o espaço. Devido a essa diferença, as linhas às vezes podem nivelar o trabalho artístico. Cada artista tem seu próprio estilo e como eles abordam o trabalho de linha. Alguns têm trabalho de linha forte e ousado, alguns têm trabalho de linha que vem e vai, alguns não usam linhas de todo. Como você escolhe trabalhar com linhas é totalmente com você. É uma escolha pessoal e que provavelmente evoluirá ao longo do tempo. Andrew Loomis diz ilustração criativa. Ele afirma que, em sua opinião, “o contorno não pode ser continuamente definido em torno de todas as unidades e uma sensação de espaço alcançada. Se a borda é mantida dura por todo o lado, não pode evitar aderir ao plano da imagem, perdendo a sensação de espaço.” Loomis diz isso como se fosse um fato, embora eu tenho certeza que há muitos artistas que o debateriam sobre isso. Há tons de artistas e ilustradores que usam linhas ao redor de seu trabalho com muito sucesso. Dificilmente, qualquer papel na arte é sempre correto, e cada opinião vale a pena debater. Mas concordo com a Loomis quanto a este ponto em relação ao meu próprio trabalho. Em minhas ilustrações, geralmente tenho trabalho de linha forte, mas também uso a técnica de desaparecer e reaparecer linhas. Algo que Loomis chama de achados e perdidos. Em outras palavras, eu não guardo todas as linhas do meu desenho final na minha ilustração final. Eu guardo alguns, e apago alguns, e eu acho que isso adiciona uma sensação de realismo à minha ilustração de outra forma irrealista, e me permite segurar um pouco da liberdade e frouxidão do esboço original. Loomis argumenta que as linhas aparecem na natureza, mas que elas são perdidas e encontradas entrelaçadas ou tecidas em outras áreas da natureza. Isto é o que procuro alcançar no meu trabalho, entrelaçando as linhas e tecendo-as nas áreas da minha peça. Vou mostrar-lhe como conseguir isso no Photoshop no vídeo de técnicas de coloração digital. Então, o que é o valor? Valor é o nível de intensidade e uma cor. Pense em uma escala em preto e branco aplicada a uma escala de cores como esta comparação. A cor mais intensa está no meio da escala de valor. A cor acende à medida que o valor aumenta na escala e escurece à medida que diminui seu valor. Se você não conseguir trabalhar com valores com sucesso, a cor vai ser ainda mais uma luta. Muitas vezes, é uma boa ideia fazer estudos de valor em escala de cinza antes de começar a planejar sua cor. Isso lhe dará uma boa base para escolher cores usando sua escala de valor de cor. As cores se fecham em valor, independentemente da tonalidade, tenderão a mesclar. Para alcançar contrastes, você tem que considerar o valor além da tonalidade. Amarelos, laranjas e verduras claras são geralmente valores elevados, mas os roxos, vermelhos, castanhos e azuis escuros são geralmente valores baixos. Vejamos um exemplo de uso de valor bom e ruim. Esta é uma ilustração que fiz há pouco tempo. Eu estava tentando fazer o cenário ao redor do anoitecer quando o sol está se pondo, e eu amei minha paleta de cores, mas estava realmente lutando com os valores. Você pode ver meu estudo de valor no canto inferior esquerdo, e como os valores não têm muito contraste e são cegos juntos, o que então acaba acontecendo na ilustração final à direita também. As cores que usei são brilhantes, mas os valores as tornavam enlameadas. Agora olhe para o valor estável na parte inferior esquerda, e tem um contraste muito mais forte. O contraste também mudou um pouco, mas escolher valores mais fortes e mais contrastantes realmente fazer cada valor se destacar por conta própria, tornando a peça geral muito mais forte. Aqui estão os dois valores estudos um ao lado do outro. Então você pode ver as diferenças. Você pode ver no uso de valor mais bem sucedido à direita, que as escuras foram empurradas mais escuras, e as luzes foram empurradas mais claras. Isso proporciona mais contraste e torna valores mais fortes e, portanto, cores mais fortes. Falaremos mais sobre como usar o valor no próximo vídeo. 9. O confuso mundo das cores: O mundo confuso da cor. A cor é um assunto complicado. É altamente subjetivo, e as possibilidades especialmente quando se trabalha digitalmente são ilimitadas, o que às vezes é mais assustador do que livre. Primeiro, vamos entender que as cores são altamente relativas. Por isso quero dizer, uma cor parece como ela se parece apenas por causa de sua relação com as outras cores ao seu redor. A relatividade da cor também pode ser descrita como influência. Uma cor pode influenciar seu vizinho a fazer essa cor parecer diferente. Por exemplo, olhe para esses quadrados laranja. A cor do quadrado pequeno no primeiro par parece mais escura do que a cor do quadrado pequeno e do segundo par. Mas eles são na verdade da mesma cor, a cor de fundo em cada par estava influenciando a cor do pequeno quadrado para torná-lo mais claro ou mais escuro na criação de uma espécie de ilusão óptica. Ao falar sobre o estudo da cor e interação da cor, Josef Albers diz: “Nossa preocupação é a interação da cor; isso é ver o que acontece entre a cor”. Então não podemos estudar as cores por conta própria porque as cores nunca são vistas sozinhas. Temos que estudar a interação das cores e como elas influenciam umas às outras. Vamos começar com o básico. Existem três cores primárias: vermelho, amarelo e azul. Ao misturar as primárias e pares, agora temos as cores secundárias: verde, violeta e laranja. Então, misturando cada um com seu vizinho, obtemos mais seis cores chamadas de cores terciárias. Laranja vermelha, laranja amarela , verde amarelo, verde azul, violeta azul e violeta vermelho. Isso nos dá as 12 cores de intensidade máxima ou brilho, que é uma palavra tão maravilhosa. Se adicionarmos preto e branco, agora temos nossa cor completa e escala de valor de cor. A intensidade máxima da roda de cor original está no centro da roda. Uma tonalidade é quando a cor é misturada com branco, aumentando seu atraso ou valor. As tonalidades podem ser vistas para o interior da nossa roda de cores, medida que as cores se aproximam do branco. Uma sombra é quando uma cor é misturada com preto, reduzindo sua leveza ou valor. As formas podem ser vistas para o exterior da nossa roda de cores à medida que as cores se aproximam do preto. Aqui está a roda de cor completa novamente com a intensidade máxima, matizes e tons. Como nosso ponto de vista, uma tonalidade é um valor aumentado e uma sombra é um valor diminuído. O tom é quando uma mistura de cores de cinza, que pode aumentar ou diminuir a sua leveza, dependendo da cor. É como aplicar uma escala de cinza à sua escala de cores original. Aqui está um exemplo de um tom de escala de cores à direita. As pessoas geralmente decidem que querem que sua ilustração seja realmente brilhante e colorida. Então, para conseguir isso, eles usam muitas cores diferentes nas intensidades mais brilhantes que podem. Bem, se tantas cores brilhantes se misturando, ele realmente fica enlameado com as cores neutralizando umas às outras. Para dar brilho em sua ilustração, você precisa considerar valor, harmonia e contraste. Vamos passar por cada um desses conceitos individualmente. É difícil fazer uma imagem colorida e alcançar brilho usando toda a cor pura, significa toda a intensidade máxima, cor primária e secundária. Precisamos de grandeza e suavidade como um contraste com as áreas brilhantes. Muitas vezes, a beleza da cor reside na variação quente e fresca, na qualidade e cor silenciada, juntamente com o puro e brilhante. Então não tenha medo de tonificar ou classificar suas cores. Brilho como com a cor também é relativo. Uma cor tem mais brilho ao lado de uma cor cinza do que estava ao lado de uma cor brilhante. Nesta ilustração parece aqui de uma bactéria, ambas as cores têm sido grande um pouco e não são usados em sua intensidade máxima. Tonificar a cor vermelha aumenta o valor e tonificar a cor azul, diminua o valor. Ao olhar para a versão preto e branco da imagem, você pode ver que os valores estão contrastando bem por causa de seu tom. Há também um bom contraste de cores quentes a frias. Em ilustração criativa, deixe-me dizer que ele acredita, “Imagens tanto em alguns valores básicos, uma luz, um ou dois valores médios, e uma escuridão raramente vai morrer.” Então, ao trabalhar com valores, você não precisa enlouquecer ou se sentir sobrecarregado, basta começar com alguns valores básicos e trabalhar a partir daí. Vai fazer maravilhas para a sua cor. As cores primárias em sua maior intensidade sempre lutarão entre si. Isto é porque eles não têm quaisquer ingredientes e comentários e, portanto, não têm qualquer harmonia. Por exemplo, o vermelho não tem nenhum verde nele, e o verde não tem nenhum vermelho nele. Quando colocados ao lado um do outro eles competem e vibram. Nós criamos harmonia adicionando um pouco de uma cor na outra cor. Aqui, eu dobrei o vermelho um pouco de verde, e já está olhando muito melhor. Pintores muitas vezes criam harmonia em nossa paleta de cores pintando-os com um tom de tom. No Photoshop, podemos usar uma técnica semelhante se estivermos tendo problemas com nossas cores, não com harmonização. Vamos dar uma olhada. Aqui está uma ilustração de um grupo de formigas tentando evitar uma inundação. Digamos que estou infeliz com as cores. Os azuis não estão se harmonizando bem juntos, e talvez o vermelho seja um pouco contrastante demais. Uma maneira de adicionar harmonia rapidamente à sua paleta de cores é fazer uma camada de uma de suas cores sobreposta em cima de toda a ilustração. Para fazer isso, vou ampliar aqui, e um azul de alta intensidade deste padrão em ziguezague. Você pode brincar com cores diferentes no seu ritmo para ver qual funciona melhor. Vou escolher minha ferramenta conta-gotas, que pode ser vista aqui, e também pressionando a tecla “I”, e eu vou pegar essa cor aqui. Em seguida, eu vou criar uma nova camada clicando aqui ou pressionando a tecla Shift Command e, em seguida, nomeá-lo de sobreposição azul. Em seguida, com o balde rosa, que é pressionamento de tecla G, também em nossa nova camada com a cor azul que acabei de coletar. Com esta camada selecionada nos modos de mesclagem, que podem ser vistos aqui, eu escolherei Sobreposição. Sobreposição de um pouco de uma cor em sua ilustração influencia todas as outras cores e cria relacionamento e harmonia, dando todas as cores do ingrediente comum. Depois de aplicar a sobreposição, tudo o que você precisa fazer é experimentar o nível de capacidade, escolhendo a quantidade de azul que deseja sobrepor. É um pouco demais em 100 por cento. Aqui é onde você pode brincar com o nível de opacidade. Acho que cerca de 45 por cento parece bom aqui. Veja como você ainda tem variedade e contrastes, mas todas as cores parecem harmonizar padrão, mesmo aqui ampliado sobre esta formiga, você pode ver que o azul sobreposto e sombra, que dá mais relação com o outro Blues. Criar uma sobreposição em sua ilustração é uma boa maneira e uma boa ferramenta para encontrar harmonia. Mas eu não aconselho usá-lo como uma correção off ou ir trabalhar com cor. Pode ser difícil continuar trabalhando em sua ilustração ou alterar cores depois de aplicar uma sobreposição, porque agora suas camadas individuais não estão representando a cor mostrada. Esta é mais uma maneira de descobrir as cores no início do processo ou no início dos seus dias ilustrativos, quando você ainda está descobrindo como fazer harmonia. Avançando para alcançar a grandeza através do contraste. As cores complementares fornecerão a maioria dos contrastes de cores. O complemento primário de uma cor é a cor mais distante dela na roda de cores que contém muitas das outras cores. Por exemplo, o complemento do vermelho é verde, e o verde é composto de amarelo e azul, portanto não contém grau. Em seguida, segue-se que o complemento do amarelo é violeta, e o complemento azul é laranja. Os complementos secundários são cores mais distantes do espectro, mas contendo um mesmo ingrediente. Os elogios secundários têm menos contraste de cor do que os elogios primários, mas o menos extremo às vezes é uma escolha melhor. O complemento de verduras amarelas é vermelho violeta, e ambos contêm a cor azul. Complemento verde azul é laranja vermelho, e complemento de violeta azul é laranja amarelo. Você pode usar as cores complementares em sua paleta para ajudar a aumentar contraste e, portanto, aumentar o brilho em suas ilustrações. Como mencionei antes, escolha de cores é muito subjetiva e uma questão de estilo pessoal. Muitas vezes, as ilustrações mais coloridas e brilhantes são aquelas com menos cor do que aquelas com uma enorme variedade de cores. No meu trabalho, eu costumo trabalhar com paletas muito limitadas usando apenas dois ou três tons e às vezes apenas um. Acho que isso dá ao meu trabalho uma sensação tão grande, e as cores são mais brilhantes, deixando mais de uma impressão do que poderiam se tivessem companhia. Aqui estão algumas dicas sobre como melhorar paletas de cores sem graça. Tente acinzentar tudo, mas uma de suas cores, o que permitirá que essa cor apareça mais intensa. Crie estudos de valor e tente usar o menor número possível de valores. Depois de fazer seus estudos de valores, experimente as escolhas de cores fazendo alguns estudos rápidos de cores no Photoshop, como o exemplo visto aqui. Basta pintar faixas de sua cor sobre o desenho a lápis no Photoshop para ver a rapidez com que as cores interagem. Não se preocupe em ser limpo, você está apenas olhando para como as cores influenciam e contrastam umas às outras. Tente reduzir o paladar para apenas dois ou três tons. Você ainda pode usar vários tons, tons e tons desses tons. Tente não usar primários em sua intensidade total, pois eles tendem a sobrecarregar todas as outras cores. Tente adicionar cinza, preto ou branco como uma das cores escolhidas. Por último, mas não menos importante, tenha cuidado com o preto na sua paleta de cores. Pode ser usado bem, mas também posso aborrecer as cores ao seu redor. Se você acha que você é preto está embotando suas cores, tente usar um azul muito escuro ou marrom em vez de preto. 10. Técnicas de coloração digital: Técnicas de coloração digital. Colorir sua ilustração no Photoshop é muito simples depois de descobrir sua paleta de cores. Todo mundo tem sua própria maneira de colorir, seja no Photoshop, no Illustrator ou na pintura tradicionalmente, as opções são ilimitadas. Mas para esta aula, eu vou levar vocês através meu processo de colorir uma ilustração no Photoshop. Esta não é, de modo algum, a melhor ou única maneira de trabalhar. É o que funciona para mim. Sinta-se livre para experimentar e encontrar seu próprio caminho. Aqui está o meu desenho de tinta deste guaxinim instável. Eu estou mostrando algo simples para que eu possa levá-lo através de todos os passos em tempo real, e apenas avançar um pouco através da coloração. Tenho aqui as minhas amostras que já decidi. Você pode organizar e excluir, como aqui clicando no botão “Gerenciador de predefinições”. Eu vou fazer uma nova camada para cada cor no meu paladar, e então eu vou rotulá-los apropriadamente. É muito importante sempre rotular suas camadas. Isso torna tudo muito fácil e como você continua indo com ilustrações mais complicadas, você pode obter um monte de camadas, e você precisa saber em quais estão clicando. Também tenho o meu trabalho de linha para se multiplicar. Isso significa que quando eu tenho cor em uma camada abaixo da linha, ela é transparente. Se eu não tiver este conjunto para multiplicar, então um fundo branco é por cima e eu não posso ver a cor que eu acabei de pintar. Agora eu vou apenas selecionar a camada certa e a cor certa e, em seguida, ampliar e começar a colocar a cor em camadas. Você pode escolher seu pincel pressionando a tecla “B” ou visualizando-os aqui em cima. Eu costumo ficar com o pincel duro ou macio padrão, porque agora eu estou apenas tentando estabelecer cor. Não estou focando em pinceladas ou textura ou algo assim. Eu só quero de cor lisa. Agora vou passar e colorir. Agora, avance um pouco. Agora eu tenho toda a minha cor aplicada. Uma razão pela qual eu tenho uma camada diferente para cada cor, é se eu decidir mais tarde que eu quero mudar uma cor, isso torna muito fácil. Eu posso escolher, digamos, este azul médio, e então eu quero que ele seja um pouco mais escuro. Eu já pintei tudo e não quero ter que pintar de novo. Posso entrar nesse estilo de camada clicando duas vezes na camada e, em seguida, clicar em “Color Overlay”. Então você pode ver que em todos os lugares era escuro apenas mudar de cor. Você pode apertar esta pequena caixa, e agora escolher a cor que deseja aplicar a essa área. Veja. É isso com coloração. Existem milhões de pincéis diferentes do Photoshop que você pode baixar e jogar. Alguns são realmente interessantes, e eu tentei um monte de diferentes, mas eu geralmente prefiro usar os pincéis redondos simples, duros e suaves no Photoshop a maioria, e obter a minha textura de digitalizado na pintura texturas. Mas, muitos outros artistas usam uma ampla gama de pincéis digitais, e eu os uso ocasionalmente. Se você está interessado em experimentar pincéis diferentes, eu recomendaria verificar pacotes de escova de Kyle T Webster. Ele oferece um monte de pincéis incríveis que ele gastou muito tempo e energia refletindo. Seu HB feliz, um pincel de lápis, e alguns de seus pincéis de aquarela são meus favoritos, e eles não são tão caros em tudo. Como mencionei no vídeo de linha e valor, uso uma técnica de desaparecimento e reaparição de linhas, algo que Andrew Lewis chama de Achados e Perdidos. Em outras palavras, não guardo todas as linhas do meu desenho final e da minha ilustração final. Eu apago alguns e mantenho alguns, entrelaçando-os junto com áreas de cor. Vamos voltar para o nosso pequeno guaxinim. Uma vez que eu tenha a cor geral estabelecida, eu vou começar a brincar com as linhas. Quais linhas podem ser apagadas? Quais linhas são necessárias para a distinção de áreas? Vou escolher o meu trabalho de linha. Certifique-se de salvar uma cópia de retorno imediato, você ainda tem suas linhas. Então eu vou entrar, e provavelmente eu costumo apagar as linhas que estão do lado de fora da ilustração. Eu tenho as extremidades da cor aqui, então eu realmente não preciso delas para definir o espaço. Você pode brincar com a forma como deseja que suas linhas se conectem com sua cor. Às vezes, eu os corto nas extremidades. Normalmente não tenho certeza até o fim. Você provavelmente não precisa das linhas ao redor deste nariz, é de uma cor diferente, e eu realmente não preciso disso aqui. Só estou vendo quais eu preciso e quais eu não preciso. Não quero ter falas desnecessárias. Eu acho que estes serão importantes para fazer os olhos realmente se destacarem. Esta linha aqui vai ser importante porque está separando a cabeça do corpo, então acho que vou ficar com essa. Novamente, esta linha está do lado de fora, e esta linha tem uma distinção de cores bastante profunda. Acho que não preciso de nada disto. Às vezes você pode precisar limpar um pouco as linhas. Acho que parece muito bom. Agora você pode ver que há algumas discrepâncias aqui onde eu estava pintando sob a linha e eles não podiam ver. Você pode voltar e limpar tudo um pouco. Se você quiser colorir suas linhas, você pode aplicar uma máscara de recorte à sua camada deitada. Você pode fazer isso apenas fazendo uma nova camada, e segurando seu botão “Opção”, e passando o mouse entre as duas camadas, você verá esse pequeno ícone aparecer. Clique bem ali, e agora temos máscara de recorte onde esta camada só é aplicada a esta camada. Nada que você fizer aqui será aplicado a qualquer uma das outras camadas. Agora podemos escolher uma cor. Acho que vou escolher algo um pouco mais escuro que este azul, e definir esta camada para a tela. Então podemos pintar bem em cima de nossas linhas, e você pode ver que a cor é aplicada à linha. Você pode decidir se quer algo um pouco mais escuro, talvez. Você pode fazer diferentes cores de linha em diferentes áreas, apenas que tudo precisa ser mais escuro. Apenas brinque. Acho que é só isso para falas. 11. Crie e aplique suas próprias texturas: Criando e aplicando suas próprias texturas. Por que usar texturas artesanais? Eu acho que, às vezes, o trabalho totalmente digital pode parecer desumano, tenso ou aborrecido para injetar alguma humanidade e permitir que nossa mão atravesse. Nós desenhamos tudo à mão, afinal. Gosto de criar e usar minhas próprias texturas pintadas no meu trabalho. Vou te mostrar como fazer suas próprias texturas de pintura. Mesmo quando você faz isso, você deve fazer muitas texturas diferentes. Você sempre pode voltar e fazer mais se precisar de algo específico. Mas é bom ter uma pequena biblioteca de suas próprias texturas que você criou para trabalhar imediatamente com projetos futuros. Eu também descobri que usar a mesma biblioteca de texturas em diferentes peças pode ajudar todo o seu corpo de trabalho a ser mais coeso. Eu vou levá-lo através dos primeiros passos de realmente fazer na digitalização da textura aqui nos slides. Em seguida, vou passar por um screencast de como trabalhar com os arquivos no Photoshop. O primeiro passo é pintar sua textura usando seu meio preferido. Eu gosto de pintar o meu em 8,5 por 11 tamanho papel para que eu tenha um grande arquivo médio, mas o tamanho é até você. É bom experimentar diferentes tipos de papel porque o papel virá através da textura também. Eu geralmente prefiro usar papel aquarela, por causa da textura áspera que você obtém sob a tinta. Você pode até experimentar materiais sem papel, como pintura em madeira. Pinte vagamente em traços largos, cobrindo grandes áreas do papel. Amplas aplicações de cor são perfeitas para aplicar a ilustrações. Você pode experimentar diferentes tintas, traços, cores, tamanhos de pincel, tentar tudo. Eu costumo usar tinta de lavagem porque eu prefiro a flexibilidade. Eu também gosto de pintar cada textura em uma cor, significa não várias cores em uma folha, porque eu quero ser capaz de manipular a cor facilmente quando estou usando no Photoshop. Assim que tiver as texturas pintadas e secas, digitalize-as para o seu computador como um JPEG a 600 dpi. Isso lhe dará um arquivo grande que você sempre pode reduzir baixo se precisar para ilustrações diferentes. Aqui está o nosso ícone de novo. Tudo que você precisa fazer é ir para “Arquivo” e “Colocar”, em seguida, escolher sua textura, e dimensionar e girar como quiser. Vou colocar este em um ângulo. Você sempre pode editá-lo mais tarde. Então vamos rasterizar a textura, e nomeá-la. Em seguida, coloque-o logo acima da camada de cor à qual você deseja aplicá-la e duplique essa camada de cor. Traga a duplicata acima da textura e camada “Hue”. Agora você pode desligar essa camada por enquanto. Vamos voltar à nossa textura e aplicar máscara de recorte à nossa camada de cores. Agora você pode ver que a textura foi aplicada a essa camada, mas nossa cor se foi. É aí que entra esta camada. Você a ativa novamente e define essa camada para um modo de mesclagem de “Matiz” ou “Cor”. Ambos geralmente fazem a mesma coisa, mas dependendo da cor que você está aplicando, um pode funcionar melhor do que o outro. Aqui está como “Hue” se parece e aqui está a cor. Para este eu prefiro cor. É um pouco mais de nota. Depois voltamos à nossa textura e podemos começar a brincar com os modos de mistura. Você pode deixá-lo assim, parece muito bom, parece muito bom, ou você também pode tentar multiplicar qualquer um desses realmente, “Overlay”, “Soft Light”, “Hard Light” e “Pin Light”. Esses são alguns dos meus favoritos. Vou usar “Pin Light” para este. Você também pode brincar com a opacidade se você não quiser que ela seja tão forte e mais sutil. Mas eu gosto do mesmo tipo de forte, talvez 95, e é isso. Você pode aplicar texturas diferentes a cores diferentes, é bom ter diferentes em diferentes direções, e adicionar alguma variedade e interesse à peça. 12. Implementando tipografia desenhada à mão: Implementando tipografia desenhada à mão. Muitas vezes desenho à mão qualquer texto em minhas ilustrações. Tal como acontece com as texturas, acho que acrescenta humanidade e charme. Eles ajudam a injetar minha personalidade na peça, bem como afastar-se de uma ilustração puramente digital. Aqui está um pequeno segredo sobre tipografia desenhada à mão. Você pode permitir que as fontes existentes o ajudem, especialmente se você estiver desenhando texto simples e não usando fontes que são tipo de exibição. Primeiro, eu vou digitar o texto que eu quero e deixá-lo como texto texto enquanto eu trabalho no resto da ilustração. Eu desenho o tipo por último porque ele acaba se movendo e mudando muito ao longo do processo e é mais eficiente apenas desenhá-lo uma vez. Uma vez que você tenha a ilustração final, remova tudo, exceto o tipo e reorganize-os para que eles se encaixem juntos. Em seguida, imprima-os, coloque-os em uma caixa de luz e rastreie. Se você não tiver uma caixa de luz, poderá usar uma janela. Aqui está a minha pequena caixa de luz à esquerda quando eu estava pintando alguns dos meus desenhos a lápis impressos e, em seguida, à direita é a minha configuração de rastreamento de janela que eu tinha usado antes de eu ter minha caixa de luz. Você deseja desenhar o tipo muito pequeno para que o tipo não acabe olhando tão perto da fonte real. O ponto aqui não é copiar o design do tipo, é obter o espaçamento e o alinhamento corretos em suas palavras e letras. O espaçamento perfeito e o alinhamento não são tão importantes no seu desenho, mas na tipografia é. Você quer que todos os seus textos sejam altamente legíveis e claros, então espaçamento é fundamental. Depois de desenhar as palavras como você gosta, que provavelmente terá algumas chances diferentes, digitalize-as em seu computador como uma escala de cinza, 600 dpi JPG. Vamos fazer o último screencast da nossa turma. Aqui está a nossa opinião. Tudo o que temos que fazer é ir para Arquivo, Local, escolher nosso tipo de imagem que digitalizamos e dimensioná-lo para baixo para o que você quiser. Em seguida, rasterizamos nossa camada e nomeamos. Eu gostaria de levá-lo para o topo e definir para se multiplicar apenas no caso de você querer fazer algo por trás dele, esse fundo branco não estará mais lá. Você também pode adicionar cor ao tipo exatamente como fizemos com nossas linhas aqui, e criar uma nova camada, criar uma máscara de recorte e configurá-la para tela. Em seguida, escolha uma cor e pinte sobre a área que deseja colorir. Isso pode ser um pouco leve. É isso. Espero que tenha aprendido algumas coisas novas com esta aula e obrigado novamente por ter aceitado. Espero que tenha postado o processo ao longo do caminho e mal posso esperar para ver o que vocês inventaram.