Então você acha que pode agir?

1. Introdução: Está bem. Tchau. Quero ser claro sobre o seu objetivo e elevar os cristais do estado. Certifique-se de entender sua necessidade para que você possa agir momentos um momento e você suspensão da descrença para que você não se distraia. Eu disse que não quero mais me encontrar com ele. Preciso que fiques zangada. Já te disse, não quero mais ficar contigo. Preciso que fiques zangada. Já te disse, não quero mais ficar contigo. Você sabe o que? Olá, todo mundo. Então você acha que pode atuar? Meu nome é Crystal Williams, e serei seu instrutor de curso. Razão pela qual decidi nomear o curso. Então você acha que pode agir é que eu realmente quero que você reflita sobre essa questão. Não pode realmente. No meu processo de me tornar um ator, eu decidi obter meu MF A e atuar na prestigiada escola de estúdio de atores em Nova York . E também obtive o meu bacharelado no teatro e na minha jornada pela atuação. Tive muitos fracassos, mas também tive muito sucesso ao longo do caminho. E decidi nomear este curso. Então você acha que pode, porque eu realmente quero que você pense sobre isso. Existem alguns termos de vocabulário que você ainda precisa aprender? Há algumas palavras de vocabulário que você ainda não sabe? No começo, você viu o diretor gritando comigo,me dizendo, me dizendo, eu quero que você aumente os estados e essas eram muitas vezes posições em que eu me encontrava, e eu realmente não sabia o que essas palavras significavam. Eu não sabia quais eram as apostas ou o que significava jogar por momentos um momento, ou qual é a suspensão da descrença? E muitas vezes me senti sendo chamado de ator amador, e isso é algo que você nunca quer ser frio. Então, se você está interessado em seguir uma carreira em agir bem, tenho certeza que você é fenomenal. No entanto, existem algumas palavras de vocabulário básico que você precisa saber são algumas técnicas e ferramentas que você precisa entender. Então, neste curso eu decidi montar um monte de rios de vocabulário que constroem uma base sólida para você para que você tenha uma compreensão do que isso significa. Teoh utilizou-o para cargos no palco e também apenas para ter uma compreensão geral do que é atuar e o que fazer quando o diretor lhe dá instruções. Então faça este curso porque ele irá levá-lo em sua jornada para se tornar um ator de sucesso . 2. Objetivo: Então hoje vamos falar sobre objetivos agora. O que é um objetivo? É a busca de um personagem por um objetivo específico em uma cena, e também é referida como a pergunta de condução ou intenção. Agora, uma das chaves para uma atuação bem sucedida é saber o que você, o personagem uma vez para que você possa começar fazendo a pergunta a si mesmo. O que eu quero agora? Tenha em mente que seu objetivo pode mudar dependendo de quantas cenas você estiver se apresentando em uma peça de um filme, uma sitcom de TV, que exigiria que você saiba como fazer análise de script. Mas vamos falar sobre isso na classe dos líderes. Então vamos falar sobre alguns exemplos forno injetado. Agora tenho certeza que você assistiu ou você sabe, você leu sobre alguns personagens na história que talvez queriam ganhar na loteria ou eles queriam estar em um programa de TV ou eles queriam se vingar. Ou talvez eles só quisessem encontrar liberdade. Sabendo o que você o personagem uma vez mantém você focado na intenção. Agora, se você é o diretor diz, eu quero que você fique com raiva ou nesta cena, eu quero que você fique muito feliz que isso se transformará imediatamente em exagero, ou atuação superficial, ou atuação superficial, porque você vai tentar ficar com raiva do dedo do pé sem realmente se concentrar na intenção. Então, por exemplo, você já viu uma criança ficar chateada na loja por não conseguir o que quer? Talvez um doce ou um brinquedo? Eles realmente não tinham que se concentrar em ficar com raiva porque toda a cor para as emoções já estavam lá porque a criança estava focando no que eles realmente queriam. E quando você se concentra no que você quer, toda a cor das emoções já estava lá, e sua atuação será credível. Então, uma vez que você sabe o que você quer, então você pode descobrir como você vai conseguir o que você quer e o que está impedindo o que você quer, que é um obstáculo, e vamos falar sobre isso na próxima aula. 3. OBSTÁCULO: Então hoje vamos falar sobre obstáculos. Agora, o que é um obstáculo? Um obstáculo é algo que fica no caminho de seu personagem de conseguir o que ele ou ela quer. Agora, cada personagem tem algo de pé em seu caminho, o que os impede de chegar ao seu objetivo com bastante facilidade. O obstáculo pode ser que queiras mesmo ir a uma festa, mas a tua irmã virou para ficar com o carro. Ou talvez o personagem tenha que começar a gostar do topo desta montanha. Mas ele ou ela tem que derrotar alguns inimigos lá embaixo pelo caminho. Seu trabalho como ator é descobrir o que você é obstáculo e o que está no caminho. E isso é o que torna a atuação tão bonita. Você sabe, ver um personagem fazer tudo e qualquer coisa para alcançar seu objetivo. E uma vez que você é claro sobre seu objetivo e o obstáculo, a questão é, o que você vai fazer para obter o que você quer? E isso é conhecido como uma tática, que é o que vamos falar no próximo vídeo 4. Tática: Então, o que é uma tática? Uma tática é como seu personagem consegue o que quer. Agora, Ao escolher uma tática, certifique-se de escolher um verbo de ação. Um exemplo de um verbo de ação são palavras que podem ser fisicamente executadas. Alguns exemplos são eu quero ignorar ou eu realmente quero agradar ou eu quero entreter. Eu sugeriria pegar e atores para SARS para que você possa ter um acesso a uma infinidade de palavras de ação para usar. Então, quando você está procurando por um verbo de ação, pergunte a si mesmo esta pergunta. Isso pode ser feito fisicamente? Significado? Se estivesses a jogar um jogo de charadas, podias dizer esta palavra com o teu corpo? Agora pode parecer brega ou que você está exagerando, mas eu sugiro praticar seus verbos de ação antes de fazer a análise de script em sua cena. Isso ajudará suas escolhas de atuação a se tornarem menos robóticas e menos mecânicas e mais realistas e credíveis. 5. 4ª PAREDEe CARÁTER BREAKING: Então, qual é a quarta parede? Nossa quarta parede é uma parede imaginária agora. O que está quebrando personagem quebrando seu personagem é sair do mundo imaginário da performance. Agora, se você não sabia que falar em público é o medo número um na América. Já é difícil falar na frente das pessoas, muito menos entrar no papel de outra pessoa. Agir pode ser muito tedioso no naufrágio de nervos às vezes. Às vezes, há muita coisa acontecendo dentro e fora do palco ou no set, e você deve fazer tudo o que estiver ao seu alcance para manter o mundo do seu personagem. Então, quando você está em um palco ou você está na frente da câmera, você deve fingir que há uma parede imaginária que está bloqueando você e os membros do público no palco. Ou mesmo se você está em vez disso, as pessoas que estão atrás do cuidado na câmera para que você não quebrar o personagem. Por exemplo, o telefone de alguém pode sair de um ano de trabalho é permanecer no personagem. Já me aconteceu antes. Agora, se você quebrar a quarta parede ou quebrar o personagem, você pode ser considerado um ator amador e você nunca quer isso. Então, como ator, você deve se concentrar. Você deve se concentrar. Sua parede imaginária pode ser que você está familiarizado e confortável com para aliviar seus nervos como talvez seu quarto ou talvez um quarto familiar em sua casa. Então, para praticar, eu quero que você vá a um espaço público e imagine que você está em seu lugar confortável como seu quarto, sua sala de estar ou um lugar que você acha que é muito íntimo onde você pode relaxar, e eu quero que você sente-se por cinco minutos e veja quanto tempo você pode sintonizar todos ao seu redor . Ou digamos, se você está fora para jantar e está falando com alguém, finja que há uma parede que está te bloqueando nessa pessoa de todos ao seu redor. E eu quero que você sintonize a montagem o máximo que puder. Quanto mais você praticar, melhor você se tornará. 6. BEAT e MOTIVAÇÃO: Então, o que é uma batida? Ah beat é uma mudança no assunto ação, humor e motivação dentro da cena. Qual é a motivação? motivação é a razão pela qual um personagem persegue um objetivo particular. Portanto, tenha em mente que a palavra batida não é muitas vezes escrita dentro de ah, play ou um script. Então você o ator deve descobrir onde o ser muda ou ocorre no script. Seu personagem pode ser motivado pelas seguintes coisas. Número um necessidade de comida, água e abrigo número para segurança e segurança. A maioria das pessoas olha para a construção de uma vida na qual eles se sentem seguros de danos corporais . Três. Amor e pertencimento As pessoas começam a procurar relacionamentos fortes que os ajudem a manter mental. E ele vai bem-estar emocional e confiança em um forte senso de auto-número quatro realizações e auto-estima. As pessoas deveriam realizar coisas e número cinco pessoas de auto-realização trabalham para trazer seus maiores sonhos para passar. Então ser é uma mudança no assunto ação, humor ou motivação dentro da cena e motivação é a razão pela qual um personagem persegue um objetivo particular. Então agora você sabe a diferença entre uma batida e uma motivação 7. PANTOMIME VS. IME: pantomima é o mais antigo fórum de arte que se desenvolveu a partir do teatro de rua italiano da commedia Dell Arte A no século XVI, com momentos cômicos em personagens de estoque. Agora, o que é pantomima pantomima é contar uma história com o seu corpo sem o uso da linguagem. Por que a pantomima é importante? Encenando um estágio ou digamos, pode não haver uma pia real, mas digamos que seu personagem pode ter que lavar as mãos. Você tem que fingir que há realmente água que está saindo da torneira enquanto você lava as mãos. Ou se a água estiver quente, você tem que responder naturalmente para reagir ao que está quente. Ou digamos que você tem que carregar algo pesado no palco, certifique-se de manter a consistência do peso e seu tamanho. Agora, qual é o meu? O meu é um ator que comunica os movimentos do corpo e do rosto, mas não fala. Ah, mímica tem que criar os objetos, criar a parede ou criar sinceramente a tigela. Agora palco atuando para a maior parte requer pantomima exercício tão estrangeiro. Eu quero que você crie uma pantomima solo, e eu quero que você faça isso para Ah, membro da família ou apenas atrás da câmera. Talvez você tenha uma dor de dente ou seu carro pode quebrar e você está acordando. Ou talvez você esteja saindo para sua rotina diária. A pantomima deve ter um minuto de duração com um começo, um meio e um fim. E digamos que você acorda da cama, bateu o dedo do pé. Então você entra na casa de banho. Então você abre a gaveta. Escovas os dentes e lavas a cara, e depois tira-te a roupa durante o dia. Então aqui estão algumas coisas que eu quero que você tenha em mente quando você está fazendo pintor meu número um Consciência Ambiental É frio quente, Chuvoso ou ensolarado? Número dois. Consciência espacial. Certifique-se de manter a consciência espacial. Onde está a porta ou os itens que estão ao redor da sala? Três tamanhos e trigo? Certifique-se de manter o tamanho e o peso do objeto. O que você está segurando? Quão pesado é e qual é o tamanho Número 4. Certifique-se de ter consciência corporal e expressão. Mantenha sua consciência corporal expressa com seu rosto e expresse com seu corpo. Você está cansado? Você está feliz expressão é chave chave. Então agora você sabe que a pantomima está contando uma história sem o uso da linguagem, e a mente é um ator que se comunica através do movimento e através de expressões corporais e faciais . 8. EMOTING VS. INDICANDO o INDICADO: O que é emocionar versus indicar? Emoção é expressar emoções, enquanto indica que está mostrando o que o personagem está sentindo ou fazendo levando a uma performance falsa e superficial. Agora, enquanto você está agindo, não há nada de errado em mostrar uma variedade colorida de emoções. No entanto, suas emoções precisam ser expressas naturalmente, se você está no palco e você está descobrindo que você não está conectado ao personagem na cena, que você vai facilmente começar a emocionar e empurrar emoções para fora, tentando ficar com raiva ou realmente dizer, ou tentando fingir seu olho. E isso é chamado de indicar Então aqui está um pouco também. Se você está tendo um preto emocional em seu significado visto, você não pode se conectar ao personagem dentro da cena. Uma técnica que você pode usar é substituição ou personalização, então o que você quer fazer é olhar nos olhos do seu parceiro de cena e, em seguida, desde que muito criar os olhos de alguém que você realmente ama ou faz hey ou realmente tem medo de um maneira que você vai saber que você está emocionando, ou indicando é quando a resposta não se sente natural, inautêntico, certas coisas vão causar para uma resposta natural, como se você bater o dedo do pé no chão, você realmente responder com dor, e isso é uma reação natural, uma reação natural. Então esta é apenas uma pequena técnica que você conduz fazer para evitar que você indique qualquer filme . 9. GESTÕES e LINGUAGEM DO CORPO: Então, o que são gestos? Gestos são movimento feito com mãos e braços, usado para enfatizar pontos feitos no diálogo e depois pode tentar enfatizar o ponto em um argumento, jogando as mãos no ar ou apontando ou batendo palmas. Agora, o que sua linguagem corporal linguagem é comunicação não-verbal em que comportamentos físicos são usados para transmitir informações. Não deve ser confundido com a postura, que é a forma como um ator fica, senta e geralmente o segura. Agora, a postura ajuda a criar fisicamente um personagem. Sua postura pode ser a de uma postura de decepção ou postura de medo, você sabe, postura de balançar a perna ou morder as unhas, o que representa alguma forma de nervosismo, enquanto gestos são movimentos feitos com as mãos nos braços. Enquanto a linguagem corporal é a comunicação não-verbal na qual os comportamentos físicos são usados para transmitir informações 10. SUSPENSA da DISBELIEF VS. ILUSÃO da primeira HORA: o que é suspensão da descrença. É a capacidade de um espectador Butte aceitar o que ele ou ela vê e ouve como regra. Agora, qual é a ilusão da primeira vez? É a capacidade do ator de se apresentar em um show uma e outra vez enquanto faz parecer que o diálogo e as suspeitas estão acontecendo pela primeira vez. Então, embora o público esteja assistindo e você, o ator está se apresentando, você deve usar a suspensão da descrença, que significa que mesmo que você esteja no palco ou você possa estar em uma sala de sonhos, seu trabalho é fazer com que o público acreditam que você está realmente onde você está ou onde a cena ocorre, seja uma montanha ou em uma caverna ou fora, na neve ou tempestade ventosa ou onde quer que seja. Portanto, se você está realizando uma vez ou 100 vezes cada, desempenho deve ser realizado com excelência como se estivesse sendo executado no momento na maior parte do tempo. O jogo pode durar uns 2 a 3 meses, ou às vezes até mais, dependendo se você estiver na Broadway ou se você estiver com a companhia de viagens. No entanto, cada performance deve ser realizada com o ex não é energia exata, paixão e excelência que foi realizada na primeira noite de abertura, Meisner disse. Atuar é se comportar honestamente sob circunstâncias imaginárias. Portanto, devemos permanecer verdadeiros em nossa atuação em todos os momentos. 11. MOMENTO ANTES: Então, qual é o momento anterior? O momento anterior é o tempo e os eventos anteriores ao início de uma peça ou cena. Agora, embora você esteja interpretando um personagem, o personagem como governar as pessoas na vida, eles têm uma história. O personagem tem um aniversário. Eles tiveram eventos que levaram até o momento presente que aparecem em seus vistos. Então você tem que se perguntar, o que meu personagem fez antes de entrar no local? O roteiro diz se o personagem acabou de sair de um trabalho, ou eles estão realmente, muito cansados, ou eles acabaram de vir de uma festa? O momento anterior é fundamental, e é essencial para o que seu personagem vai fazer na cena, porque ele lhe dará pistas de como você deve entrar no palco ou na cena e como você vai interagir com sua cena parceiros e como seu personagem deve se comportar durante sua cena. Então sempre anote o que seu personagem estava fazendo no momento antes de seu personagem entrar na cena 12. CARÁTER. Caracterização: O que é um personagem? É a pessoa criatura, entidade em um romance ou uma peça com atributos específicos e distintivos. Agora, o que é caracterização? É o ator que usa seu ofício para explorar as qualidades específicas de um personagem. Agora o ator desenvolve e retrata uma personalidade através de seus pensamentos, suas ações, seu diálogo, seu traje em sua maquiagem. Caracterização envolve mais do que apenas fingir ser um personagem na cena ou uma peça, e envolve fazer os outros acreditarem que você é outra pessoa. O trabalho de um ator é não só usar todas essas coisas, mas usar sua mente, seu rosto, sua voz corporal para pensar, falar, agir e reagir como outra pessoa. Então, no filme nós todos os personagens tiveram que criar dois personagens separados. A pizza e Younger focado em usar sua voz para desenvolver o personagem vermelho ou no meu filme favorito de todos os tempos para sua arma, interpretado por Tom Hanks. Ele criou uma voz única, bem como maneirismos únicos Aziz para criar o personagem mais memorável e adorável que o mundo nunca esqueceria. E por último, mas não menos importante, não podemos esquecer Heat Ledger, que foi inspirado por Tom Waits para criar o Coringa no filme O Cavaleiro das Trevas. Então você vê, você tem que se concentrar em usar coisas diferentes para desenvolver seu personagem. Minha pergunta para você é o que o inspira quando você está criando um personagem. Eu quero que você observe animais, comportamentos de outras pessoas e veja o que você pode incorporar. Quando você está criando um personagem ou você pode usar facetas de si mesmo. Nunca se sabe. Isso pode levá-lo a um perguntar a ela desempenho vencedora. 13. SUBSTITUIÇÃO VS. RESUMIDA: Então, qual é a diferença entre substituição versus dotação? Substituição é quando o ator coloca objetos ou personagens com objetos ou pessoas em suas vidas, a fim de melhor identificar e completar os objetivos da cena. Por exemplo, se eu estivesse em uma cena de amor, eu visualizaria o rosto do meu marido na frente do rosto do outro ator. O que é dotação de dotação é dar atributos físicos ou emocionais ao seu personagem para criar mais realidade e significado para promover as necessidades da história. Agora os objetos também podem ser dotados de atributos físicos emergentes, emocionais ou históricos, como barbear sem sangramento ou remover roupas molhadas quando não está realmente molhado ou beber água como se fosse licor. Então agora você sabe a diferença entre substituição e doação. 14. Tensão: Então, o que é tensão? Tensão é o estado de ansiedade induzido no público pela ameaça de perigo para o personagem na peça ou um filme. Agora, quais são as apostas? Os bifes são o significado emocional do resultado para o seu personagem. Agora as apostas são muito, muito importantes. Pense no tempo se esgotando e com o personagem precisa ser uma questão de vida ou uma questão de morte. Tem que ser urgente. Lembro-me de interpretar um personagem onde eu tinha que defender que meu filho ficasse na escola porque ele foi suspenso por remover algo do autor. E disse o meu professor de teatro Quais são os riscos para ti, ainda que não seja mencionado no texto? Então eu realmente tive que pensar sobre isso. Então decidimos torná-lo pessoal para mim. O ator. Eu só tive um pouco de tempo para convencer a freira chefe a permitir que meu filho voltasse para a escola, e decidimos que talvez se meu filho deixasse a escola, o estado tiraria o dinheiro que eu precisava para minha família e minha família pagar as contas, e isso me afetaria emocionalmente de uma maneira realmente grande e criar tensão enquanto mantém as apostas muito, muito altas. Então lembre-se que o que você quiser, a fim de manter as apostas altas, tem que ser muito urgente. Tem que ser uma questão de vida onde tem que ser uma questão de morte. 15. Subtexto: Então que subtexto. Subtexto são os personagens, pensamentos complexos, seus sentimentos, suas emoções criadas e em camadas sob as palavras e ações reais do personagem. Agora subtexto é informação que está implícita por caráter, mas não declarada por um personagem em diálogo, incluindo ações e pensamentos. Seu personagem pode estar dobrando roupas, fingindo ser feliz, mas suas ações dizem outra coisa. Sabe, o marido não podia dizer, querida, como você está hoje? E então a esposa diz: “ Estou bem.” Mas se ela está batendo no fechado e você sabe, fazendo outra coisa, sabemos fazer outras coisas na realidade, sabemos que ela está experimentando e dizendo duas coisas diferentes. Então este é um exemplo de subtexto. 16. Entrega: O que é entrega de entrega é a maneira pela qual você apresenta um discurso ou uma linha em uma peça. Quando Martin Luther King proferiu seu discurso “Eu tenho um sonho “, ele o entregou com confiança e de uma maneira muito pregando, enquanto Lin, Manuel, Miranda e Hamilton entregaram algumas de suas falas sobre Alexander Hamilton através do rap e, às vezes, música. Então, a entrega é importante. Quando você está realizando no jogo fazendo um monólogo ou apenas atuando, ponto final, ele vai manter o público envolvido, Então lembre-se de manter a sua entrega única. 17. Monólogo: o que é um monólogo? Ah, monólogo é uma cena ou uma parte de um roteiro em que um ator dá um discurso longo e ininterrupto sem interrupção por outro personagem. Agora, monólogos são muito importantes para atuar porque na maioria das vezes eles são usados para audições ou você está falando tanto tempo que o público vê suas costeletas de atuação. Agora aqui estão algumas coisas que eu acho que você deve lembrar quando você está escolhendo e monólogo para sua audição ou quando você está apenas fazendo a conexão número um. Conecte-se ao personagem e ao número do monólogo para cuidar. Você tem que estar do lado do seu personagem, e você nunca pode julgá-los. Você na vida real pode não fazer as coisas que seu personagem faz, mas para ser eles, você tem que se tornar eles e entender sua jornada mais do que qualquer outra pessoa porque você está interpretando o personagem. E o número três, eu acredito, é um dos mais importantes é artesanato show gama e certifique-se de que você é único. Use inflexão de sua voz, use acentos se for necessário e movimentos corporais. Queremos ver você contar uma história. Queremos que nos leve em uma viagem com você. Então, se você escolher um monólogo cômico ou um monólogo germânico, mostre ao diretor que você está atuando como costeletas porque há centenas de pessoas fazendo testes para o mesmo papel é você, e quando você entra na sala, o Os diretores esperam que seja você. 18. Análise de roteiro: Que análise de script. Então, quando estudarmos nossos roteiros, quero que pensem em quem, o quê, quando, onde e por quê. A análise de scripts é o estudo atento de uma peça ou de um roteiro ou história, incluindo diálogos e direções de palco, para encontrar a resposta necessária para criar um personagem cheio e rico e criar uma performance que serve o roteiro. Agora existem diferentes métodos para estudar em um script, como a técnica Meisner, o Método. Tekken E Juilliard, Crawford Análise Goat Slash rapper Cohen e Buddha Haagen Para análise de script. Eu forneci em Who'd Oaxacan worksheet. Então eu quero que você use esta planilha sempre que você estiver se apresentando na peça para descobrir polegadas sobre seu personagem. Uma vez que você cria o mundo do personagem, vai ser muito mais fácil de executar no reboque. O que se torna mais crível como ator seria um abraço e fazer essas perguntas? Quem sou eu? Que horas são? Onde eu estou? O que me rodeia? Qual é a minha relação com os outros personagens da história? O que eu quero? Por que quer o que quer? O que está no seu caminho? O que eu espero que aconteça a seguir. Agora que falamos sobre isso, quero que pense sobre quais são as circunstâncias dadas? O termo dado circunstâncias é aplicado ao conjunto total de condições ambientais e situacionais , que influenciou as ações que um personagem em um drama realiza. Assim, embora um personagem possa fazer tais escolhas inconscientemente, o ator que interpreta o personagem está ciente de tais condições em um nível consciente para ajudá-lo a aprofundar sua compreensão da motivação por trás dos personagens. Ações assim dadas circunstâncias incluirão as condições do mundo dos personagens. Então, ao se apresentar na peça, certifique-se de Asher. Então todas essas perguntas. 19. MEMÓRIA AFFECTIVE: Então, o que é uma memória efetiva ou emoção lembrada? É a memória que envolve o ator pessoalmente, modo que experiências emocionais profundamente enraizadas começam a responder à medida que você executa. Então, quando você estiver usando uma memória eficaz, ela ajudará seu instrumento a despertar e se tornar mais vivo quando você estiver atuando no palco. Então, como você usa uma memória eficaz? O que eu quero que você faça é encontrar um lugar tranquilo, deite-se e caminhe através de sua memória eficaz. Desde o momento em que começou até o momento em que termina, termina. Sua memória eficaz pode ser algo que você perdeu um valor ou algo que aconteceu com você , mas isso precisa afetá-lo de uma forma que traga a verdadeira vida do personagem nas necessidades emocionais do personagem e do mundo do A sua história. E enquanto você executa o script ou antes de executar o script, pense na sua memória eficaz . Agora, quando você estiver usando uma memória eficaz, certifique-se de que é uma que não fará com que você entre em uma depressão ou algo assim, mas uma que vai exigir voto emocional, vulnerabilidade, lágrimas ou o que for necessário para a cena. 20. EMOCIONAIS e MEMÓRIa de RECORDES e SENSÍVEIS: Então, o que é memória emocional ou memória emocional? São as emoções da memória de um ator, seja de longo ou curto prazo, fora de experiências pessoais que são usadas para conectar o ator ao personagem e atender às necessidades emocionais da situação na peça ou filme. Agora o objetivo é que suas emoções sejam estimuladas. Então, se você está tendo problemas para se conectar a uma cena, eu quero que você se lembre de uma época em que alguém fez você realmente irritado, triste ou você estava apenas feliz. Use essa mesma energia e emoção em sua cena, é claro, com objetivos claros, táticas e intenções. Isto é uma lembrança emocional agora. Que memória de sentido, uma vez que a memória é a base para o método de agir de Lee Strasbourg desde a memória, você é usado para se referir ao recall de sensações físicas como visão, toque, sabor, cheiro e som. Você sabe? O que você vê? O que você está sentindo? O que você está provando? O que você está cheirando nessa hora em particular? Isso é conhecido como desde a memória. Então, para ambos os exercícios, eu quero que você encontre um silêncio, por favor, deite-se. E você eu vou fazer você percorrer sua memória emocional ou desde a memória do começo ao fim, anote o que aparece para você. Mais importante ainda, ele vai ajudá-lo a se conectar à sua cena e vai ajudá-lo a se conectar ao personagem? 21. DIALECT, DICTION,: Então, o que é Dialeto? dialeto é um padrão de fala distintamente regional ou linguístico. Um norte americano pode dizer olá. Mas alguns sulistas, se eles ainda dizem isso, poderia dizer olá Qual seu vício dicção é o estilo vocal, ritmo e palavras dos personagens, o sotaque, a enunciação e a inflexão. Alguém do bairro pode usar diferentes escolhas de palavras do que alguém que é um profissional. Alguém do bairro pode dizer, estava acima significando, Como você está contra alguém que é um profissional? Eles podem dizer algo como: “Oi, “Oi, como você está hoje? Portanto, é importante saber a diferença entre dialeto e dicção, porque seu personagem pode ter um sotaque e você precisa saber quais são seus padrões de fala , incluindo seus estilos vocais também. As inflexões também desempenham um papel fundamental na forma como o seu personagem fala. Inflexões é uma mudança no tom ou virar uma voz. Por exemplo, onde você está indo contra onde você está indo? Esse é um exemplo de inflexão que você pode pedir. Como posso melhorar com meus padrões de fala ou meus sotaques? Um Número Um. Você pode contratar um treinador de sotaque. Você pode fazer uma aula de fala americana neutra e aprender o alfabeto fonético internacional . Isso ensinará a transcrever acentos. E você pode começar a praticar a partir daí por conta própria ou com os casacos de fala. Então agora você sabe a diferença entre dialeto, dicção e inflexões. 22. DIALOGUE/PACATE/BUILD: Então, o que é o diálogo? Diálogo são palavras descritivas trocadas pelos intérpretes. Diálogo é o que está escrito, e é a conversa que os personagens têm uns com os outros ou uma conversa que você tem com outra pessoa. Agora, quando você está atuando, preste atenção ao que está acontecendo na conversa, em termos de ritmo e em termos de construção. Então, qual é o ritmo? O que é templo? Ritmo e ritmo é a taxa em que uma cena é reproduzida. Então, a cena se move devagar e depois se intensifica? Ou é como uma partida de pingue-pongue, onde vai e volta entre os dois atores em uma discussão muito intensa? Então, saber como e quando construir você está vendo ajuda com o ritmo? Agora, o que significa construir é aumentar a intensidade vocal. Então agora você sabe a diferença entre diálogo e ritmo e construção 23. DOTe e PROJEÇÃO: O que significa largar linhas? Diz-se que as linhas em que um ator não projecta a sua voz o suficiente para ser ferido são descartadas. Seu personagem pode dizer: “ Ei, Ei, Peter, eu gostaria que você parasse. Agora você vê como no final você mal conseguia ouvir o que eu estava dizendo. Este é um exemplo do que significa deixar cair suas linhas. Então lembre-se, quando você estiver falando, certifique-se de que você sempre projeta sua voz para que você não deixe cair suas linhas. Então, o que significa projetar sua voz? Projeção é o controle da clareza Valium e distinção de sua voz muito grande para ganhar maior habilidade. Por isso, certifique-se de não largar as falas e projectar sempre a sua voz. 24. CUe e PICQUE CUREIS: O que é um Que a Que são as últimas palavras de um discurso ou o fim da inação, indicando o tempo para outro ator falar ou outro ator agir agora um ator deve memorizar suas dicas tão cuidadosamente quanto ele memoriza suas falas. Agora o que? Nosso pick up cues pick up cues é uma direção para o ator começar a falar imediatamente sem que haja qualquer lapso de tempo, que geralmente é indicado por um hífen no final de uma frase. Então agora você sabe a diferença entre um Q e A pegar você. 25. AS 9 áreas de ESTÁGIOS: hoje vamos falar sobre as nove áreas de palco. Agora. Quais são as nove áreas de palco e ordem que um diretor fez designado e atores posicionar corretamente no palco? O palco é dividido em nove áreas de palco. Isso é até o palco à direita acima do palco centro do palco à esquerda do centro do palco, direita do centro do palco à esquerda e, em seguida, você tem downstage direito no centro do palco e no downstage à esquerda. Agora finja que você é um membro do público assistindo o ator enquanto ele aponta para sua esquerda que seu palco esquerda, que é o público está certo. E há ele pontos, certo? Essa é a direita dos atores, que é a platéia esquerda. Então agora você sabe, as nove áreas de palco no palco esquerda do palco, certo? 26. CRUZAMENTOS de PALCOS: Então, em nossa aula anterior, falamos sobre as nove diferentes áreas de palco. Agora, hoje vamos falar sobre cruzes de palco. Qual é o palco Cross? Uma cruz de palco é basicamente nada além de um movimento de uma área do palco para outra área do palco. Muitas vezes é representado por um ex. Quando você script pontuação, que vamos falar em outra classe. Então, seu diretor diria: “ Preciso que atravesse o dedão esquerdo no palco, certo? Preciso que atravesse o dedão esquerdo no palco, E às vezes você pode não ter uma familiaridade com essa terminologia. Então, nesta aula, vamos jogar um joguinho para ver se você consegue se lembrar de como se mover ou atravessar do centro do palco. Certo? baixo à esquerda. Alguém se opôs a você esses desafios. Você está pronto? Atravesse o palco para cima. À esquerda do palco. Não, Dragão, atravesse o palco para cima. À esquerda do palco. Bom. Você tem isso. Agora atravesse o palco da esquerda para baixo, à direita. Veja um pedaço de bolo. Você já está se recompondo. Então, enquanto estiver em casa, quero que pratique essas nove áreas de palco diferentes e tente formular alguns testes para você mesmo, onde você diz, “ Ei, Ei, deixe-me atravessar o dedão esquerdo do palco acima do palco. Certo. E isso ajudará você a se lembrar de suas áreas de palco como ator. Quando seu diretor diz: “ Preciso que você atravesse do palco à esquerda do palco, certo? que você atravesse do palco à esquerda do palco, Isso tornará as coisas mais fáceis para você e menos tediosas quando você estiver atuando no palco.