Dominando a ilustração: esboços, arte-final e fundamentos de cores | Josiah (Jazza) Brooks | Skillshare
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Dominando a ilustração: esboços, arte-final e fundamentos de cores

teacher avatar Josiah (Jazza) Brooks, Artist, YouTuber and Entrepreneur

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução

      1:44

    • 2.

      Explorando seu estilo

      3:02

    • 3.

      Ferramentas e materiais

      3:32

    • 4.

      Gerando ideias para sua peça

      12:26

    • 5.

      Começando seu esboço

      13:40

    • 6.

      Refinando seu esboço

      10:32

    • 7.

      Pintando seu Esboço

      12:35

    • 8.

      Pintando personagens complexos

      10:30

    • 9.

      Pintando ambientes elaborados

      10:10

    • 10.

      Escolhendo seu esquema de cores

      5:44

    • 11.

      Adicionando cores com lápis

      7:25

    • 12.

      Adicionando cores com canetas

      6:20

    • 13.

      Criando efeitos com cores

      11:44

    • 14.

      Considerações finais

      3:09

    • 15.

      Bônus: feedback de Jazza sobre o projeto

      18:04

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

53.910

Estudantes

314

Projetos

Sobre este curso

Transforme sua forma de desenhar com um curso de ilustração detalhado como nenhum outro da mente criativa e estrela do YouTube Jazza!

Com mais de cinco milhões de seguidores no YouTube, Jazza construiu uma carreira ajudando outras pessoas a encontrar diversão na ilustração. Agora, ele compartilha seu próprio processo criativo em detalhes nunca antes vistos, destilando suas dicas, truques e técnicas favoritas em uma masterclass abrangente para artistas de todos os níveis.

Trabalhando com o material de sua escolha, você aprenderá o básico sobre esboços, arte-final e cores, desenvolvendo técnicas mais aventureiras, como textura e efeitos de iluminação. Privilegiando a prática em vez da perfeição, o processo passo a passo do Jazza permite que você assuma riscos, explore seu estilo e confie que melhorará toda vez que colocar o lápis no papel, o pincel na tela ou a caneta digital no iPad.

Pense em cada aula prática como um mini treinamento para uma habilidade essencial, incluindo:

  • Fazer brainstormings de conceitos originais mesmo quando se sentir sem inspiração
  • Esboçar para encontrar rapidamente suas ideias favoritas e a melhor maneira de combiná-las
  • Fazer a arte-final para obter profundidade e dimensão, deixando espaço para acidentes felizes
  • Usar cores para adicionar intensidade, evocar emoções e brincar com a iluminação

Além disso, veja como Jazza aborda e soluciona problemas de duas ilustrações em estilos contrastantes, uma estilizada e caricatural, a outra realista e complexa.

Este divertido e completo curso de duas horas foi pensado para absolutamente todos, seja você um autodidata (como Jazza) que adora desenhar mundos inventados ou um artista experiente procurando aperfeiçoar seus designs de personagens. Ao final do curso, você chegará a uma ilustração que pareça intencional, imaginativa e única para você e terá habilidades para chegar lá de novo e de novo!

___________________________

Receba feedback personalizado de Jazza sobre seu projeto! Estamos empolgados em anunciar que Jazza selecionará projetos da turma para apresentar e criticar em uma aula bônus que será lançada nas próximas semanas. Tudo o que você precisa fazer é compartilhar seu projeto até 20 de agosto de 2020 para consideração. Clique na aba Projetos e recursos (somente desktop) para enviar seu projeto!

Este curso é para artistas aspirantes e experientes. Acompanhe usando o material à sua escolha, em papel ou digitalmente. Mesmo se você estiver trabalhando com ferramentas diferentes, as dicas e técnicas de Jazza ainda se aplicarão ao seu processo.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Josiah (Jazza) Brooks

Artist, YouTuber and Entrepreneur

Professor

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Whether you want to draw super muscular superheroes or more true-to-life characters, understanding anatomy is critical when drawing bodies—and yet it can be one of the most challenging subjects to master as an artist. In his new class, illustrator and animator Josiah “Jazza” Brooks will break it down to the basics and make drawing human anatomy as easy as possible.

To start, you’ll get an overview of Jazza’s three-step process to drawing realistic bodies, and learn the basic blocking techniques that will support you throughout the class.

After that, a new lesson will be released every Monday, Wednesday, and Friday until September 27th, going through each core area of the body—the arms, legs... Visualizar o perfil completo

Level: All Levels

Nota do curso

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Transcrições

1. Introdução: Acho que a coisa que mais gosto na arte é que não há regras. Você pode criar seu próprio mundo, suas próprias histórias. Você pode ser o que quiser através do meio que você está usando. Bom dia a todos, sou Jazza, sou artista, animadora, ilustradora. A aula de hoje é sobre capacitar vocês com os principais passos que eu encontrei e segui que me permitiram chegar a um resultado que eu amo. Quando você vê uma ilustração final que alguém fez e que você admira, parece algo que você nunca poderia alcançar ou você não pode ver como eles chegaram lá. Quero demonstrar que não importa o seu estilo, você pode seguir esses passos à sua maneira e em seu próprio meio para obter os melhores resultados para você. Agora, eu abordei esta aula um pouco diferente. Na verdade, criei duas últimas obras que vou compartilhar com vocês como as consegui. Vamos passar por algumas coisas, começando com uma discussão sobre estilo, vamos passar para uma exploração de ideias, e então quando sujarmos nossas mãos, vamos fazer alguns esboços, Vamos fazer um trabalho de tinta, básico e avançado, e então vamos mudar para a cor. Muitas vezes, ficamos presos com o medo do próximo passo ou a intimidação do resultado que queremos chegar, isso nos impede ou nos torna demasiado autocríticos. Embora cada artista esteja em um estágio diferente, se você pode encontrar a diversão no processo e capturar a sensação que lhe dá poder para criar, então não há como impedi-lo. Vamos começar com um pouco de caminhada, depois correndo, depois um pouco de bater, e então você estará voando. Isso soou bonito na minha cabeça, um pouco estúpido em voz alta. Então eu acho que nós cobrimos tudo o que precisamos por meio de introdução, eu acho que é hora de começar. 2. Explorando seu estilo: Nunca houve um ponto na minha vida adulta quando decidi que sou um ilustrador profissional. Havia sempre esse gradiente desde o momento em que eu era muito, muito jovem, e apenas adorava desenhar e me tornei quem eu sou, em vez de algo que eu decidi fazer. Quando comecei meu canal no YouTube em 2012, ele estava realmente centrado em tutoriais de arte e animação. Ao longo dos anos, o YouTube mudou como uma plataforma e tornou-se muito mais foco de entretenimento, o que é realmente divertido para mim fazer também. Mas também aprendi muito, especialmente nos últimos anos, que estou animado para voltar e bater duro com vocês neste curso, especificamente em torno da ilustração. ilustração em particular é uma das coisas que encontrei, uma das maneiras mais legais de descobrir histórias, projetos e coisas que você pode mergulhar. É o lugar que você pode explorar sem limites. Não existe uma resposta errada ou um erro. Realmente é apenas um lugar ilimitado de diversão, mas antes de entrarmos em um pouco de coisas práticas, eu quero começar falando sobre estilo. A razão é que vai haver pessoas de todos os diferentes níveis de habilidade e com todos os diferentes meios e estilos que assistem a esta aula. Eu realmente só quero dizer desde o início, que é para todos. O processo e as etapas que eu passar se aplicarão ao seu meio e aos resultados que você deseja alcançar, não importa em que nível você esteja ou que estilo você tenha. Agora, a fim de demonstrar isso o mais eficazmente possível, eu vou criar duas obras de arte através de todas as lições. Só para mostrar que todas as coisas que estou passando nos mesmos passos podem ser aplicadas em dois estilos diferentes para alcançar dois resultados dramaticamente diferentes. A primeira peça que vou criar vai ser muito mais caprichosa, simples, fofa, divertida e leve. No segundo, vou desafiar-me a mim mesmo. Minha esperança é que ao fazer isso, se o seu estilo é diferente, mesmo daqueles dois que será, porque todos têm um estilo diferente, você ainda vai se sentir empoderado e tirar um monte de coisas que você pode aplicar ao seu estilo e ao seu nível de habilidade. Outra coisa que eu só queria tocar quando se trata de estilo, é a pergunta que me fazem muito, que é : “Como você desenvolve seu próprio estilo? Como conseguiu seu estilo?” A realidade é que muitas vezes vemos outros artistas como estes pacotes completos. Podemos identificar seu estilo e suas obras de arte e não nos vemos como tendo qualquer estilo em particular. Mas a realidade é que todos temos um estilo único. Eu, eu mesmo não sinto necessariamente que eu tenho esse estilo único, mas eu tenho sido dito uma e outra vez por pessoas que assistem minhas ilustrações, animações, meus vídeos que eu tenho um estilo único que eles podem identificar comigo. É como se toda a grama fosse mais verde do outro lado. Podemos ver claramente o que queremos, mas não necessariamente o que temos. Não te preocupes com o que estás, porque se fores um artista, vais fazer isso para o resto da tua vida. Em vez disso, concentre-se no processo e nas coisas que você pode tomar para capacitá-lo e fazer você sentir que pode ter confiança em cada passo à medida que você dá o próximo passo. 3. Ferramentas e materiais: Coisas que você vai precisar. Você não vai precisar de tudo isso. Você não vai precisar das mesmas coisas. Você pode ter coisas diferentes, você provavelmente terá coisas diferentes. Isso é bom. Você será capaz de percorrer os passos e o processo e aplicá-lo a si mesmo, seja você um artista digital ou um pintor, não importa. O processo vai ser o mesmo e vai chegar a um resultado do qual você se orgulha. No entanto, eu vou estar usando alguns materiais específicos e eles são muito fáceis de acessar, e a maioria de vocês deve ser capaz de ter algo semelhante a eles. Em primeiro lugar, um lápis e uma borracha. Nada tão chique, um apagador básico de qualquer loja estacionária ou agência de notícias. Eu tenho um lápis mecânico favorito, mas você pode usar seu lápis de chumbo básico que você afiar. É muito simples. O que você vai precisar para ter certeza é que você tem a capacidade de manter um lápis afiado, particularmente quando chegamos ao nosso esboço refinado. Uma ponta de lápis contundente ou macia vai fazer seus esboços menos controlados e um pouco mais ásperos e mais enevoados. É por isso que eu prefiro um lápis mecânico, porque a ponta é praticamente sempre afiada. Então, se você sentir que está ficando um pouco mais suave ou sem corte em uma extremidade, você não pode simplesmente girar o lápis e continuar. Mas, se você estiver usando um lápis de madeira com um afiador, tudo bem também. Vou usar algumas canetas de tinta. Agora, quando eu digo canetas de tinta, estes são fineliners. Eles são muito básicos, você pode obtê-los em um monte de marcas diferentes. Estou usando um 0.2, um 0,4 e um 0,8. Basicamente, um meio fino e um pouco mais ousado, mas mesmo o ousado é bastante fino. Todo o trabalho de tinta que vamos fazer vai repousar principalmente sobre isso. Então, para a tinta avançada, quando fico um pouco chique, gosto muito desta caneta. Esta é uma caneta de caligrafia. É como uma caneta, mas com uma ponta fina e dura. Eu não uso isso uma quantidade enorme, mas eu adoro quando eu posso usá-lo, então eu vou apenas incluir isso. Então também às vezes eu gosto de usar algo chamado caneta escova. Tenho duas canetas aqui. Um é chamado de gasenfude cópico, acho que é como se pronuncia. Esta é uma caneta de escova feita de cerdas. A ponta é composta por todas as fibras individuais que chegam a um ponto e que tem fluxo de tinta através dele. Isso parece muito orgânico, como se estivesse pintando com um pincel e tinta, que é muito legal, mas você não precisa mergulhar. Mas, então, se você quiser algo um pouco mais rígido e confiável usando uma caneta de escova tombow, isso é de dupla face e pode vir em cores diferentes também. Mas a ponta do pincel desta caneta é macia, mas também mantém sua forma e é bastante ampla, então eu posso colorir em grandes áreas e ter um monte de linha, controle de variação branca. Então, elas são as coisas que usarei para a fundação da minha ilustração. Mas quando se trata de cor, há um mundo inteiro de opções para você. Agora, no final do dia, eu não posso cobrir todos os médiuns desta classe, então eu vou fazer o meu melhor com dois, lápis e marcadores de álcool. Eu sei que estou flexionando com minha grande coleção de copistas aqui. Mas mesmo com um conjunto de 12 ou 20 marcadores de álcool, você pode obter todo o espectro de cores para destacar sua peça. O mesmo acontece com os lápis. Você pode aplicar tudo o que estamos passando com o pacote 12 lápis. A grande coisa sobre ambos os meios é que eles se misturam muito bem juntos, e você pode misturar cores novas e únicas e criar contraste através da mistura e camadas. Mas no final do dia, tudo o que você realmente precisa para participar desta aula, e realmente para desenhar fotos, é espero que pelo menos um lápis e borracha. O material da linha é opcional, e eu encorajaria você a ter um par de fineliners, e certamente algo para desenhar. Mas uma vez que você tem tudo junto, agarre seu entusiasmo e sua criatividade, e começaremos a fazer algumas ilustrações legais. 4. Gerando ideias para sua peça: Sobre o palco, você deve estar pronto para ir. Você saberá os materiais com os quais trabalhará para sua ilustração. Você vai ficar animado para começar, então eu encorajaria você a pegar seus materiais e embalá-los temporariamente, e pegar algo como um laptop ou seu smartphone, ou um desktop, ou pequenas enciclopédias do sótão, porque a primeira coisa que você quer fazer é se preparar. Eu sei o que você está pensando, “Jazza, eu já me preparei. Tenho os meus materiais. Já podemos parar de desenhar? Eu pensei que esta era a aula de ilustração.” É, mas você ficaria surpreso como é importante pensar e planejar sua ilustração antes de começar. É extremamente importante e ajuda você a evitar problemas que podem aparecer mais tarde e também descobrir coisas que podem realmente melhorar e trazer o melhor em sua ilustração potencial. Vou dividir a fase de pesquisa e exploração em três abordagens que você poderia tomar. Você poderia usar um ou mais deles e misturá-los juntos. O primeiro é o mais rápido e simples, que muitos de vocês podem querer seguir com apenas algumas das ilustrações mais simples ou algo que você realmente quer começar, e isso é simplesmente um pouco de um brainstorm. É importante fazer isso porque você pode descobrir que se é algo que tem um pouco mais de explicação por trás de algumas coisas ou já foi feito antes, esta é a fase em que você se pega em algumas dessas armadilhas. É também a fase em que as coisas que poderiam ser as coisas mais interessantes sobre a ilustração ou o personagem ou o mesmo, podem ser identificadas e melhoradas ou analisadas um pouco mais. Como você pode fazer mais dessas coisas? Das duas ilustrações que vou fazer na minha aula, a primeira vai ser um pouco mais simples. Eu realmente não preciso fazer um monte de pesquisa ou embarcar humor para as duas crianças brincando em alguns playgrounds. Vou colocar alguns pontos, cena do playground. Isso é só para mim ajudar a visualizar o que estou prestes a desenhar e podemos fazer isso mais na sessão de brainstorming. Mas pode simplesmente ser que eles são, digamos, crianças de 2 a 3 anos , fazem você pensar em lugares também. Tenho a opção de fazer algo como um quintal ou um lugar público. Eu vou para o quintal para fazer com que se sinta um pouco mais caseiro. Vou usar cores primárias. Realmente é assim tão simples. Esta é a coisa mais simples que você pode querer fazer apenas para ter certeza de que você está cobrindo a fundação antes de mergulhar. Como eu disse, há três maneiras principais de abordar esta fase de pesquisa e preparação. O primeiro é o brainstorm áspero, o que acabamos de fazer. O segundo é um pouco mais de uma pesquisa e estudo intensivo, que realmente para esta ilustração não precisamos fazer. Mas o terceiro, que eu acho muito útil para maioria das ilustrações em que eu vou realmente me perder, é fazer algo chamado um quadro de humor. É aqui que você pode começar a incorporar um pouco mais desse sistema de feedback visual para obter alguma informação ou inspiração. Eu gosto de fazer isso simplesmente por vir ao Google Images e olhar para cima, crianças em campo de jogo. Você pode fazer isso em alguns sites de imagens de estoque ou o que quer que seja. Isso vem de tudo o que as pessoas costumavam fazer, como cortar revistas e colocá-las em placas de inspiração e outras coisas. É basicamente isso. Nada disso está fazendo muito por mim. Mas se eu escrever para crianças no poço de areia. Esta é a coisa que começa a ficar muito mais perto do que estou pensando. Duas crianças interagindo ao nível dos olhos. Que coisas coloridas brilhantes ao redor deles que eles estão brincando. Eu gosto do tronco atrás dessas duas meninas brincando aqui, então eu vou apenas copiar isso. Estou literalmente colando isso no Photoshop como uma ideia. Eu também posso fazer coisas como olhar para cima crianças bonitos desenhos animados. Este é o lugar onde eu poderia ter idéias sobre estilos que se adequam ao que eu estou indo para. Obviamente, vai haver uma enorme variedade de maneiras de desenhar crianças de desenhos animados bonitos. Mas só de olhar para o que outras pessoas fizeram pode lhe dar idéias para proporções ou esquemas de cores, apenas atributos que você acha que funcionam muito bem, e eu gosto dessa proporção de crianças, e eu acho que casou as cores brilhantes e esse ambiente poderia ser muito legal. Mesmo olhando para cima algo como brinquedos caixa de areia dá um coisas visuais que eu posso incluir e uma referência que eu posso ir para se eu ficar um pouco preso sobre o que eu deveria sentir o mesmo com. Este é um quadro de humor muito simples. Eu chamaria isso perfeitamente adequado. Não precisa ser arrumado, ordenado, ou bonito, e você não precisa preencher todas as lacunas do seu quadro. Você só precisa fazer isso até se sentir capacitado para começar. Essa é a cena do recreio feita. Mas e a nossa cena de batalha? Bem, este vai ser um em que, francamente, alguns pontos provavelmente não vão cortá-lo, especialmente se houver um contexto que é um pouco maior do que a própria ilustração. Digamos, por exemplo, que a cena de batalha que estou criando é para um cliente que tem um romance gráfico ou um livro para o qual estou fazendo uma capa ou uma peça promocional. Agora, obviamente para este curso no meu exemplo de ilustração, eu não tenho uma história rica ou lei de caráter que eu tenho pronto para ancorar fora. Mas vamos improvisar algo um pouco mais profundo do que temos com nossa cena do playground e ver onde podemos levá-lo. Obviamente, a ilustração que eu vou criar vai ser um momento no tempo, duas pessoas lutando de alguma forma, principalmente porque eu gosto de ilustrar cenas de batalha como minha xícara de chá, e também criar uma interação entre duas pessoas é uma ótima maneira de praticar seu dinamismo na forma como os personagens interagem uns com os outros. Com minhas primeiras notas na cena da batalha, acabei de me aprofundar um pouco sobre o mundo, duas forças estão em guerra há milhares de anos: a nobre civilização de Delma'ar e as primitivas tribos bárbaras de Krogathar. Este é um novo curso que estou escrevendo. Ok, eu não sou um autor, mas essa é a fundação que eu estou começando, e nossos dois personagens serão de cada um desses grupos, um dos Delma'ar e o outro dos Krogathar. Agora, antes de eu mergulhar nisso, estamos fazendo um pouco mais de pesquisa. Primeiro, esses nomes já foram tirados? Será que eles existiam de alguma outra forma? melhor maneira de fazer isso é simplesmente copiar o nome, colá-lo no Google. O que temos nós? O que é Delma'ar? Hospital privado Delmar, Delmar como um lugar. É escrito de forma diferente, e isso pode ser um pouco problemático. É bom pegar isso antes de dedicarmos muito tempo a perceber esse lugar e essas pessoas. Eu vou mudar o nome, porque eu até estou ligado a ele neste momento. Veja de onde venho. Eu vou com Thunissia. Há três resultados, e nada é relevante. Feito. Vamos com Thunissia, e vamos passar para apenas alguns pontos que eu posso seguir para a minha cena ilustrada. Vou dividir meus pontos em dois grupos, um para o caractere 1 e o outro para o caractere 2. Vamos chamar isso de ambiente. Porque realmente o ambiente deve ser tratado como um personagem, e ter tanto esforço e contribuição ou pesquisa feito sobre ele como qualquer outra coisa na cena. Vamos imaginar que esta cena é uma representação ilustrada de um campeão de cada um desses grupos vindo para a batalha para que as pessoas de cada grupo não tenham que ir para a guerra. Isso é uma coisa, não é? Acho que está em algumas ficções. Este é o campeão da Thunissia. Ele é nobre, usa armadura completa, e luta com uma espada grande. O nome deste personagem pode ser Voth e ele é o campeão de Krogathar. Vamos começar a moldar isso um pouco. Ele é um homem mais velho, mas também o guerreiro mais poderoso que as tribos conhecem, então enviaram o velho. Ele é um guerreiro endurecido. Neste ponto, sinto que minhas escolhas estão começando a diminuir um pouco e sinto que estou muito perto do que quero. Então, eu não poderia passar para o ambiente de embarque, mas também eu poderia pensar, “Quer saber? Não parece tão original.” Se estou criando minha própria idéia, minha própria ilustração ou meu próprio mundo, eu pessoalmente gosto de fazer as coisas um pouco diferente, ou pelo menos de maneiras que eu não penso imediatamente. Porque no final do dia, se você fizer coisas que você pensa na primeira vez, você não vai chegar a muitas idéias novas, originais, que me leva a um pequeno elemento que eu gostaria de introduzir nesta fase às vezes de geração de ideias aleatórias. Uma ótima maneira de não só tirar a pressão, mas introduzir algumas coisas realmente legais, é jogar uma moeda ou rolar os dados, literalmente. Então moeda, dados, queria que isso funcionasse. É muito simples. Digamos que você não está baseando isso em nenhum trabalho específico de ficção, e você está apenas tentando criar uma história ou cena legal para criar. Uma maneira de moldar a forma como me aproximo da ilustração como esta é jogar uma moeda e ver se Davin ou Voth é o protagonista, aquele que estamos atestando. Cara, Davin é um cara legal, coroa Voth é o mocinho. Cabeças, Davin é o mocinho. Davin é nosso herói, Voth é o vilão. Aqui está uma interessante. Podemos ter uma perspectiva de quem é o herói. Não sabemos quem está ganhando. Isso pode ser uma coisa interessante também. Então cabeças, Davin está ganhando, coroa Voth está ganhando. Coroa, o vilão está na liderança, derrotando Davin. Tudo pronto você pode ver como super rapidamente apenas jogar uma moeda molda a realidade visceral da ilustração que vamos criar. O que estamos fazendo tem uma imagem bem clara, de repente, envolvendo um pouco de chance. É super divertido. Onde você pode envolver os dados é se ele é um pouco mais cinza do que preto e branco, digamos o ambiente, por exemplo. Hora dos dados. Seis, no topo de uma torre. Parece bom. Vou deixá-la lá. Eu acho que isso realmente me dá tudo que eu preciso para começar a fazer um quadro de humor, porque é bem claro na minha cabeça. Agora eu só preciso ver algumas coisas que combinam com essa clareza. Eu quero definir a cena um pouco. Antes de chegar aos personagens, vamos procurar cidades bárbaras. Gosto da ideia de que há muitas estruturas de madeira, celeiros, cordas. Desculpe, eu não estou vendo muito do que eu gosto, este é o mais próximo até agora, mas eu poderia apenas refinar minha pesquisa e adicionar torre de madeira. Isso é muito legal. Veja, de repente, apenas refinando a busca, eu realmente gosto disso como visual. Vou colar isso no meu quadro de humor. Realmente assim, isso certamente captura a sensação que eu estou procurando. Isso é legal para a torre. E quanto à cidade? Estou procurando algo realmente amarrado e bastante áspero e rústico. Talvez se eu tentar procurar um campo de batalha bárbaro, cidade primitiva. Ele realmente é apenas mover-se através de termos de pesquisa até que você comece a ver a idéia do que você está realmente procurando. Este é o mais próximo até agora, o que é bom, mas não é grande o suficiente. Mas sob imagens relacionadas, você pode começar a ver que está ficando um pouco mais perto da coisa que eu estou olhando. Acho que é o suficiente para o meio ambiente. Vamos dar uma olhada no que podemos encontrar em relação aos nossos heróis. Agora, eu gosto desta imagem, não é nada como eu imagino Davin, mas é a situação completa estética e realmente nobre guerreiro com uma espada grande. Eu vou colocar isso no meu quadro de humor simplesmente para a armadura que eu acho que é uma coisa muito legal para ganhar inspiração, não copiar, mas referido se eu ficar um pouco perdido em certos elementos, então nós gostaríamos de alguma inspiração. Mesmo isso, para ser honesto, é realmente tudo que eu preciso em um quadro de humor. Eu realmente sinto que, neste momento, eu estabeleci uma grande base. Eu tenho algumas referências visuais realmente excitantes para obter algumas idéias e inspiração. Agora, estamos prontos para colocar caneta no papel, ou lápis no papel, porque estamos desenhando. A tinta vem mais tarde. 5. Começando seu esboço: Estamos finalmente colocando nosso lápis no papel. Mas você vai notar que há, obviamente, um pouco de uma abordagem de acumulação baseada em etapas que eu coloquei essa classe para fora. Isso é simplesmente porque essa é a abordagem que eu sigo e eu acho que é mais razoável. A realidade é desenhar algo realmente legal vem com muita pressão, e quanto mais você quer que ele pareça bem, mais pressão você coloca em si mesmo, e às vezes isso pode ser uma barreira, é por isso que eu acho que isso pisou processo realmente útil. Este esboço áspero, o esboço do brainstorm, é o que eu vou estar cobrindo nesta lição, e isso realmente é uma maneira de relaxar e tirar a pressão. Eu só vou usar meu lápis, um lápis colorido, e minha borracha, e isso é tudo que eu vou usar para ambas as minhas ilustrações e para a fase de esboço de brainstorm. Vamos começar com um esboço de brainstorm para Alcuta. Um pouco mais estilisticamente simples ilustração. Eu vou quebrar o processo do esboço de brainstorm com você. Então, uma vez que passamos por isso e são miniaturas, quando chegarmos à imagem mais complexa e ambiciosa, você terá uma idéia do que estou fazendo quando eu ficar mais confuso em um pouco mais de um esboço de brainstorm exigente processo. Agora tenha em mente com essas duas ilustrações brainstorm sessões de esboço, meu quadro mudo está aberto para o lado, então eu posso referenciá-lo e apenas obter algumas idéias e me lembrar visual e esteticamente o que eu estou indo para. Eu realmente vou começar por rabiscar. Não preciso de ser arrumado, não preciso de ser ordenado. Eu não tenho nenhuma pressão que eu vou fazer coisa que se assemelhe ao meu resultado final, menos que você possa ver, eu estou realmente rabiscado aqui. Agora, podemos apertar-nos à medida que vamos. Eu sei que é um esboço horrível, mas adivinha? Isso não importa. É bom eu ter colocado o lápis no chão e desenhado algo horrível para que eu possa pensar, “Quer saber? Não vai ficar muito pior do que isso, vamos continuar.” Vou começar pensando nas proporções dos personagens que quero desenhar. Estou pensando em testas grandes e estou farto se eu quiser olhos grandes ou olhos pequenos, então eu vou com os dois. A abordagem geral realmente é se você tem um pensamento, uma dúvida ou uma pergunta, você apenas colocá-lo para baixo visualmente. Eu quero fazer uma forma de rosto mais bidimensional ou algo um pouco mais tridimensional? Eu quero ficar borbulhante ou um pouco mais bloqueada? A grande coisa sobre isso é que ele age como uma exploração e um Walmart. Então, enquanto você faz um brainstorm, você descobre que está naturalmente ficando um pouco mais nítido e, um pouco mais refinado e um pouco mais claro com cada linha que você desenha. A outra coisa que você vai notar é que eu estou realmente simplificando tudo primeiro. Não estou desenhando olhos, nariz ou detalhes. Estou começando com a geometria ampla muito grosseiramente. Isso é universal em todas as formas de esboçar, seja refinado ou áspero. Eu não vou trazer os detalhes uma vez que eu tenho uma idéia áspera da forma ou proporções, e para onde eu quero ir a partir daí. Se algo parecer certo, persiga, se não parecer certo, siga em frente. Realmente não há necessidade de desperdiçar seu tempo. É só focar no que parece certo e desenvolver isso. Estou começando a ter algumas idéias juntas, mas elas também estão no mesmo reino de como eu costumo desenhar. A grande parte deste processo é que você pode começar a empurrar para fora de sua zona de conforto porque não há maneira errada de fazer isso, e você pode descobrir coisas que funcionam porque você nunca experimentou antes. Vou dedicar toda esta página a coisas diferentes. Talvez eu desenhe um rosto com ângulos totalmente rígidos. Agora vamos fazer um personagem com proporções totalmente ridículas. Olhos são tão grandes quanto a cabeça quase parece Invader Zim. Boca pequena, orelhas grandes, mais baixo na cabeça, grandes olhos borbulhantes. Isso na verdade não é tão ruim, nós nem terminamos com o cabelo nos lados da cabeça, isso parece muito legal. Eu estou indo para ir realmente arredondado com este aqui. Realmente pequenas bochechas redondas, testa grande, pequenos tufos de cabelo borbulhante. Talvez para este eu seja ultra simplista. Pequenos pontos para os olhos, pequeninos [inaudíveis], nariz pequeno, boca pequena. Para ser honesto, é na verdade o meu favorito até agora. Eu acho que a abordagem realmente simplista está começando a capturar aquele sentimento borbulhante e despreocupado ou um na minha ilustração, então esta é a direção que eu quero ir. Quando eu me sinto assim sobre um dos meus esboços ásperos, é quando eu trago meu lápis de cor, porque o que eu realmente gosto de fazer é desenhar um pequeno galpão atrás dele e colorir isso. Quase emoldurando meu pequeno esboço. Isso é mais apenas para dar uma personificação ao meu processo de pensamento, mais para mim do que qualquer outra coisa, então quando eu olho através de meus esboços, eu posso ver claramente onde eu emoldurei ou identifiquei as coisas que eu sinto que funcionam melhor. Vamos começar a moldar esses dois personagens com essa estética em mente. Agora, você vai notar que ainda estou desenhando Quant Scribbly, mas minhas falas estão ficando um pouco mais certas. Não é que eu esteja me estabelecendo em algo em particular, mas o estilo e a sensação do que estou tentando capturar está começando a tomar forma. Como resultado, meus desenhos são naturalmente também. Eu não estou dizendo a mim mesmo para desenhar menos rabiscos, mas são naturalmente que eu sou, como eu encontrar meus pés na estética que eu estou realmente gostando. Eu sinto que estou em um lugar de clareza e confiança suficiente para que eu possa passar para algumas miniaturas. Agora, este é um processo muito simples, e é a mesma abordagem e estilo que você faz brainstorm esboços, exceto que é no contexto da construção da própria imagem. A melhor maneira de fazer miniaturas é literalmente desenhar quatro páginas em uma página. Dessa forma, você está se forçando a trabalhar em um pouco mais de uma área fechada, e se você se deixar manter agradável e duro, você sabe que você tem mais algumas tentativas à sua frente, então a menos que você relaxe um pouco mais com a em que você está. O primeiro deve ser sempre fascinado vem à mente. Se você tem uma ilustração que você já está propondo para criar chances são no momento em que você está nesta fase do processo, você já tem uma imagem em sua cabeça. Para esta primeira ilustração, esta é a composição áspera que eu tinha em minha mente quando eu conceituado pela primeira vez fazendo uma pequena imagem simples bonito de duas crianças brincando no poço de areia. De Tom Picture com eles lado a lado em uma cena bastante simétrica, talvez algo no fundo como uma cerca, talvez uma casinha aqui atrás. Talvez um pequeno balanço ou algo no fundo e um cachorrinho aqui ao lado. Ao chegar lá e, em seguida, apenas colocá-lo para baixo, ele apenas me deixa liberar a primeira coisa que eu tinha na minha cabeça. Estou farto, já tentei isso, vamos tentar outra coisa. Talvez com este tiro, vamos muito mais perto. Essencialmente o mesmo enquadramento, mas desta vez estamos a meio dos dois miúdos. Vou manter a ação entre esses dois personagens igual em todas as minhas miniaturas diferentes que a garota está ajudando a encher o balde que o garoto está segurando. Para este, vamos ser um pouco diferentes no fundo. Talvez adicionar uma perspectiva ligeiramente inclinada no fundo em vez de apenas manter tudo plano. Se eu quiser criar algo que te puxe, em um pouco mais ou se sinta um pouco mais como uma cena de um programa de TV infantil ou algo assim. Essa pode ser a abordagem que eu vou tomar. Talvez eu queira simplificar ainda mais. E se voltarmos à nossa ideia original e tirarmos tudo menos as necessidades nuas. Talvez para este polegar agora, o foco esteja um pouco mais perto dentro e sobre os personagens. Nós queremos o ambiente, mas vamos mantê-lo realmente simples e basicamente apenas aludir aos elementos de fundo. Talvez haja apenas algumas formas simples que se assemelham a um balanço, mas não vamos adicionar alguns detalhes, vamos apenas ter algumas silhuetas simples. Então, para o nosso último exemplo, vamos realmente avançar um pouco mais no momento com todos os nossos exemplos. É na frente com dois caracteres lado a lado. Vamos mudar um pouco. Vamos ter o nosso rapaz aqui em primeiro plano, e ele pode estar a enfrentar nesta direcção. Sinto falta do Tom, criamos uma perspectiva. Temos o menino e o cachorro em primeiro plano de frente para a garota no meio do solo, e talvez possamos ter algumas formas no fundo aludindo ao quintal em que eles estão. Fazemos esboços em miniatura, talvez você queira explorar mais e avançar em direções diferentes. Este é um conceito bastante simples e eu sinto que depois de passar por todos esses, eu devo gostar deste. Minha abordagem de fundo simplista, um pouco mais de foco nos personagens, mas elogiando a tenda simplista que estamos indo para com os personagens, simplificando o fundo, talvez até mesmo em um estilisticamente sobre o caminho de cima. Tenho uma miniatura, vou seguir do nosso esboço refinado. Tenho uma abordagem estilística. Eu não tenho isso definido em pedra, mas eu tenho clareza e confiança suficientes para seguir em frente em um esboço refinado onde eu posso encontrar que perdeu 10% de clareza para fazer uma imagem exatamente o que eu quero. Eu vou colocar isso para o lado e eu vou chegar a você, o esboço refinado deste mais tarde na próxima lição, mas é hora de passar para um personagens um pouco mais complicados e visto. Mesmo que ambas as peças acabem completamente diferentes em complexidade e estética, a abordagem para obter o resultado final é exatamente a mesma. Começo o meu processo a esboçar o Davin, o campeão da Tunísia. Há muito pouco que eu sei sobre ele. Fora isso, ele é um protagonista, ele é nobre e ele está usando armadura. Eu mantive meus esboços de brainstorm bem soltos e brinquei com o máximo de audiências visuais que eu pudesse, apenas tentando marcar essas caixas. Comecei me concentrando no rosto, e uma vez que senti que tinha uma base decente para nosso personagem heróico, mudei para algumas partes do corpo e peças de armadura. Agora, no ponto em que as características, proporções e fantasias de Davin começaram a parecer que estavam se moldando juntos, eu mudei para um quarto personagem. Começando com alguns caras bárbaros, eu realmente descobri que dar-lhe um mohawk longo ou apenas um pouco de cabelo no topo de sua cabeça que poderia fluir na frente de seu rosto poderia adicionar ao drama da cena, especialmente se o torre é bastante alta. Eu queria parecer ventoso e instável. O cabelo deste personagem foi provavelmente uma maneira de comunicar isso, além de fazê-lo parecer um pouco mais misterioso e iminente. Descobri que uma abordagem ligeiramente mais primitiva ao traje de Voth foi benéfica, especialmente tendo em conta que a tribo de origem tem um monte de torres de madeira. É lógico que suas roupas são provavelmente consistindo apenas de couros e peles. Pedaços ocasionais de metal podem ser, mas muito mais cordas, animais e envoltórios e todas essas coisas. Antes de passar para as miniaturas, é claro, a própria torre tem que ser trocada um pouco como um personagem. Quanto espaço tem na torre? Qual é a forma? Como é que a silhueta gosta? Quais são as proporções? Todas essas coisas contribuirão para a intensidade dos mesmos campos e o aspecto da cultura das pessoas [inaudíveis]. Agora, era hora de passar para as miniaturas. Deixei bem claro que me preparei para um desafio. Minha primeira miniatura foi realmente plana e eu me aproximei dessa maneira, basicamente começando seguro e ficando mais extremo a partir daí. Foi basicamente em nossa frente de nível em vista da perspectiva do topo da torre, vendo Voth se aproximando de Davin. Minha segunda miniatura, fiquei um pouco mais ambiciosa e pensei que teria um pouco de perspectiva de baixo da aba e olhando para cima como se Davin estivesse prestes a ser empurrado para fora da borda, o que deixaria claro que ele está perdendo. Miniaturas 3 e 4 são onde eu realmente comecei a sentir que eu estava ficando dinâmica. O terceiro sendo mais da perspectiva de Davin em que sob a cena de batalha e sendo dominado por Voth. Enquanto eu sentia que essa era uma perspectiva muito legal para as cenas acontecerem e eu não sabia que esse cara era um pouco MD demais, e eu realmente não senti como se estivéssemos no topo da torre. Miniatura 4, sinto que comecei a ver todos os elementos se juntarem. Voth vai virar ligeiramente para a nossa perspectiva em que ele está segurando os atos prontos para fazer um ataque final em Davin. A cena que estamos vendo nos permite ver que Davin está perdendo. Ele está prestes a ser tirado da torre, e nós também podemos ver sobre a borda da torre onde eu planejava ter muitos outros elementos da cidade da tribo bárbara e também talvez algumas dessas tribos que as pessoas torcem por Voth. De repente sinto que depois de passar por todo esse processo, tenho algo que posso me ancorar e trabalhar com clareza. Especificamente miniatura 4, eu realmente sinto eu tenho uma cena que vai ter um monte de impacto. Agora que todos passamos por esse processo, temos tudo o que precisamos para começar com nossa arte final. Mantenha seus esboços ásperos como referência para quando você começar o esboço frontal. Mas neste momento, agora que estamos prontos para começar o esboço da frente, podemos nos acompanhar e aproveitar o tempo com a peça final. Vejo vocês na próxima lição. 6. Refinando seu esboço: Nesta lição, vamos começar a nossa peça final. Ainda está esboçando como a última lição, no entanto, você vai notar que vai ser um pouco diferente. Primeiro de tudo, eu vou muito mais devagar e eu vou estar desenhando muito mais leve. Em segundo lugar, estarei apresentando muito mais esse carinha, usando uma borracha enquanto eu for. Agora, só porque estamos trabalhando no esboço que se tornará nossa peça final, não significa que perdemos espaço para flexibilidade ou experimentação. Ainda há um pouco de espaço para jogar, mas é apenas um tipo diferente de jogo. É um pouco mais lento e mais metódico. É por isso que o refinado processo de esboço é fisicamente muito diferente. É um esboço muito mais leve, simplesmente porque, em primeiro lugar, você obtém um resultado mais proposital visualmente para trabalhar quando você se move para suas tintas iluminar. Mas em segundo lugar, porque torna o apagamento mais fácil e mais limpo. O que você não quer fazer é ter linhas realmente ásperas de esboços arrancadas como as que temos feito que são difíceis de apagar. Quanto mais você apaga, mais papel você despedaça lentamente ou cria essas micro-lágrimas que significam que, eventualmente, você vai destruir seu papel, ou você apenas obter essas manchas fantasmagóricas escuras ao longo de seu esboço. Então, antes de começarmos, todo o trabalho que você fez até agora realmente entra em jogo aqui. Eu tenho minhas imagens de referência no meu quadro de humor ali do meu lado, e bem na minha frente, eu tenho minhas miniaturas e meus esboços de personagens que eu posso me referir quando eu começar a minha peça final. Então eu vou trabalhar nisso em duas ou três etapas. O primeiro é como uma composição áspera. Aqui é onde eu sou muito leve e você mal vai dizer isso na câmera. Mal consigo ver pessoalmente. Você está realmente colocando levemente em coisas como sua linha de horizonte, posições de personagem. Você vai notar, até o jeito que eu estou segurando o lápis é bem diferente. Quando eu estava desenhando aqui, era bastante firme e em direção à ponta do lápis e realmente áspero. Por aqui, estou muito solto e leve. Realmente estou deixando a largura do lápis em si fazer as marcas. Então, seguindo minhas miniaturas, eu tenho dois caracteres que estão indo para ser mais ou menos em torno desta posição. Vou desenhar a cabeça primeiro para cada um. Agora isso pode mudar, é por isso que eu estou desenhando realmente luz e eu vou começar a fantasmar onde suas poses estão. Então apenas algumas linhas direcionais como, que lado eles estão virados? Eu vou ter uma linha no meio para mostrar que direção eles estão voltados em um plano horizontal e ou curva para cima se eles estão olhando para cima, ou para baixo se eles estão olhando para baixo para ver onde eles estão olhando no eixo vertical. Talvez você tenha esse cara olhando para baixo em direção ao balde sendo preenchido cria apenas uma pequena diferença, uma variação em suas linhas altas. Essa é a coisa essencial feita. Então eu vou preencher o resto da peça com coisas que equilibram isso ou elogiam. Agora estou tentando brincar com o que quero fazer com o horizonte, e sei que quero algo por trás desses personagens. Para fazer parecer um quintal, sinto que uma cerca pode ajudar, mas também pode prejudicar um pouco. Mas ainda posso experimentar e experimentar as coisas. Então eu vou apenas colocar muito vagamente em uma linha horizontal em um nível que eu acho que eu poderia querer uma cerca. Então essa é a minha linha de vedação, mas eu quero quebrá-la um pouco. É chato se for só a cerca. Então eu só vou colocar em algumas formas no fundo e eu não vou ficar muito louco com isso. Só quero elogiar a cena. Obviamente, eu não estou lá ainda, mas esse é um lugar muito bom para começar a defini-lo e adicionar mais detalhes. Então agora vou voltar aos assuntos da peça. Os dois personagens em particular, eu vou começar a moldar as silhuetas um pouco mais e começar a colocar em um pouco dos detalhes da expressão, suas roupas. Eu não vou ficar muito louco ou muito sólido, mas você vai notar que minhas linhas começam a ficar um pouco mais firmes e eu também posso apagar algumas das construções mais confusas como eu vou para arrumá-lo. A primeira coisa que eu noto antes de eu mergulhar em fazer os detalhes da cabeça, é para esta pose interativa, sua cabeça é realmente um pouco longe demais para trás. É como se todo o corpo estivesse inclinado para a frente segurando este balde e parece que ele está puxando para trás com a cabeça. Então, antes de eu entrar e fazer os detalhes, vamos entrar e reposicionar isso. Tudo bem, isso parece um pouco mais natural para mim. Então eu vou começar a fazer os detalhes deste personagem. Começando com sua expressão, que é a coisa mais importante para acertar o rosto de um personagem. É a janela para a alma, e a alma desse garoto está extremamente feliz que ele está saindo, arquivando seu balde. São as pequenas coisas, não é? Então eu vou passar pelo resto da cena e definir as coisas um pouco mais, mas a coisa mais importante a fazer e acertar é o que eu já tenho. Também não vai haver muitos detalhes em outro lugar. Então eu estou nesta fase, muito feliz com o meu esboço refinado da minha peça de gatinho aqui. Acho que isso é muito divertido. Ele capta exatamente aquele sentimento e atmosfera que eu queria. Não está acima do topo detalhado em segundo plano. Na verdade, vai ser ainda mais simples quando chegarmos ao longo trabalho na próxima lição. Mas antes de fazermos isso, vou deixar isso de lado e vou passar por todo esse processo novamente com um estilo completamente diferente e uma abordagem mais intensa. O processo que vou seguir com a minha segunda peça é o mesmo, mas a forma como se desenrola vai ser um pouco diferente. Principalmente porque há muito mais de um foco no realismo e no drama, e é preciso muito mais bagunça e ajuste fino para obter algo para parecer natural e orgânico e épico especialmente se você está indo para algo com mais proporções realistas, e um ângulo ambicioso, que eu estou tentando fazer aqui. Você vai notar que eu passar por rebaixamentos e fluxos, focando no personagem principal em primeiro plano, este personagem bárbaro porque grande parte da direção da imagem vai ser focada em seu movimento. Tudo depende se eu conseguir acertar o ângulo dele e a sensação de movimento como se ele estivesse prestes a fazer o seu ataque final ao nosso protagonista. Agora, há alguns problemas aqui. Primeiro de tudo, quero mostrar-lhe o rosto dele, bem como o rosto do nosso protagonista, mas ao fazê-lo, realmente eu tenho que tê-lo um pouco virado para longe do protagonista. Agora, o jeito que estou tentando contornar isso é fazendo-o piratear de volta ou torcer para se preparar para seu golpe final. Mas essa pose de anatomia torcida é muito difícil de fazer parecer natural, mas tudo bem, porque não há pressão. Eu não estou adicionando muitos detalhes e assim que eu puder ver que, no final do dia, esta pose não vai parecer orgânica, eu vou começar de novo. Finalmente, encontrei uma pose que senti que estava funcionando. Ele está virando para longe dos protagonistas prontos para fazer sua greve final sem necessariamente parecer uma novela, quando os personagens estão virados para longe uns dos outros e conversando uns com os outros, e parece realmente antinatural. Eu gosto dessa pose porque eu sinto que ele está realmente torcendo para um ataque final, mas nós temos uma visão muito boa dele, seu design e seu rosto, que foi muito importante para mim, pelo menos, para demonstrar o processo de obter o começo até o fim aqui. Agora que estou feliz com o personagem de primeiro plano que ocupa uma grande parte da imagem, parece um pouco arriscado colocar em segundo plano quando eu realmente não sei o que vai funcionar melhor. Agora, quando eu digo que não sei o que vai funcionar melhor, eu realmente vou estar me aproximando da maneira que eu colocá-lo em um esboço em miniatura. Mas é nesse ponto que pequenos ajustes como o ângulo ou a perspectiva da plataforma em que estão, a pose ou posição dos protagonistas, todos fazem uma enorme diferença. Eu mesmo tirei a pressão apenas tirando uma foto da imagem que tenho até agora, e voltando para o meu modo rabiscado apenas rabiscando no meu telefone algumas variações do que pode funcionar. Minha terceira variação, eu senti que era realmente dinâmica. Uma visão realmente alta da plataforma com o nosso herói clamando e lutando para trás, talvez tendo apenas caído para trás, mas potencialmente capaz de pegar sua espada e se defender. Depois, sabendo como queria seguir em frente com confiança, preenchi o resto do meu esboço refinado. Dando um passo de cada vez e preenchendo meu caminho até que eu descobri que as coisas que eu sentia estavam funcionando muito bem e, em seguida, apenas dobrado para baixo naqueles. Finalmente, meu esboço refinado estava tomando forma e, neste ponto, eu preenchi um pouco o fundo, adicionei mais perspectiva e um senso de escala e escopo, colocando em algumas torres mais ao fundo para tipo de mostrar a você o que A cidade bárbara parece. Em vez de preencher o fundo com uma multidão, que eu pensei que poderia enlamear a cena com muito detalhe, eu pensei que seria muito legal ter fumaça e até mesmo algumas chamas visíveis no fundo como se a cidade estivesse queimando. A única coisa que sobrou era voltar ao meu personagem de primeiro plano e adicionar muito mais detalhes. Especificamente para onde os elementos da roupa estavam indo, onde as cordas estavam amarrando pedaços juntos, e até mesmo arranhões, cicatrizes e densas ao longo do personagem e seu amor. Então, depois de toda a nossa pesquisa e brainstorming, e agora a nossa maneira de esboçar refinado de duas obras de arte prontas para serem pintadas. Eles são estilos muito diferentes e resultados extremamente diferentes, transmitindo uma atmosfera e sentimento completamente diferentes. No entanto, para mim, ambos são muito legais e divertidos. Então eu estou muito feliz com isso, o que significa que é hora de passar para a tinta. Agora, ao fazer isso, vou dividir estes, começando com a minha ilustração de gatinho aqui. Vou passar por isso um pouco mais lento e passar por alguns dos elementos de tinta que vão ajudar a fazer suas peças se destacarem se você estiver usando trabalho de linha. Depois disso, vamos mergulhar profundamente no nitty-gridty e obter alguns detalhes reais, texturas e contraste acontecendo com nossas tintas nesta peça. Vejo-te nas próximas lições. 7. Pintando seu Esboço: Certo pessoal, é hora de pintar nossa primeira das duas obras de arte que estou passando hoje, e esse é um ponto em que muitos artistas, incluindo eu, ficam um pouco nervosos. Veja até este ponto, podemos sempre voltar, e tinta é uma daquelas coisas em que quando está para baixo, bem certamente parece que não há volta e há maneiras de corrigir ou ajustar ou reparar alguns erros com tinta. Mas a razão pela qual passamos pelo processo que passamos até agora é que nos permitimos ser uma configuração para a certeza possível, modo que quando colocamos a caneta de tinta para baixo, temos um guia muito claro para saber exatamente para onde ele deve ir. Então não há muita adivinhação. Agora, vamos começar simples com esta primeira peça, vamos apenas usar três fineliners básicos de três tamanhos diferentes. Qualquer fineliners estará bem, e estes são apenas como um fineliner leve, médio e ligeiramente pesado. Eu tenho 0,2, 0,4 e 0,9. As tintas podem ser uma forma de criar contraste e profundidade na sua peça, mesmo com linhas simples apenas pela forma como as coloca e como aborda. Então vamos começar com a nossa caneta média, a minha 0.4, e eu vou dar a volta aos meus dois personagens principais e o meu cão. Este é um processo bastante simples. Eu estou literalmente apenas rastreando todo o trabalho que eu fiz, eu removi tanta adivinhação porque eu fiz um monte de explorar através da fase de esboço refinado, e eu tenho certeza que você pode dizer pelos estados que há um pouco de um padrão acontecendo com os passos que estamos tomando. Cada parte do processo dá mais certeza, confiança e estrutura para a próxima. Então agora que estou passando para a tinta, porque coloquei todo esse trabalho no meu brainstorming meu esboço final, estou apenas desenhando com minhas canetas de tinta. Ao desenhar com sua caneta de tinta, não há maneira certa ou errada de deixar uma marca no papel, mas vale a pena ter em mente que é mais natural puxar a caneta para você em vez de afastá-la por algumas razões. Se você está empurrando a caneta para longe, há mais força na ponta da caneta, e você não pode realmente ver o que você acabou desenhar como está sob sua mão quando você está puxando para você, você pode ter muito mais controle, tanto porque você pode usar todo o seu braço e, em seguida, também você pode obter todos os detalhes e você encontrar desenho gene com o seu pulso. Agora você vai notar que há alguns pontos em que eu não desenhei uma linha, como a parte inferior das pernas e a parte inferior da pá, isso é porque eu vou desenhar o fundo e alguns adereços com a caneta final de feltro, Então eu só vou deixar esses até eu chegar a esse. Eu vou passar para o menino agora, e embora possa ser difícil para alguns artistas começar a trabalhar com tinta, ao mesmo tempo, se você pode tirar a pressão ou ajustar sua mentalidade sobre como é trabalhar ao redor -lo ou capacitar-se preparando-se de antemão, tanto quanto possível, este processo pode realmente ser muito divertido. Pode ser uma das coisas mais satisfatórias porque você sente que está revelando lentamente. Você vai notar que às vezes eu me afasto do que eu desenhei, e isso é porque mesmo que eu esteja fazendo tinta, acredite ou não, ainda há um grau de sentir o seu caminho ao redor. Mesmo que você esteja pintando, ainda certifique-se de dar algum espaço para brincar um pouco. Então isso está se juntando, estou muito feliz com isso. Estou pronto para seguir em frente para o cogee, mas acabei de cometer um pequeno erro onde no meu esboço eu terei areia caindo através do balde, e eu desenhei uma linha ali. Acontece com tinta, acontece o tempo todo. Você só resolve isso e eu vou chegar a isso mais tarde e te mostrar como eu supero isso quando eu chegar no meu fineliner mais fino. Mas eu vou terminar com este 0.4 com o cogee aqui. Estou muito feliz com isso. Agora, eu vou passar para o meu fineliner mais fino, meu 0.2, e eu vou ser todo o fundo com este fineliner mais fino, e eu também vou fazer isso um pouco diferente. Com um 0,4, todas as linhas são realmente limpas, claras e sólidas. Com 0,2, vou ser esquecida. Não esboçado em que estão indo e voltando sobre a mesma área com a mesma caneta, mas mais em que eu sou realmente leve e eu estou deixando o caminho da caneta em si fazer a maior parte do trabalho. Agora, lembre-se aqui com uma areia, eu não deixei essa lacuna, sem problema. Eu só estou desenhando dentro do balde para mostrar que a areia está indo para lá, talvez fazer alguns pontinhos lá dentro e isso é suficiente. Então, enquanto você pode pensar que algo assim é um grande problema, obviamente eu tinha planos para ter areia lá dentro. Eu ainda posso obter o mesmo efeito trabalhando em torno dele e apenas pensando fora da caixa e relaxando um pouco. Mas, é claro, a melhor maneira de evitar esses erros em primeiro lugar é inclinar-se para trás e levar tudo o que for possível. Agora o olhar esboçado com inclinações de luz realmente relaxadas funciona particularmente bem com a areia e, na verdade, eu posso me deixar ficar um pouco instável e quebrar as linhas, mas mesmo com os adereços, eu ainda estou mantendo As coisas realmente soltas, digamos com a bola aqui, estou deixando algumas lacunas nas minhas linhas, apenas mantendo-a muito relaxada, sem me preocupar com pequenos batidos. Agora estamos começando a fechar as lacunas um pouco entre os personagens e o fundo, simplesmente desenhando essas linhas de luz onde elas se encontram com o chão em que estão, e você pode ver que as mescla em seu ambiente mesmo que sejam desenhados com linhas estilisticamente diferentes. Então isso é toda a areia feita. Agora, eu sei que você tem este registro aqui atrás, o que eu poderia fazer com a mesma linha. Eu realmente vou voltar para o 0.4 só porque eu quero que haja um pouco mais de separação entre este chão médio e o fundo por trás deles. Então eu não estou fazendo nada drástico, e na verdade, eu ainda estou mantendo minhas linhas bem relaxadas e soltas, não fazendo elas tão ousadas quanto eu fiz com aqueles personagens, mas eu só quero que essa linha apareça um pouco mais forte para criar algum contraste e seguir ao longo do meu horizonte. Agora que voltei de 0.2, posso adicionar um pouco de grão de madeira que são esboçados. Tudo bem, então agora estamos no fundo de trás e eu vou levar o que eu tenho feito com essa luz 0.2 ainda mais longe. Eu mal vou tocar no papel e eu estou indo para linhas bem claras. Lacunas e pequenos shakes estão bem, eu só estou tentando torná-lo o mais leve e gentil possível. É quase um efeito ambiente, como metade das coisas à distância, menos visíveis do que as coisas na sua presença imediata. Estou usando minhas linhas para criar esse efeito. Agora, com as nuvens, você pode pensar, ok, elas são nuvens, eu provavelmente não preciso de algumas linhas sólidas e isso é verdade. Eu mal vou tocá-lo, na verdade eu vou deixar a largura da caneta fazer todo o desenho e eu vou deixar isso realmente desigual e organicamente desenhar esta linha quase pontilhada em torno de onde eu desenhei a nuvem. Então, em suma, estou muito feliz com a forma como isto se junta. Agora, eu vou voltar para o 0.2 em um minuto apenas para adicionar algumas texturas pequenas, mas antes de fazer isso, eu vou criar ainda mais separação entre nosso foco e tudo o resto indo para o nosso 0.8, nosso fineliner mais espesso. Com isso, vou simplesmente traçar em torno da silhueta dos personagens que estão em foco. Vou voltar ao meu estilo realmente sólido de desenho. Mas eu não vou invadir os detalhes ou o interior dos personagens. Estou literalmente rastreando a borda externa e isso mal está engrossando o personagem. O benefício disso também, é que ele pode permitir que você arrumem as coisas um pouco. Às vezes eu vou salvar este passo quatro após a cor porque se você estiver usando marcadores de álcool, por exemplo, e você passar por cima das bordas em alguns lugares, você pode limpar essas bordas voltando com uma caneta mais espessa e apenas indo ao redor do Lá fora. Você também pode desfazer certas escolhas, por exemplo aqui, quando eu desenhei o cabelo, eu fiz uma extremidade dividida que normalmente ficaria bem, mas com este estilo, eu realmente estava indo para a simplicidade. Então eu vou desfazer essa escolha apenas desenhando uma linha grossa sobre isso, e assim, eu desfiz e simplifiquei a forma do cabelo lá. Então isso é cabelo, eu não entrei em nenhum dos detalhes ou mesmo onde a cabeça sobrepõe os braços ou qualquer coisa assim, eu estou apenas indo em torno das outras bordas e eu vou fazer o mesmo com aquele garotinho. Agora, enquanto eu tenho minha caneta mais grossa, eu realmente vou entrar e preencher alguns dos detalhes que eu quero, por exemplo, os olhos. Eu vou fazer estes pretos com apenas pequenos pontos de destaques nas bordas e eu vou usar isso para preencher as aberturas internas da boca. Isso é realmente vir junto e eu estou quase terminando com a minha tinta. Na verdade, eu vou voltar para o meu 0.2, meu pequeno rapaz e eu vou usar isso para adicionar apenas pequenos floreios de textura e detalhe, não por cima, porque obviamente o estilo aqui está focando na simplicidade. Mas com algo como areia, nós realmente precisamos adicionar alguns pequenos pontos, pequenos entalhes para comunicar ao espectador que isso é realmente areia. Agora, nós não queremos colocar pontos em todo o pedaço que vai parecer muito ocupado e feio, mas eu estou apenas escolhendo um lado em geral, eu estou indo com o lado esquerdo de pequenos montes de areia, e eu estou apenas colocando alguns pontos, alguns pequenos círculos. Ocasionalmente no meio, eu vou fazer um conjunto de alguns pontos apenas para lembrar aos olhos que isso é tudo a mesma substância. Agora, temos algo como esses mergulhos de onde eles cavaram. Eu realmente não posso simplesmente fazer um monte de pontos lá dentro. Vai parecer um pouco estranho, mas eu só vou fazer algumas linhas simples todas na mesma direção, realmente certas linhas planas como esta. Isso é chamado de eclosão, e isso é uma forma de sombreamento. Então, quando eu olho para este ritmo, mais legal que seja até agora, eu estou realmente gostando. Meu olho está lutando para diferenciar entre o fundo no quintal e depois o poço de areia, e a coisa que está separando os dois é o tronco. Então o que eu posso realmente fazer para encorajar esse log como um fator de separação é fazer a mesma coisa novamente, aquela única linha de eclosão por todo o caminho. Agora, eu não vou até o topo do tronco. Eu vou tratá-lo como se houvesse um destaque em cima do log de algum carregamento do dia ensolarado acima. Muito você vai começar esta linha eclodindo cerca de um quarto do caminho do topo no mesmo ângulo, não é um ângulo particular, eu apenas gosto de fazê-lo neste ângulo, porque eu sou destro e eu posso naturalmente puxar nesta direção com bastante facilidade, e eu vou apenas tentar e manter isso consistentemente todo o caminho, e apenas assim, e apenas assim, eu terminei o meu trabalho de linha para a minha peça de gatinho. Estou muito feliz com isso. A coisa legal sobre a maneira que eu abordei é que mesmo que eu tenha usado apenas três canetas simples, você pode ver realmente claramente que há um primeiro plano, um meio chão, e um fundo. Só resta uma coisa a chamar a esta obra de arte de tinta acabada, que é apagar as minhas linhas de construção. Certifique-se antes de fazer isso, você dar-lhe um par de minutos para secar completamente porque a tinta vai para baixo molhado. Apenas certifique-se de testá-lo um pouco primeiro para ter certeza de que você não está recebendo manchas, e então quando você está confiante que você pode apagar ou você linhas de construção. Eu amo isso, estou muito feliz com ele e está pronto para a cor. Agora, é nesta fase, eu recomendo altamente se você estiver indo para colorir sua arte de tinta que você digitalizá-lo, vale a pena ter apenas para que você possa talvez tentar alguns experimentos com cor mais clara, mas também que você tem um backup apenas no caso de As coisas dão terrivelmente errado. Isso é tudo para o meu processo durante a tinta nesta ilustração. Em seguida, vou fazer a tinta na minha ilustração mais complexa e complexa. Se você gostou do processo de dizer o quanto ela pode fazer com três fineliners simples, você vai adorar a próxima lição em que mergulhamos em algumas coisas ousadas e excitantes que você pode fazer com um pouco de tinta, texturas efeitos, todos os tipos de coisas. Mas isso é para outra lição e te vejo lá. 8. Pintando personagens complexos: A festa está prestes a começar. Vamos fazer algumas técnicas de tinta mais avançadas nesta lição. As coisas que já abordamos e que vamos avançar um pouco mais nesta lição são coisas como criar profundidade, usar nossas ferramentas de tinta e criar um pouco de textura. Mas algo que vamos trabalhar aqui também é adicionar intensidade e acentuar o estilo. Em seguida, eu quero obter meus materiais e eu estou usando as mesmas três canetas da última vez para uma maioria disso, mas há algumas canetas extras que eu vou apresentar. Um que eu realmente amo usar é este. É uma caneta de caligrafia de Tombow e na verdade é apenas como uma caneta de ponta dura. Está quase em algum lugar entre uma caneta e um forro fino. Deixe-me mostrar-lhe visualmente a diferença entre todos estes. Temos um 0,2, um 0,4 e um 0,8. Estes são bastante simples. As diferenças entre eles são silenciosas sutis, mas aparentes. Então esta caneta de pincel de caligrafia me permite obter os mesmos efeitos que os três, mas em uma caneta. Quanto mais eu pressionar, mais pressão eu posso aplicar e obter um golpe realmente grosso. A grande coisa é, eu posso obter alguma variação de pressão e criar alguns traços realmente únicos e interessantes aqui. Então a primeira coisa que vamos estar pintando é o nosso personagem bárbaro em primeiro plano aqui. Agora, eu vou abordar isso muito semelhante a como eu fiz meu esboço anterior. Vou ser um pouco mais ousado com as minhas falas sobre este personagem. No meio do terreno, eu vou ir um pouco mais simplista e empurrar as coisas um pouco mais para trás para o fundo. Vou usar muito mais linhas finas e texturas. Então eu vou começar com a minha caneta 0,4, e eu vou começar a andar em torno das principais áreas e bordas, como esta almofada de ombro aqui. Agora, em alguns lugares, estou improvisando. Por exemplo, se houver um arranhão ou um galo, eu poderia apenas introduzir um pequeno galo que eu possa adicionar um arranhão para mais tarde. Então você vai notar que eu vou seguir em frente. Não vou preencher os detalhes dentro disso. Na verdade, vou fazer isso com os meus 0.2. Estou separando áreas de geometria. Eu comecei com a almofada de ombro porque era muito visualmente comandante e estava na frente da maioria das coisas, mas eu realmente vou me afastar dela e vir para esta mão aqui. Agora, vou passar para a luva. Temos alguma textura aqui com a pele, que está do lado de fora deste couro, e eu estou mantendo minhas linhas bem soltas porque para criar uma textura, eu preciso ter certeza que estou capturando a sensação dessa textura em vez do que apenas desenhar linhas em torno das formas que eles são. Com este pêlo em particular, vai sentir que é um pouco fofo e grosseiro. Falando em amarrar, agora temos corda em volta do pulso dele. Então, lentamente, eu estou apenas trabalhando meu caminho para trás. Agora, mesmo que esta imagem seja mais assustadora para tinta, ainda há espaço para experimentação. No final do dia, é mais detalhado e excitante. Posso sentir que quero acrescentar as coisas aqui ou ali. Tal como na área do bíceps, sinto que vai melhorar a aparência tridimensional de seu braço, bem como adicionar alguns detalhes ao personagem por ter algum anel de aço enrolado em torno de seu bíceps. Eu só vou desenhar isso. Não há nada no meu esboço que me diga o que fazer lá, mas estou confiando nos meus instintos, apenas desenhando levemente algo que poderia ser uma banda de aço e apenas fazendo isso todo o caminho. Então eu vou desenhar os músculos aqui embaixo. Acho que isso funciona muito bem, na verdade. Sinto que está trazendo o braço para a frente e certificando-se de que sabemos que esta almofada é levantada um pouco e o braço é levantado ainda mais porque estamos tentando mostrar que o braço segurando o machado na frente é tão longe para a frente como podemos visualmente fazê-lo parecer. Falando em estar longe à nossa imagem, essa é a área mais importante da nossa imagem deste caráter bárbaro, mas isso é encobrir o rosto. Agora, o rosto é algo em que vamos prestar especial atenção. Eu não vou desenhar os detalhes do rosto, como os olhos e o nariz com este 0,4. Na verdade, vou mudar para o meu 0.2 só porque me dá um pouco mais de detalhes e flexibilidade. Os olhos, nariz e boca, em particular, em imagens detalhadas como estas, são áreas que você não quer enlamear com linhas grossas. É melhor começar com magro, e então uma vez que você começa a expressão e as coisas certas, se você acha que as áreas precisam ser mais grossas, você pode voltar com uma caneta mais espessa e iluminar. Eu vou ser realmente honesto com você agora. Com este olho esquerdo, não estou 100% feliz. Eu sinto que é um pouco longe demais para a esquerda e um pouco baixo demais. Não é o fim do mundo. Não se preocupe, podemos usar um pouco de magia de tinta para empurrá-lo em um lugar um pouco, e podemos realmente mover este outro olho na direção oposta. O que eu realmente vou fazer é tinta debaixo do olho, apenas engrossar isso, e eu vou adicionar um pouco de massa para o lado direito. Vou fazer o oposto aqui. Vou empurrar para baixo a área inferior direita. Assim mesmo, e é muito sutil e podemos igualar isso mais tarde com o nosso sombreamento, mas estou apenas empurrando isso com linhas mais grossas. Obviamente, é um pouco demais agora, mas o mais importante é encontrar esse equilíbrio. É um erro, mas você vai descobrir que uma vez que toda a tinta estiver lá e toda a imagem se juntar, vai ser um não-problema. Mas apenas empurrando as linhas em certas direções, você pode, na verdade, remodelar ligeiramente as proporções mesmo que você esteja trabalhando com tinta. Eu fiz tudo o que eu queria fazer com o 0.2. Eu vou voltar e texturar e sombra o rosto e cabelo com o 0,2 isqueiro, mas eu só vou voltar para o meu 0,4 e voltar a focar nas áreas sólidas de massa ao longo da minha imagem. Eu não quero ficar muito envolvido com os detalhes ainda. Agora bloqueei a maior parte do nosso personagem bárbaro aqui. Eu realmente vou voltar para o meu 0.2 fino forro, e você vai notar que há algumas áreas que foram deixadas para preencher com detalhes como a almofada de ombro, algumas das áreas de couro, o cabelo, mas também o machado. Eu não desenhei o lado de fora das bordas do machado, que em si é um objeto muito sólido, obviamente, mas eu deixei isso porque eu quero ajudar a empregar movimento. Aqui é onde podemos usar um pouco de quase como um efeito de borrão, que podemos criar com tinta. Para fazer isso, em primeiro lugar, eu vou voltar para a minha caneta mais fina simplesmente porque quando algo está desfocado, é menos sólido, então ir com uma caneta mais fina vai ajudar a criar esse efeito, e então eu vou começar a desenhar o contorno do meu machado, mas eu só vou deixar algumas lacunas. Então eu estou indo muito levemente em torno do contorno do machado, mas eu estou quase fazendo isso em pequenos traços, indo todo o caminho ao redor, não preenchendo tudo intencionalmente. Agora, o que eu vou fazer é garantir que eu faça isso com confiança. Vou voltar ao meu lápis e mapear o movimento. Se ele está girando assim, eu quero apenas fazer algumas linhas nessa direção. Se isso é bom para mim, o que faz, então eu vou ter algumas diretrizes que eu posso seguir assim. Vou recuperar 0,2 agora. Nessa direção, eu só vou adicionar algumas linhas borradas. Alguns destes podem ser bastante longos, alguns podem ser pequenos curtos. Só para quebrar o movimento, estamos seguindo a diretriz que criamos e podemos até adicionar algumas a outras áreas do machado apenas para mostrar que é mais do que apenas a lâmina em si que está se movendo, até mesmo sua mão. Mas estamos seguindo esse guia que já configuramos. Podemos ser muito grosseiros, pelo menos com isso. Podemos rever certas áreas, novamente, algumas longas, algumas curtas, algumas sobre toda a direção do machado, mas é bastante aleatório. Assim mesmo, aquele machado tem muito movimento. Agora, se você quiser adicionar um pouco de força à silhueta, podemos voltar para o nosso 0.4, e apenas ir em torno de algumas das áreas da borda que não são intrusas por essa linha apenas para garantir que o olho saiba onde está o contorno do machado. Não estamos a rever todas as linhas, estávamos apenas a certificar-nos de que a silhueta tem alguma clareza. Estou muito feliz com isso. Isso certamente parece que ele está se movendo e balançando por aí. Agora, com meus 0.2, eu vou entrar em algumas dessas áreas como a almofada de ombro, o cabelo, o couro, e eu vou adicionar alguns detalhes. Eu vou ficar muito relaxado em como eu faço isso. Estou extremamente feliz com onde ele está. Ainda não terminamos, mas não quero exagerar em nada. Quero encontrar o equilíbrio da imagem. Para fazer isso, vou passar pelo resto com uma abordagem semelhante. Então podemos olhar para a coisa toda e descobrir maneiras melhores de adicionar contraste, profundidade e separação entre esses elementos. Estou quase pronto para seguir em frente, mas antes disso, e agora que a tinta está seca, vou apagar o esboço da construção debaixo do personagem bárbaro. Agora, você vai notar que parece um pouco escuro e lamacento onde os esboços de construção estão. Quando você apaga e mostra a tinta, parece muito mais limpo. É realmente claro se há áreas ou detalhes que você perdeu que valem a pena adicionar. Então isso realmente simplifica o que eu estou olhando. Estou muito feliz com isso. Está parecendo muito épico, e também me dá muita confiança passando para o próximo estágio. 9. Pintando ambientes elaborados: Aproveitando o meu meio-terreno com o meu protagonista na plataforma, eu vou ficar com o 0.2 fino forro que só significa que ele vai ser um pouco menos pesado do que o personagem de primeiro plano, mas eu realmente vou abordá-lo da mesma maneira, trabalhando de primeiro plano a fundo, começando com o nosso protagonista porque ele é a parte mais importante. Agora, 0.2 é a caneta mais fina que eu preparei aqui. Mas na verdade tenho uma caneta mais fina, e vou buscá-la. Este é um 0,05. Onde esse é o nosso 0.2, que é 0,05. Você pode ver ao lado do outro, eles estão perto, mas isso é bom e detalhado o suficiente para que eu vou ter muito mais flexibilidade quando se trata dos detalhes do rosto. Juntando-se, eu tenho o meu meio-termo agitado. Vou começar a fazer algumas coisas para torná-lo ainda mais chique do que está começando a parecer. Primeiro, vamos terminar o terreno, adicionando um pouco de textura. Agora, a coisa legal de ter esta plataforma quadrada com as tábuas nessa direção faz, involuntariamente, mas felizmente, é que cria essas linhas de ação que direcionam para a destruição iminente. Esse é meu bom amigo, Bob Ross, gosta de chamar de acidente feliz, mas muito legal. Vamos acentuar isso trazendo o meu 0,05 aqui. Eu vou começar a adicionar alguns grãos de madeira muito levemente, apenas linhas seguindo ao longo daqui. Basta escolher alguns lugares aleatórios apenas para adicionar tábuas na direção de sua perspectiva. Agora eu vou subir o comprimento de todas essas tábuas com apenas algumas linhas onduladas. Às vezes eu adiciono um nó na madeira, mas caso contrário, vai ser bem aleatório. Mas isso vai adicionar a essa sensação de movimento direcionando para onde a ação está indo. Agora, a outra coisa que esta textura faz, além de ajudar a enfatizar essas linhas de ação, é que separa os personagens da plataforma, que é realmente bastante eficaz. Agora vou dar um passo adiante e criar ainda mais separação pegando minha caneta de caligrafia e contornando os contornos, a silhueta muito exterior do nosso personagem bárbaro. Então eu vou pegar o meu 0.4 e fazer o mesmo em torno de um protagonista. Vamos começar com o bárbaro. Agora isso vai ser um pouco diferente da tinta simples que fizemos. Nós vamos dar a volta ao contorno externo, mas nós também vamos para algumas áreas sobrepostas apenas para ter certeza de que estamos adicionando profundidade. A outra coisa também é porque estamos usando a caneta de caligrafia, vamos ser capazes de ir mais grosso em algumas áreas e mais fino em outras. Vou começar com o machado e a mão. Isto vai ser bastante grosso porque esta é a área mais proeminente e prefigurada do personagem. Vou seguir com o machado e ficar mais fino à medida que nos afastarmos. Esse é o meu personagem bárbaro feito. Agora, com o meu 0.4, eu vou dar a volta ao protagonista e apenas as bordas da plataforma. Agora que eu fiz esses esboços, você pode ver que eu criei uma separação decente entre o primeiro plano e o meio do solo. A textura das tábuas realmente ajuda a destacar os próprios personagens. Agora vamos nos mover para o fundo. Vou pegar o meu 0.2 e o meu 0.05. Agora, eu quero ir para o fundo. Eu não quero fazer tanto que eu deixe toda a cena ocupada. Já está acontecendo muita coisa e está funcionando muito bem. Vou me concentrar em duas coisas. Primeiro, vou fazer as torres e alguns dos espigões se destacarem. Dois, eu vou definir a atmosfera, e a cena, e profundidade adicionando um pouco de fumaça, nuvens e poeira no fundo. Antes de começarmos nas torres, que vão ser o foco principal, estou na verdade no meu 0.05 e vou desenhar algumas nuvens muito ásperas. Estes vão estar por cima do que estou desenhando. A razão pela qual eu estou desenhando isso primeiro é porque algumas das torres vão ser desenhadas através de áreas das nuvens e isso vai mudar como eu vou desenhá-las. Por exemplo, onde quer que as nuvens estejam na frente dos objetos que eu desenho, elas serão silhuetadas atrás da fumaça. Será desenhado de forma diferente. Mas onde quer que estejam atrás, é claro, as linhas serão mais grossas e tudo ficará mais claro. A fumaça está se movendo com o vento na mesma direção. Eu vou empurrá-lo todo esse caminho. Eu vou adicionar mais tarde, mas eu estou apenas começando com alguns conceitos básicos que eu posso usar como um pouco de um guia avançando. Eu vou para o meu 0.2. Vou começar a desenhar os topos de espigões e torres. Aqui é onde podemos começar a ter um pouco de fantasia. Podemos adicionar um pouco mais de profundidade ao nosso plano de fundo sem adicionar muito trabalho ou detalhe. Também podemos aumentar o efeito desta fumaça e ambiente, mudando para o nosso forro fino mais fino e simplesmente sombreando onde as formas estariam. Digamos, por exemplo, que queremos aludir a uma estrutura de torre aqui atrás. Podemos ter um formato diferente do que temos. Um pequeno telhado de pico, um pequeno pico de topo quadrado aqui. Mas isso está mais submerso na fumaça. Vou continuar sombreando na direção da nossa perspectiva vertical. À medida que mais linhas atravessam, eu vou seguir mais desse ângulo e todo o caminho, eu vou inclinar em direção a esse ângulo. Assim, dá a ilusão de haver uma forma atrás das nuvens. Que eu posso adicionar algumas camadas de fumaça sombreando aqui, mas deixando essa lacuna no meio ali, até adicionando mais algumas plumas, um pouco de poeira. Também podemos usar isso para continuar as estruturas que começamos como esta torre aqui. À medida que vamos mais fundo na fumaça, podemos começar a adicionar nosso sombreamento. Quanto mais densa a estrutura, mais perto da linha deve estar junto, então parece um pouco mais espesso. Além disso, quanto mais espessa a fumaça, mais finas as linhas. Isso também é um pouco de brincadeira por aqui, basta chegar perto o suficiente para que o olho pense que você acertou. Honestamente, estou muito satisfeito com o passado. Acho que não precisa de mais nada. Eu não fiz muita coisa, mas eu realmente não quero fazer muito. Eu acho que o que eu fiz é exatamente o que eu queria fazer. Acrescente a essa vibração bárbara, a fumaça aumenta a intensidade e o ambiente, e todas essas coisas boas. Mas agora, estamos de volta para onde queremos focar em nossos personagens aqui, que nos leva à última coisa que eu quero tocar com tintas, que é sombreamento. Vamos fazer muito disso com cores. Eu não quero passar por cima, mas há algumas áreas que certamente precisam de alguma atenção. Por exemplo, sob a pele dele aqui, isso deve estar completamente sombreado, mas eu quero adicionar à textura. Eu só vou girar minha imagem e apenas, usando minha caneta de caligrafia, ficar grossa a fina em sucessão rápida , saindo de baixo da cápsula. Isso só criará essa sensação de ser sombreado, mas também um pouco de um gradiente. Vou pegar uma caneta mais uniforme, digamos meus 0.2. Há algumas áreas que eu só quero sombrear completamente, como este pano rasgado. Eu quero que esta seja uma textura e um material que classifique empurrado para o fundo e tenha uma consistência familiar onde quer que ele apareça. Por último, mas não menos importante, só quero acrescentar um pouco de profundidade ao rosto dele. Para fazer isso, eu vou ficar com o meu 0.2 e eu vou apenas adicionar algumas linhas realmente finas sombreamento sob as sobrancelhas aqui. Isso vai escurecer sob os olhos. Isso vai fazê-lo parecer um pouco mais ameaçador e intenso e tem o efeito adicional de esconder ligeiramente esse pequeno erro de linha que eu tinha antes, e apenas geralmente dando seu rosto um pouco mais de forma. Vou fazer o mesmo na cara dele. Basta escolher algumas áreas que eu quero aprofundar e empurrar um pouco um pouco, e apenas adicionar um pouco deste sombreamento apenas para empurrar o lote em torno um pouco. Novamente, vamos fazer muito mais com cores quando se trata de iluminação. Mas às vezes, usar linhas para empurrar as coisas é realmente útil. Por exemplo, na língua, este é o interior da boca. Não preciso que isso se destaque. Eu só vou usar minhas linhas e realmente colocar um monte de detalhes nisso, e linhas realmente finas para sombrear isso. Aí temos. Esta é a minha obra de arte completamente legal de uma luta no topo de uma torre bárbara. Agora eu poderia estar feliz com isso, assim como está, e estou muito feliz com isso. Dito isto, eu vou escanear isso também só assim que eu tenho um backup, mas é hora de passar para o evento principal; cor. 10. Escolhendo seu esquema de cores: Nesta lição, vamos experimentar e fazer um pouco de brainstorming com as cores. Então, em nossa próxima lição, vamos aplicar essas cores. Agora, como você pode imaginar, eu não vou fazer isso no meu telefone, um monte de trabalhos. Vou colocar isso para o lado, e aqui é onde há outra vantagem para digitalizar seu trabalho artístico. Porque eu digitalizei eles, eu era capaz de duplicá-los e colocar quatro deles em uma página cada, que me permite ter apenas algumas opções diferentes e ter um pouco de um jogo. Começando com alguns palpites sábios e seguros, e depois indo um pouco fora dos meus instintos naturais para ver se consigo encontrar algo legal para trabalhar. Agora temos duas obras de arte muito diferentes aqui. É lógico que onde você tem duas abordagens diferentes com cor, vamos passar pelo mesmo processo para alcançar um resultado final, mas os próprios médiuns serão diferentes. Para a minha peça complexa cheia de ação, vou usar os meus marcadores de escolha de cores. Então, para esta peça, meu caprichoso feliz ir crianças pequenas sortudas na peça do playground, eu vou estar usando alguns lápis de cor. Começamos com o esquema de cores que primeiro vem à mente. Se tirarmos isso do caminho, deixaremos espaço para experimentos. Como você pode ver, é um processo muito relaxado. Não se preocupe com texturas, não se preocupe em manter as linhas. Este não é o processo de coloração refinado. É realmente apenas sobre bater as cores e ver como as coisas parecem juntas, e encontrar um bom equilíbrio. Assim como fazer nossos esboços em miniatura e nossos esboços de brainstorms, esta é uma coloração de brainstorm. Bem, quando chego à miniatura número 3, tento experimentar alguns novos elementos ou ideias. Por exemplo, no fundo aqui eu tenho um pouco de um nascer do sol, e um pouco de uma ofensa escura, algumas cores mais amplas no balanço e casa de café, e neste caso, as ilustrações bastante simples. Depois de ter feito três amostras de cores do tamanho de miniatura, eu tenho uma idéia bastante clara do que eu acho que funciona, e tentar criar uma compilação dessas coisas na quarta miniatura, que eu acho que acabou muito bom. pouco de um simples gradiente azul no céu, [inaudível] na menina, e [inaudível] no menino. Em geral, as cores no fundo e no ambiente são muito mais suaves do que as dos personagens e dos adereços. No geral, eu me senti como o número quatro, praticamente bateu o [inaudível] na cabeça. Vou estar muito confiante em seguir em frente com este esquema de cores na minha peça final. Agora, para uma ilustração mais desafiadora. Acredite ou não, o processo é exatamente o mesmo. É bagunçado, é bastante casual, batendo nas cores que vêm à mente no primeiro terminal, e então começando a experimentar. A única diferença entre isso e a ilustração mais simples é que há mais algumas coisas a ter em mente, em particular, iluminação, sombreamento, e eu acho que você poderia dizer alguns efeitos especiais. Por exemplo, temos um pouco de fumaça e fogo no fundo, e podemos querer brincar com a forma como a luz reflete fora da pele e como as sombras podem dançar ao redor da cena. Em miniatura 2, Eu fui um pouco mais extremo do que talvez eu deveria ter, com realmente trouxe iluminação aro amarelo em torno das bordas do personagem voltada para o fundo, e alguns destaques quentes ásperos voltados para a direção oposta. Isso foi um pouco extremo, mas me disse que eu poderia brincar com isso. Eu só estava brincando com isso do jeito errado. Eu, no entanto, gostei de como o horizonte parecia. A fumaça ondulada laranja e amarela trabalhou para separar o primeiro plano e o meio do fundo ao definir a cena. Para miniatura 3, eu decidi experimentar com curvas muito mais neutras no primeiro plano e no meio do solo, com a idéia de que uma vez que eu [inaudível] todos esses de uma forma que eu estava feliz com, eu poderia experimentar adicionando mais extremo cores e realce na parte superior. Eu fui muito extremo com o fundo que melhoram tanto, Eu era um grande fã de. Mas o objetivo com em torno dos personagens e os tons mais laranja nas sombras dos personagens, Eu senti que funcionou muito bem. Outra coisa que eu senti que funcionou muito bem também, é adicionar sombras na plataforma que os personagens estavam na direção oposta das chamas abaixo deles, aumentando a intensidade do calor e do fogo que são protagonistas podem ser totalmente em qualquer momento agora. Eu tentei colocar tudo isso em uma quarta miniatura para tentar representar todos os bits que eu gostei, e eu não entendi exatamente direito, para ser honesto. Senti que alguns dos elementos estavam muito bem equilibrados. Mas, em geral, ele tende lá fora havia um pouco de algo em cada miniatura que eu realmente gostei. Na minha primeira experiência, gostei muito do esquema de cores do protagonista. Parecia nobre, mas também um pouco abaixo da terra, e agradável e tristeza. Eu estava indo para esse termo, o que eu estou. No segundo experimento, eu realmente gosto do céu no fundo. No terceiro experimento, eu gosto do caminho de cabeça com sombras na plataforma, afastado da direção das chamas. Em seguida, o quarto, eu realmente gostei do equilíbrio da iluminação em nosso personagem bárbaro em primeiro plano, as bordas douradas e as sombras alaranjadas quentes. Depois de passar pelo mesmo processo com ambas as minhas ilustrações aqui.. Por um lado, tenho uma ilustração que tem uma direção bem clara. Por outro lado, eu tenho algumas direções que eu gosto, que eu vou tentar juntar na minha peça final. Chegar a um resultado final e avançar com isso é muito bom. Mas também você não precisa ter um esquema de cores ou teste de miniatura que funcione perfeitamente, você pode simplesmente descobrir os elementos que você gosta bem. Quando você se sentir confiante o suficiente para seguir em frente, você pode simplesmente pegar essas peças e juntá-las em sua ilustração final. De qualquer forma, o próximo estágio, que envolve pegar o que aprendemos aqui e aplicá-lo à nossa ilustração final é obrigado a ser emocionante. 11. Adicionando cores com lápis: Sou só eu ou é muito monumental? Passamos por uma jornada intensa para chegar a este ponto em que vamos adicionar cor às nossas ilustrações. Parece um grande negócio, e é, mas ao mesmo tempo, não precisa ser assustador,como se aproximar da tinta sim, como se aproximar da tinta sim, até certo ponto há um elemento de não ser capaz de desfazer o que você colocou para baixo, e isso pode ser assustador. Mas ao mesmo tempo, nós estabelecemos confiança suficiente em nossas experiências com cores. Também no tempo que passamos conhecendo as ilustrações que estamos criando, que devemos ser capazes de seguir em frente e realmente simplesmente aproveitar o processo. Começando com uma abordagem um pouco mais simples e usando meus lápis de cor e, em seguida, seguir em frente com alguns, eu acho que você poderia dizer, elementos um pouco mais desafiadores com esta peça. Pensando em coisas como iluminação dinâmica, sombreamento e efeitos de iluminação de aro, e todos os tipos de coisas legais. Chegaremos a isso mais tarde. Vamos começar com a nossa peça de lápis de cor. Então eu estou indo para ir para um estilo de coloração bastante plana, mas eu não quero muito da textura lápis para mostrar, pelo menos linhas do sombreamento. Para conseguir isso, eu sombreo muito leve, mantendo entre as linhas e mantendo minhas greves realmente suaves e consistentes. Assim que eu sentir que eu vou ser preso em um pouco de um canto onde depois de aplicar mais pressão, eu apenas girar meu ângulo para obter mais consistência. Quanto mais experiência você tem com os lápis, mais você aprende a sentir a forma que a ponta do chumbo está sob suas mãos. Então, quando começa a parecer um pouco brusco, você gira o lápis para obter uma ponta mais nítida para baixo, que você possa obter mais pigmento no papel. Então, há uma camada da cor plana, mas na verdade eu vou passar desde o início e eu estou indo para baixo em um ângulo diferente desta vez a partir da primeira camada em que eu desci. Estou indo o mais suavemente possível sobre a totalidade da mesma área de cor. Agora, você vai notar também que perto das bordas, é um pouco mais leve porque nós também estamos tentando não passar por cima das bordas, e ao fazer isso, nós realmente não estamos indo todo o caminho até as bordas o tempo todo. Então você pode voltar e adicionar um pouco de amor extra para as bordas lá. Agora, é importante pensar sobre o tipo de estilo e estética que você está procurando, e neste caso, eu quero algumas cores muito brilhantes, bonitas e ricas com nossos personagens principais, o cachorro e a tigela. Com tudo o resto, eu vou mantê-lo para gostar uma ou duas camadas de cores realmente suaves e suaves. Esta é a terceira camada desta vez, e eu estou recebendo uma cor plana bem lisa, alterando minha direção toda vez e mantendo meus traços realmente suaves. Mas ao fazê-lo desta forma, significa que não vou amassar o papel na minha primeira camada e criar texturas duras. Então aí você tem que moldado muito bem, eu estou terminando agora e esta é a minha quarta camada de cor para a única cor da camisa. Isso é bastante simples quando se trata de uma única cor. Mas o que vou demonstrar é misturar-se. Desculpe, os tons de pele, por exemplo, quando se trata de lápis, notoriamente não sou ótimo. Quero dizer, para personagens como este, se eu quisesse um tom de pele de pêssego, estas são as cores que vêm nos lápis e para obter o pigmento para baixo, você tem que acabar pressionando bastante, e o resultado final é realmente muito branda, ou pelo menos eu acho que sim. Então o que eu gosto de fazer é misturar minhas próprias cores. Então eu tenho três lápis aqui. Eu tenho um rosa claro, um marrom quente médio e um amarelo. Gosto de começar com o rosa e fazer o que fiz com a camisa vermelha. Mas sobre todos os tons de pele, basta obter uma cor realmente uniforme de um rosa muito claro. Então eu passei por cima da pele deste personagem com um par de casacos do rosa, mantendo um monte bonito com espaço suficiente para adicionar mais algumas cores sem ser muito saturado. Então agora, movendo-se para o marrom mais quente, e eu vou fazer a mesma coisa, mas desta vez vai ser ainda mais leve com a minha aplicação. Isto vai neutralizar um pouco o tom de pele. Usar um marrom quente adiciona um pouco de profundidade e calor ao tom da pele, mas também o torna um pouco mais terroso e um pouco menos saturado. O outro benefício de trabalhar com várias cores como estou fazendo para o tom de pele aqui, é que permite que você trabalhe em cinco, seis, sete camadas em oposição a uma ou duas. Fazendo isso com várias cores e trabalhando com seus traços em diferentes camadas e direções, no final acredito que resulta em um resultado muito mais suave e uma aplicação mais vibrante e variante de cor. Então eu fiz uma camada muito leve daquele marrom quente. Agora eu vou passar para o meu amarelo e eu não posso enfatizar o suficiente como você precisa ser leve com este amarelo. Só acrescenta um pouco de vida à pele. Mas tenha em mente, há amarelo em marrom, então realmente mantenha leve aqui. Isto é apenas para adicionar um pouco de brilho, o que eu acho, especialmente com uma ilustração caprichosa como esta, é muito agradável. Agora eu acabei de me notar, e vale a pena salientar que quando eu estou aplicando realmente muito aplicações atadas com os lápis de cor, eu estou segurando o lápis muito para trás e permitindo-me ter realmente luz, mas aplicações rápidas e muito suaves da cor. Eu não sei eu sinto que isso me dá um pouco mais de controle, mas também mantém o aplicativo agradável e sutil. Este resultado nesses níveis de cor é apenas, na minha opinião, muito legal. Então eu vou passar pelo resto da peça e fazer a mesma coisa. Como você pode ver, o processo praticamente se repete. Camada por camada, adicionando cor, ocasionalmente eu vou misturar em uma tonalidade diferente ou outra cor apenas para mover o tom na direção que eu quero. Mas, caso contrário, em geral, é cerca de três ou quatro camadas, se eu estiver indo para uma cor realmente forte, que eu estou indo para os dois personagens principais, o cão e a bola. Quando chegar ao fundo, minha abordagem permanece a mesma, mas o aplicativo é muito mais leve. Então eu ainda estou fazendo três ou quatro camadas para cada seção. Ocasionalmente misturando outras cores, mas não estou aplicando tanta pressão. Se alguma coisa, eu estou segurando o lápis um pouco mais para trás. Meu movimento é um pouco mais amplo e eu estou apenas tentando criar uma separação em intensidade entre o foco da peça e um fundo suave. Aqui temos, a primeira de duas obras de arte acabadas. Tudo era um processo de descoberta, mas não tinha 100% de certeza até que eu terminasse. Agora terminada, eu adoro isso. Espero que tenha gostado de vir comigo para ver esta peça do início ao fim. Falando nisso, é hora de terminar duas das duas peças. Vejo-te nas próximas lições. 12. Adicionando cores com canetas: Temos a minha linha de trabalho para a minha peça mais ambiciosa e corajosa aqui. Eu tenho minhas escolhas de cor que eu vou colocar para o lado é uma referência aqui, simplesmente porque eu nunca se estabeleceu em uma miniatura, Eu tenho uma mistura de coisas que eu sei que eu gosto. É aqui que é importante destacar, mais uma vez, que eu não sei o que estou fazendo avançando. Eu sei o que vou tentar. Não sei se vai funcionar, mas estou ansioso para ver se funciona. Agora, os marcadores são muito parecidos com lápis de cor. Você está trabalhando em camadas, você usa mesclagem para criar misturas de cores. Então finalizar esta peça com cor vai ser semelhante em sua abordagem. Só vai levar um pouco mais de tempo e pensar. Eu só vou muito mais devagar porque obviamente há muito mais a levar em consideração. À medida que passo a trabalhar com os marcadores, vou destacar algumas das diferenças entre estes e os lápis. A primeira, a mais óbvia, é que eles caem muito forte. Lápis levar um monte de incentivo para obter os pigmentos para anexar ao papel e obter um olhar realmente uniforme. Marcadores, até mesmo as cores mais claras, quando você os aplica em um par de traços, eles caem muito forte. Então, quando você os aplica ainda mais em cima disso para obter um olhar uniforme, fica bastante escuro quando você terminar. Esta é uma cor muito clara. Se este é um tom de pele com o qual estou trabalhando, isso é bastante escuro para uma base. Eu costumo começar com o tom de pele que é o mais leve possível para o tom de que você está trabalhando com a pele. Neste caso, nosso personagem de primeiro plano tem bastante tom de pele e nosso personagem de fundo é um pouco mais de um tom de sépia e pele marrom. Eu só vou pegar algumas bases de luz para cada um desses tons de pele e colocar para baixo as cores base. A maneira como eu estou aplicando cores aqui vai ser muito incremental e eu também estou mantendo em mente o que está vindo a seguir. Em particular, neste caso, eu tenho alguns efeitos de iluminação que eu quero adicionar em torno das bordas, a borda inferior na frente do personagem, um pouco de calor laranja, e depois nas bordas traseiras, um pouco amarelo. Então eu realmente não vou colorir todo o caminho até essas bordas em particular, porque eu quero ter certeza de que as cores que eu acabar escolhendo para esses efeitos de iluminação vão ser capazes de ficar por conta própria sem a necessidade de misturar em cima do tom de pele que eu escolhi. Você vai notar que eu estou passando por cima das bordas em alguns lugares, porque eu estou trabalhando com um tom tão leve, que não importa muito. Quando chegar às sombras, terei que ser muito mais preciso, mas ainda estou bem relaxado. Então eu acabei de fazer os destaques dos tons de pele. Vou passar para os tons médios, mas não vou me preocupar com sombras até mais tarde. Você acha um tom de pele, tom médio, isso é muito bom. Com marcadores, você pode criar alguns gradientes agradáveis misturando ainda mais. Assim que eu colocar para baixo o meu tom médio, eu posso voltar para o meu tom original e misturá-lo para criar uma mistura agradável. O álcool vai misturar na página e misturar entre o seu tom médio e sua linha alta, que é a razão sobre o amor usando marcadores de álcool. São todos os tons de pele da minha imagem feitos. Realmente, é muito simples seguir em frente. Estou fazendo isso para cada seção. Então, só para ser o mais claro possível, aqui está como eu estou construindo todas as cores. Eu só estou colocando para baixo aquela cor de destaque plana, deixando um pouco de branco em torno das bordas onde haverá alguma luz refletindo mais tarde. Então eu estou adicionando um tom médio que eu mesclo que é meio que no meio e à direita, criando um pouco de um olhar tridimensional, configurando a cena para ter um pouco de um conjunto consistente de iluminação. Eu vou fazer isso através de todas as diferentes seções: a alma, o pano, a própria torre, e o fundo vai ser um pouco diferente. Então vamos cobrir isso com mais detalhes quando chegarmos a ele. Isso está realmente vindo junto, mas nós ainda nem chegamos às coisas loucas. Acabamos de colocar algumas cores fundamentais nas áreas principais. Agora vou seguir em frente e preencher o plano de fundo. Eu vou mantê-lo bastante áspero e solto porque no final do dia é o fundo, eu quero empurrá-lo para trás, manter o foco na diversão, mas vamos começar a incorporar um pouco de calor. Antes de chegar ao material de fogo, eu vou simplesmente preencher algumas cores de madeira de avião para as áreas superiores das plataformas e picos. Como eu mencionei, eu estou mantendo isso bem duro porque eu vou estar em camadas de fumaça e então eu vou estar amolecendo tudo com apenas álcool colocado em cima mais tarde; muito vagamente, preenchendo as áreas superiores, especificamente as torres de madeira que estão picando fora do fogo e fumaça. Eu só estou fazendo tudo isso com a única cor, as cordas, as plataformas, e os pilares simplesmente porque uma vez que eu começar a colocar em camadas em toda a fumaça e todos os efeitos de fogo, bem, se eu levasse tempo fazendo cores diferentes, você não notaria isso. Isso serve apenas para as áreas de madeira. Agora vou começar a me mover para a fumaça. Vou começar com os meus cinzentos e vou lentamente adicionar o calor. 13. Criando efeitos com cores: Agora vou começar a me mover para a fumaça. Eu vou começar com um número 3, que é um cinza quente médio a claro e eu vou lentamente trabalhar meu caminho de volta para o número 1, que é muito leve. Eu só estou preenchendo as áreas mais profundas da nuvem e eu estou apenas muito vagamente ondulando esta fumaça para cima, escolhendo as áreas de recuo das nuvens que eu quero escurecer. Quero que as nuvens fiquem mais escuras quanto mais alto chegarmos porque quero que o fundo pareça um brilho de fogo. Isso serve para os meus cinzas quentes. Vou voltar aos meus cinzentos daqui a pouco, mas agora quero começar a aquecer um pouco. Vou encontrar um amarelo claro, muito dessaturado. Estou trabalhando no fundo da plataforma, que é a parte mais baixa da cidade em chamas atrás deles. Eu só estou empurrando para cima assim e então eu vou lentamente trabalhar isso para dentro das nuvens. A coisa sobre nuvens e fumaça é que ela é feita de partículas e partículas que têm luz interagem com elas, é por isso que vamos sombrear nossa fumaça de baixo porque o fogo está embaixo. Eu só estou trazendo este amarelo e empurrando-o contra o fundo das nuvens ásperas que eu deitei. Eu posso ser muito agressivo com isso porque eu quero que todo o fundo seja bem quente. Vou começar a trabalhar isto em todos os meus cinzas quentes. Isso quase vai preencher todo o fundo. Eu não vou colocá-lo, apenas segure firme porque eu quero algumas áreas claras e algum espaço para estabelecer algumas cores ainda mais quentes. Vamos começar o aquecimento aqui. Vou para uma direção mais quente. Acho que quero que as bordas sejam bem claras e fiquem em chamas, o que significa que, à medida que fico mais escura e saturada no calor, vou subir para a nuvem. Vou começar nas áreas mais profundas das nuvens, trabalhar o meu caminho para cima e ficar mais pesado aqui em cima. Vou para trás e para a frente entre o meu amarelo e esta laranja e, em seguida, começar a misturá-los e agora misturá-los e criar algo entre os dois como eles se misturam. Eu vou ficar com um pouco de laranja quente como essa. Isso está ficando um pouco mais escuro então eu vou ser um pouco formado aqui, mas eu vou apenas escolher áreas entre as nuvens e mais em direção ao topo onde eu quero que a peça seja mais pesada. Basta colocar em alguns testes apenas para dar às nuvens um pouco de forma. Com o marcador de álcool é bom para se acostumar a voltar aos seus tempos anteriores, especificamente à medida que você mistura da luz ao escuro retrocedendo ao tempo anterior que você usou e conectando-os em um gradiente é a melhor maneira de criar um visual suave. Agora, estou quase terminando com o fundo. Só quero aumentar um pouco essa intensidade. Eu só vou fazer isso parecer que a fumaça preta está estilizada para formar o mais longe que estamos das chamas. Isso faz um pequeno truque extra de manter o calor direcionado para baixo e para dentro para a intensa cena de batalha. Eu não quero muita intensidade e calor muito longe de onde eu quero que as pessoas olhem. Eu vou fazer o oposto agora e eu vou pegar um bom amarelo quente. Este é um amarelo ácido e eu vou dar a volta nas bordas aqui e realmente grosso modo com esses pequenos vazamentos de luz. Estou quase indicando as chamas. Na verdade, vamos fazer isso. Vamos apenas adicionar algumas chamas. Eu só estou me movendo e longe da borda da plataforma. Vou voltar para o meu amarelo claro e misturar isso. Bastante generoso com a minha mistura aqui só para torná-lo agradável e suave e classificar como se estivesse borrada no fundo. Vou escolher algumas áreas para adicionar um pouco de sombra também por causa da intensidade que temos acontecendo aqui. Eu não quero ficar muito louco, mas eu acho que se eu pegar essa laranja e eu vou apenas passar por cima de algumas plataformas que vão estar claramente na direção oposta da luz e das chamas. Vamos apenas dar-lhe um pouco mais de dimensão, ea última coisa que eu vou fazer em segundo plano agora que eu estou muito feliz com o nível de calor que temos indo é obter o meu liquidificador incolor, que se você não está acostumado com marcador de álcool como uma coisa inútil. É literalmente apenas misturando álcool e parece que realmente não faz nada, mas é realmente útil com. Para algo como todo esse negócio acontecendo aqui, eu geralmente posso suavizar o, eu acho que você poderia dizer a intensidade, saturação e textura do fundo, passando por cima de tudo isso com um código realmente grosso de liquidificador incolor. Ele apenas mescla toda a tinta que está sentada lá no mesmo lugar em um pouco de uma mistura lá em geral, e força tudo a manter a mesma textura. Textura distante ligeiramente manchada, ligeiramente dessaturada, que quase age como um efeito de profundidade de campo. É muito útil empurrar algo em segundo plano. Agora que o fundo está olhando muito bem no fundo, vamos fazer o primeiro plano e o meio do solo realmente se destacam. Isso vale a pena parar e apenas falar sobre brevemente porque você poderia olhar para esta peça e dizer que é muito bom. Vou chamar isso de peça acabada. Algumas pessoas podem. Este é o ponto em que fazer algo realmente intenso requer muita bravura e você pode muito bem arruinar sua arte. Não sei o que vai acontecer a seguir, mas pode não ser ótimo. Mas ao mesmo tempo, aprendi que ao correr esses riscos e ser realmente ousado com algumas das minhas escolhas, sempre tive mais chance de conseguir algo com o qual estou extremamente impressionado e orgulhoso de mim mesmo por desenhar. Vamos tentar e vamos ver onde vamos parar. Decidi separar isto em duas áreas. Um, amarelo virado para fora em direção a onde esse calor vem e de onde é tudo visível, e dois, laranja e uma cor mais escura mais quente, mais direcionada para a perspectiva do espectador. Vamos pegar um amarelo muito claro e eu vou dar em torno de todas essas bordas externas que estão voltadas para a fonte de calor. Agora, você já pode ver o quão importante é que eu deixei as bordas claras e brancas porque enquanto eu estou misturando neste amarelo, é realmente claro o quão intencional este efeito de iluminação é. Você também verá o quão rapidamente apenas fazer isso está realmente fazendo sentido para a imagem, especialmente com áreas como esta onde temos um amor de cor azul. Se estiver muito azul onde eu estou tentando misturar no amarelo, vai acabar ficando verde, que não é o efeito que eu estou indo para. O que eu quero fazer é obter um amarelo um pouco mais intenso e eu vou apenas passar por algumas bordas realmente afiadas nas áreas que são mais atingidas por esta fonte de luz. Isso também inclui a plataforma. Então eu estou indo sobre as bordas aqui só para ter certeza de que a plataforma parece que está bem contra o calor também. Agora, é importante saber quando parar e isso tende a ser uma das coisas com que luto porque fico um pouco excitado. Estou muito feliz com isso e onde está. A última coisa que eu quero fazer é adicionar alguma intensidade às sombras e eu poderia novamente chamar isso de uma peça acabada e quem sabe como a próxima parte vai ser, talvez este seja o lugar para parar. Mas eu realmente quero tentar adicionar um monte de intensidade para as sombras usando algumas cores mais quentes onde eu normalmente usaria algumas cores de sombra. Este é apenas aquele laranja claro, mas usá-lo no lugar de onde eu normalmente colocar sombras e uniformemente em cima de todas as cores que eu estou esperando vai para o título em conjunto e adicionar uma sensação de intensidade. Agora, se quisermos suavizar, digamos, por exemplo, no tom de pele, posso voltar às minhas cores originais, misturá-la um pouco. Eu mantenho o efeito que eu adicionei, mas ele apenas suaviza a aplicação muito ligeiramente. Estou muito feliz onde o bárbaro está, e como você pode ver, fez uma diferença muito drástica. Ele é principalmente amarelos e laranjas agora com as cores originais empurrando através e moldando a aparência geral. Vou passar para o nosso protagonista aqui e vou fazer a mesma coisa. Novamente, focando nas áreas de sombras ou onde a sombra normalmente seria lançada, ou na direção oposta dos destaques amarelos que coloquei e o fogo atrás dele apenas trabalhando neste laranja. Então isso está funcionando muito bem, e por último, mas não menos importante, bem, eles estão na plataforma e eu não fiz as sombras para a plataforma. Vou fazer a mesma coisa. Onde quer que as sombras estejam da plataforma, estou trabalhando nessa laranja. Eu também vou começar a construir um pouco de laranja em um gradiente longe das chamas em toda a plataforma. Ele vai adicionar um pouco de calor uniforme sobre toda a peça porque esta é a única área da imagem que não recebeu a mesma quantidade de amor e calor, e então por último, mas não menos importante, estamos finalmente no final dessa peça. Eu tenho um pequeno truque que eu gosto de fazer, que é simplesmente pegar uma caneta de gel branca e eu vou usar isso para limpar algumas bordas ou adicionar um pouco de acentuação. Particularmente em uma peça como esta, devemos ter muitos pontos quentes, especialmente quanto mais perto estamos da chama. Eu só vou usar esta caneta para adicionar uma borda brilhante real e alguns pontos e reflexos bem contra onde o fogo está. Além de adicionar um pouco de limpeza e intensidade, isso também ajuda a separar os elementos novamente. Porque agora que está tudo misturado e tudo parece quente e semelhante, de certa forma, pode fazer com que tudo pareça um pouco plano. Os passos finais fazem muito. Eles só adicionam muito. Se você acha que funciona ou não é sempre uma questão de sua própria opinião. Mas eu realmente sinto que o que eu estava fazendo aqui era uma cena de batalha intensa e quente e eu sinto que é isso que nós temos, e lá está. Chegamos ao nosso destino final. Duas obras de arte completamente diferentes, estilos completamente diferentes, níveis de intensidade para criar níveis de desafio para mim pessoalmente e ainda assim eu me sinto tão satisfeito com ambos. Eu realmente sinto que eu comecei a fazer algo muito específico com cada obra de arte e eu fui capaz de conseguir isso por causa dos passos que eu passei que eu compartilhei com você. Eu realmente espero que você tenha se sentido capacitado e você tenha recebido um monte de dicas e truques que você pode aplicar ao seu processo avançando. Eu realmente espero que você tenha se divertido e eu espero que você goste do resultado final das minhas obras de arte porque no final da arte é sobre fazer coisas que você gostaria que as pessoas olhassem e eu espero que você tenha gostado de olhar para estes. 14. Considerações finais: Nós fizemos isso. Estamos do lado. Agora, eu queria terminar compartilhando alguns de meus pensamentos porque no final do dia, tudo isso é uma jornada e você está em um ponto de sua jornada. Eu só quero compartilhar algumas perspectivas que eu ganhei em minha jornada por ser um artista em diferentes meios em diferentes plataformas. Eu acho que a coisa mais importante que eu gostaria enfatizar e fazer você tirar da minha aula, é um sentimento de empoderamento e confiança. Não que você vai acertar todas as vezes, mas que você vai seguir em frente, e é isso. Se você está seguindo em frente, você vai melhorar. Não significa que todas as obras de arte que você vai fazer vão ser perfeitas. Não significa que você não poderia cometer erros ou arruinar obras de arte. Isso vai acontecer muito. Eu só acho que é realmente importante na sua jornada que você não se aprisionar nos sentimentos de medo ou intimidação a que todos nós somos propensos. Mas, em vez disso, substitua a ideia de incerteza por possibilidade. Porque no final do dia, sim, podemos olhar para frente e ver muitas incógnitas. Não sabemos se esta obra de arte vai dar certo, ou se vamos estragar tudo ao longo do caminho. Mas há todas as possibilidades que você poderia fazer a melhor coisa que você já fez a seguir, mesmo que a coisa que você acabou de fazer não fosse tão boa assim. Isso é uma questão de perspectiva, pode não ser tão bom para você, pode ser muito bom para alguém que está olhando para o seu trabalho artístico. Aqui está um exercício para você, parar por um segundo e pensar nos três melhores artistas em sua mente, as pessoas que você deseja ser como e quer imitar em seu estilo. Pense nas obras de arte deles que você viu que fizeram você realmente faminto por esse nível de habilidade. Para cada peça que você vê de um artista que te inspira, há milhares que você não verá que os levou lá. Tenho certeza que, especialmente para artistas brotantes que passaram por esta aula, você vai ter me visto passar pelos processos e os passos e pensou que eu pareço realmente confiante, como se eu soubesse o que está por vir. Mas aqui está o segredo. Nunca sei o que vem a seguir. Para mim, essa é a diversão. Sim, há recheios, e há muitos. Eu os documentei e os coloquei no YouTube. Isso faz parte da diversão. Então, se você pode abraçar a possibilidade e não se preocupar com a incerteza, então, de repente, o mundo inteiro está aberto para você e você só vai para frente e para cima. Se você fez uma ilustração como resultado desta aula, por favor, compartilhe-a na galeria do projeto para que eu e seus colegas possamos vê-la. Todos nós podemos nos alimentar e construir uns aos outros e ajudar uns aos outros a melhorar e encorajar uns aos outros ao longo do caminho. Eu encorajaria você a fazer mais do que apenas compartilhar seu resultado final. É realmente útil para as pessoas verem os passos que você deu. Se você compartilhar seu quadro de humor, seus esboços ásperos, seu esboço refinado e, em seguida, o processo final. Isso vai ser muito útil para outras pessoas verem como você chegou ao seu resultado. Mas realmente eu acho que sobre encerra tudo e é tudo que eu posso pensar em compartilhar nesta aula. Eu derramei minha alma para você e eu espero que você tenha gostado dos resultados e você se sinta empoderado. Muito obrigado por se juntar à minha turma. Desejo-lhe tudo de melhor na sua jornada criativa. Até a próxima vez, vejo-te mais tarde. 15. Bônus: feedback de Jazza sobre o projeto: Dê a todos este é um pouco de um vídeo bônus que eu estou adicionando ao final da aula. Em primeiro lugar, obrigado pela incrível resposta à aula. Estou incrivelmente grato e impressionado com o seu feedback e as suas submissões, que me leva em segundo lugar ao que estamos fazendo aqui. Vou passar por alguns dos seus projetos de turma. Eu vou apontar algumas das coisas que eu acho que são realmente fortes em algumas dessas submissões particularmente destacadas. Espero que todos possamos aprender uns com os outros a esse respeito, eu estarei aprendendo com você. Ao mesmo tempo, eu quero aproveitar a oportunidade para talvez compartilhar um ou dois pensamentos, um ponto de crítica construtiva ou feedback para ajudar a compartilhar parte da minha experiência de qualquer maneira que possa ser útil para você. Mas qualquer coisa que eu acrescente é uma sugestão ou algo que vem da experiência, mas apenas com a esperança de ajudar a capacitar sua criatividade das maneiras que aprendi ao longo dos anos. Da mesma forma que você está ajudando a capacitar a criatividade de outras pessoas compartilhando seus projetos e as coisas que você aprende ao longo do caminho. Eu só queria começar agradecendo àqueles de vocês que apresentaram projetos de classe pela sua bravura e entusiasmo, e por participarem da aula. Tudo isso conta muito para ajudar outros aspirantes a artistas, bem como para ajudar você a se desenvolver em sua jornada. Eu vou estar passando por projetos de classe como eles foram enviados em skillshare. De vez em quando, se há algo que eu quero apontar especificamente, vou abri-lo no Photoshop para que eu possa desenhar sobre ele e apenas delinear algumas coisas aqui e ali. Mas estou ansioso para compartilhar algumas das coisas exploratórias que vocês mostraram nas inscrições da turma. Submissão Kelly, Nights Scrying. Em primeiro lugar, adorei passar e ver o seu processo e de tantas outras pessoas. A maneira como você compartilha seus pensamentos. Se eu desse algum feedback, seria em separar um pouco essa composição, guiando o olho para o lugar certo. É muito claro para onde o olho precisa ir, e podemos enfatizar isso, podemos nos inclinar para isso ainda mais. A maneira mais clara de fazer isso, do meu ponto de vista, é usar a luz, e as camadas dessas árvores nesta floresta para enquadrar ainda mais a imagem. Só para dar um exemplo muito solto, eu só vou pintar sobre estas árvores de primeiro plano frontais em um preto sólido no Photoshop. Sem tocar muito no meio do chão ou mesmo fundo, posso reduzir a opacidade. Você vai notar apenas por tê-lo muito mais escuro, ele realmente dá uma indicação de silhueta mais clara que as formas são árvores, o que também ajuda o olho e o cérebro muito rapidamente entender que tudo por trás disso é árvores também, sem precisar sequer olhar para lá. Outra coisa que é, uma das minhas coisas favoritas a fazer é adicionar algo chamado iluminação aro. Aqui é onde há uma fonte direta de iluminação atrás de um objeto, especialmente se esse objeto é um ponto de foco. Diga, por exemplo, este personagem aqui. É uma maneira visualmente atraente de aguçar e chamar a atenção para esse assunto. Isso é simplesmente para adicionar iluminação à borda que é mais contra essa fonte de luz. Temos uma fonte de luz bem aqui, é esta lua bem aqui no céu. Simplesmente adicionando a luz do aro, uma borda muito afiada nessa direção. É muito importante saber de onde a luz estaria saltando. Temos a equipe aqui, apenas trabalhando com as áreas da imagem que seriam mais impactadas por essa luz. É uma grande ilustração, mas com apenas alguns pequenos ajustes simples, o olho rapidamente entende muito mais sobre o que está acontecendo sem mesmo mudar a ilustração em si. projeto da Georgina. Fé Arruinada, é um exemplo fantástico da construção de uma ideia em algo realmente sólido. Em primeiro lugar, referência on-line e também sair e tirar fotos de localização. Quanto mais você pode mergulhar até mesmo na fase de pesquisa, mais você vai ser realmente enriquecido com o processo de criação de uma ilustração. Da mesma forma, como você passou por seus esboços e sua exploração de idéias e refinamento, você pode realmente ver que o nível de compromisso obviamente levou a um nível de satisfação, que é absolutamente algo que muitos alunos e eu posso aprender. Você tem se saído surpreendentemente bem. Acho que o meu único ponto de feedback seria apoiar-se na regra dos terços, quando se trata de uma composição como esta. Especialmente quando há muitas coisas para as quais podemos dedicar a nossa atenção. A regra dos terços, para aqueles de vocês que não sabem, é basicamente se você tem alguma composição de imagem e você dividi-la em uma grade como esta, em terços verticalmente e horizontalmente, os pontos da maioria dos interesses devem de alguma forma se cruzar onde esses pontos estão. Por exemplo, se você tem um horizonte, ele vai parecer mais atraente aqui ou aqui. Se você tiver um assunto, ele ficará melhor no meio ou no ponto de interseção entre essas linhas e essas linhas. A razão pela qual eu menciono isso é quando eu olho para esta imagem, é linda como ela é, parece que eu estou perdendo algo ou o aqui porque o ponto de foco está claramente aqui. O que esse personagem está olhando. Embora haja um monte de branco nesta área visualmente, ele apenas se sente um pouco fora da tela, se isso faz sentido. Simplesmente centralizando nossa posição de personagens, você não precisa necessariamente preencher a parte superior e inferior. Você pode apenas ampliar a imagem dele. Só preenchendo um pouco mais dessa informação do que isso é. É um túmulo ou uma pedra? Há alguma coisa que ele esteja a olhar ou estamos apenas a olhar para ele, a olhar para longe? Se assim for, talvez possamos criar algum espaço para a contemplação dele sentir que se encaixa. Mas na regra dos terços, faz sentido colocá-lo no lado esquerdo e não no lado direito, simplesmente porque há uma história acontecendo atrás dele e o local é tanto de um personagem quanto os personagens. Uma peça brilhante. Muito bem reunidos e composição é uma daquelas coisas que, tenho certeza que alguns de vocês estavam vendo tematicamente através das entradas que estou passando, é uma parte muito legal de direcionar a atenção das pessoas e fazer uma peça parecer correta. Catherine Cook. Dancer in the Firelight, passa por um fantástico processo de aprendizagem antes de apresentar a peça final, o que é ótimo. Obrigado por mostrar isso. Adoro o dinamismo na sua peça. Eu amo que você tem um pouco quente e frio e você tem um contraste realmente grande. As luzes são realmente brilhantes, perto de branco porque eles estão de frente para a chama e as escuras estão perto de preto como vemos a escuridão do espaço por trás dos personagens. Há alguns elementos realmente fortes lá que você colocou em bom uso. Acho que o meu feedback será em acentuar o ponto de foco. Um dos truques mais legais para criar um pouco de um ponto focal é literalmente colocar as coisas fora de foco. Vou fazer isso em segundo plano e em primeiro plano. Novamente, tenha em mente que este é um exemplo muito solto, mas se eu copiar e colar os elementos que eu acabei de isolar, aqueles. No Photoshop para demonstrar, estou adicionando um pouco de borrão gaussiano. Só vou colocar um pouco de borrão. Mas como você pode ver apenas fazendo esse pequeno borrão, ele neutraliza e aguça o ponto de foco. Estou ciente de que estou fazendo isso no Photoshop e sua peça é uma obra de arte tradicional. Mas com isso dito, acho que são as linhas afiadas nas bordas das montanhas. Eles poderiam ser suavizados com as aquarelas, essas chamas. Novamente, apenas misturando esses materiais uns com os outros, apenas um pouco mais vagamente em áreas que não são o ponto de foco, ajudará a criar esse efeito embaçado. Algo que é realmente extra divertido de fazer de vez em quando, é criar um elemento no mega chão cheio. Porque ela está dançando na frente das chamas aqui, você poderia, se você quisesse, adicionar apenas alguns lambidos de chama que estão bem na frente de tudo. Apenas na frente da vista e da câmera, ligeiramente sobrepondo elementos. Talvez tenhamos uns bocadinhos aqui ou talvez umas brasas no ar. Ajuda a criar uma sensação de profundidade e ambiente sem adicionar complicações ou detalhes. A última coisa que eu sugeriria é a iluminação do aro. Adoro a iluminação da borda, especialmente aqui em cima quando entramos nas áreas mais escuras onde a pele e o cabelo do personagem se misturam mais com o horizonte e o céu. Você nem precisa mostrar uma fonte de luz para aludir a uma fonte de luz. Mas apenas tendo uma pequena borda de luz muito simples na direção da suposta fonte de luz, criamos um pouco mais de separação e um pouco mais de contraste e nitidez. Nem sequer tem que estar nas bordas do personagem. Pode ser em partes do personagem que parecem um pouco lamacentas quando conectadas a outras partes do personagem. Temos o cabelo e o ombro aqui. Você pode colocar uma luz de borda aqui que, se há uma fonte de luz vindo nessa direção, pode ter atingido ambas as superfícies. Alguns realmente simples, fácil e super divertido pequenas ferramentas que eu estou esperando que você vai encontrar útil em ilustrações futuras, que por sinal, bela ilustração, muito bem feito. peça de Samantha, Meet a Sereia é outro grande exemplo de mostrar o processo de chegar a uma ideia, e também usar algumas ideias geradas aleatórias para criar algo único. Eu amo que ela usou o método d20, um dos meus métodos favoritos, especialmente como um amante Dungeons and Dragons, para chegar aos seus resultados e sua geração de idéias. Pode ser uma ótima maneira de, como você pode ver, fazer algo que você pode não ter pensado de outra forma e realmente se esticar criativamente. Acho que o meu feedback, Samantha, seria baseado no que vou chamar de densidade de detalhe. Eu acho que o que eu estou me referindo aqui é, digamos que eu vou apenas cortar, copiar e colar apenas aquela pequena área. Você pode ver o nível de textura, o nível de linha e contraste acontecendo dentro dessa seção específica da imagem está em um determinado nível. É bem profundo. Há muita coisa acontecendo nas texturas e cores. Eu não acho que alguém assistindo isso argumentaria que o foco desta peça é realmente esses personagens. Se eu os isolar de tudo o resto, eu acho que é claro ver que a densidade dessas texturas, e desse contraste é muito mais no fundo do que no ponto focal. Mesmo que você mantivesse o mesmo esquema de cores e você não mudasse muito, se o fundo tivesse um pouco menos de contraste ou os personagens tivessem um pouco mais, isso ajudaria a mudar novamente [inaudível] o olho quer ir. Mas, por outro lado, eu amo esse nível de detalhe e contraste no fundo, e eu gosto que haja uma estética ligeiramente diferente para os personagens do que o fundo. Outra maneira de criar interesse visual é simplesmente usando uma cor diferente. O que isso é dependerá inteiramente de você. Mas temos simplesmente uma peça que está sobrecarregada com um monte de verde e apenas um pouco de azul. Isso é ótimo e está funcionando muito bem para a sensação, mas pode valer a pena apenas pintar sobre o ponto focal de sua imagem como esses personagens aqui. Só estou fazendo isso com um simples branco. Obviamente, essas alterações são muito rápidas e simples digitalmente, mas você certamente pode conseguir isso de maneiras diferentes no meio tradicional. Eu só estou mudando isso para um modo de mistura de cores, e como você pode ver, isso acabou de transformá-lo em um empurrão preto e branco na imagem porque eu a tornei branco. Mas agora, quando eu mudo a sobreposição de cores para cores diferentes. Se você estiver olhando para a imagem geral, é uma ótima maneira de experimentar e ver que não só podemos rapidamente puxar a atenção agressivamente para o ponto focal, mas também podemos ver como isso pode afetar a sensação da imagem. Pode parecer um pouco mais quente ou convidativo se for dourado, pode parecer um pouco luxuriante se for rosa. Pode parecer um pouco frio ou frio e amarrar um pouco mais com a água e o elemento sereia, se for azul. Nós não temos que ir plano assim, mas eu estou tentando mostrar da forma mais clara e simples possível, é que mesmo que você queira manter esse nível de densidade de detalhes nas áreas em que eles estão, cor é outra maneira fantástica de dizer ao olho exatamente onde olhar. Submissão de Isaac, Shootout Space Western. Primeiro de tudo eu certamente aprecio sua escolha de tópico e eu não sei, eu sou um pouco de um idiota para os aventureiros, selvagens, loucos e fantásticos. Não só adoro o seu resultado, mas também adoro como na coleta de recursos, você realmente foi em todas as direções relacionadas, não apenas para as coisas do Space Western ou algo próximo a isso, você foi clássico ocidental você foi apenas espaço e alienígena, você foi para itens mecânicos ou itens fantasia tanto em ilustrações e, em seguida, em fotos. Este é um exemplo realmente fantástico de quão longe e largo você pode e deve ir com o seu quadro de humor para trazer o máximo e encontrar tanta inspiração para trazer a sua peça para a vida. Da mesma forma, passando por sua fase de design de personagem e especialmente brincando com as poses e o enquadramento, a composição, é ótimo ver você realmente se esticando e sendo o mais inventivo possível. Agora é claro ver que com as três miniaturas que você não escolheu e a que você fez, você realmente vai para a aventura de ação e um pouco de calamidade porque você tem ido com um pouco de um jangle holandês. Você foi com essa perspectiva ligeiramente distorcida na câmera ou na perspectiva do espectador. O que eu estou interessado em ver aqui é especialmente em uma cena que realmente vai se beneficiar de ser um pouco louco. Você pode se beneficiar de realmente se esticar e ver quão louco você pode ficar e o quanto você pode aprender no processo. Pode ser tão simples como pegar uma peça final ou seu esboço antes de fazer a peça final, e apenas girar talvez indo na outra direção. Mesmo fazendo isso, isso é adicionar algum interesse visual. Jogando uma rodada nas bordas um pouco. Agora pensando que provavelmente não há muito que você poderia fazer, teria que ser através da fase de esboço, se você quisesse ir um pouco mais extremo, que se você quisesse fazer isso, eu acho que um dos melhores maneiras de fazer isso será perspectiva, porque no momento você tem um personagem que está obviamente neste modo de antecipação onde ele tipo de ser realmente puxado para a arma. Como resultado, ele cria esse sentido para quase uma perspectiva completa. Se você seguir essa linha, já temos essa perspectiva de que se seguíssemos isso, teríamos um senso de direção bem claro e enfatizado. Se nesse sentido você seguiu essas linhas para o fundo, mas ainda assim foi naquele ângulo ligeiramente holandês que provavelmente criaria um senso ainda mais intenso de drama. Se você quisesse ir ainda mais longe, você pode andar isso, você poderia dobrar a perspectiva assim. Em vez de ter linhas de perspectiva planas, você tem isso quase como uma lente de olho de peixe, algo que está envolvendo a cena em torno deste momento em que estamos sendo puxados. Essa pode ser uma maneira muito divertida de adicionar extremidades. Se você quisesse se esticar ainda mais. Outra coisa que você pode fazer é criar seções de desfoque para criar movimento. Podemos enfatizar o movimento e o caos sem sequer mudar a perspectiva do fundo. Eu fiz essa seleção quase como uma explosão de linhas diferentes nessa perspectiva. Se eu copiar e colar isso, poderia ser tão simples como apenas deslocar isso fora do lugar ou esticar essa seção. Eu sei que parece um pouco estranho, mas então se você selecionar os dois e se você criar um borrão radial, obviamente você está trabalhando digitalmente, então eu estou me deixando mais livre para usar alguns truques digitais. Você pode usar um método de desfoque de zoom e pode alterar o ponto focal e a quantidade. Como você pode ver, acrescenta muita intensidade. Agora isso é como um borrão de alto nível, você poderia fazer muito mais sutilmente. Desfoque radial vamos reduzi-lo até nove pontos de borrão. Faz sentido a maneira como eu desalojei essas áreas e cria quase como este efeito tremendo porque nós criamos essa separação e esticamos essas linhas. Perdemos muitos detalhes de fundo, é por isso que podemos querer usar outros métodos para criar um pouco mais desse movimento e intensidade. Isaac é muito claro, você é um grande artista, e agora é hora de empurrar as coisas que você pode fazer para afetar esse resultado o máximo possível. Usando sobreposições de cores e filtros para intensificar as coisas. Realçar bordas para criar uma sensação extrema de drama. Usando a ferramenta Dodge and Burn para realmente afiar e fazer áreas pop que vão realmente se beneficiar da intensidade adicional. Também usar a ferramenta de gravação para empurrar áreas em segundo plano para manter o foco nas áreas de maior nitidez e contraste. A questão é se será desafiando si mesmo com a construção da cena e da perspectiva, ou ampliando certos efeitos ou coisas que você pode usar para acentuar o objetivo que você está indo para porque é realmente claro que você já veio tão longe. Acho que isso nos leva a um lugar onde já exploramos muitos projetos. Tenho certeza que você concordará que é tão inspirador ver quais áreas as pessoas são atraídas para explorar e também o que podemos ganhar com suas perspectivas e abordagens. Estou muito entusiasmado por ter compartilhado alguns desses projetos de classe com vocês hoje e ter experiência de passar por eles pessoalmente. Quero agradecer a todos que apresentaram seus projetos de classe, até agora. Eu adoraria encorajar qualquer um que assista isso que não tenha submetido um projeto de classe para realmente dar uma chance. Você deve ter notado que o elemento unificador entre todos esses projetos é que quando as pessoas se esforçam e exploram suas ideias, elas chegam ao melhor resultado possível, que é a melhor coisa que você pode fazer como artista. De uma perspectiva comunitária, de uma perspectiva de aprendizagem, quando você compartilha esse processo com outras pessoas, ele não só beneficia você, mas também é um recurso inestimável para outras pessoas em todos os níveis diferentes para ver como seus colegas e colegas aprendem e como podem aplicar essas lições ao seu próprio processo. Por favor, aproveite um momento para explorar os outros projetos submetidos a esta aula. Eles eram tantos que eu não poderia incluir neste vídeo infelizmente. Eles são todos tão inspiradores e realmente edificantes. Acima de tudo, quero agradecer muito por desafiar si mesmo por fazer parte desta classe, por me apoiar, apoiando esta classe e por desafiar a si mesmo e tomar medidas para levar sua jornada ao próximo nível. Estou tão grato por ter feito parte disso de alguma forma pequena e pelas palavras gentis de pessoas que sentem que tem sido útil, eu realmente espero que tenha sido. Encorajo você a se manter criativo, se divertir muito em sua jornada, desafiar a si mesmo, mas sempre voltar para as possibilidades e a emoção interminável que você pode criar. Os mundos e histórias que você ainda tem que contar através de sua arte e criatividade. Muito obrigado por assistir e até a próxima vez, te vejo mais tarde.