Do papel para a tela: edição digital do seu trabalho artístico no Adobe Photoshop | Cat Coquillette | Skillshare

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Do papel para a tela: edição digital do seu trabalho artístico no Adobe Photoshop

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Aulas neste curso

7 aulas (46 min)
    • 1. Vamos!

      3:37
    • 2. Digitalize seu trabalho artístico

      2:20
    • 3. Limpeza do seu trabalho no Photoshop

      16:21
    • 4. Exploração da cor — edição digital no Photoshop

      6:31
    • 5. Criando padrões

      11:04
    • 6. Redimensionamento para vários tamanhos de modelos

      4:26
    • 7. Dicas finais!

      1:19
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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Sobre este curso

Cat Coquillette é ilustradora e designer profissional, bem como viajante em tempo integral. Graças ao seu sucesso em licenciar seu trabalho artístico e vender por meio de empresas de impressão sob demanda como Society6, ela consegue se sustentar integralmente como artista e viajar pelo mundo. Cat é uma das principais artistas da Society6, com mais de 58.000 produtos vendidos somente em sua plataforma.

Cat vai acompanhar você passo a passo durante todo o processo para mostrar como ela transfere a arte do papel para o computador, dando ênfase a todas as etapas que ela segue para transformar digitalmente o seu trabalho artístico em peças mais vendidas, incluindo:

• Fusão de múltiplas digitalizações de trabalho artístico em uma só imagem
• Remover o plano de fundo do papel • Apagar marcas de lápis, manchas de tinta, e erros
• Explorar as variações de cor
• Criar padrões
• Ajuste de trabalhos artísticos para várias dimensões de modelos
• Salvar arquivos de trabalhos artísticos para otimização

Um fator essencial para o sucesso, com fluxos de rendimentos passivos como o licenciamento e a impressão sob demanda, é assegurar que a sua arte seja traduzida perfeitamente do papel para o monitor. Esse curso atenderá a esse processo. Há muito mais envolvido no processo do que apenas digitalizar o trabalho artístico e fazer o upload para vender online. O que você faz durante o processo pode fazer a diferença entre uma peça mediana e um best-seller.

Se não tiver o Photoshop, não tem problema. Você pode se cadastrar para obter uma versão gratuita online em apenas alguns minutos: http://www.adobe.com/products/photoshop/free-trial-download.html

Como bônus do curso, você vai receber um guia digital gratuito que abrange todos os fundamentos do curso MAIS uma textura de papel de aquarela de alta resolução para poder começar imediatamente a digitalizar o seu próprio trabalho artístico.

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Cat Coquillette

Artist + Entrepreneur + Educator

Top Teacher

Hello there! I'm Cat Coquillette.

I'm a location-independent artist, entrepreneur, and educator. I run my entire creative brand, CatCoq, from around the world. My "office" changes daily, usually a coffee shop, co-working space, or airport terminal somewhere in the world. 

My brand aspires to not only provide an exhilarating aesthetic rooted in an appreciation for culture, travel and the outdoors, but through education, I inspire my students to channel their natural curiosity and reach their full potential.

CatCoq artwork and designs are licensed worldwide in stores including Urban Outfitters, Target, Barnes & Noble, Modcloth, Nordstrom, Bed Bath & Beyond, among many others. ... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Vamos!: Oi, todo mundo. Voltei para outra aula. Para aqueles que não me conhecem, meu nome é Cat Coquillette, e eu sou o fundador da CatCoq, que é minha marca de ilustração e design. Tenho 29 anos e sou ilustrador e designer profissional, bem como viajante em tempo integral. Graças ao meu sucesso com empresas de licenciamento e impressão sob demanda, sou capaz de me apoiar totalmente e viajar pelo mundo. Durante minha aula de hoje, vou mostrar a vocês como passo meu trabalho de papel para computador, para que eu possa editar e aprimorar digitalmente minhas pinturas para criar peças de arte mais vendidas. Há muito mais no processo do que apenas entregar seu trabalho artístico e enviá-lo para vender online. O que você faz entre essas ações pode fazer a diferença entre uma peça média e um best-seller. Vou guiá-lo passo a passo durante todo o meu processo e mostrarei todas as dicas que uso para aumentar minhas chances de obter obras de arte notadas e criar uma renda viável como artista. Estou indo até você de Chiang Mai, Tailândia, é minha casa atual longe de casa. Sou originário de Kansas City, EUA, mas nos últimos seis meses estive na Tailândia, Vietnã, Indonésia, Malásia e Coreia do Sul. Viajar inspira minhas obras de arte, então meu portfólio ultimamente parece um diário visual de todos os lugares incríveis que visitei; desde selvas e montanhas exuberantes até restaurantes e vida na cidade. Você pode dizer que eu tenho uma queda por aquarelas e animais fofos? Em conjunto com viajar 24/7 e administrar meu próprio negócio, licencio minha obra de arte para várias empresas e minha renda é 90% passiva, que significa que eu não preciso perfurar um relógio para ser pago. Renda passiva é o dinheiro que eu continuo ganhando muito depois que o trabalho foi concluído. Para mim, isso significa criar uma ilustração e, em seguida, ganhar royalties de vendas dessa peça nas semanas, meses e anos seguintes. Isto é o que me permite viver a minha vida como um viajante permanente. Enquanto eu tiver inspiração criativa fluindo e excelente Wi-Fi, posso continuar ganhando a vida. Um fator chave para o sucesso com fluxos de renda passivos, como licenciamento e impressão sob demanda, é garantir que seu trabalho artístico seja traduzido lindamente de papel para tela. Minha aula de hoje vai ser toda sobre esse processo, bem como otimizar sua arte uma vez digitalizada. Cobriremos todos os conceitos básicos, desde a digitalização do seu trabalho até a limpeza digital da sua arte, removendo os fundos de papel, marcas de lápis e qualquer tipo de erros. Também usarei algumas de minhas próprias pinturas como exemplo para mostrar como explorar variações de cores, criar padrões e ajustar seu trabalho para várias dimensões de modelo. Também mostrarei como guardo meus arquivos para otimização e o que sempre tenho em mente quando carrego meu trabalho e compartilho com o mundo. Começaremos a aula examinando como digitalizar seu trabalho e obtê-lo do papel para a tela, e então trabalharemos em técnicas específicas para otimizar seu trabalho artístico. Esta é uma classe de nível intra e usaremos o Adobe Photoshop para editar nosso trabalho. Você não tem o Photoshop, não tem problema; você pode se inscrever para uma avaliação gratuita on-line em apenas alguns minutos. A melhor maneira de digitalizar suas pinturas é digitalizar mesmo que você precise digitalizar várias imagens e fundi-las no Photoshop. Não se preocupe, vamos cobrir isso também. Se você não tem seu próprio scanner e não está pronto para investir em um, apenas os serviços de digitalização de arte do Google mais o nome da sua cidade e você deve ser capaz de encontrar uma empresa que ofereça scanners para uso. Como um bônus para esta aula, estou incluindo um guia digital gratuito que cobre todos os conceitos básicos do que falamos hoje, além de uma textura de papel aquarela de alta resolução para que você possa começar imediatamente com a digitalização do seu própria obra de arte. Não se esqueça de me seguir no Skillshare clicando no botão Seguir acima. Isso significa que você será o primeiro a saber quando eu publicar brindes por um ano grátis de Skillshare, ou eu lançar uma nova turma, ou apenas tiver alguns anúncios legais para compartilhar com meus alunos. Pronto para pegar técnicas e fazer sua própria arte brilhar? Clique em “Inscrever” e vamos começar. 2. Digitalize seu trabalho artístico: Tudo bem, vamos conversar, escaneando. Eu prefiro digitalizar pode funcionar em vez de fotografá-lo por algumas razões. Um, é mais fácil. Eu não tenho que mexer com as configurações da câmera ou obter a perspectiva exatamente correta. Eu também não tenho que se preocupar com iluminação e pode digitalizar a qualquer hora do dia, independentemente se é ensolarado ou não. Dois, eu geralmente pinto em papel de 11 por 15 polegadas, o que é muito fácil de digitalizar, já que é bastante pequeno. Mesmo que minha mesa seja de nove por 12, posso escanear duas peças e fundir no Photoshop, que é o que aprenderemos a fazer no próximo vídeo. Eu uso um scanner de fotos Epson V550. Enquanto viajo, uso um scanner Canon que é leve e fácil de jogar na minha mochila. Eu digitalizo minhas pinturas em uma resolução super alta, geralmente em torno de 1600 DPI ou assim. Os arquivos são enormes, mas isso me permite muita flexibilidade. Você sempre pode reduzir a escala, mas quando começar a aumentar a escala, você perderá qualidade. Portanto, é melhor começar com um arquivo RES maior do que você realmente precisa. É importante limpar o leito do scanner antes de cada uso também. Ficaria surpreso com a quantidade de grão lá dentro. É poeira, borracha, restos e, às vezes, flocos secos, a tinta também. A digitalização no meu trabalho geralmente leva vários minutos, e eu costumo segurar minhas mãos sobre a tampa para ter certeza que o papel está realmente pressionado contra aquele vidro. Você tem que ficar incrivelmente imóvel enquanto ele está escaneando ou então a área onde você se moveu começará a borrar. Tento alinhar o meu papel da melhor forma possível enquanto digitalizo, e isso ajuda quando vou fundir duas digitalizações em uma única imagem. Se ambos os arquivos estiverem bem alinhados, será menos trabalho do meu lado quando os ajusto para mesclar no Photoshop. Você aprenderá mais sobre isso mais tarde no próximo vídeo. Além disso, se você estiver digitalizando várias imagens da mesma arte, certifique-se de que você está sempre colocando o papel no mesmo ângulo. A razão pela qual isso é importante é porque quando o laser destaca o papel, uma pequena sombra é lançada sobre a textura do seu papel. Se você tem que fazer uma digitalização múltipla da mesma arte e você não foi consistente com o ângulo em que você colocou o papel para fora, as texturas não coincidem e metade da pintura ficará ligeiramente diferente da outra metade. Se você tiver a opção, você deve salvar seus arquivos como TIFFs. Isso lhe dará uma varredura mais verdadeira e evitará perda de qualidade que, de outra forma, ocorreria em JPEG. Assim que você tiver sua imagem ou várias imagens de sua peça salvas como arquivos TIFF em seu computador, aprenderemos como fundi-las em uma única imagem. Vamos começar a próxima lição e aprender como. 3. Limpeza do seu trabalho no Photoshop: Este vídeo é tudo sobre como limpar sua arte uma vez digitalizada e digitalizada. Vamos fundir vários escaneamentos juntos, remover o fundo do papel e substituí-lo por uma nova camada e apagar quaisquer imperfeições como marcas de lápis são respingos de tinta. Vamos começar. Agora temos dois arquivos digitalizados do mesmo trabalho artístico e precisamos fundi-los no Photoshop para criar um arquivo coeso que pareça impecável. Aqui está como eles se parecem separadamente, e aqui está uma espreitadela do que vai acabar parecendo. Tudo se mistura muito bem. Você não pode dizer que foram dois arquivos separados que foram fundidos juntos. Além de mesclar as digitalizações em um arquivo, também estaremos limpando nossa arte para remover marcas de lápis, erros e imperfeições que ocorreram no processo de digitalização. Nós também vamos remover o fundo da textura do papel da ilustração e adicioná-lo em um novo em uma camada separada, então ele se parece com isso. Vamos começar. Primeiro, precisamos mesclar nossos dois arquivos separados em uma ilustração impecável. Vamos começar puxando os dois para um arquivo mestre, que eu tenho pronto aqui. Eu chamo isso de modelo. psb. A razão pela qual eu salvei como um psp é porque eu sou capaz de salvar um arquivo que é mais de dois shows. Nem todos os meus arquivos são tão grandes, mas se eu tiver uma tonelada de opções de paleta de cores e camadas, então às vezes eles podem ficar tão grandes. Eu uso este arquivo mestre para todas as minhas pinturas e chamá-lo de modelo porque isso é exatamente o que ele é. Ele contém duas camadas, minha camada de assinatura, bem como a camada de textura de papel. Parece que é branco, mas quando você amplia, você pode realmente ver essa textura real. Meu arquivo de modelo é salvo em aproximadamente 31 por 42 polegadas a 300 DPI e está no modo de cor RGB. Eu escolhi essas dimensões porque elas são semelhantes às minhas dimensões originais da pintura, e eu escolhi esse tamanho porque ele é grande o suficiente para ser impresso em qualquer produto, incluindo tapeçarias de shopping, roupas de cama e todos os tamanhos de arte de parede. Certifique-se sempre de que você está no modo RGB se você vai fazer upload de seu trabalho em sites impressos sob demanda para vender. Se você usar CMYK, as cores ficarão tretas quando você fizer o upload. Adicionei o efeito de transparência multiplicada à minha camada de assinatura. Deixa-me mostrar-te aqui em baixo. Aqui em seus efeitos de transparência, há Multiplicar. Isto é o que parece quando está desligado. Ao adicionar Multiply, ele ajuda a se misturar no fundo da textura do papel e parece que ele foi realmente desenhado nesse papel exato. Novamente, é o que parece. É bastante sutil, mas acho que faz diferença. O que vamos fazer é soltar nossos arquivos digitalizados neste arquivo mestre e misturar a ilustração em uma camada. Vou começar arrastando minhas varreduras para o meu arquivo de modelo. Você não precisa mais daquele cara. Vou colocar um efeito multiplicado em ambas as camadas. Isto é apenas para que eu possa ver o que estou fazendo quando eu arrasto um acima do outro. O que eu vou fazer é simplesmente deitá-lo, não tem que ser perfeito neste momento. Selecione ambas as camadas e gire-a para ajustar as dimensões do meu arquivo de modelo. Reduza um pouquinho. Legal. Agora que temos ambas as camadas de ilustração sobrepostas, agora é a parte importante para garantir que elas sejam absolutamente perfeitas ou o mais próximo possível de serem uma sobreposição perfeita. Eu vou arrastá-lo para dentro, na verdade parece muito bom no lado esquerdo. Não é perfeito à direita, mas isso é provavelmente porque eu não era exatamente perfeito como eu digitalizei. Está tudo bem por enquanto. Você pode manter pressionada a tecla Control se quiser ignorar a tendência do Photoshop de mover imagens saltando vários pixels. Quando você mantém pressionada a tecla Control, ela permite mover exatamente pixel por pixel. Isso pode ser muito útil aqui. Você clica e, em seguida, mantenha o controle. Isso é muito perto. Vamos diminuir o zoom. Parece bom. A razão pela qual está mais escura nesta área, novamente, é porque Multiply está ativada. Agora que temos tudo pronto, muito perto da perfeição, o que vamos fazer é isolar a metade superior dessa ilustração. Eu vou deixar Multiply ligado por agora, só para que eu possa ver o que eu estou fazendo e eu vou ter uma boa idéia do que é o meio termo aqui. Selecionando minha ferramenta de laço, você também pode apenas empurrar L. Eu vou passar e cortar tudo isso fora. Há algumas áreas como aqui que não tenho escolha. Vou ter que cortar a ilustração. Não há problema, vamos voltar e borrar isso mais tarde. Fica muito apertado em algumas áreas para que você possa ampliar se precisar. É outra perna que vou ter que cortar, vamos consertar isso mais tarde. Assim que toda a seleção superior for selecionada, vou jogar uma máscara lá. Você pode clicar aqui, bam, nós temos uma máscara. Vou desligar Multiply já que não preciso mais disso para ver. Como você pode ver, a textura do papel é um pouco mais leve do que na parte inferior. Isso não vai importar, porque vamos remover essa textura completamente. O que eu vou fazer primeiro é ampliar as áreas onde eu tive que cortar diretamente através da ilustração para ter certeza de que eles estão bem misturados. Foi lá que foi empurrado. Vou me certificar de que minha máscara é selecionada, colocar um pincel bem pequeno lá dentro. Eu vou colocar a opacidade em 100, e apenas mexer isso para suavizar essa linha dura. Porque essa ilustração foi colocada sobre os outros tão bem, não há muita diferença lá, então temos muita sorte. Vamos descobrir qual era a outra linha ali. Novamente, você mal pode ver essa linha passar, mas eu só vou suavizar essas bordas. Perfeito. A razão pela qual eu tenho usado uma máscara é que eu tenho a oportunidade de redesenhar na ilustração que está encoberta. Não desapareceu completamente. Ele ainda vive lá embaixo, e se eu quiser trazê-lo de volta, tudo o que você tem que fazer é atraí-lo, assim. Eu ainda tenho acesso à ilustração completa por baixo da máscara, então se eu precisar voltar mais tarde e trazer algo de volta, eu posso fazer isso muito facilmente e esses dados não são permanentemente perdidos. Vamos diminuir o zoom e garantir que tudo fique ótimo antes de achatarmos. Quando juntarmos as duas camadas, perderemos a ilustração que está escondida na metade inferior da máscara aqui em baixo. Não importa agora, já que tudo está perfeitamente misturado, então vou achatá-lo. Legal. Aqui está nossa camada achatada que contém nossa ilustração completa unida perfeitamente. Agora vamos remover o fundo do papel. O que vou fazer por isto é utilizar a minha varinha mágica. É por aqui. Você também pode empurrar W. Eu quero a ferramenta varinha mágica selecionada. Vou colocar uma tolerância lá, cerca de 40. Porque a ilustração é tão escura e esse papel é tão leve, 40 parece um bom número. Quero ter a certeza de que a Contiguous está desligada. O que isso significa é que ele vai selecionar tudo independentemente se ele está tocando ou não. Digamos que houvesse uma área em branco no meio desta onça, ela ainda escolheria isso. Contiguous foi desligado, então ele não iria obter essa área. Isso significa apenas todas as áreas brancas que estão se tocando. Vamos diminuir o zoom. Parece que quase todo aquele branco está selecionado. O que eu vou fazer é fazer um zoom em um remendo apertado e ver se há outras áreas. Você pode ver lugares como este onde é um pouco verde mais claro, provavelmente pinta água dessas folhas. Não foi selecionado, mas não precisamos nos preocupar com isso agora. Conseguimos tudo o que queríamos. O que eu vou fazer é inverter essa seleção. Depois de invertido, usei o comando chave para isso. Vou para selecionar, modificar e expandir. O que estou fazendo agora é expandir essa seleção dos dois pixels. Você pode ver mal que saiu um pouco. Costumava ser lavado com esse chumbo, e agora a expansão saiu cerca de dois pixels. A razão pela qual isso é importante é porque eu não quero cortar partes preciosas da ilustração. Para torná-lo um pouco mais sem costura, eu vou para modificar e penas, penas por um. Você não pode realmente dizer a diferença aqui, mas tudo isso não deixa as bordas um pouco mais. Agora vamos entrar na minha ferramenta favorita de novo. Você tira a máscara disso. Agora, o que fizemos foi isolar o fundo do papel do próprio jaguar. É difícil dizer, já que o manipulador está ligado. Quando eu desligar isso, você será capaz de ver. Essa grade em segundo plano indica que esta é uma camada transparente. Lembre-se daquelas áreas por aqui onde havia pequenos pedaços de respingos de tinta, que não foram selecionados. Agora eu quero cuidar disso. O que vamos fazer é copiar esta camada e depois rasterizá-la. Eu estou me livrando da máscara, e o que eu vou fazer, esta é apenas uma maneira fácil para mim ver as áreas que são afetadas, eu vou colocar uma sobreposição de cor lá. Não importa a cor que eu escolher, isso é só que eu posso ver o que eu estou fazendo. Alisar isso de novo. Agora vamos usar a nossa varinha mágica de novo aqui à esquerda. Desta vez queremos nos tornar contíguos. Agora, quando eu faço uma seleção como esta frente, a única coisa que é selecionada é esta fonte e nada mais é. É um pouco tedioso, mas o que eu vou fazer é passar e selecionar individualmente cada item que está aqui. A razão de eu estar fazendo isso é para que essas outras pequenas áreas aleatórias, um observador de tinta, você pode vê-los aqui, essas não serão selecionadas. Esta é apenas uma maneira rápida e realmente precisa de obter apenas as peças de pintura que queremos para a final. Vou passar e selecionar tudo individualmente. Estou mantendo pressionada a tecla Shift e assim posso fazer várias seleções de cada vez. Eu vou avançar para que vocês não tenham que assistir tudo isso. Leva apenas cerca de um minuto, mas ainda é chato. Agora, eu acho que eu tenho tudo selecionado, eu vou verificar cortando tudo fora. Oh, eu perdi alguns caras no fundo, então desfaça isso e pegue esses caras. Legal. Vamos diminuir o zoom e cortá-la. Incrível. Tudo é selecionado que eu queria. O que eu vou fazer é ir em frente e apagar essa camada, eu não preciso mais dela. Vamos aplicar essa seleção. Como você pode ver, tudo ainda está selecionado. Vamos pintar por cima da nossa máscara aqui. Vou pegar um pincel bem grande, e o que vou fazer é inverter minha seleção. Agora, certificando-se de que o preto é selecionado, eu vou passar e pintar sobre tudo. Você não pode realmente ver o que está acontecendo aqui, mas o que está acontecendo é que a pequena área dos observadores de tinta acabou de ser apagada. Vamos ampliar. Sim, eles não estão mais lá. Agora, as únicas partes da ilustração que estão nesta página são as peças intencionais que queremos lá, então a onça e todas as folhas. Terminei com esta máscara, vou achatá-la, vamos adicionar a textura do papel, e há nossa ilustração perfeita com e sem esse fundo de textura de papel. Agora, o que eu vou fazer é que nós queremos que aquele quadro pareça que ele era realmente colorido de água naquele papel. Vou aproximar-me para que possas ver. Agora é apenas inclinar-se sobre a textura do papel, mas não há integração. Dentro dos meus efeitos de transparência, vou ativar a multiplicação. Lá você vê que é bastante sutil, mas a ilustração é um pouco mais escura à medida que afunda naquele papel, modo que a textura do papel vem através da ilustração. Vou te mostrar o antes e o depois de novo. Aqui está antes e depois. Você pode realmente ver aquela textura de papel chegando e parece que a aquarela foi feita neste papel exato. Vou mudar a minha assinatura para uma área onde se encaixa. É muito confortável lá dentro, isso é muito bom. Agora vou selecionar ambas as camadas e mudar isso. Vamos fazer o turno para baixo, que salte um pouco mais rápido e levá-lo direto para o centro da página. Perfeito. Aqui está, temos a nossa ilustração perfeita com e sem esse fundo de textura de papel e a assinatura nessa página. Uma coisa a ter em mente é que quando você digitaliza em seu trabalho, você perde um pouco dessa saturação e profundidade de cor do original. O que eu vou fazer é adicionar artificialmente esse backend. Eu vou para os meus níveis e arrastar os tons médios só para ser um pouco mais profundo. Não precisa ser enorme, 85, 84 parece muito bom. Vou te mostrar isso antes e depois disso. Aqui está antes e há depois. Isso parece mais perto do que minha ilustração real, McClellan, e eu vou entrar em minha tonalidade e saturação e pode ficar um pouco mais saturado. Acho que três bastam. Agora parece mais preciso para a minha ilustração original. Você pode até torná-lo mais saturado, ainda mais escuro, ainda mais leve do que o que você pintou. Essa é uma das grandes coisas do Photoshop, você pode ajustar as coisas e ter oportunidades de fazer ajustes em sua pintura que você ficaria limitado com o meio real. Se você tiver algum erro na sua ilustração, talvez um pouco de tinta manchada ou algumas marcas de lápis ou sobras, podemos nos livrar deles muito facilmente também com o Photoshop. Nesta, vamos ampliar aqui. Tenho um observador de tinta. A melhor maneira de me livrar disso é jogar uma máscara lá. Vou usar meu pincel, precisa ser bem menor. Perfeito. Eu posso simplesmente desenhar sobre isso em um reset. Agora a borda do pincel é realmente difícil, que é bom para as áreas que eu estou apagando, mas quando eu chegar perto dessa borda, eu quero ter certeza que meu pincel é um pouco mais suave. Está trazendo a dureza para baixo. Você pode ver como as bordas, o pincel emplumado um pouco e se sentir mais natural contra a borda da aquarela. Eu só estou brincando com os diferentes tamanhos e teorias sem costura nisso. Esta é a mesma técnica que você usará se você tiver alguma marca extra de lápis nas bordas do papel, bem como, é o mesmo método. Agora só quero ficar um pouco mais apertado. Tudo o que estou fazendo é clicar e arrastando meu mouse para fazer esse arbusto se mover ao longo da borda. Bem, vou te mostrar o antes e o depois. Lindo. Se você quiser se livrar desse observador de tinta dentro dessa folha, você pode fazer isso muito bem facilmente. Agora que o mago das tintas foi apagado do lado de fora, não precisamos mais de uma máscara, só vamos achatar essa camada, mas ainda temos aquele esfregaço de tinta bem no meio da folha. Como vou me livrar disso é usar meu selo de clone. Está aqui, carimbo de clone. Basicamente, o que é um selo de clone, é você usar parte da sua ilustração para pintar e, em seguida, você carimbar em outro lugar. O que eu vou fazer, pegar um pouco de um pincel maior, então eu estou segurando minha tecla “Alt” e eu vou clicar. Acabei de pintar meu bloco de selos, e agora onde quer que eu desenhe, ele vai fazer referência desta área bem aqui. O que eu vou fazer é puxar levemente para fora. Uma das limitações do teclado de tinta é que quando você chegar à borda completa, você não tem mais tinta. Como você pode ver, está desenhando um pouco acima da linha, o que eu não quero. O que eu vou fazer é apenas constantemente re-carimbar e depois reabastecer. Vou fazer o meu pincel um pouco mais pequeno enquanto eu o amarrar. Se você vir o sinal de mais que ocorre aqui em cima, você vê-lo se movendo, que está mostrando um indicador de onde a tinta está ocorrendo quando é preenchida novamente. Agora que estamos em um bom lugar com isso, vamos explorar algumas variações de cor. 4. Exploração da cor — edição digital no Photoshop: Neste vídeo, vamos percorrer todas as coisas coloridas. Mostrarei a você como otimizar a cor dentro suas ilustrações existentes de que os tons são profundos e saturados, então exploraremos variações de paleta de cores e truques para ajustar a cor para criar uma variedade de opções. Também mostrarei como identificar cores de edição para que algumas áreas dentro da ilustração possam ser ajustadas separadamente de outras áreas. Photoshop oferece tanta flexibilidade e pode parecer um pouco assustador no início, mas uma vez que você pega o jeito das cordas, você vai enlouquecer com as possibilidades ilimitadas. Vamos começar. Vou fazer uma breve recapitulação do que te mostrei no final do último vídeo. Esta é a aparência da minha pintura depois que eu fundi os dois escaneamentos juntos e removi o fundo da textura do papel. Vou pedir alguma cor, profundidade e saturação no processo de digitalização, então não só vou adicionar isso de volta, mas posso tornar minha pintura ainda mais otimizada do que a pintura original. Esta é a grande coisa sobre o Photoshop, você pode alcançar coisas digitalmente que você de outra forma estaria restrito a com um meio específico. Este processo é bastante rápido e simples e requer apenas alguns passos. Eu vou para o Comando L para acessar meus níveis e torná-lo um pouco mais profundo, não muito, mas apenas o suficiente para obter o suficiente da profundidade em tons. Depois vou fazer o Command U para obter o meu Matiz e Saturação. Vou torná-lo um pouco mais saturado para chegar mais perto da pintura original, pressionar “OK”. Então a última coisa que vou fazer é entrar no equilíbrio de cores, então Comando B, e eu quero que as sombras tenham um pouco mais vermelho nelas, então eu arrasto o cursor vermelho sobre um pouco, e talvez adicione um pouco de amarelo lá também. Perfeito. Aperte “OK”. Essa é uma maneira muito rápida e fácil de colocar sua cor de volta para onde estava originalmente com sua ilustração. Mesmo dentro deste, eu empurrei um pouco mais saturado do que a minha pintura original estava, só porque eu posso no Photoshop. Vamos seguir em frente para explorar as variações de cor. Existem algumas maneiras diferentes de brincar com a exploração da paleta de cores. A coisa mais fácil a fazer é ir para o Command U, que abre o Matiz e a Saturação, e apenas arrastar esta alternância, e você pode ver as mudanças de ilustração bastante drasticamente à medida que vamos para diferentes áreas do espectro. Você também pode jogar com a saturação dentro disso também. Você pode ficar muito brilhante, quase néon, e então trazer a saturação até o fim para dessaturar a pintura em si. Você pode jogar com leveza e escuridão aqui, mas eu não recomendaria, eu ficaria com os níveis para isso. Seus níveis rápidos são Comando L, e é aqui que eu jogo com sua escuridão e sua leveza. Outra maneira de explorar a cor é entrar no equilíbrio de cores, então o Comando B abrirá o equilíbrio de cores. Há três opções aqui, você tem sombras, tons médios e destaques. Sombras pegam a parte mais profunda da sua pintura e infundem cor, então eu estou adicionando um monte de azul aos meus tons de sombra, eu estaria adicionando vermelho, vai ficar assim. Selecionar é zero, tons médios, exatamente o que parece, ele apenas pega os tons médios e infunde uma certa cor. Em seguida, os destaques podem trazer toda a pintura para ser muito mais brilhante. Outra maneira de explorar uma variação de cor é jogar com Camadas de Transparência. O que eu vou fazer é apenas adicionar um gradiente sobre o topo disso, e entrar em meus Efeitos de Transparência e ver o que acontece se eu colocar clareamento em cima, e você vai ter uma tela. Full Dodge é bem feio. Eu gosto do que está acontecendo aqui com lighten, e esta é uma maneira mais natural de obter a cor mais clara do que seria de outra forma se você usasse os níveis. Agora que você tem uma idéia do que podemos fazer com o conjunto de ferramentas, vamos fazer algumas opções de cores. Vou começar fazendo uma cópia da minha camada original, estou usando o Command J como o comando chave para fazer uma cópia dessa camada. O que isso faz é duplicar as camadas para que eu possa manter minha paleta de cores original aqui e começar uma nova. Vou clicar no botão I para desativar o Original e alterar o meu Efeito de Transparência para Gravar Linear para que eu possa ver com precisão o que ele vai parecer nesse papel. O que eu quero fazer é manter a mesma cor do jaguar, mas eu quero deixar essas folhas azuis. Vou mostrar-lhe como ajustar a cor dentro de algumas partes da ilustração, mas não a peça inteira. Primeiro, vou ampliar o onça-pinça, e vou usar minha ferramenta de laço aqui, e apenas selecionar em torno de toda a onça. Legal. Toda a seleção foi feita, então agora o que eu vou fazer é cortar, Eu também poderia fazer Command X para que jaguar se foi e, em seguida, iniciar uma nova camada e fazer edições, colar especial, colar no lugar. Não se esqueça de voltar a ativar o Efeito de Transparência. Agora temos nossa onça separada dessas folhas, para que possamos ajustar a cor da licença separadamente da onça. É muito simples de fazer, apenas certifique-se de que sua camada de folha está selecionada, e vá para Matiz e Saturação, que é Command U, e podemos arrastar essa tonalidade para baixo. Esse é o caminho errado se eu quiser azul. Aqui vamos nós. Outra coisa que eu poderia fazer é clicar na opção Colorizar, e o que isso faz é tornar todos os tons da mesma tonalidade. Vamos aumentar a Saturação. Não há variação de matiz dentro disso, isso não é exatamente o que eu quero, eu quero ver um pouco de diferenças tonais, então eu não vou ativar Colorize, mas é uma opção se você quiser que tudo seja mesma tonalidade. Em vez disso, vou fazer isto um pouco mais azul, perfeito. Agora vou poli-la com equilíbrio de cores, que era o Comando B, e trazendo um pouco mais aquele ciano com uma sombra disso, talvez. Lá temos ele. Agora, pelo bem da organização, vou agrupar esses dois em um grupo e chamá-lo de “Folhas da Marinha”. Isso ajuda tudo a se manter organizado, então, quando você tem várias variações de paleta de cores, tudo parece agradável e arrumado em suas camadas. Uma vez que você tenha todas as opções de paleta de cores estabelecidas, você pode nivelá-las para que você não precise mais agrupá-las, ele apenas minimiza as camadas que você tem aqui no seu painel. Dentro disso, eu tenho minhas folhas verdes, folhas pretas, azul, todas as variações de paleta. O que eu vou fazer é garantir que minhas transparências estão todas em Linear Burn, e desligar todas as minhas camadas exceto uma. Agora é agradável e organizado e os efeitos de transparência estão no lugar. Agora que aprendemos a explorar a variação da paleta de cores e organizar nossas camadas de cores, vamos avançar para criar alguns padrões legais no próximo vídeo. 5. Criando padrões: Neste vídeo, exploraremos métodos para criar padrões a partir do seu trabalho artístico. Os padrões são ótimos para aplicações específicas de maneiras que sua ilustração original pode faltar. Para mim, padrões auto particularmente bem em capas de telefone, apostas, leggings e cortinas. Ao criar um padrão, você abre as possibilidades de ampliar sua seleção de produtos, especialmente se a pintura original não coincidir com determinados produtos com dimensões muito diferentes das as dimensões da sua pintura. Os padrões oferecem a oportunidade de levar sua ilustração para o próximo nível além do seu trabalho artístico original. Estarei focando em dois tipos de padrões, padrões estruturais e padrões soltos. Dependendo do seu motivo, você pode escolher o que se sente certo para você. Eu vou usar uma variedade de minhas obras de arte para este vídeo como cada pintura pousa melhor para um estilo padrão particular. Vamos começar com um padrão estruturado simples irá aderir a uma grade apertada de colunas e linhas e simplesmente repetir sua ilustração ou seleção de sua ilustração que você isolar especificamente para o padrão. Vou usar meu guaxinim como exemplo. Aqui está o meu guaxinim, já foi isolado do fundo, e vou abrir um novo documento, Apple N para o meu padrão. Vou alterá-lo para 10.000 pixels por 10.000 pixels, 300 ppi e paleta de cores RGB. A razão pela qual eu estou escolhendo essas dimensões é que este é um tamanho que é grande o suficiente para ser impresso até mesmo na maior impressão sob demanda produtos como tapeçarias e toalhas. Aqui está o meu novo documento. Tudo o que vou fazer é arrastar o guaxinim, e agora ele vive aqui. A primeira coisa a fazer é tornar seu guaxinim muito menor. Isso parece um tamanho muito bom para um padrão de repetição, e agora o processo é bastante simples. Tudo o que precisamos fazer é fazer cópias desta camada e arrastá-la para colunas e linhas. Vou fazer o Apple J para fazer uma cópia desta camada, e apenas trazê-lo sobre o Apple J novamente. Você pode contar com essas grades, essas linhas cor-de-rosa que o Photoshop está fornecendo. Estas linhas estão aqui para lhe dar indicações sobre o espaçamento. Você pode ver aqui que tudo está em partidas equidistantes, e isso ajuda você com o alinhamento também. Eu tenho meus três, certifique-se de que todas essas camadas estão selecionadas, e você quer arrastá-las todas ao mesmo tempo. Vou fazer uma cópia de todos os três ao mesmo tempo, Apple J e arrastar para baixo. Apple J novamente e arraste para baixo. Quando você adere a esses eventos de grades, é muito, muito simples. Você pode até mesmo fazer coisas como agrupar certas linhas juntas. Estou selecionando as camadas, e o Apple G, que as agrupa, e posso fazer algumas grades centradas nas outras, como sete. Se você quiser inverter sua ilustração dentro do padrão, você pode fazer isso também. Basta fazer o Command J para fazer uma cópia dessa camada. Estou usando minha ferramenta de transformação, que é Comando T. Quando sua ferramenta de transformação é selecionada, você pode clicar com o botão direito do mouse, e eu vou virar horizontal, e arrastá-la. Isso pode fazer apenas uma imagem espelhada. Você também pode virar verticalmente. Vou te mostrar o que é isso. Se você quiser que um flip vertical seja incorporado dentro do seu padrão também. Eu gosto deste flip horizontal tem funcionado, então eu vou copiar, e repetir isso. Com ambas as camadas selecionadas, vou até o Apple J para fazer uma cópia e, em seguida, arrastá-la para um lugar que pareça certo. Agora, eu vou achatar todos esses juntos. No agrupamento, eles ainda permanecem individuais dentro de seu grupo, e você pode mover cada peça separadamente quando você achatar tudo acontece na mesma camada. Neste momento, a mesma camada é ótima. O que eu vou fazer é copiar essa camada novamente, Comando J, arrastá-la para baixo, e fazer o meu padrão apenas assim. Para redimensionar tudo de uma só vez, verifique se todas as camadas estão selecionadas e, em seguida, Comando T para entrar em transformação, e você pode arrastar tudo de uma vez para torná-lo menor dentro da página. Não se esqueça de manter pressionada a tecla Shift enquanto transforma isso, quando você coloca Shift, você está dimensionando dentro da proporção, o que é realmente importante. Sem Shift sendo mantido pressionado, você pode distorcê-lo assim, o que nunca parece ótimo. Mas quando você mantém pressionada a tecla Shift, tudo vai dentro da proporção. Agora que aprendemos algumas técnicas para alcançar padrões estruturados, vamos explorar algumas maneiras de criar padrões mais soltos. Vamos começar com algo bastante abstrato. Aqui, eu tenho a minha pintura de posições de gato. Este seria um bom exemplo para um padrão solto porque a maneira como este foi pintado, ele não estava realmente aderindo a uma grade, os gatos são apenas vagamente colocados de acordo com as posições dos que estão ao seu redor. O que vamos fazer é pegar esses nove gatos e transformá-los em um padrão maior em uma página. Primeiro, eu vou clicar e arrastar, e já isolou os gatos do fundo, e puxou-os para o meu arquivo padrão. Vou torná-los um pouco menores para que eles coloquem na página. Legal. A primeira coisa que podemos fazer é fazer uma cópia dessa camada, Comando J, e arrastá-la assim. Isso sozinho está começando a funcionar muito bem, exceto uma coisa que eu não estou gostando é desse espaço estranho aqui, então o que eu vou fazer é pegar esse gato, e arrastá-lo um pouco para preencher esse espaço. Vou usar a minha ferramenta de laço para isolar o gato do resto. Verifique em que camada está, ok, esta aqui. Eu vou fazer o Command X, que corta esse gato para fora, e então o Comando V, que o cola no lugar como uma nova camada. Você pode vê-lo aqui. Agora eu posso simplesmente pegá-lo, arrastá-lo por aí. Eu posso girá-lo se eu quiser, mas eu acho que apenas arrastá-lo para baixo faz o truque para mim. Um problema que você pode ver aqui é que suas caudas podem trazer irritantes aqui, e parece super estranho. Vou agora usar a minha ferramenta de laço e cortar este gato fora. que camada está essa? Este. Eu vou colá-lo, e o que eu vou fazer é girá-lo horizontalmente que se encaixa um pouco mais como uma peça de quebra-cabeça. A última coisa que vou fazer é arrastar este gato para preencher essa lacuna estranha. Certifique-se de que a camada correta selecionada, e eu vou apenas arrastá-lo para baixo, e realmente girá-lo um pouco também. Legal. Agora o que eu vou fazer é pegar todos eles juntos e achatá-los em uma camada, Comando E, e fazer uma cópia dessa camada, Comando J. Arraste-a até o topo e preencha esse espaço extra. Uma coisa que eu vou fazer é girá-lo horizontalmente para que não haja muita repetição lá, e pressione “Enter”. Agora, eu quero que esses gatos sejam um pouco menores, e eu quero mais deles na página, então o que eu vou fazer é selecionar ambas as camadas, e usar minha ferramenta de transformação, que é Comandos T, e enquanto aprimorando minha tecla Shift para garantir que as coisas sejam dimensionadas proporcionalmente, reduzi-las um pouco e arrastá-las de volta para a página. Ótimo, as coisas estão começando a se juntar um pouco mais. Outra coisa que eu quero fazer é abordar este espaço bem aqui parece um pouco estéril, então o que eu vou fazer é cortar este gato fora. Certifique-se de que você está selecionando a camada da qual deseja que ela seja recortada, Comando X para cortá-la, Comando V para colá-la como uma nova camada. Eu acho que eu vou fazer é ver se ele se encaixa lá, eles fazem uma transformação horizontal, e ele faz. Mais uma coisa que eu vou fazer agora que eu vejo, é pegar este gato girá-lo horizontalmente para que ele vai se encaixar mais ligeiramente neste espaço. Para fazer isso, vou selecionar todas as minhas camadas, puxá-las um pouco para baixo, e então usar minha ferramenta de laço. Ela está passando L para 2 laço ano, e compartilhar a camada de crise selecionada Command X como gato fora, Comando V colá-lo em qualquer lugar, e então eu vou virar horizontalmente, suíte se encaixa lá muito bem. Vou achatar todas as minhas camadas, que é o Comando E. Agora tudo está em uma camada mestre em vez de quatro, e eu vou arrastá-las um pouco para cima, assim. Legal. Agora parece um padrão muito orgânico. Não há estrutura, nenhuma grade lá, é apenas vagamente colocado baseado nos fóruns em torno dela. Vou te mostrar o antes e o depois. Antes, isso é o que os gatos parecem por conta própria, e depois as coisas são colocadas juntas no padrão. Fazer um padrão como este é bastante circunstancial baseado em sua ilustração, então o que eu fiz pode não funcionar para todas as ilustrações. Mas se você quiser algo um pouco mais solto, apenas saiba que existem opções onde você pode isolar certos elementos, cortá-los, colá-los, virá-los ao redor, girá-los, fazer o que você tem que fazer para ter certeza de que independente se encaixa confortavelmente para criar um padrão como este. Vamos seguir em frente e tentar outro. Este é bem simples. Tudo o que vou fazer é virar a minha ilustração e cortá-la bem apertada. Aqui está o meu original, movendo-o de novo, foi isolado desse fundo. Então eu vou fazer uma cópia, Command J enquanto eu girá-lo, eu estou segurando minha tecla Shift, e tudo o que está fazendo é certificar-se de que os ângulos que giraram são bastante precisos. Oops, ultrapassá-lo. Legal. Pressione “Enter”, e agora eu vou arrastar isso para a esquerda para a minha ilustração, pegar ambas as camadas e ver como ele começa a ficar. Isso parece muito interessante, o que eu poderia fazer é fazer uma cópia deste, Comando J, e usar isso para preencher esse espaço. Para este, vou fazer uma cópia também. Isso parece muito legal, e eu vou guardar isso como uma opção, mas eu também quero tentar outra coisa. Está tudo salvo aqui, é um grupo, e este será o meu novo. Para isso, o que eu vou fazer é fazer a cópia, transformá-la na vertical, ver se eu posso colocá-la ali mesmo. Agora o que eu vou fazer com essas duas camadas, Comando T para transformar, mantenha pressionado meu Shift enquanto estou me transformando. Nós vamos duplicar essas camadas novamente, já que ambas são selecionadas, eu posso manter pressionado o Comando J, e ele fica menor. Fica bem interessante também. Agora que sabemos alguns conceitos básicos de padrão, vamos avançar para o próximo vídeo. 6. Redimensionamento para vários tamanhos de modelos: Se você estiver planejando fazer upload de sua arte por meio de sites impressos sob demanda ou licenciá-los, precisará saber como redimensionar e reformatar seu trabalho para várias dimensões de modelo. Eu crio a maior parte da minha arte em 11 por 15 dimensões, mas alguns modelos, como canecas ou toalhas de praia exigem dimensões verticais ou horizontais extremas. Em vez de apenas misturar esses produtos para minha loja completamente, vou ajustar minhas obras de arte para que ele possa caber em uma grande variedade de dimensões. Há alguns truques para fazer isso com sucesso e eu vou guiá-lo através da minha lista. Tenho cinco arquivos principais que guardei para cada peça de arte. Número um, o original. Eu mesclo minhas camadas, que são fundo de papel, arte e assinatura, e salvo como um JPEG achatado. Isto é impresso em arte de parede, que compõe uma grande parte das minhas vendas. Número dois, o original menos a assinatura e fundo de papel. A razão pela qual eu removo essas coisas é porque eu quero salvar isso como um PNG transparente para que ele possa ser impresso em camisetas e capas de telefone transparentes. Deixar a assinatura ligada ou desligada depende de você. Às vezes eu faço e às vezes eu não. Depende apenas da aplicação. Muitas pessoas não gostam de seus gráficos de camisetas para ter uma assinatura de lápis na parte inferior. Número três, um padrão. Eu salvo isso em dimensões muito grandes para que ele possa ser aplicado a qualquer produto independentemente do tamanho. Eu faço todo o meu padrão quadrado e posso cortar em conformidade com base nas dimensões particulares. Número quatro, um padrão com fundo transparente. Este é exatamente o mesmo arquivo que o anterior, menos o plano de fundo. Isso me dá flexibilidade no caso de eu querer usar o padrão como uma capa de telefone transparente em vez da imagem principal do trabalho artístico. Número cinco, em alguns casos, criarei um quinto arquivo que contenha a arte original espelhada uma vez. Isso pode ser útil se eu quiser algo com mais de uma tração horizontal, mas eu não quero usar um padrão completo. Você pode obter todas essas opções implementando as habilidades que você aprendeu no vídeo de criação de padrões. Vou mostrar-lhe como salvar cada uma das opções de arquivo e dar-lhe uma recapitulação rápida também. Vamos começar com o original, que será criado a partir do meu arquivo de modelo mestre. Eu tenho todas as minhas opções de cores e minha assinatura e fundo de papel em minhas camadas. Vou ligar as camadas que quero salvar e desligar as que não quero. Certifique-se de que você não tem camadas extras ativadas, especialmente se você estiver utilizando quaisquer efeitos de transparência. Vou simplesmente ligar e desligar camadas que eu quero salvar para alcançar JPEG achatado, certificando-se de capturar todas as paletas de cores. Vou mostrar-lhe como salvar cada um deles individualmente. Eu os salvo com base no nome da paleta de cores. Essa é a informação que vai primeiro. Então eu termino com o que o arquivo realmente é impressões tão grandes. Certifique-se de alterá-lo para um JPEG, e o que isso fará é nivelar todo o arquivo e pressione Enter. Em seguida, vou salvar isso novamente, mas vou remover minha assinatura e remover o fundo do papel para que fique transparente. Ir para salvar será o mesmo arquivo, exceto que em vez de um JPEG, eu estou usando um PNG. Isso apenas preserva esse fundo transparente. Você também pode repetir esse processo para o resto de suas camadas de paleta de cores, alternando entre salvar como JPEG e salvar como PNG. Agora vamos para o nosso arquivo padrão e fazer exatamente a mesma coisa. Certifique-se de que a camada desejada esteja ativada e salvaremos como um JPEG achatado. Isso só me ajuda a manter meus arquivos um pouco mais organizados. Em seguida, vamos desligar essa textura de papel e salvá-lo novamente, mesmo nome de arquivo, mas em vez de uma extensão JPEG fará um PNG para preservar esse fundo transparente. Vá em frente e repita isso para todas as suas opções de paleta de cores aqui no painel de camadas também. opção cinco é espelhar sua ilustração para torná-la mais horizontal. Apple n vai abrir um novo documento fomos 10.000 pixels por 10.000, 300 dpi e mantê-lo no modo de cor RGB. Vou clicar e arrastar para meu novo documento e redimensionar um pouco para baixo para que eu possa colocá-lo na página. Agora eu tenho duas opções aqui. Posso fazer uma cópia desta camada, Apple J, e arrastá-la, ou posso virar esta imagem. Para esta composição, eu gosto mais quando as cores estavam alternando, eu vou trocá-lo de volta. Eu vou salvar este arquivo como um JPEG também. Quando você tiver terminado de salvar todas as variações em seus vários formatos de arquivo, sua pasta deve estar bem cheia e ficar assim. Muito bem, agora temos uma ideia das melhores práticas quando se trata de redimensionar uma economia ideal, podemos encerrar com algumas dicas finais no próximo vídeo. 7. Dicas finais!: Obrigado por ter assistido à minha aula hoje. Nós cobrimos tanto, e eu sei que eu coloquei uma tonelada de informações, então eu montei um guia gratuito para download que faz referência a todos os conceitos básicos que discutimos hoje. Ele divide conceitos por vídeo, então, se você estiver procurando por uma técnica específica, você poderá pular rapidamente para encontrá-la. Também estou incluindo uma textura de aquarela gratuita que é ajustada para as mesmas dimensões, tamanho e configurações de cor que usei desde o início da edição de uma nova peça. Tudo o que você precisa fazer é baixá-lo e arrastar sua arte para começar. Espero que te sintas entusiasmado por digitalizar a tua obra de arte. Essa aula era mais do que apenas levar sua obra de arte do papel para o computador. Ele cobriu todos os pequenos detalhes que podem melhorar sua arte e fazer uma peça mais vendida, e espero que você tenha aprendido muito. Lembre-se, por favor, clique no botão de acompanhamento acima para que você possa me acompanhar no Skillshare. Isso significa que você receberá uma notificação assim que eu iniciar minha próxima aula ou tiver um anúncio importante, como um sorteio Skillshare Premium, novos brindes, como paletas de cores e pincéis, ou estou destacando a arte que você fazer upload para a galeria do projeto como faço frequentemente na minha página do Instagram. Sinta-se livre para comentar abaixo na discussão da aula. Eu li todos os seus comentários e tento responder a todos. Te vejo na próxima vez.