Design de personagem com história | Hayden Aube | Skillshare

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Design de personagem com história

teacher avatar Hayden Aube, Illustrator & Designer

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Aulas neste curso

7 aulas (21 min)
    • 1. Introdução

      2:18
    • 2. Por que criar uma história

      3:29
    • 3. Perguntas, perguntas e mais perguntas

      4:14
    • 4. Experimente!

      1:42
    • 5. Conceitos matadores

      4:56
    • 6. Não são apenas personagens

      2:06
    • 7. Considerações finais

      2:29
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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7.002

Estudantes

62

Projetos

Sobre este curso

Você pode criar o personagem mais bonito do mundo, mas, se não houver alguma história por trás dele, não será tão interessante. É isso que estamos abordando neste curso: a diferença entre fazer uma figura bonita e outra que gera atenção real. Através de uma reflexão antes de desenhar e usando o poder das perguntas, abordaremos como é simples ver como isso melhora significativamente seus personagens.

Abordaremos:

  • Por que adicionar uma história de fundo para personagens faz toda a diferença
  • As observações interessantes sobre o design de personagens que veio após pedir para muitos de vocês desenharem piratas
  • Como fazer personagens únicos que são mais divertidos de fazer e olhar
  • Como os grandes artistas usam a história em seu trabalho
  • Como também aplicar uma história em coisas que não são personagens

Espero que você aprenda muito, se divirta, e aproveite o que eu acredito ser um dos melhores cursos que já fiz. Vejo você no curso!

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Hayden Aube

Illustrator & Designer

Professor

Hayden here and I am an illustrator, designer and most importantly to you, teacher!

I am constantly hunting for the actions that will have me producing my best work possible--I assure you it's no easy feat. That's why my primary goal in all of these classes isn't to give you just any information, but only the information that's going to make the biggest difference in your work. Think of it as optimizing your artistic development ;)

So if you're looking to level up your skills in design and illustration, consider checking out my classes. I've gone to great lengths to keep them short and to the point so you can get the information quickly and jump to creating.

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Transcrições

1. Introdução: Olá, meu nome é Hayden Aube, e sou ilustradora e designer gráfico. Algo que eu estou sempre tentando fazer na criação dessas classes é criar as ações que vão produzir os maiores resultados. Você pode pensar nisso como obter um grande retorno sobre investimento neste tempo que você gasta aprendendo. Então, quando se tratava de design de personagens, algo que muitos de vocês pediram, eu realmente tive que parar e pensar qual seria a única coisa que faria a maior diferença quando se tratava de criar personagens. Passei muito tempo pesquisando, explorando, conversando com outros artistas, até criei um experimento de desenho que foi muito divertido e acho que tenho uma boa resposta para vocês. Então, ao invés de mostrar as porcas e parafusos de realmente desenhar um personagem, eu vou mostrar a vocês o que eu acredito ser a parte mais importante de projetar um personagem, que é o conceito. Então juntos vamos dar um mergulho profundo por que o conceito é tão importante quando você cria um personagem. Para fazer isso, vamos olhar para o trabalho de outros artistas e tentar separar por que eles fazem algumas das coisas que eles fazem e então nós também vamos olhar para o experimento que eu criei e ver que tipo de resultados podemos obter a partir disso. Para muitos de vocês que eu sei que participaram do experimento, não se surpreenda se virem seus desenhos. Então, uma vez que tenhamos estabelecido por que a história é tão importante para o design de personagens, eu vou mostrar-lhe algumas maneiras simples, mas realmente eficazes de adicioná-la aos seus personagens e, em seguida, uma vez que você estiver confortável, eu vou mostrar-lhe como você pode tão facilmente aplicar essa técnica a qualquer coisa que não seja um personagem. Então isso significa objetos, veículos, ambientes, projetos, qualquer coisa. No final desta aula, você não só vai entender uma das partes mais importantes da criação de um personagem, mas você vai ter técnicas eficazes para fazê-lo sozinho. Então, independentemente do software que você usa ou experiência que você pode ter, se você tem interesse em criar personagens envolventes que são divertidos de fazer, então esta classe é para você. Espero te ver lá. 2. Por que criar uma história: Antes de desenvolvermos a história de nossos personagens, é importante para nós nos perguntarmos, por que isso é necessário? Se você olhar tempo suficiente para qualquer escola de ilustração credenciada, algo para arte conceitual, para animação, você verá que não há apenas uma ênfase nas habilidades de desenho técnico reais, mas também no pensamento que está por trás disso. Está mesmo por trás da arte conceitual do nome. Você pode pensar que, com certeza, artistas conceituais trabalham em filmes e videogames, e é claro, eles precisam realmente pensar sobre as coisas, mas como isso se aplica ao que eu faço? Garanto-lhe que se a extensão do design do seu personagem é apenas em logotipos ou ícones, ainda é muito benéfico para você aprender a criar a história de um personagem. Na verdade, eu acho que os designers entenderiam mais do que ninguém a idéia de que a forma segue a função. Para explorar os benefícios da história, eu conduzi um pequeno experimento de desenho em que eu tinha participantes desenhar dois piratas em cinco minutos cada. Para o primeiro desenho, o breve foi bastante simples, desenhar um pirata. Mas para o segundo desenho, eles primeiro tiveram que ler alguns parágrafos explicando a personalidade e a experiência deste pirata. Em vez de desenhar um pirata genérico, as pessoas agora estavam desenhando Edgar Bushybrows, um pirata encalhado da ilha que passa seu tempo correndo caranguejos, devorando cocos, e adiando qualquer plano de realmente escapar de sua ilha. Quando comparamos o primeiro e o segundo desenhos, vemos algumas coisas muito interessantes. Em primeiro lugar, sem sequer pedir, muitas pessoas introduzem cenas nos desenhos. A decisão de que este personagem está preso em uma ilha foi suficiente para que muitos dos participantes incluam a ilha em seu desenho. Eu acho que é escusado dizer que um personagem e um ambiente são muito mais interessantes do que um flutuante no espaço. Na mesma nota, muitas pessoas incluíram objetos e símbolos na peça com base nas informações fornecidas. Tínhamos tapas em forma de coração para sugerir sua natureza calma, castelos de areia para mostrar como ele poderia passar seu tempo livre, e muitos caranguejos e cocos para ilustrar algumas das partes favoritas de sua vida na ilha. Tal como acontece com o ambiente, estes elementos suportam a peça e apenas naturalmente adicionam mais interesse. Também temos uma variedade de poses. Quando eu só pedi por pirata, maior parte do que eu recebo é um personagem parado em um só lugar. Mas quando eu adiciono alguma história, repente eu tenho todo tipo de poses de ação que realmente nos dizem um pouco de quem é esse personagem, sentado na praia, indo pescar, construindo um castelo de areia, tudo isso é muito mais interessante visuais do que ficar parado. Finalmente, e o que eu acho mais importante, é que no segundo desenho, vemos uma quebra do molde pirata. Quando a maioria das pessoas pensa pirata, eles pensam em termos muito genéricos; olhos remendo, perna de pau, irritado. Embora esses elementos ainda apareçam em muitos dos segundos desenhos, isso não é tudo o que existe. Vemos piratas felizes, piratas tristes, piratas gordos, piratas nus limítrofes, até mesmo um pirata pássaro. Se você quiser saber mais sobre esse experimento, uma escrita mais detalhada pode ser encontrada na descrição da classe. Uma das maiores armadilhas sobre desenhar um personagem tão icônico, é que já temos todas essas idéias sobre como ele vai ficar antes mesmo de começarmos. É provável que alguém veja o seu desenho tenha as mesmas ideias. Criando novas decisões sobre um personagem antes mesmo de começarmos a desenhar, podemos substituir esse padrão e criar algo que é muito mais interessante para fazer e olhar. 3. Perguntas, perguntas e mais perguntas: Então é claro que adicionar narrativa aos nossos personagens é uma boa idéia. Mas como devemos fazer isso? Bem, na verdade é bem simples. Lembre-se que temos essa imagem padrão de um papagaio se parece antes mesmo de desenhá-lo. Bem, imagine que você tem esse padrão para quase tudo. O que você imagina quando você pensa em um alienígena ou um robô, ou até mesmo uma geladeira? A menos que você nunca tenha ouvido falar dessas coisas, provável que você tenha uma imagem imediata em sua cabeça do que elas são. A menos que trabalhemos, essa imagem imediata vai ser como você está desenhando. Então, como substituímos esse padrão? Bem, se olharmos para trás para o experimento de desenho, podemos ver que criando novas decisões antes mesmo de começarmos a desenhar, podemos substituir essa imagem e criar algo novo. Qual é a melhor maneira de chegar a novas decisões sobre um personagem? Bem, isso é fazer perguntas. É aqui que a versatilidade desta técnica realmente vem para jogar. Como você pode fazer qualquer pergunta de seu personagem, e isso vai influenciar como ele acaba. Então, digamos que estou desenhando um cavaleiro, e eu me perguntei, ele é um bom cavaleiro? Não. Talvez ele seja muito ruim, então eu quero colocar um monte de amassados em seu braço, eu vou mostrar que ele continua sendo atingido. Bem, por que ele não é uma boa noite? Bem, ele não gosta de lutar. Então eu poderia sugerir isso colocando um grande sinal como P em seu escudo ou em sua capa ou algo assim. Se ele não gosta de lutar, então como é que ele ainda é um Cavaleiro? Bem, talvez ele seja muito, muito grande. Então você pode ver que quanto mais você vai com isso, mais desenvolvido, interessante e diferente seu personagem se torna. O que é ótimo sobre isso também é que ele apenas torna o processo de tornar um personagem muito mais divertido. Você está fazendo perguntas, você está realmente investindo nisso, e você vai descobrir que quando você está realmente investido em seu personagem, não só você está se divertindo, mas então as pessoas que vão ver isso vão ficar investiu nele também. Então, como eu disse, você pode perguntar qualquer coisa, e eu encorajo-o a realmente se divertir muito com essas perguntas. Mas se alguma vez tiveres dúvidas, tal como acontece com qualquer prática de contar histórias, podes voltar aos 5W's. Então quem. Qual é o nome deste personagem? Quantos anos eles têm? Qual é o trabalho deles? Eles são mesmo humanos, eles são um animal, são os estranhos de uma terra distante, o quê? O que eles estão fazendo agora? Do que eles gostam? O que eles não gostam? Quais são os sonhos deles? Quais são os seus medos? O que os impulsiona? Então, onde. Onde é que eles estão? Onde eles estavam? Onde é que eles vão estar? Onde eles estavam? Onde eles prefeririam estar? Quando. Que hora do dia é? Em que ano é? Qual é a estação? É um feriado? Por quê? Por que o personagem está nessa situação? Por que estão fazendo o que estão fazendo? Por que não estão fazendo outra coisa? Por que temem o que temem? Então, se você está preso, eu anexei um PDF de grandes perguntas para fazer na seção de recursos desta classe que tem estes e muitos mais. Comece a pensar no design do personagem como solução de problemas, onde você cria o problema e a resposta. Toda vez que você vem com uma nova decisão sobre seu personagem, isso cria o problema de, ok, como eu vou fazer isso passar visualmente? Então, como você vai ilustrar que seu personagem cheira mal ou é alérgico a gatos ou gosta de espaguete. Esta é uma parte muito divertida do desenho é que você começa a chegar a soluções criativas para esses problemas. Talvez você decida que como você vai mostrar um personagem como espaguete é fazendo o cabelo dela com espaguete. Finalmente, você pode continuar a fazer perguntas a si mesmo enquanto você está desenhando. Pessoalmente, descobri que quanto mais tempo eu desenhei, mais fácil fica para mim cair no piloto automático enquanto estou fazendo isso, especialmente quando é algo que eu desenho o tempo todo. Então, desenvolver o hábito de fazer perguntas enquanto você está criando um desenho é uma ótima maneira de substituir esse piloto automático, e manter-se envolvido e tornar cada golpe do lápis intencional. 4. Experimente!: Agora nós vamos realmente experimentar isso. Assim como o experimento, você vai desenhar dois personagens. Um que é apenas a abordagem padrão, e outro que usa a abordagem conceito. Mas há algumas regras. Em primeiro lugar, ambos os desenhos devem representar o mesmo tipo de personagem. De preferência algo que é bem conhecido, que saibamos que você vai ter algumas idéias padrão sobre isso. Se você não tiver uma imagem imediata em sua cabeça quando pensar no personagem, não a escolha. Aqui estão algumas opções. No estudo, dei às pessoas apenas cinco minutos para cada desenho. Obviamente, você não vai conseguir uma obra-prima em cinco minutos, mas é uma boa maneira de limitar a quantidade de tempo que você tem que pensar para o desenho inicial. Isso não é necessariamente sobre criar seu melhor personagem de sempre, mas sobre perceber a diferença que faz para colocar o pensamento antes do tempo. Por fim, tente desenhar a primeira coisa que vem à mente para a primeira peça. Vale a pena notar que você acabou de ouvir um monte de conselhos sobre como substituir seu piloto automático, então seu cérebro vai querer fazer isso. Mas deixe sua maneira de pensar guiar o navio para a primeira peça. A segunda parte é onde você vai querer começar a fazer perguntas e quebrar a noção padrão que seu cérebro tem. Depois de ter feito ambos os desenhos, você pode enviá-los aqui para o seu projeto de classe. Você deve incluir o primeiro desenho, as perguntas e respostas que você fez para o segundo e, em seguida, o segundo desenho em si. Se você quiser levar qualquer um dos desenhos além do esboço, todo o poder para você. Em seguida, vamos olhar para alguns exemplos de história feita no personagem. Se você ainda quiser mais informações antes de começar seus próprios desenhos, talvez seja uma boa ideia assistir primeiro a este próximo conjunto de vídeos. 5. Conceitos matadores: Primeiro vamos olhar para um dos mestres da história e que é a Pixar. Eu poderia ter escolhido qualquer personagem de qualquer filme, mas eu pensei que um que era muito bom em ilustrar esses pontos é WALL-E. Você pode dizer que a Pixar não disse apenas, “Ei, precisamos de um robô que é lixo da Compaq,” e alguém desenhou hino. Muitas e muitas decisões foram tomadas sobre WALL-E que informaram como acabamos. Felizmente para nós, podemos ver uma parte desse processo a partir da soma de sua arte conceitual. Do ponto de vista da engenharia, é claro que como ele realmente funciona era um grande componente da construção deste personagem. Muita exploração foi em como nos contornávamos, como moveríamos os braços dele, executávamos tarefas, até mesmo piscando. O piscar em si não foi uma decisão arbitrária, foi a Pixar tentando humanizar WALL-E e torná-los identificáveis para nós. Agora, é claro que a personalidade pode se deparar com seu comportamento. Ele é um pouco desajeitado às vezes. Ele parece expressar sentimentos genuínos. Ele faz uma coisa muito humana. É como colecionar objetos porque ele gosta deles. Mas sua história de fundo é expressa apenas em sua aparência física. A forma em inclinar os olhos e fazê-los olhar triste ou vulnerável. Seu corpo desgastado e sujo está contando sobre o trabalho que ele faz e há quanto tempo ele está fazendo isso. Mesmo a forma como ele junta as mãos quando está de pé, dá-lhe uma aparência muito tímida. Você normalmente não pensaria em um robô como sendo tímido. Mais uma vez, a Pixar é fantástica em transmitir história e, felizmente, para nós, eles têm muito a dizer sobre o assunto. Se você gostaria de saber mais sobre como eles dão vida a seus personagens, eu recomendo este artigo. Em seguida, vamos estar olhando para uma peça de um bom amigo e grande ilustrador, Andrew Cope, onde a Pixar tem um filme inteiro para conhecer a personalidade e a história de um personagem, Andrew muitas vezes apenas tem uma única ilustração para fazer Então. Ele faz isso muito bem. Nesta peça podemos ver a tripulação de Scooby Doo jogando um jogo de Clue, um conceito divertido o suficiente por conta própria. Mas o que eu gostaria de salientar ouvir é como os detalhes sutis estão realmente contando não apenas os personagens e como eles estão se sentindo, mas também apenas o que está acontecendo na ilustração. Fred, que estava de camisa branca, está ficando um pouco frustrado por não ser capaz de resolver o quebra-cabeça, enquanto Velma, que está no amarelo, é muito atencioso e reservado. Daphne que está no roxo, é um pouco mais do lado casual e podemos ver isso do jeito que ela está sentada enquanto Salsicha e Scooby Doo, que eu não acho que eu precise apontar nossos melhores amigos e é por isso Eles estão sentados um ao lado do outro. Há também os mais tolos e é por isso que Salsicha está deitado de cabeça para baixo, e seu amor pela comida é insinuado por todos os lanches que os cercam. Voltando ao conceito de fazer perguntas a si mesmo, Andrew compartilhou comigo duas perguntas que foram muito úteis para a criação desta peça e muitas outras que ele faz. Lá agora, na verdade, minhas perguntas favoritas. O primeiro é o que aconteceu antes desta ilustração? A segunda é, o que acontecerá depois desta ilustração? Eu encorajo todos vocês a verificar o trabalho de Andrew em seu site. Não só porque ele faz história muito bem, mas também ele livremente me falou longamente sobre o assunto enquanto eu estava me preparando para esta aula e essa generosidade realmente merece atenção. Para o último exemplo, vamos voltar no tempo para uma das minhas pinturas favoritas, que é Icarus e Daedalus de Anthony van Dyck. Pinturas feitas por antigos mestres são, na verdade, uma excelente fonte de história. Isso porque naquela época, grande parte do trabalho que os artistas foram encomendados para retratar cenas significativas da história, mitologia e religião. Você tem um monte de significado amontoado em um único quadro. Para pessoas que não estão familiarizadas com o conto de Ícaro da mitologia grega. Daedalus criou um conjunto de asas de cera e penas para seu filho Ícaro e ele mesmo escapar. Surpreendido que tenham sido banidos também. Agora Daedalus advertiu Ícaro para segui-lo em vôo, não voando muito alto ou muito baixo. Se ele voasse muito alto, o filho derreteria a cera e ele cairia. Se ele voasse ondas muito baixas do oceano lavaria as penas e ele cairia também. Ao apontar as mãos de Daedalus e Icarus nesta pintura, Van Dyck conseguiu atravessar essa parte significativa da história em apenas uma imagem estática. Se você está com fome de mais amostras de história trouxe o personagem, Eu recomendaria olhar para o trabalho de artistas conceituais, verificando pinturas renascentistas, bem como livros e filmes. Dito isto, um dos melhores lugares para encontrar essa inspiração é apenas olhar para as coisas que você gosta. Se gosta de mim, gosta mesmo de videogames. Você pode olhar lá porque há um monte de história que vai para o desenvolvimento desses personagens. 6. Não são apenas personagens: Então agora que você entende que adicionar história é um componente muito vital para fazer grandes personagens, e você sabe como fazê-lo, eu posso deixar você em algo que eu acho muito legal, e que é que ele funciona não apenas com personagens, mas com qualquer coisa. Literalmente qualquer coisa que você possa fazer pode se beneficiar de uma dose de história. Isso significa objetos, ambientes, projetos, até mesmo coisas que são bastante abstratas. Por exemplo, outro amigo que foi bastante útil na criação desta classe, Meggie Appleton criou toda uma série de designs baseados em torno de exibir código visualmente. Embora seja possível adicionar um monte de quadrados e linhas a uma página e chamá-la de abstrata. Meggie mergulhou profundamente na pesquisa de como o código realmente funciona e tentou ilustrá-lo de maneiras diferentes. Eu acho que você vai concordar que os resultados são muito mais interessantes do que um monte de caixas arbitrárias e linhas. Novamente, quando você for investido, o espectador também vai. Então, como você adiciona história a não personagens? Exatamente da mesma maneira através de perguntas. Digamos que você está desenhando uma cordilheira nevada. O que aconteceu antes desta ilustração? Alguém gritou. O que vai acontecer depois desta ilustração? Uma avalanche vai cair através do vale abaixo. Então o visto que eu desenhei pode ser de neve descendo uma montanha suspirou com todos os tipos de animais fugindo dela. E se estivermos desenhando um livro? Quem é o dono deste livro? Talvez seja um feiticeiro. Qual é o conteúdo deste livro? É um feitiço para ressuscitar os mortos e quantos anos tem o livro? Milhares de anos. Então o livro que eu desenho talvez muito desgastado e sujo, talvez haja algumas páginas caindo para fora, mas eu poderia dar-lhe um brilho mágico muito misterioso e criar uma soma representações arcaicas olhando de pessoas morrendo e voltando à vida na capa. Assim como eu mencionei antes, divirta-se com essas perguntas, você realmente pode fazer qualquer coisa e quando em dúvida, basta verificar a lista que eu enviei, há até perguntas lá que lida especificamente com não-caracteres. 7. Considerações finais: Agora, você deve ter uma boa compreensão de porque a história é tão vital para criar grandes personagens. Você sabe que se você quiser adicionar história, tudo que você precisa fazer é perguntar e responder perguntas. Felizmente, agora você já teve a chance de experimentar essa técnica através do projeto de classe, e se você não tiver, tudo bem, mas eu recomendo. Assim como qualquer outra coisa, prática faz uma grande diferença. Mesmo apenas os 20 minutos que você iria colocar neste pode realmente começar a dar-lhe os benefícios de trabalhar com história sobre personagens. Como eu disse, tudo isso é sobre obter o máximo de resultados de suas ações, mas você ainda precisa tomar medidas. Só quero dizer mais algumas coisas antes de irmos. Uma coisa que eu mencionei é pesquisa, que é super importante, especialmente quando você está fazendo desenvolvimento de conceito. Talvez você esteja fazendo um robô em vez de apenas desenhar o que você pode pensar ou apenas desenhando o que você viu outras pessoas fazerem. Se você realmente levar algum tempo e olhar para como as máquinas funcionam, alguma história da robótica pode ser então estudar a pseudociência dos robôs Star Wars, e estas são todas coisas que vão produzir, muito interessantes, resultados para o seu desenho. Em segundo lugar, apenas adicione a história de fundo que você realmente precisa. Ao preparar-me para esta aula, criei um personagem, e exagerei muito na história. Foi como uma hora de desenho, mas passei quatro horas construindo o universo em que ele vive e as pessoas que ele conhece e sua lista de conquistas passadas. Tudo isso não era, realmente, necessário para uma hora de desenho. Quando falei com Andrew Kolb sobre isso, ele mencionou que seu personagem vive e morre em sua ilustração. Por isso, não há sentido em criar qualquer história que não vai afetar visualmente o seu desenho. Por último, quero agradecer àqueles de vocês que fizeram a sugestão para esta aula. Torna a minha vida muito mais fácil quando sei exatamente o que vocês querem, então eu realmente aprecio as sugestões. Então aqueles de vocês que participaram do experimento de desenho, muito obrigado porque aquele foi muito, muito bem, e eu me diverti muito olhando seus desenhos. Por fim, todos que estão aqui agora e estão fazendo a aula, muito obrigado. Agradeço muito a sua atenção. Espero poder retribuir o favor dando-lhe algum valor hoje. Muito obrigado e cuide-se.