Design de personagem: Desenho de pessoas em movimento | Ira Marcks | Skillshare

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Design de personagem: Desenho de pessoas em movimento

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Aulas neste curso

14 aulas (1 h 27 min)
    • 1. Apresentação

      1:35
    • 2. Visão geral do curso

      1:52
    • 3. Exemplos e inspirações

      9:25
    • 4. Aquecimento (para ilustradores)

      4:03
    • 5. Enquadramento e articulação

      6:47
    • 6. Escolhendo uma pose

      2:09
    • 7. Fazendo o esboço do personagem

      8:16
    • 8. Adicione os detalhes

      3:29
    • 9. Colorindo o personagem

      12:23
    • 10. Como escolher as cores

      11:29
    • 11. Criando uma pose

      11:15
    • 12. Projeto do curso: Esboço

      5:54
    • 13. Projeto do curso: Arte final

      7:06
    • 14. Conclusão

      1:17
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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Projetos

Sobre este curso

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Crie personagens que vão longe!

Já chega de personagens que ficam parados o tempo todo, não é? Junte-se ao cartunista Ira Marcks neste curso cheio de ação que explora a pose de corrida em uma aula sobre equilíbrio, peso e linguagem do corpo. Antes que você perceba, vai ter seus personagens perambulando pela página. Perfeito para iniciantes ou qualquer pessoa que queira expandir suas habilidades de desenho, seja trabalhando com ferramentas digitais ou tradicionais.

Procurando mais cursos sobre os fundamentos de desenhos? Confira Desenho: corpos e poses!

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Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

 

Ira Marcks is an author and illustrator based in Upstate NY. His graphic novels have been recommended by The New York Times, BuzzFeed, and the American Library Association.

Ira's Books | Cartoon Feelings Podcast | Behind-the-Scenes Patreon

 

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Transcrições

1. Introdução: Minha coisa favorita de sentar para desenhar um personagem é vê-los ganharem vida. Aprender a fazer um personagem correr em toda a sua página é uma daquelas técnicas realmente satisfatórias que vem com design e ilustração de personagens. É uma daquelas coisas que nos conecta às histórias que amamos quando crianças, e nos inspira a projetar nossos próprios personagens e enviá-los para aventuras. Meu nome é Ira Marcks, sou cartunista, ilustrador e autor. Nesta aula, mostrarei os passos necessários para criar uma ilustração final que pareça estar em movimento. Colocar um personagem em movimento não é tão difícil quanto parece. É apenas uma questão de entender algumas idéias básicas sobre ação, posar, proporção, equilíbrio, e a física do mundo dos desenhos animados. Vou ensinar-lhe algumas boas práticas em esboçar, adicionar detalhes, finalizar, empurrar poses, encontrar um estilo através da arte da linha, tinta, algumas dicas sobre cores e algumas outras dicas de desenho que vão subir de nível suas habilidades de design de personagem e fazer você contar histórias melhores com suas ilustrações. Então, se você está pronto para desenhar uma nova vida de seus desenhos de personagens, junte-se a mim para as pessoas em movimento, criando um personagem animado. 2. Visão geral do curso: Ei, bem-vindo à aula. Obrigado por se juntar a mim. Hoje vamos nos concentrar em desenhar personagens em movimento especificamente, em uma pose de caminhada ou corrida, poses que refletem a personalidade de um personagem. Esta aula vai começar com alguns olhares para o meu próprio trabalho pessoal, como eu uso personagens em movimento na minha narrativa. Então vamos olhar para alguns dos meus artistas e ilustradores favoritos que inspiraram meu processo e minha própria arte. Então vamos saltar para a direita em alguns dos fundamentos de projetar um personagem que pode ser colocado em uma variedade de poses diferentes. Compreender a estrutura abaixo, a imagem final, os ingredientes secretos que fazem os personagens ganharem vida. Então vamos nos concentrar na estética e estilo do personagem, tipos de corpo, pequenos detalhes e roupas. Nós vamos mudar para algumas coisas mais técnicas depois disso e fazer uma lição rápida sobre técnicas de tinta, trazendo para fora as linhas que são importantes para o seu design de personagem. Em seguida, outra pequena lição sobre colorir usando o método de cor triádica, que é como eu faço qualquer um dos meus colorir. Quando sairmos do outro lado da classe, você terá uma bela ilustração final de um personagem em movimento. Mas ainda mais importante do que isso, você terá uma melhor compreensão de como posar e projetar um personagem que pode se mover de várias maneiras e expressar uma variedade de emoções e ser usado para todos os tipos de projetos como histórias em quadrinhos, histórias ou apenas uma ilustração simples para um livro ou uma revista. Tudo bem. Vamos começar. 3. Exemplos e inspirações: Esta classe é toda sobre personagens em movimento. Quando estou desenhando um personagem, estou pensando em como estou trazendo-os à vida, e um personagem que está parado não transmite nada ao leitor. O tema desta classe é personagens em movimento. Se um personagem está em movimento, geralmente é porque ele é motivado por algum aspecto de uma história que você está tentando contar, mesmo que seja apenas uma ilustração de uma imagem, ainda há como uma história por trás desse desenho. Vou mostrar alguns exemplos do meu trabalho de personagens em movimento e o que isso significa para a história que estou tentando contar. Aqui está um exemplo do meu livro, The Aquarium Drift, que é sobre marinheiros indo para o limite do mundo em busca de uma serpente marinha gigante, cauda de pirata. Só de olhar para esta imagem, você pode ter uma noção de seu relacionamento. Temos Anna aqui à esquerda. Ela tem as costas arqueadas. Ela está levantando Jack do chão. Ela está equilibrando o peso e apoiando o peso dele. Jack está sucumbindo à frustração dela com ele nesta cena. Enquanto Tang está cutucando, suas costas são curvas, seus braços estão apenas atirando para fora. Ele não tem controle real neste momento. Sem ler qualquer um desses textos, você pode ter uma boa idéia do momento da história que estamos olhando aqui. É assim que muitos livros infantis populares funcionam. É assim que você atrai um leitor chamando atenção deles com uma imagem que transmite um ponto da história. Para mim, a pose do personagem diz muito sobre a história que você está tentando contar. Bem, vamos ver mais alguns exemplos aqui. Uma pose bastante comum para usar para um personagem seria uma pose ambulante. Então vemos esse personagem avançando. É uma caminhada muito exagerada. As pernas do personagem estão realmente esticadas. Seus braços estão esticados, suas costas estão arqueadas. Este personagem está realmente dominando esta paisagem, ou mesmo olhando para eles em um pouco de um ângulo. Você pode ver seu senso de poder e a forma como a física do mundo funciona. Você tem um monte de pistas de como este personagem é baseado na forma como seu corpo é posado. Faço muita ilustração para um público jovem. exagero nas tomadas de pose e ação é muito importante para se conectar e se envolver com o jovem leitor. Em uma página como esta, você tem personagens andando de forma semelhante. Pernas realmente estendido, mas braços em diferentes poses apenas para criar alguma variedade. Podemos ver aqui esses personagens estão andando, mas eles também estão interagindo uns com os outros. Embora existam algumas poses fundamentais que podemos usar para um personagem, é sempre mais interessante encontrar maneiras únicas de deixar um personagem se expressar. Ele revela um pouco mais de personalidade e parece que você está conectando com eles em seu próprio espaço, em seu próprio mundo. Gosto de me desafiar com personagens posando e muito disso vem do desenho e do redesenho. Como eu estou particularmente orgulhoso de poses como esta aqui, por exemplo, onde temos as costas desta personagem realmente arqueadas e seu corpo equilibrado sobre esta perna. Isso pode ter sido algo que me levou três ou quatro tentativas para desenhar antes que eu acertasse exatamente. Uma pose é um desafio divertido para definir para si mesmo quando você está projetando um personagem. Vejamos algumas referências de quadrinhos e artes de livros que para mim crescendo realmente deixaram uma impressão. Começaremos do início com algo como Calvin e Haroldo. Calvin e Haroldo é provavelmente uma das minhas primeiras experiências de leitura. Muito disso vem dos quadrinhos que eram silenciosos. Aqui está uma ótima estreptografia de Calvin e Haroldo onde vemos Calvin lutando pela rotina matinal de se levantar e se preparar para a escola. Agora, ele está correndo pela porta, nós vemos o movimento borrão em suas pernas, ele grita para uma parada, mas ele esqueceu sua lancheira. Então, agora ele entra em ação e está correndo de volta, pode encontrar o saco. Aqui está, aí vem o ônibus escolar, ele está discutindo, agora é a escola. Bill Waterson chama Calvin em movimento. Ele é um garotinho. Ele tem muita energia. Você pode ver que o corpo dele está suspenso do chão. Um personagem em movimento vai realmente atraí-lo para a história, seja uma imagem de uma história ou um livro ilustrado ou gibi. Personagens em ação são envolventes porque evocam sua curiosidade. Eles fazem você querer saber mais sobre o que está acontecendo com eles. Os quadrinhos de super-heróis são um bom ponto de referência para personagens em movimento. Homem-Aranha é tão atraente porque seu corpo se move de maneiras realmente únicas. Você pode abrir qualquer banda desenhada do Homem-Aranha para qualquer página e encontrar algumas poses realmente interessantes que são sempre, muitas vezes pulando para fora do enquadramento, você ouve Homem-Aranha e uma pose clássica do Homem-Aranha, pernas direitas dobradas, braços estendido. Spiderman é capaz de dobrar em todas as direções diferentes. É isso que o torna tão atraente para assistir. É como ele interage com seu espaço. Não é realista, mas faz você sentir que é real para o mundo em que ele está mantendo proporções humanas, mostrando estrutura muscular. Agora, um dos quadrinhos mais importantes para mim é Bone, de Jeff Smith. Muito do meu estilo vem de ler Bone muito durante a minha infância. Algo que é realmente interessante com Bone em relação à pose de personagem é a história tem uma justaposição realmente interessante de um personagem extremamente caricônico. Aqui é Fone Bone aqui à esquerda, e um personagem mais humano, este é Thorn. Fone Bone lê como a Disney dos anos 30, ou estilo Walt Kelly, tipo mangueira de borracha de personagem de desenho animado. Thorn é um pouco mais realista. Ela é mais da proporção humana, e ela tem um design mais humano. Quando esses personagens se movem, eles se envolvem com o mundo de maneiras diferentes. Aqui, está fugindo. Vemos Fone Bone e Thorn correndo pela tempestade. Bone, porque ele é muito mais cartoony do que Thorn se dobra de maneiras exageradas. Aqui, ele está correndo pela terra. Ele está suspenso no ar, suas pernas estão extremamente estendidas. Quando Thorn corre, é mais sutil, é mais humano. Você tem uma melhor noção do corpo dela respondendo à física do mundo. Por exemplo, neste painel aqui onde eles estão agachados reagindo a essa trovoada, você vê Thorn em uma pose que você poderia imitar se quisesse. Você poderia tirar uma foto de si mesmo nesta pose. Mas do jeito que Bone está posado, é exagerado demais para ser algo que você possa fazer. Ele representa um estado emocional mais exagerado para a história. Como se o corpo dele não estivesse respondendo à gravidade deste mundo. Ele está meio suspenso no ar. Você pode ver o estresse dele no entanto, e ele é um personagem que você pode simpatizar com, mas ele não é tão realista quanto espinho. Este livro realmente me fez pensar em quando você desenha um personagem, você também está levando em conta a física do mundo e como isso afeta como eles andam, e como eles correm, e como eles estão. Você pode fazer muito com a pose de personagens em termos de narrativa. Como em um livro de Onde estão as Coisas Selvagens, essas grandes icônicas páginas de personagens em movimento. Aqui temos alguns personagens que se movem através dos estágios de um ciclo de caminhada significando diferentes poses de caminhar com levantar as pernas e mover os braços para equilibrar-se. As poses dos personagens representam a energia da juventude. Esse tipo de sentimento primitivo. Sem sequer ler o texto, você pode ter uma noção de qual é a história que está sendo contada. Uma grande parte do desenho de um personagem é descobrir como mostrar em vez de contar com o design de sua pose. Se esses personagens estivessem parados, esta página seria muito menos envolvente. Personagens em movimento, um pouco fora de equilíbrio, movimento médio são sempre muito mais interessantes. 4. Aquecimento (para ilustradores): Vamos começar com alguns exercícios de aquecimento. Temos que colocar nossa mão no cérebro pensando como um ilustrador faria. Pegue seu lápis, imagine que há uma tela a cerca de três pés na frente do seu rosto. Segure na tela, e em vez de se mover e pequenos gestos do pulso, que é provavelmente como você está acostumado a trabalhar se você estiver desenhando talvez em um tablet pequeno ou você andar em pequenos pedaços de papel, vamos mover do cotovelo em maior forma. Vamos fazer um círculo que pode ser visto por alguém que está talvez a 100 metros de distância. Movendo-se do pulso, indo ao redor e ao redor, crie um grande círculo claro. O desenho é apenas a evidência de um movimento, e quanto mais claros forem os seus movimentos, mais clara será a sua ilustração. Pense em quando você era jovem e praticando no desenho de um círculo. Você imagina que havia uma versão perfeita de um círculo que pode ser ilustrado, e você tentaria alcançar esse círculo movendo-se em pequenos gestos nervosos em torno do formulário uma vez, apenas tentando acertar na primeira vez, e mesmo que se assemelhe a um círculo, a linha em si se sente nervosa e lê assim para um espectador. Então, para se tornar um bom ilustrador, você tem que se mover com confiança, e isso significa saber que você não vai acertar a linha na primeira vez. Se pegarmos este lápis e o colocarmos no papel, e ilustrarmos apenas um grande círculo, a forma como conseguimos essa forma, é através de um grande gesto confiante. Em algum lugar neste esboço é um círculo decente, e podemos usar a mesma abordagem de se mover do cotovelo para criar outros tipos de formas. Quando você está vendo no trabalho dos ilustradores, você geralmente está vendo o resultado final. Você está vendo o trabalho final, algo que foi totalmente limpo para apresentação. Esse não é o verdadeiro lado do processo. É como a parte de 10% do iceberg do processo criativo. Isto é o que um esboço parece que eventualmente leva a uma ilustração final. Está solto. É tudo sobre gestos na forma, na criação de formas divertidas e atraentes. Se você pode trabalhar bem e solto, você vai ser um ilustrador melhor. Vamos desenhar um design de personagem rápido e solto aqui. Apenas algumas formas básicas que transmitem as proporções de uma figura. Este personagem não está em movimento. Este personagem é plano. Eles são basicamente um homem de pão de gengibre. Foi colocado em cima de uma mesa. Para mim, isso não é um personagem porque ele não sabe como se mover. Não tem aquela estrutura interna que é necessária para dar vida a um personagem. Esta lição é toda sobre entender essa estrutura interna, aquela estrutura de um design de personagem que permite colocá-los em todos os tipos de poses diferentes que representam personalidade, estados emocionais e ação. No próximo capítulo, vamos olhar para a estrutura necessária para colocar um personagem em movimento. 5. Enquadramento e articulação: Por trás de qualquer design de caráter forte é uma estrutura para o movimento. Então é uma figura articulada. Quando pensamos em uma figura de bastão, pensamos em algo assim. Esta figura de bastão realmente não se presta ao movimento porque não tem algumas das partes fundamentais da forma humana que permitem que um personagem se mova e se expresse com sua linguagem corporal. Não tem ombros ou quadris. Se você está projetando uma figura de bastão para ser a base de um design de personagem, basta adicionar alguns elementos extras que se prestam ao movimento. Então ombros e quadris, assim. Estas são proporções humanas básicas, e agora temos alguns pontos de articulação que podem ser movidos. Portanto, há uma forma humana básica em proporção. Agora, há algumas coisas que você precisa acompanhar quando você está projetando a pose de um personagem, algumas partes fundamentais reais, e não é sobre olhar para os detalhes nesta fase. Não nos preocupamos com a pose dos braços, o olhar no rosto, onde os pés estão, certificando-se de que os comprimentos estão certos. Estamos apenas olhando para esta linha única de movimento fundamental e muitas vezes chamamos isso de linha de ação. É basicamente como a espinha do personagem. Então, se você quiser criar algo em uma pose emocional, então, digamos, feliz, podemos criar uma curva de linha como esta. Imagine que seja assim. Vejamos como podemos usar a linha de ação para representar a parte fundamental da pose do personagem. Pense nisso quase como um ponto de exclamação ou como o caule de uma flor. Aqui está uma flor inclinada para cima, a linha de ação não é perfeitamente reta ele inclina a direção, se dobrarmos essa linha de ação sobre, repente o personagem parece mais para baixo. Então esta é uma linha de ação mais triste do que esta. Esta linha é a coluna vertebral do personagem. Então, se desenharmos esse personagem e preenchermos essa linha com uma figura, e seguirmos as regras dessa linha de ação, podemos acompanhar o estado emocional do personagem. Quando você se propôs a posar um personagem, você quer usar esta pequena estrutura de um esqueleto aqui, para resolver os detalhes da pose. Sem adicionar nenhum detalhe, levo um minuto para avaliar as proporções da figura, fazer algumas pequenas mudanças, talvez dobrar as coisas um pouco, e uma vez que estou feliz com a pose, então eu começo a preencher o formulário e transformando o personagem em mais de uma silhueta de sua forma final. A estrutura da figura da vara de um personagem serve muitos propósitos ao projetar um personagem em movimento. Por um lado, está ajudando você a manter o controle da proporção, mas também está economizando algum tempo a longo prazo. Use o esboço do quadro para definir a pose antes de desenhar qualquer outra coisa. Você também quer ter em mente a forma como a pose ocupa um espaço. Então este personagem está em uma pose de ação exagerada. Olhe para o espaço negativo em torno de seus membros. Mesmo de longe fica claro a pose em que o personagem está. Eles estão virados para a frente, há muito espaço entre os membros, lê claramente. Quando você estiver desenhando o quadro de seu personagem, certifique-se de que há muito espaço e não muita sobreposição de elementos porque isso pode enlamear um design. 6. Escolhendo uma pose: Ao procurar uma pose, queremos escolher algo que lê claramente para o espectador. Algo que tem muito espaço no design, para que possa ser facilmente traduzido por qualquer pessoa olhando para ele. Vamos escolher uma pose do que é chamado de ciclo de caminhada de um personagem. Se você gosta de animação, talvez saiba o que é um ciclo de caminhada. Basicamente é uma série de poses que representa todas as etapas de um personagem se movendo através dos movimentos de caminhada. Você tem vários pontos de contato com os pés. Você tem mudanças de equilíbrio à medida que o personagem avança e o caminho é ajustado. Você tem a flexão das pernas, a inclinação do corpo, e até mesmo detalhes sutis como a reação do cabelo enquanto o personagem se move. Na animação, você teria que desenhar todas essas ilustrações porque elas fazem parte do ciclo de caminhada. Mas estamos apenas fazendo um projeto de ilustração e só precisamos criar um desenho, então você tem que se estabelecer com a pose perfeita para representar caminhada. Se olharmos para esses exemplos, vemos alguns deles lerem mais claramente do que outros. Qual é a pose icônica para caminhar? Provavelmente não vai ser algo como dizer isso, esta pose não lê muito bem. É andar, mas não é muito claro andar. Eu iria para o meio aqui e olhar para algo assim. Esta pose tem bom equilíbrio. Tem membros claramente estendidos, um belo arco atraente para o corpo, e ambas as pernas plantadas no chão. Esta é a pose mais óbvia para descrever a caminhada. Você tem algumas variações aqui que também podem funcionar. Este é muito bom. Temos este pé firmemente plantado no chão. Este funciona muito bem. Parece um pouco mais confiante. 7. Fazendo o esboço do personagem: Para a parte do esboço, vou usar dois lápis de cor diferentes, só para ficar mais claro para a aula. Eu vou usar este azul claro para o primeiro rascunho do esboço, e então eu vou passar por cima com um pouco de vermelho, quando eu começar a construir sobre o design e adicionar mais alguns detalhes. Começamos com a linha de ação, a curva da coluna vertebral. Este personagem vai precisar se sentir muito bem equilibrado sobre ambas as pernas. Começo estabelecendo onde está a cabeça da figura, ombros e quadris e começo com as pernas. Vou colocar a perna direita para a frente. Dê um pouco de curva, mas mantenha em linha reta, para que eu possa manter as proporções certas, e a perna esquerda fica dobrada para trás assim. Você pode dizer quando um personagem é equilibrado pela posição de sua cabeça sobre o chão. Se traçarmos uma pequena linha aqui onde está o chão, e colocarmos nosso lápis bem aqui. Você pode ver que a cabeça está bem entre as duas pernas, o que significa que está equilibrada. Se você olhar para a referência aqui para o ciclo de caminhada, você pode ver que personagem poses onde a cabeça é totalmente equilibrada sobre as pernas. Leia mais claramente como andar. Quando um personagem está desequilibrado, quando está abaixo ou entre movimentos. Como aqui, o personagem está mudando seu peso para a frente e novamente aqui. Essas poses parecem um pouco mais estranhas. Eles não são tão icônicos, porque esses são os movimentos entre o ciclo de caminhada. Personagens tendem a manter sua pose quando todo o seu peso é plantado em um pé, então é por isso que usamos poses como esta. Vamos fazer o braço. Esta é a perna direita. Se a perna direita estiver para a frente, então o braço direito, está de volta. Eu poderia sair do ombro, mas acho que fica melhor se você arquear o braço um pouco, para deixar a articulação clara. Este personagem tem uma caminhada muito confiante, e assim braço, braço esquerdo. Isto. Agora eu vou apenas marcar os pontos de articulação, porque isso me ajuda a manter o controle da proporção do corpo. Antes de entrar em mais detalhes, talvez queira fazer o que se chama empurrar a pose. Essa é uma frase usando desenhos animados que significa estabelecer, uma realidade da pose do personagem, mas então empurrá-la um pouco além ao ponto em que ele apenas lê ainda mais claramente. O que quero dizer com isso é, ter o personagem inclinado para o ciclo de caminhada um pouco mais. Talvez eu comece a esticar as pernas um pouco e dobrá-las um pouco. Começo a curvar os ossos do personagem um pouco mais. Isso dá ao desenho mais energia, mas, ao mesmo tempo, afasta-o um pouco da realidade. Como se eu continuasse esticando isso, como se eu colocasse a perna para fora e trouxesse isso como caminho volta e o personagem está flutuando no ar e os braços estão fora. Essa pose torna-se extremamente caricatura, e se você quebrar as regras do mundo demais, o personagem torna-se pouco confiável. Você quer que o personagem tenha peso, sinta que ele está interagindo com seu ambiente, então empurrar a oposição pode ir longe demais. Só um pouco de exagero pode ser bom. Estou muito feliz com este quadro. Agora vou começar a preencher o personagem adicionando formas e formas do corpo. Algumas formas bastante comuns para usar para o torso seria um retângulo. Bastante rígida, sem forma. Você poderia transformar isso em um oval, se você quiser que ele seja mais suave, mais amigável. Um tipo bem comum de torso estabelecido pelos animadores dos anos 30 como Disney e Fleisher Studios, é a forma de pêra, que é basicamente um círculo com um círculo menor no topo. Pode inverter isso. Coloque a forma maior na parte superior e menor na parte inferior. Se você for mais longe com isso, você pode começar a adicionar músculos, um pouco mais de detalhes à anatomia. Todas essas opções estão lá. Mas para desenhos animados, mais simples é melhor. Desde que seja claro e representativo. Vou usar algo como a forma de pêra. Temos que dobrar a forma de pêra para o arco da linha de ação aqui. Eu estabeleci a base do par bem nos quadris, e então eu estou curvando o círculo no topo e juntando-o em uma forma atraente. Ao esboçar, olho para cada forma que faço e avalio o seu apelo. Isso tem uma curva agradável e eu vou trazer essa curva para todas as outras seções do corpo. Agora estou preenchendo o personagem e definindo seu tipo de corpo. Dando peso a ele. ovais são as formas com que costumo trabalhar. Neste ponto, o personagem está se afastando daquele espaço plano para um reino arredondado mais 3-D. Isso significa que temos que entender o ângulo em que esse personagem está sendo visto. Vamos fazer uma curva de três quartos aqui. Se você se lembrar de voltar a gostar de sua foto da turma da quinta série, você sentaria no banco e o fotógrafo diria, “olhe para aqui” e você se afastaria da lente, que parece onde você deveria olhar e olhar para onde eles estão e, em seguida, eles tirar sua foto assim. A virada de três quartos lê mais claramente, você obtém mais informações visuais de um assunto. No desenho animado, é a maneira mais comum de ver um personagem posado. Este personagem não está de perfil, e não está olhando direto. Se vamos colocar um nariz no personagem e mostrar em que direção eles estão olhando. Vamos pô-lo dentro da cara assim. Se colocarmos dois pontinhos nos olhos, podemos ver o rosto. 8. Adição de detalhes: Então eu vou mudar para o meu outro lápis enquanto trazemos mais detalhes para este esboço para que você possa entender como a roupa se encaixa neste formulário. Eu vou manter isso muito básico, vamos apenas colocar uma camiseta e alguns shorts neste personagem. As linhas da roupa são como você estabelece a redondeza da figura, então preencha o pescoço um pouco e desenhe uma pequena curva com a cor da camisa seria. Eu vou fazer o braço direito primeiro, dobrá-lo para cima, colocar uma pequena curva onde a manga está e trazer isso para trás. Para a mão eu vou apenas adicionar um grande círculo redondo por enquanto e outro círculo onde o polegar seria. Agora, por outro lado, esta é uma oportunidade para realmente impor esta curva de três quartos mostrando a sobreposição do corpo para que o peito se ganhe e o braço está dobrado para trás. Isso cria a ilusão de sobreposição ou a ilusão de redondeza e forma de modo que a sobreposição é realmente útil para isso. Novamente, colocamos uma forma redonda lá no círculo do polegar, certifique-se de continuar enfatizando essas curvas, isso é novamente, o apelo do design. Quando você está olhando para um desenho, seu olho segue as formas e as traduz em seu cérebro, então dê ao espectador algo interessante para olhar. Curvas exageradas são mais divertidas de olhar para adicionar algumas formas para os pés por enquanto, certifique-se de estabelecer onde o calcanhar está tocando o chão aqui. Novamente, todas essas linhas podem ser modificadas para o conteúdo do seu coração nesta fase. Você não tem um monte de linhas acabadas acontecendo aqui então vamos dizer que queremos um pouco mais de definição nas pernas então vamos dar talvez este personagem algumas meias de corrida altas. Aqui vamos nós, então vamos trazer apenas um pouco de detalhes para o rosto. Eu tenho uma lição inteira sobre desenhos faciais então nós vamos apenas mantê-lo realmente simples para isso e o rosto é bastante pequeno na cabeça é aqui que o cérebro vai. Forma para a orelha aqui atrás e depois um pouco de sobreposição para a mandíbula. Eu vou trazer a linha da mandíbula para fora um pouco, aqui é onde a mandíbula do personagem estaria e entrar e trazê-la para cima para a forma da cabeça. Vai colocar um desenho, vou colocar uma cabeça de gato na camisa e talvez seja um dia úmido. O cabelo deste personagem está saindo. Lá vai você, então seu esboço deve finalizar a forma do personagem, as proporções, o tipo de corpo, e alguns pequenos traços de personalidade. Uma vez que você tem um esboço de confiança como este, não importa o quão confuso é, você pode pintar em cima dele que é o que vamos fazer a seguir. 9. Colorindo o personagem: Vamos dar uma olhada em algumas opções para tinta. Fale sobre isso em um segundo. Aqui estão algumas ferramentas realmente básicas para tinta. Marcadores de ponta de feltro. Estes são marcadores de marca micron. Eles vêm em tamanhos diferentes, então há um tamanho um, um três, um cinco e um oito. Estas são tintas de arquivo à prova d'água, o que significa que você pode pintar por cima delas e elas não desaparecem, elas são muito finas. Eles têm um peso muito consistente. Então aqui está um exemplo de um em comparação com um três. Quando você tinta com um mícron, você obtém uma forma prontamente uniforme que permite que as linhas sejam colocadas muito próximas. Você pode fazer um monte de trabalho detalhado. Como se eu pudesse fazer óculos minúsculos nesse par estranho, e eu poderia até encolher e fazer pequenas pupilas, assim. Se você é alguém que gosta de desenhar muitos pequenos detalhes, você provavelmente quer ter alguns microns na mão. Estas também são boas ferramentas para incubação, apenas uma técnica de sombreamento, mas não respondem à pressão da sua mão. Então, quando estou usando tinta, eu uso uma ferramenta um pouco mais avançada, avançada na medida em que você precisa apenas um pouco mais de controle sobre sua mão quando você está trabalhando nela. Eu uso uma ponta de caligrafia. Então a ponta de caligrafia é, um ponto de metal que fica nesta alça de cortiça. Então você pode substituir estes, eles são muito baratos e eles sentam bem neste punho assim. Você pode ver que eu tenho este cabo por um longo tempo, sobre você sabe 500 páginas de arte neste punho. Quando você empurra a ponta para baixo no papel, ele se abre assim e espalha a tinta em uma linha mais larga. Assim, você pode criar formas mais dinâmicas em sua arte de linha com uma caneta como esta. Mas trabalhar com uma ferramenta como esta requer certas técnicas. Como se não pudesses afastar-te com este tipo de caneta. Você tem que se mover em direção a si mesmo e você tem que estar constantemente mergulhando em tinta para manter o fluxo da linha. Vou trabalhar com a caligrafia, porque é onde me sinto mais confortável. Você pode trabalhar com caneta de ponta de feltro. Você poderia trabalhar com um marcador de Sharpie. Você poderia, estar trabalhando em procreate e usar qualquer tipo de pincel que você quiser. Não importa como você tinto. Importa como você pensa sobre sua tinta. Estou trabalhando com tinta preta da Índia de Windsor e Newton. Há um monte de diferentes tipos de tintas e há muitas classes legais lá fora para a técnica de tinta. Por que trabalho com tinta Windsor e Newton? Porque é muito grosso e brilhante e fica muito bem neste papel aquarela. Então eu vou colocar minha tinta aqui, e eu tenho minha ilustração. Vou trabalhar de cima para baixo. O estilo de todo mundo tem um pouco de erro. É isso que o torna único e pessoal. Você só tem que abraçar um pouco de erro em sua arte final, mas se você quiser trabalhar confiantemente com sua tinta especialmente, certifique-se de que você está permitindo a si mesmo liberdade de movimento com seu papel e seu corpo. Eu não vou apenas colocar este pedaço de papel bem aqui na minha frente e esperar que eu possa fazer o gesto perfeito com a linha toda vez. Eu vou virar o papel e eu vou pintar onde minha mão está confortável. Qualquer programa de desenho digital nos dias de hoje permite que você gire o papel no quadro para que você nem sempre precise girar sua ferramenta ou seu tablet. Você pode ajustar o papel dentro, mas as chances são, você está mais confortável com o papel em um pouco de um ângulo, então certifique-se de que você está permitindo alguma liberdade de movimento quando você está fazendo essas linhas finais. Enquanto eu tinto, eu ainda estou procurando oportunidades para aprimorar esse design, então eu não estou rastreando nenhuma dessas linhas, eu estou construindo sobre elas. Estou pensando no movimento para a frente do personagem, e agora o tecido está meio pintado no corpo. Então eu vou aproveitar esta oportunidade para dar as camadas de tecido no corpo sua própria forma separada. Você vai ver o que quero dizer quando eu for aqui. Vamos começar com algo assim, começar com este ombro traseiro e subir e voltar, e eu vou fazer o tecido flutuar um pouco no ar. Traga isso vivo, esse braço ao redor. À medida que chegar à mão, vou mantê-lo bem simples. Eu vou mostrar a forma do polegar, dedo indicador, e dobrar de volta assim. Você pode ver meu estilo de tinta com esta ferramenta. É um pouco vacilante. Acho que isso vem de ler um monte de quadrinhos Charlie Brown Peanuts quando criança, Charles Schulz tem um tipo real de energia nervosa em seu estilo de tinta, que torna tão distinto, o que torna tão distinto, mesmo que tecnicamente não seja a melhor maneira de pintar, É a melhor maneira de ele pintar suas histórias. A parte importante para mim é acertar essas grandes curvas. Com uma ferramenta como esta, você realmente não quer passar por cima de uma linha mais de uma vez porque você perde a graça do gesto. Como você pode ver onde eu toquei aqui em cima, ele meio que se alarga um pouco e encolhe de volta. Ninguém vai notar na versão final, mas eu vou notar, então você vai me ver tentar criar linhas únicas ao longo do caminho aqui. Aqui está uma boa oportunidade para mostrar o tecido, pegando a brisa e fazendo estes, vamos fazê-los shorts. Faça-o entrar um pouco aqui. Aqui está um espaço onde me esqueci de desenhar. Isso está tudo bem. Eu vou apenas desenhar algumas linhas curtas, eu termino esta perna aqui antes de passar para a outra perna. Ok, bom. Certo, vamos adicionar mais detalhes às meias, vou fazer listras horizontais, capturando essa curva estabelecida no topo da meia. Vamos colocar um pequeno círculo no topo. Agora, com a perna traseira, eu não tenho que acrescentar, se eu não quiser, tantos detalhes porque é um pouco mais fora de foco na imagem final. A perna de primeiro plano aqui está fazendo muito do trabalho para ajudá-lo a entender a pose do personagem, a perna traseira não está fazendo tanto, então na verdade vá um pouco mais rápido e simplifique a aparência dele. Torná-lo um pouco mais solto, quase abstrato, porque então ele simplesmente não chama sua atenção tanto quanto a perna de primeiro plano, então, para essas listras, eu só vou atraí-los rapidamente. Agora faz com que a perna pareça estar a um pouco de distância. Você pode ver algumas das imperfeições aqui como esta pequena lacuna na linha ou aquele pequeno pedaço. Isso é apenas parte do estilo que surgiu, uma mistura de prática e preguiça. Ok, então o outro braço aqui, um pouco mais simples porque está no fundo, e temos uma pequena faixa de suor no pulso, o que ajuda a reforçar a forma do braço. Mais listras assim. Esta mão está em uma pose como esta, então eu vou colocar o polegar sobrepondo os dedos um pouco, mantê-lo simples. Vamos fazer algumas linhas do pescoço. Agora, vamos fazer a cabeça. Eu vou fazer o cabelo soprar de volta ao vento apenas um pouco porque ele vai ajudar com o impulso para a frente do personagem. Então a ondulação vai ser mais na parte de trás do que na frente. Está pegando a brisa um pouco, e eu vou esticar a orelha um pouco, e eu vou apontar o nariz para a frente assim. Novamente, o ângulo do nariz é realmente importante para mostrar na direção da cabeça. Especialmente se você tem um estilo de design de rosto realmente simples. Se eu quisesse apenas colocar pequenos círculos para olhos como este, com apenas um par de sobrancelhas e alinhado para a boca, o nariz vai um longo caminho para ajudar a entender o ângulo do rosto. Só para apelar, vamos fazer uma bela linha de boca sorridente. Observe que é logo abaixo do nariz que delineia havia um pouco mais baixo do que precisava estar no queixo. Agora, eu vou passar e adicionar mais algumas linhas extras, lugares que eu perdi, como os anéis na camisa. Vamos colocar uma listra nas pernas da calça para ajudar a reforçar essa curva, e vamos colocar o desenho na camiseta. Aqui está um pequeno truque que eu uso, às vezes eu realmente virar a ponta para trás e usar o lado afiado para realmente pequeno trabalho detalhado. Alterne o design deste gato um pouco. Certo, e há um personagem com tinta. 10. Escolhendo as cores: Certo, vou fazer um curso intensivo sobre colorir com tintas. Entre os capítulos, eu fiz outra versão de pintura de um personagem, só para que você possa ver a diferença das ferramentas. Eu sei que nem todo mundo está confortável com a ponta. É uma ferramenta que você pode obtê-lo simulado em um tablet, mas muitas pessoas não trabalham mais com essa ferramenta tradicional. Nós temos a versão da ponta, mas eu também fiz uma versão rápida com apenas um afiador barato e um mícron. Isto vale 3 dólares em canetas na minha mão. Você provavelmente tem um afiador sentado em torno de sua casa, então não deixe a falta de ferramentas ficar no seu caminho. Aqui está uma versão de pintura de um personagem. Tem seu próprio charme. As linhas parecem muito diferentes da versão cortada, mas eu não sei, alguns de vocês podem gostar mais desta. Quem sabe? Na verdade, vou pintar esta versão. Vou trabalhar com aquarela. Mas, novamente, você pode usar qualquer ferramenta de coloração que quiser, lápis de coloração, um tablet, lápis de cor. Esta pequena lição sobre cores é um pouco mais apenas sobre teoria de cores do que as ferramentas reais que estão sendo usadas. Aqui está uma roda de cores. Quando planejo minhas cores, gosto de mantê-las focadas e simples. Eu uso esta regra básica do método de coloração triádica. O que significa começar com uma cor principal. Digamos que, por exemplo, eu escolho violeta. Então olhamos para o complemento, neste caso é amarelo, diretamente através da roda de cores assim. Então a parte triádica é quando você adiciona uma terceira cor, que é apenas um grau de distância da cor secundária. Eu posso ir para uma cor laranja amarelada, ou eu poderia ir até aqui para um verde azulado e isso cria esse pequeno triângulo. Você tem uma paleta de alto contraste agradável com base nessas três cores, e, claro, eu posso variar para o que mais eu quiser, dependendo do estilo ou da quantidade de diferentes elementos que eu tenho que colorir. Mas se você basear em torno dessas três cores principais, você vai ter um esquema de cores bonito, forte, alto contraste e ousado. Eu vou com aqueles de verdade. Vou usar um violeta como minha cor principal, um amarelo e depois um amarelo esverdeado. Eu tenho algumas tintas diferentes aqui. Uma das minhas pinturas favoritas como estas aquarelas concentradas radiantes do Dr. Ph. Martin. Eles são muito vibrantes, e eles vêm em pequenos potes de química como este. Eles não são muito diferentes do que apenas usar até mesmo um conjunto de aquarelas nível de estudante. Se é isso que você tem na mão, você pode usá-lo, ou novamente, qualquer ferramenta de coloração que você quer. Mas eu vou usar o Ph Martin porque eles são meus favoritos. Vamos tirar um violeta, laranja, amarelo e verde. Essas são minhas três cores porque eu estou usando [inaudível]. 11. Criando uma pose: Certo, então neste momento temos dois personagens em movimento. Ambos estão em uma pose de corrida semelhante. Digamos que para o seu projeto de classe, você queira um pouco mais de variação no design. Talvez você tenha um tipo de corpo diferente em mente, ou uma pose diferente ou um nível de energia diferente que você queira trabalhar. Eu vou fazer alguns esboços rápidos em diferentes variações do tipo de personagem e espero que isso vai inspirar você e ajudá-lo a projetar seu próprio personagem em movimento. Vamos tentar um personagem um pouco mais determinado que a última versão. Para a linha de ação principal, eu vou realmente tê-los inclinado mais para a pose. Eu vou curvar esta linha muito acima, e eu estou realmente indo para começar a dobrá-la sobre e para cima um pouco. Não é apenas um arco contínuo, é um pouco mais complicado. Os ombros estão quase indo para ser, vamos tentar em linha reta assim. Quadris. Vou esticar a cabeça para a frente assim. Pontos de articulação para os braços. Este vai ser quase um pouco mais gráfico. Você pode ver quando eu estou desenhando nesses estágios iniciais, eu realmente estou pensando sobre esses espaços negativos que são criados como a distância entre o nariz e a mão e o que ele cria aqui. Ele tem um efeito sutil sobre como o espectador está interpretando o desenho. As pernas vão ser realmente estendidas, e os pés vão ser apontados um pouco mais. Este personagem vai ter um peito mais pesado ou mais grosso e quadris menores. Eu vou criar uma forma aqui que é um pouco menor como um ponto de referência e uma forma maior aqui em cima apenas para orientar o formulário enquanto eu preenchê-lo ainda mais. Vamos manter as pernas longas, talvez até esticá-las um pouco mais. Observe este personagem em vez de ser restringido a mais de uma forma quadrada como o design anterior, que era mais parecido com este. Como isso. Este está mais esticado assim. Que só tem um pouco mais de impulso para a frente. Agora eu vou pegar o vermelho e empurrar isso um pouco mais longe. Agora, todas as formas que vou adicionar a isto vão impor este design deste trapézio em ângulo desmoronado. Vamos tentar uma cor mais pontuda. Uma cara mais pontiaguda. Vamos adicionar um pouco de movimento ao cabelo. Talvez menos fluxo no tecido. Personagem mais simplificada. Ângulos menores, talvez ainda mais nítidos nos membros. Menos peso. Quase se podia ver este personagem a ser apanhado numa brisa. Você pode ver que este personagem tem uma presença física bem diferente deste personagem, mesmo que tecnicamente eles estão na mesma posição. Este personagem está se movendo muito rápido, então vamos tentar o contrário. Vamos fazer um personagem que está mais exausto. Desenhos animados podem se sentir pesados tanto quanto eles podem sentir luz na área. É só uma questão de como você coloca o corpo do personagem. Em vez de trabalhar a partir de uma pose onde o peso é distribuído uniformemente, vamos colocar o personagem inclinado para a frente um pouco como se estivesse quase derrubando. Não aguentam o peso porque estão tão cansados. Vamos descobrir onde a cabeça vai estar. Vamos abaixar um pouco a cabeça. Veja como com o esboço, você pode simplesmente mover as coisas ao redor. Tento não apagar demais para não me envolver em erros. Só mudo os formulários até ficar feliz. Se eu tiver que começar de novo, eu poderia fazer isso, mas continue desenhando sobre desenhos. Perna dobrada e, em seguida, pernas planas no chão, mas mova-a para trás um pouco para que a linha de equilíbrio fique fora do centro. Agora esse personagem pode se sentir mais pesado. Vamos fazer os braços pendurar um pouco. Para esclarecer a pose eu ainda quero ser capaz de ver ambos os membros. Este está pendurado para a frente e este está pendurado para trás apenas o suficiente, então está saindo atrás dele. Idealmente, eu seria capaz de colocá-lo aqui. Talvez isso seria um pouco mais realista, mas para a clareza do desenho, você quer mudar a pose para que fique claro para o espectador. Vamos arredondar esses ombros. Quando você está exausto e fez um estado de baixa energia, seus ombros vão cair um pouco. Todo o peso está em um pé, então é muito importante ver e entender como ele está interagindo com o chão. Esta perna está para trás e para cima. Vamos fazer os pés maiores. Este personagem vai ser mais baixo pesado. É quase como se estivesse num triângulo fora do centro, como este. Ainda precisa estar ansioso um pouco. Não quero que o personagem olhe direto para baixo. Ainda os quero ansiosos. Eles ainda estão indo em frente, eles estão indo em um ritmo mais lento. Vamos fazer um nariz mais redondo, coloque-o aqui. Vamos abaixar os olhos e a boca um pouco. Talvez façamos algum tempo aqui para criar mais movimento descendente. Esta pose realmente pode parecer boa no perfil total. Mãos caídas em vez de punho. Faça as mãos mais longas. Mude para o vermelho para este esboço secundário. Cabelos para baixo, virados para baixo, ombro para a frente. Lembre-se disso novamente, o personagem está inclinado para a frente, então o braço vai inclinar-se para a frente um pouco assim. Os dedos recuam um pouco. Então agora podemos ter uma curva bem limpa na parte de trás. Talvez fazer umas calças largas aqui. Pé grande. Então todo o peso desta perna. Então desenhe este braço nas costas. Lá vamos nós. Agora temos algumas variações do ciclo de caminhada que melhor refletem a personalidade do personagem. Um personagem em movimento sempre vai evocar um certo humor ou senso de apelo. A linguagem corporal de um personagem vai muito longe para explicar o que eles representam em uma história ou apenas em uma ilustração simples. Criar poses de ação fortes para seus personagens é uma ótima maneira de dizer ao espectador quem eles são. Isso faz isso para esta lição sobre Personagens em Movimento, então vamos encerrá-la. 12. Projeto do curso: Esboço: Vamos direto para o projeto da classe juntos. Você é bem-vindo para trabalhar comigo ou você pode assistir e seguir os passos por conta própria. Eu tentei pegar as coisas sobre as quais falei na última hora e dividi-las em algumas etapas muito simples, que você possa criar um projeto de classe em cerca de 20 minutos ou mais. Estou resumindo o processo de criar um personagem em uma pose de corrida em quatro etapas conceituais básicas. Começamos com algo que estou chamando de 14 pontos de articulação. Estes são os 14 lugares na figura onde você tem a oportunidade de mostrar movimento. Você tem o pescoço, os ombros, os cotovelos, os pulsos, os quadris, os joelhos e os tornozelos. Estes são todos os pontos principais onde você pode dobrar e formar seu personagem em um bilhão de combinações de poses. Esquecer qualquer um desses pontos de articulação pode deixar seu personagem um pouco rígido. Agora vamos olhar para posar. Eu chamo isso de silhueta passo posar. Uma vez que esboçamos o quadro da figura, considerando os 14 pontos de articulação aqui, tentamos avaliar o equilíbrio do personagem usando a linha de ação da coluna vertebral e a colocação dos braços, e podemos mostrar propulsão do personagem através da forma como colocamos as pernas. Você pode ver que há quase uma sensação de simetria aqui em como equilibramos os braços e as pernas. Eles refletem uns aos outros em seus ângulos e curvas. Esta linha pontilhada representa a posição da cabeça sobre as pernas. É bem equilibrado, mas o personagem está inclinado um pouco para a frente. É uma boa pose de corrida, mas para entender se está falando claramente para o espectador, eu gosto de dividi-la em uma silhueta. Eu tomo algumas formas muito simples e eu apenas bloquear o corpo em um espaço bidimensional. Se o corpo lê bem em silhueta, sei que criei uma pose bem sucedida. Outra ótima maneira de avaliar sua pose é encolhê-la para baixo e ver se ela ainda lê claramente em algo como o tamanho de um selo postal. Se a pose não estiver clara à primeira vista, você pode querer reavaliar a posição das partes do corpo e a maneira como você está usando os pontos de articulação. Agora vamos pegar esse quadro e criar algumas formas primárias. Forma no contexto da ilustração, é usar formas para criar algo que é mais do que a soma de suas partes e criar a ilusão de que algo está existindo em um espaço imaginário. Aqui estão algumas formas básicas, uma esfera e um cilindro. Ao usar linhas curvas nessas superfícies, transmitimos forma. Agora, ao projetar a forma de um personagem, queremos pegar algumas formas básicas e uní-las para criar um personagem que parece existir em um espaço. Usando meu quadro como referência, estou construindo os personagens usando ovais esticados. Agora deixe-me quebrar essas formas. Cada cartunista e ilustrador tem seu próprio estilo de forma que eles usam ao projetar um personagem. Aqui está uma olhada na minha quando você os separa. Agora que temos a forma primária do personagem estabelecida, podemos adicionar formas secundárias. Esta segunda etapa de adicionar formas ao design do personagem é uma maneira de enfatizar a pose, empurrar a pose, como mencionei anteriormente, e evocar uma personalidade no personagem. Vamos dar uma olhada em algumas das referências que reuni para ajudar a criar uma personalidade para o personagem. Eu uso o Pinterest para coletar minhas referências. Aqui está uma prancha simples que fiz de exercícios dos anos 70, corrida e moda atlética. Vou escolher alguma moda que me agrada e também funciona bem para dar ao personagem uma sensação de movimento. Eu gosto do casaco de treino com a combinação de calções, então vamos usar isso. Formulários secundários podem ser tão avançados ou tão simples quanto você quiser. Você poderia olhar mais de perto para anatomia e rugas na roupa se você quiser fazer algo um pouco mais realista. Meu estilo de desenho animado funciona melhor quando as linhas são simples e graciosas e lúdicas e claras. Estou usando as formas do traje para melhorar a sensação de movimento no personagem. Há um pouco de fluxo e exagero nas curvas. Eu também sou capaz de fazer um pouco de sobreposição com as seções elásticas do traje de pista, e para mim, o colar adiciona um pouco de apelo à área ao redor da cabeça. Estou usando a faixa no lado dos shorts para enfatizar o ângulo das pernas, e para dar alguma forma às pernas, posso usar meias altas. Observe que a costura e as listras nas meias são um pouco semelhantes às curvas no cilindro que olhamos na seção de forma primária. Eu também vou usar os atacadores nos sapatos para adicionar uma sensação de movimento. Em vez de usar linhas de ação de estilo de quadrinhos, posso usar os cadarços para serem linhas de movimento. Agora eu adiciono alguns detalhes ao rosto, certificando-se de que o nariz está apontando a direção em que o personagem está se movendo e esticando o cabelo para trás um pouco mais de uma sensação de propulsão para a frente. Agora eu verifico meu esboço final para ter certeza de que ele ainda está transmitindo o senso de equilíbrio e propulsão que eu estabeleci anteriormente durante o enquadramento do personagem. Quando estou feliz com isso, posso passar para a arte final. 13. Projeto do curso: Arte final: Para minha ilustração final, vou trabalhar em um programa com o qual me sinto mais confortável. Chama-se Clip Studio Paint. É um aplicativo de desenho menos popular, mas as ferramentas básicas são muito semelhantes às que você encontrará no procreate ou no Adobe Photoshop. Para o bem deste projeto, eu não vou realmente compartilhar quaisquer dicas e técnicas sobre fazer ilustrações extravagantes neste software. Porque eu quero que esta classe seja acessível por pessoas trabalham com ferramentas tradicionais como eu fiz anteriormente na classe, e pessoas com apenas uma compreensão básica de software de ilustração. Você deve ser capaz de acompanhar. Vou deixar minha aba de camada aberta aqui à direita para que você possa ver como eu organizo minhas camadas. Novamente, camadas funciona da mesma forma com este programa como em muitos outros programas de desenho. Vamos começar. Vou começar definindo minha camada de esboço para cerca de 50% para que eu possa ver minha arte de linha claramente no topo, e eu vou criar uma nova camada para a minha tinta. Faço meu melhor trabalho quando estou tentando recriar a experiência de trabalhar com uma ferramenta tradicional. Para mim, essa é a ponta de caligrafia, que como mencionei anteriormente na aula, responde ao peso que você coloca na ponta do pincel. Eu selecionei apenas uma ferramenta Caneta de desenho realmente básico que você vai encontrar em qualquer um dos seus programas de desenho. Mas se eu definir a espessura da linha para muito fina, eu não obtenho nenhuma variação de peso quando eu pressionar para baixo e desenhar uma linha. Eu vou fazer a ferramenta muito mais gorda, então quando eu desenhar minha linha e pressionar com mais força para baixo o comprimento da linha, eu tenho alguma variação no peso. Tenho muito mais personalidade que essa linha tem à direita do que à esquerda. É perfeito para o meu estilo de desenho. Para testar sua ferramenta Caneta, você vai querer desenhar um monte de linhas retas como esta para obter a pressão perfeita e o peso da linha para sua técnica de desenho. Quando eu começo a pintar, eu costumo começar com o rosto porque eu gosto de ser capaz olhar para o meu personagem enquanto eu desenho o resto do seu corpo. Eu me certifico que o nariz está apontando para a direção certa, eu dou aos olhos um pouco de personalidade e então eu passo para os outros aspectos do corpo. Você vai notar que enquanto eu tinto, eu tentei ser gracioso com minhas falas. Pegue minha caneta o mínimo possível, e também você pode ver que eu ajustar a direção que eu desenhar uma linha dependendo do olhar que eu quero para ele. Um dos benefícios de desenhar digitalmente é que eu posso experimentar um par de estilos de linha diferentes antes de eu resolver em um. Há muito de mim a desfazer e a refazer o trabalho de linha no meu processo. Eu realmente preciso de minhas curvas para ter uma aparência suave para eles, então eu sempre me concentrar em exagerar as curvas e os ângulos dentro da linha. Cartooning funciona melhor quando há uma boa redondeza graciosa para a arte da linha. Eu tento não adicionar muita textura ou evocar sombra com a minha arte de linha porque é muito fácil de enlamear na ilustração, especialmente quando é um design de personagem simples onde a arte de linha já está tão próxima. Podemos lidar com sombras e texturas no estágio de coloração. Agora, para adicionar os laços, eu vou desenhá-los em uma camada separada porque eu preciso que eles se sobreponham às pernas. Mas eu não queria interromper o fluxo da linha na perna para parar e desenhar o laço porque isso iria quebrar o fluxo daquela curva agradável na linha da canela. Eu faço uma nova camada. Desenhei os cadarços lá, e depois volto para a outra camada onde está o resto da arte da linha, e apaguei os pedaços que estariam atrás do cadarço. Agora tenho uma boa sobreposição para o cadarço. Em seguida, vamos fazer alguma coloração realmente básica. Eu vou estar seguindo o método de cor triádica novamente como eu fiz antes, e eu vou começar com um azul suave como vimos na foto de referência. Agora, um grande elogio ao azul é amarelo, então vamos deixar os sapatos amarelos. Para estabelecer esse preenchimento triádico, vou pular aqui um pouco e deixar as meias avermelhadas. Vou manter os esquemas de cores simples. Em vez de adicionar outra cor ao azul, eu só vou escurecer o azul em algum preto e fazer os detalhes assim. Vamos com um tom de pele mais humano. Não importa o tom de pele do seu personagem, certifique-se de que sua pele não é muito legal. Você sempre quer inclinar-se mais para a laranja, vermelhidão se você ficar muito longe de seu corpo de seu personagem vai se sentir frio e morto. Uma maneira simples de adicionar sombra ao seu personagem é fazer uma nova camada e chamá-lo de sombra e ajustar as configurações da camada para queimar cor, eu vou reduzir a opacidade da camada para 25 por cento e obter um roxo para ser minha sombra. Agora eu posso desenhar sombras em cima de todas as cores base desta ilustração. Eles vão dar um bom efeito sombrio sem ter que mudar a cor da sombra. Funciona nos tons de pele, bem como nos tecidos da roupa. Sem ilustrar toda uma cena em torno do personagem, eu só vou sugerir o ambiente com um par de formas básicas e cores. poses de corrida e os desenhos animados ficam melhores quando os personagens são suspensos no ar, então vamos usar essa forma sombria para mostrar o chão abaixo do personagem que é um campo gramado. Vou colocar algumas nuvens no céu. Isso ajuda a fazer com que o personagem se sinta mais em primeiro plano. Ao adicionar alguns elementos de fundo simples, você pode fazer o mesmo e seu design e talvez alterar essa configuração dele. Como, por exemplo, você poderia fazer uma cena no deserto ou uma escapadela da cidade ou fazê-la chover. Minha cena é definida em um dia muito ensolarado, mas em vez de desenhar o sol no céu, eu vou fazer uma nova camada e eu vou pegar um amarelo muito claro e usá-lo como um destaque através das cores na jaqueta e na grama no nuvens. Eu tento não adicionar muito destaque para o cabelo ou a pele do personagem porque ele começa a torná-los um pouco plastificados. Lá você tem uma pessoa em movimento pronto para carregar para a seção do projeto de classe. Sinta-se livre para trazer mais detalhes para o mundo do seu personagem ou mantê-lo tão simples como este. Como eu disse, este projeto de classe pode ser feito em cerca de 20 minutos. Na verdade, se você pode desafiar-se a trabalhar mais rápido, desenhos animados sempre parece ótimo. Se você pode se mover rapidamente e manter as coisas simples. Vamos embrulhar esta coisa. 14. Conclusão: Espero que tenham gostado desta aula sobre personagens em movimento. Se você gostou desta lição e do meu estilo de ensino, bem, há algumas boas notícias para você, eu tenho um canal Skillshare com mais de 12 lições diferentes de desenho para arte narrativa, que inclui livros, quadrinhos, ou apenas spot ilustração. Mais lições sobre arte conceitual, projetar mundos, colocar sua imaginação para usar, desenhar mapas, mais fundamentos de desenhos animados, os fundamentos da arte em quadrinhos e até algumas aulas sobre design de criaturas. Uma vez que você terminar o desenho do seu personagem em movimento, seria incrível se você compartilhá-lo na seção de projeto de classe desta classe. Dessa forma, outros alunos podem ver você participando, e eu acho que no geral isso enriquece o campo da classe para ver o trabalho de outros alunos. Podes seguir-me no Instagram. Eu tenho um Patreon onde eu estou compartilhando alguns conteúdos nos bastidores dos próximos livros, e se você quiser ler qualquer um dos meus trabalhos, você pode ir para iremarks.com onde a maioria dos meus projetos anteriores estão disponíveis, vídeos, livros e histórias e todos os tipos de coisas divertidas. É isso por enquanto. Te vejo na próxima vez.