Dentro do estúdio: como os produtores de música colaboram com artistas | Focus... Music | Skillshare

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Dentro do estúdio: como os produtores de música colaboram com artistas

teacher avatar Focus... Music, Grammy Winning Producer

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Aulas neste curso

8 aulas (29 min)
    • 1. Introdução

      2:51
    • 2. A presença de um produtor

      3:48
    • 3. Construindo relacionamentos

      3:37
    • 4. Comunicação com artistas

      5:10
    • 5. O processo do produtor

      3:16
    • 6. Plug-ins de DAW

      5:11
    • 7. Faixa esqueleto para os artistas

      3:55
    • 8. CONCLUSÃO

      1:11
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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2.748

Estudantes

2

Projetos

Sobre este curso

Com mais de duas décadas de experiência em estúdios de gravação, o produtor de música vencedor do Grammy Focus... (Aftermath) já colaborou com alguns dos maiores nomes da música, incluindo Beyonce, Dr. Dre, e Kendrick Lamar.

Ao longo dos anos, ele aprendeu todos os tipos de técnicas para obter o melhor desempenho dos artistas quando estão gravando.  Agora, nesse curso de 30 minutos, ele repassa insights e dicas preciosas para aspirantes a produtores em todo mundo. As principais aulas incluem:

  • Controlando a sessão do estúdio
  • Construindo uma comunicação construtiva com o artista
  • Criando faixas de stripped para artistas mostrarem a voz
  • Plug-ins favoritos de Focus... durante a produção

Esse curso se destina a produtores que querem alavancar a carreira por meio de insights e práticas profissionais. Quer você esteja trabalhando com um artista em um estúdio ou remotamente, essas lições vão ajudar a refinar o seu processo, a obter o melhor dos artistas ao seu redor e, finalmente, vão levar a melhores produções.

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Focus... Music

Grammy Winning Producer

Professor

Bernard Edwards Jr., better known as Focus..., is a Los Angeles-based 2 time Grammy award winning record producer who first rose to fame when signed to Dr. Dre's Aftermath Entertainment in 2001. Over the course of his career he has produced Platinum and Gold selling records for artist including Dr. Dre, Eminem, Kendrick Lamar, Snoop Dogg, Mac Dre, Pink, N Sync, Christina Aguilera, Jennifer Lopez, Beyonc? Knowles, 50 Cent, Busta Rhymes,Bishop Lamont, Tony Yayo, Stat Quo, Outlawz, The Game, Jay Rock and many more.

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Transcrições

1. Introdução: Como vocês estão indo? Meu nome é Focus. Sou produtor do Aftermath. Estou com eles há cerca de 15 anos, trabalhando com o Dr. Dre e tenho uma carreira há cerca de 25 anos. Quando era criança, eu entrei na indústria da música. Meu pai era baixista e compositor Cole com um grupo chamado Sheep. Então, é tudo o que eu sempre conheci. Desde que eu era um garotinho, eu queria ser igual ao meu pai. Meu pai era um produtor de renome mundial e era algo que eu achava legal naquela época, mas agora é a vida e ainda é legal. Esta aula vai cobrir alguns pontos-chave para um produtor. Definitivamente vamos entrar no fato de que somos servos dos artistas. Somos servos para o bem maior do projeto em si, seja um projeto inteiro ou apenas uma composição. Então, vamos entrar nisso. Nós definitivamente vamos para o lado criativo e técnico do produtor, qual é o seu trabalho e como você pode fazer as coisas funcionarem melhor. Vamos entrar em relacionamentos, a importância dos relacionamentos, e vamos entrar em seu relacionamento pessoal com o artista e como isso também será fundamental para a conversa. Então, espero que isso ajude o que você está fazendo com sua carreira. Acredito que esta aula é feita para a pessoa que leva o passatempo de passatempo à carreira. Isto não é para alguém que só quer ganhar dinheiro com música. Isso é para a pessoa que tem o amor pela música, e tem o amor por criar música atemporal e entende o que eles estão tentando tirar de sua carreira. Isto não é ouro pequeno. Trata-se de longo prazo. Isto é sobre a distância. Então, eu falei sobre isso muitas vezes, e eu acho que muitas pessoas pensam que esta é uma daquelas coisas de voar à noite. Você faz um batimento cardíaco quando você é um produtor e não é isso. Isto é para aquela pessoa que quer manter a distância e fazer a música atemporal. Espero que quem está assistindo, eu acho que você precisa estar definitivamente em sintonia com o fato de que isso é sobre o amor e a paixão e o detalhe de fazer música. Além disso, como parte desta turma ansioso para cada aluno usar o que trazemos para esta classe e vocês usá-la em suas composições e enviá-la. Eu adoraria ouvir o que você faz com ele. Adoraria ouvir o que tirou desta aula e como a aplicou. Porque, tenho certeza de que cada aluno vai colocar sua própria reviravolta nele e é isso que o torna criativo. 2. A presença de um produtor: Para a primeira lição, eu quero entrar em algo que você provavelmente não ouve muitos produtores falar sobre. Mas vamos falar sobre sua presença na sala e por que é tão importante. Acho que os produtores precisam controlar a sala. Você precisa saber o pulso da sala com os artistas, quem quer que o artista traga. O engenheiro, você deve ter uma boa relação com o engenheiro. Mesmo que você não conheça o engenheiro, tente criar um nesse caso porque é quem vai ser seu co-piloto. Esse é o seu co-piloto para o resto do projeto. Então, no final do dia, vamos conversar e entrar em detalhes sobre sua presença e como você pode ganhar o controle da sala, para que não pareça que você é algum tipo de sobrecarga. Mas no final do dia, você tem o pulso indo na direção certa e a criatividade e todas as vibrações vão se correlacionar e faz sentido. Uma das coisas que eu achava muito legal sobre meu pai, meu pai era um maníaco por controle em casa, é claro, ele é o pai. Mas no final do dia para ver isso em um estúdio, ver meu pai realmente executar uma sessão com Robert Palmer ou Rod Stewart ou Diana Ross e vê-lo realmente dizer alguma coisa e todos pulando por aí tentando fazê-lo funcionar para o bem maior do projeto, foi incrível para mim. Eu acho que ele fez isso com uma grande das intenções porque ele queria ter certeza de que era um grande projeto. Ele queria ter certeza de que todos deram o seu melhor. Ele estava dando o seu melhor e ele queria ter certeza de que o quarto inteiro estava tudo na mesma porcentagem. Todo mundo está dando o seu melhor. Quando você está em qualquer tipo de exemplo em que é sua música, entenda, você é 50% proprietário desse projeto independentemente. Então, se você é proprietário de 50% e seu nome está acontecendo lá, seu nome é sua marca, você quer ter certeza de que você tem o melhor tipo de marca que existe. Eu quero ter certeza de que eu e o engenheiro falando, eu normalmente uso humor. humor sempre quebra qualquer gelo. Mesmo com aquelas pessoas que não querem sorrir. Você pode se virar e ainda usar humor. Você quer entender seu engenheiro e ter certeza de que ele está confortável e então quando o artista chegar lá, claro que o artista, é o projeto deles e é a sessão deles, mas no final do dia, você é o produtor e você está lá para garantir que o artista está confortável, o engenheiro é confortável, o projeto vai ser feito de forma eficiente e todos vão ficar confortáveis nessa situação. É sobre o artista. É sobre a música. Realmente não é sobre você. Nesse caso, é aí que entra a servidão. É aí que você tem que aliviar todo o seu ego às vezes e é difícil. É difícil para as pessoas, porque nós realmente pensamos em nós mesmos e por que eu não estou recebendo a atenção e por que eles pensam que eles poderiam falar comigo assim. Tudo isso tem que ser posto de lado. Se você quiser fazer a melhor música que puder e estiver trabalhando com um grande artista e é uma ótima oportunidade, mantenha-se aberto à vibração criativa das coisas. Se eles querem ir e ser muito sobre ele, tudo bem. Faça-os fazer o seu trabalho e depois deixa-os ir embora e depois continua a ser produtor. Comece a misturar o registro, comece a editar o registro, trabalhe com o engenheiro. Às vezes isso pode ter que acontecer, mas se o artista quiser ficar, você vai ter que entender como ser um servo. Você pode ter que sentar lá e ensopar naquela coisa maravilhosa, maravilhosa que chamamos de humildade. Mas isso lhe dará um resultado maravilhoso. Eu prometo isso. 3. Construindo relacionamentos: Algumas coisas que aprendi na minha carreira que me ajudaram a criar relacionamentos com os artistas e várias pessoas que podem ser novinhas em folha em projetos com os quais nunca trabalhei é conversa. Você não quer sentar e fazer mesma conversa com um artista se eles não te conhecem. Abra o diálogo e entenda do que eles estão falando. Entenda o que eles podem querer trazer em seu projeto. Se eles não querem se comunicar com você, encontre uma maneira de criar algum tipo de conversa, e eu prometo que as coisas vão começar a suavizar. Quando eles vêem você criar e talvez sua paixão pela música, talvez a paixão deles pela música seja a única coisa que vocês pensam : “Ok, vamos começar daqui, com nosso relacionamento. Eu amo as músicas tanto quanto você ama a música. Como posso melhorar a música?” Você pode não ter uma amizade, você pode não ser o melhor dos amigos, mas você terá algo para começar. Você quer um platô para começar. Um exemplo que eu posso pensar fora de cima é quando eu tive a chance trabalhar com Christina Milian em seu primeiro projeto. Christina era muito jovem. Então, ela chegou lá com a mãe, e Carmen é uma pessoa maravilhosa, uma mulher maravilhosa. Ela e Christina chegaram com uma energia tão positiva, energia muito otimista, e isso foi quando Christina estava mais orientada para pop. Então, foi muito legal entrar com ela comigo. Na época, eu estava trabalhando com Montell Jordan. Então, Montell era meu escritor, e eu era o produtor dele. Então, nós realmente tivemos esse projeto vindo através de Def Jam, e ela entrou e, nas primeiras horas da nossa primeira sessão, estávamos apenas conversando, rindo e nos conhecendo. Ela me contou sobre relacionamentos recentes, ela me contou sobre coisas que ela queria fazer assuntos sobre as músicas. Então, para ela fazer isso, ela realmente me ajudou a obter uma direção, e nós apenas começamos a criar a partir daí. Não havia nada que já estava pré-fabricado, foi tudo baseado no que ela queria que acontecesse com seus projetos. Então, foi muito inspirador, foi muito motivacional para eu conhecê-la primeiro, e isso definitivamente ajudou nosso processo criativo. Em certas situações, você não será capaz de criar um relacionamento, per se com o artista, porque você pode nem estar no mesmo espaço. Agora sei que com o avanço da tecnologia, tudo o que estamos fazendo é enviar música aqui e ali, criando relacionamentos dessa forma. Eles não são relacionamentos reais, não são relacionamentos tangíveis, mas são relacionamentos de trabalho. Nesses casos, você não vai saber o humor deles, você não vai saber nada sobre eles. Eu acho que é imperativo que você faça pesquisa, descubra talvez onde eles começaram, e onde eles estão tentando ir com sua carreira, com seu som. Alguns dos anteriores produtores com quem trabalham, por que trabalharam com esses produtores? Você pode encontrá-los em entrevistas, você pode encontrá-los no YouTube, você pode encontrá-los em todo o lado, espalhados por toda a Internet porque uma vez que você faz sua pesquisa sobre isso, você está mostrando iniciativa. Agora você está dando um passo onde o último produtor pode não ter ido, e você pode ser capaz de aprimorar o som que vai ajudá-los a continuar sua carreira. Então, é muito importante também. Ainda assim, esta é uma maneira morna de criar um relacionamento, mas é muito importante para você fazer sua pesquisa sobre isso. 4. Comunicação com artistas: Então, tudo bem. Temos a vibração estabelecida nesta sessão. Estamos gravando. Todo mundo está no lugar certo, mas como você faz seus artistas se apresentarem como nunca antes? Acho que a palavra controle dá às pessoas um ar de direito. Você não deve se virar e controlar literalmente os artistas ou as pessoas na sessão. Seu trabalho é garantir que as coisas estejam fluindo sem problemas. Como é que fazemos isto? Comunicação, Simples e simples. Quando você está falando com um artista mesmo que você vai ser crítico, você quer ter certeza de que você diz isso de uma forma que ele não prejudique, e ele não desconstrói o que você está tentando construir. No final do dia, você quer ter certeza de que você fala com as pessoas como você gostaria de ser falado. Eles podem não gostar de algo no seu caminho. Se eles se virem e disserem: “Isso é uma droga”, você seria capaz de se apresentar no seu melhor? Ou se eles dissessem, “Bem, há uma maneira de você mudar isso, e foi isso que eu ouvi”, Ok, eu entendo. Eu tenho isso. Você pode fazer o mesmo com um artista, “Tudo bem. Isso é bom. Isso é ótimo. Essa foi uma boa tomada, mas vamos pegar isso e vamos tentar com uma emoção diferente, ou você pode tentar abrir sua boca um pouco mais para que eu possa obter uma nota mais clara?” Ou coisas assim. É assim que se adiciona a um projeto. É assim que você adiciona a eles se sentindo bem sobre si mesmos e é assim que você adiciona definitivamente uma ótima, ótima música. Há momentos em que você vai dar feedback, e vai parecer que está caindo em ouvidos surdos. Já me aconteceu isso algumas vezes, e está tudo bem. Não é uma coisa ruim porque eu ainda estou lá para ter certeza de que eu estou dando um grande palco e plateado para os artistas. Se o artista quer se afirmar e ser a pessoa criativa dominante, tudo bem. Eu vou permitir isso, mas no final do dia, quando eu tiver um momento de reprodução, eu posso virar e pressionar play e tê-los sentados ao meu lado. Mostre a eles: “Ok, você ouviu isso aí? Você entende o que eu estava dizendo sobre aquele bilhete?” 10-1, esse será o momento em que eles podem ouvi-lo. Eles podem não ouvir atrás do microfone porque para eles este é o meu trabalho atrás do microfone, você faz o seu trabalho atrás do quadro. Eu entendo isso, tudo bem, mas quando sentamos juntos atrás do tabuleiro, estamos em um campo de jogo equilibrado. Agora, eu preciso que você entenda o que está acontecendo. Em todos os casos, quando eu apontei o que eu estava tentando mudar o tempo todo, acabou sendo mudado, e funcionou no final. Então, mantenha-se aberto. Você pode ter que deixar a coisa passar. Seja o que for, seja qual for a coisa horrível que ouças, podes ter de deixar passar. Mas não o deixes morrer e não o deixes sair porque ainda representa o teu nome. Se seu nome está naquela coisa, e você sente que poderia ter feito as coisas melhor, você não vai ser capaz de voltar e refazê-lo, obtê-lo feito, e certificar-se de que é feito o mais certo possível. Eu acho que é muito importante ter uma lista de verificação menor se você quiser, uma lista de verificação mental de coisas que você pode fazer para ajudar a definir a vibração para ter certeza de que você definir o tom para o que está prestes a acontecer na sessão. Eu sei que para mim eu sou muito grande em iluminação. Nós nos chamamos de vampiros não literalmente, mas eu não gosto de luz brilhante, eu não posso trabalhar sob luz brilhante. Gosto das minhas luzes escurecidas ou coloridas. Para mim especialmente até mesmo trazendo um artista, se eu chegar lá cedo, o que eu devo a cada produtor, chegar lá antes do artista. Mas quando eu chegar lá, é muito importante para mim mostrar-lhes que isso é importante para mim, então eu começo a trabalhar imediatamente. Eu trago a faixa, eu me certifico de que é uma mistura solta no tabuleiro se eu estiver usando isso como uma venda. Se eu estiver apenas na caixa, se eu estiver apenas usando Pro Tools, eu vou ter certeza de que há algumas coisas para mostrar que eu estive trabalhando antes de eles chegarem lá. Espero que você comece a criar, eu chamo de efeito redemoinho. Uma vez que as coisas começam a se mover em uma direção. Uma vez que os artistas e quem quer que o artista esteja trazendo com eles , eles devem virar e ir direto na mesma direção. Criando esse bom efeito de hidromassagem, você obtém uma boa energia na sessão. Então, é fundamental dar a volta e definir o tom antes que os artistas cheguem lá. Legal. Então, a vibração está ajustada, você tem suas velas sensuais acesas, todo mundo está feliz, nós chegamos às coisas divertidas. Este é o lugar onde eu me alegro entrando direto na sessão. Eu tenho tantas coisas que eu preciso para me ajudar a ser o produtor que eu sou, pacotes, vários plugins, então nós vamos direto para isso. Então, isso vai ser divertido. Esta é a parte divertida. 5. O processo do produtor: Legal. Sabemos que não estamos aqui para fazer um a um, mas é importante entender que há um processo criativo se você quiser e este vai ser meu processo criativo pessoal é como eu começo com qualquer coisa. Quando eu começo, normalmente eu gostaria de começar com acordes. Há momentos em que começarei com bateria, mas gostaria de começar com acordes. Eu sou um demônio para um grande acorde, e pode ser só um pouco. Neste caso, nesta faixa, é literalmente uma batida, e por alguma razão eu ouvi tanta coisa acontecendo neste pouco, então eu tratei. Eu usei um roader, eu usei um spreader e eu apenas coloquei o máximo que eu posso nele para alterar o som para onde eu possa usá-lo para onde eu possa construir sobre ele. Então, a partir daí, comecei a adicionar diferentes instrumentos. É importante construir uma base para trabalhar fora e eu sei que como com esta, é uma faixa muito simples e esparsa. A coisa mais movimentada aí é a amostra que você está ouvindo uma e outra vez. Mas é uma daquelas coisas que você ainda pode ter um artista lá, e o artista terá espaço suficiente para respirar. Então, eu me certifico de que eu tire tudo do meu sistema porque quando você produz às vezes você pode produzir demais. Mas você quer ter certeza de que você tem o suficiente para que um artista possa construir e se você precisa tomar de volta você pode retomar. É sobre os artistas, é sobre criar espaço para os artistas e eu sei que às vezes, quando estamos em nosso próprio espaço de trabalho, esquecemos o fato de que vai haver um artista nele. Tudo bem para esta faixa é uma faixa híbrida que eu fiz é uma faixa RnB tem um hip-hop undertones, mas eu fiz isso porque eu realmente queria criar um campo sonoro que fosse baseado exclusivamente no artista ser o instrumento principal. Meu instrumento favorito em qualquer estúdio é a voz, a voz pode fazer muito mais do que qualquer instrumento pode fazer. Ele pode até mesmo emular instrumentos, se você quiser. Então, uma das coisas que eu realmente quero fazer é apenas criar espaço. Eu vou fazer coisas [inaudíveis] e enviar para um artista e deixar o artista fazer suas coisas e então eu vou voltar e reconstruir a pista ao redor deles. Se você ouvir a dinâmica desta música, ainda é escassa o suficiente para onde um artista pode existir, e eu não estou dominando o artista. Estou a dar-lhes tudo o que precisam para que possam cantar e ser o movimento da faixa. Eu acho que é muito importante dar-lhes o suficiente para escrever fora, dar-lhes a estrutura de acordes, dar-lhes a ponte, dar-lhes qualquer estrutura que você acha que precisa e depois adicionar. Eu acho que tantas pessoas querem se mostrar como produtores que eles colocam tanto lá, tantas edições, tantas coisas diferentes que é difícil para alguém sentar e dizer, ok eu posso escrever para ele. Não significa necessariamente que é uma pista ruim, só significa que você tem que afiná-la. 6. Plug-ins de DAW: Não é preciso um gênio para descobrir, eu sou um produtor da velha escola que está no jogo há 25 anos. Eu estou vindo de um monte de equipamentos analógicos, então eu estou acostumado a ter, onde eu gravo, antigamente, eram bobinas de duas polegadas, e então eu iria trabalhar no meu equipamento. Então, para mim, a lógica é o meu equipamento. É onde eu trabalho, e onde eu gravo, ou eu sou mix é Pro Tools. Eu sei que Logic, você pode misturar Logic. Eu sei que no Pro Tools, você pode misturar e criar Pro Tools, mas para mim, a separação me ajuda. Preciso saber que quando estou na Logic, estou criando, estou fazendo a música. Quando estou no Pro Tools, estou misturando, e estou focado nisso. Então, novamente, aprofundando os detalhes do meu fluxo de trabalho, acho que não sou só eu quem faz isso. Há um monte de produtores que têm o seu ir, estar na plataforma, estar em um plugins, pacotes de coisas assim, você tem o seu ir, ter o seu espaço criativo que você entende o que tudo faz, e o que você está indo Afaste-se disso. Eu, meu pacote Izotope, é uma obrigação. Precisava disso em tudo o que criei. Ozono 5, é o meu favorito. Eles têm sete agora e eu estou aprendendo isso também. Mas o ozônio 5 para mim é tão confortável. É uma ferramenta de masterização, e eu uso isso para colocar depois que eu faço meu e-filas em cada faixa, e coisas assim. Para mim, dá uma perspectiva tão ampla da pista, e dá soco também. Porque, você pode e-queue geral, e você pode até mesmo jogar com a imagem estéreo. Então, para esta faixa, eu vou tocá-la sem ela. Agora, ao mesmo tempo que eu estava usando som muito ambiente, então eles vão ser largos por si mesmos, mas no momento em que você colocar este plugin, você pode ouvir que ele se iluminou, ele se ampliou também, e é muito importante como eu vou usar o excitador harmônico, só para que eu possa ter uma sensação mais nítida. Às vezes, eu gosto de agitar meus médios altos também. Então, depende do que você está realmente tentando pintar com sua música, mas eu aconselho, saber quem de vocês, se você pudesse ir e definitivamente verificar o material iZotope, porque realmente traz uma bela dinâmica para tudo, e isso pode ajudar tudo o que você está tentando fazer de forma criativa. Outra empresa que eu gosto de seu software, é Soundtoys. Eu acho que as coisas deles são incríveis, quero dizer, para soar manipulação, se você quiser. Às vezes eu realmente quero fazer algo meu, eu começo a entrar realmente no funcionamento interno do som, e Soundtoys ajuda isso. Uma das coisas que eu posso trazer à tona agora, é chamada Little AlterBoy, e com algo assim, você pode pegar qualquer som que quiser, e você realmente entra em alguns sons diferentes, texturas diferentes. Isso pode ser algo simples como, você pode fazer isso uma outra faixa inteira, e fazer backup dessa alta freqüência. Sobre isso, você pode fazê-lo literalmente sobre ele. Você pode dirigi-lo. Se você quiser fazer isso parecer diferente, você pode fazer isso. O que estou fazendo agora, é apenas mudar o formato dele. Eu ainda tenho um menos 12 no campo. Coisas assim, adoro ser capaz de fazer isso funcionar dentro da minha pista porque, agora você não sabe o que é isso, você não vai saber que instrumento é esse. Então, essa é uma das coisas que eu amo usar. Outro que eu sou grande, e eu realmente amo é Sugar Bytes. Sugar Bytes tem algum som alterando as coisas, bem como para a parte de edição dele. Looperator, você tem que tê-lo. Esse Effectrix, Stutter Edit por iZotope. Meus três favoritos ir para empresas é iZotope, Sugar Bytes, e depois Soundtoys. Então, se você pode implementar seus pacotes em seu processo criativo, você pode apenas ver as coisas fora da escala Richter. Vai ser muito, muito importante para você. Então, depende de quão criativo você quer ser. Todas essas coisas ajudam meu som, e me dão uma impressão digital como produtor. Acho que é isso que importa. Ser original, ser criativo, e é assim que você faz seu pessoal voltar para mais. Porque, isso é o que você vai ser capaz de trazer para a mesa, é sua impressão, sua impressão digital. 7. Faixa esqueleto para os artistas: Então, agora eu quero entrar em uma composição que eu estou trabalhando com Marsha Ambrosius. Isso vai mostrar o que quero dizer sobre o que eu disse no artista, um esqueleto onde eles podem escrever e demonstrar o disco, enviá-lo de volta para mim e então eu vou construir sobre ele. Então, isto é o que eu originalmente enviei à Marsha. Muito esquelético. São apenas estalos e acordes que eu gosto. Então, isto é o que eu mandei para ela antes de ela colocar o vocal nela. Agora, este esqueleto tinha elementos suficientes para ela entender a dinâmica entre o verso e o gancho. Meu esqueleto era suficiente para onde havia estrutura. Ela escreveu sua música, colocou seu vocal nela e este é o gancho dela aqui. Tudo bem. Agora, entrando na estrutura real da música depois que ela me mandou de volta o que ela fez para a faixa esquelética que eu enviei e era uma faixa de duas. Tendo todas as minhas faixas aqui agora à minha disposição, eu comecei a adicionar coisas, mas ainda entendi que eu não estava tentando sobrecarregar a música, ainda entendendo que eu estou lá para apoiá-la e para ter certeza que ela é o instrumento principal e ela é a estrela. Algo tão simples para o qual ela cantava, comecei a adicionar meus instrumentos. Mesmo algo tão pequeno como aquela linha de chumbo, se estivesse a esfregar a voz dela da maneira errada, então eu teria tirado, mas agora temos bateria. Vai adicionar um drive à música, mas não queria que fossem tão vagos que a engoliam. Agora, lembre-se, você ainda pode ouvi-la. Ela ainda é a pessoa proeminente e predominante na pista. Não sou eu. Não é a pista. Ainda é para ela. Agora, ainda estou adicionando todas as peças. Agora, se você notar, essas são todas as faixas que eu coloquei lá. Isto é tudo o que eu adicionei desde que eu tive sua pista volta e eu não tirei seu espaço para longe dela. É muito importante para nós entender como é importante para o artista ser capaz de cortar em uma faixa. Às vezes você pode usar um pesado oito distância eo artista ainda está lá e predominante na pista. Não há nada de errado em usar instrumentos pesados, mas usando muita instrumentação, às vezes você está indo contra o que eles estão fazendo. Eu me certifiquei de que tudo fosse com um fluxo e eu me certifiquei de que ela ainda era o instrumento principal na pista. 8. CONCLUSÃO: Espero que tenham tido boas informações desta turma. Fomos através do estabelecimento da relação entre você e os artistas, passamos pelo processo criativo, você também definiu o clima. Há tantas coisas que colocamos nesta aula, pequenas pedras preciosas, então espero que isso tenha ajudado a todos. Quero agradecer a todos que se sintonizaram e checaram toda a turma. Eu realmente, realmente espero que você pegou algo dele, uma jóia, algo que você pode usar para construir e melhorar seu conjunto de habilidades e seu fluxo criativo. Então, mais uma vez, muito obrigado, e eu imploro, por favor, envie sua música, envie apenas algo para nos mostrar que o que você fez pegou desta aula, ajudou. Faça do jeito que eu te mostrei, mostre o esqueleto, a coisa que você pode ter enviado ao artista ou ao compositor. Mostre como soou quando os artistas e o esqueleto foram combinados, e então mostre o que você fez no final. Se vocês estão prontos, e vocês realmente querem que nos mantenhamos em contato, podemos fazer isso com o Skillshare.