Curso intensivo de desenho de personagens: desenho dinâmico em quatro passos

1. Introdução: Olá e bem-vindos ao Character Design Crash Course, Design Dinâmico em Quatro Passos. Meu nome é Melissa e sou designer e ilustradora do norte da Califórnia. Curso intensivo de design de personagem é uma série de aulas de ilustração destinadas cartunistas iniciantes ou artistas de personagens intermediários à procura de uma atualização. Nesta aula, eu vou levá-lo através meu processo de quatro etapas para projetar um personagem dinâmico, que inclui criar uma história e um conceito, criar esboços em miniatura ásperos, refinar seu design e finalizar o detalhes, e, finalmente, limpar e cor. Também falarei sobre os fundamentos do design de personagens e a importância de usar referência e aprender com outros artistas. Como um bônus, também apenas alguns exercícios de desenho de prática divertida e benéfica. Uma vez terminado, você terá um personagem totalmente colorido para adicionar ao seu portfólio. Então pegue seu lápis e vamos começar. 2. Noções básicas de desenho de personagens: Se você fez o meu curso de design de personagem anterior, parte disso será uma repetição. Mas eu recomendo que você assista de qualquer maneira porque eu cobrir mais alguns tópicos e entrar em um pouco mais de detalhes. Então, ainda deve ser benéfico para você. Então, as quatro grandes coisas que você tem que considerar são forma, silhueta, ritmo e construção. Tudo o resto se enquadra nessas quatro categorias. É mais fácil de caricatura ou desenho animado uma vez que você entende construção. Você provavelmente vai me ouvir repetir isso várias vezes durante toda a aula porque eu realmente quero que ele afunde. Então, eu quero falar sobre alguns dos marcos básicos do corpo humano médio que o ajudarão a entender a construção e proporção da figura. Porque, como eu disse, uma vez que você aprendeu o básico e uma vez que eles realmente afundaram, você vai achar mais fácil para caricatura e desenho animado. Assim, sem mais delongas, em um humano médio, a largura do ombro é de cerca de três cabeças de diâmetro, a linha do olho é o ponto de meio caminho do crânio, e viajando pelo corpo, a caixa torácica se dobra no a meio caminho da parte superior do braço, o cotovelo alinha com o umbigo e as mãos caem acima dos joelhos cerca de meio caminho até as coxas. O ponto médio geral de uma figura média está na parte inferior dos quadris. Com a figura no perfil, há alguns ângulos que você quer ter em mente, particularmente a inclinação da caixa torácica e dos quadris. Muitas pessoas tendem a querer atraí-los muito mais heterossexuais do que realmente são. Portanto, essas proporções servem como um guia para ajudá-lo a colocar tudo no lugar certo. Ao desenhar, você quebrará muitas dessas regras de anatomia. Mas é importante ter sempre em mente as proporções básicas que a maioria das pessoas tem em comum porque quando um bom designer de personagens exagera, eles estão sempre conscientes do que funciona e do que não funciona. Muito do design do personagem é caricatura e exagero. Mas se você não tem uma linha de base forte para começar, você não saberá como exagerar com sucesso. Por exemplo, a primeira figura azul é uma figura média proporcional dividida em formas simples, que é algo que eu realmente gosto de fazer. Apenas mantendo-o o mais simples possível e eu ainda estou mantendo as regras que eu acabei de falar no último slide, mas todas as formas são super primitivas e simples. Quanto mais você faz isso, realmente ajuda você a entender como a figura humana funciona. Então, de qualquer maneira, a primeira figura azul é proporcional, mas as figuras verdes à direita, mesmo que não sejam anatomicamente corretas, eu ainda estou ciente dos pontos de referência do corpo e há certas coisas que eu fiz aqui que ajudam a tornar o forma geral e trabalho de design. Assim, por exemplo, os braços ainda caem acima dos joelhos e os cotovelos ainda se alinham com o topo do osso do quadril e do umbigo. Ainda estou seguindo algumas das regras que estabeleci no slide anterior. Ao mesmo tempo, eu não quero que você pense que nunca é certo fazer algo como ter as mãos penduradas abaixo dos joelhos, por exemplo, porque isso poderia muito bem funcionar. O que eu realmente estou tentando fazer é enfatizar a importância de aprender a desenhar corpos anatomicamente corretos porque quanto melhor você estiver nisso, mais fácil será para você fazer escolhas ousadas de exagero. Você será capaz de tomar decisões informadas com base em seu conhecimento de uma figura humana proporcional. Para ser perfeitamente honesto, há alguns personagens de desenhos animados onde é realmente difícil identificar exatamente por que eles trabalham tão bem como eles fazem apenas porque eles são tão cartoony. Mas confie em mim quando digo que não importa o quão exagerado um personagem possa parecer, o designer por trás desse personagem entendeu como desenhar uma figura proporcional. Então é as quebras, infelizmente, ele realmente irá beneficiá-lo se você entender a construção. Seguindo em frente, uma das coisas que você realmente quer tentar evitar são tangentes. tangentes são o que acontece quando duas ou mais formas se tocam de uma forma que é visualmente incômoda. Então, o exemplo que tenho à direita com o estrondo dela, é tocar o rosto de maneiras estranhas. Parece que está quase colado no nariz, lábios e queixo e não está claro exatamente o que está acontecendo no desenho. Se o estrondo fosse retirado de seu rosto, seria mais fácil ler como estando atrás de seu rosto e não estando preso a ela dessa maneira estranha. Então, estas são apenas pequenas coisas que você tem que tentar olhar para fora para fora e vai se tornar mais fácil para pegá-los quanto mais você praticar. Quando se trata de silhueta, você quer olhar para fora para o seu espaço positivo e negativo e entender que a clareza é fundamental. Trata-se de escolher poses que transmitam mais informações sobre o que você está tentando retratar. Se a ação for clara apenas na silhueta, a pose será automaticamente mais forte. Então, a silhueta à direita não é clara. Suas pernas e braços estão agrupados estranhamente e não é tão atraente para olhar como a silhueta à esquerda, que é super clara. Há muito espaço para respirar e você sabe exatamente o que ela está fazendo. Na verdade, notei que na silhueta à direita, onde o braço encontra a parte inferior das costas, está criando uma tangente, fazendo parecer que os braços levam à coxa. Então, há uma tensão visual lá criada pela tangente que você quer tentar evitar. Silhueta e tangentes andam de mãos dadas. É tudo uma questão de clareza de pose e manter suas poses abertas e fáceis de ler. Então, isso é definitivamente algo que você quer tentar ter em mente ao projetar. A relação dourada é essencialmente uma proporção utilizada no design que é considerada esteticamente agradável. Não é usado apenas em artes plásticas, mas também em design de personagens e arquitetura e talvez, o mais importante, é encontrado na natureza por todo o lado. Usar a proporção 1:1 .618 em todos seus designs irá torná-los mais agradáveis aos olhos. Então, aqui está outro exemplo. Os gregos usaram quando projetaram o Partenon. Ele também pode ser encontrado em toda a figura humana, incluindo dedos. Então, como você pode ver aqui, a ponta do meu dedo para a primeira junta e a primeira junta para a segunda junta é de cerca de 1:1 .618 e assim por diante. Aqui está um exemplo rápido de que está sendo usado em meus próprios projetos. Forma e variação de forma é, se não o mais, É definitivamente um dos aspectos mais importantes do design do personagem. Você quer tentar evitar a escada, evitar a bola de boliche, tentar incorporar pequeno-médio-grande, e evitar a mesmidade. Estes são exemplos simples de como a variação do tamanho e da forma pode criar mais interesse visual. A escada é basicamente tudo sendo paralelo e tudo sendo equidistante e no mesmo tamanho e é apenas chato olhar. O efeito bola de boliche se aplica principalmente ao rosto e isso acontece quando as características da cabeça e do rosto são exatamente o mesmo tamanho e forma e não é muito interessante olhar. Aqui estão alguns exemplos de evitar a bola de boliche. O primeiro personagem tem olhos pequenos e um nariz grande e o segundo tem o oposto eo urso que eu desenhei tem um nariz grande, olhos de tamanho médio, e orelhas de tamanho médio mas os olhos e orelhas são diferentes formas contrastantes. Então, ainda há apelação lá. Este é um exemplo do que quero dizer por evitar a escada. Com a garota da esquerda, sua construção não é necessariamente errada e realmente não é um desenho terrível ou qualquer coisa, mas ela ainda não é tão dinâmica quanto a da direita. Não quero dizer porque ela tem uma figura menos curvilínea que a segunda garota. É mais que seus ombros e quadris são paralelos, o que faz com que ela pareça estática. Quanto mais ângulos você pode incorporar em seus projetos, mais interessantes eles serão. Além disso, observar como os ombros e os quadris se inclinam na vida real irá ajudá-lo a aprender a desenhar a figura em ação. Então, esteja sempre ciente, observe sempre, observe pose, movimento, distribuição de peso, ângulos e inclinações, dobras de roupas e assim por diante. Mesmo as pessoas fazendo algo tão simples como esperar na fila para o café, por exemplo, inclinam os quadris e os ombros de uma certa maneira. Raramente são quadris e ombros tão paralelos quanto os da primeira garota. Aqui está outro exemplo. Eu desenhei isso da referência da foto e como você pode ver, os quadris são super inclinados como são os ombros. Ritmo no design é essencialmente o que faz com que seu olho se mova através de uma imagem. O ritmo é criado por ângulos contrastantes e por variando retas contra curvas, largas versus estreitas, grandes versus pequenas, claras versus escuras e assim por diante. Contrastar essas coisas criam interesse visual e apelo. Então, nossos corpos realmente têm um monte de ritmo natural e você quer tentar tirar proveito disso por estar sempre ciente de sua reta contra curvas e ângulos contrastantes e tal. Uma coisa que você quer evitar é desenhar o que eu gosto de chamar o homem da salsicha, que é o que acontece quando há muitas curvas contra curvas. Ele acaba parecendo o Homem Michelin, o que é bom se é isso que você está procurando, mas geralmente, não é isso que você está procurando. Retas contra curvas é como você vai evitar isso. Esta é uma página do livro de Stephen Silver, The Silver Way: Técnicas, Dicas, e Tutorial para Design de Personagens Eficaz, que eu acho que é provavelmente o melhor livro de design de personagens lá fora. É tão incrivelmente útil e cheio de insights de design. Honestamente, um bom 50% pelo menos do que aprendi sobre design de personagens foi aprendido com Silver. Eu fiz um par dessas aulas sobre escolas e ponto com bem que também são grandes. Então, de qualquer maneira, eu vinculei o livro dele sob a aba Seu Projeto, e eu tenho isso aqui em cima porque estes são exemplos claros muito agradáveis do que eu estou falando. A figura à esquerda é um exemplo de contraste largo, estreito, largo, estreito e, em seguida, a figura no meio, curto, alto, curto, alto e à direita, escuro, claro, escuro, claro. Você entendeu a idéia. Aqui está mais do trabalho de Silver que realmente exemplifica isso com as formas contrastantes largas, estreitas, pequenas, médias e grandes. Na minha outra série sobre Skillshare sobre desenhar rostos, falo sobre o uso de formas e objetos básicos como inspiração para criar variedade em suas formas de cabeça, mas isso também se aplica aos corpos. Como eu já disse antes, comece com formas simples e construa os detalhes em cima delas. Além disso, você não quer ficar preso desenhando apenas um tipo de corpo. Então, essencialmente, todos esses conselhos são informações que você deseja digerir ao longo do tempo. Pode parecer um pouco avassalador no início, mas dê a si mesmo tempo para absorver tudo e apenas estar ciente disso e quanto mais você tiver uma compreensão dessas coisas, mais você praticará desenhar com essas coisas em mente e as incorporará seu trabalho e quanto mais ele se tornará intuitivo. Eventualmente, você vai chegar a um ponto onde você não vai ter que pensar ativamente sobre essas coisas toda vez que você desenhar. Ele só vai se tornar uma segunda natureza para você, mas ele ainda vai informar o seu processo de desenho. Tudo bem. Hora do próximo vídeo. 3. Exercícios de desenho divertidos: Antes de seguirmos em frente, eu queria compartilhar alguns exercícios de desenho que eu gosto de fazer para a prática. O primeiro dos quais é o Método de Desenho Cego. Você pode realmente ter feito algo semelhante na classe inicial de desenho. Basicamente, o que você faz é escolher uma foto para referência ou observar da vida, em seguida, manter seus olhos em sua referência, não olhar para o que sua mão está desenhando e não levantar sua mão. Isso não deve demorar mais de 15 a 30 segundos. Tente desenhá-lo várias vezes, cada vez a partir de um local diferente. Usando as formas estranhas que você criou, desenhe um personagem. Não sinta que tem que igualar cada linha exatamente se não quiser. Apenas fique solto e se divirta com ele. Outra maneira de fazer isso é encontrar referência e fazer seu esboço cego. Em seguida, faça seu segundo esboço cego com base em seu primeiro projeto concluído. Você pode tentar repetir esse processo uma e outra vez como uma maneira de ver até onde você pode empurrar seu design. Você também pode tentar contrastar suas formas e ver quais projetos você cria. Então, basta começar com formas realmente básicas e usá-las como um guia. Esta é uma técnica semelhante, mas desta vez tente empurrar apenas um design. Comecei desenhando uma ideia baseada em referência, e então usando formas contrastantes, fiz um monte de desenhos diferentes do mesmo personagem. Eu também mudo o espaçamento das diferentes seções do rosto, assim como você pode ver, eu coloco as linhas do olho, nariz e boca em diferentes pontos em cada rosto. Essa é apenas uma maneira muito fácil de acelerar a variação dentro de seus designs. O próximo exercício é uma boa prática de construção que irá ajudá-lo a construir a memória muscular e aumentar suas habilidades de desenho de figura. Então, o que você faz é escolher a referência da foto e colocar um pedaço de papel de rastreamento sobre ela ou criar uma camada separada no Photoshop, se você estiver trabalhando digitalmente, e depois rastreá-la usando formas simples. Redesenhe as mesmas formas simples, variando o tamanho e os ângulos. Desenhe um design de gesto solto baseado nessa construção e, finalmente, use seu desenho solto como um plano para projetar um personagem. Então eu só tenho alguns exercícios de gestos de boa prática. O primeiro é assistir a um jogo de esportes na TV ou online, pausar e fazer desenhos de gestos de ação rápida. Quando digo rápido, quero dizer desenhos de 10 segundos. Você sempre pode prolongar o tempo enquanto você continua, mas você deve forçar-se a ser realmente rápido no início. O segundo exercício é semelhante só que desta vez você vai estar pausando um show de animação ou filme, e você sempre pode encontrar clipes no YouTube para isso. De qualquer forma, então rastreie diretamente sobre o topo dos quadros, que acontece de ser o exemplo que eu mostrei. Não se concentre tanto nos detalhes, apenas na forma básica. Com este exercício, você está aprendendo com outros artistas e criando memória muscular. Em seguida, vá para uma aula ou sessão de desenho de figuras ao vivo e, para poses de cinco minutos ou mais, desenhe a mesma pose de diferentes pontos de vista ao redor da sala de aula. Finalmente, use recursos on-line como, lineofaction.com, que é um site super rad onde você pode configurar seus parâmetros e fazer alguns desenhos de prática cronometrados. Desenho de gestos não é sobre capturar pessoas exatamente, é sobre capturar o sentimento de uma pessoa e também praticar o desenho de figuras. 4. Inspiração e referências: “ Se você quer aprender a tocar um instrumento, você tem que aprender a tocar música de outro músico. Se você quer aprender a desenhar, você tem que desenhar outro filme de artistas.” - Steven Silver. Esta é uma das minhas citações favoritas sobre arte. Foi realmente algo como um abridor de olhos para mim pessoalmente, quando ele disse dessa forma. Eu estava tipo, “Oh, foi como se uma lâmpada se apagasse acima da minha cabeça.” E eu disse, “Oh, você sabe que você está certo, esse é um bom argumento.” Está bem. Então, essencialmente, eu sinto que o que Silver quer dizer é que, é importante estudar os estilos de outros artistas. É tão simples quanto isso. Você quer estudar como eles dobram e quebram as regras de construção, analisar o que torna seu estilo consistente, procurar conceitos visuais básicos que você pode adaptar ao seu próprio trabalho, como como eles desenham olhos ou cabelos ou mãos e assim por diante. É importante ser influenciado por mais de um artista, que você possa evitar que seu trabalho pareça muito influenciado pelo estilo de apenas um artista. Então, você pode aumentar sua versatilidade. Dito isto, tenha em mente que se você quiser trabalhar em animação, você tem que ser capaz de imitar diferentes estilos. Então isso ainda é uma habilidade muito boa para se ter. Basicamente, está tudo bem, e até mesmo incentivado a olhar para outros artistas para se inspirar sempre que você precisar. A referência é necessária para o crescimento como artista, e você nunca para de usá-lo. É só que, você pode começar a precisar cada vez menos para certas coisas. Se você desenhar essas coisas uma e outra vez, mas você nunca vai parar de usá-lo completamente. Então, se você é alguém que se preocupa com isso e eu sei que eu costumava ser, lembre-se que usar referência não é trapaça. Um dos meus exemplos favoritos de um artista famoso usando referência é Norman Rockwell. Ele usou referências tão brilhantemente. Mesmo que seu trabalho não seja cartoony, e isso significa, é obviamente mais realista em estilo. Ele ainda está realmente empurrando e exagerando suas figuras de maneiras realmente interessantes. Como por exemplo, aqui ele fez os ombros dos policiais muito mais largos do que eles são na referência da foto, o que torna o contraste de tamanho entre ele e o menino ainda maior, e mais interessante de olhar, eu acho. Então, basicamente, ele fez um monte de escolhas deliberadas em como ele mudaria as coisas de sua referência. Acho que suas peças finais eram quase sempre muito mais dinâmicas do que a vida real. Sim, é por isso que ele é um dos grandes. Se você não apreciou o trabalho dele antes, eu realmente encorajo você a estudar o trabalho dele um pouco mais de perto. Então, eu tenho alguns outros artistas que eu quero apenas mencionar muito brevemente porque eles são todos pessoas que estudam e apreciam e eles são todos artistas que influenciaram meu próprio trabalho e realmente podem continuar a influenciá-lo. Vou passar por estes e deixá-los falar por si mesmos. Porque se eu falasse sobre cada um deles o quanto eu quiser, ficaríamos aqui por horas. Então, de qualquer maneira, primeiro lá Stephen Silver, claro, com seu fabuloso trabalho de desenho animado. Muitos dos meus desenhos animados são realmente influenciados por ele. O próximo, Shaun Bryant, que eu descobri recentemente e eu acho que é um artista de personagens maravilhoso. Aaron Blaise, que novamente é incrível, ele trabalhou para a Disney por um longo tempo. Lois Van Baarle ou Loish como ela é mais conhecida online. Glen Keane, claro, e sua filha Claire Keane, cujo trabalho é brilhante e aparentemente é da família. Emily Carroll, outra artista clássica da Disney, Milt Kahl. Ronald Searle. Don Flowers. Don Flowers é muito bom para estudar particularmente para como ele fez um estilo bastante simples funcionar muito bem e se sentir realmente dinâmico. Depois, há J.C. Leyendecker, que é um dos meus artistas favoritos de sempre. Eu sei que disse que ia deixar estes falarem por si mesmos, mas muito rapidamente. A coisa sobre o trabalho de Leyendecker é que ele é obviamente muito cuidadosamente processado e gráfico. Muitas vezes, você pode ver os traços de pincel claros e as retas e curvas contrastantes. Mas, ao mesmo tempo, tem essa qualidade sem esforço, como se houvesse uma compreensão clara da forma e como você pode manipular a anatomia para estilizá-la para que ela funcione. É uma loucura para mim e vale a pena olhar para as coisas dele. Ok, seguindo em frente. Por último, mas não menos importante, Charles Dana Gibson, com suas famosas Gibson Girls. Seu trabalho é outro exemplo de realismo que estilizou. Quando você olha para ele pela primeira vez, não parece imediatamente caricatura, mas é que as escolhas que ele fez foram mais sutis. Tudo bem. Passando para o primeiro passo do processo de design. 5. Passo 1: história: Então, eu peço desculpas antecipadamente porque eu vou estar fazendo um monte de conversa neste vídeo, mas eu prometo que é tudo interessante e relevante então basta tomar um gole de café ou qualquer que seja sua bebida de escolha talvez e sentar e relaxar por alguns minutos e sim. Ok. Então, o primeiro passo de projetar um personagem é criar a história do seu personagem. Então, quem são eles? Qual é o seu passado? Qual é a idade, personalidade, atitude? Qual é o seu papel ou ocupação? Onde e quando eles vivem? Quais são algumas características físicas que você deseja incorporar? Você pode até mesmo ir tão longe a ponto de descobrir o que eles querem, o que está movendo-os, o que eles gostam ou não gostam. o que você pode se relacionar pessoalmente sobre eles? Existem pessoas em sua vida que você pode se inspirar e colocar em seu personagem, etc? Quanto mais você entender e conhecer seu personagem, melhor. Você não quer apenas saltar direto para desenho a menos que você propositadamente tentando soltar-se e se divertir seguida, com certeza, mas se você quiser construir um personagem para um projeto como uma história em quadrinhos ou animação ou qualquer outra coisa, você quer fazer sua pesquisa primeiro. Certifique-se também de que estabeleceu o estilo geral básico do seu projeto antes de projetar seu personagem. Vai ser super cartoony ou mais realista? Para mim, eu quero que meus personagens para estar mais perto do final realista do espectro, mas ainda cartoony e empurrado de uma forma divertida. Você também quer considerar para que meio isso vai ser. Você pode não querer que seu design seja super detalhado se você estiver desenhando para, digamos, uma animação ou até mesmo uma história em quadrinhos, porque você terá que desenhá-lo e outra vez e outra e, dependendo do tamanho da impressão da história em quadrinhos, o detalhe pode se perder ou se sentir desordenado. Então, você quer considerar essas coisas. Então eu vou apenas saltar direto para a minha idéia para este personagem que eu vou criar ou realmente personagens. Quero criar um par de personagens caubóis. Na realidade, as culturas negras e latinas são realmente o que essencialmente moldou a cultura de fronteira ou o que pensamos como o Oeste Selvagem. Fato engraçado, a palavra 'buckaroo' é na verdade uma corrupção da palavra espanhola 'vaquero', que significa cowboy. Então, sim, aprendam sua história, pessoal. Eu não sei como é em outros países, mas a maioria das aulas de história dos EUA faz com que seja muito menos interessante e diverso do que realmente é. Então, de qualquer maneira, o ponto é que muitos se não a maioria dos cowboys reais, na época, eram negros ou latinos. Então, eu queria criar um par de personagens nessa veia. Eu não sou um designer profissional de caráter algum. Eu ainda sou realmente apenas um novato e amador, mas eu aprendi muito que eu não vi apresentado desta forma no Skillshare então eu estou tentando preencher esse vazio essencialmente. O ponto de eu trazer isso à tona é que eu nunca realmente trabalhei em um projeto profissional onde a história e os personagens já são amplamente descobertos para você. Então o que eu gosto de fazer é colocar meus personagens em algum tipo de projeto ficcionalizado na minha cabeça. Então, eu estou pensando nesses personagens que eu vou criar como as estrelas de uma banda desenhada ou web quadrinhos. Eu não sou um escritor de forma alguma, então este quadrinho hipotético provavelmente não vai ser feito a menos que eu colabore com alguém, que seria super divertido, mas independentemente, para mim, ajuda a fundamentar meus personagens e algum tipo de ideias como essa. Então, de qualquer forma, eu começo fazendo minha pesquisa. Eu gosto de fazer quadros do Pinterest de imagens que vou usar para inspiração. Neste caso, eu precisava especialmente de referência de roupas, então eu tenho muito disso aqui. Mas eu também estava procurando imagens com muita personalidade e atitude porque eu quero que meus personagens tenham muita personalidade e atitude. Mesmo se você acha que sabe tudo sobre um determinado período de tempo ou profissão ou o que quer que esteja desenhando, eu ainda encorajo você a não pular essa parte. Temos tanta sorte hoje em dia com a Internet que parece uma pena não tirar proveito dela. Um tipo de exemplo que eu gosto de trazer para apoiar o uso de referência é você sabe como em um monte de pinturas mais velhas bebês muitas vezes parecem realmente estranhos? Quase como se fossem adultos pelados e sem pêlos. Bem, minha teoria é que isso é porque os pintores não tiveram muita oportunidade de estudar bebês de verdade, então eles simplesmente não sabiam como desenhá-los. Não me cite sobre isso, mas eu me pergunto sobre isso. Então, de qualquer maneira, o que eu gosto de fazer a seguir é escrever alguns atributos simples diretamente no documento em que estou trabalhando ou apenas em um papel que está ao meu lado para que eu possa me referir a ele. Quando eu estou projetando mais de um personagem para a mesma história, como se eles vão habitar o mesmo universo na minha cabeça, eu gosto de tentar criar não apenas personalidades contrastantes , mas também aparências contrastantes, já que este é um visual médio. Então, do meu par de personagens, seus nomes provisórios neste momento são Tobias ou Toby Greenwood e Manuel Castillo porque isso é exatamente o que veio até mim e eu gosto deles. A única razão pela qual eu digo nomes provisórios é porque se eu fosse realmente transformar isso em uma história, eu gostaria de fazer algumas pesquisas mais aprofundadas e ter certeza de que Tobias Greenwood é um nome que alguém realmente teria naquela época. Não vejo por que não seria, mas não sei. O que eu sei? Não sou historiador. Então, sim, se eu fosse realmente transformar isso em uma história completa, eu quero ter certeza de coisas assim. Mas como não estou fazendo isso, só estou desenhando esses caras e tentando entender quem eles são. Eu realmente não sinto a necessidade de ir para essa profundidade de pesquisa neste momento. As únicas coisas que eu sei que realmente quero ter precisão são o visual, a roupa e esse tipo de coisa, que é a pesquisa que eu já fiz, a pesquisa visual. Então... não sei se os nomes deles podem mudar. Eu provavelmente vou em algum momento ir e totalmente pesquisar isso e ter certeza que esses nomes são legítimos só porque eu sou esse tipo de completista e eu gosto de ter certeza de que tudo é tão preciso quanto pode ser quando eu estou projetando especialmente se eles são baseados em um período de tempo histórico real. Nomes têm muito poder em uma história. Eles dão um certo sentimento a um personagem, então eu pelo menos eu gosto de ter uma boa idéia do que eles serão. Harry Potter é um exemplo perfeito disso. JK Rowling faz escolhas muito deliberadas quando se trata dos nomes de seus personagens, ou pelo menos seus personagens principais. Por exemplo, o primeiro que vem à mente é Draco Malfoy. Seu nome realmente lhe dá uma boa idéia de quem ele é como um personagem, e Luna Lovegood é outro bom exemplo. Você sente como ela vai ser assim que ouvir o nome dela. Então, sim, além disso, acho que nomes são muito divertidos. Então, eu também ganho automaticamente uma espécie de carinho pelos personagens que estou criando uma vez que eu os nomeie para que eu nunca pule isso. Ok. Então, de qualquer maneira, eu saí em uma tangente e eu sinto muito. Do que eu estava falando? Eu estava falando de aparências contrastantes. Toby vai ser alto, magro e torto, enquanto Manuel vai ser mais curto, mais atarracado e de ombros largos. O contraste entre os dois caracteres irá torná-los mais visualmente atraentes. Então eu sempre gosto da dinâmica de amizade do tipo encantador sarcástico e do tipo exasperado, mas apaixonado, mais sério. Então é isso que eles vão ser. Eu anoto todas as qualidades que eu sei que eu quero que eles possuam. Recentemente, eu descobri que eu realmente gosto de projetar em pares porque algo que me deixa realmente animado sobre o que eu estou fazendo é a relação de personagem ou dinâmica. Para o bem desta aula, porém, vou levá-los através do processo real de projetar apenas um deles. Tudo bem. Agora que falei com você, vamos passar para o segundo passo. 6. Passo 2: esboços preliminares: Então, assim que descobri quem é meu personagem, começo desenhando esboços bem grosseiros. Então, inicialmente, eu gosto de tentar descobrir a forma do corpo, pensando na cabeça, tronco e membros como três unidades conectadas, e mantendo as formas o mais simples possível. Basicamente, não quero pensar no corpo em muitas partes se isso faz sentido. Quanto mais simplesmente você pensar sobre isso, melhor. Enquanto está fazendo isso, lembre-se de suas formas contrastantes. Isso se aplica a praticamente todos os estilos do super cartoony e empurrado para o mais realista. Praticamente qualquer ilustração que você fizer vai envolver pelo menos alguma quantidade de caricatura e exagero. Mas só por diversão, se eu estivesse projetando algo em um estilo mais cartoony, eu poderia explorar formas corporais como esta que são muito mais exageradas. Eu sei que eu quero que meus personagens para ser principalmente proporcional para que não há uma tonelada de diferenciação entre as formas do corpo que eu estou explorando, mas eu ainda acho o passo realmente útil e eu só levei alguns minutos para esboçar estes para fora. Então, eu meio que penso neles como notas que estou tomando para minha mão. Estas últimas figuras que desenhei são ideias para meu segundo personagem e eu gostaria de fazer isso quando estou desenhando em pares ou mais de um personagem de cada vez. Gosto de desenhar diferentes ideias de forma corporal para ambos os personagens ao mesmo tempo. Só porque é divertido ver como os personagens vão contrastar uns com os outros, e também me dá mais idéias de como você pode fazê-los se diferenciar uns dos outros quando eu os vejo bem ao lado do outro. Então, de qualquer forma, nesta fase, você quer explorar e para fazer isso, você precisa não se preocupar com detalhes. Eu costumava pular direto para desenhar os detalhes e o que aconteceria é, eu ficaria realmente precioso sobre meus desenhos iniciais e teria dificuldade em explorar e mudar as coisas. Eu também cometi erros de construção que eu não notei, e então eu trabalharia nos detalhes e percebi que eu tinha que redesenhá-lo e eu perdi todo esse tempo. Então, você não quer amarrar seu design imediatamente porque você não só quer ter certeza de que sua construção é boa antes de passar aos detalhes, mas também não quer perder a oportunidade de realmente explorar e brincar com o posicionamento do recurso e veja apenas o que funciona e o que não funciona. Você realmente quer tentar não ser muito precioso sobre seus desenhos. Pode ser realmente muito restritivo e se você mantê-lo áspero e solto e divertido e não estressante para começar, você pode realmente encontrar algumas idéias interessantes. Pense neles mais como rabiscos neste momento. Então, que você se sinta mais confortável realmente tentando um monte de coisas diferentes. O próximo estágio, o estágio de design é quando você realmente começa a desenhar. Uma vez que eu tenho uma idéia muito boa da forma geral do meu personagem, eu gosto de experimentar um monte de diferentes rostos e formas de cabeça. Eu ainda estou desenhando muito grosseiramente pelas mesmas razões que eu fiz antes. Ainda estou descobrindo as coisas. Então, eu realmente quero ter certeza de que estou feliz com o meu design antes de começar a fixá-lo mais. Tenho uma boa ideia de como quero que o Toby pareça, sei que quero que ele pareça estar algures no final dos 20 anos 30. Então, eu estava tentando resolver isso aqui porque alguns dos meus esboços iniciais pareciam um pouco jovens demais, como o cara da direita parece ser um adolescente. Então, eu o segurei um pouco mais e dei a ele um pouco mais de ângulos para tentar envelhecer um pouco. Além disso, esse chapéu não é ótimo, ele precisa ser consertado. Preciso ver alguma referência para isso mais tarde, mas não estou preocupado com isso agora. É para isso que esta parte do processo serve, para mim, apenas descobrir coisas assim e tentar coisas diferentes para ver o que eu posso alcançar para fazer personagens olhar mais perto do que eu estou tentando fazer com que eles pareçam. Então, isso me deu uma boa idéia da direção que eu quero ir com ele. Então, acho que estou pronto para passar para o passo três. 7. Passo 3: desenho: Passo três é quando eu realmente começar a lidar com os detalhes. Eu costumo começar continuando a trabalhar nas características faciais e tentando realmente fixá-los para baixo. Às vezes começo com uma expressão bastante neutra e uma vez que percebo isso, desenho-a novamente com um pouco mais de personalidade e atitude. Tobi é sarcástico e encantador. Então, eu estou pensando sobre tudo isso enquanto estou criando suas expressões. Falando em expressões, estou planejando dedicar o curso intensivo futuro para expressões, modo que será hospedado em algum momento este ano. Não sei qual é a minha agenda de planeamento para isso, mas será em algum momento este ano. Talvez eu acabe fazendo dele um pouco mais de cartoony nos desenhos finais. Mas, apesar disso, sei que não quero fazer o design dele super exagerado e super caricatura. Eu tenho uma boa compreensão de suas características agora. Então, agora, vou passar a posar para ele e descobrir as roupas dele e todas essas coisas boas. Para mim, esta é a parte difícil. Eu amo desenhar rostos, então eu desenho-os o tempo todo, mas eu não pratico figuras de desenho o suficiente, então eu sempre luto com posar. Preciso praticar desenho artístico mais. Eu adoraria chegar a um ponto em que eu possa desenhar corpos cheios tão facilmente quanto eu posso desenhar rostos, mas eu não estou lá ainda. Eu também não sou bom em desenhar roupas, então eu sempre uso referência para isso. Por exemplo, você vai ver que eu vou tirar um monte de inspiração desta foto, particularmente a roupa deste cara. Eu só pensei que era muito legal e tem um monte de caráter. Eu também gosto muito de como esse cara no meio, nesta foto, como seu chapéu está sentado de volta em sua cabeça. Então, eu brinco com essas idéias no meu design. Só para você saber, eu tenho referência na tela do meu laptop enquanto eu trabalho no meu iPad Pro. Um dos meus alunos da minha última aula sobre desenho personagens de animais me disse que eu fiz parecer fácil, mas não foi fácil. Eu lutei. Eu não me deparei com meus projetos imediatamente. Havia trabalho. Tive que trabalhar para chegar aos meus desenhos finais. Então, foi interessante ouvir que eu fiz parecer fácil aparentemente porque não era fácil. Sempre que faço algo de que me orgulho, é quase sempre uma luta chegar lá especialmente com design de personagens porque eu não faço isso o tempo todo. Então, sim, é interessante que eles disseram que eu fiz parecer fácil porque realmente não era. Então, mesmo que eu esteja mostrando todo o processo e eu estou mostrando a vocês os projetos finais, eu não estou mostrando para vocês em tempo real e levou muito mais tempo do que pode parecer nesses vídeos. Quando você está assistindo outras pessoas, quando você está assistindo outros artistas trabalhar ou você está vendo outros artistas trabalhar, você tem que lembrar que você não está vendo o processo, você não está vendo o processo completo, você não está vendo todo o tempo que levou para chegar a esse ponto. Não me refiro apenas a todo o tempo, as horas que você gastou nesse design, quero dizer toda a prática e toda a dedicação que cada artista coloca em seu ofício. Você não vê isso, mas cada artista desenha e pratica ou cada bom artista que chegou a um ponto que você admira, eles colocam trabalho. Colocaram tanto trabalho, e você não vê. Você não está lá para tudo isso. Então, você tem que tentar lembrar que você não pode se comparar com alguém que provavelmente já praticou muito mais do que você e que provavelmente já dedicou muito mais tempo do que você. Depois, há também o fato de que as pessoas apenas melhoram em velocidades diferentes e você tem que se dar tempo. Corte um pouco de folga porque você está definitivamente melhorando. Só porque não estás a melhorar na velocidade que outra pessoa está, não significa que não estejas a melhorar. Então, se isso é algo que você gosta de fazer, não se deixe desencorajar pelo talento de outras pessoas. Basta prestar atenção ao que você está fazendo e tentar apreciar a melhoria que você fez. Sei que é difícil não se comparar com outros artistas. Eu sei disso muito, muito bem. Eu ainda faço isso o tempo todo. Então, eu entendo, não é tão fácil como estalar os dedos e fazê-lo assim. Mas, você tem que tentar ter alguma perspectiva e tentar lembrar que você não vai ver todo o processo de alguém. Lois H. A Lois Van Barle, que eu mencionei no slide de inspiração e referência que eu fiz, ela fez um experimento onde ela desenhou o mesmo desenho básico uma vez por ano por, eu não sei, cinco a dez anos ou algo assim. E ela basicamente, queria ver qual era a melhoria dela no mesmo desenho. Ela desenha todos os dias, praticamente todos os dias, desenha tanto o tempo todo. Ela é apenas, ela se dedicou a isso, realmente se dedicou a isso. E isso mostra porque o trabalho dela é incrível. Foi realmente maravilhoso ver isso porque para ver seu trabalho inicial, para ser franco, não foi ótimo. Realmente não era. Era um artista iniciante. Foi um artista muito iniciante. E ver a grande quantidade de melhorias que ela fez durante esse período foi realmente encorajador. Eu percebi que era um abridor de olhos para mim porque eu percebi, “Oh, aqui está a evidência física. Aqui está a prova de que este artista incrível que eu admiro tanto... Ela nem sempre foi tão boa e ela chegou lá porque ela trabalhou muito duro.” Ela chegou ao ponto em que ela está porque ela colocou muito tempo e dedicação nisso. Foi encorajador para mim, pessoalmente, porque foi como, “Oh, meu nível de habilidade está em torno do quarto ano.” Seja qual for. Mas era como, “Uau, olha para aquilo. Eu só preciso trabalhar. Preciso me dedicar a isso.” Eu não vou ser apenas um artista melhor se eu não colocar o trabalho dentro Não há razão para eu não melhorar se eu colocar o trabalho. Ela fez isso e ela é incrível e ela é uma artista incrível. Foi uma coisa tão boa de se ver. Então, eu só quero que você tente se lembrar disso. Tente lembrar que você não vê as horas que as pessoas gastam, os anos que as pessoas passam para se tornarem melhores artistas. Pode ser tão frustrante porque você só quer ser bom. Eu entendo que você só quer ser melhor do que você é imediatamente. Você quer a gratificação instantânea mas você não vai conseguir, você simplesmente não vai, menos que você seja um prodígio, e você provavelmente não é. Então, seja leve com você mesmo. Deixe-se praticar. Deixe-se melhorar em seu próprio ritmo e em sua própria velocidade e tente não se comparar com outras pessoas que provavelmente estão no ano dez quando você está no primeiro ano. Algo que funciona para mim é fazer um underdrawing, em seguida, baixar a opacidade, adicionar uma camada e fazer outro áspero sob desenho sobre o topo, mas desta vez tentando empurrar a estilização do personagem um pouco mais ou você pode apenas desenhar seu design empurrado para o lado como eu fiz aqui. Faço isso quantas vezes for preciso até chegar a um ponto com o qual estou satisfeito. Empurrar seu design basicamente significa exagerar cada vez mais. Eu tenho um mau hábito de sobrecarregar meus desenhos às vezes antes de eu realmente pregar a construção, que foi o que aconteceu com a primeira versão que eu desenhei dele. Eu sabia que estava insatisfeito com o design enquanto eu estava desenhando, então eu realmente não deveria ter trabalhado tanto nos detalhes e desperdiçado algum tempo. Mas, estou escolhendo encarar isso como uma experiência de aprendizagem. Eu acho que a versão final em que eu pousei combina com a ideia original do corpo que eu tinha para ele muito melhor. Então, cheguei lá eventualmente. Eu mexi muito com o posicionamento do braço dele, porque no começo, eu senti que ele foi empurrado um pouco para a esquerda, então eu empurrei para trás um pouco para a direita para que houvesse um espaço agradável entre as costas e o braço, que o triângulo do espaço é um bom espaço aberto negativo. Então, eu percebi que sua mão estava criando uma tangente com sua perna, quadril, e tal, e eu realmente não gostei de como eles alinhados, então eu fiz seu antebraço apenas um pouco mais para que a mão se moveu um pouco mais na frente de O quadril dele. Isso tirou o problema na maior parte do tempo, mas então percebi que a mão dele era um pouco pequena demais. Ambas as mãos dele parecem um pouco pequenas, então eu reformulei isso também. Você deve ter notado que eu continuo virando a tela em que estou trabalhando horizontalmente. Eu faço isso porque realmente faz erros se destacarem. Se eu conseguir que o desenho fique bem virado para ambos os lados, será um desenho muito mais forte. É estranho como as coisas que você não notou olhando para fora realmente se destacam quando viradas na direção oposta. Estou usando o Procreate no iPad Pro aqui, e para fazer isso, basta certificar-se de que está na camada direita e, em seguida, clicar na pequena seta de seleção no canto superior esquerdo da barra de menus, então basta tocar neste pequeno símbolo para baixo aqui, e isso inverte-o horizontalmente. Mas no Photoshop, você aperta Command ou Control T no teclado para transformar e, em seguida, na barra na parte superior, há um W para largura. Se você apenas colocar um sinal de menos na frente do 100 por cento, ele irá inverter o que você está selecionado em, e você apenas adicionar um sinal de menos novamente para trás. Quando você estiver construindo seu personagem, certifique-se de desenhar atrás de suas formas para que tudo esteja alinhado corretamente. Pode lhe dar uma sensação de fluxo e tudo parece estar conectado. Você quer que a anatomia se sinta bem e se sinta conectada, e desenhar através de suas formas realmente ajuda com isso. Você sempre pode apagar as linhas que você não precisa mais tarde. Então, por exemplo, com o chapéu do Tobias, eu sabia que ele ia ter um chapéu, mas eu desenhei a cabeça dele , mesmo sabendo que eu ia colocar um chapéu nele. Porque eu queria ter certeza de que o chapéu iria descansar em sua cabeça corretamente. Então, foi aí que desenhei esse círculo para indicar o crânio, para que o chapéu fique bem. Eu só fiz isso em todo o corpo dele para tentar fazer as coisas se conectarem. Conectei os ombros dele, certifiquei de que estavam alinhados, e era só um monte de coisas assim. Eu ainda estou descobrindo meu estilo de desenho animado, se você quiser. Eu tenho tantas influências e há tantos estilos diferentes que eu realmente admiro, e eu não posso escolher um que eu quero imitar mais. Eu não quero imitar apenas um estilo, porque eu não quero mudar demais para copiar alguém, mas eu ainda não fui capaz de, tipo, aperfeiçoar algo que eu quero explorar. Então, eu continuo tentando um monte de coisas diferentes. Desta vez eu definitivamente fui com um tipo mais de olhar da Disney. Quero dizer, o corpo dele é um pouco mais exagerado, mas o rosto e isso tem uma sensação clássica da Disney. Eu não estava necessariamente indo para isso, mas foi assim que acabou, o que é bom. Adoro todos os estilos e outras coisas. Só estou dizendo isso porque ainda sou um iniciante e um designer intermediário. Ainda estou trabalhando em aperfeiçoar meu estilo, descobrir quem eu sou como artista de personagens. Estou dizendo isso porque quero que você se sinta encorajado pelo fato de que, você pode estar olhando para isso e pensando que eu sou realmente habilidoso, ou eu não sei, talvez não, mas, dependendo de onde você está em sua jornada de arte, se você quiser você pode estar olhando para isso e pensando que eu tenho um monte de habilidade e que eu estou muito à frente de você ou o que quer que seja. Mas, eu só quero que você saiba que eu ainda estou realmente trabalhando muito duro para descobrir quem eu sou como um artista, como um artista de personagens especificamente, descobrir onde exatamente eu quero que meu estilo vá. Ainda estou experimentando. Eu realmente quero chegar a um ponto em que, alguém pode talvez reconhecer que é o meu trabalho, ou que é pelo menos o trabalho de uma pessoa, da mesma pessoa. Agora, sinto que meus desenhos estão por todo o lado e é como, oh, wow, você desenhou isso, e você desenhou isso? Mas isso é só porque eu ainda estou explorando estilos diferentes e o que eu gosto e não gosto. Está tudo bem para fazer. A menos que você realmente caia em um estilo que você gosta imediatamente. Isso também está bem. Se há algo que você é meio atraído e funciona para você desde o começo, isso é legal. Mas isso não acontece para todos. Então, eu só queria falar sobre isso um pouco. Se você está projetando para algo como uma história em quadrinhos ou animação, onde você terá que realmente entender a linguagem de forma do seu personagem para que você possa redesenhá-los uma e outra vez e outra vez, fazendo uma quebra de construção de modelo, também conhecido como folha de modelo, é uma idéia muito boa. Você quer que a construção e a forma do seu personagem se tornem enraizados. Dependendo do projeto, esta folha de modelo pode incluir uma resposta completa. Uma reviravolta consiste em uma vista frontal, frente de três quartos, trás três quartos, e uma visão traseira reta do personagem. Planeio dedicar todo um curso intensivo a turnarounds e a todos os truques que peguei para criá-los, então não vou demonstrar isso aqui. Mas eu só queria mencionar que, se você quiser trabalhar na indústria de animação, isso é um conjunto de habilidades, você precisará aprender. Há um monte de grandes, tutoriais já lá fora se é algo que você quer tentar pegar agora. Então, aqui está meu projeto final com trabalho de linha limpo, e eu vou estar falando mais sobre trabalho de linha no próximo vídeo. 8. Passo 4: limpeza e cores: Eu não vou entrar em um monte de detalhes sobre como eu fiz este desenho, como eu fiz com meus personagens animais em meu curso intensivo anterior, porque eu não quero ser repetitivo. Eu tenho outra aula que se concentra inteiramente em pintar retratos digitalmente. Eu usei muitas das mesmas técnicas neste desenho que eu usei em ambas as classes, então você pode conferir se você estiver interessado. Em vez disso, vou demonstrar umademonstração de cores simples e rápida, demonstração de cores simples e rápida, bem como compartilhar algumas dicas para a limpeza do forro. É do meu entendimento que designers de personagens que trabalham na indústria, muitas vezes não são esperados para colorir seu trabalho, porque as empresas geralmente têm pessoas especializadas em coloração. Claro, ainda é um grande conjunto de habilidades para ter mas se você quiser se especializar em design de personagens, você não precisa necessariamente ser um mestre em cores. Com isso em mente, eu queria compartilhar uma técnica de coloração rápida, fácil e eficaz e sombreamento. Você pode fazer esse passo tradicionalmente com uma placa de luz, se quiser. Mas por uma questão de facilidade, vou demonstrar digitalmente. Quando chegar ao estágio de limpeza, geralmente continuarei trabalhando em qualquer programa que estou usando, geralmente Photoshop ou Procreate. Vou diminuir a opacidade do meu esboço, criar uma nova camada e desenhar por cima. Claro que tudo depende do seu estilo e do quão limpo você gosta que seu trabalho seja ou o quanto você gosta da textura do pincel para mostrar. Você quer uma linha sólida, linha cônica, linha esboçada? Para o meu desenho de Toby, eu queria a qualidade do lápis do pincel que eu estava usando para mostrar através da marca de linha. Eu não queria que ele fosse super limpo ou afiado, porque, bem, antes de tudo, eu gosto daquele estilo desenhado à mão, tradicional. Em segundo lugar, eu sabia que eu queria que a cor tivesse uma qualidade pintora e eu queria que a marca de linha combinasse com ela. Quando eu estou fazendo marca de linha, especialmente se é uma linha super limpa, ousada como esta, eu gosto de desenhar cada linha rapidamente e eu não me preocupo em ir além de onde o esboço áspero termina. Eu acho que eu posso fazer linhas muito mais limpas e menos oscilantes quando eu faço golpes rápidos como esse. Eu não me preocupo em rastrear perfeitamente porque eu sempre posso apagar os bits que cruzam mais tarde. Claro, isso realmente só funciona com arte digital. Você tem que ser um pouco mais cuidadoso com o tradicional. Mas também acho mais fácil controlar minhas linhas precisamente quando estou desenhando tradicionalmente. De qualquer forma, eu tento não ser muito precioso sobre como minhas falas são perfeitas, porque muitas vezes você não vai notar as imperfeições mais tarde. Mas às vezes ainda tenho que desenhar linhas uma e outra tonelada de vezes antes de acertar. Não há nenhuma técnica real nisso, só precisa de prática. Quanto mais você fizer isso, mais fácil vai ficar. Agora estou apagando todos os pedaços desnecessários. Você quer ter certeza de que a espessura de suas linhas é consistente. Mesmo com uma linha cônica, os pontos mais espessos das linhas devem coincidir e todos devem diminuir de forma semelhante. Aqui eu notei que a linha era um pouco fina, então eu engrossava. Ao escolher cores, pense na história, humor e na configuração que você está tentando retratar. Para este personagem, eu escolhi alguns pastéis sofisticados e modernos e contraste-os com um par de verdes divertidos mais brilhantes, porque ela parece ser uma senhora divertida e sofisticada. Para o meu desenho de Toby e Manuel, escolhi uma paleta de cores mais silenciosa com muitos tons castanhos e laranja, porque estava pensando no Velho Oeste e queria que as cores que escolhi refletissem isso. Não há nada de chique no meu trabalho de colorir aqui. Eu basicamente só escolhi um pincel de textura e coloquei algumas cores planas. Uma cultura que eu peguei para criar rapidamente bochechas rosadas, é fazer uma nova camada, desenhar triângulos sobre as bochechas e depois borrá-los. No Procreate, você clica no pequeno símbolo mágico na barra de menu superior esquerda e clica em “Desfoque gaussiano” e arrasta seu estilista para a direita e para a esquerda para ajustar a porcentagem de desfoque. No Photoshop, você vai para Filtro, Desfoque, Desfoque gaussiano, ajuste a porcentagem com o controle deslizante e aperte “Enter”. Você também pode tentar desenhar um círculo sobre o nariz juntamente com os triângulos e desfocando todos os três. Mas eu não achei que esse desenho realmente precisasse, então eu não me preocupei. Eu só acho que é uma maneira muito legal de obter uma bochecha rosada muito agradável, bonita sem se preocupar em escolher um pincel de textura macia e aperfeiçoá-lo. Funcionou sempre para mim e acho que é muito fixe. Há um milhão e um maneiras de sombrear sua cor. Mas uma maneira rápida e fácil de fazer isso é duplicar sua camada de cor e , em seguida, usar saturação de matiz para ajustar essa camada de cor duplicada. Existem algumas maneiras diferentes de aplicar a saturação de matiz. Primeiro, você pode ir para ajustes de imagem, saturação de matiz ou você pode subir ou diretamente acima do painel de camadas e encontrar saturação de matiz e aplicá-la. Ou minha maneira favorita é ter certeza você está selecionando na camada que você deseja que seja efetuada, e ir até esse pequeno círculo no mesmo painel onde o botão da nova camada está e selecione Saturação de Matiz. Ele cria uma camada de máscara de saturação de matiz acima da camada que você deseja efetuar. Se você só quiser aplicá-lo à camada abaixo, tudo que você precisa fazer é passar o cursor entre essas duas camadas e manter pressionada Alt ou Option, e uma pequena seta aparece e clique nela. Então ele só se aplicará a essa camada abaixo dela. Nas propriedades, geralmente ajusto a tonalidade para uma cor mais roxa ou azul. A leveza, eu trazê-lo para baixo muito longe e torná-lo muito escuro. Então eu levo toda a opacidade da camada para algum lugar nos anos 20 ou 30 por cento e isso apenas cria uma versão sombreada realmente agradável em cima da sua versão light. As cores da sombra são um pouco azuis e um pouco roxas, o que as torna um pouco menos enlameadas. Se tentasses entrar com uns negros, alguns cinzentos, isso não seria muito bom. Esta é apenas uma boa maneira rápida de encontrar algumas cores legais que funcionarão para sombrear seu desenho e ele apenas faz isso automaticamente para todas as cores diferentes para você. Em seguida, você pode clicar na máscara e usando sua ferramenta de pincel, o preto apaga essencialmente, o sombreamento escuro enquanto as cores brancas são escurecidas. Você pode apenas ajustá-lo apenas alternando para frente e para trás entre branco e preto. Por exemplo, aqui eu troquei minha cor do pincel para branco e coloriu o sombreamento de volta. Principalmente eu só uso preto para apagar a camada de sombreamento, modo que a camada mais brilhante original poderia aparecer através. Aqui está outro exemplo de mim usando esta técnica, mas eu mantive muito mais sombreamento nisso. Essa é uma maneira simples de encontrar algumas grandes cores de sombreamento e tornar sua ilustração muito mais atraente. Uma maneira mais rápida e fácil de adicionar apelo ao seu desenho, é adicionar um gradiente às suas cores planas. Eu já adicionei um gradiente sobre o cinza das calças. Como você pode ver, é um cinza plano e então eu adicionei um roxo escuro muito sutil sobre o topo. Para mostrar como eu fiz isso, primeiro lugar, eu tenho todas as minhas cores em camadas diferentes. Eu tenho a cor da calça em uma camada e a cor da camisa em outra. Certifique-se de que você está na camada certa e, em seguida, pegue a ferramenta mágica e selecione a parte que você deseja colorir. No meu caso, a camisa. Fiz isso para que o gradiente que vou aplicar cobrisse apenas a camisa e não o resto da tela. Crie uma nova camada no topo. Vá até a ferramenta Balde de pintura e clique e segure para que o menu suspenso apareça e selecione a Ferramenta Gradiente. Eu não selecionei em uma cor para gradiente transparente, modo que ele vai de uma cor para nenhuma cor em vez de uma cor para outra cor. De qualquer forma, eu já tenho um belo roxo selecionado, então eu vou ficar com isso. Então tudo o que você faz é clicar e arrastar para cima. Acho que isso parece muito bom. Desmarque sua seleção pressionando “Comando D” e diminua um pouco a opacidade. Aqui está sem os gradientes, e aqui está com eles. 9. Considerações finais: Seu projeto é, naturalmente, projetar um personagem de sua escolha. No entanto, tudo o que eu gostaria de ver para começar é o seu conceito. Como um primeiro passo de baixa pressão, basta postar a história e a personalidade do personagem que você gostaria de criar, então Etapa 1, essencialmente. A partir daí, você pode atualizar seu projeto à medida que você progride. Eu chamo essa série Character Design Crash Course porque essas classes realmente só arranhar a superfície do que você pode aprender quando se trata de design de personagem. Daí, curso intensivo. Se você quiser aprender mais, eu recomendo conferir as classes de design de personagem da Schoolism.com. Pessoalmente, levei a aula de Daniel Arriaga, Personagens de Cinema de Animação, e as aulas de Stephen Silver, Fundamentos de Design de Personagens e Design Avançado de Personagens, e achei que todos os três eram inestimáveis. fontes de aprendizagem. Eu também descobri recentemente a arte de Aaron Blaise, que tem um monte de realmente grandes tutoriais e aulas sobre design de personagens, desenho e animação. Eu vinculei a todos eles na guia Seu projeto. Dito isto, vou continuar produzindo cursos de design de personagens aqui no Skillshare que abrangerão uma ampla gama de assuntos específicos, todos relacionados ao design de personagens. Se você gostou desta aula e quer se manter atualizado sobre o que estou postando, certifique-se de apertar o botão Seguir e você será o primeiro a saber quando cada novo curso intensivo for lançado. Você também pode me acompanhar no Instagram @melissaleedesign para ver meus trabalhos mais recentes em andamento. Se você estiver se sentindo preso, lembre-se de que a prática e a persistência são a chave para melhorar. Mas lembre-se também de ser gentil consigo mesmo. Você provavelmente não verá melhorias imediatamente, e tudo bem. Aprenda a abraçar seus desenhos ruins porque eles estão apenas levando você para melhores desenhos no futuro. essa nota, desejo-lhe a melhor sorte e, como sempre, mal posso esperar para ver quais personagens você cria. Cuide-se e nos vemos da próxima vez.