Curso Intensivo da Escola da Arte: expandindo seu estilo com a história da arte | Christine Nishiyama | Skillshare

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Curso Intensivo da Escola da Arte: expandindo seu estilo com a história da arte

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

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Aulas neste curso

8 aulas (20 min)
    • 1. Por que aprender sobre a história da arte?

      1:32
    • 2. Impressionismo

      3:41
    • 3. Pós-impressionismo

      1:55
    • 4. Fauvismo

      1:53
    • 5. Cubismo

      3:24
    • 6. Expressionismo

      2:03
    • 7. Dada

      2:55
    • 8. Surrealismo

      3:01
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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Projetos

Sobre este curso

Seja bem-vindo à próxima sessão do Curso Intensivo da Escola da Arte! Eu sou a Christine Fleming, ilustradora da Might Could Studios. Nesta seção do curso intensivo, estamos focando em todos os artistas que vieram antes de nós e mergulhando na História da Arte.

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Espere, não vá! A história da arte é importante e não é chata — prometo! A história da arte é super importante como artista porque lhe permite ver e entender o que faz uma grande obra de arte. Quanto mais você souber sobre os movimentos da arte, lendas da arte e seus estilos e técnicas, mais você pode analisar e melhorar seu próprio trabalho! Todos os artistas são influenciados por outros artistas e isso inclui você! Então, por que não aprender com os mestres?

A história da arte também reforçará os princípios de design que já vimos nesta série, incluindo composição, gesto e cor, mostrando-lhe exemplos bem sucedidos de seguir as regras e quebrá-las!

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Os movimentos da arte se tratam de rebelião e da quebra das regras que vieram antes. Desde o Impressionismo ao Surrealismo, falaremos sobre QUANDO a rebelião aconteceu, ONDE aconteceu, QUEM se rebelou, CONTRA O QUE eles se rebelaram, e COMO eles se rebelaram. Então mostrarei como você pode se rebelar AGORA com técnicas específicas de cada movimento que você pode aplicar à sua própria arte!

Para o nosso projeto do curso, vamos criar uma nova arte inspirada em um movimento artístico, usando uma das técnicas mostradas no curso. Ao final do curso, você terá uma melhor compreensão da história da arte, técnicas específicas dos mestres que você pode experimentar no seu próprio trabalho e uma dose enorme de inspiração para animar-se a criar novas artes! Então, vamos começar e quebrar todas as regras!

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Christine Nishiyama

Artist at Might Could Studios

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

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Transcrições

1. Por que aprender sobre a história da arte?: Bem-vindos à próxima sessão do Boot Camp da Escola de Arte. Sou Christine Fleming, ilustradora da Might Can Studios. Nesta edição do campo de treinamento, estamos focando em todos os artistas que vieram antes nós e mergulhando no mundo da história da arte. A história da arte é super importante como artista porque permite que você veja e entenda o que faz grande arte. Quanto mais você souber sobre movimentos de arte, lendas e seus estilos e técnicas, mais você pode analisar e melhorar seu próprio trabalho. Todos os artistas são influenciados por outros artistas e isso inclui você. Então, por que não aprender com os mestres? história da arte também irá cimentar os princípios de design que já aprendemos nesta série, incluindo composição, cor e gesto. Do Impressionismo ao Surrealismo, cobriremos quem, o quê, quando, onde, porquê e como de sete dos movimentos da arte moderna. Vou mostrar-lhe o agora com técnicas específicas de cada movimento que você pode experimentar e aplicar ao seu próprio trabalho agora. Para o nosso projeto de aula, estaremos criando uma nova obra de arte inspirada um movimento artístico e usando uma das técnicas mostradas na aula. No final desta aula, você terá uma melhor compreensão da história da arte, técnicas específicas que você pode aplicar em seu próprio trabalho e um raio de inspiração para se empolgar em fazer novas artes. Então vamos pular e quebrar todas as regras. 2. Impressionismo: O impressionismo começou na França e vai da década de 1860 à década de 1920. Os principais jogadores do impressionismo onde Monet, Degas, Renoir, e Sisley. O objetivo do impressionismo, era capturar momentos fugazes e luz na natureza. Os impressionistas se rebelaram contra o realismo. Eles também se rebelaram contra a arte acadêmica, arte sancionada pelo governo, e o nível de acabamento e detalhe exigido pelo realismo na época. Como é que o impressionista se rebelou? Primeiro eles se rebelaram escolhendo assuntos diferentes para pintar. Academias de arte, então o poder reinante e a arte, declararam que só valia a pena criar e apreciar a arte histórica. Os impressionistas foram contra isso, acreditando que as paisagens e a vida contemporânea também eram dignas de pintura. Os impressionistas levaram esta ideia mais longe, concentrando-se em momentos particulares de dias em sua pintura e mostrando passagem do tempo por detalhes na natureza, como nuvens inundadas ou ondulações na água. O objetivo de capturar um momento na vida contemporânea e a frouxa desse momento. O impressionista também mudou a forma como a cor era usada em obras de arte. Eles empurraram os limites da cor, concentrando-se na luz e na cor da natureza. Os impressionistas estavam entre os primeiros a pintar paisagens ao ar livre, em parte por causa da invenção de tubos de tinta e focaram na pintura de momentos específicos do dia. Isso os forçou a trabalhar rapidamente para capturar a luz antes que ela se desvanecesse e levá-los a aplicar tinta e pequenos traços coloridos, sem se preocupar com contorno ou detalhes. Isso nos leva às pequenas pinceladas, o aspecto mais reconhecível do impressionismo. Impressionista pintado com pequenos pincelados de cor pura que se fundiram à medida que o espectador se afastou da pintura. Então, em vez de ver os traços individuais, as cores se misturam e você vê a composição geral. Isso criou cores mais brilhantes e um visual suave e inacabado. Os pequenos pincelados rapidamente pintados de cor pura criaram uma aparência de esboço ou trabalho preliminar que foi inicialmente visto pelos críticos como inacabados e não dignos de um museu ou galeria. Este é o lugar de onde veio o nome Impressionismo, como se estas fossem impressões e obras de arte não totalmente acabadas. A última maneira que o impressionista se rebelou foi quebrando as regras da composição. Na época, os artistas foram instruídos a usar todos os princípios de design para levar a um ponto focal na obra de arte que estava quase sempre no centro da peça. Os impressionistas jogaram isso pela janela e empurraram os limites da composição, cortando seu trabalho de forma assimétrica e muitas vezes focando em assuntos nas bordas da obra de arte. Como podemos usar algumas das técnicas do impressionismo em nosso próprio trabalho? A primeira maneira é empurrar as maneiras que você usa a cor. A maneira convencional de pintar sombras é usar preto ou marrom, mas a maneira impressionista de pintar sombras, é usar cores complementares. Por exemplo, a sombra deste palheiro amarelo é pintada de roxo em vez de marrom. Você também pode alterar a maneira como usa pinceladas no seu trabalho artístico. A maneira convencional era não deixar os traços serem visíveis e misturar cores suavemente na tela. A maneira impressionista é pintar com pequenos traços individuais de cor pura. Se você quisesse, você poderia até tentar pintar ao ar livre como um impressionista. 3. Pós-impressionismo: pós-impressionismo começou na França. Ocorreu entre os anos 1880 e 1900. Os principais jogadores do pós-impressionismo onde Rousseau, Van Gogh, Cézanne, e Gauguin. pós-impressionismo tomou os princípios do impressionismo e os empurrou ainda mais, acrescentando mais subjetividade. Eles se rebelaram contra o impressionismo e, em particular, à atenção da luz e da cor na natureza. Eles queriam levar alguns dos princípios do impressionismo ainda mais longe. Então, como eles se revoltaram? Primeiro, eles adicionaram em formas geométricas ao seu trabalho artístico. Eles mantiveram a qualidade do impressionismo, mas experimentaram diferentes tipos de formas e suas pinceladas. Eles também adicionaram mais distorção em suas obras de arte e não tentaram representar diretamente as coisas como eram na natureza. Eles pretendiam mostrar um pouco mais de expressividade e como eles representavam o mundo. Os pós-impressionistas também, não temos medo de usar cores antinaturais. Eles rejeitaram o objetivo do impressionista para capturar a cor exatamente como era na natureza. Em vez disso, eles usaram as cores que sentiram que estavam certas para transmitir a sensação da obra de arte. Finalmente, pretendem transmitir o seu sentido de espírito com a sua arte. Eles não queriam apenas transmitir a natureza como o impressionista fez, mas sim transmitir seu próprio senso de mente e como eles interpretaram o mundo. Então, como podemos usar as técnicas do pós-impressionismo? Primeiro, você pode tentar usar cores mais brilhantes em sua arte. A maneira convencional é pintar cores como eles estão vendo na realidade ou na natureza. A maneira pós-impressionista é exagerar cores para incluir cores brilhantes e talvez não naturais. Você também pode se concentrar em seu senso de mente. A maneira convencional é pintar o mundo como ele é e a maneira pós-impressionista é pintar o mundo como você vê e sente. 4. Fauvismo: O fauvismo também começou na França. Ocorreu entre 1900 e 1910. Por enquanto, vamos pular o expressionismo e pular para o fauvismo. expressionismo desenvolveu-se ao longo de um período mais longo. Voltaremos a isso daqui a duas décadas. Os principais jogadores do fauvismo, foram Derain e Matisse, os artistas que inventaram o fauvismo, ou muitas vezes chamados de Les Fauves, que significa a besta selvagem. Juntos, eles empurraram os limites da cor, usando-a para definir forma e criar humores. O fauvista se rebelou contra o impressionismo. O fauvista se rebelou contra o impressionismo e, em particular, o foco científico na aparência da natureza e o uso restrito da cor. Como os fauvistas se rebelaram? Em primeiro lugar, eles usaram a cor como forma. Eles simplificaram formas e usaram cores planas ousadas. Eles também usaram a cor como humor. Eles usaram cores vivas para melhorar a emoção e visaram projetar um humor com sua cor, não apenas refletir o que foi visto na natureza. fauvismo também é reconhecido pela sua pincelada ousada. Eles mantiveram a visibilidade da pincelada do impressionismo, mas usaram pinceladas mais ousadas e maiores. Eles também adicionaram ainda mais expressão individual. Eles colocam mais ênfase na expressão subjetiva do que em outros princípios, como proporções corretas ou perspectiva. Como podemos usar as técnicas de fauvismo em nosso trabalho? Primeiro, podemos bombear a cor. A maneira convencional era pintar a cor naturalmente. A maneira dos fauvistas é pintar a cor para definir o humor. Também podemos usar pinceladas ousadas. As formas convencionais era pintar detalhes com pinceladas pequenas e suaves. A maneira fauvista é pintar formas com grandes pinceladas curvadas. 5. Cubismo: O cubismo começou na França e na Espanha de 1906 a 1919. Os principais artistas do cubismo foram Picasso e Braque. cubismo era uma maneira filosófica de pensar profundamente sobre a visão e como ela é representada. Os cubistas se rebelaram contra o impressionismo, fauvismo e o renascimento. Eles rejeitaram a ideia de tempo linear do renascimento, o foco em momentos específicos do impressionismo, e a gama de cores do fauvismo. Esta pintura de Picasso é argumentada para ser a primeira peça que iniciou o cubismo, segundo alguns historiadores. Na época, era o nascimento de uma forma completamente nova de visualizar e criar arte, e diz-se ter violentamente derrubado convenções estabelecidas. Há muitos aspectos desta pintura que foram rejeições de todas as obras de arte que vieram antes dela. Em primeiro lugar, o cenário é interior, fechado e desordenado, o que é o oposto do impressionismo e do fauvismo. A peça também tem fóruns afiados e irregulares, ao contrário das linhas e formas de impressionismo e fauvismo. O humor ou emoção da peça é meio apreensivo e inseguro, enquanto o humor e a emoção da maioria das peças impressionistas e fauvistas eram prazerosos. A relação figura/solo nesta peça também é dissolvida e difícil de ver. Picasso estava mostrando dois momentos diferentes no tempo, o que era uma idéia completamente revolucionária. Vejamos algumas maneiras específicas que o cubismo desenvolveu. Primeiro, eles mantiveram a planicidade longe do fauvismo. Eles não queriam mascarar a tela, mas, em vez disso, ter o espectador reconhecê-la pelo que ela é, e não tentaram criar uma ilusão de profundidade no trabalho artístico. Eles rejeitaram os pigmentos claros e brilhantes do fauvismo, e em vez disso usaram tons mais profundos e lamacentos, mais urbanos com cores escuras, pretos e cinza. Eles dividiram as superfícies de sua pintura em pequenas áreas irregulares de tinta, e facetaram o tratamento do sólido e do espaço. cubismo também é conhecido pela simultaneidade. Isto é, quando todas as superfícies dos indivíduos estão em um único plano, como se todas as superfícies fossem visíveis ao mesmo tempo. Isso também era completamente revolucionário na época. Mas os cubistas não fizeram isso apenas para serem estranhos, eles estavam fazendo isso para pensar e se comunicar sobre um senso de consciência fluida, desfocando o passado, o presente e o futuro. Eles estavam desafiando e se rebelando contra a maneira renascentista aceita de olhar o tempo de uma maneira linear, que é praticamente como nós ainda pensamos sobre o tempo hoje. Eles mostraram o assunto não apenas a partir de um momento específico como os impressionistas fizeram, mas mostraram o assunto de diferentes pontos de vista em momentos diferentes, como se todos estivéssemos vendo múltiplas dimensões. Como podemos usar as técnicas do cubismo em nossa própria arte? Primeiro, podemos quebrar formas em facetas. A maneira convencional é pintar formas como elas são. A maneira Cubistas é quebrar a forma para dissolver a relação figura/solo. Também podemos mostrar diferentes pontos de vista em nossa arte. A maneira convencional é pintar de um ponto de vista. A maneira Cubistas é pintar de todos os pontos de vista ao mesmo tempo. 6. Expressionismo: expressionismo começou na Alemanha e variou entre 1890 e 1930. Os principais expressionistas estavam em Munch, Kandinsky e Klee. Os expressionistas pretendiam retratar o mundo como uma experiência interna, emocional e espiritual. Eles se rebelaram contra o objetivo impressionista de retratar a natureza e o mundo externo como é visto, e também contra a alegria fauvista. Como os expressionistas se rebelaram? Primeiro, eles se concentraram na auto-expressão. Eles viam a voz individual como a peça mais importante da obra de arte. Assim eles exploraram a alma e não apenas o mundo exterior. Eles eram internos e não apenas externos. Eles acreditavam na total liberdade de expressão, livre de convenções ou regras. Eles também injetaram muita emoção em seu trabalho. Enquanto os fauvistas também usavam cores, pinceladas e formas para expressar emoção, expressionismo se destaca pela intensidade de suas emoções e pela diferença de emoções que expressavam. Algumas das emoções que exploraram incluíam insegurança, hostilidade, ansiedade e alienação. Eles também diferiram em quais cores escolheram usar em suas obras de arte. Eles exageraram a cor para expressar emoção e criar humor. Eles também usaram pinceladas ousadas como os fauvistas fizeram para expressar emoção. Eles também adicionaram distorção e exagero para aumentar a voz individual. Como podemos usar as técnicas do expressionismo? Primeiro, podemos entrar no nosso lado emocional. A maneira convencional era pintar o mundo externo. A maneira expressionista é pintar seu mundo interno. Também podemos usar cores e pinceladas para criar emoções. A maneira convencional era usar cores suaves e pinceladas. A maneira expressionista é usar cores profundas e pinceladas ousadas. 7. Dada: Dada começou na Suíça e depois mudou-se para Berlim, Colônia e Nova York. Ela variou de 1916-1922. Os principais artistas em Dada foram Duchamp, Ernst e Ray. Dada era arte feita em nome dos ideais, protestando contra as normas políticas e culturais atuais. Os artistas Dada se rebelaram contra a guerra, estabeleceram valores e expressionismo. Word War I incendiou Dada como artistas alemães fugiram para a Suíça. Eles não acreditavam que os expressionistas estavam sendo ousados o suficiente, ou estavam reconhecendo o que estava acontecendo no mundo na época. Eles rejeitaram qualquer coisa estabelecida ou aceita no mundo da arte. Um aspecto único do Dada foram os manifestos. Os artistas se reuniram e escreveram manifestos e revistas para protestar contra o que estava acontecendo no mundo. Dada também é conhecida por suas fotomontagens. Estas são colagens feitas de fotos e textos de jornais usando eventos atuais para trazer suas obras de arte para o momento presente e protestar contra a guerra. Utilizaram os conceitos de perspectiva plana e fragmentação do cubismo. Eles muitas vezes chamam essas fotomontagens, poesia visual. Dada também trouxe o conceito de instalações temporárias. Eles muitas vezes realizavam exposições com performances ao vivo. Em uma exposição em 1920, na Alemanha, o público entrou na exposição através do banheiro masculino, onde eles assistiram uma mulher executar poesia falada grosseira na frente de uma fileira de mictórios, e então receberam martelos e encorajados a destruir o exposição. Outro conceito novo de Dada foi o uso do acaso na arte. Artistas deixaram partes da criação ao acaso. Isso também foi chamado de automatismo, que está evitando a intenção consciente na criação. Neste exemplo de Jean Arp, ele rasgou pedaços de papel e deixou-os cair enquanto eles iam por acaso para a tela. Isto é pelo menos o que Jean Arp diz, mas tenho a sensação de que ele pode ter arranjado alguns deles depois. O Dada também desafiou a definição de arte. Eles acreditavam que todo mundo poderia ser um artista e tudo poderia ser arte. Neste exemplo, Duchamp tirou um mictório de uma fábrica, assinou-o e declarou arte. Como podemos usar as técnicas de Dada em nosso próprio trabalho? Uma maneira é que podemos criar fotomontagens. A maneira convencional era pintar suas próprias imagens. A maneira Dada era redefinir as imagens dos jornais. Também podemos usar a arte como protesto e uma forma de comunicação. A maneira convencional era criar arte para descrever o mundo. A maneira Dada era criar arte para proclamar suas crenças. 8. Surrealismo: O surrealismo começou na França e depois mudou-se para Londres e Nova Iorque. É banido dos anos 19 aos 19 anos 60. O maior surrealista onde Ernst, Miro, Dali e Magritte. O surrealista pretendia fazer arte a partir do subconsciente e explorar a imaginação da mente inconsciente. Ali contra o Dada e todo o pensamento racional. Em particular, eles se rebelaram contra a negatividade de Dada e o conceito de que o pensamento racional era a única maneira de pensar. Então, como eles se rebelaram? Primeiro, eles desenvolveram a técnica chamada automatismo psíquico. Esta é uma maneira de deixar o subconsciente assumir e negar o controle consciente. Um conceito de certa forma é a associação livre, trabalhando a partir de seus próprios pensamentos em vez de outras sugestões. automatismo psíquico está esvaziando sua mente de pensamento consciente, unido espontaneamente. Tudo o que vem à mente é a expressão de sua mente inconsciente. Esta forma a ideia do esboço. Então o surrealista iria refiná-lo. Combinando sonho e realidade para criar surrealidade. A interpretação dos sonhos era outro aspecto do surrealismo. pesquisa de Sigmund Freud sobre sonhos tornou-se uma base do surrealismo. Eles acreditavam que você poderia desbloquear o inconsciente analisando sonhos. Essas cenas de imagens sem sentido foram pintadas em um estilo realista, que visava abrir o espectador ao irracional. Outro aspecto do surrealismo foi a justaposição. Juxtaposition é o agrupamento de objetos não relacionados. Os surrealistas acreditavam que pintar imagens não relacionadas juntos incentivava o pensamento subconsciente e incentivava seu cérebro a fazer novas conexões. Então, como podemos usar as técnicas do surrealismo em nosso próprio trabalho? Primeiro, podemos participar no automatismo. A maneira convencional é planejar seu trabalho artístico completamente. A maneira surrealista é desenhar o que vier à sua mente, e então você volta e refiná-lo. Também podemos usar a interpretação dos nossos sonhos e das nossas obras de arte. O pensamento convencional é que os sonhos não são importantes, mas um surrealista vai desafiá-lo sobre isso. Isso encerra nossa linha do tempo da história da arte. Muito obrigado por fazer esta aula. Espero que se sinta inspirado por todos esses movimentos de arte. Eu realmente espero que você crie sua própria arte com uma dessas técnicas. Eu adoraria ver o que você inventou. Você pode enviar sua arte para a galeria do projeto clicando no botão “Iniciar seu projeto” na página da comunidade. Você também pode conferir seus colegas de trabalho e ver quais são as obras de arte da caixa que eles criaram. Olho para cada projeto publicado em todas as minhas aulas e adoro ver o seu trabalho. Divirta-se quebrando todas as regras. Mal posso esperar para ver seus projetos inspiradores de história da arte. Vejo-te no próximo parente da escola de arte.