Cinematografia DIY: certifique-se que seu vídeo pareça um filme | Ryan Booth | Skillshare

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Cinematografia DIY: certifique-se que seu vídeo pareça um filme

teacher avatar Ryan Booth, Filmmaker, Cinematographer, Director

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Aulas neste curso

8 aulas (39 min)
    • 1. Introdução

      1:47
    • 2. Minha filosofia sobre cinematografia

      4:45
    • 3. Termos principais

      2:49
    • 4. Ferramentas de trabalho

      6:19
    • 5. Maximizando sua locação

      4:35
    • 6. Filmando e esculpido a luz natural

      13:49
    • 7. CONCLUSÃO

      1:49
    • 8. Meu projeto: velas de concreto

      2:53
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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35.592

Estudantes

37

Projetos

Sobre este curso

Aprenda a filmar com a alma e faça seus vídeos parecerem mais caros, graças ao célebre cineasta e diretor, Ryan Booth.  

Mais conhecido por seu longo documentário sobre The Revenant - um projeto pessoalmente encomendado pelo diretor vencedor do Oscar Alejandro G. Iñárritu - a abordagem de Ryan ao cinema funde o mundo comercial e de vídeo com um estilo documental distinto.

Neste curso inspirador de 40 minutos, Ryan lhe ensina seu processo criativo de como fazer algo parecer bonito, intencional e de maior valor de produção de uma forma rápida e fácil - essencialmente, fazendo um vídeo parecer um filme.

As aulas principais incluem:  

  • Termos importantes para cineastas aspirantes 
  • Ferramentas simples para aproveitar ao máximo a luz natural 
  • Como maximizar sua locação 
  • Filmando e moldando a luz ao longo do processo  

Não há necessidade de equipamentos sofisticados, experiência técnica ou uma grande equipe de filmagem; o Ryan nos dá uma visão dos bastidores de como qualquer pessoa pode entrar em um local e dar vida a ele da maneira mais envolvente possível.  

Ao final deste curso, você terá a segurança e a inspiração para filmar seu próprio momento cinematográfico como um profissional! 

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Ryan Booth

Filmmaker, Cinematographer, Director

Professor

Ryan Booth is a filmmaker by way of photography, by way of audio engineering, by way of college, by way of Texas.

Ryan Booth is a director living in Texas. Booth's filmmaking career took off in 2011 when his first short film won a contest hosted by Vimeo and Canon and premiered at Sundance Film Festival.

He spent the next few years cutting his teeth as a Director of Photography, working on commercial projects for MTV, Spotify, Under Armour, Pepsi, and Home Depot, as well as music videos for Atlantic Records, Sony, and Universal Music. He DP'd two documentary features in 2015, one of which was commissioned by Alejandro G. I??rritu, Academy Award-winning director of Birdman, that explores the modern implications of the themes woven into I??rritu's latest film, The Revenant. ... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Introdução: Meu nome é Ryan Booth e sou cineasta, de fotografia e diretor. Trabalho em uma grande variedade de projetos, principalmente projetos baseados em documentos. Às vezes é trabalho narrativo, às vezes é trabalho comercial, às vezes é realmente documentários. Eu trabalhei no último outono em um dos meus projetos favoritos, que foi um documentário completo sobre o processo espiritual que nosso Naritu húngaro passou para criar o filme, O Revenant. Temos que passar tempo com o elenco e a equipe daquele filme e meio que realmente explorar, por que eles fizeram esse filme incrível. Então, para esta aula, o que vamos falar é sobre como entrar em um espaço que nunca estivemos antes e descobrir a melhor maneira de filmar esse espaço. Vamos olhar para a luz à medida que cai sobre a sala. Vamos falar sobre como posicionar nosso assunto e como tirar algumas coisas para parecer que criamos esse mundo intencional. Vamos convidar um dos nossos amigos David, que faz velas. Vamos tentar construir um pequeno documentário de 60 a 90 segundos sobre David e o processo dele fazendo essas velas. Ele nos proporcionará uma grande oportunidade para filmar neste tipo de intencional abordagem documental realismo para a cinematografia. Então, meu objetivo para você seria que, em algum momento durante o ponto deste projeto, você estivesse olhando para sua tela e dissesse, “Oh, meu Deus! Isto parece um filme.” Se você tem essa sensação, então, que é algo a que se agarrar. Vamos passar a maior parte do tempo filmando com luz natural. Hoje, vamos falar sobre tirar a luz, vez de adicionar um monte de luz. Um punhado de decisões que podemos tomar como cineastas, que fazem nossas cenas passarem de um vídeo para um momento cinematográfico. 2. Minha filosofia sobre cinematografia: Você ouve as palavras cinematográficas rebatidas um pouco. As pessoas dizem, “Oh, isso parece realmente cinematográfico. Quero que isto pareça realmente cinematográfico”. Acho que passei muito tempo tentando descobrir o que exatamente esse termo significa. Acho que é uma daquelas coisas que você sabe quando vê. É uma espécie de reação do intestino que você gosta, “Isso parece cinematográfico.” E o que eles querem dizer é, que parece que pode estar em uma tela grande. Parece intencional. Eu acho, para mim, que essa é realmente a base da criação de imagens cinematográficas, é intencionalidade. Muitas vezes, de uma perspectiva técnica, isso pode significar que a luz é intencional, significando que a luz muitas vezes em uma imagem cinematográfica vem do lado. É uma luz que envolve o rosto. Cinemático, muitas vezes tem a ver com o jogo de sombras. Eu acho que o que não existe é muitas vezes tão interessante quanto o que é e o que isso significa é que imagens cinematográficas são aquelas que estão fortemente mergulhadas em sombras. Isso não significa que eles são super, super escuros o tempo todo, mas isso significa que há definitivamente um monte de sombra e um monte de diferenças, e camadas e, profundidade para a imagem que é cinematográfica. Muitas vezes, cinematográfico poderia significar que há diferenças de temperatura de cor dentro da mesma imagem. Há elementos de primeiro plano. Há várias camadas de coisas que atraem os olhos. É realmente algo que, como Diretor de Fotografia, é o seu trabalho, obviamente, criar imagens de cliques cinematográficos, mas realmente, isso só significa trabalhar em finalmente ajustar o olho para ver as coisas que estão acontecendo. Então, como DP, você pode andar por aí quando você está no metrô, quando você está no supermercado, e a luz simplesmente chuta por aquela janela e pula do chão e coloca esse reflexo direito atrás de alguém que chuta um pouco de luz no cabelo do cara olhando você no supermercado. Pode ser uma imagem cinematográfica. E você não precisa de uma câmera para ver imagens cinematográficas. Acho que um grande exemplo seria um pôr-do-sol. pôr do sol ocorre, duas vezes por dia. Você pode ver o sol nascer. Você começa a ver o sol se pôr, e em ambos os lados do sol nascendo e o sol se pondo, a luz faz tudo isso incrível, as cores são incríveis, a profundidade é incrível. A luz vem muitas vezes do lado e há longas sombras e tudo parece atraente e parece cinematográfico. Isso acontece todos os dias, e eu acho que, da mesma forma que você pode sair e ver o pôr do sol da maneira que a luz está mudando e se moldando durante o pôr do sol, está treinando seus olhos para ver que ocorrendo o dia todo, todos os dias nos lugares onde você está vivendo sua vida. Um dos meus fotógrafos favoritos é um cara chamado Robert Frank e em 1952, ele cruzou os Estados Unidos da América com um par de câmeras e um filme preto e branco e ele criou um projeto chamado The Americans. Naquela época, quando tudo estava muito abotoado e perfeito sentimento nos anos 50, ele criou essas imagens desleixadas, soltas e incrivelmente bonitas em preto e branco em todos os Estados Unidos da América. Acho que há algo nessas imagens e a razão pela qual ainda as olhamos 70 anos depois é porque há uma qualidade intangível nessas imagens. Há algo neles que parece real. E para mim, isso é algo que eu realmente quero colocar nas imagens que eu faço. Esse tipo de qualidade intangível que, mesmo que tudo não seja exatamente perfeito, faz você sentir algo, porque por que fazer filmes se não nos ajuda a sentir algo, explorar uma idéia, sentir algo, para nos conectarmos ao nosso tipo de vida individual. E como diretor de fotografia, como a pessoa por trás da câmera, você realmente é o canal para essa experiência para o público. É o seu trabalho sentir e colocar-se na criação de imagens para que o público também sinta algo. Você não pode colocar o dedo no porque você gosta de algo. Você só sabe que gosta. Esse é um ótimo indicador que você está no caminho certo quando você tem essa sensação. Você é tipo, “Cara, tem algo nisso.” De muitas maneiras, isso é cinematográfico e pode ser difícil de definir, mas você sabe com certeza quando você fez isso. 3. Termos principais: Então, antes de começarmos a filmar um pouco, pensei que provavelmente deveríamos falar sobre um punhado de termos-chave e conceitos que discutiremos enquanto puxamos a câmera para fora e avançamos um pouco. Eu acho que muitas vezes quando você começa, você pode ficar sobrecarregado com a terminologia e a especificidade. A produção de filmes é um esporte de equipe complexo. Então, por causa disso, exige que todos estejam na mesma página de muitas maneiras. Então, é por isso que há tantos termos específicos e coisas específicas que as pessoas fazem referência quando estão no set. Não é porque as pessoas estão tentando parecer mais espertas do que outra pessoa. É literalmente porque pode ser o trabalho de alguém pegar o equipamento que você está solicitando. Então, todo mundo precisa chamar essa peça de equipamento da mesma coisa, modo que quando você diz, “Ei, cara. Eu preciso de uma Apple Box”, eles não vão parecer : “O que é uma Apple Box e onde se consegue uma?” Eles vão diretamente para as Apple Boxes, e ele volta porque é um grande organismo em movimento tentando criar esses filmes. Então, a terminologia pode ser intimidante, mas realmente não é. Não é grande coisa. Então, do ponto de vista conceitual, falaremos sobre algumas coisas hoje. A principal é a luz da chave. luz da chave é onde está a grande luz que está a influenciar o seu assunto. É a luz principal agora. É esta janela. Essa é a luz chave para mim. O oposto disso é o que é o preenchimento. Você pode ter luz de preenchimento, ou você pode saltar de volta, ou alternadamente no lado de preenchimento, que é contra a chave, você pode trazer o que é chamado de preenchimento negativo, que é tirar a luz do lado de preenchimento. Você faz isso em um esforço para criar uma taxa de contraste, que é literalmente a diferença entre quão brilhante é no lado chave e quão brilhante é no lado de preenchimento. Então, a diferença entre esta luz aqui e esta luz aqui é a sua taxa de contraste. Não sou um DP super técnico. Digo tudo isso como se soubesse do que estou falando, mas literalmente não posso dizer qual é a relação de contraste entre isso e isso aqui. Há alguns DPs que podem literalmente olhar para a minha cara agora e dizer, “Oh, isso é quatro para um”. Eu não tenho idéia do que é a taxa de contraste real. Eu só sei que gosto quando parece assim e talvez se este lado fosse um pouco mais escuro, eu gostaria ainda mais. Então, você não tem que sentir que você precisa saber exatamente como a taxa de contraste é duh duh duh, e essa é essa parada, e essa é essa parada. Se você quer ser técnico, fantástico, mas não tenha medo se você não tem, mas você precisa saber que esta é a chave, este é o preenchimento, e a taxa de contraste é a diferença entre os dois. 4. Ferramentas de trabalho: Então, quando eu estou trabalhando em um orçamento baixo ou mesmo um projeto sem orçamento, há um punhado de coisas que eu vou ter comigo como ferramentas para fazer as imagens mais interessantes possível. O primeiro é o teu olho, és tu. Eu acho que é saber que quando eu andar em nenhum equipamento vai ser tão bom em ver como a luz está caindo quanto eu. É meu trabalho ser o instrumento mais afinado do set, em termos de poder ver onde a luz está caindo, como a luz está caindo e como melhor me posicionar e posicionar o sujeito para fazer esse espaço parecer complexo e em camadas e cinematográficas. A segunda coisa mais importante que eu vou ter quando eu estou no set é encontrar uma parte particular desse conjunto que tem uma quantidade decente de luz natural e por luz natural, quero dizer luz de janela. Pode ser janelas enormes como esta. Pode ser janelas menores , não importa. A realidade é que para criar luz realmente natural e isso é o que eu quero dizer com luz natural, o sol em muitas maneiras é apenas um IHM gigante que é uma luz de filme muito caro. Mas essa luz gigante cria essa enorme e linda fonte que envolve o rosto de forma muito natural. Então, é a luz que parece muito natural, é o que queremos dizer quando dizemos luz natural. Então, esse é o seu melhor aliado em um projeto baixo ou nenhum orçamento é o Sol. Tudo o resto que tentaremos manter conosco em um set para uma filmagem de baixo ou nenhum orçamento vai ser coisas que nos ajudam a modificar a luz do sol. Então, uma dessas coisas seria algum tipo de cartão de salto. Há a versão oficial que é como uma placa de talão ou uma placa de fole todo o caminho até como um pequeno pedaço de núcleo de espuma. Ele literalmente também poderia ser como uma parede branca ao seu lado, você poderia posicionar o seu sujeito para usar uma parede como preenchimento. É qualquer coisa que basicamente uma superfície de luz que empurra sua luz chave de volta para o seu objeto por trás ou de lado. Outra coisa que vamos querer usar, vamos usar muito é um sólido preto. Então, oficialmente se você usar como o equipamento de aderência adequado estes vêm em todas as formas e tamanhos diferentes. O mais tradicional seria um disquete de quatro pés por quatro pés é o que eles chamam. É como um grande pedaço de sólido preto e é velcro, uma aba de velcro caiu para que possa ser quatro pés por oito pés. É incrível e eu os uso o tempo todo. Quando você o coloca entre o objeto e alguma fonte refletiva ou saltitante , ele elimina qualquer excesso de luz ambiente para ajudá-lo a aumentar sua taxa de contraste. Vamos usar uma tonelada negativa hoje porque nossa luz chave é tão grande e está derramando por toda a sala. Então, vamos tentar basicamente entrar e ajudar a manter um pouco do salto fora do nosso assunto para ajudar a aumentar essa taxa de contraste. A última coisa que eu vou dizer é ótimo ter um pouco de difusão e isso é como uma difusão adequada que vai em um kit de ginástica scrim ou qualquer coisa, mas é qualquer tecido que é basicamente translúcido de alguma forma. Permite que a luz passe por ele. É uma maneira de suavizar a luz para ajudar a moldar a luz solar que está passando. Às vezes você pode estar filmando uma cena e a única vez que você pode filmar essa cena o sol está apenas explodindo pela janela e está criando uma taxa de contraste muito alta. É super brilhante aqui, o que o torna super escuro aqui e você quer suavizar e espalhar essa fonte para fora. A maneira que você faz isso é colocar alguma difusão entre sua luz chave e seu assunto. Para nós hoje, está super nublado lá fora, então nossa difusão está acontecendo no céu, então não precisamos adicionar um monte de difusão. Nós temos uma luz suave agradável já vindo por esta janela, mas difusão que você pode comprar oficialmente que seria rolos de difusão rasco ou há qualquer nota que vem em todas as formas, tamanhos e sabores. Então, se você tem a luz do sol batendo através de uma pequena janela que você quer difundi-la, você quer adicionar um pouco de salto para ajudar a fazer a janela parecer maior e talvez um pouco de preenchimento negativo para que você não tenha esse reflexo voltando e de repente você coloca três peças de equipamento e você não tem nenhuma luz ainda e você está ajudando a moldar e criar essa luz que parece intencional, que novamente a intencionalidade é a base da criação de imagens cinematográficas. A câmera que eu vou estar filmando é um dragão vermelho que soa como uma câmera incrível extravagante, mas eu realmente vou estar filmando apenas em uma lente de 24 a 105 canon, você provavelmente tem uma lente semelhante a esta em casa e eu tenho alguns densidade neutra, um filtro de densidade neutra variável aqui para nos ajudar com ND. O que eu não quero que você faça é pensar: “Ele está atirando no dragão, vai parecer incrível e tudo o que for.” Eu acho que a coisa a lembrar sobre as câmeras é uma câmera vermelha ou arejada ou alguma câmera de filme caro permite que você veja uma taxa de contraste mais alta. Então, pode haver uma diferença maior entre a sua chave e o seu lado da sombra. Pode haver uma tonelada de diferença entre isso e ainda é capaz de registrar muito brilhante e muito escuro. Mas a realidade é que os nossos olhos são incrivelmente sofisticados e complexos hardware de criação de imagens. Podemos ver áreas muito brilhantes e muito escuras. Nossos olhos podem realmente expor para duas exposições diferentes, enquanto nossa câmera só pode ver uma. Então, a razão pela qual uma câmera cara é cara é porque ela está tentando replicar o olho humano o mais próximo possível para nos permitir ver muito brilhante e muito escuro ao mesmo tempo. Mas se você não tem medo do fato de que sua câmera não pode ver muito brilhante e muito escuro ao mesmo tempo, você pode juntar essa taxa de contraste e de repente ficará incrível. Você pode fazer um DSLR parecer incrível, se você não tem medo de jogar com suas taxas de contraste. 5. Maximizando sua locação: Então, o que vamos fazer nesta demonstração basicamente é algo que eu faço em uma base bastante regular, que é um projeto de estilo documentário. Muitas vezes, mesmo em comerciais e filmes, entramos em um espaço não necessariamente tendo visto ou filmado esse espaço antes, e muito rapidamente, teremos que avaliar a aparência da sala e a melhor maneira de filmá-lo de uma maneira criar imagens tão cinematográficas quanto possível. Então, hoje, temos um amigo, David, que vai trabalhar para fazer algumas velas. Ele faz umas velas incríveis. Então, vamos criar um cenário aqui onde ele está trabalhando, e vamos cobri-lo de uma forma que pareça o mais interessante possível. A primeira coisa que faço sempre que entro num espaço em que nunca estive antes é ver onde a luz está caindo. Neste espaço, obviamente, temos estas belas, incríveis, janelas grandes que funcionarão como a nossa luz-chave. É realmente sobre então olhar para como a luz está caindo sobre o próprio espaço ao longo das paredes traseiras e tomar decisões que podemos precisar sobre como começar a tirar a luz. modo geral, sempre que você entrar em um espaço, haverá mais luz do que você precisa. É realmente sobre tirar um punhado de coisas para melhorar e moldar a luz que existe aqui. O principal é certo quando entramos neste espaço, houve algumas coisas que imediatamente se destacaram. A primeira é a esquina, nesta direção aqui. Ambos os cantos, na verdade, você pode ver que a luz da janela. Porque esta parede de tijolos estende a luz da janela à medida que entra, há uma pequena queda agradável. Os cantos tendem a ser bons locais para isso. Mas quando olho para este lado, notei que temos uma unidade de ar condicionado, que sei que não seremos capazes de abordar e nos mover, e porque David vai estar sentado quando ele estiver fazendo suas velas, não há maneira de eu atirar para este canto sem esta unidade AC tocando muito fortemente em nossas imagens. Eu sei que mesmo que eu realmente goste deste canto, e nós temos o tijolo, e é muito bonito, branco, eu sei que isso vai limitar o lugar onde minha câmera pode estar. Para mim, conceitualmente, quando entro em um espaço, o que quero da luz é que a luz pareça o mais interessante possível de tantas direções diferentes quanto possível, modo que quando entrarmos em permitir que David, nosso sujeito, para fazer suas velas, ele não está tendo que bater marcas ou ser limitado no que ele pode fazer. Enquanto ele for capaz de se mover livremente, e eu puder me mover livremente, então teremos as melhores imagens possíveis. Por causa da unidade de ar condicionado, nós descartamos aquele lado, e decidimos que vamos atirar para este canto. A primeira coisa que notamos aqui que havia um monte de caixas empilhadas, e havia uma grande televisão bem aqui. Além do conceito de essencialmente remover as coisas como uma forma de chegar a imagens mais interessantes que se aplicam às coisas que você encontra nos próprios espaços, fomos capazes de mover a televisão para fora deste espaço, que então Permita-me me mover muito livremente, e ter todo este cenário para ter por trás de David enquanto ele está trabalhando. Isso é uma coisa bem simples, mas arrumar um pouco de mobília é realmente útil. Na verdade, é uma parte útil da iluminação. A outra coisa era que esta mesa aqui estava na verdade contra esta janela, que embora pareça legal faria com que se eu me afastasse da janela, então eu estaria atirando nas costas dele. Então, mudamos a mesa para cá, que tivéssemos um bom ângulo para luz e permitindo que a câmera viaje ao redor do espaço muito bem. Isso nos permitirá então, enquanto estamos filmando, filmar o mais fluidamente possível, mover o máximo necessário e reunir um monte de imagens realmente grandes o mais rápido possível. Agora que basicamente gastamos cinco minutos reorganizando alguns móveis e situando nossa mesa da maneira mais bem sucedida possível, vamos colocar David, e deixá-lo começar a trabalhar, e vamos começar a fazer alguns ajustes, e podemos trazer alguma sensação negativa ou algum salto dependendo de como a luz está realmente caindo sobre ele enquanto ele está começando a trabalhar. Então, isso é o que vai acontecer a seguir. Vamos levantar a câmera e começar a ver o que a câmera está vendo. 6. Filmando e esculpido a luz natural: Tudo bem. Então, este é o David. David teve a gentileza de vir e fazer velas para nós. Então, eu o tenho sentado agora. Como estávamos a falar antes, basicamente, tenho a tendência de que as minhas luzes cheguem em torno de um ângulo de 45 graus. Isso tende a olhar realmente bom, porque então você pode vir atirar contra a chave neste eixo. Então, eu tenho David sentado e agora, é hora de levantar a câmera e ver o que a câmera está vendo é muito diferente do que nossos olhos estão vendo, e começar a trabalhar e descobrir exatamente como essa cobertura vai se desenrolar. Eu sei que a iluminação é mais ou menos vai ser, vamos dizer 85 por cento acesa no momento, que é realmente sobre apenas encontrar a posição certa na sala e então vamos trazer alguns elementos. Então, além da iluminação, estou começando a pensar na composição que é como eu conto a história, como faço para obter as fotos que precisamos cortar juntas para contar esse documentário de perfil sobre David? Então, é iluminação e composição à medida que levantamos a câmera, começando a ver o que funciona. Então, eu vou pegar a câmera e vamos começar a trabalhar aqui, e isso parece bom. Uma coisa que eu estou sempre pensando especialmente quando você começa a balançar perfil e ver de um ângulo de perfil, você vai começar a atirar em sua chave um pouco, e definitivamente, uma coisa que faz algo parecer cinematográfico versus video-y está soprando seus destaques. Câmeras digitais são muito implacáveis quando se trata de destaques. Para mim, alguém que está no controle de seus destaques, indica que está no controle da imagem que tende a se traduzir em algo que se sente cinematográfico. Então, muitas vezes, é apenas uma escolha intencional, eu não tenho que ter certeza de que eu possa ver todo o caminho fora da janela e que nada está muito exposto, mas eu absolutamente tenho que decidir que eu quero que seja superexposta para que isso funcione. Neste cenário, eu gosto dessa taxa de contraste que estamos recebendo bem aqui. Vou bombear um pouco, e nossa janela está soprando um pouco quase. Estamos apenas a chegar ao limite. Então, isso está tudo muito bonito. Outra coisa em que estou pensando neste momento é a luz dos olhos. Se você assistir alguns de seus filmes favoritos, você nunca verá um globo ocular que não tem um pouco de brilho nele. Se você tem apenas um pouco de toque de luz nos olhos você pode atirar muito mais escuro, é muito mais indulgente, porque é o centro da reação emocional de muitas pessoas em seu rosto. Você pode atirar tão escuro quanto você quiser, desde que você ainda pode ver a sua, eles trabalhando fora em seu rosto, e isso geralmente é através da luz ocular. Sabemos que temos o ângulo, a luz da chave está muito boa. Há basicamente três coisas em que estou pensando neste momento. Um deles é como a taxa de contraste está olhando, que basicamente é, quão brilhante é a luz chave e quanto essa luz está envolvendo o rosto de David? Minha regra geral é atirar do escuro para a luz. Quer dizer, se a sua luz chave está vindo deste lado do quadro, então isso significa que minha câmera vai começar deste lado do quadro. Essa será a maneira mais interessante, basicamente, de abordar essa luz. Essa é a minha opinião pessoal. Quando você atira no lado da chave, é como atirar no lado plano basicamente, que, novamente, qualquer uma dessas regras são regras a serem quebradas se você pretende quebrar essas regras. A diferença na proporção entre a chave e, em seguida, todo o caminho para o lado da sombra da face é a taxa de contraste. Tenho tendência a gostar de uma taxa de contraste bastante alta. Assim, você pode adicionar uma luz para ajustar a taxa de contraste ou trazer uma placa de rejeição para ajustar a taxa de contraste, ou pode trazer um preenchimento negativo para reduzir a luz do lado do preenchimento para ajustar a taxa de contraste. Então, qualquer uma dessas são maneiras perfeitamente aceitáveis de fazê-lo. No meu mundo, eu tendem para o último recurso é adicionar uma luz no lado de preenchimento. Eu absolutamente evito adicionar luz no lado de enchimento a todo custo. Nós conversamos um pouco sobre a luz das chaves vindo através do rosto. Uma maneira de ajustar a taxa de contraste basicamente é andando em tecido preto e isso é chamado de kit de trapos de estrada, é como um pequeno kit de aderência profissional que se divide em como um pequeno saco que você pode trazer com você. Mas, literalmente, você poderia usar um lençol preto, você pode usar qualquer tecido preto sólido grosso aqui. Não precisa ser como um kit de bandeira. Embora eu vou dizer, um kit de bandeira é uma ferramenta incrível para moldar a luz. Então, definitivamente vale a pena ter. Eles não são super caros. Então, este é um preenchimento negativo e basicamente o que está acontecendo é que temos paredes brancas, temos uma enorme fonte de luz, e a luz está apenas saltando por todo o lugar. Está saindo do teto, está saindo das paredes traseiras, está saindo das paredes daqui. Então, parte da maneira de começar a moldar a luz, que tudo moldar a luz significa é torná-la mais cara. Você vai parecer que você está mais intencionalmente iluminando o espaço, é começando a derrubar um pouco daquela luz reflexiva que está voltando que você não quer. Então, por exemplo, há um pouco de luz bem aqui vindo quase como uma luz traseira em David, e eu não quero necessariamente isso lá dentro. Você pode ver quando eu trouxe isso, que está matando aquele reflexo de volta e ele apenas começa a tornar nossa forma de luz ainda melhor fora do rosto. Então, isso é algo que eu provavelmente faria é adicionar algum negativo aqui. Muito disso, obviamente, quando estamos filmando em um tiro largo e, em seguida, começar a se mover mais e mais perto, podemos adicionar mais dessas coisas que estão em nosso quadro mais ou menos. Mas isso é uma coisa e, em seguida, deste lado, você pode ver que definitivamente há luz saltando dessa maneira. Nossa janela está obviamente fornecendo nossa chave. É aí que a direção da luz está vindo. Então, quando David estiver olhando, você vai olhar para a frente por mim? Veja aqui, a luz está batendo mais forte aqui e, obviamente, caindo deste lado. Isso é ótimo, é o que queremos. Mas o que também temos acontecendo é que temos uma parede de tijolos brancos completamente grande diretamente deste lado, onde as luzes pulando fora disso e voltando para bater David no rosto aqui e está enchendo o que é bom, novamente, se você quiser que ele faça isso. Então, eu não sei necessariamente se eu gosto do que está acontecendo fora desta parede voltando para saltar para o rosto de David de uma perspectiva completa. Então, o que eu vou fazer é adicionar isso literalmente como uma cortina, isso é como uma cortina preta. Então, você não tem que ter como um grande oito por como tela. Eu poderia usar um oito se eu tivesse, mas nós temos uma cortina aqui, que vai basicamente derrubar um pouco deste preenchimento e vamos ver se nós gostamos do que ele está fazendo e a resposta para isso é que eu realmente não sei. Há um equilíbrio a ser alcançado entre derrubar luz e derrubar lugares que potencialmente fornecerão luz ocular. Então, quando eu matar essa fonte aqui, a parede na frente deles é um lugar onde a luz está voltando e você pode ver um pouco de reflexo em seu olho. Você vai olhar para a frente para mim? Sim, então há uma luz de olho lá, uma boa luz de olho da esquina. Agora, quando eu trouxer isso, precisamos ter certeza de que não tiramos nossa luz ocular fazendo isso. - Não. Então, nós estamos recebendo nossa luz ocular da janela que é incrível e, em seguida, isso está adicionando um pouco de forma agradável para ele. Então, muitas vezes, você vai começar com um tiro mais largo porque você não vai ser capaz de andar em um monte de peças de equipamento para ajudá-lo a moldar a luz, e basicamente você vai começar bem e a razão você começa bem e trabalhar o seu caminho é porque você pode adicionar algumas coisas à medida que você vai e permitir que David para continuar seus processos desobstruídos quanto possível. Então, é apenas algo para ter em mente que há sempre um equilíbrio a ser alcançado entre adicionar um monte de negativo versus ser capaz de atirar livremente. Contanto que arrumemos David e a mesa no lugar certo, não há muito o que fazer. Então, nesse cenário em particular, o que acabamos pousando é basicamente uma cortina preta aqui que está matando o reflexo dessa parede traseira que estava enchendo o rosto de David uma quantidade decente. Então, isso só ajuda a luz da chave a preencher mais direcional. Então, nós também chegamos a colocar uma cortina preta em um 45 oposto da chave, e isso ajuda a manter o reflexo voltando daquele lado da parede branca. Acabamos não fazendo nada para tentar matar o reflexo na parede branca diretamente atrás de David porque ele adiciona um belo envoltório em torno seu pescoço e orelha e ajuda a separá-lo do fundo. Parece que temos algo aqui atrás que está entrando para atirar por cima do ombro traseiro dele. Então, isso parece muito bom. A luz parece ótima, isso é algo que leva apenas alguns minutos para ser configurado. Alguns minutos para arrumar a mobília, colocar algumas cortinas pretas, e agora, eu me sinto confortável indo em frente e deixando David fazer sua coisa, e eu vou ser capaz de arcar eu me sinto confortável indo em frente e deixando David fazer sua coisa, todo o caminho por aqui e atirar em um monte de coisas diferentes como ele está indo. Então, vamos realmente ir em frente e deixar David começar a fazer algumas velas. Há basicamente uma regra de 10 segundos para segurar tiros, o que é uma boa diretriz. Encontre um bom tiro, segure-o por 10 segundos ou mais. Você tem um bom ponto de entrada e saída para qualquer ação que você está filmando. Por exemplo, ele está gravando agora. Eu sei que agora, eu preciso obter um dentro dele realmente pegando o rolo de fita. Então, agora, eu vou ter um ângulo diferente dele gravando ou mexendo com a fita ou o que seja, e isso vai ser suficiente para ser capaz de construir uma pequena sequência de tiros com isso. Então, a coisa que eu também estou fazendo, você precisa ter certeza de que você está recebendo um tiro largo. Sempre esqueço de tirar minhas fotos porque não são tão interessantes quanto os close-ups. Close-ups são de longe a coisa mais interessante porque rostos das pessoas e eles estão fazendo algo e é bastante atraente olhar, mas você tem que obter suas fotos largas também para apenas ter certeza de que você tem contextos para o que acontecendo. Então, como DP, você tem que pensar como um diretor e um editor também, e isso significa ter certeza de que as coisas que você está filmando estão se conectando. Não pode ser apenas uma série de fotos. Tem que ser uma série de fotos que se conectam para contar uma história. Então, uma vez que David começou realmente misturando e derramando, e eu sei que temos alguns bons close-ups ou o que seja, ele realmente precisava se mover entre este microondas onde ele está aquecendo a cera na mesa, e eu sabia que isso faria com que a bandeira que tínhamos entrado para derrubar um pouco daquele reflexo em seu rosto fosse tocar no tiro. Então, nós percebemos isso para que David possa se mover livremente e eu poderia adicionar um pouco mais nessa peça, que é ele andando até o microondas. É muito difícil saber quando terminamos de atirar. A maioria das pessoas, se você for como eu, eu poderia filmar o dia todo e não sentir que tenho tudo o que eu poderia conseguir. Mas eu acho que nesses tipos de cenários, quando você está atirando em alguém que está fazendo algo, é realmente útil porque há um começo natural e um natural no que está acontecendo. Eu acho que o objetivo deve ser, para David, para mim, obter o máximo que eu puder enquanto David está fazendo isso em tempo real. Se há algo super crítico, como se fosse uma peça de marca e nós sabemos que precisamos que o adesivo vá para a caixa ou o selo debaixo da vela, então isso pode ser algo que pedimos a ele para fazer de novo, bt mais ou menos para deixar sua natureza em tempo real do que você está filmando decidir quando você está pronto. A pior coisa que você pode fazer é pensar demais, ultrapassar, e apenas pulverizar e rezar. Esse não é o seu trabalho. Seu trabalho como cineasta é ter um ponto de vista, tomar uma decisão, filmar, e então tomar uma decisão que você está acabado. Acho que tenho tudo o que preciso. David tem que ir a algum lugar. David passou por todo o processo. Tenho o máximo de variedade possível. Então, tempo a ser feito, deve ser feito. Então, acabámos de filmar o David a empacotar todas as coisas que fazem velas lá dentro. Agora, eu sei que nós queríamos ter uma pequena sequência no pedaço dele realmente saindo do prédio, para a rua, e depois para o oeste selvagem. Sempre que você está filmando essas sequências de transição, é realmente sobre obter variedade rapidamente. Então, deixando David descer as escadas por trás, agarrá-lo enquanto ele desce as escadas de frente e sabendo que eu vou ser capaz de cortar alguns tiros juntos a partir disso, e então fazê-lo sair do prédio, seguindo ele saindo do prédio, e depois fazendo uma pausa, fazendo ele fazer de novo do lado de fora do prédio, e depois pegá-lo, e fazê-lo atravessar a rua. Quando alguém está andando lá fora, será a mesma coisa. Eu giro ao redor, eu tiro perto, eu tiro largo, eu tenho o máximo de variedade possível e o menor número possível de tomadas porque quanto mais você pede a alguém para fazer alguma coisa, especialmente no cenário de documentários, há definitivamente uma lei de retornos decrescentes em termos não apenas de seus interesses, mas de credibilidade. Então, o nome do jogo está tentando obter um par rápida verdade cumprindo momentos dele deixando o espaço. 7. CONCLUSÃO: Então, acabamos de terminar com David e foi ótimo. Temos uma grande variedade de opções, algumas boas cenas, e agora tenho um cartão de memória cheio de imagens. Então, eu vou pegar meu computador e então tentar cortar algo juntos, e nós poderíamos fazer uma outra aula inteira sobre edição, contar histórias, e juntar essas peças, mas realmente queremos nos concentrar em criar essas imagens e ver como um espaço e como a luz natural no espaço pode nos ajudar a criar esse tipo de imagens bonitas e complexas. Então, estou ansioso para ver o que vocês fizeram. Mesmo se você acabou de cortar uma cena juntos ou você quer fazer upload de algumas de suas imagens fixas favoritas, captura de quadros, a partir do material que você filmou, por favor, coloque-os na galeria do projeto abaixo. Estou ansioso para investigar e dar uma olhada no que vocês criaram e como vocês aplicaram a idéia de ser capaz de tirar luz natural e fazer essas belas imagens. Então, muito obrigado por assistirem. Estou animada para ver. Eu quero ouvir sobre como vocês levam isso adiante enquanto vocês construem projetos maiores e conjuntos maiores, enquanto vocês trabalham com o equipamento maior. O mais emocionante é que isso é material fundamental que você vai ser capaz de continuar a levar com você. Mesmo quando estiver caminhando para casa hoje à noite, observe a luz ao seu redor e pense em como eu, se eu tivesse uma câmera agora, como posso construir uma cena com a luz que estou vendo agora. A parte divertida é que você sempre pode estar praticando a ver e o sol nasce mais de 12 horas por dia. Então, há muito tempo para trabalhar, praticar, e ficar melhor em ver como podemos usar o Sol e usar a luz natural para criar imagens bonitas. Então, obrigado por assistir e ansioso para manter contato. 8. Meu projeto: velas de concreto: A idéia do estúdio é criar um design de vanguarda que mostre qualquer maneira de desenvolver e combinar materiais puros. Eu sou um arquiteto, então eu amo concreto que é o material principal com o qual eu amo trabalhar. Eu comecei a brincar muito com o concreto, criar pequenas esculturas, e então um dia eu estava pensando, “Oh, e se eu apenas misturar cera e concreto e ver como ele se parece?” Então, como eu apareço com um objeto chamado o polímero uma vela de concreto. Crescendo toda minha mobília na casa dos meus pais era madeira de cedro, esse som me lembra de casa. Você tem o concreto de rocha nele e cera crua e óleo essencial. Então, basicamente tudo é puro. Não é apenas uma vela comum, é na mesma peça. Eu adoro ir a museus, então odeio não tocar nas esculturas, quando você vai a um museu, então eu quero ter como uma pequena escultura em sua casa que você pode tocar e você pode interagir com. Isso é ótimo. Isso é muito bom. Sim.