Aprenda como Young Guru cria para Jay Z: uma introdução à gravação de áudio | Young Guru | Skillshare

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Aprenda como Young Guru cria para Jay Z: uma introdução à gravação de áudio

teacher avatar Young Guru, Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

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Aulas neste curso

9 aulas (44 min)
    • 1. Trailer

      1:11
    • 2. Compreendendo a física do áudio

      3:25
    • 3. Compreendendo a física do áudio (continuação)

      4:50
    • 4. Escolhendo um microfone

      7:34
    • 5. Configurando seu espaço de gravação

      3:05
    • 6. Configurando uma sessão

      5:10
    • 7. Gravando vocais de rap

      5:02
    • 8. Gravando um vocal

      7:44
    • 9. Finalizando a gravação

      6:04
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

10.142

Estudantes

9

Projetos

Sobre este curso

Desde que o fonoautógrafo de Berliner apresentou ao mundo o conceito de uma faixa de áudio reproduzível, as pessoas se apaixonaram pelo som gravado. Nos séculos seguintes, a inovação tecnológica e a habilidade do estúdio tornaram o processo muito mais complexo, mas existem vários princípios básicos de gravação que ainda se aplicam. A gravação de áudio, o processo de reprodução do som ao vivo, será sempre uma prática celebrada, pois nos permite contar histórias, compartilhar ideias e preservar nossas vozes entre os países e por várias gerações.

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Tive a sorte de gravar uma variedade diversificada de artistas essenciais da música, de Jay Z a Beyoncé e Eminem, por isso, aprendi quais técnicas de gravação funcionam melhor com as várias texturas auditivas. Com base na minha experiência e lições pessoais, vou ensinar as ferramentas necessárias para adicionar um toque profissional às suas gravações de áudio.

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O que você vai aprender

Criei este curso na Skillshare para ajudar melhor você a dar vida às suas gravações com os efeitos que deseja, independentemente do preço do seu equipamento. Tudo isso será apresentado por meio de vídeos exclusivos e orientação escrita. Abordaremos:

  • Compreendendo a física do áudio. Esta unidade vai tratar da ciência do som e como ele reage de acordo com o ambiente.
  • Selecionando um espaço de gravação.  Esta unidade mostra como selecionar o espaço adequado para sua gravação e como otimizá-lo corretamente para obter o efeito desejado.
  • Posicionando Microfones, instrumentos e vozes.  Esta unidade explica como cada tomada é afetada dependendo da localização do microfone em relação à fonte de áudio e ao espaço de gravação.
  • Monitorando os níveis.  Esta unidade vai explicar como garantir que sua gravação seja limpa (ou confusa, se esse for o efeito desejado) e dentro de um intervalo dinâmico aceitável.
  • Fazendo ajustes e tomadas múltiplas.  Esta unidade ensina como alterar as variáveis de gravação (posicionamento do microfone, ajustes do espaço de gravação, complementos do microfone, complementos dos instrumentos) para criar várias faixas que venham a ser sobrepostas para completar todo o projeto do áudio.
  • Dando o acabamento.  Como rotular corretamente cada tomada, como organizar cada faixa e para quem enviar tudo depois da conclusão da gravação. 

O que você vai fazer

Seu projeto de curso será uma gravação de seu próprio arquivo de áudio usando os princípios que discutimos.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Young Guru

Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

Professor

Throughout his illustrious, decorated career, Gimel “Young Guru” Keaton has resoundingly earned his reputation as one of the most renowned recording and mixing engineers in music today , having worked with artists such as Jay-Z, Beyonce, Rick Ross, Drake, T.I., and Eminem.   Wisened after years of successful endeavors (multi-platinum albums, and multiple Grammy nods) Young Guru has recently been working tirelessly to elevate the discourse of audio engineering philosophy, science and technology, emerging onto the college lecture circuit as one of the subject’s most distinguished and dignified speakers, and further proving why he is one of audio’s most important minds and essential voices.  Traveling the country, Guru’s intellect and el... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Trailer: Meu nome é Jamil, todos carinhosamente me chamam de Jovem Guru. Sou engenheiro, DJ, e também professor. Para mim, sempre gosto de dizer que não gosto de ser fixado na ideia da mistura. Muitos de nós ficaram preguiçosos por causa da imensa quantidade de ferramentas que temos à nossa disposição para poder corrigir as coisas, limpar as coisas. Os professores costumavam dar-me os melhores conselhos em palavras curtas. Eles só diriam lixo para dentro, lixo para fora. Então, você tenta dar a melhor entrada que você pode. Isso foi ótimo. Vamos começar com um pouco de teoria. Vamos entrar em física de áudio e acústica também. Selecionando um espaço de gravação, não apenas você seleciona um espaço, mas também determina o que você vai fazer com esse espaço. Seleção de microfones e, especialmente, colocação de microfone. Multi-takes ou devo dizer camadas do som, como adicionar harmonias a certas coisas. Se falarmos sobre esses conceitos, eu sinto que apenas fazer e ter uma grande compreensão sobre o processo de gravação. 2. Compreendendo a física do áudio: Bem-vindo a esta edição da classe Skillshare. Antes de começarmos, eu queria repassar alguns conceitos básicos sobre áudio. Queria ter a certeza de que todos estavam a par, e que estamos todos a falar no mesmo nível. Então, se começarmos, acho que a pergunta básica será: “O que é som?” Basicamente, o som é um deslocamento de moléculas de ar. Se você pensar sobre isso, e não para ser muito científico, quando falamos, nossa língua realmente cria a pressão que move moléculas de ar. Uma vez que essas moléculas atingem nosso tímpano, nosso tímpano então age como o que chamamos de transdutor, e não se assuste com palavras grandes. Um transdutor é apenas algo que transforma uma forma de energia em outra. Um microfone também é um transdutor. Mas seu tímpano é o transdutor que permite ouvir. Então, uma diferença no nível de pressão sonora ou o que dizemos SPL, atinge seu tambor de ouvido e depois é transferido para um sinal elétrico, que permite que seu cérebro interprete o som. Agora, também descrevemos o som por quão rápido ou a frequência em que o som está se movendo. Então, quanto mais lento o som, menor a freqüência e menor o tom do som. A audição humana é de 20 hertz a 20 mil hertz. Novamente, não se assuste com a terminologia. Um hertz é apenas a maneira pela qual medimos o som. próprio som viaja a uma velocidade constante de 1.130 pés por segundo. Então, o que isso significa em termos leigos? Isso significa que quanto menor o tom ou menor a freqüência, maior a onda, e quanto maior a freqüência, maior o tom e menor a onda. Então, isso significa que se estou lidando com uma onda de 20 hertz, é uma onda muito grande, ou se estou lidando com uma onda de 20.000 hertz, é uma onda muito pequena. Está dizendo que você está recebendo 20.000 ondas por segundo contra apenas 20 ondas por segundo em nossas freqüências mais baixas. O ouvido humano novamente, só pode ouvir de 20 hertz a 20 mil hertz. Então, quando estamos olhando para frequências base, estamos falando sobre coisas nos anos 30, 40, 50, até mesmo às vezes nos anos 100, lidando com certos chutes e bases. Quando entramos nas frequências mais altas, estamos lidando com coisas que são como alta hertz e coisas dessa natureza que podem estar muito acima na faixa de 10.000 ou 11.000. O foco principal, ou devo dizer a coisa mais difícil de manter ou controlar, são todas as nossas frequências médias. Essas são as coisas mais difíceis quando estamos gravando porque todos os instrumentos têm essas frequências médias, e nós temos que tomar decisões sobre quem vai morar onde. Quando falamos de frequência, há também outro grande conceito que deve ser entendido, e esse é o alcance dinâmico. Quando estamos falando de alcance dinâmico, estamos realmente falando sobre o som mais suave até o som mais alto, que qualquer instrumento que estamos gravando pode produzir. Seja uma voz humana, seja um conjunto de tambores, seja uma guitarra, ou qualquer coisa que estejamos a gravar. É como o velho ditado em que dizemos, apenas uma molécula, apenas uma coisa pode preencher espaço ao mesmo tempo. Temos que abrir espaço para todos os ruídos de nível médio, sons e coisas que se apresentam em nossa gravação. Então, quanto melhor entendermos nossa faixa de frequência, melhor podemos acomodar todos esses sons. 3. Compreendendo a física do áudio (continuação): Agora, o movimento da onda seria menos importante se estivéssemos apenas gravando lá fora, mas a maioria das pessoas gravam em algum tipo de sala. Então, aprender sobre acústica é uma das maiores coisas quando lidamos com os fundamentos do som, porque temos que lidar com a forma como esse som salta da parede. Há principalmente duas coisas que podem acontecer quando o som se move. som pode refletir, o que significa que ele salta fora de qualquer superfície em que está, ou pode ser absorvido por essa superfície. Superfícies duras tendem a refletir e superfícies macias tendem a absorver. Então, quando estamos lidando com uma situação de estúdio, precisamos saber exatamente como essas frequências estão saltando das paredes, porque essas frequências saltam da parede e elas voltam e afetam nossa escuta. Infelizmente, a maioria das pessoas grava em um quarto, o que provavelmente é o pior lugar para você gravar. Por que é isso? Porque você está lidando com paredes paralelas. A maioria dos estúdios profissionais são construídos para que eles não tenham paredes paralelas, ou o que eu quero dizer com isso? Paredes perfeitamente paralelas tendem a lhe dar o que chamamos de ondas de pé. Isso é que um som pode saltar de uma parede, e saltar de outra parede, e bater um no outro, e cancelar um ao outro. Isso é na pior das hipóteses, mas na maioria das vezes em situações do mundo real, está fazendo algo ao som que lhe dará algo diferente de uma resposta de frequência perfeitamente plana. O que queremos dizer com resposta de frequência? Bem, é assim que a sala ou equipamento que você está usando afeta o som. Você vai ter espreitadelas ou treliças dentro do som que já não estava lá antes de você estar gravando nesta sala em particular. Quanto mais morto você faz o espaço, mais controle que você tem sobre a gravação real do som. Você está permitindo que menos da sala seja afetada pelo som. Você também pode estar em uma posição onde você deseja que a sala seja gravada no som. Muitas vezes vemos isso como exemplos do mundo real quando gravamos coros em igrejas particulares, porque esses quartos foram construídos para a acústica de um coro. Então, nós queremos reunir todas essas informações, ao mesmo tempo em que estamos gravando este coro, nós também queremos a sala. Conhecer o seu quarto e conhecer o seu espaço é a razão pela qual você escolhe um determinado espaço de gravação. A maioria dos lugares do tempo com tetos altos, salas amplas abertas, vão lhe dar ótimos tempos de reverberação. Muitos outros espaços que estão mais fechados lhe darão a capacidade de ter um som apertado mais controlado. Então, o que é reverberação? Reverb é, na verdade, uma hora. É o tempo que leva para o som sair para onde quer que vá, bater em algo e voltar para você. Na verdade, é o tempo que permite que nossos sentidos saibam quão grande é o espaço em que estamos. Quanto maior a sala, mais tempo vai demorar para aquele som ir a algum lugar saltar e voltar. Isso nos dará a determinação de porque dizemos: “Ok, preciso de uma reverberação de um segundo, ou dois segundos reverberação, ou três segundos reverberação.” Quanto mais tempo, em essência, é dizer que estamos em uma sala maior. Outro conceito importante quando estamos falando ondas e a maneira como o som se move é fase. Este é provavelmente um dos conceitos mais subestimados ou incompreendidos na gravação de áudio básica. Em primeiro lugar, a fase é uma relação. Você não pode ter fase com apenas uma forma de onda. Fase é a relação entre duas formas de onda. Dependendo de onde essas formas de onda estão em sua viagem e como elas se juntam pode determinar a força dessa forma de onda. Adicionar ondas é como adicionar números. É cumulativo. Dependendo se a onda está subindo ou se a onda está caindo pode afetar o som. Se eu tiver duas ondas onde elas são perfeitamente a mesma onda e uma está subindo e uma está caindo ao mesmo tempo, elas podem cancelar uma à outra. Isso é chamado de estar 180 graus fora de fase. O que isso significa? Isso significa que, em determinadas situações em que você tem mais de um microfone, seu sinal pode parecer mais fraco se você não estiver em fase adequada. Isso é algo que precisa ser verificado por todos os engenheiros quando você está gravando com mais de um microfone. A fase é extremamente importante. Também outro conceito que eu quero que você entenda completamente é o decibel. Quando falamos sobre o decibel, é assim que medimos a intensidade de um som, mas muitas pessoas novamente confundem esse número para pensar que é um número finito. Quando na realidade ele novamente, está expressando uma proporção. É a relação entre o limiar de audição e o nível de pressão sonora desse momento determinado. Então, isso é muito importante para entender quando você está recebendo esses conceitos. O número real do decibel não é um número finito, é uma relação entre o limiar de audição e o nível de pressão sonora. 4. Escolhendo um microfone: Obviamente, nosso primeiro passo em nossa cadeia de gravação será o microfone. Agora, há um mundo inteiro por si só quando falamos de microfones, mas o que eu quero lhes dar é um pouco do básico, para que você possa entender exatamente por que os microfones são feitos da maneira que eles são feitos. Quando se trata de microfone, geralmente há dois tipos de microfones. Há um microfone dinâmico e há o que chamamos de microfones condensadores. Você pode se perguntar, qual é a diferença ou você pode ter ouvido esses termos e não entender verdadeiramente o que eles significam ou o que está acontecendo. A diferença entre microfones dinâmicos e condensadores é apenas esta: um microfone dinâmico pode lidar com um nível de SPL muito mais alto. Quando falamos sobre isso, queremos dizer o nível de pressão sonora. Bem, o que isso significa na vida real? Isso significa que um microfone como este Shure SM58 pode lidar com um sinal muito mais alto do que um microfone condensador comparável. Muito do nosso entendimento pode vir de como esses microfones funcionam. Se olharmos para um microfone dinâmico, o que realmente está acontecendo aqui é que estamos criando um campo magnético. Aplicando pressão com nossa voz, estamos interrompendo esse campo magnético, que então cria uma corrente elétrica. Ao contrário da maneira como um condensador funciona onde temos duas placas que estão dentro daqui e aplicando novamente, nossa pressão de nossa voz, nosso nível de SPL é aumentado, nosso nível de pressão sonora e nós criamos um Sinal elétrico dessa forma. O que isso significa? Isso significa que se você está em pé no palco, provavelmente é melhor para você ter este Shure SM58 porque ele pode suportar a pressão, ele pode suportar o desgaste da viagem, ele pode tomar o nível de alta pressão que virá de estar em um palco. Este microfone pode não ser a sua melhor escolha porque é muito sensível para esse tipo de ambiente. Então, novamente, você não tentaria mudar sua casa em uma Ferrari mesmo que esse seja um ótimo carro, há uma razão para você comprar um caminhão. Essa é a razão pela qual você compraria este microfone. Este microfone não é apenas ótimo para vocais, é ótimo para gravar bateria, qualquer coisa que tenha um alto nível de pressão sonora, tenderíamos a ir mais com um microfone dinâmico. Agora, um microfone condensador, novamente funciona de uma maneira diferente. Temos duas placas. Uma placa está parada, uma placa está se movendo. O que isso nos permite fazer é ter todos os tipos de configurações para este tipo de microfone. O que eu quero dizer com configurações? Bem, temos algo em cada um desses microfones que são chamados de padrões polares. O que isso faz é explicar para você onde a caminhonete vai chegar para o microfone. O microfone pode ser configurado para o que chamamos de super oito, onde estamos capturando o som que está na frente e atrás, ou podemos tê-lo em um padrão cardioide, onde estamos tentando tirar as freqüências que estão na parte de trás e apenas se concentrar nas coisas que estão na frente. Também podemos ir para um padrão circular que nos diz que estamos captando sinal de todos os 360 graus ao redor do microfone. Você pode se perguntar, “Bem, em que situação ou por que eu mudaria o padrão polar?” Pode haver uma situação em que você está gravando dois cantores que querem cantar ao mesmo tempo, e às vezes pessoas que gostam de vibrar um do outro. Então, se há um cantor na frente e o cantor na parte de trás, podemos gravá-los no mesmo microfone usando o que chamamos de padrão super oito. Para nossas gravações de hoje, provavelmente usarei esse padrão cardioide porque vou ter alguém na frente e ninguém atrás. Este microfone é o que chamamos de microfone de estado sólido, que significa que este microfone realmente tem um tubo nele que permite que ele funcione. Qual é a diferença? Bem, geralmente falando, e novamente eu estou falando em generalizações, você deve sempre ouvir o microfone você mesmo para determinar como isso soa para você. Mas dois microfones tendem a ser muito mais quentes do que apenas microfones de estado sólido. Ao adicionar os dois, estamos adicionando uma espécie de calor à gravação. Então, você vai me ver usar este microfone para Don e você vai me ver usar este microfone para o nosso cantor. Por quê? Porque eu quero aquecer os vocais dela um pouco. Agora, uma das principais diferenças entre esses dois tipos de microfones é a maneira como eles são alimentados. Novamente, como eu disse, a dinâmica tem um campo magnético e esta é a maneira que ela recebe ou a maneira como ela se conduz com energia, quebrando esse campo magnético estamos enviando um sinal elétrico. Neste microfone condensador, temos duas placas. Então, em essência, o poder tem que vir de algum lugar, que nos leva a um grande conceito dentro de microfones que chamamos de poder fantasma, isso significa que a energia tem que ser retirada de outro lugar. Agora, há duas maneiras de fazer isso: podemos individualmente dar a este microfone sua própria caixa individual. Se olharmos para estes dois microfone, a caixa que está sentada aqui é a fonte de energia, mas você pode olhar e ver que este microfone não tem uma caixa direta ou fonte de energia nesta sala. O que está fazendo é usar o poder fantasma. Se você notar em sua placa ou em qualquer pré-amplificador que você tem, há um botão chamado “poder fantasma”. O que isso faz é apenas isso, ele envia energia para este microfone, que possamos então induzir um sinal. Agora, dependendo dos artistas com os quais você está trabalhando, também determinará o tipo de microfone que você deseja escolher. Na maioria das vezes, quando estou lidando com o mundo do rap, eu costumo usar um 67, e Neumann 67. Por quê? Porque é um cavalo de batalha em nossa indústria e é algo que eu praticamente aprendi o som e eu posso dizer se há algum problema. Há também um grande microfone chamado Sony C-800 que muitas pessoas tendem a amar. Isso lhe dará um som mais brilhante do que o nosso clássico Neumann, mas você pode escolher e fazer a diferença por si mesmo. vez, dois microfones vão aquecer as coisas um pouco e se tivermos níveis de super alta pressão, podemos sempre escolher uma dinâmica. Hoje, estamos dando muitos exemplos de gravação de vocais mas você pode estar em uma situação em que você precisa gravar instrumentos, e como você faria isso? Há tantas maneiras diferentes e tantas coisas diferentes que você pode fazer para capturar o som do seu instrumento favorito. Mas a primeira coisa que você pode fazer, que as pessoas negligenciam é realmente ouvir o instrumento. A forma como soa nesta sala deve ser a forma como soa naquela sala. É realmente assim tão simples. Então, na sua seleção de microfones, você está tentando imitar esse som. Você quer obter algo que capte a essência pura do que quer que seja que você está gravando. Se é bateria, você quer ter certeza de que eles soam exatamente o mesmo lá dentro. Se é uma guitarra, você quer ter certeza de que você está descobrindo onde a essência do som está vindo. Está vindo do todo ou está vindo das cordas ou você quer uma combinação de ambos? Todas essas coisas são coisas que você pode pensar quando você está gravando seus instrumentos favoritos. Além disso, uma das coisas que você quer ter em mente ao gravar seus instrumentos que eles vão ter uma faixa dinâmica muito maior do que apenas vocais. Então, você quer ter cuidado ao gravar seus instrumentos que você não definir seu pré-amplificador muito alto. Você quer ter certeza de que o sinal mais alto ainda não é cortar entrando em sua porta ou gravando se você estiver gravando dessa maneira. Então, lembre-se que, como regra geral, maioria dos instrumentos tem um alcance dinâmico muito maior do que apenas uma voz humana. Após o pré-amplificador, seu microfone é provavelmente a coisa mais importante em sua corrente, então você quer ter certeza de que você cuida deste microfone. Muitas vezes vejo pessoas pagarem todo esse dinheiro por coisas caras e depois não cuidam delas. Estes microfones são sensíveis à temperatura, você não pode derramar água sobre eles, não é bom ter muita fumaça, e alimentos e coisas assim ao redor do microfone, porque afetará o diafragma do microfone. Você quer ter certeza de que você cuidar deste microfone compreensão que esta é a chave para você ter grande gravação. 5. Configurando seu espaço de gravação: Como pode ver, estamos em um estúdio apropriado onde há espaço foi sintonizado. Tudo nesta sala é projetado para ter um quarto morto para que possamos gravar em vocais. Essa pode não ser a situação dentro do seu quarto. Se estamos em nossos quartos, então podemos pegar certos materiais que permitem que nosso quarto se torne um espaço de gravação melhor, uma das grandes coisas que foram inventadas com Goebbels. Estas coisas foram construídas para que você possa projetar e criar seu próprio espaço em seu próprio quarto, bloqueando os reflexos que naturalmente viriam de estar em um amplo espaço aberto. Nós tendemos a pensar nas paredes e nós entendemos sobre o som saltando nas paredes, mas você tem que entender que o som se move em uma esfera, não apenas em uma linha direta. Minha voz agora estava indo em todas as direções, significando que há um sinal indo para o teto, para o chão, para cada parede em todas as direções possíveis. Então, alinhando com nossa regra de que não podemos ter paredes paralelas no estúdio, essa é a razão pela qual você entraria e veria todas essas formas engraçadas no teto. O que estamos realmente tentando fazer é saltar o sinal ao redor, para que não criemos nenhuma onda parada. Então, se você estiver em uma situação em que você não pode mudar sua parede física, você pode criar algo que irá desequilibrar seu quarto. Mais uma vez, o objetivo é tirar ondas de pé. Então, as empresas criaram soluções para isso. Há muitos exemplos do que chamamos filtros de reflexão que estão no mercado hoje. Você não tem que comprar um específico, todos eles funcionam muito bem. O que isto está a fazer é tentar imitar a ideia desta sala. Você vai encontrar muitos filtros de reflexão que vão ao redor do microfone e tentar cortar qualquer reflexo que virá da sala que você está usando. Eu recomendo que você gaste um pouco de dinheiro que é preciso para comprar um desses. Vai fazer uma diferença drástica se estiver gravando no seu quarto ou em qualquer outra sala que não tenha sido tratada. Outra coisa que ainda não tocou que eu acho que é absolutamente importante para o engenheiro lembrar é o nível do fone de ouvido. O que você está tentando eliminar é o sangramento dos fones de ouvido no microfone. Estes microfones são muito sensíveis. Eles estão aqui para capturar a voz ou instrumento que você está gravando, e se os fones de ouvido estão muito altos, você vai obter o que é chamado de sangrar para aquele sinal que é muito difícil de tirar. Então, você sempre quer ter certeza de que você dá seu artista o suficiente para que ele possa ouvir a si mesmo, mas você não quer que ele esteja sangrando no microfone. Por último, um dos menores detalhes que sempre é ignorado em um estúdio é a maneira como você usa o cabeamento. Pode parecer uma coisa pequena e pode parecer a última coisa em que você vai pensar, mas acredite em mim, a maneira como você pendura o cabo vai dizer quão durável esse cabo vai ser por um longo tempo. Você não quer apertar a TV a cabo, você não quer fazer rap por aí, e você definitivamente não quer cabo por todo o chão. As pessoas tendem a tropeçar nele, e tende a ficar confuso e desordenado em um estúdio. Quanto mais arrumado você estiver com o cabeamento, mais tempo o cabo vai durar e melhor será a gravação. 6. Configurando uma sessão: Há algumas coisas que precisamos fazer antes de colocarmos o artista na cabine. Gosto de configurar a sessão para que o fluxo da sessão seja o mais rápido possível para o artista. Você não quer estar aqui criando novas faixas, configurando reverbs e coisas dessa natureza enquanto o artista está tentando criar, isso retarda o processo. Gosto de fazer todas essas coisas antes de as mandar para a cabine. Muitas vezes eu também gosto de verificar os níveis apenas para certeza de que temos o headroom adequado para a nossa sessão. Então, como você pode ver, eu importei esta faixa e quando eu toco a faixa, nós percebemos que ela está recortando. Está um pouco no vermelho. Então, o que eu vou fazer é vir aqui e talvez colocar um dos meus plugins favoritos nele só para baixar o volume. Agora estou usando o REQ6. Não importa que eu esteja trabalhando no Pro Tools, todos esses conceitos podem ser aplicados a qualquer DAW que você está usando. Agora, o que eu vou fazer é puxar isso para baixo até termos um grande nível em que não estamos atingindo o pico e indo para o vermelho. Também nos dá muito espaço para que nosso artista possa trabalhar. Muitas vezes, se você tiver o pico da faixa, não haverá espaço para o artista colocar seus vocais no topo e você vai acabar recebendo uma mistura ruim. Então você quer ter certeza de que você tem espaço suficiente para o artista ser capaz de colocar o que eles estão indo para colocar na pista. Então, depois que eu tenho um bom nível, a próxima coisa que eu quero fazer é colocar em algum auxiliar para que eu possa colocar em reverbs. Agora, o que são faixas auxiliares? As faixas auxiliares são faixas para as quais você pode enviar um ônibus. Dentro de todos os seus DAWs, há um sistema de ônibus. Pode chamar de ônibus um, ônibus dois, o que quiser. Isso permitirá que você roteie vários canais para um ônibus, e isso economiza muito poder DSP em comparação com colocar reverbs em cada pista. Este é um erro comum que eu vejo em muitas sessões de pessoas. Você não tem que colocar uma reverberação em cada faixa, o que você pode fazer é usar um reverb e buss qualquer faixa que você quiser para essa faixa auxiliar. Então, o que estou fazendo é criar, digamos, três faixas auxiliares estéreo. Vou então atribuir as entradas de ônibus para cada pista auxiliar. O primeiro é ônibus um e dois, o segundo é ônibus três e quatro, e o terceiro é ônibus cinco e seis. Eu posso então configurar minha sessão para que todas as minhas faixas vocais vão para esses ônibus. Por último, posso acrescentar vários efeitos a estes canais auxiliares. Vou selecionar duas reverberações e um atraso. Então, por que escolheríamos uma reverberação ou um atraso? Porque alguns cantores gostam de cantar com a reverberação e atrasar enquanto ouvem a si mesmos. Ajuda-os a pronunciar notas, ajuda-os a entrar no figgle da pista. Algumas pessoas gostam de secar, algumas gostam com reverberação. Como engenheiro, é melhor para você tê-lo configurado já no caso de eles o desejarem do que para você tentar adicioná-lo no meio da sessão. Por fim, depois de configurar minha reverberação, gostaria de passar por todos os canais e antes que alguém comece a gravar, nomeie cada canal. Não importa se você diz um, dois, três, se você diz verso um dois, qualquer que seja o seu sistema, é ótimo que você nomeie esses canais antes de começar a gravar. Dessa forma, seu arquivo de áudio terá o nome da faixa embutido no arquivo de áudio. Eu também gosto de nomear a reverberação para que eu saiba a diferença entre meus canais de reverberação e meus canais de áudio. O próximo passo na nossa cadeia de gravação será selecionar um pré-amplificador. pré-amplificadores são quase mais importantes do que os microfones porque a qualidade do pré-amplificador determina a qualidade do sinal diretamente. Agora, enquanto selecionamos nosso pré-amplificador, o que vamos fazer é definir nosso nível aqui. Ajustaremos dependendo do quão alto ou suave nosso vocalista fica. Mas nós queremos começar em um nível geral onde sabemos que o sinal é alto o suficiente para que vamos para o DAW sem distorcer. Distorção é a única coisa que você quer ter certeza de que você não faz. A última coisa que vamos colocar na corrente vocal é um compressor. A razão pela qual colocamos o compressor lá é apenas para pegar quaisquer sinais estranhos que podem ficar muito altos. Também queremos ter certeza de que ele não é muito mole quando estamos gravando. Então, o compressor nos permitirá ter um bom nível uniforme. Para esta gravação de hoje, selecionei o LA-2A, um dos cavalos de trabalho do equipamento de estúdio. Todas essas coisas foram replicadas em algum tipo de formulário plugin. Então, o plugin está lhe dando uma referência ao mesmo tipo de som que o componente real faria no mundo real. Eu acho que isso é uma coisa bonita para você em casa que não tem a capacidade de entrar em um estúdio como este. 7. Gravando vocais de rap: Fomos abençoados o suficiente para ter meu bom amigo Don Will do grupo Tanya Morgan aqui, e vamos usá-lo como exemplo para mostrar como colocar o microfone. A maneira mais fácil e melhor de fazer isso é pensar que você quer colocar o diafragma do microfone na frente da sua fonte de som. Essa é a boca dele hoje porque ele está fazendo rap. Então, vamos pegar o microfone, que ele se aproxime e nos certificar de que eles estão em um nível equilibrado. Ajustaremos a tela. Queremos que a tela esteja a cerca de 3 a 5 polegadas do diafragma do microfone. Isso vai cuidar de qualquer barulho que teremos enquanto estamos em nossa gravação. Sempre que você pronuncia certas palavras que têm P nelas você começa a ter certeza de estourar. Queremos ter certeza de que isso não entra em nossa gravação, que é a razão pela qual damos espaço suficiente. A tela pode ser feita de qualquer coisa. Você pode fazer um desses sozinho apenas pegando algumas meia-calça e um fio de um gancho e fazendo o seu próprio. Não tem que ser profissional, mas estes funcionam muito bem. Então, depois de fazermos esse ajuste, nós também vamos olhar para o nosso microfone e vamos fazer um rolo off que vai cuidar de todo o ruído do chão. Este microfone tem essa habilidade nele. Alguns microfones não, mas essa é outra razão pela qual escolhemos este é porque ele tem um rolo de chão sobre ele. Então, vamos nos livrar do barulho do chão que vamos obter do stand em movimento, do movimento da mão, de qualquer outro ruído estranho, vamos nos certificar de que tiremos isso de lá. Sim, acho que foi uma tomada bem ali. Tudo bem. Legal. Você quer dobrar e colocar alguns anúncios sobre ele? Sim, eu quero dobrar. Pode abaixar os vocais um pouco e a batida um pouco? Sim. Apanhei-te. Uma das coisas mais importantes para se lembrar enquanto grava é deixar o vocalista confortável. Tudo o que eles pedirem você deve tentar fazer isso o mais rápido possível. Algumas pessoas gostam da música alta, algumas gostam da música suave. Os registros vão deixar você saber e dizer-lhe exatamente como eles querem ou depois de algumas tomadas você vai começar a cair em um determinado campo. Assim como ele pediu, vou aumentar a batida e baixar os vocais. Como pode ver, Don tomou a decisão de gravar alguns anúncios. Essa é uma das principais perguntas que eu recebo muito é, Guru, quantos anúncios devo gravar, quantas vezes devo dobrar algo, e minha resposta é sempre depende do artista. Tenho alguns artistas que não fazem anúncios. Eu tenho algum artista que os anúncios são extremamente importantes porque acrescenta a textura de uma música. Então, cabe ao artista quantas libs você tem. A única coisa que eu diria, no entanto, é ter cuidado e não desordenar a pista. Muitas vezes você pode exagerar as coisas ou se há algumas coisas que precisam de um pouco mais de importância ou destaque, você pode usar efeitos. Mas adicionar mais oito da mesma coisa não vai necessariamente fazer algo mais forte. É onde você mistura essa coisa. Então, você pode fazer essa determinação dentro da mistura. Uma das coisas que eu gosto de fazer é dar diferentes libs ad diferentes sabores. A pessoa pode usar uma voz mais alta, eles podem sussurrar a faixa às vezes, apenas qualquer tipo de coisa criativa que não vai fazer a faixa soar exatamente como a outra faixa. Depende do que está tentando fazer. Às vezes você está reforçando o vocal principal, algum tempo você está respondendo o vocal principal. Use sua criatividade e use sua determinação para descobrir onde é o melhor lugar para agradar ad lib. Agora que temos ótimas tomadas, é muito importante que entenda meu processo final. Na maioria das vezes as pessoas apenas gravam música e nunca passam por cima da música e é aqui que um dos maiores erros acontece. Então, quando eu terminar de gravar, eu sempre quero trazer o artista para dentro e fazê-los ouvir fresco depois que eles fizeram a tomada apenas no caso de eles querem mudar alguma coisa ou apenas para ter certeza de que a sensação do que eles estão fazendo é o que eles realmente querem do registro. Então, eu vou jogar de volta para Don. Se há mais alguma coisa que ele queira mudar, então devemos fazê-lo agora. Então, vamos dar uma escuta. É muito bom. E quanto a esta parte aqui? Você acha que devemos adicionar alguns anúncios para compensar isso? Eu gosto sem anúncios só porque são tantas palavras, tantas palavras acontecendo lá. Eu agradeço, cara. 8. Gravando um vocal: Estamos honrados por ter a Srta. MelA Machinko. Ela tem um novo EP chamado 9am Blues. Agradecemos por ela ter parado, e vamos gravar alguns vocais só para demonstrar como lidar com harmonias e gravar cantores. Ela também vai ser gentil o suficiente para demonstrar algumas técnicas para nós, que vocês cantores possam ver a melhor maneira de gravar seus vocais. Você está pronto? Sim. Quer reverberação ou algo assim? Não. Drywall na gravação. Ok, ótimo. Certo, foi um ótimo nível, vamos fazer isso mais uma vez. Então pode ser igual. Ótimo. Você quer empilhar isso ou você quer continuar? Quero ver o gancho. Ok. Ótimo. Então eu tento dar um pouco pré rolos, para que eles possam cair em exatamente onde eles pararam. Às vezes, se você bater direto naquela seção eles não sentem uma vibração. Então, esta parte foi boa. Ok. Próxima faixa. Vamos dobrar? Sim, você me diria quantos duplos ou harmonias você quer fazer e nós vamos continuar? Então a comunicação é a chave. Agora eu sei exatamente quantas harmonias e quantas faixas eu vou precisar. Agora, enquanto estamos gravando eu estou ouvindo para verificar e ter certeza de que todas as notas estão batendo na mesma, e que ela não bateu em nenhuma nota errada, e também o momento em que eles batem para garantir que tudo soe bem. O que você ouviu antes foi ela pedir para fazer triplos, e para ela, ela me pediu para fazê-los. Então, o que vamos fazer é esta panela um para a esquerda, um para a direita, e manter um no meio. Para que agora ela possa adicionar mais harmonias ao que estamos fazendo, e possa ouvir a si mesma e ouvir de volta o que acabamos de fazer. Então você pode se perguntar, por que você precisa fazer pan-vocais? Bem, quando você pensa sobre o espectro do áudio, podemos mover todo o caminho da esquerda para a direita direita. O que isso significa é que você tem certas dicas acústicas de ciclo, e não se assuste com essas palavras. Tudo o que significa é que você pode dizer a direção de onde o som está vindo. Se você estiver na rua, você pode dizer se o está vindo da esquerda ou da direita. A mesma coisa é com a música. Você tem todo esse espectro de onde você pode colocar diferentes instrumentos e diferentes vozes. Então, é a mesma coisa que se pode imaginar gravando um coro. Todas essas pessoas não estão no mesmo lugar. Estão espalhados pelo espectro. Isso é o que você está emulando quando você desloca para a esquerda ou para a direita ou em qualquer lugar entre eles. Você está fazendo um spread para que pareça ser mais de uma pessoa, ou seja, estamos pegando suas harmonias, e espalhando-as para fora, colocando-as em posições diferentes para que todo o coro soe muito cheio. Então, vamos tentar a primeira harmonia. Soou bem. Vamos experimentar um segundo. Como você também vê, enquanto ela estava gravando aquela tomada, eu aproveitei o tempo para agrupar o primeiro grupo de vocais. A razão pela qual você pode querer fazer isso é como nós adicionamos mais harmonias ela pode me pedir para puxar algo para cima ou empurrá-lo para baixo, dependendo de qual harmonia ou qual nota principal que estamos falando. Se você agrupar esses três, é muito mais fácil e muito mais rápido para você ajustar isso enquanto o cantor está cantando. Novamente, neste momento em nossa gravação, o que estamos tentando fazer é deixá-la o mais confortável possível, e facilitar a gravação o mais rápido possível. Então, vamos tentar a próxima harmonia. 9. Finalizando a gravação: Isso foi ótimo. Quer fazer a terceira vez? Sem problema. Eu vou para o um pouco antes disso. Como você gosta dessa? Isso foi ótimo. Outra coisa importante é ter certeza de que sempre que alguém está batendo em que eles saibam onde eles estão entrando, uma comunicação muito pequena como essa pode poupar muito tempo. Às vezes artistas estão se apresentando, e há coisas repetitivas por toda a música. É sempre bom como engenheiro deixar o vocalista saber exatamente onde eles estão na música. Mais uma vez, esse pouco de comunicação vai muito longe. Parecia ótimo. Agora, eu provavelmente vou falar sobre isso um pouco mais, e isso é outro ponto. Você pode olhar para o meu ônibus estéreo agora, e ver que às vezes ele atinge o vermelho, mas isso é na verdade nossa saída porque esses vocais são um pouco mais altos do que eles vão realmente ser quando os misturarmos na faixa, Mas nossa principal preocupação agora é que nossa cantora possa ouvir exatamente o que ela está fazendo em cada nota. Assim que terminarmos, faremos uma mistura, mas o objetivo principal agora é garantir que ela possa ouvir cada nota. Então, o que eu normalmente faria é ter a nota principal em um nível, e então ter os fundos um pouco abaixo disso, e como ela começa a adicionar camadas, eu vou começar a falar e misturar isso enquanto ela está gravando uma nova fita. Outra coisa que você vai notar, e nós somos abençoados hoje porque nós temos um grande cantor é se você assistir o movimento do cantor, pessoas reais que são profissionais que sabem o que eles estão fazendo sabem como controlar o seu corpo, bem como a sua voz. Há muitas vezes em que os cantores vão para notas altas. Acho que Patti LaBelle foi uma das melhores nisso. Você a veria de volta do microfone porque ela sabe que está tocando uma nota alta. Estas são técnicas que você aprende ao longo do tempo. Às vezes é difícil lidar com cantores que não sabem disso, mas como engenheiro, mais você sabe sobre técnicas vocais, mais você pode ensinar seu cantor. Nem todo mundo tão experiente como o que temos aqui hoje, mas você pode ensinar quem você precisar para ensinar todas as técnicas vocais que você pode obter a melhor tomada a melhor gravação. Só porque estamos lidando com cantar não acho que também há técnicas para rap. Uma das minhas maiores piadas de estimação é que a maioria dos rappers escreve suas rimas e, em seguida, imediatamente quer dizer a rima antes de memorizar a rima, mas memorizar a rima permite que você enfrente o microfone versus segurar um pedaço de papel e olhando para a direita. Isso naturalmente tira sua boca da zona de estar diretamente no microfone. Isso é algo que você quer corrigir. Então, é sempre melhor se você pode memorizar sua rodada primeiro. Ele ajuda você com seu fluxo, ajuda você com tantas coisas diferentes, mas do ponto de vista técnico, é sempre melhor ir diretamente para o microfone. Agora, novamente, você pode ter uma situação em que você tem um grande cantor que está apenas nervoso ou não é tão experiente em estar no estúdio. Há uma coisa maravilhosa que acontece quando você vai ver alguém cantar em sua igreja e parece ótimo, mas eles ficam um pouco nervosos quando ficam atrás de um microfone. Há um monte de técnicas que você pode usar. O que você quer fazer é acalmar seu artista. Você quer fazê-los se sentir o mais confortável possível. Você não quer necessariamente dizer a eles o tempo todo, hey que foi uma tomada horrível. Você quer encorajar e chegar ao ponto do que você está tentando chegar sem desencorajar o cantor. Então, a melhor coisa a fazer é deixar o cantor confortável. Talvez às vezes seja uma xícara de chá, talvez às vezes seja hey você precisa de cinco minutos para ir comer ou talvez às vezes você deve fazer uma pausa e vir, e ter essa pessoa aperfeiçoar o que está tentando fazer na parte do estúdio antes que eles realmente vão e fazê-lo no microfone. Qualquer coisa que você pode fazer que pode acalmar o artista para dar o melhor desempenho é o que você quer fazer ao obter as melhores tomadas vocais. A maioria dos cantores, quando cantam, vão fazer uma nota principal e uma série de harmonias. O que isso realmente significa? Bem, há uma nota principal que eles escolhem que será o núcleo do refrão ou dos versos ou o que quer que seja que eles estão cantando, mas eles também querem escolher outras notas que vão junto com a nota principal que eles vão então adicionar para que possamos engrossar o coro. Novamente, é algo que vai fazer parecer que há muitas vozes cantando e se eu soar esta nota principal, vamos ouvir isso. Se eu tocar essa mesma seção com o próximo grupo de harmonias, você pode ouvir que ela foi um pouco mais baixo, e se eu jogar com o próximo grupo de harmonias, podemos obviamente ouvir que ela subiu mais alto. Toda essa combinação faz o refrão soar cheio. A última coisa que eu gosto de fazer é passar e limpar a sessão. Novamente, isso não é uma coisa obrigatória. Esta é apenas uma recomendação que eu estou dando a vocês que quanto mais limpa sua sessão ou mais fácil é olhar visualmente para o que está acontecendo permite que você ou qualquer outro engenheiro que vai usar a sessão para saber onde as coisas estão. Então, eu vou passar e apenas tirar um monte de áudio estranho. Se houver um longo intervalo de silêncio, gostaria de tirar isso. Dessa forma, você não precisa conectar as coisas, você não precisa fazer nada além de deixar o áudio tocar onde quer que ele esteja. Limpar a sessão é uma das coisas mais negligenciadas. Espero que tenham gostado desta aula de Skillshare. Tentamos dar-lhe alguns dos conceitos básicos, e um pouco do avançado em como fazer uma grande gravação. Mas novamente, no geral, tenha uma coisa em mente: seus ouvidos e o que você ouve são a melhor determinação de sua gravação. Certifique-se de que as coisas não estão muito barulhentas, certifique-se de que não estão distorcidas entrando no DAW e certifique-se de que recebe o sinal mais limpo possível. Novamente, o lixo entra, o lixo sai. Este é o Jovem Guru. Espero que gostem desta Skillshare. Fique ligado para o próximo.