Aprenda a remixar músicas com Young Guru | Young Guru | Skillshare

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Aprenda a remixar músicas com Young Guru

teacher avatar Young Guru, Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

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Aulas neste curso

7 aulas (53 min)
    • 1. Apresentação

      1:15
    • 2. Organizando uma mixagem

      6:43
    • 3. Determinando os níveis

      10:31
    • 4. Adicionando efeitos: equalizador

      13:15
    • 5. Adicionando efeitos: reverb

      6:33
    • 6. Adicionando efeitos: compressão

      9:05
    • 7. Balanço tonal

      5:32
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

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29.730

Estudantes

150

Projetos

Sobre este curso

Da organização de uma mixagem à adição de efeitos, aprenda com o melhor.  Acompanhe o lendário produtor e DJ indicado ao Grammy, Young Guru, para aprender o básico sobre a engenharia de áudio. Você vai conseguir criar o som que quer ouvir em sua música.

Nota de Young Guru

Mais do que todos os outros meios, a música parece ser o mais pessoal e vital para a nossa existência. À medida que sua influência e importância continua a crescer na forma como os seres humanos interagem, se conectam e celebram a vida juntos, assim também cresce a importância de entender a arte da engenharia de áudio. É por isso que decidi me aventurar na educação e montar este curso na Skillshare.

Tive o prazer de trabalhar com as curtidas de Jay Z, Eminem, Beyonce e inúmeros outros artistas brilhantes em toda a minha carreira.   Enquanto continuo a aprimorar minhas habilidades, estou animado para compartilhar com vocês alguns dos conhecimentos e técnicas que acumulei durantes todos esses anos de profissão.

Este curso da Skillshare é composto de quatro seções, que incluem vídeos e materiais exclusivos divididos nas seguintes aulas:

  • Organizando uma mixagem — aprenda a usar os componentes básicos para fazer a sua própria mixagem, que inclui a Digital Audio Workstation [DAW], as faixas e os controles, e a organizar de forma mais otimizada as informações e as ferramentas de áudio para realizar a tarefa
  • Determinando os níveis — como organizar os níveis de acordo com a visão do artista para a música
  • Adicionando efeitos — como trabalhar com os efeitos básicos (phaser, amplificador, reverb e delay) e também criar espaço negativo ou blend/fade quando apropriado
  • Balanço tonal — como reconhecer quando você atingiu o balanço tonal

Teremos um arquivo de áudio bruto para download, assim todo mundo poderá fazer a mixagem em conjunto e trabalhar no mesmo nível durante todo o processo. No entanto, para o projeto do curso, você pode usar uma música que você mesmo criou.

— Young Guru

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Teacher Profile Image

Young Guru

Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

Professor

Throughout his illustrious, decorated career, Gimel “Young Guru” Keaton has resoundingly earned his reputation as one of the most renowned recording and mixing engineers in music today , having worked with artists such as Jay-Z, Beyonce, Rick Ross, Drake, T.I., and Eminem.   Wisened after years of successful endeavors (multi-platinum albums, and multiple Grammy nods) Young Guru has recently been working tirelessly to elevate the discourse of audio engineering philosophy, science and technology, emerging onto the college lecture circuit as one of the subject’s most distinguished and dignified speakers, and further proving why he is one of audio’s most important minds and essential voices.  Traveling the country, Guru’s intellect and el... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Apresentação: Meu nome verdadeiro é Jamil Keaton. Sou conhecido como Jovem Guru. Sou engenheiro musical, produtor e também DJ. Estamos aqui hoje porque eu quero dar algumas noções básicas sobre como misturar discos, como fazer seu disco soar pelo menos para um nível profissional por causa do fato de que você pode acabar com US $200, e comprar a mais recente doca, e Acho que você é um engenheiro de gravação depois de lançar alguns sinais lá dentro, e essa é uma das maiores coisas sobre aprender é que, eu aprendi debaixo de outra pessoa. Muitas crianças de hoje não têm acesso a esses lugares. É uma situação em que os lugares onde você vai para obter essa informação estão lentamente, mas certamente morrendo. A gravação costumava ser uma arte negra porque era passada de boca a boca. Sim, há ciência nisso, mas as coisas que tornam os engenheiros especiais eram coisas que foram passadas para eles. Então, essa é a razão completa para que precisamos pegar essa informação e disponibilizá-la ao público, que a forma de arte não morra. 2. Organizando uma mixagem: Está bem. Então, em nossa primeira lição, vamos começar por onde eu começo dentro da sessão, que é organizar a sessão. Acho que muitas pessoas ignoram esse fato. Organizar sua sessão é uma das principais coisas que permitem que você tenha um ótimo fluxo de trabalho. Se você está puxando músicas, especialmente músicas que você não gravou, é muito mais fácil se você começar a rotular tudo e começar a mover arquivos de áudio para que as coisas comuns fiquem juntas. Eu não acho que possa ser exagerado o quão importante é aprender o seu DAW. Neste momento, estou a trabalhar dentro da Logic, mas podes transferir isto para qualquer DAW que quiseres. Mas a parte importante é que você deve aprender a trabalhar seu DAW. Eu sei que as pessoas têm seu DAW, e eles queriam ir direto para fazer música. Mas um desses domingos apenas acordar, começar a ler o manual, há muitas coisas online que você pode ir e assistir sobre como realmente operar seu DAW. Você não quer estar no meio de tentar fazer uma mistura e descobrir como operar o DAW ao mesmo tempo. É uma das coisas importantes que torna um engenheiro de mixagem melhor do outro engenheiro que ele fique a par de entender como operar o DAW. Como você pode ver, eu escolhi Superstition como um exemplo para a música porque eu queria ficar com algo que tinha muitos dos elementos clássicos do que você iria ouvir uma música. Além disso, eu queria construir a partir de uma bateria ao vivo faixas que você pode ouvir exatamente o que acontece quando você está gravando microfones. Muitas vezes, quando estamos lidando com, digamos, música eletrônica, as pessoas estão tão acostumadas a ouvir apenas um solo, o chute ou uma armadilha solo, mas isso normalmente não acontece na realidade. Quando você tem microfones configurados, você vai ter sangramento e você vai ter outros sons que estão envolvidos dentro desse som não importa o quão bom seu posicionamento do microfone é. Então, há certas dicas e técnicas que são diferentes para lidar com o sangramento de sons ou determinar como você quer usar esse sangramento. Às vezes, o sangramento é bom quanto à plenitude de uma canção. Então, essa é outra razão pela qual queremos nos concentrar neste material aqui. Então, quando eu puxei esta sessão hoje, imediatamente, a primeira coisa que eu fiz foi puxar um arquivo de áudio. Quando eu olhar para esses arquivos de áudio, eu vou ver que eles têm praticamente todo o comprimento da música. Não há muitas coisas repetidas aqui ou não há um monte de loops aqui. Então, vou começar a alinhá-los e ver o que tenho. Mas eu acho que a primeira coisa que você deve fazer é puxar todos os seus faders e ouvir sua música. Isso é importante para que você possa começar a sentir o que você deveria estar fazendo. Quando você está misturando um disco, nunca se esqueça que a emoção do disco e a qualidade do que você está tentando trazer para fora vai ser feito pela emoção do registro. Então, descubra o que o artista está tentando dizer, onde o disco está tentando ir, e quando você ouvir isso, comece a descobrir um plano de ataque de como você vai misturar o disco. Então, a primeira coisa que eu faria, seria trazer os faders para cima e depois ouvir o disco. Enquanto toco uma música, tento perceber a forma como certos instrumentos tocam uns dos outros. Qual é o arranjo da música? Quanto tempo leva para chegar a cada parte? Que espectros de frequência estão a encher? Então, a primeira coisa que eu noto é que há um duplo na liderança, e talvez eu resolvendo as coisas para descobrir como eles soam. Então, obviamente, esta é a nossa primeira pista e há uma pista dupla para como pano de fundo. Como você pode ver, eu passei e rotulei todas as faixas aqui, também extremamente importantes. Quando você está no meio de uma sessão, você não quer ver o áudio um e o áudio dois e o áudio três. Isso é bom para o arquivo real, antes de sua faixa você deseja nomeá-lo para que você saiba o que é. Enquanto eu estava passando por essa música, eu notei que há guitarras, há palmas, há chifres, há baixo, e depois há tambores. É uma música clássica com instrumentos clássicos. A maneira que eu misturo é que eu gosto de colocar todos os meus tambores para a esquerda. Então, isso não importa de começar com um kit de bateria ao vivo ou um kit de bateria eletrônico. Eu gosto de começar com o chute, a armadilha, o chapéu alto, então eu vou adicionar todas as coisas percussivas e depois terminar com as despesas gerais. Isso me permite ver visualmente o que está acontecendo dentro da sessão e manter tudo organizado. Outra ótima dica para organizar sua sessão é às vezes você terá faixas que terão partes em apenas uma parte da música e estarão em branco para uma grande parte do resto da música. Tomemos, por exemplo, o nosso vocal de fundo aqui. Vemos que em partes da música , não está na música. Às vezes, é uma ótima idéia passar e retirar o arquivo de áudio nessa parte específica da música. Dessa forma, você se certifica de que não tem cliques e pops estranhos ou apenas ruído estranho dentro de sua mistura. Então, uma dessas coisas que é ótimo em trabalhar na era digital é que podemos remover completamente as coisas. Dessa forma, não temos que nos preocupar tanto com gating ou comprimir algo naquela área em particular. Nós podemos simplesmente apagar o arquivo de áudio completamente e também visualmente, ele nos permite saber que não há nada tocando durante essa seção. Então, eu entrava aqui e eu basicamente cortava esse pequeno pedaço de áudio em branco para me dizer que nada vai tocar durante essa parte. Novamente, é apenas uma coisa de organização para mim, não é completamente necessário, mas torna minha sessão muito mais fácil para mim trabalhar visualmente. Então, novamente, só para resumir tudo, quando obtemos nossa mistura, o mais importante é organizar a pista. Então, começamos a rotular cada canal para que saibamos o que é. Começamos a organizá-los da esquerda para a direita. Eu gosto de começar com bateria, você pode começar com o que quiser, há absolutamente nenhuma regra o que a organização é, é fundamental e primordial. Então entramos e tentamos tirar qualquer barulho estranho que não precisamos. Às vezes há uma cadeira no fundo, às vezes um DAW bateu, qualquer coisa pode acontecer. Passamos e garantimos que tiramos esses barulhos, para que quando nos focamos sonicamente no disco, não estejamos limpando o disco de barulhos estranhos. 3. Determinando os níveis: Então, à medida que avançamos para a nossa segunda parte, isso está realmente se tornando a parte principal da mistura. É aqui que conseguimos o equilíbrio para cada uma das faixas. O que tentamos fazer é ouvir cada faixa e vamos entrar e vamos conseguir um equilíbrio inicial só para ver o que parece no lugar certo, então vamos passar e tentar melhorar cada um desses sons para chegar onde queremos. Então, normalmente, eu começaria com os tambores. A razão é porque os tambores ocupam o alcance mais dinâmico em uma mistura. Estás sempre preocupado com o teu autocarro estéreo. Seu barramento estéreo é onde todos esses sons são somados, e se esse barramento estéreo é muito alto, então você vai começar a obter distorção. Como estamos trabalhando em um reino digital, nosso máximo é zero. O fader lerá zero e começaremos a cortar. Isso é o que você não quer. Queremos ficar fora do vermelho e queremos ficar longe de atingir zero. Então, eu vou começar com minhas coisas mais altas primeiro para ter certeza de que eles são os mais controlados que normalmente são os tambores. Então, vou começar a aumentar o pontapé. Comece a adicionar a armadilha. Enquanto eu estou ouvindo isso, eu estou apenas tentando obter um nível geral de onde eu vou colocar tudo na minha música. Este é o microfone. Uma das melhores dicas que posso dar é que eu faço isso livremente, não prestando atenção completamente ao ônibus estéreo em um determinado momento, agora é sobre sentir. Porque uma vez que eu tenha a sensação adequada de onde essas coisas devem estar, eu sempre posso agrupá-las e puxá-las para baixo na minha mixagem para que os níveis de áudio não sejam recortados. Neste momento, estamos preocupados com a relação entre um instrumento e o próximo instrumento na mistura. Então, eu vou continuar a minha música adicionando em tudo. Vou começar com esta guitarra, adicionar a próxima guitarra, e também estou a pensar em panning enquanto estou a fazer isto. Estou descobrindo os lugares onde eles vão se sentar dentro da nossa mistura. Para aqueles de nós que não entendem panning, é muito fácil de explicar. Você tem uma orelha esquerda e uma orelha direita, som pode ir todo o caminho da orelha esquerda para a orelha direita e ser colocado em qualquer lugar nisso. A maneira mais fácil de pensar nisso é pensar em uma orquestra. Quando você se senta e assiste a uma orquestra você coloca pessoas no palco por uma determinada razão. Você tem as violas todo o caminho até aqui para a direita, movendo-se para chifres, movendo-se para outras cordas como violinos e então essa é a razão pela qual nós temos todas as coisas de percussão e baixo no meio do poço é porque isso fica diretamente no meio da sua mistura. Então, é muito fácil visualizar onde as coisas estão em seu espectro visualizando uma orquestra, é assim que eu faço. Eu acho que onde eu colocaria essa pessoa no palco. Uma das maiores dicas que eu posso dar a vocês e um dos maiores erros que eu vejo em muitas misturas de pessoas, é que eles só pensam sobre a esquerda para a direita quando eles pensam em panning. Panning não é apenas da esquerda para a direita, é também pensar sobre onde frente para trás essa pessoa está sentada no palco. Mais uma vez, usaremos o exemplo de uma orquestra. Quando uma orquestra se senta, o melhor jogador se senta na frente, isso é chamado de primeira cadeira. Isso significa que você o público vai ouvir primeiro o melhor jogador porque eles estão sentados mais perto de você. Então, você começa a colocar os jogadores atrás dessas pessoas e eles são mais removidos. Então, eles devem soar mais removidos em sua mistura e nós vamos começar em como mover as coisas de frente para trás. Mas, por enquanto, vamos nos preocupar sobre onde vamos colocá-los em movimento sábio da esquerda para a direita, estas são decisões que estamos tomando enquanto estamos recebendo o nível inicial. Então, para essa guitarra, eu movia essa guitarra um pouco para a direita como se meu guitarrista estivesse sentado um pouco à minha direita. Outro grande truque é dobrar uma guitarra e colocá-lo no lado oposto de qualquer outra guitarra que você tem lá dentro. Uma das coisas que procuramos em uma mistura é o equilíbrio, não queremos que tudo fique inclinado para um lado e não queremos que tudo seja pesado com frequência em um ou outro lado. Então, tentamos equilibrar onde colocamos diferentes instrumentos para torná-lo interessante para o ouvinte. Como você pode ver esta guitarra é mais para a direita, há guitarras mais brilhantes mais para a esquerda. Então, agora temos a imagem estéreo que estavam entre esses dois. Também com nossos tambores, quando nos sentamos em um kit de bateria, podemos visualizar exatamente onde os tambores devem ir. Há duas perspectivas ao misturar um kit de bateria. Você quer misturar a partir da perspectiva dos bateristas? Significando que tudo vai olhar do jeito que ele olhou para o baterista sentado lá, ou você quer fazer a partir da perspectiva do público? O jeito que parece para o público. Então, na maioria das vezes, quando um baterista se senta, a sua tarola está do lado esquerdo e a tarola deve mover-se para o lado esquerdo da sua mistura para replicar o som exato que o baterista iria ouvir. Vou misturar esta música do ponto de vista do baterista. Então, isso significa que eu moveria minha armadilha um pouco para a esquerda e eu moveria meu chapéu alto um pouco para a esquerda, e eu manteria o pontapé no meio porque é exatamente onde o baterista ouvia. Agora, eu tenho um efeito de guitarra. Este efeito de guitarra está refletindo nossa segunda guitarra então eu vou mover isso para coincidir com a posição exata da guitarra também. Nesta música, é óbvio que o clav é provavelmente o instrumento mais importante da música. Então, vamos descobrir lugares diferentes para colocar essa clav. Mas, como podemos ver, nosso engenheiro gravou quase cinco clavas diferentes. Então, podemos colocar o clav em vários lugares diferentes para que pareça extremamente cheio. Esta primeira clav eu vou trazer para cima e eu vou passar um pouco para a direita, e eu vou ter esta próxima clav imitar a mesma coisa. Então eu vou pegar essas outras três clavs e trazê-los para cima e equilibrá-los para fora do outro lado, também tendo em mente que eu já coloquei uma guitarra desse lado para que eu não quero que ela esteja exatamente no mesmo lugar que a guitarra. Quero que pareça que pessoas diferentes estavam sentadas em lugares diferentes dentro da banda, é por isso que as movemos para posições diferentes. Agora, durante todo este processo eu também estou tendo em conta quando certas coisas tocam na música. É importante entender que o equilíbrio pode ser jogado fora se um instrumento estiver em uma seção da música. Então, você descobre quais são seus principais instrumentos e isso ajuda a decidir onde você quer colocá-los em nosso espaço de onde estamos deslocando esses instrumentos da esquerda para a direita. Muito importante ao colocar a base, você quer verificar a relação entre a bateria e o baixo. Esta é provavelmente a relação mais importante quando se trata da fundação do registro. Por enquanto, para tornar mais fácil para mim ver, vou mover a base para onde estão os tambores. Então, se eu sozinho apenas o chute, a armadilha e a base, eu posso começar a entender esta relação um pouco melhor. Sempre tendo em mente que queremos sentir o baixo e queremos o baixo nos atinja tipo do que eu chamo no peito, mas não queremos que o baixo ultrapasse o tambor. Esse é outro grande erro chave que eu vejo com as pessoas, é que eles permitem que a base para ultrapassar os tambores e, em seguida, eles começam a empurrar os tambores para cima para ter um ataque mais forte. todo o tempo, você tem que ter em mente que você tem uma quantidade limitada de espaço dentro do seu barramento estéreo. Então, não é sempre sobre empurrar o baixo, é sobre obter uma ótima relação entre o baixo, o chute e a armadilha e , em seguida, colocar tudo o resto em torno disso, é muito importante. Comece a adicionar os chifres. Agora, que eu tenho um relacionamento com a música, vou começar a me concentrar nos vocais, e voltar ao início. Eu gosto de começar a música desde o início para que eu possa ter uma idéia de onde eu estou indo na música. Então, vou começar com o vocal principal. Vou esperar que isso entre. Mas enquanto estamos esperando, ainda estamos reconhecendo em que nível o resto de tudo está para que quando o vocal entrar, tenhamos uma maior compreensão de onde isso precisa estar. Como você pode ver, o vocal é baixo e isso significa que vamos ter que fazer algum processamento em direção ao vocal, mas pelo menos eu sei disso agora. Este processo inicial só para eu sentir a música. Depois que eu colocar na minha liderança, eu vou colocar o anúncio lib. Agora, eu praticamente tenho toda a pista dentro Mais uma vez, vou descer e ouvir a música do começo ao fim para ter certeza de que a sensação ainda está lá. Agora, eu tenho uma idéia geral da música e relativamente onde eu quero colocar todos os meus instrumentos e os níveis desses instrumentos e eu já ouvi a música o suficiente para agora ter uma ótima sensação para a música. O que nos permitirá levar à nossa próxima lição, que será começar a adicionar plugins e efeitos aos instrumentos. 4. Adicionando efeitos: equalizador: Agora temos um equilíbrio geral para os nossos níveis, o que queremos fazer é começar a passar e adicionar efeitos no EQ. Este é realmente o coração da mistura. Então, o que eu vou fazer para tornar isso fácil para você é eu vou pegar um dos meus plug-ins favoritos que é o plug-in SSL, e eu vou colocá-lo em cada uma dessas faixas. Então, o que eu estou fazendo é que eu estou realmente pegando o que seria a faixa de canal deste SSL e aplicando-o a todos os canais em forma de plugg-in. Então, eu vou entrar aqui, eu vou selecionar a minha categoria de ondas, e eu vou até aqui para onde ele diz SSLG. O que isso faz é colocar um desses SSLs em cada um dos meus canais, então agora eu posso começar a EQ cada um deles separadamente. Então, o que eu vou fazer é começar de novo com meu chute e eu vou começar a equacionar o chute para chegar mais perto do equilíbrio tonal que eu quero. Às vezes, quando você está selecionando como você quer que o chute soe, você precisa decidir se vai ser um chute wuffy, um chute punchy, ou um chute subby. Ao descrever essas coisas diferentes, é realmente dizer em que frequência eu vou me concentrar. Muitas vezes, quando dizemos “punchy”, queremos dizer em torno da categoria 200 Hertz. Quando dizemos subby, queremos dizer em algum lugar em torno da categoria 50 ou 60 Hertz. Deve haver em geral linguagem geral que quando um artista ou produtores que falam com você pode traduzir essa língua em frequências. Então, quando eu tocar isso, agora como você pode notar, o microfone está pegando um pouco na extremidade inferior desta armadilha. Então, uma das coisas que eu gosto de fazer é pegar o pontapé. Então, estou ouvindo apenas o pontapé. Quando estou correndo, quero ter certeza de que tenho meu limite alto o suficiente. Que o kicker ainda está chegando, mas nada mais está passando. Agora, nada está a passar. Então, eu vou me afastar um pouco para ter certeza que meu chute está lá. Então, meu chute está chegando, mas o tempo de liberação não é suficiente, então eu estou recebendo o chute inteiro. Então, aumentando o tempo de liberação, estou aumentando a quantidade de liberação do chute que você está ouvindo. Então vou começar a fazer o QE. O que eu gosto de fazer, é virar o caminho mais para cima, e varrer essas frequências. Assim eu posso começar a ouvir o ponto ideal de onde está o pontapé para estar. Vou dizer bem ali e depois vou recuar um pouco até chegar exactamente onde quero. Isso soa bem ali. Agora, em algum momento com bateria ao vivo, você vai querer adicionar algo ao tambor para que seja equivalente à música que você ouve hoje. Muitas vezes no rádio você ouve coisas que são feitas através de sintetizadores, você ouve coisas que são feitas através de máquinas de batida e você quer ter algo se você está tocando música ao vivo que é equivalente a que quando ele toca contra os outros registros. Então, às vezes isso é impossível apenas a partir de instrumentos acústicos. Um dos truques que aprendi, é enviar o chute através do que chamaríamos de onda senoidal. Então, enquanto eu entro na minha porta. Eu vou e vou mandar este chute para o ônibus 1. Agora, nossos ônibus, nos permitem enviar o sinal para qualquer lugar que quisermos. Temos uma quantidade limitada de ônibus por dependendo do sistema que você tem, mas dentro da maioria dos dawes, Temos ônibus suficientes que podemos busto para qualquer coisa que queremos. Então, se eu entrar em meus efeitos de áudio. Vou até aqui para onde diz utilidade, e tenho um oscilador de teste. Tudo o que vou fazer é criar um tom de baixa frequência. Tocar música ao vivo, se for tocada por si só. Depois do nosso oscilador, vou colocar um portão e o que vou fazer é usar o chute como o que chamamos de entrada da chave para o portão. Então, tecnicamente, o que isso está fazendo? Um portão, como vimos no nosso pontapé, é algo que só permite que níveis acima do limiar passem. Fica fechado quando um sinal atinge o limiar, abre o portão. Então ouvimos o som, e depois fechamos o portão. É por isso que chamamos de portão. Então, o que estou fazendo é colocar uma subfrequência embaixo deste portal. Estou usando o chute para abrir e fechar o portão. Assim, permitindo-nos ter um fundo mais pesado para o chute. Então, como você pode ver aqui, se eu rolar para baixo, criei uma faixa auxiliar que tem exatamente isso. Tem um oscilador de teste e um portão de ruído debaixo dele. Vou aproximar isto do meu pontapé e vou ligar para este submarino. Mais uma vez, tentamos manter-nos organizados. Então, se eu ativar isso, agora só soa como uma onda senoidal básica. Certo? Muito chato, posso varrer as frequências e criar qualquer onda que eu quiser. Esta é na verdade uma onda senoidal Eu posso criar ondas quadradas o que eu quiser. Mas escolhemos uma onda senoidal, porque nos dará o melhor submarino. Então eu vou adicionar um portão de ruído. Você vai notar agora que isso está desligado, que você ainda ouve a onda senoidal. Mas se eu adicionar isso, e meu limite é alto o suficiente, agora eu não ouço essa onda. Então, a idéia é que o pontapé entre e abra este portão para que possamos ouvir a onda. Você vai notar que se eu puxar meu limiar para baixo, abaixo de oito menos, podemos ouvir a onda. Se eu empurrá-lo para cima, ele é cortado. A chave para isso, é atribuir o chute como a entrada da cadeia lateral. A entrada da cadeia lateral é nesta área aqui. Se eu descer, e eu selecionar faixa um chute. Agora, isso se torna minha corrente lateral. O que vai fazer, é permitir que os portões se abram cada vez que o pontapé bate. Então, se eu voltar e jogar nosso chute original, como você pode ver agora, em nossa sub-pista, o chute está acionando o portão. Às vezes você tem que ajustar o limite, mas se eu levar isso agora, você vai ouvir a diferença. Agora criamos um fundo para o nosso chute que podemos misturar com o chute, e dar-nos mais controle sobre o som e a batida do chute. Novamente, você pode ter que ajustar o limiar em seu portão, se você trazê-lo todo o caminho para baixo, vai soar como nossa onda senoidal normal. Você quer encontrar esse lugar, é bem ali onde o chute e o submarino estão batendo ao mesmo tempo. Podemos encontrar um bom equilíbrio para os dois e tratá-los como um som, agrupando-os. Agora que temos o equilíbrio entre o chute e o submarino, posso começar a adicionar o resto dos meus sons, mas agora com o processamento neles. Então, eu adiciono o meu laço. Minha armadilha poderia usar um pouco mais de toque. Vou começar a adicionar a base, espaço pode querer subir um pouco e novamente queremos verificar a nossa relação com a base, o chute e a armadilha. Muitas vezes, a base e o pontapé vão batalhar dentro da música por faixa de frequência. Então, uma das coisas que eu gosto de fazer, é ir abaixo da frequência que mostra para o chute e aumentar isso na base para encher o resto do espaço. Então, eu vou voltar e eu vou olhar, e dizer “Ok, bem, eu encontrei 177 Hertz no pontapé então eu quero ir abaixo de 177 Hertz na minha base.” Digamos que eu vá por volta dos 80. Vou começar a aumentar isso na base. Eu também vou no nosso intervalo médio, só para dar um pouco mais de soco. Vou adicionar nossas despesas para os tambores, e vamos manter isso no meio. Como você pode ver, isso nos dá muito mais dos símbolos e as altas adições do kit de bateria. Outro grande truque que usamos ao longo do ano, é pegar as despesas gerais e comprimê-las pelo que chamamos de esmagamento. Isso só significa compressão pesada. Então, eu posso definir minha taxa de compressão para cerca de cinco. Tenha um bom lançamento de cerca de 0,2. Eu vou subir alto no meu limiar ou devo dizer baixo no meu limiar, eu estou trazendo o limiar para baixo para que ele agarre todos os sons, eo que isso faz é que ele aperta a sobrecarga juntos o que me dá um melhor geral sentindo os tambores. Ele vai permitir que meus símbolos para ser brilhante e também irá adicionar um pouco mais de um fator de colagem para o chute e a armadilha. Porque lembre-se que as despesas gerais são um ou dois microfones que estão capturando todo o kit. Mais uma vez, vou começar a adicionar as minhas guitarras. Agora, uma coisa importante a lembrar é que uma guitarra provavelmente estará seca, que é a nossa guitarra direta. Outra guitarra provavelmente será a gravação do efeito ou o gabinete da guitarra. Sendo que estamos trabalhando em uma porta, você está livre para pegar essa guitarra e colocá-lo em qualquer armário que você quiser. Depois da minha guitarra, eu quero adicionar as palmas e neste ponto, é ótimo para mim começar a prestar atenção ao meu ônibus estéreo. Porque agora estou recebendo níveis de equilíbrio reais que estão começando a ultrapassar, ou ficar um pouco perto do vermelho dentro do meu ônibus estéreo. Então, eu vou agrupar tudo isso e apenas puxá-los para baixo. Como você pode ver isso salva meu ônibus estéreo, mas mantém todos os instrumentos na mesma perspectiva relativa de um relacionamento com o outro. Lembra-te que não estamos a mudar a nossa mistura, o que estamos a fazer é dar-nos mais espaço. Então, que não estamos estourando nossa mistura. Então, em essência, teremos a mesma mistura com melhor espaço de cabeça que ou seja, nos dará uma melhor qualidade de áudio. Mais uma vez, dirigir seu ônibus estéreo é a maneira mais rápida de chegar à distorção digital. Uma vez que você acertar que 0.0 não há nenhuma correção, que qualquer engenheiro pode fazer. O computador agora não tem zeros e uns para representar esse arquivo de áudio, então, ele irá apenas substituí-lo por distorção. Você quer ter certeza geral de que você ficar fora do vermelho. À medida que voltamos ao nosso mix, vamos começar a adicionar os chifres e novamente prestar atenção ao nosso ônibus estéreo. Por último, mas não menos importante, vamos adicionar todos os vocais. Nosso vocal poderia usar um pouco de volume, mesma coisa com o nosso [inaudível]. Novamente, estamos sempre verificando para ter certeza de que ficamos fora do vermelho. 5. Adicionando efeitos: reverb: O que é reverberação? Bem, quando você está gravando música, você grava em estúdio, mas todos os lugares têm o que chamamos de espaço acústico. Isso significa que o som é afetado pela maneira como a sala é projetada. Todas as suas paredes dentro de um estúdio afetam o som. Então, se você está em um estúdio de um milhão de dólares ou você está em seu quarto, a forma como o som é afetado, é determinada pela construção do seu quarto. A pior coisa em que se pode estar, onde a maioria das pessoas está quando estão no quarto, é uma caixa quadrada. Por quê? Porque isso cria o que chamamos de ondas estáveis. Ondas de pé são quando um som salta da parede e atinge o mesmo som vindo na mesma velocidade e cancela um ao outro. Isso normalmente não acontece no mundo real. O que normalmente acontece é que esses sons batem uns aos outros e eles não se cancelam completamente uns aos outros, mas eles vão começar a adicionar e subtrair de maneiras que afetarão sua mistura. Ou seja, que você estará sentado na sala e a sala si fará com que você adicione mais graves a um som. Então, quando você tirar sua mistura daquela sala e tentar tocá-la em outro ambiente, como um clube, ou no rádio, haverá muito baixo na música ou, o oposto pode acontecer. A sala pode adicionar baixo à sua música para que você se sinta confortável onde há sons de sentar, e então quando você vai tocá-los em outro lugar, parece que você não tem baixo suficiente em sua música. Então, o que tentamos fazer quando temos uma reverberação, é tentar imitar o tamanho das salas. Tudo o que reverberação faz é colocar algo mais longe de você ou mais perto de você. Quanto mais reverberação você tem, maior o tempo de reverberação, mais longe que o som parece. Isso nos leva de volta à demonstração da orquestra. Se alguém está tocando violino na primeira cadeira, eles parecem mais próximos de você, contra alguém tocando quinta cadeira, o que parece mais distante. Conseguimos isso com reverberação. Então, agora vou adicionar um pouco de reverberação ao vocal principal, para dar a aparência de que foi gravado dentro de uma sala. A razão pela qual gravamos seco, é para que possamos escolher nosso reverb mais tarde. Há grandes salas em estúdios que as pessoas pagam muito dinheiro para ir e gravar naqueles quartos estritamente porque eles adoram o reverb daquela sala. Então, isso é o que vamos fazer, vamos adicionar uma reverberação a este vocal, para dar-lhe algum espaço. Agora, uma das melhores maneiras de configurar a reverberação, é usar um sistema de rebentamento. Este é um erro comum que eu vejo em um monte de misturas. As pessoas pegarão um plugue de reverberação e colocarão no vocal principal, o que tecnicamente não está errado. Mas se você está trabalhando em um laptop ou você está trabalhando em uma porta em qualquer sistema de computador, você também quer ter em mente que há um limite para a quantidade de coisas que você pode fazer em termos de processamento. Então, com nosso sistema de rebentamento, o que isso nos permite fazer, é colocar uma reverberação em um canal de baixo, e usar nossos baixos para enviar tantos canais para essa reverberação quanto possível. Ou seja, que não temos que colocar uma reverberação em cada canal de cada voz e cada instrumento que temos em nossa pista. Isso vai maximizar o nosso sistema mais rápido do que qualquer outra coisa. Reverb é um dos plugins mais pesados de processadores. Então, colocando isso em um canal de baixo dedicado e então rebentando o canal para, que queremos enviar para aquele ônibus, só temos que usar um reverb para todos os instrumentos. Espero que entenda a diferença. Então, como você pode ver, eu criei um ônibus um e o que eu vou fazer é no vocal principal, eu vou subir aqui e eu vou para baixo um, e eu vou enviar um pouco deste vocal para baixo um. Então, agora, se eu for para o meu canal baixo um, eu posso ir aqui e eu posso puxar uma reverberação. Você verá que teremos tantos padrões diferentes, que nos mostrarão ambiente, podemos ter uma sala grande, podemos ter uma reverberação longa brilhante, podemos ter uma igreja, podemos ter um clube ao vivo. Todas essas coisas são para colocá-lo em um intervalo geral do que a reverberação está tentando representar, tendo em mente que você pode ajustar o conteúdo do seu coração, uma vez que você colocá-lo lá. Então, vou começar com a igreja. Então, quando eu pressionar play, acho que seria ótimo se víssemos tudo isso que vocês possam ouvir exatamente o que estou fazendo. Agora você pode ouvir. Bebê de 13 meses. Isso é reverberação. Quebrou o olhar em vidro. Isso é reverberação de nota. Sete anos de má sorte. Queremos encontrar um equilíbrio, que permita aos nossos vocais destacarem o que não soa muito apagado. Dependendo do estilo de música que você está fazendo, vai depender de quanto reverb você quer colocar nos vocais. mesmo, eu gosto de adicionar apenas o suficiente para que eu mal possa ouvi-lo na mistura, mas eu sei que ele está lá. Apenas melhore os vocais e dê algum espaço. Então, se eu levar isso de volta para que você possa ouvir desde o início do verso, eu quero adicionar apenas o suficiente, para que eu possa ouvi-lo, mas ele não o lava para fora. O que normalmente faço é ir longe demais e depois recuar. Isso é muito longe. Ótimo, agora adicionamos um pouco de espaço aos nossos vocais principais. Talvez eu queira fazer exatamente a mesma coisa com nossos vocais ad lib, para que eles soem como se estivessem gravados na mesma sala. Vou verificar o nível do mesmo, porque isso é menos seis, e eu vou levar a adicionar lib para menos seis. Ótimo, agora você pode fazer isso com qualquer instrumento que você quiser, para fazer parecer que está em qualquer espaço que você quiser, e há um monte de reverbs criativos que vai entrar em outras lições. 6. Adicionando efeitos: compressão: Agora que criamos algum espaço para o nosso vocal, uma coisa comum que fazemos para tentar controlar o vocal é comprimir o vocal. Esta é provavelmente a técnica mais incompreendida na gravação moderna. O que é um compressor? Um compressor aperta sua voz. O que quero dizer com apertar o vocal? Cada som tem um alcance dinâmico. Seu alcance dinâmico é a diferença entre o som mais alto e o mais suave que esse som fará. A voz humana pode ser muito suave e sussurrando ou pode ser muito alta e gritando. Muitas vezes, toda a gama de que é demonstrada dentro de uma pista. Se estabelecermos nossos níveis para o nível mais alto da nossa faixa, digamos o vocal, então durante as partes silenciosas, não será alto o suficiente. Se estabelecermos nossos níveis para as partes silenciosas, então ele pode distorcer e ir muito alto nas partes altas. Então, o que fazemos é colocar um compressor, para que ele aperte nossa voz e controle nossa voz. Existem todos os diferentes tipos de sabores de compressores. Todos eles basicamente fazem o mesmo trabalho, mas de maneiras diferentes, mas há algumas coisas muito comuns que estão em todos os compressores. Número um e o maior conceito que você precisa entender é o limiar. O limite é, na verdade, dizer ao compressor quando agir. Então, se tivermos uma onda de áudio que se move para cima e para baixo em um determinado pico, vamos definir nosso limite, e dizer que uma vez que a onda de áudio fique acima desse limite, vamos começar a trabalhar nesse arquivo de áudio, e o que Isso quer dizer? Bem, é aí que entra o segundo. Nossa relação, nossa taxa de compressão é provavelmente a segunda coisa maior. Isso realmente diz ao compressor o quão difícil trabalhar. Então, se você olhar para seus compressores, eles vão dizer um para um, dois para um, três para um. O que isso significa? A taxa de compressão é apenas que é uma proporção. É a relação entre dois números. É basicamente dizer que para cada três decibéis que este sinal vai acima do limiar, só vamos permitir que ele passe por cima de um. É um fator de controle, diz o quanto o compressor está funcionando. Então, obviamente, uma proporção de três para um é mais leve que uma proporção de 10 para um. Então, você descobrirá sua proporção dependendo do áudio que está entrando. Quanto maior a sua proporção, mais esmagado será o seu sinal. É por isso que esta é a coisa mais comumente mal usada no áudio porque é muito fácil para você simplesmente esmagar completamente o desempenho e torná-lo sem vida, que não é o que você quer fazer. Você quer controlá-lo, você não quer deixar a performance sem vida. Então, tenha muito cuidado com o seu nível de limiar. Você não quer muita compressão porque então, você vai roubar o artista de sua grande performance. Então, o que eu quero dizer com isso? Se olharmos para a nossa faixa vocal principal, eu puxo minha tomada novamente. Bem aqui, em nossa seção dinâmica, é onde temos todos os nossos controles. Este primeiro é o rácio de que acabei de falar. Isto é um para um, dois para um, três para um. Este é o nosso limiar. Isso está nos dizendo quando o sinal será afetado pelo compressor. Este último também é o lançamento. O lançamento está nos dizendo quanto tempo leva até voltarmos ao nosso nível natural do compressor. Quanto maior a liberação, maior será a cauda. O que eu quero dizer com uma cauda? Bem, se você tem um instrumento de percussão rápido, realmente não há cauda, mas se você está lidando com algo, digamos como um baixo que tem um ataque inicial, e então uma cauda, isso vai dizer o quanto dessa cauda vai ser comprimida. É tudo o que te está a dizer. Se você tem um vocal onde alguém está cantando, o ataque inicial é uma coisa, e então quando essa voz se realiza, o lançamento irá dizer-lhe quanto tempo os compressores vão permanecer dentro. Então, se eu tocar isso de novo, você pode ver bem aqui perto desta laranja. Isso está nos dizendo quanta compressão temos na pista. Então, agora, com nosso limite definido aqui, estamos recebendo um menos três, menos cinco decibéis tipo de coisa acontecendo. Se eu virar este limiar, deixe-me sozinho para que você possa ouvi-lo. Se eu virar este limiar todo o caminho para cima, isso é esmagamento. Isto é o que não queremos fazer. Isso significa que tudo dentro da voz está sendo comprimido, e isso não é o que queremos fazer. Então, vamos puxar isso de volta. Isto foi bom por aqui. O que isso faz é nos dar controle sobre as freqüências que estão indo acima do que seria a média de onde o nível normal de sinal está, e há outro grande ponto que precisamos trazer em termos de compressão. É que a compressão não só controla a extremidade superior, mas também traz para cima o chão. Quando dizemos squash ou chão, faz o som mais baixo subir, e faz com que o som mais alto caia. Então, o que isso significa em termos práticos? Isso significa que se você tem muito ruído no chão, se você tem muito ruído de fundo, se você está em uma sala onde um ar condicionado está tocando e esse ar condicionado acontece para entrar em sua gravação, tudo desse ruído suave será levantado. Então, é muito importante para você ouvir o que você está comprimindo e certificar-se de que você está recebendo apenas o sinal que você quer para aquele instrumento em particular, seja uma guitarra ou faixa vocal ou bateria. Agora, que eu compactei isso, eu posso jogá-lo de volta na minha mistura e será mais fácil para mim controlar e ele vai ficar melhor dentro da mistura. Mais uma vez, eu gostaria de começar do início só para ter a sensação da música. Não se esqueça que a música é sobre sentir e groove. Nem sempre se trata apenas de coisas técnicas, você deve estar se sentindo como você está fazendo isso. Está bem. Nossos adlib são um pouco barulhentos demais. Deixe-me abaixar só um pouquinho. Outra coisa que as pessoas me perguntam é, como você sabe o nível adequado para um vocal principal? Na maioria das vezes, isso depende de você, mas você quer ter certeza de que o artista é audível, que eles são claros, que eles podem ser ouvidos, e na maioria das vezes eu tento combiná-los em algum lugar onde quer que a armadilha esteja na música, e se não houver armadilha, você tem uma sensação de onde o resto dos instrumentos estão, e você quer que ele fique um pouco acima do resto dos instrumentos dependendo do estilo da música. Novamente, você está fazendo algo onde o vocal não é realmente o foco principal, você deve ter certeza de que o foco principal do disco é o que é proeminente. Então, para esta música, obviamente, o vocal é importante, então nós colocamos um pouco acima do resto dos instrumentos. Como você sabe se está muito alto? Se olharmos para o nosso autocarro estéreo, a música está a conduzir o nosso autocarro estéreo. Significa que é isso que está fazendo com que tudo suba e desça. Se eu sozinho isso, veremos exatamente o nível do nosso vocal principal. Se eu virar o vocal principal todo o caminho para cima, ele começa a impulsionar nossa mistura, se você entende o que eu quero dizer. Isso é o que não queremos. Queremos que a música conduza a mistura. Agora, nós estabelecemos um nível geral para o nosso vocal, mas os seres humanos não cantam em um nível consistente, certo? Então, passávamos pela nossa música, ouvimo-la, e fazíamos o que chamamos de barras vocais. Aqui é onde nossa automação entra em jogo e nós realmente ir através da música, ouvir, e em essência transformar o vocal para cima e para baixo dependendo de quão alto ou suave é em qualquer sessão. Tudo bem. Então, nós gostaríamos, porque montar seus vocais permite que você não comprima mais seus vocais e para se certificar de que tudo é mesmo ao longo de suas músicas, ou pode haver algum tipo de coisa criativa que você quer fazer onde você quer que o vocal para ficar mais suave ou mais alto dependendo da música. Agora que tenho o meu conjunto vocal e o resto do meu conjunto de instrumentos, vou ouvir mais uma vez só para ter tudo na minha mente antes de começar a tomar decisões finais para a nossa parte final da mistura. 7. Balanço tonal: Agora que conseguimos o nosso equilíbrio geral e adicionamos efeitos e fizemos um equalizador de algumas das nossas coisas, é hora de começarmos a pensar na nossa mistura final, e uma das maiores coisas que as pessoas me perguntam é se devem comprimir a mistura final. Significa que você tem um ônibus mestre ou devemos dizer um fader mestre. Você deve colocar um compressor ou um EQ no barramento geral? Isso é completamente com você. É aqui que você se torna criativo. É aqui que você começa a tomar decisões sobre como você quer que a coisa final soe. Durante anos eu nunca coloquei um compressor no ônibus mestre. Acho que pode haver uma mistura na minha vida com a qual eu fiz isso. Por quê? Porque eu confio no meu engenheiro de masterização, e eu gostaria de ter toda a dinâmica da minha música quando eu der para alguém que vai comprimir no QE também. Isso sempre se aplica? Talvez você esteja em uma situação em que você vai colocar esta música para fora e você quer ter alguma compressão mestre antes que ela vá para a Internet ou antes de ir para a sua fita mixada ou qualquer outra coisa que você está fazendo. Isto é subjetivo. Cabe a você, mas as mesmas regras se aplicam aqui que fizemos a compressão mais cedo. A maior coisa é não esmagar sua mistura. Você não quer roubar o alcance dinâmico da sua mistura com o compressor. Portanto, tenha muito cuidado ao colocar um compressor sobre o mestre da sua mistura. É muito fácil para você imprimir sua mixagem sem o master e depois fazer isso mais tarde quando você estiver compilando todas as suas músicas juntas. Assim você pode tomar certas decisões. Se você tem certeza absoluta e adora a maneira como o compressor soa e o EQ soa em seu ônibus mestre, então, por todos os meios, vá em frente e coloque-o lá. Estou a dar-te a minha experiência pessoal do que gosto de fazer para me certificar de que estou segura. Eu normalmente imprimir minhas misturas sem ele e eu posso adicioná-lo mais tarde em um estágio diferente. Uma das últimas coisas que eu gosto de fazer para verificar minha mistura é realmente colocar um equalizador sobre o mestre apenas para verificar o equilíbrio tonal, e o que eu quero dizer com isso? Bem, se você for aqui e você for e eu fizer um equalizador, isso vai me dar um gráfico para me mostrar onde todas as minhas frequências estão, e como você pode ver, eu posso querer subir um pouco neste posto 10K e talvez um pouco pouco neste 2K um. Você pode ouvir o nível geral do meu mix ficando mais brilhante e você também pode ver que nossa representação do nosso gráfico fica cada vez mais alto, mostrando-nos que temos uma mistura mais uniforme. Queremos ter certeza de que tonalmente, todas as nossas frequências são representadas dentro da nossa mistura e isso irá garantir que nossa mistura será comparativa a outras misturas que estão lá fora especialmente quando você está indo para tocar algo no rádio. Então, no final desta mistura, a única coisa que eu precisaria fazer agora provavelmente seria adicionar um desvanecimento no final ou decidir se a música vai cortar. Isso, na maioria das vezes, não é decisão do engenheiro, é apenas algo que você pediria ao produtor e você realmente faria isso. Um monte de coisas que você precisa para obter autorização do produtor. Há um ótimo conceito que você precisa entender e lembrar. Como engenheiro, você está no negócio de serviços, você está servindo outra pessoa. É como ser um barbeiro. Se alguém se senta e você é o barbeiro, eles dizem como querem cortar o cabelo. A razão pela qual eles vêm até você é porque você é o especialista em fazer isso. Eles vão pedir sugestões, mas no final do dia, nunca se esqueça que é o recorde dos produtores. Então, você está aqui para facilitar a forma como essa pessoa quer que o disco soe. Se é o seu registro, então você é o produtor e o engenheiro e não há nenhum problema. Então, espero, a maioria dessas dicas e truques podem ajudá-lo a começar a criar sua própria música e você pode usar as coisas que eu aprendi ao longo dos anos como um iniciante para ajudá-lo a organizar para o seu mix e para sair com melhores mixes . Então, eis o que vamos fazer. Isto vai ser interativo. Não vou ser só eu sentado aqui ensinando. Isso vai ser interativo ao ponto em que queremos que vocês apliquem todas essas coisas às suas misturas. Então vamos fazer um concurso. Vamos deixar você enviar sua própria música. O que precisamos ouvir é o seu original e o que você fez na mistura. Então, para ser claro, haverá dois arquivos que estarão pulando, a gravação original e a mixagem que você fez. Eu escolho dez pessoas e essas pessoas imediatamente ganharão um par de meus fones de ouvido. Então, fora disso, escolheremos o vencedor número um que me fará misturar o seu recorde real. Não é só para mim, é também para o resto da comunidade. Estamos tentando construir uma comunidade aqui no site para que vocês possam conversar uns com os outros e dar dicas, truques e críticas criativas uns aos outros . É sempre melhor fazer música com um grupo de pessoas. Eu toquei minhas mixagens para outros engenheiros que eu amo. Estamos tentando criar o mesmo ambiente aqui para você. Então, vamos ao trabalho. Vamos começar a misturar e vamos fazer essas misturas.