Apertar um corpo de trabalho fotográfico | Jennifer Schwartz | Skillshare

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Apertar um corpo de trabalho fotográfico

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Aulas neste curso

6 aulas (19 min)
    • 1. Reboque para a série de 10 cursos, cruzada para sua arte

      1:09
    • 2. Curso 2 Introdução

      0:38
    • 3. Edição e seqüência

      5:46
    • 4. Tamanho e preço

      7:09
    • 5. Edição

      2:57
    • 6. DESCRIÇÃO DO PROJETO

      1:12
  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

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391

Estudantes

1

Projeto

Sobre este curso

Cruzada para sua arte: as melhores práticas para fotógrafos de belas artes dão a você as ferramentas para levar sua carreira de fotografia de belas artes pelas rédeas e desenvolver um plano de forma pensativa para você onde você deseja ir. Saiba como apertar seu trabalho, desenvolver sua marca, identificar objetivos e um plano para sua fotografia e lançar seu projeto estrategicamente.

Neste segundo de dez cursos, você vai aprender a importância de uma boa edição e sequência em um projeto fotográfico, bem como estratégias para editar e sequenciar seu próprio trabalho. Esse curso também mergulha em alguns dos fotógrafos de decisões mais desafiadoras enfrentarem - como dimensionar, preço e edição das suas imagens. Para seu projeto de curso, você vai criar uma estrutura de tamanho/preço/edição para seu projeto mais recente ou corpo de trabalho.

Jennifer Schwartz é a criadora/diretora da Cruzada para Arte, uma organização sem fins lucrativos focada em cultivar demanda de arte, especificamente fotografia de belas artes. Jennifer possuía uma galeria de fotografia de arte fina em Atlanta (Jennifer Schwartz Gallery) por cinco anos, mostrando o trabalho de fotógrafos emergentes. Ela também criou o projeto on-line, The Dez, e é a co-criador de projetos em pó flash. Na primavera de 2013, ela viajou pelo país em um ônibus de 1977 VW, engajando público com fotografia. Seu livro, Cruzada para sua arte: práticas recomendadas para fotógrafos de belas artes foi publicado em março de 2014.

Conheça seu professor

Jennifer Schwartz is the creator/director of Crusade for Art, a non-profit organization focused on cultivating demand for art, specifically fine art photography. Jennifer owned a fine art photography gallery in Atlanta (Jennifer Schwartz Gallery) for five years, showcasing the work of emerging photographers. She also created the online project, The Ten, and is the co-creator of Flash Powder Projects.

Jennifer regularly participates in portfolio reviews such as PhotoNOLA, PhotoLucida, Atlanta Celebrates Photography, FotoFest, Medium, Filter and others. She was invited as a curator to the Lishui Photo Festival in Lishui, China in 2011 and travels around the country giving talks, guest-lecturing at universities, leading workshops and hosting photographic retreats with Flash Powder P... Visualizar o perfil completo

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Transcrições

1. Reboque para a série de 10 cursos, cruzada para sua arte: Oi. Sou Jennifer Schwartz, criadora e diretora executiva da Crusade for Art, uma organização sem fins lucrativos com a missão de educar, inspirar e capacitar fotógrafos para conectar novos públicos. Começo eu possuía uma galeria de fotografia de arte comercial em Atlanta por cinco anos, e eu estou trabalhando com os fotógrafos tanto com a galeria e com uma organização sem fins lucrativos perceber que há realmente uma falta de informações lá fora sobre como navegar as belas artes mundo da fotografia. E pode parecer bastante intimidante. Tentando descobrir como se aproximar de uma galeria, como as pessoas publicam seus livros. Como coleções de museus adquirir onde Então eu escrevi este livro chamado Sua Savory Nossas melhores práticas para fotógrafos de arte. E esta série de 10 habilidades principais vai seguir o formulário fora do livro. E ele vai falar sobre basicamente o ás ese para navegar no mundo da fotografia de arte fina. Como editar em sequência seu trabalho, como escrever uma declaração de artista, como cimentar o trabalho em uma galeria, como se preparar para uma revisão de portfólio, como o preço, seu trabalho, realmente Tudo. Espero que se junte a mim e se divirta e aprecie pela sua arte. Obrigado 2. Curso 2 Introdução: neste segundo curso no Chris a pré arte Siri, nós vamos estar falando sobre apertar um corpo de trabalho nele em sequência como fazê-lo. Por que, é importante como uma boa sequência de edição pode realmente melhorar um projeto. E que tal em sua sequência pode prejudicar um projeto nós vamos falar sobre como o tamanho do seu trabalho, quantos tamanhos diferentes para oferecer uma peça e quais tamanhos eles devem estar avaliando seu trabalho , que é realmente desafiador para A maioria dos fotógrafos. Além disso, ing, nós vamos entrar realmente em detalhes sobre o que adição ing iss. Por que a adição e quando há momentos em que está tudo bem para não adicionar o seu trabalho, Então eu espero que você vai se juntar a mim no segundo curso sobre apertar um corpo de trabalho. 3. Edição e seqüência: um dos desafios mais difíceis para os fotógrafos é editar seu próprio trabalho. É quase impossível para os artistas serem completamente objetivos sobre suas próprias imagens. É por isso que é muito importante procurar uma experiência fora dela. Eles podem comentar sobre quais imagens parecem mentirosos, se o trabalho se sente coeso ou não. Que imagens impulsionam a sua história e quais não o consideram como fotógrafo, o artista? Você não pode se separar do contexto, e tudo bem. Mas quando você olha para uma imagem, você se lembra de todas as circunstâncias que se juntaram para criar. Pode ter sido o dia mais bonito, e sua pessoa favorita estava no rádio e você parou e fez essa imagem linda . E assim para você, a fotografia é embrulhada em todas essas coisas, e é difícil dar um passo atrás e ver como ela se encaixa no corpo maior de trabalho em que você está trabalhando. Então procure alguma experiência. As pessoas cujas opiniões você respeita a maioria dos galeristas em sua comunidade reservarão 15 ou 20 minutos se você marcar uma consulta antes do tempo para entrar e olhar para o seu trabalho e dar-lhe alguns comentários. Você pode perguntar aos amigos e familiares o que eles pensam, embora esteja avisado de que isso pode não estar dando o feedback mais crítico. Muitas vezes colocamos imagens no Facebook e recebemos toneladas de luzes, e achamos que devemos nos tornar um fotógrafo profissional e deixar nosso trabalho diário. Bem, esse poderia ser o caso, mas é melhor tentar obter uma grande variedade de opiniões de pessoas em todas as diferentes áreas da indústria. Isso pode ser muito difícil com você se você precisar dele, e para lhe dar a direção no conselho que você precisa para utilizar o recurso está em torno de você ser claro que você está procurando feedback construtivo. Você não está necessariamente procurando uma oportunidade, mas você quer ajuda para levar seu projeto ao ponto em que você está realmente pronto para obtê-lo lá fora . Em segundo lugar, seja o mais crítico possível quando estiver olhando para suas próprias imagens. Se você tem essa sensação de que uma de suas imagens não está funcionando por algum motivo, você provavelmente está certo. Tudo bem tentar obter uma segunda opinião sobre isso, mas não se limite, Teoh, dizendo. Eu tenho que ter 15 ou 20 imagens neste portfólio. Se você ainda não tem 15 ou 20 imagens, basta usar as que você sabe que estão funcionando. Se você pensar em criar na edição para o site ou para visão geral do portfólio. E vamos dizer que você tem 13 imagens que se sentem realmente fortemente sobre o que você sente como se um aumento até 15 para realmente sentir que você tem um projeto completo e você colocar duas imagens e que você sabe que são muito fortes. Você vai passar a maior parte do tempo na crítica discutindo com a pessoa que você está enviando por que essas duas imagens não estão funcionando, e você sabia desde o início que elas não eram assim, realmente. Concentre-se em criar o corpo mais forte de trabalho. Se você ainda não tem muitas imagens nele, tudo bem. Apenas não. E comunique que este é um trabalho em andamento, e estas são as imagens que você sente melhor representar. Ideia sua. Uma vez que você lê, parece apertado. A sequência é o seu próximo desafio, então a sequência pode fortalecer ou arruinar um projeto fotográfico. As imagens parecem estar pulando, e o espectador se sente agitado, movendo-se de uma para a outra. A história que você está tentando contar se perde, e as fotografias não atingem sua marca. Então simplesmente coloque o fluxo apenas trabalho hostil. Você pode deixar a história se desenrolar de uma forma clara e lógica. Isso faz sentido à medida que o espectador passa de uma imagem para a próxima. Certifique-se de que a história que você está contando esteja completa sem soluços que tirem o espectador dos trilhos. Então, quando você pensa em olhar através de um projeto fotográfico, mover uma imagem para a próxima, você queria ter uma sensação consistente. Você queria ter um fluxo para ele. Isso não é chocante, não é saltar por todo o lado. Então, se você pode manter uma vibração e um sentimento que você está construindo uma narrativa ou um emocional são sem interromper os olhos ou emoções dos espectadores, então você sabe que você está no alvo. Existem algumas maneiras diferentes de fazer isso. Você pode. Se você é Projeto tem uma narrativa, você pode usar uma ordem cronológica. Você pode contar a história do início ao fim, mas além de considerar uma estratégia lógica de ordenação, você pode prestar atenção às qualidades estéticas da fotografia. Cores e formas podem fazer a ponte entre as imagens e criar um fluxo suave que normalmente é onde eu gosto de começar e terminar é garantir que as cores do ar fluindo um para o outro. Que se uma imagem tem linhas indo desta forma e a próxima faz apenas naturalmente permite que o espectador flua perfeitamente através do projeto. Uma coisa que me perguntam muito é se cores e imagens em preto e branco se conecta ist no mesmo portfólio. E embora eu tenha visto isso feito com sucesso, é realmente um desafio de fazer. E na maioria dos casos eu sinto que isso perturba o fluxo. Ele realmente define a seqüência, toda matriz. Então você pensa em olhar para uma imagem colorida e olhar para uma imagem em preto e branco. Eles tendem a ter um tom emocional muito diferente. Então, se você está se movendo através de um corpo de trabalho e você está olhando para cor, cor, cor e, em seguida, um preto e branco aparece, ele tende a saltar para fora em você era vice-pessoa em preto e branco para cor, e ele pode jogar o espectador fora do momento. Você quer que o espectador fique com você. Ao longo do projeto, você está tentando transmitir algumas informações para que muitos querem que eles fiquem com você. Então, se suas imagens estavam pulando para cima e para baixo ou para trás e para frente, isso pode realmente bagunçar esse fluxo. Então pense na edição. Pense na sequência e em seguida passará para a precificação do seu trabalho. 4. Tamanho e preço: a maioria dos artistas não tem idéia de por onde começar quando eles pensam em dimensionar preços. Além disso, ing para o trabalho. O impulso é adiar essa decisão até que o trabalho esteja prestes a ser vendido ou exibido. Mas é muito melhor ser deliberado e atencioso. E você pesquisa e toma uma decisão com confiança nesta aula, vamos falar sobre dimensionamento e preços do seu trabalho, e então teremos uma aula separada para discutir o teste. Quando você pensa sobre o tamanho, a tendência atual parece ir grande e, em seguida, ir maior. A maioria das pessoas sente que seu trabalho parece incrível grande, e geralmente faz. Mas você quer pensar sobre a pessoa que vai comprar o trabalho e se eles têm um espaço de parede para acomodar uma peça tão grande. E se eles se sentirem confiantes o suficiente para comprar um investimento tão grande para sua casa, considere o tamanho que você sente melhor se adapta ao trabalho se as imagens forem íntimas e trabalharmos melhor em um tamanho pequeno do que permanecer fiel à sua visão e oferecer apenas esse tamanho . Mas pense no que você imagina. O tamanho ideal para visualizar o trabalho deve ser. Eu costumo sugerir oferecer uma imagem em dois ou três tamanhos. Isso lhe dá arranjado para que você tenha um tamanho grande que pode ser melhor para exposições ou aquisições de museus. Mas você também tem um meio em um tamanho menor que pode ser mais acessível. Teoh um colecionador Agora, quando você pensa sobre o tamanho e você quer oferecer dois ou três tamanhos, você quer ter certeza de que há uma diferença significativa na maneira que eles aparecem na parede. Então, se você está oferecendo, digamos, um 16 por 20 como seu tamanho médio ou pequeno e, em seguida, o próximo tamanho de você oferece 20 por 24 isso não vai ter uma diferença significativa na forma como ele parece na parede. Então, se você pensar sobre isso do ponto de vista do colecionador, eles estão olhando para essas duas peças. O 20 por 24 vai ser mais caro do que o 16 por 20, mas eles parecem quase o mesmo na parede, então eles provavelmente vão ir com tamanho menor, então certifique-se de que você pulou pelo menos um tamanho de papel no meio. Suas imagens energizam que você seleciona e dessa forma, você terá uma gama ampla o suficiente para as pessoas que querem comprar o trabalho. Determinar como o preço Seu trabalho é complicado e muitas vezes se sente estranho. Você quer um valor o seu trabalho, mas não preço-lo mais alto do que o mercado vai razoavelmente lá. É um equilíbrio delicado. Se você estiver trabalhando com a galeria, eles devem ser capazes de aconselhá-lo quando você estiver decidindo como pressionar o trabalho, considere as seguintes variáveis. Um. Quanto custa produzir o trabalho? Este não deve ser o único fator para determinar seus preços, mas você quer ter certeza de que os custos estão cobertos o suficiente. Isso te deixa algum lucro restante para fazer a venda valer a pena. Não avalie tamanhos diferentes da mesma forma só porque seus custos podem ser semelhantes. Número dois. Se uma imagem for vendida, qual é o valor mínimo que você gostaria de receber? Tenha em mente que, se você estiver vendendo através de uma galeria, você receberá 50% dos preços de venda na maioria dos casos. Com isso em mente, você tem que assumir que você só vai receber metade do valor de dólar que você definir a fim de proteger o investimento para colecionadores. Todo o seu trabalho precisa ter um preço consistente, quer você esteja vendendo através de uma galeria e recebendo metade ou se você está vendendo o trabalho diretamente e recebendo o valor total da venda. É injusto para a reputação e o valor do seu trabalho para um colecionador pagar o preço total porque eles queriam de uma galeria e outra pessoa pagar metade desse valor porque eles compraram diretamente de você. Você está pagando. dedos sempre refletem o preço da galeria? Mesmo que você não esteja vendendo em uma galeria agora, você ainda precisa avaliá-la como se fosse no futuro. Número três. Quão comercialmente vendável é o trabalho? Esta é uma questão realmente importante que você precisa para eliminar antes de ir mais longe e criar seus objetivos para o projeto. Vamos falar mais tarde no curso sobre a viabilidade do trabalho em termos de capacidade de venda. Mas quanto mais vendável for e o que chamo de arco-íris e unicórnios, mais alto será o preço que você poderá comandar por isso. Pense no mercado para a sua fotografia. Se você está fotografando contentores, será uma venda mais difícil, e você provavelmente terá que pagar o trabalho mais baixo para contabilizar esse número. Quatro. Como são outros fotógrafos com trabalho semelhante em um nível semelhante em sua carreira? Apreciando seu trabalho de novo? Você tem que considerar onde você está como fotógrafo, o palco em sua carreira. Experimente o seu histórico de vendas ou a história de exposições porque isso vai entrar em jogo em termos de quanto você pode cobrar pelas suas peças. Certifique-se de chegar lá fora. Ir para galerias, que estavam mostrando fotógrafos emergentes. Trabalho observado. Eles estão olhando estrutura de preços para outros fotógrafos on-line. Pergunte às pessoas que você pode saber quem está vendendo trabalho, que estão em uma posição semelhante, qual é sua estrutura de preços. A próxima é quando eu falei antes. É realmente o que parece certo, então você tem que considerar todas as variáveis sobre. Mas no final do dia, o preço só tem que se sentir apropriado e bom para você. Não confie sozinho na sua opinião. Muitos fotógrafos tendem a subvalorizar ou sobrevalorizar seu trabalho. Então pergunte se você confiou e experimente amigos ou se aproxima de um proprietário de galeria para obter conselhos. preço hierárquico pode ser um ótimo compromisso entre a seleção de um preço. Parece muito baixo e um preço que parece inflado, por isso com este modelo, você deixa as vendas determinar o valor. Portanto, o preço hierárquico significa que o preço de uma imagem sobe à medida que se aproxima da venda . Vamos falar a seguir sobre adições, mas digamos que você decida que para este tamanho específico você vai imprimir. Além de 10 que significa que a pessoa que compra o número um, a primeira peça dessa adição pagará um preço mais baixo. E a pessoa que compra o número 10 ajuda você no final, média para a quantidade de dinheiro que você acha que é apropriado para a paz. E também incentiva o colecionador Thebe a comprar cedo em suas adições. Aqui está um exemplo de uma estrutura de preços de três tamanhos que tem preços hierárquicos. Não se baseia em nenhum tipo particular de trabalho ou corpo de trabalho. É apenas um exemplo para mostrar como você pode estruturar seus preços hierárquicos. Então este oferece três tamanhos, 16 por 24 24 por 30 e, em seguida, o maior tamanho, que é 30 40. Você verá isso no 16 por 24 do menor tamanho. É para além da AIDS começando em 800, então, à medida que sobe, a impressão final 8 tem um preço de 1300. Agora você pode decidir como você quer separá-lo. Você pode fazer com que cada imagem aumente de tamanho. Você também quer pensar sobre o quão complicado você quer torná-lo para as diferentes galerias dos diferentes lugares que podem estar mostrando seu trabalho ao mesmo tempo. E quando você colocar seus preços em seu site ou quando a galeria faz, ele normalmente vai dizer apenas o 16 por 24 edição de um começando em 800. E se alguém está interessado em comprar isso, comprando a paz, ele precisa perguntar com você ou com a galeria para descobrir onde, na adição, a impressão está vendendo atualmente. 5. Edição: Embora seja verdade que os antigos mestres não adicionaram suas gravuras, sua prática contemporânea para fazê-lo, condicionamento garante que a imagem que o coletor está comprando não é infinitamente reprodutível, e, portanto, ela vai manter seu condicionamento de valor transmitir. Seja um assunto realmente controverso entre os fotógrafos, os impulsos de não querer adicionar o seu trabalho, ou para criar adições realmente grandes porque você não quer se limitar em termos do número de impressões que você pode vender de um imagem particularmente popular. O tamanho da adição, entanto, afeta o preço. Então, quanto menor a adição. Isso significa que menos imagens serão feitas, e isso torna cada imagem mais valiosa. Normalmente, se você estiver oferecendo vários tamanhos de impressão, quanto menor o tamanho de impressão, maior a adição e maior o tamanho de impressão em que a Siri é o Senhor, menor será a adição. Por exemplo, se você está oferecendo fotografias de um determinado corpo de trabalho em dois tamanhos, digamos 13 por 19 e 24 por 30 você pode decidir criar uma adição de 10 para o tamanho 13 por 19 e, em seguida, 24 por 30 tamanho seria além de cinco algo menor para ser claro uma vez que você definir. Além disso, para uma fotografia, você não pode imprimir essa imagem novamente em nenhuma ênfase. E você não deve criar um novo tamanho adicional também. É um sistema de honra, e sua reputação como artista depende muito disso. Deseja reservar o direito de imprimir uma ou mais imagens para seu uso pessoal? Você pode atribuir um ervilhas ou artistas provas para cada um dos tamanhos de adição. Voltando ao exemplo do 13 por 19 no 24 por 30 você pode dizer que vou criar uma nova adição de 10 mais dois. Uma peça para artistas prova para o primeiro 13 por 19 tamanho e, em seguida, além de cinco com um artista prova para o 24 por 30 tamanho. Assim, uma prova de artista lhe dá o direito de manter uma imagem para si mesmo, dá-la, reservá-la para possivelmente uma aquisição de museu, e então, às vezes, artistas vendem suas provas de artistas. Então, se você tem uma imagem particularmente popular e vende a adição, você pode cobrar-lhes mais dinheiro e vender seus artistas prova para essa peça em particular em geral, para além disso, tamanhos menores é melhor para que o menor número de impressões que existem no mercado, mais valiosa será a paz e mais atraente se tornará para um colecionador. Bem, parece que pode ser limitante para você, como artista, criar um número tão limitado no mercado. Ele vai criar mais demanda para suas peças, e então ele vai justificar você ser capaz de, modo a aumentar seus preços para o seu próximo corpo de trabalho. Você quer pensar sobre isso em termos de um quadro maior. Então, alguns anos depois, quando você está trabalhando em outro projeto que você está pronto para promover, você não quer ter tudo isso. Estas outras peças ainda deixadas de fora flutuando por aí. Então você quer experimentar o dedo do pé, criar pequenos tamanhos de adição, idealmente, vendê-los para fora e, em seguida, passar para o seu próximo corpo de trabalho. 6. DESCRIÇÃO DO PROJETO: para o seu projeto de classe para o aperto do corpo da classe de trabalho, você deseja criar um preço de tamanho, além disso, estrutura ING para o seu corpo atual de trabalho ou seu corpo mais razão do trabalho. Então pegue o projeto em que você está trabalhando atualmente, ou que talvez você apenas conclua e determine quais são os melhores tamanhos para exibir o trabalho e também que pode ser mais acessível ou mais acessível para alguém comprar e, em seguida, chegar com a estrutura e decidir se você deseja fazer preços hierárquicos. Quantos você quer oferecer em cada tamanho e trabalhar a partir daí. Faça sua pesquisa e descubra o que outras pessoas em uma posição semelhante estão cobrando por seu trabalho e você criará um slide que mostrará o trabalho. Você pode querer criar um lado que terá as diferentes imagens e, em seguida, outro slide que irá falar sobre o preço do tamanho. Além disso, para esse corpo de trabalho. Se você não tem um corpo de trabalho completo, tudo bem, também. Você pode pensar no que você está trabalhando ou no que você pode querer trabalhar e apenas fazer como falamos sobre uma verificação de intestino para descobrir o que é certo para você e como você sente que seu trabalho acabará por peneirar em termos de mercado.