Tulipes à l'aquarelle pour débutants : formes faciles, couleurs magnifiques et mélanges sans effort

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons un joyeux champ de tulipes, bien que vous soyez libre de laisser les fleurs devenir la fleur que vous voulez. Ce cours porte sur la liberté artistique, les choix de couleurs éclatants et les transitions douces qui permettent à la peinture de faire le travail. Nous garderons les formes simples et élégantes. Découvrez ensuite comment modifier la teinte, la température et la saturation sans perdre l'harmonie. Les éclaboussures, les gouttes et le feuillage lâche laissent toute la place à la spontanéité , tandis que quelques silhouettes claires permettent C'est accueillant pour les débutants, mais c'est tout de même un terrain de jeu pour peintres expérimentés qui souhaitent se détendre. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et transformons simples fleurs en une célébration de la couleur. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Je suis très heureuse que tu sois là aujourd'hui. Votre peinture peut être aussi simple ou aussi aventureuse que vous le souhaitez Traitez chaque fleur comme une petite expérience de couleur. Un pétale peut briller de chaud, un autre peut se refroidir, et c'est dans les transitions et c'est dans les transitions entre les deux que l'aquarelle donne le plus de vie Les tiges et les feuilles ne sont que des gestes qui soutiennent le rythme des fleurs. Ce n'est pas un endroit pour s' attarder dans les détails. Vous pouvez peindre moins de fleurs pour une composition plus calme ou remplir la page pour quelque chose d' énergique et de ludique. L'objectif est d'apprécier le processus, faire confiance au médium et d'apprendre à conserver des couleurs vives, fraîches et lumineuses. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de peindre ces tulipes, examinons tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu Otramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer les pinceaux Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous aurez besoin pour suivre. Je vous encourage à explorer les couleurs ou les outils avec lesquels vous souhaitez travailler dans ce cours. Maintenant, dessinons d'abord les tulipes. 4. Préparer la composition: Donc, pour dessiner ces tulipes, je commence par un joli crayon à mine souple Il n'est pas nécessaire que ce soit mécanique. Vous pouvez utiliser n'importe quel crayon doux, juste une légère pression. Et je commence par dessiner plein de petits cercles, et ce seront les capitules, et ils sont assez aléatoires, essayant de les garder bien équilibrés, mais pas symétriques. Ensuite, une fois que je suis satisfait de la disposition de ces cercles, je peux commencer à ajouter les tiges, et pour le moment, elles ressemblent à de petites sucettes Et peut-être que celles du centre sont plus verticales, et lorsqu'elles vont vers la gauche, les tiges se plient un peu vers la gauche, et celles droite se penchent un peu plus vers la droite. Ensuite, nous pouvons également suggérer quelques feuilles en bas. Je passe maintenant à mon crayon mécanique plus fin. La mine est donc très pointue et vous pouvez utiliser un crayon ordinaire pour cela, mais assurez-vous de l'aiguiser de manière à obtenir une belle pointe fine afin que nous puissions commencer à définir ces formes un peu plus précisément Et c'est ainsi que nous dessinons les choses, peu importe le sujet. Vous commencez par des formes simples de base juste pour cartographier les zones spatiales, puis nous revenons en arrière et affinons. Et peu importe qu'il s'agisse d'un visage, d'un animal ou d'un paysage. Nous décomposons toujours les choses en formes simples et nous les développons d'abord. Et ce sera notre plan et notre guide pour la peinture. Commençons donc. 5. La première fleur: Je vais commencer par peindre ces tulipes une par une Et le jaune sera la couleur de base. Mais avant d'ajouter un pigment, je pré-mouille la zone que je peins. Donc, en utilisant de l'eau pure, je mouille le papier, puis je peux simplement y déposer du pigment jaune. J'utilise du jaune de cadmium, et il existe tellement de types de jaune de cabine de différentes marques, peu importe Tout dépend de vos préférences personnelles. Vous pouvez expérimenter comme je l' ai fait avec différentes marques, et en fait, j' utilise une gamme complètement différente et ce n'est pas important. Donc, quelle que soit la couleur qui correspond à votre message ou à vos préférences, vous convient parfaitement. Ensuite, nous pouvons commencer à accumuler de plus en plus de pigments progressivement, en les laissant entrer et en laissant l'eau faire la magie. C'est une jolie petite fleur pour commencer car nous n'allons pas expérimenter avec beaucoup de couleurs. Nous utilisons simplement un jaune de cadmium, puis peut-être pourrions-nous travailler avec un peu de vert viridien en bas, pour lui donner un ton un peu plus foncé, car le jaune ne devient pas vraiment si ton un peu plus foncé, car jaune ne devient pas vraiment Donc, pour obtenir cette sensation de volume et de forme, et la façon dont elle se transforme en tige, nous pouvons ajouter un peu plus de couleur en bas, en utilisant également un peu de sienne brûlée maintenant lorsqu'elle est complètement mouillée Et il n'est pas nécessaire de l' agiter davantage. En fait, parfois, pour obtenir mes légumes verts, je n'utilise pas de vert viridien J'utilise le bleu sur ma palette. J'utilise donc simplement du bleu sérique et je l'ai mélangé avec du jaune de cadmium pour obtenir un vert d'aspect naturel Et maintenant, nous pouvons laisser cela de côté parce que nous ne voulons pas trop agiter le pigment. Nous voulons qu'elle reste biologique et permettre à l'eau et au pigment de créer cette sensation qui rend l'aquarelle si spéciale 6. Jouer avec les jaunes «: Travaillons sur le suivant. je décide de peindre commencer, je décide de peindre toutes les couleurs à base de jaune, puis nous pourrons jouer avec d'autres couleurs au fur et à mesure que nous avancerons dans la peinture. Encore une fois, en commençant de la même manière, mouillant préalablement la farine avec de l'eau, puis en y ajoutant du pigment jaune Mais cette fois, nous pouvons être un peu plus expérimentaux. Remarquez que je ne peins pas la fleur juste à côté de celle que nous venons peindre, car si nous voulons avoir plusieurs fleurs jaunes, nous voulons les espacer un peu. Nous ne les voulons pas tous d'un côté parce que je veux les équilibrer, surtout si nous devons en peindre du bleu, du rouge ou du rose. Une fois que j'ai rempli cette zone avec une consistance moyenne, pour que les pigments ne soient ni trop épais ni trop fins. C'est comme un lavage moyen. Et bien sûr, il fait encore très humide. Et pendant que c'est humide, je vais ajouter ce riche pigment rouge, le rouge de cadmium. Le rouge de cadmium est un pigment très puissant car, comme vous pouvez le constater, vous n'en avez pas besoin d'une grande quantité sur votre pinceau pour influencer le reste des couleurs. J'ai un rouge très dilué sur mon pinceau, mais quand je le laisse tomber sur ce jaune, regardez comme il a l'air audacieux en comparaison. Il dépasse donc généralement la couleur du papier. Donc, si vous peignez une peinture qui demande un peu plus de contrôle, vous devez faire attention à la puissance du rouge. Mais dans un tableau comme celui-ci, c'est très libérateur, car peu importe que nous exagérions le rouge ou que nous exagérions vraiment n'importe quelle couleur , car il s'agit d'une sorte de Nous ne sommes pas du tout fidèles aux pourboires, vraiment. J'ai même ajouté un peu de vert viridien de l'autre côté Et je travaille sur ces fleurs pendant qu'elles sont mouillées sur mouillées. Je ne veux pas qu'il y ait de difficultés pour le moment. Juste des transitions amusantes, en exploitant la technique mouillé sur mouillé. Ajoutez plus de pigment à la base, sorte qu'il soit plus foncé en bas, plus clair en haut. 7. Jaune et rouge Red: Nous pouvons maintenant passer à la fleur suivante ici sur la gauche, sans doute le plus gros capitule, encore une fois, en prémouillant la fleur Et je recommence avec ce jaune. Parce que je pense que le jaune sera l'une des couleurs principales. C'est au moins un bon point de départ. Ensuite, nous pouvons également y intégrer d'autres couleurs. Parce que cette peinture est vraiment un exercice d' exploration des couleurs et de la façon dont elles interagissent les unes avec les autres sans être strict quant aux règles ou à la théorie des couleurs. Il s'agit moins d'une étude botanique sur les fleurs d'une célébration de la couleur et façon dont cette couleur peut changer de forme. Et les tulipes sont comme petites lanternes colorées et lumineuses Et chacune d'entre elles sera vraiment unique. Considérez chacune d'elles comme un petit exercice pour expérimenter quelque chose de différent. Je ne veux pas qu'ils soient tous pareils. Nous voulons nous dépasser, et peut-être que certaines d'entre elles peuvent être plus abstraites, peut-être que les autres peuvent être un peu plus contrôlées. Accordez-vous une certaine liberté sans jugement et sans être trop autocritique. Maintenant, j'ajoute de l' alizarine cramoisie sur ce côté, sur le côté gauche Voyons comment le mélanger, car il est déjà humide. Il suffit donc d' utiliser le pinceau pour l' agiter légèrement et créer une transition en douceur Les couleurs que nous utilisons ne cherchent pas à être littérales. Nous exprimons une sensation semblable à celle d'un vitrail exposé au soleil, créant cette sensation de luminosité Jusqu'à présent, nous n'avons utilisé des couleurs chaudes, rouges, jaunes, oranges Bien sûr, il y a un peu de vert là-dedans, et plus tard, nous incorporerons des couleurs plus froides. La magie réside donc vraiment dans le fait de laisser notes chaudes et froides partager le même pétale. Et nous pouvons expérimenter ce contraste. Peut-être garder certains pétales purement chauds, autres purement froids, puis quelques pétales chauds et froids. Vous êtes libre d' expérimenter tout et toutes les possibilités. Et c'est ce qui rendra votre peinture unique, et c'est aussi ce qui vous aidera à apprendre le médium de l'aquarelle le plus efficacement et le plus rapidement Parce que si vous deviez copier exactement la façon dont je fais les choses, tout d'abord, ce serait impossible parce que je laisse l'aquarelle faire la majeure partie du travail à ma Donc je ne le fais même pas et il est tout à fait possible de le reproduire exactement Ensuite, si vous suivez exactement tout ce que je fais, vous ne permettez pas votre propre intuition de déterminer les choses et de créer votre propre voix. 8. Rose et jaune: Passons à la suivante. Et maintenant, nous en sommes à notre quatrième fleur. Nous pouvons passer directement au pigment. Il n'y a rien de mal à commencer par de l'eau pure. Je le fais plusieurs fois dans la plupart de mes tableaux. Mais si vous voulez obtenir un résultat plus rapide, vous pouvez ignorer cela et passer directement au pigment. Il suffit de travailler un peu plus vite car il y a beaucoup de bords secs à cet endroit. Et au fur et à mesure que l'eau sèche, le bord reste dur et élimine cette transition fluide. Donc, si vous ne mouillez pas le papier au préalable, vous devez travailler un peu plus vite. Cette fleur, j'utilise un peu de rose opéra. C'est une jolie couleur éclatante. Remarquez que je place mon rose opéra dans la même poêle de ma palette que mon pourpre Lazarin, car je considère que c'est la même famille de teintes de lorsque vous mélangez du jaune et du rose ou du rouge, Bien entendu, lorsque vous mélangez du jaune et du rose ou du rouge, vous obtenez généralement une couleur orange, peu comme les deux autres capitules que nous avons déjà peints. Mais celui-ci, je ne veux pas atteindre l' orange malgré l'utilisation du rose et du jaune. Un moyen d'éviter cela est donc de leur permettre passer à une couleur plus claire entre les deux. J'ai donc laissé la blancheur du papier se situer entre le jaune et le rose lors de la transition, afin qu' il ne passe pas réellement à l'orange Ils ne sont donc pas vraiment en train de faire la transition l'un vers l'autre. Ils passent du jaune, blanc et du rose. Maintenant, en bas, j'ajoute un peu de violet ou de violet. Mais encore une fois, vous n'avez pas besoin d'être strict à propos de ces couleurs. Il peut être bleu car le bleu au-dessus de ce rose créera de toute façon du violet. Ajoutez-y un peu plus de pigment. Et ce petit bourgeon en bas, un plus petit. Ce n'est pas le centre de toutes ces attentions. Je n'ai donc pas besoin d'ajouter trop de détails, il suffit de le remplir rapidement avec un ton neutre, laissant peut-être tomber un peu plus de pigment en bas pour suggérer ce volume et cette forme. C'est une couleur très claire et assez sourde par rapport aux autres. Les autres couleurs sont très vives et le jaune, le rose et le rouge. Celui-ci est plutôt de couleur marron. C'est intentionnellement moins accrocheur. 9. Couleurs froides et chaudes: Commençons à être un peu plus aventureux maintenant. Jusqu'à présent, nous avons peint toutes ces fleurs en un seul lavage, en gros, et nous avons utilisé des tons différents pour indiquer différents pétales, mais il ne s'agit en fait que d'un seul lavage. Mais celui-ci que je suis en train de peindre, je vais le faire en deux couches différentes pour suggérer des pétales différents. Et l'avantage de peindre des objets en couches est que nous pouvons utiliser ensemble des couleurs très contrastées. Il s'agit d'un vert turquoise, vert légèrement bleuté et la couleur complémentaire est le rouge orangé Si nous ajoutons ce vert comme sous-couche, puis que nous utilisons une couleur chaude dessus , il éclatera vraiment Et aussi, nous pouvons contrôler un peu plus nos bords. Ce petit bout vert situé en haut aura donc un bord dur par rapport au pétale situé à côté, ce qui sera plus logique lorsque nous y reviendrons plus tard Mais pour le moment, nous sommes juste en train de préparer le premier lavage. le moment, utilisez du rose pur pour cette fleur, commençant par le bas puis en utilisant l'eau pour dessiner une forme vers le bas. Et contrôlez vraiment la force du pigment. Parce que s'il commence à devenir trop faible, je peux ajouter plus de pigment si je le souhaite. Mais s'il est déjà assez fort, je peux simplement continuer à dessiner le pigment vers le bas et à l' étaler pour qu'il l' affaiblisse un peu Et puis, en bas, on ajoute un épais pigment bleu serlem Et l'une de mes activités préférées avec l'aquarelle est de déposer pigment épais sur une zone déjà très humide, puis de laisser entrer de l'eau Vous pouvez voir maintenant comment l'eau l'aspire et l'étale sans que je doive faire quoi que ce soit, et cela crée une sensation très organique Donc je fais juste tomber ce pigment là-dedans. Et le plus amusant, c'est d'attendre et de voir comment ça va se terminer. Oh, ça va être un mystère parce que je laisse faire ce qu'il veut, et cela fait partie de la magie, et c'est ce qui rend l' aquarelle intrigante Je tiens également à ajouter rapidement que je ne mélange pas la plupart de ces couleurs sur ma palette et que lorsque j' ai utilisé ma palette, c'est davantage pour obtenir la bonne consistance que pour mélanger les couleurs. Parfois, je veux que mon pinceau soit un peu plus dilué, alors je dois utiliser ma palette pour mélanger l'eau dans mon pinceau. Je dois utiliser la palette pour le faire. Mais la plupart du temps, je prends simplement ce pigment épais directement de ma palette et je mélange les couleurs sur le papier lui-même. Encore une fois, utilisez le violet dès maintenant et passez directement de la palette au papier, en gardant les choses simples. 10. Couleurs complémentaires: Et une fois que j'ai quelques couleurs dans ma palette, et qu'il y a généralement beaucoup d'eau dedans, c'est de là que je puise mon eau. Je ne vais pas vraiment dans mon réservoir d'eau pour aller chercher de l'eau. J'utilise l'eau qui se trouve déjà dans ma palette, et comme elle contient évidemment de la couleur, toutes les couleurs sont harmonisées. Et, bien sûr, il est utile de connaître un peu la théorie des couleurs, car si j'ai un bleu dans ma palette et que je veux mélanger un vert, je peux simplement prendre un pigment vert et utiliser le bleu déjà présent dans ma palette pour créer ce vert. Nous travaillons maintenant sur cette deuxième couche de cette fleur, et je garde un bord rigide en haut. Je ne vais pas le mélanger à ce vert, puis je le fais disparaître en bas Utilisez un joli rose puissant ici et découvrez comment cette bordure dure sur le vert le fait vraiment ressortir. Maintenant que nous avons peint un certain nombre de fleurs, remarquez à quel point elles restent harmonieuses, car de nombreuses familles de couleurs identiques se répètent sur différentes tulipes Ainsi, un rose apparaît dans une fleur, puis résonne un peu dans une autre De même, les jaunes sont espacés autour de certains rouges. Nous avons un peu de bleu sur la gauche, donc je dois penser à l'intégrer d'autres fleurs au fur et à mesure. Et cela donne à l'ensemble du jardin, pour ainsi dire, l'impression d'être connecté. Vous pouvez donc expérimenter avec les couleurs de votre choix. Mais ce faisant, essayez de réfléchir à la manière dont vous souhaitez équilibrer et répartir ces couleurs. Il est donc distribué de manière harmonieuse. chacune de ces fleurs, la dernière chose que je fais avant de passer à la suivante est prendre un peu de pigment très épais comme s'il sortait directement du tube. Les pigments de mon palais sont aussi épais, sinon plus épais, que ceux qui sortent directement du tube Ils ne sont pas du tout aqueux. Et j'aime bien que ce soit la toute dernière chose à faire, car je peux simplement coller ce pigment sur le pétale, puis l'eau le dissoudra un peu Et la granulation sera très intéressante. Je vais créer un effet intéressant. Et c'est ce que je fais en ce moment. Assez subtil. Je n'essaie pas de faire preuve d'audace, avec quelques touches de pigment épais. Et vous pouvez voir sur chacune de ces fleurs que je l'ai fait. Sur la gauche, je l'ai fait avec le violet, rouge et la fleur du dessus, un peu de vert dans celle du centre. Quelques lignes suffisent à créer cette magie. 11. Les combinaisons de couleurs: Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur cette fleur qui se trouve derrière. Et nous devons réfléchir à la couleur que nous voulons lorsqu'elle borde la fleur suivante au-dessus, car si nous utilisons du jaune, elle aura juste l'air trop similaire. Il n'y aura aucune distinction. J'utilise donc du jaune de ce côté. Mais au fur et à mesure qu'elle se connecte à la fleur de l'autre côté, je vais créer une transition, et je pense que la couleur la plus intéressante à utiliser sera la couleur complémentaire du jaune car il se situera entre deux jaunes, savoir le violet Je mélange donc un peu de violet ici, de bleu serléen. J'ai déjà du violet dans ma palette, donc je peux aussi l'utiliser. Et je peux utiliser un peu de précision pour m'assurer de ne pas franchir cette limite. Il y a donc une belle ligne dure qui descend pour séparer les deux pétales. Et puis ce lavis violet peut simplement toucher le jaune déjà mouillé, puis l'eau le mélangera à nouveau d'elle-même. Vous pouvez voir que c'est une chose courante que je fais. Je laisse l'eau se mélanger là où je peux. Parce que dès que nous commençons à intervenir, c'est là que la magie se perd malheureusement Parfois , vous devez le faire, surtout lorsque vous faites quelque chose de détaillé, pas tant dans une peinture comme celle-ci où nous explorons l' expression et le relâchement Mais si vous faites quelque chose d'un peu plus détaillé et réaliste où vous devez forcer la transition exacte de la bonne façon, alors l'esprit de l' aquarelle ne se manifestera pas autant , mais vous aurez plus de contrôle J'utilise cette couleur rouge orangé juste pour peindre la bordure, puis nous pouvons la remplir et la connecter L'avantage de Wet on Wet, c'est que dès que nous connectons quelque chose, cela fait une sorte de transition. Et c'est aussi amusant d'avoir ces heureux accidents. Par exemple, s'il y avait des incohérences dans les pigments et que vous créiez ce genre de fleurs ou de reculs, je pense que j'ai accidentellement fait tomber un peu d'eau dedans dedans Mais si vous pensez à la texture des fleurs, cela se produit parfois naturellement. Il atteint donc sa propre ressemblance par magie tout seul. 12. Contrôle ou abandon: Permettez-moi de développer l'idée dont je viens parler, car nous commençons souvent à peindre à aquarelle en pensant que le but est de tout contrôler. Je sais que je l'ai certainement fait. C'est tout à fait normal de ressentir cela. Bords parfaits, dégradés parfaits, petits détails C'est tout à fait compréhensible. Nous voulons tous la sécurité dans ce milieu qui semble très imprévisible. Le problème, c'est que si nous restons dans cet état d'esprit, contrôle devient une béquille, et nous finissons par nous resserrer jusqu'à ce qu'il ne reste plus de place pour qui rend l' aquarelle magique, la façon dont l'eau et les pigments se déplacent La vraie compétence ne consiste donc pas à forcer la peinture à se comporter. La vraie compétence consiste à apprendre à coopérer avec lui, à configurer les choses, à les pousser doucement, puis à prendre du recul et à laisser le médium faire ce qu'il sait faire de mieux C'est pourquoi cet exercice peut être très utile, car il laisse aux heureux hasards la liberté d'explorer cette sans se soucier des moindres détails. En gros, à l'intérieur de cette frontière, l' intérieur des lignes au crayon que nous tracées, nous pouvons faire ce que nous voulons. 13. Bleu et rose ink: Bien entendu, le détail est ce qui nous tient à cœur lorsque nous regardons le tableau Nous supposons donc que c'est ce qu'il y a de plus important dans un tableau. Mais au bout d'un moment, vous comprendrez que vous n'avez besoin que de quelques détails pour l'ancrer, et le reste peut être assez expressif. Et ces fleurs, ces arrière-plans, accidents nous font peur et, bien sûr, nous prenons le contrôle. Et à un moment donné, c'est utile pour les débutants car cela nous permet de nous familiariser avec nos outils Nous savons que nous devons apprendre à le contrôler avant d' apprendre à enfreindre les règles, mais nous ne voulons certainement pas en rester là pour toujours. Et souvent, il peut être préférable d'apprendre à être expressif dès le départ, afin d'avoir cette habitude dès le début, ne pas y rester éternellement, de ne jamais laisser la peinture nous surprendre. Bien entendu, l' aquarelle est unique, car les peintures opaïques, comme l'huile ou l'acrylique, n' ont pas une durée de vie propre Nous faisons généralement ou traditionnellement tout manuellement. Alors qu'avec l'aquarelle, les particules de pigment flottent et se séparent L'eau peut s'infiltrer dans les zones humides, les bords se ramollissent et s'étalent Et si nous essayons de lutter contre tout cela, nous combattons en fait la nature même du médium lui-même. Lorsque nous laissons certains de ces comportements naturels se produire, nous obtenons de l' éclat, des bords doux, des textures, des transitions que nous n'aurions jamais pu concevoir avec un pinceau sec. Il s'agit donc d'une différence d'état d'esprit assez subtile, mais il est important d'en être conscient, même en tant que débutant. Au début, nous nous demandons comment contrôler ce lavage afin que rien d'inattendu ne se produise. Plus tard, nous pourrons commencer à changer cela et nous demander comment puis-je orienter ce lavage pour que les bons imprévus se produisent aux bons endroits ? Parce que nous sommes toujours en train de prendre des décisions. Vous pouvez toujours choisir l'endroit où se trouve le papier mouillé ou degré d' humidité, la quantité de pigment utilisée ou l'épaisseur ou la finesse du pigment. Mais une fois que l'eau est descendue, nous sommes prêts à la laisser couler plutôt que de la survoler, en corrigeant chaque petit bord laissant le pigment agir comme il Nous manipulons sans force. Pour ce faire, nous devons améliorer notre compréhension du moment et de l'humidité afin de pouvoir l'influencer comme nous le souhaitons, car si nous mettons en place les bonnes circonstances, cela peut être un peu plus prévisible Nous savons ce qui se passe lorsque le papier est très humide et que nous ajoutons un pigment épais. Nous savons ce qui se passera si le papier est presque sec et que nous ajoutons un pigment épais et que nous procédons à toutes les étapes intermédiaires. Nous abandonnons, faisons confiance au médium et à nous-mêmes en influençant le résultat, mais nous n'essayons pas de microgérer chaque chute et chaque Et cela pourrait être une pratique utile qui consiste à vous contenter d'un seul tableau, au moins, si cela vous met très mal à l'aise d' essayer de ne pas intervenir et de laisser devenir boueux, si c'est ce que cela doit devenir Il vaut mieux parcourir ces saletés boueuses et y retourner plus tard que d'être toujours trop réservé. 14. Être libre: Il y a un revers à cette médaille, car nous ne voulons pas que le tableau soit complètement lâche et désordonné. Le relâchement n'est donc pas l'absence de compétence. Une aquarelle lâche et expressive peut sembler avoir été réalisée en quelques minutes imprudentes Mais en réalité, il repose généralement sur beaucoup d'expérience. Un pétale lâche qui atterrit magnifiquement ou qui semble inévitable provient généralement de quelqu'un qui comprend déjà la valeur, avantage, le timing, même s'il n'y pense même pas consciemment à ce moment-là Bien entendu, il doit y avoir un équilibre. Nous avons encore besoin de contrôle dans certains domaines. Par exemple, le dessin, le mappage de la composition elle-même, c'est là que le contrôle et détails sont vraiment importants, car vous préparez la scène, vous vous donnez un guide, une carte pour vous permettre d'être libre dans le processus de peinture. De plus, le fait d'avoir une structure de valeurs de base est quelque chose que nous pouvons contrôler, est quelque chose que nous pouvons contrôler ainsi que les points focaux sur lesquels nous voulons attirer l'attention. Heureusement, dans ce tableau, comme il s'agit plutôt d'un exercice, tout est à peu près égal. Nous voulons être clairs sur les points les plus importants, généralement. Ainsi, les yeux d'un portrait, la voiture principale d'une scène de rue, ces tulipes, les têtes de tulipes seront bien plus détaillés que les fleurs et les feuilles Et peut-être qu'il y aura une ou deux de ces fleurs plus tard, auxquelles j'ajouterai volontairement un peu plus de détails pour les mettre en valeur, car c'est ce contraste serré et le lâche qui donne l'impression que le relâchement est délibéré plutôt Peut-être que sur certaines de ces fleurs, vous pouvez délibérément essayer de créer une fleur ou un lavage à contre-courant, en vous trompant intentionnellement en voyant ce qu'elles nous donnent Peut-être que sur la fleur suivante, vous pouvez laisser deux couleurs se rencontrer sur le papier et résister à l' envie de les mélanger, voir ce qui se passe, de voir ce qu'elles font. J'ai intentionnellement fait en sorte que la plupart de ces pétales soient plus chauds que froids. Comme vous pouvez le constater, il n'y en a que quelques modèles sympas comme celui-ci que nous sommes en train de peindre, qui est bleu ou vert. Nous en avons un autre bleuté sur le côté droit et quelques influences bleutées sur la gauche également La principale raison en est que les tiges et les feuilles seront d'une couleur froide. Ce seront aussi des verts et des bleus. Alors pour intégrer la chaleur et le froid dans cette peinture, j'ai décidé de faire en sorte que les capitules soient un peu plus chauds en général Mais il existe en fait toute une gamme de couleurs. Je pense que nous avons toutes les familles de couleurs dans la roue chromatique, nous avons le jaune, l'orange, le rouge, le violet, le bleu, le vert. Des roses, des violets, des turquoises, des bruns, voire absolument tout 15. Fleur turquoise: Peignons cette dernière fleur maintenant. Même principe que précédemment, mais avec des couleurs différentes. Cette fois, en utilisant ce vert turquoise en haut, cette couleur faridienne Un beau ton moyen. Rien de trop sombre, ni trop clair non plus. Je peins à peu près à mi-chemin. Nettoie mon pinceau. Ensuite, avec de l'eau pure, diluez-la un peu, puis commencez par le bas avec ce pigment épais. Il semble sombre au départ. Bien sûr, je le veux un peu plus foncé en bas de toute façon. Mais quand elle touche l' eau du lavoir au-dessus, elle s'éclaircit beaucoup, comme vous pouvez le constater Et c'est aussi rapide que cela peut être si tout se passe comme prévu. 16. Détails dynamiques: Il est maintenant temps de revenir sur certaines d'entre elles pour ajouter une deuxième couche, rendre un peu plus dynamique. Ce n'est pas nécessaire si vous ne voulez pas aller aussi loin. Mais c'est amusant et ça ajoute un peu plus d'intrigue à la peinture. Donc, en commençant par celui-ci sur la gauche, j'ai opté pour un rouge pur qui, bien sûr, au-dessus du jaune ressemblera à de l'orange. Et je peins juste un petit pétale dans le capitule Pour le rendre un peu plus complexe sans trop de complexité prenez un pigment foncé, un pigment épais, en fait Il ne fait pas nécessairement noir. Il fait noir uniquement parce que c'est si épais. Et puis, quand je le frotte sur le papier, je le relâche simplement dessus au lieu de le mélanger, l'eau le fera pour moi Au fil du temps, en séchant, cela créera un joli bord doux à cet endroit. Et cette couleur orange contraste joliment avec le bleu recouvert de farine C'est un peu trop fort là-bas. Je prends donc une brosse assoiffée, et par brosse assoiffée, je veux dire une brosse qui n'est pas sèche mais qui n'est pas Il n'est pas plein d'eau. J'ai utilisé mon éponge ou mon mouchoir pour le sécher, mais pas complètement, afin qu'il puisse toujours absorber l'eau à travers lui. Vous pouvez également utiliser un mouchoir en papier pour en extraire un peu de liquide s'il y en a beaucoup. Une autre astuce que vous pouvez faire. Ce que je vais faire en ce moment, Ce que je vais faire en ce moment c'est utiliser de l'eau pure sur certaines zones, que vous voulez éclaircir, laisser se réabsorber dans le pigment, peut-être l'agiter un peu comme ça Ensuite, prenez un mouchoir, tamponnez-le pour le gommer et vous pouvez simplement enlever ce pigment et le rendre un peu plus clair J'utilise le bout de mon pinceau juste pour souligner l'endroit où ces pétales se chevauchent. Pas beaucoup de détails du tout. C'est ce que je veux dire par le fait qu'il suffit quelques marques de pinceau pour donner des détails. Et maintenant, j'ai toutes ces couleurs éparpillées. Peu importe ce que je choisis, où que ce soit. C'est plutôt une question de ton, en ajoutant un peu de ton au bas de ces capitules ils se connectent à la tige. O. 17. La fleur centrale: Passons maintenant à cette fleur centrale, qui est sans doute la plus détaillée. Et en commençant par utiliser la même couleur rose, alizarine cramoisie. Mais très dilué, il suffit de mouiller la zone sur laquelle je veux peindre et, progressivement, comme avant, faire tomber ce pigment Cette peinture doit avoir un sens sur le plan de la tonalité. Nous pouvons donc décider des couleurs que nous allons utiliser, amusez-vous bien avec ça. Mais une fois que nous aurons pris cette décision, nous devrons nous assurer que les tons de cette couleur ont du sens. Bien sûr, il ne faut pas beaucoup de difficulté pour que cela ait du sens lorsque nous sommes de toute façon assez abstraits. En gros, nous voulons qu'il soit plus foncé en bas et peut-être que les bords autour des pétales peuvent être un peu plus foncés juste pour les différencier des autres pétales. Parce que nous utilisons ces tulipes comme contenants pour des expériences sur les couleurs L'objectif principal est donc de s'amuser, de s'entraîner. Chaque petite fleur est une petite. Considérez-la comme un laboratoire pour expérimenter des transitions chaudes et froides ou des couleurs voisines sur les roues chromatiques Cela a l'air sauvage et dynamique, mais en réalité, en dessous, nous pensons toujours à l'harmonie, à la répétition et à l'équilibre des températures, ou encore à l' exploration et à l' amusement . Nous n'essayons certainement pas de faire correspondre la nature avec ce tableau. Nous utilisons la nature comme excuse pour jouer avec les couleurs. Et peut-être n'avez-vous pas besoin de peindre autant de tulipes. Mais chaque tulipe est l'occasion d'essayer une association différente ou peut-être d'essayer un pigment différent que vous souhaitez exalter Une façon différente pour les pigments de se rencontrer et de se mélanger, car pour être bon à l'aquarelle, quel que soit le médium, il faut savoir ce que peut faire votre médium, son potentiel Et en particulier avec l'aquarelle, chaque pigment, chaque tube que vous achetez a une nature différente Certains d'entre eux sont un peu plus transparents, d'autres sont plus opaques. Certains pigments ou granulations ont une nature différente En faisant ces exercices, nous pouvons découvrir ce qui rend chaque pigment unique, force de certains d'entre eux, faiblesse de certains d'entre eux, car, comme je l'ai dit au début, le rouge est un médium très puissant Vous pouvez explorer cette force dans cet exercice, et vous remarquerez à quel point il domine les autres couleurs Le bleu cobot n'est peut-être pas aussi puissant que ça. Il est utile de penser à des familles de couleurs plutôt qu'à des pigments individuels. Je sais que lorsque nous allons dans un magasin ou un magasin d'art ou même en ligne, ils ont tellement de noms exotiques que je ne sais même pas comment les prononcer, comme quactroblue, magenta ou bleu Beaucoup de noms exotiques qui m'enthousiasment, bien sûr, et j'ai vraiment envie de les acheter et de les tester. Mais en fin de compte, lorsque je les utilise, je pense davantage à des étiquettes telles que the warm family, oranges, rouges, roses et jaunes chauds, les familles froides, les bleus, les bleu-verts et même Et puis des couleurs neutres comme la teinte neutre, le gris clair, les verts terreux pour les tiges et les ombres Et si vous n'êtes pas sûr de la couleur à utiliser, nous pouvons simplement choisir une couleur chaude et une couleur froide notre palette, puis les laisser se rencontrer sur le papier. 18. Commencer les feuilles aves: Nous avons donc fini de peindre les capitules. Nous pouvons commencer à peindre les feuilles et les tiges. Et en fait, vu le fonctionnement de l' aquarelle, nous aurions pu le peindre dans l'autre sens. Nous pouvons d'abord peindre les feuilles et les tiges si nous le voulons car nous les avons tous tracées au crayon C'est donc à vous de choisir la façon dont vous voulez commencer. Les feuilles et les tiges seront en fait plus faciles à peindre car nous allons garder la couleur presque limitée au vert. Et nous allons utiliser ces tiges et ces feuilles pour explorer le potentiel du vert et de chaque type de vert que vous pouvez obtenir. Juste pour créer un peu de fun, de la variété, et le vert est une couleur tellement intéressante parce que c'est une couleur que nous voyons très souvent dans la nature, mais nous avons bien, moins moi, quand j'apprenais, ai eu du mal à légumes verts d'apparence naturelle ou le bon type de vert pour l'usage je l'utilise, car nous pouvons avoir des légumes verts auquel je l'utilise, car nous pouvons avoir des légumes verts affectés par toutes les autres couleurs, plein de couleurs. On peut donc avoir un vert bleuté, un vert jaunâtre, un vert brunâtre, un vert grisâtre, un vert turquoise, un vert vif Ensuite, parmi ceux-ci, nous pouvons explorer les compliments, qui sont rouges, en mélangeant le rouge avec vert jusqu'à ce qu'il devienne essentiellement gris C'est donc ce que nous allons faire avec ces feuilles et ces tiges. Nous allons trouver tous les moyens de créer un vert afin de l' avoir dans notre arsenal et de l'utiliser comme référence pour de futurs tableaux. Jusqu'à présent, j'ai utilisé mon Varidian pour utiliser le vert. Maintenant, je mets de l'ocre jaune et je le mélange avec du bleu cerrillan pour Et parfois, il y a de telles subtilités que lorsqu' un vert passe au bleu, quand cesse-t-il de devenir vert pour devenir bleu ou quand cesse-t-il de devenir vert pour devenir jaune ? Il y a une sorte de transition étrange où la ligne est floue Ce n'est pas forcément si clair. 19. Expériences de couleurs: Tout comme nous l'avons fait pour les capitules, plus encore, avec ces feuilles, nous pouvons vraiment expérimenter texture, car nous remplissons simplement cet espace, puis nous repoussons cet espace, puis la texture autant que possible, en y projetant du pigment, y projetant du pigment appliquant de l'eau pure à différents stades de séchage Cela commence comme un lavage assez plat comme celui-ci. C'est le genre de vert feridian atténué que je viens Mais ensuite, nous pouvons commencer à ajouter du jaune de cadmium pur et à inverser légèrement la tendance. Cela le fait briller un peu, lui donne un peu plus de chaleur. Parce que le vert n'est certainement pas simplement du bleu et du jaune mélangés. Le vert est un petit monde à part entière. Et chaque type de vert a sa propre ambiance. Qu'il s'agisse d'un vert printanier frais, une sorte de vert olive terne, une ombre profonde, d'un bleu-vert, d'une couleur mentholée d'une couleur moussue. Le vert n'est pas nécessairement une couleur. Il possède tout un spectre en lui-même. Et ce sont des légumes verts très sensibles car ils peuvent paraître très artificiels très rapidement. Heureusement, dans ce tableau, on s'amuse bien. Nous en repoussons presque les limites, donc peu importe qu'elles aient l'air artificielles. Mais vous ne voudriez pas nécessairement ces couleurs dans une peinture qui vise le réalisme ou qui représente la réalité. Les verts sont affectés par lumière et l'environnement, ils se déplacent donc beaucoup. Parmi toutes les couleurs, c'est celle qui a le plus l' air fausse ou plate, c'est pourquoi cette expérimentation mérite désormais une attention particulière. Et quand j'ai commencé à peindre, et je sais que beaucoup de gens le font, nous avons acheté un tube de peinture verte. Je l'ai certainement fait, et je pensais que cela ne ferait que résoudre mes problèmes écologiques. Mais les légumes que nous achetons en tube ne peuvent pas être utilisés partout. Nous devons apprendre à mélanger nos propres légumes verts. Le bleu avec une touche de turquoise donne une couleur verte très fraîche, lumineuse, presque tropicale, un peu comme sur la feuille de gauche. Le bleu cobalt, avec le même jaune, donne un feuillage vert naturel plus doux. Donc, si nous recherchions quelque chose de plus réaliste, choisirais le cobalt et le jaune, et je ne toucherais même pas un aridien semblable à l'ultramarin, mais qui, ironiquement, dégage un peu plus de chaleur que Peut-être un peu plus discret. C'est bon pour les ombres. Ensuite, nous pouvons commencer à jouer avec différents jaunes avec des bleus Ainsi, un jaune citron , beaucoup plus vif, donne un peu plus de fraîcheur, comme au printemps, peut-être même un peu plus frais. Et puis si on prend un jaune plus foncé comme le jaune ocre, cela le rend plus riche, une sorte de feuille de couleur terreuse y a déjà tellement de variations simplement avec le bleu et le jaune. 20. Variations de verts: Peut-être que l'ajout d'une touche de magenta ou de violet à certains légumes verts peut faire reculer les choses un peu. Si le vert semble trop clair, plutôt que d'ajouter du noir, ajoutez le complément, vous pouvez également ajouter un peu de rouge. Peut-être un peu de Sienne brûlée ou d'ombre brûlée. Cela peut également réchauffer un vert ou le rendre un peu plus terreux Mais si j'utilise une teinte naturelle plutôt que noir, c'est parce que, comme le titre l' indique, elle est neutre. Cela ne change pas tellement la teinte ni la teinte. Cela permet donc de conserver cette verdure tout en la diminuant un peu. Un autre conseil lorsque vous travaillez avec des légumes verts, qu'il s'agisse d'un paysage ou autre, d'une nature morte. Il y a rarement une couleur verte plate. Lorsque vous regardez quelque chose qui est vert, il ne s'agit pas simplement d'une couleur verte plate. Il y a de la variété dans cette forme, ce trait, ce motif. Peut-être qu'il y a des teintes plus foncées à la base, puis plus claires au sommet, ou il y a un côté plus froid et un côté plus chaud. Vous pouvez également jouer avec n'importe quelle variété, peut-être un peu plus jaune, là où la lumière capte la pointe, ou un peu plus de bleu là où il y a de l'ombre. Vous pouvez essayer de charger le pinceau avec un vert. C'est essentiellement comme ça que je le fais ici. Je remplis simplement une zone avec une couleur de base verte. C'est une sorte de couleur verte classique légèrement atténuée que je suis en train de créer en ce moment Puis je le retouche avec une deuxième couleur, et c'est assez spontané. Je vais opter pour un peu de bleu maintenant, un bleu serléen. Et lorsque vous tirez le trait, la couleur change naturellement sur toute la longueur de la tige. Et comme je l'ai dit, la lumière et l'obscurité ont un effet sur le type de vert que vous voudrez peut-être utiliser. Ainsi, le côté le plus clair des tiges sera plus jaune. Vous utilisez plus de dilution, donc plus d'eau, moins de pigment pour une valeur plus légère. Et puis en bas, sur les côtés sombres, il y aura un peu plus de bleu ou terre et un pigment plus foncé UN 21. Peindre les tiges: Nous en avons donc presque fini avec les feuilles maintenant. J'en ajouterai peut-être quelques autres plus tard une fois que nous aurons appliqué les tiges, c'est ce que nous allons faire maintenant. Mais il s'agit d'un processus similaire. Mais comme ces tiges sont assez fines, il y a un peu moins d' espace pour jouer. Nous ne faisons que peindre selon ces lignes. Et cela peut nous aider à nous entraîner à contrôler le pinceau car nous voulons essentiellement utiliser un seul trait. Et plus la pression est élevée, plus la ligne sera épaisse, moins elle sera pressée, plus elle sera fine. Donc, nous pratiquons notre poids de ligne. Avec beaucoup de ces tiges, je commence par un seul coup, puis j'utilise simplement l'eau ou un produit de lavage très dilué pour continuer. Il y a donc une belle petite transition. Sur celui-ci, il commence au vert en haut puis passe à l' ocre jaune en bas Ces tiges ajoutent en fait une sensation de stabilité au support car elles sont très droites. Il y a beaucoup d'énergie verticale. Et puis il y a un petit changement subtil sur la gauche, celui-ci. Il se courbe parce qu' il se trouve sur le côté gauche. Et de même, sur le côté droit, ils vont juste se pencher en travers. Il y a donc une sorte de projection extérieure. Oh, je n' essaie pas d'avoir deux tiges exactement de la même couleur. De même, en réalité, il n'y a pas deux feuilles identiques dans un jardin. Cela peut sembler une partie un peu délicate de la peinture, car nous ne faisons que peindre en une petite ligne ici Mais c'est un élément nécessaire car cela ajoute un sentiment de stabilité et de réconfort au spectateur Je suggère d'utiliser une taille de pinceau similaire à celle que j'utilise. Je ne vous donnerai pas de chiffre précis car toutes les marques ont des mesures différentes pour leurs numéros. Mais vous pouvez voir approximativement de quelle taille il s'agit. Ce n'est ni un petit pinceau, ni un gros pinceau. Le problème avec un petit pinceau, c'est que cela prendrait beaucoup plus de temps car vous n'aurez pas à faire des allers-retours et à le remplir tout le temps Mais cette taille de brosse tient toujours beaucoup et marque un point. 22. Éléments superposés: Certaines de ces tiges chevauchent les fleurs, et bien sûr, certaines fleurs chevauchent les tiges, ce qui crée une illusion de profondeur, et ce n'est pas trop difficile à obtenir. Si nous l'avons dessiné de cette façon, nous pouvons simplement suivre cela comme guide. Comme nous avons suivi les traces de crayon assez fidèlement, il y a une certaine rigidité Bien entendu, dans les limites du crayon, nous avons eu beaucoup de liberté d' expression et de liberté. Mais le contour, les silhouettes de ces formes sont assez similaires n'y a pas beaucoup de variété dans les arêtes, car ce sont toutes des arêtes dures, ces formes. Une fois que nous aurons peint ces tiges, nous devrons en détacher certaines, peut-être ajouter des éclaboussures, ce qui leur peut-être ajouter des éclaboussures, donnera une sensation d'atmosphère, de mouvement, car elles assez rigides et immobiles pour le moment Bien entendu, cette peinture tire le meilleur parti de la saturation et du dynamisme. Mais il y aura des moments où nous n'aurons peut-être pas envie de peindre quelque chose d'aussi vivant, et peut-être que même lorsque vous peignez ceci, votre style ne veut pas vraiment être dynamique, et c'est très bien. plupart du temps, les tons neutres sont plus élégants et intemporels que les tons vifs. Et il est facile d'exagérer éclat car ce sont des couleurs très intenses C'est donc parfois accablant. Dans un monde idéal, dehors de ces exercices, nous voulons un mélange de notes à saturation élevée dans quelques pétales clés, versions plus douces et diluées des mêmes teintes ailleurs, puis de tons neutres presque incolores pour contraster avec cette vivacité Une peinture est en fait plus colorée lorsqu'il y a une plage de saturation, non lorsque tout est à plein volume. Donc, quand il s'agit d'ajouter les éclaboussures et certaines de ces tiges comme celle-ci en ce moment, il n'y a pas beaucoup de saturation là-dedans, ce qui ne fait que faire ressortir un peu plus les autres Un peu comme les tulipes elles-mêmes. Nous en avons conservé quelques-uns très juteux et dynamiques. Et il y en a quelques-uns qui sont un peu plus calmes, un peu plus pastels ou terreux Nous pouvons également expérimenter avec les différentes épaisseurs de ces tiges, en particulier avec les petites tulipes comme je suis en train de peindre Cela ajoute également une sensation de profondeur. Et cette sensation de variété Oups, j'ai accidentellement dépassé la limite Donc, si vous faites une telle erreur, c'est assez simple. Il suffit de prendre très rapidement un mouchoir et éponger avant qu' il ne tache le papier Et puis c'est tout, tu peux y revenir. Et personne ne le saurait. 23. Morceaux d'herbe: Vous avez peut-être entendu parler de l' idée de l'harmonie des couleurs, mais vous n'êtes pas vraiment en mesure de comprendre ce que cela signifie exactement. Et en gros, cela se résume à la répétition et à l'écho des couleurs sur l'ensemble de la pièce Ainsi, le rouge que nous utilisons dans une tulipe peut réapparaître sous forme de petit accent dans une fleur voisine ou même sur une feuille ou une tige Il ne faut pas nécessairement que ce soit la même chose. Si nous utilisons un brun quelque part, nous pourrons peut-être utiliser ce brun pour les petites éclaboussures plus tard Peut-être qu'une couleur que nous utilisons pure, comme certains de ces jaunes, peut apparaître mélangée à une couleur différente ailleurs. Il n'est donc pas nécessaire que ce soit pur. Il pourrait être mélangé à un autre tout en restant harmonieux. Parce que chaque fois que nous réutilisons une couleur dans un nouvel endroit, nous relions le tableau. Un peu comme dans la poésie, vous avez les rimes, le mot qui relie les deux Même un tout petit écho, un petit trait bleu sur une autre fleur peut en quelque sorte donner l'impression que toute la rangée de fleurs est unie. Ainsi, dans d'autres tableaux, au fur et à mesure que vous avancez , plutôt que de choisir une nouvelle couleur pour chaque pointe ou pour ce que vous peignez, vous pouvez vous demander quelle couleur j'ai déjà utilisée dans cette composition que je peux revisiter ici Et si vous utilisez une palette, vous pouvez simplement regarder votre palette et voir ce que vous y avez déjà mélangé. De plus, nous pouvons penser aux compliments sans créer cette boue. J'adore travailler avec des couleurs complémentaires. En fait, la plupart de mes peintures sont basées sur l'utilisation de couleurs complémentaires. Si vous regardez mes cours, j'essaie d'organiser l' ensemble de la composition autour une ou deux couleurs complémentaires parce que l'effet est tellement puissant. Ils émettent une belle vibration si on les mélange correctement. Parfois, les mélanger peut aussi fonctionner, car ils créent de belles couleurs neutres. Et nous avons du jeu ici. Nous avons des oranges chaudes à côté de pétales presque bleus, pointes jaunes près de voisines violettes, une tige vert tendre reliée à une fleur rouge, une fleur rose. Nous pensons souvent à des couleurs complémentaires côte à côte plutôt que de les mélanger. Lorsqu'ils sont côte à côte mais qu'ils ne sont pas connectés, ils créent un effet vraiment saisissant qui attire l'attention. Mais dès qu'ils s' entremêlent et se mélangent, ils s'annulent quelque peu et deviennent neutres Et nous pouvons utiliser ces deux options en fonction du résultat souhaité. Encore une fois, ce cours est l' occasion d'explorer cela et leur fonctionnement. Je suis vraiment impatiente de voir la galerie de projets étudiants et de découvrir les nombreuses variantes car je sais que vous avez tous des de vue et des parcours différents, que vous venez de lieux et de préférences différents. 24. Petits bourgeons: Pour créer une sensation de profondeur, je vais simplement ajouter rapidement quelques tiges supplémentaires avec petits bourgeons de différentes tailles. Au milieu de toutes ces petites zones herbeuses. Alors que nous arrivons à la fin de ce tableau, vous êtes peut-être au courant des différences entre vos peintures et celles de la galerie étudiante. Peut-être que le mien est plus chaotique ou peut-être que le mien est plus doux. Mais la vôtre, la mienne, qui soit d'autre, sont tout à fait valides parce que vous découvrez votre propre personnalité. Il n'y a aucune erreur dans cet exercice. Nous n'essayons pas vraiment de brosser un joli tableau. Nous essayons d'explorer le potentiel de l'aquarelle. C'est à cela que servent ces cours. Si vous avez tendance à être très précis, c'est un excellent sujet pour vous entraîner à lâcher prise, laisser les bords s'étaler et aux couleurs se mêler librement Et si vous êtes déjà très lâche, vous pourriez vous mettre au défi de placer une ou deux formes délibérées ou des accents sombres de plus que d'habitude. Bien sûr, il n'y a rien de mal à associer des peintures ici. Nous pouvons également utiliser cela pour nous aider à apprendre. Mais si vous avez l'habitude de le faire, nous pouvons peut-être nous entraîner planifier un soi rythmique assez unique, mais qui suit les mêmes concepts que ceux que je peins. Essayez de contrôler l'eau en vous fiant aux bords souples. Et plus nous répétons un sujet comme celui-ci, une peinture qui encourage l'expérimentation avec de faibles enjeux. Plus vos variations seront personnalisées. Et vous constaterez peut-être que vous inclinez toujours vos deux lèvres d'une certaine façon ou que vous privilégiez certains tons de couleur, puis vous saurez que pour les futurs tableaux, vous aurez une idée de ce que vous aimez, peut-être plus de vivacité, peut-être que vous aimez les tons plus sourds, peut-être que vous aimez plus Peut-être que vous commencez trop lourd et que vous devez le ramener. Peut-être que vous commencez par trop léger et que vous devez en ajouter beaucoup plus. Chacun vient d'un endroit différent en termes de compréhension et de ce qu'il veut accomplir. Peut-être qu'au lieu d'une grande composition pour ce projet, vous pouvez la diviser en trois ou peut-être tracer une ligne en trois et faire chaque section dans un style différent. 25. Éclats amusants: Maintenant, voici la partie la plus amusante, la plus désordonnée. Cela peut donc parfois être intimidant. Si vous n'êtes pas sûr d'ajouter des éclaboussures, vous pouvez utiliser une serviette ou quelques feuilles de papier pour couvrir les capitules afin de ne pas les endommager. Mais j'ajoute quelques éclaboussures plus haut, en fait, parce que cela ajoute un peu plus d'atmosphère La clé pour utiliser les éclaboussures est d'utiliser une brosse à poils très doux Vous ne voulez pas d'une brosse à poils rigides, car vous avez besoin cette flexibilité pour évacuer l'eau. Et si les poils sont très rigides, ils iront partout car vous utiliserez trop de force et vous aurez moins de contrôle. Vous pouvez donc voir que j'ai changé de pinceau. C'est une brosse très bon marché. Ce n'est même pas une marque célèbre. Je viens de le voir au magasin, et il a les poils les plus fins Donc, si vous voulez faire des splats, c'est la clé. Et il m'a fallu beaucoup de temps pour le comprendre, en fait. J'avais toujours l'habitude de me salir. Ils étaient auparavant incontrôlables et se retrouvaient partout parce que j'utilisais le même pinceau que le reste du tableau Et lorsque nous parlons de ces éclaboussures de fond ici, nous parlons en fait de toutes petites marques supplémentaires qui donnent la peinture une sensation de vie sans pour autant la transformer en chaos Ces éclaboussures ne se contentent pas de décorer la page Ils aident à briser ce vide du blanc. Ils ajoutent un peu plus d'énergie et nous pouvons les utiliser pour associer les couleurs à la peinture, comme ces jaunes Et nous ne faisons pas grand-chose. J'ai déjà terminé, et maintenant nous ajoutons les points forts. Mais ces éclaboussures empêchent les fleurs de ressembler à des autocollants sur un fond plat et mettent le tout dans une atmosphère parce qu'elles avaient cette profondeur Et, bien sûr, nous ne pouvons pas vraiment voir le pollen. Eh bien, nous pouvons voir du pollen provenant d'autres grands arbres et d'autres choses de ce genre et peut-être de quelques fleurs, mais je ne pense pas que vous pourriez voir du pollen, surtout pas si épais, mais je ne pense pas que vous pourriez voir du pollen, surtout pas si épais, mais cela y fait allusion Ces éclaboussures autour des fleurs et de la partie supérieure de la tige C'est essentiellement là que se trouve l'énergie. Et elles se dispersent en quelque sorte, elles deviennent plus silencieuses et moins fréquentes à mesure que nous effectuons un zoom arrière Bien que j'applique ces éclaboussures sur du papier sec, vous pouvez même essayer de mouiller d'abord le papier à certains endroits, puis d'ajouter éclaboussures sur du papier humide, presque 26. En réunissant tous les éléments: Vous pouvez considérer ces fleurs comme de simples cylindres ou tasses, légèrement éclairés d'un côté et un peu plus foncés de l'autre. Et puis ce petit changement de valeur les aide à se sentir bien. Et lorsqu'il fait plus sombre en bas, cela donne également une sensation de lumière, une lumière unifiée. Remarquez comment les tiges et les herbes créent une sorte de texture verticale qui équilibre la plus grande bande horizontale de fleurs. Nous créons donc le contraste de trois manières à la fois ici. Nous avons le contraste de valeur, le contraste chaud et le contraste froid, et le contraste entre bords doux et bords durs. Et c'est quelque chose que nous pouvons intégrer dans n'importe quelle peinture. Et le papier blanc qui entoure les fleurs est tout aussi conçu que les fleurs elles-mêmes, en fait. Ces formes vides font partie de la composition. Même si nous ne les avons pas peintes , nous les avons peintes autour d'elles. En répétant une couleur à différentes intensités, par exemple un rouge vif dans une fleur et un écho rose pâle dans une autre, nous créons une harmonie sans que tout se ressemble. Mais nous pourrions le peindre dans une palette beaucoup plus limitée. Peut-être que nous gardons toutes les fleurs entre le rouge, orange et le jaune et que nous expérimentons toutes les variations que cela peut apporter. Vous pouvez, en fait, prendre la roue chromatique, dessiner deux points et simplement expérimenter avec toutes les couleurs situées entre ces deux points. le moment, je cherche juste quelques endroits où une note légèrement plus foncée ou peut-être un petit surlignage peut aider l'ensemble de l'œuvre à s'assembler. 27. Réflexions finales !: Bon retour. Et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la peinture de tulipes expressives Nous nous sommes concentrés sur des formes de fleurs claires et simples, une variété de bords significative et des transitions de couleurs qui créent de l'éclat sans tracas. Ces idées s'appliquent à merveille aux coquelicots, aux tournesols, aux fleurs sauvages, à tout bouquet où couleur et le geste N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous quitterez ce cours avec envie d' expérimenter davantage votre palette et de laisser libre cours à vos marques de pinceau. J'ai hâte de vous voir dans les prochains cours d'ici là. Au revoir pour le moment.