Transcription
1. Introduction: Je suis Alanna. Je suis un artiste et illustrateur vivant à Toronto, au Canada. plus de deux ans, je me suis lancé dans un rêve de devenir illustrateur indépendant. Mon premier et le plus escarpé obstacle était le défi insaisissable de trouver mon style. C' était écrasant. À maintes reprises, je reçois les conseils d'illustrateurs établis en disant que la seule façon de trouver votre style était de faire beaucoup d'art. Ils n'avaient pas tort, mais je peignais tous les jours et mon travail ne me sentait pas comme moi, j'avais l'
impression qu'il me manquait quelque chose. La vérité, c'est qu'il n'y a pas de solution de contournement pour trouver votre style. Tu dois faire de l'art. Mais tout au long de ce cours, je vais vous montrer mon processus pour faire de l'art avec intention. Je vais vous montrer comment j'itère et expérimente pour construire un répertoire de motifs qui me ressemblent, et comment je réfléchis à mon travail pour affiner ce que j'aime, découvrir mes préjugés et me diriger vers où me concentrer max. Grâce à ce processus, vous serez sur la voie rapide de la création d'illustrations qui vous semblent fidèles. Nous commencerons par explorer ce qu'est le style, et passer en revue les éléments du design et la façon dont je les applique à mon travail. Ensuite, nous allons sauter dans six expériences que j'utilise, qui vous donneront des outils concrets pour développer votre style rapidement. Chaque expérience est basée sur l'un des six éléments de la conception. Ligne, forme, espace, valeur, couleur et texture. Il s'agit d'un cours multimédia qui conviendra à tous les niveaux de compétence, et peut être complété avec n'importe quel matériel que vous avez en main. Ce n'est pas un cours sur la création de bons arts, de mauvais arts, mais juste sur la création de beaucoup d'art et la réflexion sur votre travail. Fais un travail qui te ressemble, commençons.
2. Projet: [ MUSIQUE] Dans chaque expérience, nous peindrons un bug spécifique six fois, jouant avec les éléments du design ainsi que outils
moyens et des techniques tout en affinant mon style personnel. Que vous réalisiez une, deux, trois ou les six expériences, c'est à vous de décider, mais montrez tout ce travail acharné dans la section privée. La meilleure chose à propos de partager votre travail est que parfois cela peut vous donner une nouvelle perspective. Quelqu' un peut identifier une partie essentielle de votre style que vous n'
avez jamais remarquée parce que vous le fixez depuis trop longtemps. Skillshare est une communauté incroyable de gens
créatifs et j'ai tellement gagné en partageant mon travail pour obtenir des commentaires. J' ai inclus quelques images de référence pour chaque expérience dans le guide des ressources, que vous trouverez dans le panneau projet. J' ai hâte de voir vos projets. Ensuite, nous discuterons du matériel dont vous avez besoin pour ce cours.
3. Matériaux: Il s'agit d'un cours sur l'exploration de ce que vous avez et de ce que vous aimez. Il n'y a absolument pas une chose que vous devez acheter pour commencer. J' ai inclus une liste de quelques-unes de mes fournitures préférées et de mon guide de ressources de classe trouvé dans l'onglet projet. N' hésitez pas à vérifier que si vous êtes à la recherche de nouveaux goodies à essayer, mais sinon, prenez les fournitures d'art que vous avez et nous allons nous préparer à faire un gâchis. La seule chose que je recommande que vous ayez avant de commencer est un cahier, partie de papier ou des fiches. L' application de note sur votre téléphone fonctionnera également en une pincée. Je veux juste que vous ayez quelque part pour noter toutes vos observations, réflexions et questions que vous découvrirez au fur et à mesure que vous progressez dans les expériences. Tenir un journal d'art avec des observations sur mon travail était absolument la meilleure chose que j'aie jamais faite pour mon art et trouver mon style. En prenant le temps d'arrêter et de considérer et d'écrire ce que vous aimez dans votre travail, ce qui fonctionne et ce qui ne l'est pas. Vous allez faire un grand bond en avant. Pour moi, prendre des notes sur mon travail me rend plus libre de
créer parce que cela rend le processus de fabrication d'art tout aussi important que cette dernière pièce finie. Juste l'acte d'écrire les choses me rend plus intentionnel et réfléchissant, ce qui est la clé pour trouver votre style. Ensuite, nous allons clarifier ce qu'est le style ?
4. Style: Lorsque nous parlons de style, pour les besoins de ce cours, nous parlons de la combinaison particulière d'éléments qui s'unissent pour créer une personnalité unique et reconnaissable à travers les couches de travail d'un artiste. Ces éléments peuvent comprendre l'interprétation par l'artiste des éléments du design, ainsi que les matériaux de motifs, objets, les outils et les techniques que les artistes utilisent dans leur travail. Mais voici l'astuce. Votre style n'a pas besoin d'être tout à fait unique. Peu importe si un autre artiste utilise des couleurs ou des motifs similaires aux vôtres, car la façon dont vous combinez tous ces éléments est ce qui fera ressortir votre travail. façon la plus efficace de trouver votre style est de créer une tonne d'art, puis de le mettre ensemble pour trouver les motifs, les choses étranges que vous faites qui peuvent sembler bizarres, les choses qui surgissent encore et encore, le les choses que vous trouvez belles et les choses que vous aimez faire. En reconnaissant ces modèles, nous pouvons nous appuyer sur eux et commencer à les intégrer à notre travail de manière plus intentionnelle. Ensuite, un bref aperçu des éléments du design.
5. Éléments: Examinons rapidement les éléments du design que nous explorerons dans cette classe et les façons dont ils peuvent être utilisés dans votre style. Je vais juste donner un bref aperçu. Pour une explication plus détaillée des éléments et des principes du design, consultez la classe de Dylan M : Leveling Up Your Art Game,
The Elements and Principe of Design. Il est à noter qu'il n'y a pas de consensus sur le nombre d'éléments de conception. Je viens de choisir six comme point de départ pour explorer. Chacune des expériences suivantes portera sur l'un des éléments suivants. Une ligne n'est que deux points connectés. Les lignes peuvent être droites, rebobinage et organiques. Les lignes peuvent être utilisées pour créer le contour de votre pièce ou pour créer des ombres, ombrages et des détails à l'intérieur. Le matériau à utiliser affectera la personnalité de vos lignes de beaucoup de façons. Les matériaux comme l'encre, les stylos ou la peinture seront solides, clairs, tandis que quelque chose comme les crayons ou les pastels fera une ligne plus douce avec plus de texture. Certains outils créeront des lignes prévisibles, comme le stylo à bille, ce qui est excellent si vous créez beaucoup de travail avec détails ou si vous vous sentez plus à l'aise en sachant exactement où vos lignes finiront. D' autres outils comme un stylo à pointe ou un stylo à pinceau sont plus imprévisibles, ils peuvent
rendre votre travail plus lâche ou plus spontané. Quelque chose eux-mêmes sont aussi plus spontanés. Alors que quelque chose comme le verre crée des lignes de carte plates, aquarelle ou l'encre peut avoir des variations de
tonalité en fonction de la façon dont ils sèchent et de la quantité d'eau que vous avez utilisée. La forme, d'autre part, se réfère à n'importe quelle zone de couleur, texture ou d'un motif. Les formes peuvent être géométriques ou organiques. Les lignes et les formes peuvent fonctionner de concert, seront totalement déconnectés les uns des autres. Certains disent que lorsqu'il s'agit de l'art, il y a des gens de ligne et façonnent les gens. Vous savez peut-être déjà si vous avez enseigné dans l'une de ces catégories. Vous ne pouvez pas, ou vous pouvez les aimer tous les deux. Qui se soucie de ce que disent certaines personnes ? Certains supports et outils peuvent apprendre eux-mêmes à travailler intelligemment avec des formes et des lignes. Les pilons de stylo, par exemple, font des lignes vraiment terribles, mais sont un excellent moyen d'ajouter une couche de couleur douce pour une belle forme de texture. Mais vous pouvez aussi repousser ces limites. J' adore remplir des copeaux avec un stylo très fin pour faire une texture griffonnée. Même si un stylo fin peut ne pas
sembler d'abord être un excellent outil pour fabriquer des puces plus grandes. L' espace et l'espace négatif travaillent ensemble pour donner à votre image une sensation de profondeur et séparer les objets de ce qui les entoure. Si vous n'aviez pas d'espace négatif dans votre travail, tout serait simplement empilé sur lui-même tout folly vilain. L' espace vous permet de créer des regroupements d'éléments dans votre conception. Pour que les éléments se démarquent juste pour rendre les choses plus faciles à lire, puis en contrôlant votre espace blanc, vous pouvez également créer un style visuel, mais c'est tout à vous. Certains artistes utilisent beaucoup d'espace blanc, ce qui donne là un sentiment de travail d'ordre ou d'expansivité. Utiliser moins d'espace blanc peut créer un sentiment de chaos ou de vent. Valeur décrit simplement l'obscurité ou la légèreté de la couleur. Travailler en noir et blanc est un excellent moyen de commencer à comprendre la valeur et de s'assurer que vous définissez suffisamment de contraste dans votre travail. Bien que, par contraste, tout va commencer à ressembler plutôt même même même lorsque les couleurs peuvent être différentes. Votre œil ne saura pas sur quoi vous concentrer lorsque vous regardez une peinture ou une œuvre d'art. Une pièce avec assez de contraste, votre œil sera naturellement attiré vers les zones où il y a le plus de contraste. Au-delà de vous assurer que vous avez ce contraste peut également jouer avec la valeur comme un élément de votre style. Avoir beaucoup de contraste peut créer un style graphique audacieux à haute énergie. Moins de contrastes rivalisent composition qui est plus serein. La couleur est un peu plus compliquée. Il y a des tonnes de classes merveilleuses sur le partage de compétences sur la théorie des couleurs. Je vais juste vous donner un bref aperçu. couleur est le moyen le plus simple de transmettre l'émotion dans votre travail. Trouver une couleur que vous aimez n'est pas le moyen le plus rapide de rendre vos illustrations plus personnelles. Il y a trois couleurs primaires. les mélangeant ensemble, nous obtenons nos couleurs secondaires, puis en mélangeant ces couleurs et genre, nous pouvons créer toutes les belles couleurs de l'arc-en-ciel. Les couleurs avec du blanc ajouté sont appelées teintes. Les couleurs avec du noir ajouté sont appelées les nuances. C' est ainsi que la couleur et la valeur interagissent. Les couleurs avec principalement des nuances rouges sont considérées comme chaudes. Les couleurs étaient nuances bleues sont considérées comme cool. Vous pouvez créer certaines émotions dans votre travail dans la façon dont vous jouez des couleurs fraîches et chaudes. Les couleurs froides peuvent transmettre un certain nombre de choses, y compris un sentiment de calme ou de tristesse, de paix, de tranquillité. Les couleurs chaudes, d'autre part, transmettent l'énergie, la joie, la colère, entre autres émotions. Vous pouvez également utiliser le contraste entre les couleurs froides et les couleurs
chaudes pour souligner certaines parties de votre peinture. La texture fait référence à la façon dont les choses se sentent. Eh bien, regardez comme s'ils se sentaient touchés. Il peut sembler aux bananes de penser au toucher sur une surface plane. Mais les textures peuvent créer l'aspect plus tridimensionnel et rendre vos peintures plus immersives. Ils sont également la clé pour faire tout travail numérique que vous pouvez voir plus poli et intéressant. Les textures peuvent être calcaires, poussettes, brillantes, métalliques, tissées, feutrées ou mouchetées. Il existe des centaines de façons différentes de créer de la texture lors de l'utilisation de la couleur : espace blanc, collage, différents supports ou techniques. La façon dont vous utilisez la texture vous aidera à définir votre style. Ensuite, expérimentez une, Line.
6. Expérience 1 : la ligne: Alors ça commence. J' ai esquissé tous mes bugs et je suis prêt à expérimenter. Pour commencer, il pourrait être intéressant de noter que je suis assez sûr que je suis une personne en forme. Commencer cette expérience a été très anxieuse pour moi. Vous pourrez peut-être dire en regardant cette première expérience avec la ligne, combien je suis mal à l'aise et hésitant quand je planifiais exclusivement. Si vous vous identifiez comme une personne de forme, des expériences avec la ligne peuvent vous faire sentir de cette façon aussi. Ou peut-être que vous aimez les lignes et que vous êtes juste un peu rouillé et que vous avez beaucoup de résistance à commencer. Déposez votre pinceau, votre crayon ou votre stylo, et respirez profondément. Il n'y a pas d'enjeux ici. Si vous faites quelque chose de terrible,
c' est tout aussi précieux, peut-être même plus précieux que de faire quelque chose de bon. Nous essayons de découvrir ce qui fonctionne et ce qui
n'est pas pour nous d'exprimer notre propre voix unique. Tu ne pourras jamais faire ça si tu as peur de faire quelque chose de mauvais. Pour moi, l'idée d'esquisser des lignes avec un stylo était trop effrayant à supporter. Peinture Slime dans cet exercice parce que c'est là que je me sens le plus à la maison. Où vous sentez-vous le plus à la maison ? Commencez par là. L' autre chose que je vais commencer par vous dire, c'est que votre critique interne n'a pas sa place dans ces expériences. Faire travailler avec intention et réfléchir à ce travail est incroyablement précieux. Mais cette réflexion doit se produire une fois le processus de création artistique terminé. Après avoir posé votre pinceau, stylo, crayon, pris une collation, et détendu. Si vous essayez de réfléchir à votre travail au fur et à mesure,
cela affectera votre capacité à expérimenter et à prendre des risques. Vous devez aborder le processus de création d'art avec abandon, et seulement après vous vous asseyez et allez
tranquillement sur les choses qui marchaient et les choses qui ne le sont pas. Retour à la création. J' ai fini de décrire mon bug, faire des choix bizarres à coup sûr. Je ne sais pas pourquoi j'ai aligné l'antenne. Ils auraient pu être des lignes. Mais hélas, j'essaie de la trappe sur l'antenne, les jambes. Qui sait quoi d'autre ? Je l'apprécie beaucoup sur les petites zones confinées de l'espace. C' est peut-être un de mes préjugés que je ne découvre en travaillant. Mais j'ai évidemment une façon très orientée vers la forme de travailler avec la ligne. J' ai tracé toute la pièce. Beaucoup de gens qui sont plus à l'aise avec la ligne ne le feraient probablement pas. Ils décriraient simplement les morceaux où il y a ombres et des ombrages suggérant la forme du bug. Certaines personnes peuvent vous dire que c'est mal de décrire toute
la forme et c'est un peu amateuriste ou naïf. Mais franchement, j'aime ça. J' aimerais juste que les lignes soient un peu plus fortes, peut-être. C' est quelque chose que je garderai à l'esprit pour la prochaine itération. J' ai aussi décidé d'ajouter des taches aux yeux. J' avais envisagé de faire des lignes hachées allant dans les
deux sens pour en faire un peu comme un motif de porte d'écran. Mais je me suis dit, peut-être que les points pourraient ajouter plus de contraste à tous les motifs rayés et éclosions que j'ai fait [inaudible] dans ce tableau. Est-ce que les points prennent des lignes collées, qui veut dire ? J' ajoute également des lignes le long de la
coque pour indiquer que la forme de celui-ci en tant qu'objet tridimensionnel, c'est pourquoi ils sont incurvés. Une chose importante à noter pendant que nous travaillons à travers ces six expériences est que les éléments sont un point de départ. Donc, si vous travaillez en ligne et que vous obtenez ce coffre-fort d'inspiration que vous voulez avoir une forme déconnectée et frapper, faites-le. Voyez comment ça marche. Ça pourrait être un fantastique ou ça pourrait ne pas marcher, et puis tu apprendras une tonne. Mais vous ne devriez jamais vous sentir limité par ces expériences. Juste excité et poussé un peu au-delà de votre zone de confort. Pensez-y comme des étirements. Ok, essayons encore ça. La meilleure façon de faire votre meilleur art possible qui se sent le plus comme vous est d'itérer, ce qui signifie faire la même chose encore et encore et attendre des résultats différents. Ça ne te rend pas folle, ça fait de toi un artiste. Maintenant que je suis réchauffé, j'ai mis de côté ma brosse et j'ai pris un stylo. J' utilise toujours de l'encre. Je pensais que cela pourrait changer un peu dans la qualité des lignes, donnant un peu plus de personnalité et qui sait quoi d'autre. Jusqu' à présent, tout simplement très mal à l'aise. On va montrer que ça va. Vous remarquerez que la plupart des choses que j'ai essayées dans cette expérience sont assez similaires à ce que j'ai fait dans la dernière. Je me concentrais surtout sur ce nouvel outil, le stylo. Que, heureusement, j'ai réussi à ne pas tremper dans l'encrier et éclabousser sur mes mains dans le journal et qui sait quoi d'autre. Donc c'est une victoire. Sinon, je ne ressens pas vraiment ça. Ce n'est pas mal. Il n'y a rien de mal à ça. Mais ça ne me ressemble pas vraiment. Je ne sais pas si c'est la qualité de la ligne ou de la couleur, mais je vais certainement essayer autre chose dans la prochaine itération. Ils disent que la troisième fois est le charme, et cette fois j'ai pris une partie de ce que j'ai observé dans les deux premières expériences pour améliorer mon processus à l'avenir. Je me suis éloigné de l'encre noire parce que ça ne fonctionnait pas pour moi, et j'ai commencé à utiliser des crayons. C' est un médium avec lequel je suis très à l'aise. C' est un de mes favoris. Je l'utilise tout le temps. Donc, cette fois, je prévois de changer un peu les choses en échangeant les marques de hachure que
j'utilisais précédemment pour un motif plus géométrique basé sur la ligne. Je creuse aussi vraiment cet interrupteur que j'avais fait du noir au gris. Parce que le noir n'est pas une couleur que j'utilise beaucoup tous les jours dans mon art, ça ne me ressemble pas vraiment. Donc, quand j'utilisais de l'encre, parce que je pensais que c'était ce que j'étais censé utiliser pour les lignes, ça a fini par me sentir comme le travail de quelqu'un d'autre, qui n'est certainement pas ce que je veux. C' est l'une des choses dont vous pouvez prendre note pendant que vous réfléchissez. Les choses que vous apportez à votre travail, que nos hypothèses sur ce que devrait être la création d'art plutôt que ce qu'est votre création d'art. Mec, j'aime ce passage de l'éclosion à ces lignes, ils ressemblent à des collants de sorcière et j'adore ça. Je ne suis pas un gros utilisateur du modèle en général. Mes vêtements n'ont pas de motifs. Mon art n'a pas autant de motifs,
c'est quelque chose sur lequel je travaille, et ce motif rayé pourrait être la tique. Juste un rapide coup d'œil à ma page me dit déjà que je suis sur la bonne voie. J' adore ce troisième dessin tellement plus que les deux
premiers qui ne me ressemblaient pas du tout. Ça ne veut pas dire que j'aime celle-là. Il y a certainement des choses que je changerais. Comme si c'était les ampoules que j'avais faites. Pourquoi ai-je fait ça ? Qui est à dire ? Mais je suis définitivement sur la bonne voie. Maintenant, nous sommes sur le dernier dessin que nous allons faire ensemble. Les deux autres que je ferai tout seul, et ensuite on passera à notre réflexion. Dans l'esprit de cette expérience, j'ai changé de médiums à nouveau. Je suis de retour avec la brosse, travailler avec de la gouache cette fois, que vous savez peut-être déjà que c'est là que je suis le plus à l'aise. Je pensais qu'essayer de la couleur serait amusant. Donc, je prends la couleur que j'ai aimé et je suis déjà vraiment aimer combien cela se sent personnel pour moi. Mon plan est aussi de rester avec les éléments plus graphiques, comme les rayures et les points au lieu de l'éclosion que j'ai utilisée dans les premières expériences. Je pense avec la gouache plate avec laquelle je travaille. Cela rendra l'effet encore plus amusant et graphique. J' aime vraiment ça, mais voici le truc, ça n'est pas sorti de nulle part. Cela a été construit sur ces trois itérations précédentes que j'ai déjà fait. Maintenant que nous avons presque terminé cette expérience, je vais partir seul et faire plus d'expériences pour jouer avec ce style encore plus, pour le rendre plus mien. Ensuite, nous nous retrouverons ici pour notre réflexion.
7. Réflexion 1 : la ligne: Maintenant que nous avons terminé la première expérience, il est temps de réfléchir à notre travail. Vous pouvez le faire après chaque expérience et à nouveau à la fin, une fois que vous aurez un plus grand corps de travail dans lequel vous trouverez des modèles et réfléchissez. Vous pouvez également l'utiliser sur une base continue pour refléter tout le travail que vous avez créé pour devenir un illustrateur plus fort. Voici quelques questions que vous pouvez considérer lorsque vous réfléchissez à votre travail. Quels choix avez-vous fait au sujet de votre art avant même de commencer ? type de papier que vous avez utilisé, les outils, le support, plus de l'échelle, aimez-vous ces choix maintenant, réfléchissant sur eux après, que changeriez-vous si vous pouviez ? Que pensez-vous des couleurs que vous avez choisies ? Ils se sentent comme toi ? Tu les aimes ? Avez-vous découvert des préjugés que vous pourriez avoir au sujet du processus artistique ? Avez-vous trouvé que ces préjugés vous retenaient ? Avez-vous aimé travailler avec le médium et les outils que vous avez choisis pour cette expérience. As-tu aimé les effets qu'ils ont créés ? Avez-vous l'impression d'avoir suffisamment de connaissances pour obtenir l'effet que vous vouliez du médium ou des outils que vous utilisez ? Qu' avez-vous aimé faire le plus ? Qu' est-ce que tu n'as pas aimé ? Qu' est-ce que tu aimes, et qu'est-ce qui ne marche pas vraiment pour toi ? Eh bien, il y a quelques choses que j'ai très clairement aimé, le blush, ce motif géométrique que j'ai utilisé, les couleurs vives, surtout ce rose chaud, qui n'est pas normalement une couleur que j'utiliserais beaucoup. Qu' est-ce que j'ai pas aimé, l'encre et ces racines, les
petits yeux sur mon punaise de crayon, le stylo profond. Certaines de ces choses sont juste des choses avec lesquelles je ne suis pas à l'aise, mais aussi je n'aime pas leur apparence et je ne pense pas qu'elles me conviennent. Je ne vais pas concentrer mon énergie sur l'apprentissage d'améliorer mes compétences dans ces domaines. S' il y a une compétence que vous aimez l'apparence de, mais que vous n'avez tout simplement pas la capacité technique pour ce serait l'endroit où concentrer votre énergie. Certains préjugés que j'ai découverts, nous sommes d'abord et avant tout, ce biais ridicule, que pour être vrai art au trait, je devais travailler avec de l'encre. Je me faisais une ligne de haine en écoutant ce devrait, comme les coléoptères de lavage sont tout autant d'art au trait et j'ai adoré les peindre et bien qu'ils ne soient pas les mêmes que mon autre travail, je pense qu'ils se sentent toujours comme moi, ce qui les bugs d'encre que nous ne ferons jamais. Une autre chose à noter est que j'adore ce motif de scarabée. Je pense que je l'utiliserai à nouveau dans mon travail à l'avenir. Ensuite, nous allons expérimenter avec la forme.
8. Expérience 2 : la forme: Bienvenue à l' expérience numéro 2. Tu es déjà un sixième de la route. Vous avez fait tellement de travail et vous avez beaucoup appris sur votre style. Maintenant, nous allons nous concentrer sur les formes, peindre des punaises. Je sais que les punaises sont aussi des coléoptères, mais il y a différents types de coléoptères, donc nous allons juste rouler avec. Je peins tout mon corps de ma dame en rouge. Travailler autour de tous les spots que j'ai esquissés à l'avance. Cela peut sembler vraiment étrange, je pourrais juste peindre toute une couche de base de celui-ci, mais mon idée est que je vais faire tous les détails noirs en bleu et je sais que la peinture bleue que j'ai est un peu translucide. Je pense qu'en décrivant les zones et en les peignant autour d'eux, je peux obtenir une partie de cette translucidité à travers l'endroit où se trouvent les taches. J' utilise aussi un minuscule petit pinceau. C' est quelque chose que je fais beaucoup. Vous l'avez peut-être remarqué avant dans mes autres cours, mais j'aime beaucoup de coups de pinceau dans mon travail. Je suppose que c'est l'un des choix que je fais. J' utilise un petit pinceau pour obtenir plus de tours de pinceau. Si vous voulez moins de coups de pinceau, je suggère d'utiliser un pinceau plus grand car cela
minimiserait le nombre de coups de pinceau que vous pouvez voir dans la pièce finie. Travailler également avec le milieu le plus opaque serait probablement un bon choix. J' ai tendance à laisser ma gouache un peu du côté aqueux parce que j' aime voir les coups de pinceau et la texture du papier à travers ma peinture. Vous remarquerez que je déplace aussi beaucoup ma feuille de papier pendant que je travaille. C' est juste une technique pour m'assurer que j'ai le meilleur angle pour que je puisse faire les lignes les plus nettes et
précises et de cette façon je ne
tache pas tous les bords des choses que j'essaie de peindre autour. C' est aussi un excellent moyen de s'assurer que vous peignez
toujours sur la partie de la page qui est sèche sans vos mains sur les parties mouillées, risquant de lisser. gouache sèche assez rapidement, mais si vous travaillez avec un milieu d'eau, comme la couleur de l'eau, vous voudrez peut-être laisser un peu plus de temps afin que vous ne frottiez pas votre main à travers votre peinture, comme je le fais si souvent. Si vous avez besoin d'accélérer les choses, j'utilise souvent un sèche-cheveux bon marché que je garde près de mon bureau d'art pour sécher les choses afin que je ne les détruise pas. Maintenant, je vais commencer à travailler sur les zones traditionnellement noires de ma dame insecte. Comme dans l'expérience 1, j'ai appris que je n'aimais pas vraiment travailler avec un pigment noir pur dans mon travail, j'essaie un bleu profond dans celui-ci. Le bleu que j'utilise a un peu de translucidité donc j'espère qu'il aura un peu de profondeur. Pendant que je peins, vous remarquerez que j'ai laissé un espace blanc
entre les deux moitiés de cette coquille de coccinelle pendant que je peignais. J' ai pensé que ce serait un bon moyen d'ajouter une certaine dimension et de contraste pour le rendre un peu plus intéressant. J' ai également l'intention de laisser un peu d'espace blanc, bon gré gré gré gré gré à gré autour des points sur la coccinelle pour voir si cela ajoutera également du contraste et de l'intérêt. Une chose que je remarque déjà est que ces couleurs fonctionnent vraiment pour moi. Je crois que c'est le rouge. Je pense que le rouge est trop rouge. Un peu criard, comme le dirait mon mari. Je travaille normalement avec un mélange de tons d'outils profonds comme le bleu et le pastel. Ce rouge vif ne me ressemble pas vraiment à la maison. Jusqu' à présent, laisser de l'espace blanc autour des points n'est pas quelque chose dont je suis sûr, mais je vais m'en tenir parce que parfois, quand vous êtes à mi-chemin de faire un motif ou de finir un morceau, vous ne pouvez pas vraiment dire si ce que vous faites est bon ou si c'est faux. Je vais juste le voir et voir comment ça marche. Une autre itération, je fais quelque chose qui est un peu en dehors de ma zone de confort cette fois. Je travaillais beaucoup à l'aquarelle, mais dernièrement, j'ai travaillé à la gouache. aquarelle ne me semblait pas tout à fait comme moi, mais je vais faire un autre essai parce que parfois nous faisons des hypothèses sur notre travail, et nous avançons comme si elles étaient vraies,
et nous ne confirmons pas vraiment si elles sont vraies. J' aime déjà cette couleur, voyons comment tout le reste se passe. Eh bien, j'aime cette quantité choquante. J' adore les couleurs que j'ai utilisées. J' aime toute la profondeur et la texture que vous obtenez avec l'aquarelle. Même après un faux départ avec ces points sur les points, j'aime les taches de coccinelle, maintenant que je les ai réparées. Je vais juste ajouter un peu de liner fin maintenant parce que je pense que les bords auront besoin d'un peu plus de définition. Mais dans l'ensemble, je ne déteste pas ça. Je suppose que la question à me poser est, maintenant y a-t-il un moyen d'incorporer ceci ou des éléments de ce que j' aime dans ce style plus plat et pastels ? Ou est-ce important si j'aime ça ? Tout ce que vous aimez ne doit pas faire partie de votre style. Maintenant sur la troisième itération. Je suis de retour à travailler avec la gouache. Je pensais qu'en le mettant côte à côte avec l'aquarelle, je pourrais trouver de nouvelles façons d'incorporer ce style d'aquarelle que j' aime
vraiment dans mon style que j'utilise actuellement, qui est plus à base de gouache. J' utilise une couleur pastel cette fois parce que ça me ressemble un peu plus. Je peins toute la région, sans laisser les taches vides comme je l'ai fait la première fois avec de la gouache. Mon plan est d'utiliser la texture cette fois pour faire les formes, au lieu de simplement la couleur comme je l'ai fait dans les deux expériences précédentes. Vous vous souviendrez, d'après notre discussion sur les éléments du design, que la forme peut être n'importe quelle zone de couleur, texture ou d'un motif. Mais ce que je trouve jusqu'à présent, c'est que ma préférence quand je vais à, quand je n'y pense pas,
c' est de faire de la forme une zone de couleur. Je pense que c'est probablement le paramètre par défaut de beaucoup de gens. Même dans la dernière itération où j'ai essayé d'
utiliser une série de points pour faire des taches de coccinelles, j'ai fini par me douter et de peindre dessus. Donc, cette fois, je vais rester ferme. C' est peut-être la seule chose dont personne ne parle quand vous essayez de vous sortir de votre zone de confort. Il faut une main ferme. Parfois, vous arriverez à mi-chemin et votre malaise vous poussera à nouveau dans ce que vous savez. Vous allez peindre sur la chose que vous essayez et vous allez juste jouer en toute sécurité à la place. Il faut beaucoup de courage pour continuer à pousser même quand vous avez
l'impression de faire quelque chose qui n'est probablement pas génial,
parce que vous ne saurez jamais si c'est bon tant que vous ne vous laissez pas finir. Sur ce bug, j'ai décidé d'ajouter des petits pinchers parce que les punaises de dame en ont. Vous pouvez les voir dans les photos de référence. Donc, on verra comment je les aime à la fin. La couleur de la gouache fait tellement de différence, n'est-ce pas ? Je ne fais pas tout à fait si différent de ma toute première coccinelle, mais déjà cela me semble plus droit. Vous remarquerez que j'ai changé les petites taches sur chaque coccinelle. J' utilisais les images de référence que j'ai incluses pour tout le monde dans le guide de ressources. J' ai remarqué que toutes les petites taches blanches ne sont pas les mêmes. Pour être honnête, je n'avais même pas réalisé que les coccinelles avaient ces petites taches blanches sur leurs épaules avant regarder très attentivement l'image de référence. Parfois, la meilleure façon de commencer à bouleverser vos préjugés et vous
donner une chance de faire quelque chose hors de la boîte est de simplement se concentrer sur votre sujet, de comprendre ce que vous avez négligé. Parce que votre cerveau a cette idée de ce qu' est
une coccinelle et qu'elle ne correspond pas toujours à la vraie vie. Votre cerveau coupe les choses, donc il est facile de catégoriser chaque chose que vous voyez dans ce monde dans votre tête. Mais cela signifie que souvent, lorsque nous peignons à partir de notre imagination, ou que nous peignons quelque chose que nous supposons savoir peindre, nous devinons ce que nous sommes censés peindre. Je pense que c'est un projet de vieille école d'art. Cette idée de dessiner un vélo de la mémoire. Faire cela ou dessiner quelque chose de la mémoire peut parfois vous montrer combien vous ne savez pas et combien nous oublions d'utiliser nos yeux quand nous dessinons. Donc, en vous concentrant sur les images de référence ou quel que soit le sujet que
vous peignez, vous pouvez vraiment affiner ce qui est réellement là devant vous. J' ai commencé à peindre les taches. J' ai décidé de les faire stripy. J' ai aussi décidé d'ajouter un contour, quelque chose à propos de ce rose pâle sur le papier blanc n'était pas juste avec moi. Je pense qu'il avait besoin de plus de contraste. Presque fini, je crois. Mais parfois, ce qui arrive, c'est que
vous finissez votre peinture, vous êtes à un endroit où vous pensez que c'est fait, et vous prenez du recul, regardez et
réalisez qu' il y a juste un petit truc que vous devez modifier. Dans ce cas, j'ai réalisé que je n'aimais pas seulement le motif rayé, je voulais en faire plus un motif d'éclosion. Alors j'ai revu tout ça juste pour ajouter cette petite touche finale. Je pense que ça marche. Je pense qu'il fallait juste un peu plus de contraste et je suis content du résultat final. Parmi les trois coccinelles que j'ai peintes jusqu'à
présent, celle-ci me ressemble le plus. Coccinelle numéro 4, je redoute même de vous montrer ça parce que ça ne s'est pas bien passé, mais je suis très fier de moi parce que j'ai fait beaucoup de bonnes choses ici. D' abord, j'ai commencé à penser hors des sentiers battus. J' ai regardé mes trois premières coccinelles et je me suis : « Les coccinelles sont rondes, doivent-elles être rondes ? » J' ai donc décidé de faire une coccinelle carrée. Je ne dis pas que ça s'est bien passé, mais j'ai essayé. Je laisse de l'espace pour les points carrés de cette coccinelle. J' espère les peindre avec ce même bleu à nouveau et faire briller la lumière. J' ai fait un choix quand j'ai commencé ce tableau que je voulais le carré soit un carré organique funky plutôt qu'un carré parfait. Donc je ne l'ai pas esquissé avec une règle et déjà ça commence à m'embêter, j'aurais vraiment aimé avoir fait ça. J' ai aussi décidé de faire ses petites épaules carrées, sa tête carré. Je vais lui donner des petits pieds carrés aussi. Je suis vraiment allé sur ce plan. Mais voyez comment ça se passe comme Gauss. Eh bien, j'essaie de le sauver,
mais je ne pense pas que je vais jamais arriver à un point où j'aime ça. J' adore certaines choses à ce sujet. J' adore la translucidité du bleu. J' adore le rose et le bleu ensemble, mais dans l'ensemble, celui-ci n'est tout simplement pas pour moi. Je vais aller travailler sur mes deux dernières itérations et ensuite nous réfléchirons ensemble.
9. Réflexion 2 : la forme: Bienvenue à la réflexion pour l'expérience numéro 2. Si vous avez besoin d'un rafraîchissement sur la façon de réfléchir à votre travail, vous pouvez consulter la vidéo pour la réflexion 1 ligne, ou vous pouvez consulter le guide de ressources de classe où il y a des tonnes de questions
détaillées que vous pouvez utiliser pour vous guider dans votre réflexions. Commençons par ce que j'ai aimé. J' ai aimé le crayon, surtout la façon dont je l'ai utilisé dans la dernière itération. Je n'utilise pas souvent de crayon seul. Je l'utilise sur le squash. Je pense que j'avais oublié à quel point j'aime la texture tout seul. J' aime aussi les insectes qui n'étaient pas tout à fait rouges. J' ai aimé utiliser le bleu au lieu du noir. J' aime vraiment l'aquarelle, mais je ne suis pas sûr que ça me ressemble. Formes organiques, petits pinceaux et coups de pinceau. Des choses que je n'aimais pas. Ces stupides insectes carrés, des points dans les points. Même si j'ai adoré l'idée que le rose, j'ai utilisé pour le bug carré, ce qui est fou parce que je ne le déteste pas sur mon coléoptère. Peut-être que ce n'est pas vraiment bon pour moi. Quels biais ai-je découvert ? Eh bien, la première et avant tout,
c'est que les punaises doivent être rondes. Ce que j'ai appris surtout, c'est que parfois les biais, n'ont pas à être contrariés. J' ai essayé de faire quelque chose de nouveau et hors de la boîte et je n'ai pas aimé ça et c'est bon. Certains préjugés ne vous retiennent pas. Ils sont juste là en arrière-plan de votre création d'art. Ils sont totalement neutres. J' ai adoré ce motif et je vais probablement l'utiliser à nouveau dans mon travail à un moment donné. Ensuite, nous allons expérimenter avec l'espace et l'espace négatif.
10. Expérience 3: l'espace: Bienvenue à l'expérience numéro 3, nous sommes déjà presque à mi-chemin et dans cette expérience nous nous
concentrons sur l'espace ou, plus important encore, sur l'espace négatif. Je le mélange un peu ici. Pas que vous puissiez vraiment le dire. C' est en fait de l'aquarelle, pas de la Gouache, apparemment j'ai quelques couleurs que j'aime vraiment. J' ai l'intention d'utiliser une seule couleur, puis de jouer avec de l'espace négatif dans des endroits comme les yeux, ses petites mains d'insectes,
les ailes, et qui sait où d'autre ? J' utilise encore un petit pinceau. Je pensais que ça marchait bien de donner beaucoup de coups de pinceau
parce que les mouches sont floues et je veux qu'il ait l'air floue. Quoi qu'il en soit, l'espace négatif est une chose difficile à travailler avec si vous ne l'avez jamais fait auparavant. Une chose que je recommande si vous n'êtes pas à l'aise de travailler avec de l'espace négatif, est d'utiliser simplement du papier découpé. C' est un excellent moyen d'avoir une idée de l'espace et de l'espace négatif, parce que tout ce que vous coupez, c'est l'espace négatif. Je trouve aussi ça beaucoup moins intimidant parce que j'ai l'impression d'être à la maternelle à nouveau, coupant les coeurs pour mon panier de la Saint-Valentin. C' est complètement libérant. C' est l'endroit où j'essaie toujours d'aller avec mon art qui joue pour. J' ai l'impression d'être un enfant et je fais tout ce qui me chatouille sans aucune attente de louange ni aucune attente de succès. Quand vous arrivez à ce lieu d'émerveillement enfantin à votre création artistique, vous ne vous souciez même plus du succès. Ce n'est même pas une considération parce que vous réussissez quand vous faites de l'art. À ce stade, j'ai commencé à tracer les ailes. Je n'ai pas l'intention de les remplir avec autre chose que les petites veines d'insectes. C' est ce que sont les ailes ? Ce sont des os minuscules ? Qui veut dire, je n'en ai aucune idée. J' essaie aussi de garder ma peinture très humide pour que vous puissiez voir beaucoup de la texture de l'aquarelle. S' il y a un endroit que je trouve c'est translucide ou plus léger que ce que je veux. J' y vais après avec un peu plus de peinture et je la rendrai plus sombre. En regardant ce bug et en réfléchissant sur le travail que j'ai fait avant cela tout au long de la classe, je me rends compte que j'avais une hypothèse fondamentale que j'ai déjà totalement démentie parce que je pensais que je n'étais pas une personne bleue. Je croyais que je n'utilisais pas de bleu. Je pensais que j'ai utilisé des couleurs chaudes que les gars. Mais j'avais tellement tort. J' utilise tellement de bleu, parfois quand nous faisons de l'art, nous avons cette histoire dans notre tête que nous
nous disons qui ne reflète pas réellement la réalité. Nous nous disons que nous aimerions un travail détaillé quand cela
nous fait mal au dos et nous n'aimons pas le faire ou nous
nous disons que nous n'aimons pas la couleur bleue parce qu'elle ne nous
ressemble pas , mais chaque fois que nous prenons un tube de peinture, nous attrapons la peinture bleue. Lorsque vous entrez dans un cycle sans fin de création d'art, parfois nous ne prenons pas le temps de regarder notre travail et de reconnaître ces modèles. En parlant de motifs, j'ai commencé à ajouter les veines ou tout ce qu'on appelle, aux ailes de l'insecte à ce stade et j' aime
vraiment la translucidité de l'aquarelle ici. C' est une chose que tu n'as pas autant avec Gouache. Il manque encore quelque chose. Je pense que je vais commencer à jouer avec un crayon de crayon, ce qui est mon incontournable, je sais. Mais j'ajoute ce bleu foncé pour ajouter plus de profondeur et de texture et je peux gribouiller avec. Je pense que cela rendra la peinture globale beaucoup plus lâche et amusant. Je vais juste prendre un moment pour effacer le croquis sous-jacent que j'ai ici. Parce que je me rends compte maintenant que j'utilise un crayon de crayon, il peut être plus difficile de l'effacer plus tard sans salir accidentellement mon travail réel. Si vous prévoyez de faire plus de peinture, assurez-vous de vous débarrasser de tous les bits de gomme. Sinon, ils vont sécher dans votre peinture et rendre votre vie misérable. Vous pouvez les supprimer ultérieurement si vous numérisez à l'aide de l'outil de guérison dans Photoshop. Mais c'est vraiment plus facile de ne pas les coincer dans votre peinture en premier lieu. Je vais ajouter plus d'espace blanc maintenant pour créer texture sur le corps de la mouche avec un stylo à pâtes. C' est un stylo magique. Ce sont des peintures acryliques, je suppose que dans ce petit tube de fantaisie et ils fonctionnent très bien. J' ai toujours trouvé que les stylos gel étaient assez incohérents. Ils commençaient et s'arrêtaient et il serait difficile de les
mettre en marche quand j'essayais de faire du travail. Mais le stylo à pâtes n'a aucun de ces problèmes. J' ai ajouté un motif croisé aux yeux des insectes et je l'aime. J' ajoute juste plus de détails à ses ailes maintenant avec un crayon bleu plus léger. Je pense qu'on a presque fini. Pour cette deuxième itération, j'ai fait un saut hors de ma zone de confort. J' ai utilisé un peu de liquide de masquage pour l'art des mots. J' utilise au début de chaque mois sur Instagram. Mais c'est quelque chose que je n'ai jamais essayé avant. Voyons ce qui se passe. [ MUSIQUE]. Cela ne semble pas mieux maintenant que de récupérer ce liquide de masquage, et franchement, je ne suis pas super expérimenté avec le liquide de masquage, mais je peux dire que ce liquide de masquage que j'ai n'est pas génial. Ça laisse mon papier teinté en jaune. C' est incroyablement difficile à enlever. Je dois utiliser cette gomme, sinon, ça arrache vraiment la page. Si vous allez utiliser du liquide de masquage, je suggère de ne pas utiliser cette marque Daniel Smith, obtenir quelque chose d'autre qui est un peu moins horrible. Je vais voir si je peux récupérer ça avec du crayon. te voir ce que je peux faire. Au moins, cette coccinelle carrée n'est pas la pire chose que j'ai peinte maintenant parce que c'était mauvais. Voyons ce que je peux faire maintenant, jouant à nouveau avec le brillant, mon plan est de faire une peinture avec le moins d'espace blanc possible. J' ai l'intention de couvrir toute la zone en peinture. La dernière fois que j'ai laissé les ailes totalement ouvertes et libres, ce qui leur a donné un réel sentiment de légèreté. Cette fois, je vais utiliser un bleu pâle. J' utilise aussi un gris ardoise plus foncé pour le corps de la mouche. Mon plan est d'utiliser une couleur rouge effrayante pour les yeux parce que j'ai vu que c'était le cas dans beaucoup de la référence. Cela peut être un bon moment pour discuter photos de
référence lorsque vous travaillez pour trouver votre style, la meilleure façon de le faire est de travailler de la vie. Mais la réalité, c'est qu'il y a juste des choses que vous ne pouvez pas peindre de la vie, comme une mouche , par
exemple, ces petits buggers vont s'envoler à chaque fois, probablement avant même d'avoir un stylo à papier. Dans ces cas, la meilleure chose à utiliser sont des photos de référence, sont des représentations assez précises des choses de la vie. Vous voulez vous assurer que vous travaillez à partir de photos de référence telle manière que vous ne copiez pas. Vous ne volez pas le travail de cet autre artiste ou sa composition ou les détails de la façon dont ils ont créé leur œuvre d'art. Ce que vous essayez de faire est juste de clouer tous les détails sur la façon de créer cette chose spécifique. Dans ce cas, une mouche. Je ne vous conseillerais jamais d'utiliser une autre illustration comme base de votre art. Le problème avec ça, c' est que vous voyez cette chose particulière à travers les yeux de quelqu'un d'autre, ce
qui rend vraiment difficile de faire quelque chose qui vous est unique. Cela ne veut pas dire que vous ne devriez pas regarder le travail d' autres artistes et illustrateurs de façon continue. Regarder le travail d'autres artistes et illustrateurs est un excellent moyen de
former nos yeux et d'obtenir des idées de choses à essayer, mais vous ne voulez pas voir le monde à travers leurs yeux. Tu veux voir le monde à travers tes yeux, c'est comme ça
que tu fais un travail qui te ressemble. Retour à ma peinture. Je suis presque au point où j'ai tous les petits détails de cette légère couleur bleue remplie. Maintenant, je vais ajouter un peu de texture. Bien sûr, je cherche des crayons de crayon, quoi d'autre vous attendez ? Il se passe quelque chose qui est assez facile à voir dans
la vidéo, mais qui m'a été beaucoup plus difficile à reconnaître comme je créais. Il se passe quelque chose de fou avec les ailes de cet insecte. Pour une raison quelconque, j'ai décidé de mettre ses jambes venant de derrière lui. Mais ses ailes sont entre ses jambes et son corps. Je ne pense pas que c'est comme ça que ça marche. Heureusement, je travaille avec gloss, donc c'est quelque chose que je peux facilement réparer par la suite en
peignant dessus de telle manière que vous ne pouvez pas le dire. Mais vous pouvez constater que vous créez que parfois cela vous arrive aussi. Vous êtes tellement en ce moment que vous manquez quelques détails. C' est pourquoi il est vraiment précieux de faire un travail comme celui-ci, d'itérer et d'expérimenter et d'essayer les mêmes choses encore et encore. De cette façon, lorsque vous êtes dans une situation où vous illustrez ou faites art sous pression que vous devez livrer à un client, alors vous n'aurez pas à vous soucier de faire de petites erreurs comme celle-ci, parce que les motifs que vous aimez sera déjà fermement ancrée dans votre catalogue de tous les motifs que vous connaissez et aimez afin que vous puissiez les produire à la demande d'une manière cohérente qui vous ressemble et qui n'a aucun de ces détails bizarres hors de propos. J' ai aussi commencé à utiliser un stylo gel blanc
afin de créer un peu plus de texture sur le corps, un peu de point culminant pour son cadre de mouche floue, c'est un peu plus griffant que d'utiliser des stylos pascal. Je pensais que ça ferait une texture encore plus floue. Maintenant, nous sommes sur la dernière mouche que nous ferons ensemble. Les deux prochaines, je partirai et je le ferai tout seul avant de faire notre réflexion. J' utilise un marqueur de porcelaine, qui est un type de support de résistance. C' est cireux. Tout support à base d'eau que vous mettez dessus
va simplement glisser tout de suite, laissant des zones blanches. Contrairement au fluide de masquage, vous ne pouvez pas peindre sur les zones sur lesquelles vous avez utilisé le marqueur de porcelaine, ils vont toujours rester blancs, ce qui n'est pas nécessairement mauvais, juste est quelque chose que vous devez planifier. Je les ai utilisés pour toutes les veines intérieures de mon aile. J' utilise aussi l'aquarelle ici. J' essaie d'incorporer un ton d'aquarelle plus pastelly. Voyons comment ça se passe. Eh bien, je pense que celui-ci pourrait être l'un de mes favoris. Je ne sais pas, j'aime vraiment beaucoup de ces mouches. Ils sont tous très différents, mais ils sont tous des choses que j'ai aimé faire et des choses que j'aime le look de l'exception de cette mouche qui ne doit pas être nommée de façon évidente. Une chose que j'aime vraiment à propos de cette mouche est la façon dont
la texture est venue de cette utilisation de l'espace négatif avec l'aquarelle. J' ajoute juste quelques derniers détails maintenant. Je vais juste partir peindre mes deux dernières mouches non, et ensuite on se retrouve pour notre réflexion.
11. Réflexion 3 : l'espace: Bienvenue à notre troisième réflexion. Ici, nous réfléchissons sur nos vols spatiaux négatifs. Nous allons commencer par ce que j'ai aimé et choquant, il y a beaucoup, je ne m'attendais pas vraiment à avoir autant de plaisir avec les mouches. J'adore le bleu. J' ai adoré utiliser un stylo pour créer un espace négatif ou simplement laisser des zones pour créer un espace négatif qui ressemblait à de la texture. J' ai adoré travailler avec le marqueur chinois. J' adore ma dernière mouche. C' est un design graphique très audacieux en gris. J' aime aussi étonnamment cette troisième mouche où j'ai foiré les ailes et l'ai réparée. Cette texture de la gouache sur le dessus de la gouache gris foncé où vous pouvez voir le corps à travers fonctionne vraiment pour moi et je pourrais l'utiliser intentionnellement plus tard. Les choses que je n'aime pas évidemment cette horrible mouche fluide de masquage qui ne s'est pas bien passé, je n'étais pas un fan de cela. J' en ai aussi essayé un avec sépia au lieu de noir, et je n'ai vraiment pas aimé cet effet. La sépia est aussi bizarrement avec moi qu'elle noirci. Je ne vais pas réessayer ça à l'avenir. Une chose que j'ai également remarqué est que mon parti pris dans ce cas est un biais contre la couleur de l'eau. J' ai fait plusieurs expériences maintenant à l'aquarelle. Deux au cours de cette expérience et je l'aime juste. Je ne sais pas si cela signifie que je dois essayer de trouver des moyens de l'intégrer dans mon style. Ou je dois essayer de trouver des moyens de l'intégrer comme un passe-temps si je ne pense pas que cela convient à mon style. Mais de toute façon, je pense que je dois donner une autre chance à l'aquarelle. Un autre biais que j'ai remarqué en regardant ces dernières expériences terminées, est que j'avais un réel désir de travailler d'
une manière réaliste quand il est venu à ces mouches pense que c'était parce que j'étais mal à l'aise les peindre. Mais à l'avenir, si j'inclut des dépliants comme motif dans mon travail, je vais presque certainement les dessiner comme un point avec de petites ailes et je ne les ai pas peints cette vague une fois ici. Parfois, notre désir de voir important ou comme nous savons ce que nous faisons entrave notre style. n'y a rien de mal à peindre des choses ou
à dessiner des choses d'une manière simple qui fait partie d'un style aussi. Ensuite, nous allons expérimenter avec la valeur en peignant des papillons.
12. Réflexion : la valeur: Bienvenue à l' expérience numéro 4. C' est le tout premier papillon que j'ai jamais peint de toute ma vie. Pendant longtemps, je me suis senti intimidé par eux. Ils ont l'air super effrayant à peindre et pour être honnête, ils sont plutôt girly et ça n'a jamais été vraiment mon style. Mais déjà à ce stade de l'expérience, en regardant ce que j'ai peint et assis processus à proximité, je peux vous dire que je suis sur le point de peindre environ un 1000 papillons. Je profite vraiment de ça. J' ai trois couleurs différentes de bleu que j'ai commencé avec : bleu clair, un bleu foncé, et un bleu moyen mais déjà j'ai trouvé que je n'avais pas assez de couleurs, donc j'ai dû ajouter du noir à mon bleu foncé là
pour obtenir assez de contraste afin qu'il serait différencié du corps du papillon. Puisque les papillons ne sont pas un motif que j'utilise très souvent, je ne me sens pas vraiment à l'aise de le faire. Dans ce cas, je prends de près les photos
de référence pour que je sache à quoi ressemble un papillon. En peignant des papillons réalistes quelques fois, ça me donnera cette capacité freestyle dans le futur parce que je
saurai ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas sur les ailes d'un papillon. Je saurai ce qui a du sens logiquement et ensuite je peux jouer avec ça. Je peux enfreindre ces règles, mais je saurai quelles sont les règles. Pablo Picasso a une citation et j'adore ça. C' est une de mes citations préférées. C' est : « Apprenez les règles comme un pro pour que vous puissiez les briser comme un artiste. » J' utilise un stylo gel blanc ici pour ajouter des détails sur les ailes, petits points et les rayures. Normalement, j'utiliserais mon stylo posca, mais je veux ce que le stylo gel a à offrir dans cette situation parce qu'il est un peu plus léger, c'est plus beau que mon stylo posca. Je pense que ça marche très bien. Je vais aussi utiliser ce stylo gel blanc pour ajouter des choses et des reflets au corps de l'insecte et à ses ailes. Une chose que j'ai trouvée très utile pendant que je travaillais à travers ce cours, était de pouvoir voir mon travail d'un point de vue différent. Pour moi, c'est parce que mon Mac Care projette
toutes les images sur mon iPad pour que je puisse voir ce que je peins pendant que je filme, mais j'ai vu des recommandations de mettre un miroir à côté de toi et de peindre ou simplement de prendre votre temps au milieu de votre peinture et de vous éloigner et de revenir. Parce que souvent, quand on est au milieu de la peinture, on ne voit pas vraiment ce qu'on fait. Nous sommes tellement concentrés sur les détails. Prendre le temps de s'éloigner et de voir ce qui fonctionne et ce qui ne l'est pas est vraiment utile. Je me souviens que j'avais pris un cours d'art l'été dernier et que je détestais ma peinture. J' étais prêt à sortir de la classe. Je détestais tellement ma peinture. C' était comme une perte de temps de travailler dessus. Les gens venaient dire que ma peinture était bonne et que je pensais que c'était des menteurs. Ce n'est que lorsque je suis parti pour changer mon modèle de peinture et que je suis revenu que j'ai réalisé que ce n'était pas mal, ce n'était pas un mauvais tableau du tout. Il était en fait entièrement sur la bonne voie et aller exactement où je le voulais. Mais j'avais besoin de ce temps, de
ce souffle, de cet espace pour partir et revenir avec des yeux
frais pour voir ma peinture pour ce qu'elle était vraiment. Assurez-vous de vous donner le temps de voir votre peinture ou dessin ou tout autre art que vous créez pour ce qu'il est vraiment. Que ce soit pour la mettre de côté pendant la nuit et y revenir le lendemain matin ou simplement pour prendre un verre d' eau parce que nous avons tous besoin de boire plus d'eau. Je reste avec Gouache cette fois, mais je vais essayer un motif plus géométrique sur ce prochain papillon. Je travaille dans des tons bruns chauds. Je vais voir comment j'aime ça aussi. Eh bien, je n'aime pas ça autant que mon premier papillon. Je ne pense pas que le modèle se soit traduit aussi bien. Ça semble un peu trop dur et dur. J' essaie d'ajouter quelques détails de mes stylos Posca pour peut-être tout mettre ensemble. Nous le découvrirons. Quand les stylos Posca échouent, je suppose que c'est la limite à atteindre pour un crayon. Voyons si je peux le faire fonctionner avec ça. Le seul avantage que je trouve de travailler sur quelque chose que vous pensez n'est pas tout à fait correct, c'est que vous atteignez un point où vous ne pouvez pas tout gâcher. Si vous détestez déjà, alors vous pourriez aussi bien essayer d'expérimenter nouvelles
choses et voir ce que vous pouvez faire fonctionner, et peut-être que ça finira toujours terrible. Mais tu n'as pas perdu le truc de l'étude. Tu n'aimais déjà pas la peinture à l'avance. Peut-être que vous trouverez un ingrédient magique qui peut tout rassembler. Dans ce cas, je ne pense pas que ça va arriver. Je veux dire, il y a des choses que j'aime vraiment. Les petites taches sur les ailes ont une texture fantastique en eux. Vous ne pouvez pas le voir aussi de loin, mais ça me plaît beaucoup. Cela dit, j'ai toujours l'impression que ce papillon n'a pas l'air assez volant pour moi. Mais c'est bon parce que je vais prendre toutes les choses que j'ai remarquées en travaillant sur ce papillon et l'apporter dans ma prochaine itération. Je sais que dans ma dernière expérience, je n'aimais pas les tons jaunes bruns. J' essaye des bruns de ton minuscule cette fois, peaufinant juste un peu, jouant
toujours avec valeur uniquement en utilisant ces tons de couleur, rien de trop fantaisie. Je me concentre également sur l'utilisation de couleurs plus claires, parce que la dernière semblait trop lourde pour moi. Je pensais qu'en me concentrant sur des valeurs plus légères, je pourrais le rendre plus léger et plus éthérée, qui est vraiment ce que je vais faire avec ce papillon. C' est aussi juste, en général, une bonne idée de commencer avec vos couleurs les plus claires et de travailler à l'obscurité. Lorsque vous commencez avec une couleur plus foncée, il est très difficile d'accumuler suffisamment de couches de peinture pour la ramener vers le bas pour être plus léger si vous avez décidé que vous voulez qu'elle soit plus légère. Mais si vous commencez la lumière, vous pouvez progressivement construire ces zones plus sombres de peaufinage des couleurs au fur et à mesure que vous allez. Ce brun que j'utilise pour le corps du papillon est exactement
le même brun que celui que j'ai utilisé dans la dernière expérience. Pour une raison quelconque dans la dernière expérience, je ne l'ai pas aimé, mais en ce moment, je suis très intéressé. Maintenant, j'ajoute quelques lignes avec cette couleur de brownie. Je ne sais pas ce qui m'a possédée, mais ils sortent très lâches et j'adore ça. J' aime comment ils traînent au large du bord du papillon, j'aime comment ils sont un peu imprévisibles. C' est drôle parce que je n'avais pas
l'impression que les lignes de crayon étaient moi quand je les utilisais dans l'expérience de première ligne. Mais maintenant que j'utilise ce crayon pour créer des lignes sur le dessus de la gouache, je l'aime vraiment et ça me détend vraiment. Peut-être que c'est quelque chose que je peux mettre dans ma boîte à outils pour l'utiliser à l'avenir. Je suis aussi très fier de moi-même. Quand j'utilise des crayons, je les utilise vraiment intuitivement. Je prends la couleur la plus proche de ma main qui pourrait marcher. Je ne les regarde pas beaucoup. Dans ce cas, je l'ai cloué. Cette couleur est la variation parfaite dans le ton entre le brun foncé et le rose. En superposant des zones de couleur avec le crayon de crayon au-dessus de la gouache, je crée aussi des variations de valeur. Considérant que je n'utilise que deux couleurs différentes, crayon crayon, et deux couleurs différentes de gouache, je reçois beaucoup de couleurs différentes en fonction de la façon dont je superpose les pigments. En utilisant le crayon brun foncé autour du corps et en l'utilisant d'une manière plus claire pour créer des zones plates de couleur. Je pense que ensuite, je vais essayer un papillon encore plus sombre pour récupérer après cette première expérience ratée avec un papillon noir. Je pense que peut-être si je me concentre sur l'utilisation de nos couleurs avec des zones de contraste, ça va le faire ressortir. Eh bien, cette tentative s'est certainement mieux passée. J' ai utilisé une peinture foncée mais je l'ai laissée aqueuse pour que vous puissiez voir beaucoup de la texture de mes coups de pinceau. J' utilise le stylo Posca pour ajouter des détails sur les bords. J' utilise le crayon ordinaire que j'ai appris et sont dans notre expérience de forme pour le corps de notre coccinelle, et franchement, tout cela fonctionne pour moi. Je vais aller compléter les deux derniers papillons seul et ensuite nous reviendrons ensemble pour réfléchir les yeux.
13. Réflexion 4 : la valeur: Bonjour, et bienvenue à la réflexion numéro 4. Comme toujours, si vous avez besoin d'un rafraîchissement sur la façon de faire toute votre réflexion, consultez la première vidéo de réflexion pour l'expérience numéro 1 ou le guide de ressources de classe, où il y a toute une liste de questions. Commençons par ce que j'ai aimé. J' aimais juste les papillons. C' est un choc pour moi, mais ils sont super amusants à peindre. J' ai aussi aimé travailler en monotone, travailler crayon lâche avec ou sans lavage en dessous. Ce que je n'aimais pas. Mon plus gros stylo Posca m'
a laissé une grosse splotch sur mon papillon noir là-bas, que je n'aime pas vraiment. Normalement, j'utilise la plus petite taille, et je pense que je vais m'en tenir à ça dans le futur. Je n'ai pas aimé le motif plus géométrique, mais il n'y a vraiment pas grand-chose d'autre. J' adorais travailler sur ces papillons. Quand il s'agit de partialité, mon parti pris était les papillons eux-mêmes. J' avais cette idée dans ma tête de ce que les papillons devaient peindre. Je pensais qu'ils seraient durs et qu'ils étaient trop girly, ou du moins j'ai pensé. En deux ans de peinture, je n'avais pas peint de papillon une seule fois. Maintenant, je me demande quelle autre chose est mon pantalon de juge qui m'empêche d'essayer de peindre. Je vais chercher encore plus de conseils que j'ai radiés pour diverses raisons. Ensuite, nous allons expérimenter avec la couleur.
14. Expérience 5 : la couleur: Bonjour et bienvenue à l'expérience numéro 5, où nous jouons avec la couleur. Cette fois, j'ai décidé de commencer avec une palette vraiment chaude. Je me sens comme je l'ai joué assez sûr couleur sage dans ma dernière expérience, même si j'ai aimé la plupart des couleurs que j'ai utilisées. Cette fois, je vais essayer de faire des choses qui sont un peu plus hors de ma zone de confort. Je n'utilise pas beaucoup de couleurs vives, je pense que nous en avons discuté dans la deuxième expérience sur la forme, donc cette fois je vais essayer de faire quelque chose flay-me tonique qui me convient. Dans la plupart des expériences de valeur, j'ai utilisé de la gouache avec un peu de pointe de stylo, et du crayon, et d'autres bits et bobs. Cette fois, je commence avec le crayon pour essayer quelque chose de différent. Bien que je vais encore ajouter de la gouache, cette fois au lieu de mettre la gouache d'abord puis d'ajouter du crayon sur le dessus, j'ai fait le crayon crayon d'abord, et j'ajoute de la gouache sur le dessus. J' utilise la gouache pour beaucoup de détails sombres, parce que je trouve que le travail n'a pas vraiment autant de contraste que je le voudrais, surtout parce que je travaille sur ce papier vraiment denté qui laisse beaucoup de blanc de le papier brille lorsque vous travaillez avec du crayon. Si je travaillais sur un papier plus lisse, je pourrais trouver qu'il y avait plus de contraste, ou si j'utilisais juste plus de pression sur le crayon de crayon, mais ce n'est pas l'effet que j'aimerais en ce moment. Quand j'ai travaillé avec les papillons, j'ai eu beaucoup de souci à leur donner l'impression qu'ils étaient censés regarder. Je pourrais dire dès que je commencerai sur ces libellules que je n'ai pas vraiment beaucoup de souci pour ça apparemment. Je travaille d'une manière vraiment abstraite, juste en utilisant la forme du bug pour jouer avec la couleur, la texture, et les détails sans trop se soucier de ce à quoi il ressemble vraiment. Votre style peut inclure ces deux aspects. Une façon naïve, abstraite, ou bizarre de travailler et quelque chose de plus réaliste, vous n'avez pas besoin d'en choisir une seule. Parfois, mélanger les deux choses ensemble peut rendre votre travail plus dynamique et intéressant,
et parfois quand vous travaillez sur quelque chose
d'une manière vraiment abstraite et que vous le mettez à côté de quelque chose qui est vraiment détaillé, c'est une excellente façon de mettre l'accent sur cette représentation détaillée et
réaliste d'une chose. Une chose à considérer pendant que vous peignez est que la chose dans laquelle vous mettez le plus de détails et de temps dans, ce sera probablement la chose qui attire le plus d'attention, parce que vous avez travaillé le plus. Il va avoir cette clarté nette que le reste de l'espace autour peut ne pas avoir. Donc, s'il y a quelque chose que vous voulez attirer l'attention, c'est l'endroit où passer votre temps. S' il y a quelque chose que vous ne voulez pas que les gens remarquent, peut-être
que vous avez foiré aligner, c'est un endroit où vous ne devriez pas faire autant de bruit parce que vous allez attirer l'attention sur elle. J' ai presque fini les ailes et je me
rends compte que je veux que le corps de cette libellule se démarque un peu plus. Donc j'ajoute une couche supplémentaire de gouache sur le dessus parce qu'il a une couleur beaucoup plus foncée. J' ai utilisé un mélange d'une couleur rouge vin et d'une couleur magenta plus foncée, pour donner beaucoup de lumière à la peinture et pour attirer le focus vers les ailes et le haut du corps. Maintenant, je viens d'ajouter quelques derniers détails au crayon de crayon. Pour cette prochaine libellule, je saute loin de ma zone de confort. J' ai ces marqueurs Copic, je les utilise beaucoup pour mon journal à doodle que je garde, mais je ne les ai jamais utilisés sur de l'art réel. Mais j'essaie de faire une
libellule fraîche et j'ai pensé que ça pourrait être juste le billet. Je pense que je pourrais ajouter un peu de couleur d'eau aussi. Voyons comment ça se passe. J' essaie beaucoup de choses différentes ici. J' essaie une sorte de [inaudible] schéma de couleurs vives. J' essaie un corps très géométrique pour ma libellule. J' essaie ce fond rose pâle,
ce qui, je ne suis pas sûr, va marcher, déjà je le remet en question,
mais je suppose que nous verrons. Je vais ajouter une tonne de détails
aux ailes parce que je veux vraiment qu'elles soient un point focal. Je vais ajouter un tas de couches qu'ils ressemblent toutes les petites veines sur une vraie ailes de libellules. Les ailes sont aussi là où je vais jouer le plus directement avec le schéma de couleurs que j'ai choisi. Parce que j'utilise ce schéma de couleurs complémentaires, je veux utiliser un tas de bleu-vert, jaune, vert et rouge. Je vais superposer ces couleurs et les alterner pour rendre les ailes irisées. Je vais aussi jouer avec la valeur en utilisant des tons
plus clairs des verts pour faire un véritable effet scintillant. On verra si ça marche ou si ça ne marche pas. Je suis collation complètement vendu sur ce travail, mais je suis plus que prêt à essayer d'échouer. Quand vous regardez ces libellules que j'ai peintes jusqu'à présent, une chose que j'ai remarqué de toute façon est combien dans cette toute première
libellule, le contraste sur le corps attire vraiment votre œil là-bas. Les ailes ne sont que quelque chose que vous appréciez après coup. Cette libellule sur laquelle je travaille en ce moment est le contraire. Même s'il y a beaucoup de choses dans le corps, beaucoup de couleurs, beaucoup de formes, cette touche rouge vif de couleur au bout des ailes est ce qui attire mon œil tout de suite. Red le fera presque à chaque fois que vous l'utilisez. C' est une couleur de haute intensité. Les néons le feront aussi, des jaunes
brillants, des roses vives. Chaque fois que vous pensez à la couleur et que c'est la chose à garder à
l'esprit, l'intensité va attirer l'attention. Quand il n'y a pas un cadeau de couleur intense, ce sera le contraste comme la prochaine chose qui
va amener vos spectateurs à l'endroit où vous voulez qu'il soit. Vous voulez vous assurer que vous avez le plus de contraste là où vous voulez que les gens regardent. Maintenant, revenons à ma peinture. C' est difficile à dire parce que toutes mes couleurs sont hors écran, mais je fais varier plusieurs couleurs différentes comme je fais ces petits détails sur les ailes. J' ai fait le haut et le bas rose et rouge. J' ai ajouté quelques rangées de vert foncé et j'ajoute des rangées de vert clair et lent. Une fois que
j'ai fini, je vais y retourner et ajouter un bleu-vert très pâle aussi. Même lorsque vous ne pouvez pas voir tous ces petits détails en un coup d'œil, ils travaillent tous ensemble pour créer un look cohérent pour votre image. J' ai commencé à ajouter de minuscules points au corps de
cette libellule et immédiatement je ne suis vraiment pas fan. Je pensais que les petits points compléteraient les détails sur les ailes, mais ils se battent avec ces détails. Je vais probablement peindre dessus. Je pense que je vais peindre dessus. Parfois, tu feras un choix dans ton tableau comme ça et tu iras immédiatement, oh non, qu'ai-je fait ? Si vous travaillez sur le bon support, vous pouvez simplement redémarrer. Vous pouvez voir que j'ai déjà peint sur eux. Première couche, je vais peindre dessus beaucoup plus de couches afin que tous les indices de par erreur soient effacés de ce monde. Si vous travaillez dans un autre milieu comme l'aquarelle, vous devrez peut-être faire un peu plus de travail pour vous débarrasser de quelques erreurs comme ça. Selon le type de stylo que vous avez utilisé, vous pouvez parfois simplement le mouiller et il viendra tout de suite. Parfois, vous devrez peut-être vous adapter et trouver un moyen de
faire ce choix maladroit que vous avez fait travailler pour vous. Travailler dans les moindres détails comme celui-ci n'est pas pour tout le monde et ce n'est pas la seule façon de faire les choses ou la bonne façon de faire les choses. Pour moi, je trouve que quand je travaille dans les moindres détails comme ça pendant un moment, ça commence vraiment à me blesser le dos. Je suis un pinceau et un crayon. Tout mon corps devient tendu, donc je dois faire des pauses de temps en temps pour ne pas me blesser définitivement. C' est aussi quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous essayez de trouver quel est votre style. S' il y a quelque chose qui vous met profondément mal à l'aise dans votre corps comme vous le faites,
ce n'est peut-être pas pour vous ou ce n'est peut-être pas quelque chose que vous pouvez faire tout le temps. J' adore faire de petits détails, mais je sais qu'ils me font un péage. Alors j'essaie de le faire et je passe beaucoup plus de temps quand je fais de l'art, que je
fais des choses grosses, audacieuses, folles et
lâches pour que je puisse continuer à faire de l'art. Parfois, nos cerveaux se gênent quand nous faisons de l'art. Dans ce cas, mon cerveau avait une idée très précise de ce à quoi ressembleraient ces libellules. J' avais un plan et je ne me suis pas arrêté de regarder la pièce devant moi. Je suis juste le plan et j'ai fini par le surtravailler. Maintenant je vais partir et finir mes deux dernières libellules, et puis on se retrouve ici pour réfléchir.
15. Réflexion 5 : la couleur: Bonjour et bienvenue à la réflexion numéro cinq sur la couleur. Celui-ci est probablement l'expérience la plus variée que j'ai faite jusqu'à présent. Commençons par ce que j'ai aimé. J' ai vraiment adoré cette dernière libellule géométrique que j'ai faite. Les couleurs, le style. Ça écoute vraiment ces coléoptères de première ligne que j'ai aimés et aimés. J' aime aussi cette cinquième libellule, vert
doux, les bruns. Il se sentait comme le quatrième mais avec plus d'expérience. J' aime aussi les petites formes détaillées sur les ailes de ma troisième libellule. J' aime aussi les couleurs. Je ne suis pas sûr qu'ils soient moi. Ils se sentent un peu trop là-bas. Des choses que je n'aimais pas, cette quatrième libellule. Aussi, la plupart des couleurs pour être honnête, je pense que parce que cet exercice était sur la couleur, je me suis poussé loin au-delà de ma zone de confort et beaucoup de choses que j'ai essayé ne collaient pas et c'est très bien. Maintenant, je sais que les couleurs riches et profondes que j'utilise pour la plupart des expériences ne sont tout simplement pas moi. Quels sont mes préjugés ici ? Eh bien, je pense d'abord et avant tout, mon plus grand parti pris a été exprimé dans cette quatrième libellule, je l'ai commencé avec tant d'orgueil, totalement sûr que ça allait être magnifique avec un plan très clair dans ma tête. Mais je n'ai pas écouté mon moi artistique pendant que je peignais. Je viens de passer, et le résultat final n'est pas génial. Cela implique en fait beaucoup de choses que j'utilise dans mon style quotidien, comme ces feuilles et ces couleurs. Mais la façon dont ils sont combinés n'est pas moi et franchement n'est pas bonne. Parfois, nos idées sur ce que nous devrions faire font obstacle à ce que nous pourrions faire. C' est ce qui s'est passé ici. Ensuite, allaient expérimenter avec la texture.
16. Expérience 6 : la texture: C' est comme ça que nous sommes sur nos derniers gars d'expérience. Je n'arrive pas à le croire. Ici, nous jouons avec la texture et dessinons des bourdons. Jusqu' à présent, tout ce que j'ai fait, c'est de mettre une couche d'aquarelle en gris et en jaune. J' ai aussi essayé d'ajouter du pigment lâche. J' ai du pigment d'or qui traîne. J' en ai saupoudré une partie sur mon pinceau et je l'ai plongé dans des parties de mon aquarelle jaune. Je ne sais pas comment ça s'est bien passé. Je dessine juste les pieds et les ailes maintenant. Je vais essayer ça, les
garder assez libres de texture. J' essaie d'obtenir une texture maximale sur le corps de l'abeille. Je veux que tu aies l'air codé dans le pollen et très floue. Cela va inclure beaucoup de différentes couches de différents médiums afin de construire la texture que je veux. Il peut être intéressant de noter que j'aime vraiment les textures. C' est donc une expérience dans laquelle j'essaie de me
pousser encore plus loin que ce que j'irais normalement. J' utilise des matériaux que je n'utilise pas normalement, et j'essaie des techniques que je n'ai pas essayées auparavant. Comme dans ce cas, ce pigment, il est assis sur mon bureau depuis plus d'un an, et vous m'avez finalement inspiré à l'essayer. Je ne pense pas que ce soit terrible. Ça donne à l'abeille un éclat délicieux. Vous avez peut-être remarqué plus tôt comment mon aquarelle s'est mise en commun quand mon jaune était encore mouillé. Je viens d'incorporer ça dans une ombre sous l'aile de l'abeille. Maintenant, je vais commencer à utiliser des stylos gel pour sortir encore plus de texture. J' avais un stylo gel doré. Je vais ajouter des couronnes de crayon dans les ailes pour les
différencier du corps de l'abeille, puis je vais recommencer avec un effet griffonnage dans un stylo gel blanc. En superposant cette texture sur la texture, elle va créer beaucoup plus de détails à la peinture finie, même si vous ne pouvez pas la voir sur la caméra. J' ai mis cette couleur d'eau grise sous crayon crayon, sous un stylo gel blanc, et j'ai mis plus de crayon sur le dessus. Il y a beaucoup de couches de texture. Puis dans les zones jaunes, j'ai superposé des taches d'or, pigment d'
or, de la peinture jaune, stylo gel d'
or, donc quand on regarde de près la peinture, il y a tellement de choses à voir. Je crois que j'en ai presque fini. Sur notre prochaine itération, je vais essayer d'utiliser un bleu au lieu de noir dans ce cas, l'abeille que je regarde en ce moment a principalement des épaules jaunes et un corps noir, et j'espère que le bleu foncé se traduira. Voyons comment ça se passe. Eh bien, je pense que ce bleu ne se traduit pas vraiment comme noir. Je pense que je vais essayer quelque chose d'encore plus aventureux. J' ai ces crayons de fantaisie que je n'ai jamais tout à fait utilisé. Je pense que je vais essayer de les couches sur le dessus et voir si le bleu brillera à travers pour ajouter un peu de texture. Pour être parfaitement honnête, ces crayons me font flipper un peu. Ils sont solubles dans l'eau. J' ai toujours peur de les étaler partout. Cela dit, j'aime vraiment le look de ce
jaune plus léger sur le dessus de cet ocre riche profond que j'utilisais, et ajouter le noir sur le dessus du bleu
fait qu'il ait vraiment de belles nuances bleues. Ces crayons fonctionnent comme des crayons réguliers dont vous vous souvenez de l'école primaire. Sauf que si vous leur ajoutez de l'eau, ils fonctionneront beaucoup plus comme une aquarelle, je pense. C' est ma compréhension. Je vais juste ajouter quelques lignes au crayon de crayon aux ailes parce que je veux que les lignes soient plus fines que je pourrais obtenir avec du crayon. J' essaie d'être très prudent avec mes mains baveuses pour ne pas salir le crayon. Je prévois d'utiliser un fixateur de pulvérisation après avoir terminé afin que je puisse l'empiler avec les autres projets. Vous voudrez vous assurer que vous n'utilisez qu'une couche de lumière, parce que comme vous êtes sur le point de le voir, je n'ai pas fait ça, et j'ai détruit mes fesses à côté d'elle un peu. Il suffit de procéder avec prudence. Ici, nous sommes à l'itération numéro 3 de nos bourdons. À maintes reprises, tout au long de ces expériences, j'ai remarqué combien j'aime la texture du crayon de crayon, un tout son propre. Cette fois, je me penche là-dedans. Mon plan est d'utiliser ce gris chaud et un jaune vif pour l'abeille du trou. Je ne vais pas utiliser de peinture du tout. Une chose que je conseille, si vous aimez travailler avec des crayons de crayon, mais vous avez des mains baveuses comme je le fais, est qu'il pourrait être utile d'obtenir un morceau de papier et juste le garder sous la partie de votre main qui va être toucher le papier. Je n'ai pas fait ça ici. J'essayais juste d'être prudent, mais c'est un truc que j'utilise parfois parce que j'ai tendance à être très lourd. L' homme. J'adore ce jaune. C' est peut-être mon préféré des trois que j'ai peints jusqu'à présent. Maintenant, je vais utiliser une variété de gris et de noirs différents
pour construire de la couleur pour les abeilles, des rayures plus sombres. Vous remarquerez peut-être que vous me regardez travailler avec du crayon, que j'essaie de garder mes coups dans la même direction, parce que dans ce cas, l'abeille est floue. Je veux que le trait du crayon imite la forme de son corps d'abeille floue, et la texture libre de ses épaules. Si je voulais que quelque chose ait une texture défectueuse, j'utiliserais un trait rond et circulaire. Si je voulais que quelque chose ait une texture vraiment grossière au hasard, j'utiliserais des coups dans toutes les directions. J' utilise aussi une main assez légère. Je pourrais obtenir une couche de pigment beaucoup plus profonde si je travaillais plus sombre, mais j'aime cette façon douce d'utiliser un crayon de crayon. J' en ai presque fini avec cette abeille maintenant, je finis juste quelques derniers morceaux et bobs, passant ici et là. Maintenant, nous sommes sur la toute dernière abeille qui va peindre ensemble. J' utilise encore un crayon de crayon. J' aime vraiment la texture de celui-ci, mais cette fois j'essaie quelque chose que j'ai essayé seulement quelques fois jusqu'à présent, mais je pense que ça marchera bien pour cette abeille. Je veux faire cette abeille, crayon de texture avec de l'encre, laissant beaucoup d'espace blanc comme je l'ai fait dans l'expérience à la mouche. Puis, à la toute fin, je vais moucheter dans une couche d'encre, nous verrons comment ça se passe. Maintenant le peu désordonné, je vais voir un peu d'encre sur le tableau et voir à quoi ça ressemble. Brosse à dents est le meilleur outil pour un trop petit spot, juste ce que je voulais, et puis je le passe quelques fois. Je me rends compte aussi maintenant que c'est peut-être à quoi sert le pied de page de masquage. Vous pourriez peut-être faire une barrière autour de votre mouche pour que les points finissent seulement sur lui. Mieux bien. Je vais partir et finir mes deux dernières abeilles, puis nous reviendrons et nous nous retrouverons pour notre dernière réflexion.
17. Réflexion 6 : la texture: Oh mon Dieu, nous sommes déjà à notre toute dernière réflexion ensemble. C' est surréaliste. J' ai tellement vécu avec vous les gars. Allons droit à la poursuite. Les choses que j'ai aimées dans cette expérience, j'ai adoré la texture succulente de ce premier bug, en particulier le stylo gel blanc que j'ai utilisé. J' ai adoré le crayon. J' ai adoré travailler avec crayon de crayon à nouveau bien sûr, et j'ai adoré remplacer le noir par le brun sur cette belle et
succulente abeille que j'ai fait après que nous soyons partis l'un l'autre. Les choses que je n'aime pas, tous les splutters désordonnés d'encre et le gâchis que j'ai fait quand je vaporisais ce fixateur pour protéger mon crayon, j'aurais dû le laisser. Je ne suis pas un grand fan de l'encre. Je pense que c'est le moment où je dois décider que ça ne marche pas avec nous. Ink et moi l'appelons démissionne pour de vrai pour toujours. Les préjugés que j'ai découverts pendant que je travaillais à travers cette expérience étaient que la texture est trop désordonnée. Chaque abeille était gribouillé ou rayé ou très fortement texturé d'une certaine façon. Mais plat est une texture trop ou brillante ou toute autre chose qui ne sont tout simplement pas griffonnages et lignes et rayures. C' est la chose que je vais faire attention à mon travail à l'avenir pour voir si je peux le modifier un peu plus que je ne l'ai fait ici. En termes de motifs, je vais être honnête ici, je n'ai pas vraiment aimé peindre les abeilles. Si je devais utiliser les abeilles comme motif dans mon travail, je pense que je devrais itérer beaucoup plus pour obtenir quelque chose qui me
ressemble encore plus parce que ceux-ci tombent encore un peu à plat. Mais c'est bon parce que j'ai trouvé beaucoup de motifs tout au long de cette classe qui fonctionneraient pour moi,
que je me sens très à l'aise de recréer. Ensuite, nous allons parler de continuer à expérimenter.
18. Continuation: Alors que nous terminons notre dernière expérience, les parents disent au revoir. Je veux que vous preniez un moment pour crier sur les toits que ce n'est pas la fin. En tant qu'illustrateur pour les artistes, vous vous
engagez dans un voyage continu pour trouver votre style, repousser votre style et vous réinventer. Ces six expériences ne sont que les premiers pas sur un parcours d'apprentissage, d'
expérimentation, de réflexion qui fera de vous un artiste plus fort. Mon espoir est que vous pouvez revenir à ces expériences comme un confortable, plus comme ça. Chaque fois que vous avez besoin d'une question pour vous aider à sortir de votre zone de confort. Je sais que tout au long du tournage de ce cours, j'ai découvert une douzaine de choses, je veux essayer et pour apporter à mon style. Quelques compétences sur lesquelles je veux me concentrer, me pousser
vers l'avant, nouveaux motifs à inclure dans mon travail et bien plus encore. Si cette classe, aussi longtemps que l'étincelle en vous, vous pouvez également consulter le Guide de ressources inclus dans l'onglet Projet, espionner des suggestions pour d'autres classes de sculpture pour continuer à apprendre et à expérimenter. Chaque recommandation est basée sur l'un des éléments de conception que
nous avons couverts dans cette classe et le spam provenant de tonnes de différents supports.
19. Merci: Merci beaucoup d'avoir passé du temps à expérimenter avec moi. Il peut certainement se sentir mal à l'aise quand vous étiez à la chasse pour trouver votre style. Parfois, chaque chose que vous peignez a l'
impression de sortir de la voix de quelqu'un d'autre. Mais je peux absolument garantir que si vous pouviez continuer à expérimenter et à créer, un jour vous regarderez votre travail et vous vous sentirez comme personne d'autre dans le monde, mais vous auriez pu faire ce qui est assis là-bas sur votre page. Pour ici sur mes cours dès qu'ils sont publiés, suivez-moi ici sur Skillshare. Pour suivre mon parcours d'illustration, ou simplement traîner et discuter de l'art, vous pouvez me trouver sur Instagram. Si vous publiez une partie de votre projet sur Instagram, j'adorerais aussi si vous me taguez @alannacartierillustration ou utilisez le #alannateaches. Voir le travail des étudiants est l'un des meilleurs aspects de l'enseignement sur Skillshare. Si vous voulez juste entendre ce qui est nouveau avec moi, alors inscrivez-vous à ma newsletter à alannacartier.com Merci encore beaucoup. Tu es incroyable et j'ai hâte de voir les belles choses que tu crées.
Alanna Cartier, Artist, illustrator
