Stop Motion pour les débutants : Créez des animations professionnelles avec Dragonframe

1. Introduction: Il y a beaucoup à apprendre quand il s'agit d'arrêter l'animation de mouvement. Vous devez apprendre l'animation, la photographie, fabrication de marionnettes, la maquette, la production vidéo, et bien plus encore. Pour un débutant, sur quoi avez-vous besoin de vous concentrer pour faire passer vos animations d'arrêt mobile au niveau supérieur. Salut. Je suis Dina Amin, je suis un animateur autodidacte. Aujourd'hui, je vais vous apprendre tout le processus d'animation d'un objet du début à la fin. Nous allons vous parler de la façon de trouver des idées, équipement dont vous aurez besoin, de la façon de tout configurer. Je vais vous expliquer comment fonctionne le logiciel Dragonframe, et aussi discuter de certaines lois et principes pour faire progresser vos compétences en éclairage et en animation, et enfin, compiler et exporter votre animation. Dans ce cours, je vais vous apprendre à passer d' un animateur d'arrêt de mouvement débutant à un pro. Je vais vous dire dans quoi avez-vous besoin d'investir votre temps et votre argent, afin de faire face à la courbe d'apprentissage raide du stop motion afin que vous puissiez transformer vos animations de ceci à cela. J' ai étudié dans la même conception et [inaudible] dans le mouvement d'arrêt où c'était par accident complet. cinq ans, j'ai commencé le projet secondaire où je fais des produits d'art cassés. J' ai vu que je finirai par les redessiner, mais j'ai fini par animer toutes les petites pièces en personnages et les ai mises à la vie en utilisant la magie de l'animation stop motion, et j'ai été accro. Mais arrêter l'animation de mouvement, vous pouvez transformer n'importe quelle imagination sauvage en une mise en page fascinante. J' ai maintenant un studio de stop motion en Egypte où je fais des animations stop motion pour les entreprises du monde entier. Que vous n'ayez fait que quelques animations sur votre téléphone, ou que vous soyez un photographe professionnel qui souhaite ajouter un stop motion à votre ensemble de compétences, cette classe est faite pour vous. Je sais que ça semble beaucoup, mais ne vous inquiétez pas, je vais vous guider dans tout ce que vous devez savoir. Croyez-moi, vous verrez une différence instantanée dès que vous aurez terminé ce cours. Tu es là, tu as déjà commencé. Passons à la leçon suivante. 2. L'animation d'aujourd'hui: Je voulais faire un cours pour moi-même à l'époque quand je commençais à essayer de comprendre tout ça. Pour quelqu'un qui ne connaissait rien de l'animation ou de la photographie, j'avais tellement de questions qui pouvaient sembler un peu basiques, mais je n'avais aucune idée des réponses à ces questions. Des questions comme, pourquoi ça a l'air si mauvais ? Pourquoi mon éclairage est-il si dur ? Pourquoi j'ai deux ombres ? Est-ce important où je place mon appareil photo ? La plus grande question que j'avais : comment rendre mes animations plus fluides et fluides ? Aujourd'hui, je vais vous montrer comment animer un rouleau de papier toilette qui tourne comme par magie en stop motion. Commençons dès le début. Dans la prochaine leçon, je vais partager avec vous comment j'ai des idées. 3. Générer des idées uniques: Les gens me demandent toujours comment je trouve mes idées uniques. Pour être honnête, je ne suis pas sûr à 100%. Je n'étais certainement pas aussi créatif avant, et maintenant je peux voir qu'il y a des pratiques que j'ai développées qui me rendent plus créatif. Venir avec des idées, c'est comme faire de l'exercice. Plus vous le faites, plus vous obtenez de mieux en plus rapidement. Dans cette leçon, je vais partager avec vous cinq techniques pour vous aider à toujours exercer votre cerveau. Numéro 1, écrivez vos idées. Maintenant, j'écris toujours mes idées sur un bout de papier. C' est quelque chose que j'ai appris de mon ami, [inaudible], et cela a complètement changé ma pratique. C' est comme ça que je travaillais. J' avais des idées, je les notais dans un carnet de croquis que j'avais, mais en réalité, j'ai toujours oublié de le faire. Je n'ai jamais ouvert le carnet de croquis. J' oublie toujours de le faire. Je finissais par penser aux idées que j'avais dans ma tête maintes et maintes fois que ça apparaissait, et j'essayais si fort de ne pas les oublier, de les garder dans ma tête. Ces cinq idées que j'avais, ces cinq projets que j'ai voulu travailler un jour, il a fait qu'il devient si précieux dans ma tête, et sans le savoir, cela a créé, en moi, la peur de manquer d'idées, que ce si j'oublie ces idées, parce que je ne générais pas d'autres idées parce que mon cerveau était tellement dévoré de sauver ces idées dans ma tête ? Je ne l'ai remarqué que lorsque j'ai commencé à écrire mes idées, sauver ailleurs de ma tête, et à m'entraîner tout cet espace. Maintenant, toute cette énergie mentale que j'utilisais pour me souvenir ces idées était maintenant utilisée pour générer plus d'idées. Comme vous le voyez, je n'aime pas seulement l'écrire, mais j'aime aussi montrer toutes mes idées dans le mur de mon studio. Plus il a fait cela, plus j'ai vu combien d'idées mon cerveau est capable de trouver, et plus je l'ai fait, plus j'ai eu d'idées, plus j' ai écrit d'idées, plus j'ai libéré de place dans mon tête, plus j'avais d'idées, plus j'ai vu d'idées, et ainsi de suite. Je sais que ça a l'air si simple, comme juste écrire vos idées, mais essayez-le. Écrivez vos idées, enregistrez-les ailleurs en dehors de votre tête, faites l'effort de regarder vos idées, et détruisez toute cette idée, craignez que vous n'ayez plus d'idées. Ce n'est même pas possible. Votre cerveau fera toujours de nouvelles idées. Numéro 2, disséquer de grandes idées. Chaque idée va sur un bout de papier. Même si cela n'a pas de sens, même si cela nécessite un ensemble de compétences dont vous n'êtes pas capable actuellement, écrivez-le, et tout se réunira un jour. Au lieu de cela, essayez de penser à une autre idée qui utilise le même concept de cette idée, mais une plus petite que vous êtes capable de faire en ce moment même. Par exemple, j'ai fait une machine interactive appelée la machine oculaire, celle-ci. L' idée originale était beaucoup plus grande que ça, mais je l'ai même commencé encore plus petit que la machine interactive. Ce n'était qu'une simple animation stop motion, juste pour tester que l'idée d'utiliser les yeux comme pixels pour épeler des mots a réellement fonctionné. Quand j'ai mis ça dans le monde, j'ai eu l'occasion de le transformer en un plus grand projet. C' est là que j'ai fait la machine pour les yeux. Espérons qu'un jour je pourrai travailler sur cette idée à une plus grande échelle comme je l'avais imaginé à l'origine. Numéro 3, trouvez vos intersections. J' ai remarqué que mes idées les plus créatives venaient quand j'ai cessé de voir Dina comme, Dina qui était le concepteur de produits, et maintenant ce chapitre est terminé, et maintenant Dina est juste une animatrice. Mais au lieu de cela, quand j'ai commencé à mélanger ces deux choses ensemble, conception du produit et le stop motion, et même quand j'ai mélangé une troisième chose qui me passionne, qui est la poubelle, j'aime les ordures, c'est là que j'ai trouvé mon idées les plus créatives. Je sais que les gens pensent de différentes manières et qu'il n'y a pas une formule unique de génération d'idées, mais il y a toujours une idée unique que seule quelqu'un avec votre collection de connaissances, compétences, de passions, d'intérêts viendra avec. Plus vous le faites, plus vous comprendrez comment fonctionne votre cerveau. Pensez à toutes les choses qui vous intéressent. Je m'intéresse, par exemple, à la physique, j'aime les objets mécaniques, j'aime les animations analogiques, j'aime la conception de produits, j'aime les usines, et tout le processus de production. J' adore les systèmes en général. J' aime la nature. Beaucoup de gens aiment la nature, mais pour moi spécifiquement, j'aime voir les systèmes dans la nature. Plus je lis sur ces choses et j'augmente les connaissances en eux, et j'essaie de les relier ensemble, c'est de là que je tire mes idées. Pensez à toutes les choses qui vous intéressent, notez-les et essayez de trouver des espaces communs où vous pouvez relier deux ou trois d'entre eux ensemble. Numéro 4, enlever toutes les étiquettes. Dans mon travail, j'aime montrer des objets de nouvelles manières, et c'est ainsi que j'y pense. Pour le concepteur de produit en moi, ce n'est pas un crayon. C' est un morceau de bois creux qui était autrefois un arbre, qui est maintenant rempli d'une poudre noire qui se forme en un bâton. Je dépouille toutes les étiquettes. Cela ouvre tellement de possibilités parce que vous ne pouvez que aiguiser et écrire avec le stylo, mais maintenant que c'est encore plus que le bois, il y a tellement de possibilités et de façons d'utiliser cela. Numéro 5, appliquer des limitations. Je pense que les gens se mélangent entre comment vous inspirez, et comment trouver des idées ? Je ne pense pas que ces deux choses soient la même chose. Venir avec des idées est beaucoup de travail, c'est beaucoup de pratique, et les limitations sont une façon fantastique d'appliquer des limites pour que votre cerveau puisse penser à l'intérieur. Je ne pense pas que tu devrais attendre qu'une idée frappe par magie. Je pense que plus vous vous entraînez à trouver des idées, mieux vous y arriverez. Appliquez donc vos propres limitations. Choisissez un mot, une émotion, une couleur comme thème pour vos animations. Quand j'ai commencé, j'ai choisi un objet aléatoire, un produit, que j'ai démonté pendant un an et demi, et je l'ai animé. Constamment, c'était ma limite. Je dois savoir que si je n'étais pas passionné ou inspiré par le design de produits, je n'aurais pas fait cela depuis un an et demi. Pour résumer tout cela, écrivez vos idées, disséquez des idées plus grandes en plus petites, découvrez ce qui vous intéresse, et essayez de trouver des points communs entre elles, dépouillez toutes les étiquettes, et appliquez vos limites. Avant de passer à la leçon suivante, dans cette classe, nous animerons un rouleau de papier toilette. Juste un objet, ce sera notre limitation. J' ai créé un PDF pour vous aider à faire un remue-méninges. Essayez de penser à autant de façons d'animer un rouleau de papier toilette que vous le pouvez. Si vous pouviez enlever toutes les étiquettes, que décririez-vous cela ? Y a-t-il quelque chose qui vous intéresse que vous pouvez lier à un rouleau de papier toilette ? Écrivez-la, écrivez toutes vos idées, et rappelez-vous toujours si une idée est trop grande, dissécez-la en idées plus petites. Dans la prochaine leçon, je parlerai de tout l'équipement dont nous avons besoin. 4. Équipement clé: Dans cette leçon, je vais parler tout l'équipement et de l'équipement dont vous avez besoin pour commencer votre stop motion font toujours. Je sais que si vous passez de faire vos animations avec votre téléphone, il pourrait être un peu intimidant de choisir quel type d'appareil photo obtenir, lumières et trépied, et cela pourrait aussi être très coûteux, donc je vais le dire dès le début . Si vous pouvez vous permettre d'obtenir de l'équipement coûteux, allez-y et faites-le, mais même si vous ne pouvez pas, cela ne fait pas de vous un animateur pire ou meilleur. Certainement, ce n'est pas les outils. Ce dont vous avez besoin, c'est, et c'est à quoi ressemblera votre configuration, c'est que vous avez besoin d'une caméra connectée à un ordinateur portable qui a le logiciel. Dans notre cas, nous allons utiliser le logiciel Dragonframe. Ce logiciel, il se connecte à vos caméras en direct de sorte que vous pouvez voir pendant que vous animez. Bien sûr, vous avez besoin des lumières pour éclairer votre ensemble et réellement voir vos objets, et c'est fondamentalement tout. La toute première chose que je vous recommande fortement d'obtenir est le logiciel Dragonframe. Il y a d'autres alternatives gratuites, mais je pense que si vous êtes sérieux pour devenir un animateur de stop-motion, vous devriez investir dedans. Il est maintenant la norme de l'industrie pour les animations stop motion, une que vous avancez, vous trouverez tellement de fonctionnalités avancées que vous pourriez profiter. Je vais expliquer tout le logiciel dans la future leçon et vous montrer comment l'utiliser pour progresser en tant qu'animateur aussi. Ensuite, vous devez connecter votre logiciel à une caméra, vous avez donc besoin d'un appareil photo reflex numérique. Sur Dragonframe, vous trouverez une liste des caméras prises en charge par Dragonframe. Le conseil Dragonframe est d'obtenir un appareil photo Canon et il y a même des modèles maintenant qui ont le firmware stop-motion. Cela signifie que l'appareil photo peut maintenant très bien communiquer avec le logiciel car il comprend tous les paramètres de stop motion que l'appareil doit avoir. Puisque le logiciel utilisera la fonction de flux en direct de la caméra, cela signifie que votre appareil photo sera en direct pendant si longtemps, et votre appareil photo pourrait se réchauffer, et les caméras Canon sont les meilleurs avec cela, mais tous prises en charge sur Dragonframe fonctionnera très bien. Les différences que vous verrez sont certaines caméras vous montreront une vue en direct plus nette sur votre ordinateur portable, certaines caméras que vous serez en mesure de contrôler toutes les fonctionnalités de l'appareil photo à partir de votre ordinateur portable lui-même, et cela vous pouvez facilement vérifier à partir du logiciel Dragonframe. Comme on dit, la meilleure caméra est la caméra que vous pouvez vous permettre, et je serai comme la 100.000e personne à vous le répéter parce que c'est vrai. Peu importe le type de caméra que vous avez si vous ne pratiquez pas. Nous avons de la chance en stop motion que le stop motion est basé sur la photo, donc ce n'est pas comme des séquences d'action en direct qui pourraient nécessiter un appareil photo très haut de gamme. Si vous choisissez d'obtenir une caméra à image recadrée ou une caméra pleine image, quelle caméra pleine image serait plus chère. Les avantages de la caméra plein format sont que vous obtiendrez plus d'options de recadrage, donc c'est un plus, mais même une caméra de recadrage fonctionnera très bien. Moi, j'utilise un Canon 80D pour tourner toutes mes animations et ça a fonctionné fantastiquement pour moi. Je pourrais investir dans un appareil photo plein format plus tard, certainement, mais si j'avais attendu pour obtenir un appareil très cher, je n'aurais pas pratiqué toutes ces années, et je ne serais peut-être même pas un animateur en stop-motion aujourd'hui. Ensuite, vous devez connecter votre appareil photo avec votre logiciel sur votre ordinateur portable, et pour cela, vous avez besoin d'un câble de connexion. Je vous recommande d'obtenir un câble de haute qualité et un câble long parce que vous ne savez pas ce l'avenir réserve que là où vous envisageriez de mettre votre appareil photo et votre ordinateur portable serait partout là-bas. C' est abordable, alors investissez-y et cela vous évitera beaucoup de tracas plus tard. Ensuite, vous aurez besoin d'un adaptateur de batterie secteur, et je vous recommande fortement d'en obtenir un. Cela vous fera gagner tant de temps et vous évitera de commettre des erreurs très évitables. Ce qu'il s'agit essentiellement d'une batterie que vous connectez à la prise de courant afin que vous puissiez faire fonctionner votre appareil photo pendant des heures, des heures et des heures. Au lieu d'obtenir beaucoup de piles et de s'assurer que vous avez chargé les batteries et assurer que vous ne déplacez pas votre appareil photo pendant l'animation pendant que vous changez de batterie, cela vous évitera tous ces tracas. Assurez-vous simplement d'en obtenir un qui est compatible avec le modèle d'appareil photo que vous possédez. Ensuite, parlons des lentilles. Les objectifs pourraient être plus importants que le corps de l'appareil photo lui-même et ils pourraient également être très coûteux. Oui, un objectif de bonne qualité vous donnera des photos de meilleure qualité, mais il est livré avec un prix très élevé. Je vous recommande de commencer avec quelque chose que vous pouvez vous permettre, puis d'investir plus tard dans l'obtention de lentilles de meilleure qualité. Ce que vous devez généralement savoir sur les lentilles si vous êtes quelqu'un comme moi qui ne savait rien sur la photographie, qu'il y a des lentilles manuelles et des lentilles automatiques. Lentilles manuelles, vous devez l'ajuster pour fermer l'ouverture et obtenir la mise au point de l'objectif. L' automatique, il fait tout automatiquement. Dragonframe recommande d'utiliser des lentilles manuelles, particulier des lentilles Nikon avec un adaptateur sur un boîtier Canon, ce qui élimine le scintillement causé par toute ouverture qui se déplace automatiquement, car dans certains cas, si vous utilisez une lentille automatique, l' ouverture ne se ferme pas toujours à la même position à chaque fois et peut provoquer un léger scintillement. Personnellement, j'utilise une lentille automatique et je ne ressens pas de scintillement. Une autre chose à propos des lentilles est qu'il y a des lentilles Prime et Zoom. Pour les objectifs zoom, il dispose de nombreux objectifs focaux. J' utilise un zoom qui est de 24-105 MM. objectifs Prime n'ont qu'une seule lentille focale, donc c'est seulement 35 MM. objectifs Zoom vous donnent plus de flexibilité parce que vous aurez de nombreux objectifs focaux dans un seul objectif, mais ils ont tendance à être moins pointus que les verres principaux. Maintenant que vous avez votre appareil photo avec votre objectif connecté à votre ordinateur portable et tout, vous en avez besoin pour rester immobile. Ne bougez pas. Investissez donc dans un bon trépied. J' utilise un trépied Manfrotto avec un bras réglable. Je sais qu'ils sont beaucoup plus lourds, donc il y a des options que cela, mais puisque je tourne du contenu différent et que je déplace mon trépied autour, je ne voulais pas obtenir quelque chose de super lourd, donc j'utilise celui-ci pour être sûr qu'il ne bouge pas, je le colle au sol. Même si vous n'avez pas un trépied qui est très stable, juste un couple de colle et de ruban adhésif le fixera en place et vous n'aurez pas à vous inquiéter à ce sujet. J' ai aussi quelques C-stands et je les utilise tout le temps maintenant dans mon studio. Je l'utilise même pour tenir mon appareil photo si je veux filmer, c'est parfait pour ça parce que je peux l'obtenir jusqu'au plafond. Je l'utilise pour tenir mon diffuseur ou des lumières ou un appareil compliqué. Vous n'en aurez pas besoin en tant que débutant et nous n'en aurons pas nécessairement besoin pour ce cours, mais c'est une bonne chose à avoir dans votre studio de stop-motion si vous êtes sérieux commencer un et que vous trouverez cela très utile, vous peut l'utiliser de tant de façons. D' autres outils qui sont agréables à avoir sont un diffuseur et j'en ai un vraiment grand. Vous pouvez les trouver dans différentes tailles. Même si vous ne les avez pas, vous pouvez certainement obtenir une alternative moins chère. Comme par exemple, du papier sulfurisé. Vous pouvez également obtenir des tableaux blancs ou des panneaux de mousse blanche pour rebondir la lumière à partir de. Pinces, rubans, fils, tack bleu, colle et toutes sortes de colle sont très utiles à avoir autour. Nous ne les utiliserons pas nécessairement dans cette classe, mais il est toujours utile de les avoir et vous les utiliserez toujours. Ensuite, les lumières. Les lumières sont un énorme point d'interrogation pour tout le monde, c'est un monde massif. Généralement, en stop motion, nous utilisons un éclairage continu et il y a tellement de types que vous pouvez utiliser, et cela dépend aussi de votre personnalité. J' aimerais peut-être une certaine lumière qui ne correspond pas à votre propre style ou à un look que vous voulez obtenir dans votre animation. Je vous recommande, avant d'investir dans un éclairage très coûteux, d' utiliser un service comme des services de location et d'essayer différents types de lumières, jouer avec, et de voir si vous le voulez ou non. Il y a certainement des versions moins chères si vous venez de commencer. Vous pouvez obtenir des choses comme une boîte de lumière bon marché avec des LED. Il y a également des panneaux LED abordables. C' est une bonne option si vous êtes un débutant. Il y a aussi des lumières Kino Flo et différents projecteurs. Il y a tellement d'options. Quand j'ai commencé, j'ai fait mes propres boîtes en carton, et je vais vous dire avec certitude qu'apprendre à utiliser vos lumières est beaucoup plus important que d'obtenir des lumières coûteuses. Certainement des outils appropriés, un équipement approprié vaut la peine de votre investissement, mais si vous ne savez pas comment utiliser cette lumière, même lorsque vous utilisez la lumière la plus chère jamais, votre vidéo sera vraiment mauvaise parce que vous ne savez pas comment pour utiliser la lumière. Même si vous n'avez pas d'équipement d'éclairage approprié, ne vous inquiétez pas parce que, dans cette classe, je vais vous montrer comment utiliser le type de lumières DIYs que vous pouvez obtenir. Enfin, pour exporter et compiler notre animation, nous allons utiliser Adobe Raw et Photoshop et Adobe Premier. Encore une fois, voici toutes les choses dont vous avez besoin. Je veux que vous fassiez le tour de votre maison maintenant et cherchez des outils et des équipements déjà disponibles autour de vous que vous pouvez utiliser. Quand j'ai commencé, j'ai emprunté la caméra de mon ami, je n'avais même pas ma propre caméra. J' ai fait mes propres lumières de bricolage et j'ai collé ma table à terre et j'ai continué à m'animer. Je peux vous dire avec certitude, je suis sûr à 100% de cela, qu'avoir une caméra plus chère ne fait pas de vous un meilleur animateur. Ce qui a fait de moi un meilleur animateur, c'est la pratique, la pratique. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment commencer à configurer votre animation. 5. Mettre en place votre scène: Avant de commencer à animer, nous devons tout mettre en place. Vous remarquerez peut-être que j'ai changé ce que je porte. C' est parce que je fais maintenant partie de l'ensemble. Nous ne allons pas seulement mettre nos tables et nos équipements, mais vous, en tant qu'animateur, vous faites partie de l'ensemble. Vous allez être assis ici à animer pendant des heures et des heures et vous voulez vous assurer que ce que vous portez ne rebondit pas la lumière sur votre plateau. Cela pourrait provoquer un scintillement. Vous voulez vous assurer que la façon dont vous êtes debout et assis, vous ne bloquez aucune des lignes et vous ne lancez aucune ombre sur votre plateau lui-même. Plus vous en faites une habitude, c'est que vous mettez en place d'une manière qui vous fait bouger confortablement autour du plateau, plus vous vous concentrerez uniquement sur l'animation lorsque vous vous asseyez et animez et que vous ne vous inquiétez pas se croiser dans n'importe quoi, faire une erreur que tu vas regretter. On va commencer par une table. Utilisez n'importe quelle table stable que vous avez, même si votre table n'est pas stable, c'est bien. Pesez-le, collez-le au sol, mais faites tout ce que vous devriez faire pour le fixer au sol. Dans mon cas, j'utilise des chevaux à deux pas que j'ai faits moi-même. Je fais aussi du travail du bois, donc j'ai pensé pouvoir les utiliser pour les deux. La bonne chose à propos de cette configuration est qu'elle me donne accès sous mes surfaces de sorte que si je veux percer quoi que ce soit, je peux avoir accès en dessous pour réparer différentes choses. Vous pouvez faire la même chose si vous utilisez n'importe quelle table en soulevant votre surface sur peut-être quelques blocs ou 2 par 4 ou quelque chose comme ça. J' utilise juste un panneau en bois que j'ai, vous pouvez utiliser du papier ou votre propre surface de table, la surface elle-même, c'est très bien. Cela dépend de ce à quoi vous voulez que votre ensemble ressemble. Ensuite, nous avons notre objectif, nous allons le placer ici. Quelque chose que je faisais quand je commençais juste que je mettais mon objet tout le chemin de retour juste très près de l'arrière-plan lui-même et je m'attendais à obtenir ce look que je vois dans certaines vidéos où le fond est très floue et l'objet est très focalisé, ce qui crée cette profondeur de champ. Tout dépend des paramètres de votre appareil photo et du type d'objectif que vous utilisez. Mais en général, si cette profondeur de champ est créée lorsque l'objet au premier plan est net et mis au point, mais que l'arrière-plan est hors de la mise au point, vous devez donc séparer les calques et créer cette distance entre votre arrière-plan et premier plan. Ensuite, nous allons placer notre caméra et je vais le connecter à mon câble de connexion et le brancher dans l'ordinateur portable, et ouvrir Dragonframe pour voir où je peux placer mon trépied et mon appareil photo à travers la vue en direct de Dragonframe. Assurez-vous de régler votre appareil photo en mode manuel. Tournez la mise au point automatique sur manuel. Éteignez le stabilisateur. où vous placez votre appareil photo et la distance focale que vous utilisez font réellement la différence. Mettez-vous très près de votre objet et zoomez ou mettez-le loin et zoomez, ou en d'autres termes, utilisez une distance focale plus longue. J' ai pris une photo à chaque distance focale sur mon objectif, mais j'ai veillé à ce que mon rôle reste de la même taille. C' est ce que vous obtiendrez lorsque l'appareil photo est proche et que vous utilisez une lentille focale plus courte comme 24, vous verrez une vue plus large de l'arrière-plan, mais l'image sera également déformée. Lorsque vous vous déplacez vers la distance focale la plus longue, l'image devient plate et vous ne voyez pas une grande partie de l'arrière-plan comme avant. Il n'y a pas vraiment de bien ou de mal quand on fait ça. Parfois, vous voulez réellement cet angle déformé et cette vue très proche et vous pouvez communiquer une émotion très différente en faisant cela. Mais si vous voulez une image plus plate, une vue plus plate de votre vidéo, remettez votre appareil photo et utilisez une distance focale plus longue pour cela. En fait, je le fais la plupart du temps parce que cela me donne aussi un grand espace pour travailler afin que la caméra ne soit pas là et que je m'anime très près de lui et que je pourrais réellement cogner mon trépied tout en travaillant. Choisissez ce que vous voulez, mais il est important de connaître la différence entre les deux. Dans la leçon suivante, nous allons sauter dans Dragonframe et expliquer comment fonctionne tout le logiciel. 6. Dragonframe expliqué: Dans cette leçon, je vais vous donner un aperçu de Dragonframe et de son fonctionnement. Commençons. Nous allons ouvrir Dragonframe et la première chose que vous verrez est le panneau où vous pouvez créer une nouvelle scène. Pensez-y comme un nouveau projet et puis même à l'intérieur, vous pouvez faire différentes prises de la scène. Nous allons juste faire une nouvelle scène, nous allons la nommer et appelons ceci est en fait la scène 1, prendre 1, et nous allons animer sur 12 images. On s'anime sur deux, on l'enregistre sur le bureau. Maintenant, vous voyez ce que la caméra voit réellement. C' est la vue en direct. Dragonframe a différents espaces de travail. Nous avons d'abord l'espace de travail d'animation. C' est là que vous faites toute votre animation, puis nous avons l'espace de travail cinématographique. C' est là que vous pourrez régler tous les paramètres de votre image et de votre appareil photo. Il y a aussi l'espace de travail audio, et ici vous pouvez importer différents fichiers audio, vous pouvez faire une synchronisation des lèvres, vous pouvez également importer des jeux de visages comme des formes de bouche, et il y a aussi d'autres espaces de travail où vous peut animer vos lumières et effectuer un contrôle de mouvement. Ce sont toutes des options avancées vraiment cool. Il y a tellement de fonctionnalités dans Dragonframe, mais aujourd'hui je ne couvrirai que les fonctionnalités de base que vous utiliserez régulièrement. Le premier espace de travail dans lequel vous voulez travailler est la cinématographie. Ici, nous allons ajuster tous les paramètres de notre appareil photo, préparer nos photos et les tester avant de réellement animer. Sur la droite, nous avons d'abord les informations de l'image et c'est un histogramme où il vous montre toutes les données sur toutes les couleurs de votre photo et comment l'image lumineuse ou plus foncée est donc, vous pouvez vérifier rapidement si je change les paramètres de mon appareil photo et le rendre plus sombre. Vous pouvez voir que maintenant mon histogramme va vers la gauche, et par cela je peux dire que mon image est sous-exposée, et si je vais le faire changer, vous pouvez dire qu'il est vraiment surexposé et c'est un moyen rapide de vous assurer que votre l'image est équilibrée. Ensuite, nous avons les paramètres de la caméra, et pour la plupart des caméras, Dragonframe peut contrôler tous les paramètres. Dans certaines caméras, vous pourriez ne pas être en mesure de contrôler l'ouverture, mais c'est très bien. Vous pouvez l'ajuster dans l'appareil photo lui-même. Nous allons jouer avec tous ces paramètres plus tard lorsque nous aurons notre configuration d'éclairage et la finaliserons, mais je vais vous donner une explication générale et meilleures pratiques en stop motion quand il s'agit de réglages de l'appareil photo. première est la vitesse d'obturation, et il y a beaucoup d'animateurs qui vous conseillent de garder votre vitesse d'obturation ouverte pendant une longue période. Ce que cela fait, c'est qu'il égalise tous les changements de lumière, sorte que votre éclairage sera cohérent s'il y a un changement de lumière qui se produit à partir de vos lumières. Ensuite, vous avez l'ouverture. En fait, j'aime garder mon ouverture autour de quatre ou 5,6. Cela dépend également de votre objectif, et plus votre ouverture est petite, plus vous pouvez atteindre la profondeur de champ. Si je le mets quelque part autour de quatre et 5.6, je m'assure que mon premier plan et mon arrière-plan ont une grande distance entre eux. Je peux réellement atteindre cet arrière-plan floue et mon objet sera mis au point. Si vous faites glisser au milieu, vous allez faire glisser à la fois la vitesse d'obturation et l'ouverture en même temps, donc je vais mettre ceci à quatre heures, et nous allons ajuster la vitesse d'obturation lorsque nous installerons les lumières. Ensuite, l'ISO, et c'est la sensibilité du capteur. Il est conseillé de le garder aussi bas que possible afin que vous n'ayez pas de vert ou de bruit dans votre image. Gardez-le autour de 100, 200, maximum 400. Ensuite, nous avons d'autres paramètres pour notre image. Nous prenons une image détaillée, puis la qualité de l'image. J' aime tirer cru. Il me donne plus d'options plus tard quand je veux éditer et corriger la couleur mes photos. Je vous conseille de tirer aussi brut, mais sachez que les fichiers bruts sont beaucoup plus gros. Si votre ordinateur portable peut le gérer, allez-y. Ensuite, nous allons définir notre balance des blancs et assurer que vous choisissez l'une de ces options. Ne le laissez pas sur l'auto. Choisissez l'un d'entre eux ou vous pouvez sélectionner une température de couleur spécifique. Dans certains appareils photo, il se peut que cette option ne soit pas disponible, mais si vous l'avez, vous aurez accès pour déterminer ce que vous voulez votre image soit ou pour correspondre à la température de couleur des lumières que vous utilisez, et ensuite on pourra faire un test et vous le trouverez ici dans vos plans d'essai trois. Chaque fois que vous voyez une image dans votre panneau d'affichage sans bordure rouge ou cadre rouge, cela signifie qu'il s'agit d'une photo ou d'un cadre réel. Ce n'est pas la vue en direct. Si je vais là-haut, cet appareil photo et appuyez dessus. Maintenant, c'est la vue en direct. À côté, il y a la vérification de mise au point, et c'est là que vous pouvez ajuster votre mise au point à partir de Dragonframe lui-même. Vous allez faire glisser ceci et cliquer et maintenant vous pouvez utiliser tous les boutons ci-dessous pour ajuster votre focus. Maintenant, je peux me concentrer sur le premier plan et même faire de petits ajustements pour régler correctement, et maintenant mon accent est mis. Ici, vous pouvez agrandir ou réduire votre vue, et c'est tout ce que vous devez savoir sur l'espace de travail cinématographique. Notez également que c'est l'endroit où vous allez voir votre image en pleine résolution. Lorsque vous passez à l'espace de travail d'animation, il ne s'affiche pas en pleine résolution, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. Maintenant, nous voyons la vue en direct parce que vous voyez que c'est le cadre rouge autour. Nous avons la chronologie en bas et vous voyez ici un compteur d'images. Voyons voir quelques options. Ici, vous pouvez développer, agrandir ou réduire votre vue. Vous pouvez également vérifier votre focus à partir d'ici. Cela masque votre chronologie de sorte que vous pouvez basculer entre les deux vues et cela ouvre votre feuille X, et ici vous pouvez écrire toutes les notes qui vous donnent un ensemble de feuilles de calcul de toutes vos images, et la timeline elle-même, nous n'a toujours pas pris de photos, sorte que notre appareil photo est à l'image un. Si nous appuyons sur Capture et que c'est « Entrée » sur votre clavier, nous serons en mesure de capturer une image et maintenant notre appareil photo est à l'image 2. D' autres options, si vous cliquez et sélectionnez votre image, vous pouvez aller à droite et vous pouvez effectivement le cacher si vous voulez masquer un cadre, puis vous pouvez même le cacher plus et réduire le cadre caché à partir d'ici, puis annuler cela en appuyant à nouveau. Vous pouvez aussi, si j'ai sélectionné et que je choisis de tenir mon cadre, je peux le tenir par exemple, pour deux cadres. Alors je l'ai pour deux. Je peux sélectionner les deux images et les afficher, et ainsi de suite. Je peux simplement supprimer cela en appuyant sur Supprimer ou d'ici et en appuyant sur cette « Supprimer le cadre ». Il existe de nombreuses options et façons de faire les choses dans votre chronologie, et vous pouvez même trouver des raccourcis pour eux sur votre clavier. Ensuite, sous la chronologie, vous avez les fonctionnalités les plus utilisées que vous utilisez par rapport au masque de ratio d'aspect que nous utilisons, et nous utilisons 16:9. Ce bouton bascule entre les images haute résolution et votre JPEG standard sur votre timeline. Le bouton Basculer bascule entre l'image précédente où vous vous trouvez dans votre montage et l'image en direct. Si je déplace mon objet maintenant, vous verrez la différence de mouvement que cela crée lorsque les deux images sont lues dos à dos. Je vais éteindre ça. Ensuite, vos oignons peuvent contrôler. Si vous faites glisser ceci vers la gauche, vous verrez le cadre en direct sur l'image précédente. Si vous le faites glisser vers la droite, vous verrez l'image en direct sur la dernière image. La peau d'oignon est excellente si vous déplacez accidentellement votre objet, et que vous voulez l'aligner à l'endroit où il était. Ensuite, ce bouton ajoute un cadre noir à la fin de votre animation. Si j'appuie sur la barre d'espace et joue mon animation maintenant, il va juste jouer les quelques images que nous avons et s'arrêter à la vue en direct. Mais quand j'appuie sur ceci, il ajoute en fait un cadre noir à la fin et ne s'arrête pas à la vue en direct. Nous reviendrons sur cette option plus tard quand nous animerons. En fait, j'aime beaucoup l'utiliser. Ensuite, nous avons les options de boucle, donc lorsque vous lisez votre animation en appuyant sur la barre d'espace, vous pouvez voir que votre animation est en boucle. Cette barre vous pouvez rendre votre timeline plus grande ou plus petite, sorte que vous pouvez voir plus d'images ou moins d'images, puis sur la droite, vous pouvez accéder à votre corbeille ici. Techniquement, le cadre de dragon ne supprime aucune de vos photos, ce qui est vraiment, vraiment sympa. Ensuite, vous voyez ici le mot conforme. La façon dont fonctionne le cadre dragon est qu'il ne fait aucun changement dans vos fichiers, dans vos photos. Alors voyez ici, je fais glisser cette photo deux fois et laissez-moi prendre un nouveau cadre et je veux faire quelques changements. En fait, je veux commencer avec ce cadre. Il y a un moyen facile de le faire sur votre chronologie si vous le faites simplement glisser vers le haut, et vous allez à droite, et vous voyez cette flèche jaune. Cela signifie que vous pouvez le placer en toute sécurité ici. Si vous le placez sur un autre cadre, vous allez remplacer ce cadre par celui-ci. Toutes ces modifications sont uniquement dans votre logiciel de trame dragon, mais ce n'est pas le même ordre dans votre dossier de trame dragon. Une fois que j'appuie sur « Conforme », vous verrez que maintenant le cadre de dragon a créé le cadre de tête en tant que cadres séparés, et vous trouverez le bon ordre dans vos dossiers. Si je minimise cela et que je vais dans notre dossier, vous allez voir dans votre dossier de trame dragon, votre dossier de prise principale, quelques échantillons, tests et c'est là que vous allez trouver toutes nos images de test et toutes les références nous devions être ici. Dans notre dossier Take, vous allez voir toutes vos photos de sauvegarde. Les photos de flux, parce que le cadre de dragon prend deux photos, un JPEG de mauvaise qualité, puis ils prendront votre photo principale plus tard, que ce soit un JPEG élevé ou un fichier de rouleau. Ce fichier roll que vous pouvez trouver ici, et puisque je veux un fichier JPEG et roll, je trouverai les deux dans mon dossier Take, et ce sont les fichiers dont nous avons besoin plus tard. Je vais y retourner. Juste au-dessus de votre timeline, il y a d'autres options d'affichage. Ce curseur vous montrera votre rapport d'aspect complet, le masque que vous avez mis ou votre image complète. Vous pouvez également basculer ou dédésactiver les grilles, et vous pouvez également afficher le guide de sécurité CV, votre point central ici. Vous pouvez faire pivoter votre écran et le refléter. Maintenant, vous voyez que nous avons un cadre bleu autour. Cela signifie que notre vue en direct s'est arrêtée pour reposer notre caméra, donc pour le faire fonctionner à nouveau, nous appuyons simplement sur le chiffre « 3" et maintenant nous pouvons voir la vue en direct à nouveau. La dernière chose que je veux partager avec vous est la palette d'outils flottants. Une fois que tu as survolé le coin gauche, ça va remonter. Ici, vous pouvez voir tous vos guides de composition, votre format d'image, votre coffre-fort de diffusion, et tous vos types de composition alternative, et vous pouvez simplement les activer et les désactiver à partir d'ici. Ensuite sont vos calques de dessin. Dites que je veux déplacer mon objet et que je veux m'assurer qu'il ne glisse pas devant ou derrière, afin que je puisse faire un guide pour moi aligné pour suivre pendant que je suis en réunion. Je peux également dessiner des arcs ou des cercles ou des guides et des formes que je veux, même du bon texte. Un autre outil est l'éditeur d'incréments. Si je veux diviser cette passe pour dire 12 et jouer un objet, alors je peux l'utiliser comme un guide pour déplacer un objet étapes incohérentes. Vous pouvez également modifier l'arc pour modifier la proximité des images et modifier la vitesse de déplacement de votre objet et créer une facilité d'entrée et de sortie. Mais je vous conseille vivement de ne pas l'utiliser parce que cela ne donne pas une sensation naturelle de mouvement. Cela donne toujours ce sentiment automatique. Au lieu de cela, pratiquez et concentrez-vous sur le développement de ce sens du mouvement à l'intérieur de vous, comme votre sens de l'animateur comme ils l'appellent et ce que je vais partager pendant que nous animons. C' est ça. Dans notre prochaine leçon, nous allons enfin mettre en place nos lumières. C' est la dernière étape dans la mise en place, puis le plaisir commence à s'animer. 7. Les lois de la lumière: Dans cette leçon, nous allons mettre en place nos lumières et éclairage était quelque chose que je redoutais tant. Je n'avais aucune idée de ce qu'il fallait faire et où placer mes lumières, et ça avait toujours l'air si horrible. Ma vidéo a fini par paraître de mauvaise qualité et jusqu'à ce que j'ai appris qu'il n'y a en fait aucune façon correcte de placer vos lumières, mais c'est quelque chose que vous jouez et expérimentez. Cela vous aide tellement à communiquer l'histoire vraie que vous voulez raconter. Vous pouvez transmettre autant d'émotions différentes en plaçant simplement vos lumières différemment. Dans cette leçon, nous allons utiliser trois lumières principales. L' un est une boîte souple très bricolage que j'ai réellement commencé avec et c'est la version bricolage. Vous pouvez trouver de nombreuses boîtes logicielles abordables en ligne, vous pouvez l'utiliser. Le second, nous allons utiliser ces murs de Chine avec une ampoule LED à l'intérieur. Nous utiliserons ces lampes de bureau pour la démonstration. En fait, j'en ai deux et je les utilise pour éclairer certaines zones de mes images et elles sont super utiles. J' ai aussi les mêmes ampoules LED à l'intérieur. Assurez-vous que toutes vos ampoules LED ont la même température. Ne les mélangez pas et commençons. Je vais fermer mes rideaux, fermer toute la lumière que je ne peux pas contrôler. Seul l'éclairage continu le ferme et vous ne pourrez plus voir quoi que ce soit, mais alors j'allumerais ça et commencerais. Je pourrais avoir l'air un peu effrayant dans ces vidéos, mais supporte juste avec moi et allumons notre objet. Quand j'ai commencé, c'est ainsi que j'allais éclairer mes sujets. Je veux allumer ça. Donc, je l'allumerais. Il suffit de mettre une lumière juste devant lui. Maintenant, vous voyez que tout est plat maintenant. C' est un cylindre freakin, mais il a l'air complètement plat. Il ressemble à un rectangle 2D avec la lumière juste devant lui. Ça n'a même pas l'air creux. Mais quand je commence à déplacer ma lumière un peu sur le côté, je peux maintenant voir ici qu'il y a je peux maintenant voir ici qu'il y ade la luminosité et de l'autre côté je vois des ombres. Ce n'est plus qu'une seule pièce avec ma surface, mais maintenant il commence à avoir une certaine dimension et commence à regarder plus 3D. Je vois même de la lumière de ce côté-ci, des zones plus sombres de ce côté-ci. Vous pouvez jouer avec l'endroit où vous placez la lumière dans vos images et raconter une histoire complètement différente à chaque fois. Comme si je l'ai mis ici, c'est complètement différent et ça donne une émotion complètement différente que quand, par exemple, je l'ai remise ici. Encerclez-le ici, complètement différent. Mettons même ici, un effet complètement différent. Il définit la scène très différemment que de l'allumer comme ça. Une position très courante pour mettre votre lumière est à 45 degrés de votre appareil photo. Si votre appareil photo était juste en face de votre objet, vous mettrez ce 45 degrés de la caméra et vous verrez comment il rend le tube plus 3D que juste la chose plate. Pour la démonstration, je vais juste le placer à un angle juste ici. Je suis très heureux du contraste que j'ai créé dans mon image. Je peux voir la lumière et l'ombre et ça donne plus de dimension à mon objet. Mais mes ombres sont très dures. Ils sont super pointus et je veux descendre ça d'un cran. Ce que vous pouvez faire est de diffuser votre lumière et cela la rendra beaucoup plus douce. Remarquez la prochaine fois que vous êtes dehors par une journée ensoleillée, s'il n'y a pas de nuages, la lumière sera super dure et vous verrez l'ombre de tout le monde très nette. Mais une fois qu'il y a des nuages et que la lumière passe à travers ces nuages, puis sur les gens, vous allez remarquer que les ombres sont beaucoup plus douces et plus agréables. Vous pouvez facilement le faire à un prix très abordable avec un papier parchemin ou un papier sulfurisé. Remarquez ce qui se passe quand je place ça devant ma lumière. Je vais placer ici, voir ce qui arrive à mon ombre. Il devient très doux. C' est sans elle, la lumière extrêmement dure. Il n'y a rien sur le dessus. Mais une fois que j'ai mis ce morceau de papier, voyez ce qui arrive à l'ombre. Notez également qu'une fois que j'ai mis ma diffusion, ma lumière devient moins brillante. C' est bien sûr parce que je fais que la lumière se déplace à travers quelque chose. Voyez ici, où ma lumière se répand encore. Vous pouvez voir la différence dans l'intensité de la lumière. Prenez note de cela chaque fois que vous ajoutez votre diffusion, vous allez rendre votre lumière moins lumineuse. Notez également où vous mettez votre diffusion par rapport à la lumière elle-même. Commençons par très près de la lumière et voyons comment est mon ombre. C' est encore un peu plus doux que quand il n'y a pas de diffusion du tout. Mais remarquez quand je commence à enlever et à mettre ma diffusion un peu plus loin de ma lumière. Voyez la différence. Mon ombre est maintenant très douce, elle [inaudible] comme un dégradé. Maintenant que j'ai diffusé un peu ma lumière, je ne suis toujours pas très content de l'obscurité de ma photo. Mon fond est un peu sombre, et aussi le contraste entre ma lumière et mes sombres est très élevé. Je veux réduire un peu ce contraste et peut-être allumer un peu mes ombres. Ce que nous pouvons faire avec une lumière de remplissage. C' est notre lumière clé, elle est directement sur notre objet clé, mais la lumière de remplissage remplit la zone, n' est pas dirigée en 3D vers une chose. On va utiliser notre éclat pour ça, ça va être parfait. Je l'ai mis tout le chemin et je vais l' allumer maintenant pour que vous puissiez voir la différence quand on l'a allumé. C' est sans elle, c' est avec la lumière de remplissage. Voyez combien cela fait une différence, voyez maintenant mes ombres sont très légères qu'avant. Il ne jette pas d'ombre parce que c'est essentiellement dans un grand diffuseur. Il y a un peu profond, bien sûr, parce que quand il y a de la lumière, mais elle est extrêmement douce donc vous ne pouvez même pas voir aucune trace d'autre ombre, et je la mets juste au-dessus de mon tube. Je n'aime toujours pas ça, ce côté est très sombre. Il fait trop sombre que ce que je voudrais, je veux réduire un peu ce contraste. Ce que je vais faire, c'est utiliser une carte de rebond et j'utilise juste un panneau de mousse blanche. Vous pouvez utiliser n'importe quoi comme une carte de rebond. Vous pouvez même utiliser des miroirs. Vous pouvez utiliser n'importe quelle surface réfléchissante ou même juste un morceau de papier blanc. Ce que je vais faire, c'est utiliser la lumière qui vient de cette lumière et rebondir sur cette surface sur le côté plus sombre. Alors voyez, remarquez ce qui se passe quand je commence à mettre ici. Voyez ce qui arrive de ce côté-ci. Différence sans, avec elle, où je place ma carte de rebond va également se déplacer là où est le reflet et quand il l'obtient tout le chemin ici, voir maintenant il est à plat à nouveau parce que c'est fondamentalement tout est allumé. Encore une fois, je veux toujours avoir une ombre de ce côté pour qu'elle ait l'air plus dimensionnelle. Je vais placer ça ici. Je vais le coller ou le serrer et m'assurer qu'il ne bouge pas du tout, peut-être le serrer à un support ou quoi que ce soit. Vous pouvez utiliser n'importe quoi comme une carte de rebond, même un mur. Même s'il n'a pas quelque chose pour adoucir votre lumière, vous pouvez réellement l'enlever et simplement la rebondir au mur. Laissez-moi vous montrer si j'enlève ça et c'est une lumière très dure, mais si je fais ça, voyez comment elle réfléchit la lumière sur mon objet maintenant. Voyez que c'est sans complètement sombre. Avec cela, vous pourriez être en mesure d'allumer de petits objets, mais nous avons besoin d'une source de lumière beaucoup plus grande pour éclairer un grand espace. Maintenant, je vais répliquer tout ça avec notre plus grande source de lumière. Je vais utiliser mon grand diffuseur devant lui pour adoucir un peu la lumière et diffuser la lumière. Je vais garder ma lumière de remplissage. Je vais placer ma carte de rebond de l'autre côté de mon objet pour refléter une partie de la lumière et alléger l'autre côté de celui-ci. Assurez-vous que rien ne bouge du tout. Vos lumières sont sur votre trépied ou le serrer en place, peu importe, mais tout est bien bas et il ne bouge pas même votre diffuseur et votre carte de rebond, tout est enregistré en place et il ne bougera pas, sinon votre éclairage sera et cela peut provoquer un scintillement dans vos vidéos. De plus, chaque fois que vous réglez la lumière, prenez votre objet si vous bougez car votre objet ne sera pas toujours au même endroit. Essayez de le déplacer partout dans votre ensemble et voyez s'il y a un endroit où la lumière, elle peut être super lumineuse sur votre objet ou il peut être très sombre de l'autre côté, sauf si c'est quelque chose que vous voulez. Mais vous voulez vous assurer que votre lumière est uniforme et que votre objet sera bien éclairé lorsque vous l'animerez autour de votre ensemble. Pour la dernière fois, je vais sauter dans Dragonframe et m'assurer que paramètres de mon appareil photo sont réglés après avoir configuré toutes les lumières. Je vais également faire un test et vérifier ce test sur mon dossier Dragonframe, et m'assurer que tout est complètement correct. Pour résumer, dans cette leçon, nous avons abordé le placement de la lumière et comment cela peut affecter l'émotion et l'histoire que vous souhaitez partager dans votre animation. Nous avons appris que nous pouvons diffuser la lumière pour la rendre plus douce et nous avons appris que nous pouvons la refléter en utilisant une carte de rebond. Vous devez vous assurer que tout est fixé et déplacer votre objet pour vous assurer que votre lumière est égale à travers votre ensemble. Vérifiez les paramètres de votre appareil photo et ajustez-les après avoir placé les lumières et n'oubliez pas de prendre une photo de test avant d'animer. Dans la leçon suivante, nous allons enfin commencer à animer le moment que nous attendons tous. Mais toute cette configuration est très cruciale pour tout arranger car une fois que vous animez, vous ne pouvez rien changer. 8. Principes d'animation: Avant de commencer à animer notre idée, je veux répondre à une grande question que je sais que vous avez. J' ai eu cela et je me suis toujours demandé, comment les animateurs font des mouvements aussi fluides dans leurs vidéos d'auto-motion ? Mes premières vidéos étaient partout et les mouvements étaient très cahoteux. Je me suis toujours demandé jusqu'à ce qu'un animateur me réponde et il a dit, Vérifiez les 12 principes de l'animation. Je ne savais pas qu'il y avait des principes d'animation. Je l'ai fait, et lentement j'ai commencé à l'appliquer à mes vidéos et à mes animations et c'était tout. C' est ça. Apprenez les 12 principes de l'animation. Je sais que cela pourrait être trop pour quelqu'un qui n'a pas de fond d'animation, mais pour commencer, commencez par ces cinq principes d'animation que je vais expliquer dans cette leçon. Appliquez-les lentement à vos vidéos et vous allez voir une énorme différence. Nous commençons par le timing et l'espacement. calendrier est la durée qu'une action doit être menée à bien. Dites que je veux déplacer ce tube d'ici à ici en une seconde, et je m'anime sur 12 images par seconde. Cela signifie que j'ai besoin exactement de 12 images du début à la fin pour faire ce mouvement en une seconde. Moins je prends de cadres, plus le mouvement sera rapide, et plus je prends de cadres, le mouvement sera lent. Cela semble très mécanique parce qu'il bouge à vitesse constante, et ce n'est pas ainsi que les êtres vivants bougent. Nous ralentissons l'entrée et la sortie de nos mouvements. Vous pouvez le faire en changeant l'espacement entre chaque image. L' espacement est l'endroit où je place mon objet dans chaque cadre. Plus vos mouvements sont proches, votre objet bougera lentement, plus vos mouvements sont importants, plus il se déplace rapidement. Lorsque nous regardons les deux animations en même temps, nous pouvons voir que les deux ont le même timing, deux atteignent la fin en une seconde, mais ils se sentent différents parce qu'ils se déplacent à des vitesses différentes. Vous pouvez utiliser l'espacement comme moyen de définir votre personnage. Cela nous amène à nous calmer et à nous détendre. Vous pouvez l'utiliser pour rendre vos mouvements plus réalistes et contrôler la vitesse de chaque partie de votre animation. Selon les lois de la physique et de la nature, je peux faire de petits mouvements puis l'accélérer lentement en agrandissant mes mouvements, ou je peux faire démarrer mes objets très vite, puis ralentir en faisant le contraire. Anticipation. Il s'agit d'une action faite par l'objet ou personnage pour préparer le public à ce qui va venir. Il crée également des intérêts et rend vos mouvements plus réalistes. Essayez-le toi-même. Essayez de vous déplacer d'un côté à l'autre. Vous découvrirez que vous allez d'abord déplacer n'importe quelle partie de votre corps dans la direction opposée pour construire de l'énergie. Squash et stretch. Dans ce principe, vous pouvez écraser ou étirer un objet pour souligner son élan, vitesse, son poids ou sa masse, et exagérer certains mouvements. Je peux faire montrer à mon tube qu'il prend de l'ampleur et anticiper, disons, un saut en écrasant et en étirant. J' ai modifié certains des tubes pour rendre des versions plus fines ou plus larges. Le volume de mon tube ne change jamais. Ce que je prends de la hauteur que j'ajoute à sa largeur. C' est une erreur que font les débutants. arcs. La plupart des êtres vivants se déplacent dans des arcs, qu'il s'agisse d'un personnage complet ou simplement d'une agitation à la main, ou de choses qui bougent dans la nature. Pensez à une balle jetée en l'air, elle va monter suivant un arc, puis descendre à nouveau dans un mouvement d'arc. Cela ne veut pas dire que vous ne devriez animer que tous les objets dans les arcs. Toutes les règles peuvent être enfreintes en fonction de ce que vous animez, bien sûr. Mais si vous voulez rendre vos mouvements plus vifs et plus doux, prenez soin de vos arcs. Ici, tu y vas. Cinq des 12 principes d'animation sur lesquels vous devriez vous concentrer, pratiquer tellement et maîtriser quand vous commencez à commencer : le timing et l'espacement, l' anticipation, la facilité d'entrée et de sortie, suite d'un mouvement d'arc et le squash et étirer. Vous pouvez apprendre ces principes et tous les principes de l'animation et bien plus encore dans le livre, The Animator Survival Kit. C' est un must have pour chaque animateur. Il couvre toutes les choses que vous avez besoin d'apprendre pour améliorer vos compétences en animation. Je sais que ça pourrait être un peu intimidant avec tous les cycles de marche et les animations de personnages et tout ça, mais il suffit de prendre lentement, une page à la fois, et croyez-moi, ce sera votre meilleur ami. Nous avons couvert beaucoup de sujets. Nous avons déjà fait beaucoup de travail, et tous ces travaux faciliteront notre prochaine étape. Dans la leçon suivante, je vais vous donner un peu d'explication de l'idée d'animation elle-même. 9. Préparation à l'animation: Dans cette leçon, je veux expliquer quelques choses sur notre animation. Nous allons animer un rouleau de papier toilette qui tourne. Je veux rendre cela très animé, donc je vais appliquer certains des principes d' animation que j'ai déjà expliqués dans la leçon précédente. La première chose que je veux faire, c'est le timing. Rappelez-vous le timing. Je vais essayer d'agir si je veux tourner comme un tube, quoi cela ressemblerait ? En même temps, je vais le chronométrer avec mon téléphone. Je vais juste commencer le compte à rebours, tourner et voir comment ça se passe. Vous remarquerez en fait qu'en essayant de faire demi-tour, vous ferez effectivement un peu d'anticipation. Vous tournez d'abord vers la gauche pour obtenir de l'énergie. Je peux même le voir dans la vidéo que j'ai écrasé un peu, je viens de me faire un peu plus petit. Alors que je reviens, j'ai étiré mon corps et j'ai fait un tour complet. J' ai chronométré ça et c'était environ 3,2 secondes, quelque chose comme ça. Si j'anime 12 images par seconde, donc dans chaque seconde je vais prendre 12 photos et nous avons 3,2 secondes. Cela me donne 3,2 fois 12, environ 38, 39 photos. Maintenant, je sais que j'ai besoin d'environ 38-40 photos pour faire mon animation dans le même temps que prévu pour. C' est le timing. Ensuite, nous avons également compris qu'il y aura une légère anticipation et aussi squash et étirement. Pour rendre le tube squash et s'étirer, nous allons utiliser l'animation de remplacement. Je suis déjà allé de l'avant et j'ai créé quelques pièces de rechange. Pour faire mon tube squash, j'en ai fait une version plus courte et tout ce que j'ai pris de la hauteur, j'ai augmenté dans la largeur. N' oubliez pas que vous ne changez pas le volume de votre tube, peu importe ce que vous prenez des hauteurs que vous augmentez dans votre largeur. Même ici, rendu encore plus court, mais beaucoup plus large. Quoi que je coupe, je l'ai ajouté à l'arrière. Quand on place ça dans le bon angle, ça ne s'affiche pas vraiment. Pour même faire le plus grand, vous pouvez même utiliser un tube très différent et pas un rouleau de papier toilette. Une astuce que je suis sur le point de partager, c'est lorsque le mouvement de votre stop-motion va très vite, votre œil ne peut pas vraiment dire ce qui est réel et ce qui n'est pas réel. C' est à cause de quelque chose qu'on appelle la persistance de la vision. Ce qui se passe, c'est que votre œil ne peut pas vraiment dire et il essaie de rassembler toutes les données et de les relier complètement pour être en mesure de comprendre ce qu'il voit vraiment. Ce que vous montrez est tout d'abord un tube en carton de différentes tailles, donc c'est ce que votre œil va lier et comprendra. Il ne va pas vraiment comprendre que ce sont des pièces différentes. Tant que vous y pensez que vous donnez à l'œil une moyenne de données. Vous voulez qu'il remarque que c'est de la même couleur, c'est tout le même matériau, c'est relativement la même forme, donc c'est la même chose. Souvenez-vous de ce truc. Le dernier que j'ai fait était, je viens d'avoir un tube et demi et je serais capable de le rouler très petit. J' ai même ajouté une pièce supérieure. Je ne vais pas m'inquiéter qu'il y ait une ligne ou que votre oeil verrait que c'est deux pièces différentes. Vous pouvez réellement l'utiliser comme un moyen d'améliorer votre mouvement, votre sens de l'orientation, et où les choses vont. C' est ma version étirée du tube. N' hésitez pas à faire vos propres remplacements, que vous suiviez la même méthode ou que vous jouiez et essayez comprendre comment faire le squash et étirer à votre manière. Dans la leçon suivante, je te le promets, c'est enfin le moment de l'animation. 10. Animer votre idée: C' est ça, le moment que nous attendons tous. Nous sommes en train d'animer dans cette leçon. Je vais commencer par, je vérifie mon Dragonframe, tout a l'air bien là-bas. Je suis assis dans une position confortable. J' ai mon clavier où je peux faire du cycle entre mes cadres et vérifier mes cadres comme ça. J' ai mon caractère. Mais avant de commencer, je veux le sortir du cadre, et prendre quelques images sans rien dedans, juste l'arrière-plan avec rien dedans qui va bouger. Ceux-ci sont appelés plaques propres et vous pouvez les utiliser plus tard pour enlever n'importe quelle plate-forme. Bien que je ne vais pas réellement utiliser des plates-formes dans cette animation, je prends juste l'habitude de prendre mes assiettes propres pour ne jamais oublier de le faire. On ne sait jamais quand on va l'utiliser ou l'utiliser pour nettoyer une vidéo ou quelque chose comme ça. Prenez l'habitude de simplement prendre environ sept images pendant que vous êtes défini est vide. Alors je vais placer mon tube. Par coïncidence, mon tube a une marque, un point dessus. Je vais utiliser ça à mon avantage. Je vais commencer la boucle avec ce point face à l'avant, et je vais faire les gens se concentrer dessus et effectivement le voir très clairement au début, sorte qu'ils voient que le tube fait un tour complet quand ce point revient au début. Ils vont sentir le mouvement de toute façon, même si ce point n'était pas là, mais c'est juste quelque chose sur lequel les gens se concentrent, et ensuite vous pouvez l'utiliser de bien des façons pour leur tromper les yeux. J' ai des guides que j'ai faits dans Dragonframe pour m' aider à savoir que chaque fois que je tourne cela, il ne va pas à gauche ou à droite, et je le tourne toujours dans la même position à chaque fois. J' ai zoomé ma vue pour mieux voir. Mais quand je prendrai une photo, je serai très, très sûr que je ne suis pas dans le cadre. Je ne peux pas me voir ici, mais je pourrais être comme mon bras ou un peu du clavier, donc chaque fois que je prends une photo, capture un cadre, je vais vraiment m'éloigner du chemin pour que moi, mon ombre ou le clavier ne soient pas en fait dans la photo. Je vais capturer mon premier flux et je prendrai sept images pour le mettre en pause. Les pauses sont très importantes en stop motion. Il donne aux yeux un peu de temps pour se reposer entre les mouvements ou vous pouvez l'utiliser pour commencer un mouvement pour donner à l'œil un peu de temps pour voir ce qui est à l'écran avant de tout déplacer instantanément. Si tout bouge tout le temps, ce sera très distrayant pour les yeux. Le cadre avec la bordure rouge est votre cadre en direct. Je vais allumer le bascule, puis commencer à déplacer mon tube vers la droite, en le tournant en prévision du virage complet. Je commencerai par faire de petits mouvements d'abord. Alors je vais m'en sortir. Marchons à travers nos cadres. Vous pouvez voir un petit mouvement. Je ne tourne pas beaucoup mon tube ici, mais le mouvement est là. Capturer. Une grande fonctionnalité que vous pouvez utiliser est l'option de blackout. Vous accédez à Préférences, Capture et activez la fonctionnalité de blocage. Cela ajoute un écran noir lors de la capture d'une image afin que notre lampe d'ordinateur portable n'allume pas notre scène lors de l'animation. Si vous déplacez votre ordinateur portable, votre lumière changera et cela provoquera un scintillement. C' est ainsi que vous voulez utiliser votre logiciel Dragonframe, votre clavier pour obtenir ce qu'ils appellent le sens de l'animateur. Soit vous pouvez utiliser le bouton bascule et cela vous montrera votre image précédente sur votre image en direct. Il vous le montrera très vite, dos à dos. À partir de cela, vous pouvez sentir à quelle distance ou combien votre objet tourne ou bouge. Vous pouvez dire à quel point ce mouvement est grand ou petit. Une autre façon de sentir combien vous déplacez votre objet ou d'obtenir une idée de la vitesse de votre objet est de simplement déplacer image par image, sorte que vous allez de l'avant, 1, 2, puis de retour 1, 2, et vous sentez à quel point votre le mouvement est comme ça. Une autre caractéristique que j'aime utiliser est les cadres noirs. Cela ajoute quelques images noires à la fin de votre lecture. Plutôt que de vous arrêter à votre dernière image ou à votre image en direct, les cadres noirs vous aident à avoir une vraie sensation de votre mouvement plutôt que de vous faire voir un arrêt complet. De cela, je peux comparer les mouvements dans chacun des cadres les uns contre les autres et je peux dire si je fais des mouvements de plus en plus grands ou peut-être mon cadre en direct, le mouvement est en fait en comparaison avec le précédent, plus petit et Je veux le rendre plus grand parce que je veux augmenter la vitesse. Vous voulez utiliser cette promenade à travers vos cadres et être en mesure de savoir si vos mouvements deviennent plus grands, plus rapides, ou si vous faites des mouvements de plus en plus petits, ce qui signifie que vous ralentissez votre objet. Je vais commencer à prendre lentement une certaine vitesse, donc mes virages vont s'agrandir. Je marche à travers chaque cadre et joue l'animation pour sentir comment elle bouge. Vous pouvez jouer vos animations et voir si quelque chose se sent hors de place. S' il a l'impression qu'une pièce traîne, alors c'est trop lent. Vous voulez sentir un mouvement lisse à chaque fois que vous jouez ou que vous marchez à travers vos cadres. Si un cadre n'est pas correct, il sera scintillant ou qu'il est coincé d'une manière ou d'une autre. Prenez votre temps avec chaque image, faites des mouvements, jouez-le, et si cela ne vous convient pas, effacez simplement un cadre ou masquez-le et répétez le cadre. Faites des ajustements et ne vous inquiétez pas de prendre la bonne image dès la première fois. Allez-y et essayez de sentir le mouvement et ne vous inquiétez pas de faire des erreurs. Je vais utiliser les guides que j'ai dessinés pour m'assurer que je tourne le tube au centre et ne pas le déplacer à droite ou à gauche. Cela fera croire à mon mouvement qu'il scintille. C' est peut-être le mot, comme s'il continuait à bouger, à vibrer. Je vais jouer ce rôle et je peux voir que tout est lisse. Tout se sent bien. Ici, je fais un gros virage, vraiment accélérer maintenant et quand je joue, vous pouvez dire que c'est vraiment prendre de la vitesse. Nous sommes encore en train de tourner en anticipation, mais je vais commencer mon squash et m'étirer à partir de maintenant pour qu'il atteigne le squash complet à la fin du tour d'anticipation. Je commencerai à ralentir mes mouvements aussi. Je commence par le premier remplacement et je vais placer ça d'une manière que vous ne pouvez pas vraiment voir la coupe que j'ai faite. Lorsque vous basculez, vous voulez sentir que le tube devient plus large et plus court, et vous voulez sentir qu'il tourne aussi, puis une courge plus grande. Je fais aussi lentement ma courge plus grande. Ce n'est pas un changement radical. Encore une fois, je veux sentir qu'il est devenu plus large, plus court, et qu'il tourne. Vous voyez, les avantages des images occultant, cela ne s'arrête pas à l'image en direct maintenant, mais cela vous montre comment la dernière image se sentira réellement au milieu de toutes les images plus tard. Ensuite, le plus gros, et là je vais vraiment ralentir mes virages. J' utilise la marque de pliage dans le tube, cette ligne de swoosh dans le tube lui-même à droite, juste pour mesurer combien il tourne d'un tube à l'autre. Je veux que ce point se déplace lentement vers la droite, chaque cadre de squash. Ici, c'est comme si la ligne était tombée dans le plus gros squash. Le cadre précédent, la courge était vers le haut, et maintenant c'est en bas et j'aime ça. Il sent que le poids du tube est réel et qu'il apporte cette ligne vers le bas. Je vais capturer ça et terminer mon tour d'anticipation avec des virages très lents de ce morceau de tube. C' est trop grand. Je veux le rendre plus petit, donc je vais recommencer, m' assurer que mon tube ne bouge pas à droite ou à gauche. Ça tourne du centre. Je vais continuer avec de très, très petits mouvements maintenant. Je le touche à peine et je vais prendre un autre cadre. Maintenant, je vais prendre une autre image comme une pause sans le déplacer. Peut-être que j'en prendrai un autre aussi. Cela met fin à notre tour d'anticipation, et nous avons aussi fait le squash. Maintenant, le tube va commencer à tourner vers la gauche et commencer à s'étirer également. Je vais commencer à inverser mes pièces de rechange. Je vais sauter le suivant et passer directement au tube d'origine parce que je voulais m'étirer plus vite que la partie de squash car elle recevait toute cette énergie dans le tour d'anticipation, donc les choses vont maintenant se déplacer beaucoup plus vite. Même cet étirement est très exagéré. Je veux sentir cette grande énergie sortant maintenant après ce virage d'anticipation. Mes cadres noirs sont éteints, je vais l'allumer. Alors je vais le faire démonter et m'élargir. Quand je bascule entre les deux, je veux sentir qu'il devient de plus en plus petit et qu'il tourne. Une façon de tromper les yeux pour voir cela est de suivre ce point. J' ai besoin de voir que ce point a aussi tourné. S' il est coincé en place, il aura l'impression qu'il est littéralement coincé. Maintenant, tout le tube tourne. Je veux voir les deux arriver. Ensuite sera le tube et je veux voir l'orientation quand nous avons commencé. Il était en panne. Je veux lier cette marque à celle d'avant pour qu'il pense que cette marque est en fait le même tube et celui qui regarde va lier cela. Mais je voulais le faire bouger et je voulais le faire bouger rapidement. Peut-être ici, et peut-être ici. Nous allons juste avoir besoin de jouer avec, juste passer par vos cadres un par un. Je pense à quelque chose. Quand j'animais, j'ai remarqué que ma table, parce qu'elle n'est pas très supportée par le bas, donc j'ai remarqué que je peux réellement le déplacer vers le bas. J' ai pris un cadre comme celui-ci et c'était une erreur, mais je pense que je vais vraiment l'utiliser et je vais faire cette erreur intentionnellement. Dans ce cadre, quand mon tube sera finalement étiré et qu'il aura un impact sur ma surface, je rendrai cet impact encore plus puissant si j'anime ma surface. Tout ce que je fais est juste d'appliquer un peu de pression sur ma table et cela fera un peu cet impact. Toutes les erreurs ne sont pas mauvaises, permettez-vous juste de faire des erreurs. Si un cadre tourne mal, supprimez-le et recommencez. Ici, j'appuie et je vais basculer, voir. Quand ça atterrit, ça arrive. Il appuie et je vais le faire gros. Prenons ce cadre, et puis il remontera. Mais la prochaine image, je voulais tourner très vite. Je veux perdre cette marque. Faisons ici. Je ne veux pas le voir. Je vais continuer à appuyer sur ma table, mais juste légèrement. Je ne veux pas que ce soit extrême. Tu vois, c'est grand mouvement et quand j'appuie, ça ralentit un peu, juste un peu. Ensuite, ma table est neutre à nouveau, et je vais commencer à tourner vite. J' utilise tout cet élan qu'il économisait et je vais le retourner un tour complet au début où le point était là quand nous avons commencé l'animation pour la première fois. Je vais faire de gros mouvements, donc plus vite, et je vais le ralentir au début. Tournons-le, gros, gros mouvements. Je vais continuer le rebond de l'impact juste une fois de plus, un tout petit peu. C' était un grand impact donc toute cette énergie ne s'arrêtera pas tout à coup, mais elle continuera d'exister, la physique. Dans le cadre précédent, il est remonté et puis maintenant je suis juste très légèrement, mouvement très subtil. Il va revenir en arrière, puis dans le cadre suivant, je ne vais pas mettre de pression sur ma surface et il reviendra à son niveau normal, donc Entrée. Vous voyez comment est le mouvement. C' est très lisse. Voyez ce point ici. Remarquez les incréments et comment il se déplace. Si soudainement je le fais trop petit, comme faire ça, alors je vais le rendre trop grand. Voyez ce pépin, il pensait qu'il s'arrêtait et puis un grand mouvement. Vous devez prendre soin de votre espacement. C' est la clé pour lisser l'animation. Permettez-moi de supprimer ceci et c'est un peu plus grand. Je veux le déplacer dans une vitesse constante un peu avant qu'il ne perde toute sa vitesse. Si je voulais vraiment ralentir, je vais augmenter le nombre d'images que je prends. Mon point commence à montrer. Je veux que cette partie ralentisse vraiment jusqu'au début de ma boucle. Nous avons déjà animé cela et nous voulons que notre boucle corresponde exactement au début. J' accède au début de ma chronologie, cliquez sur Sélectionner, puis Maj sélectionnez l'autre image. Cela va sélectionner toutes mes images entre les deux, puis cliquez avec le bouton droit de la souris sur Copier ou vous pouvez contrôler la commande C et puis je vais aller à la fin avant mon appareil photo est, puis Control V ou cliquez avec le bouton droit de la souris, puis choisissez Coller et inverser. Notre point vient à voir et puis j'ai effectivement eu un similaire. Je peux voir lequel d'entre eux j'aime le plus. Alors voyons le plus lent. Le plus lent serait celui avec le point pas encore en vue complet. Je vais sélectionner ce cadre et appuyer sur Masquer et le cacher, et aussi déplacer ce crochet jaune vers la dernière image afin que je ne vois pas l'image live aussi bien lorsque je la joue. Voyons voir à quoi ça ressemble. C' est trop lent. Vous voyez comment il remonte ici aussi, mais c'est très bien. Parce que la différence entre ceci et cela, c'est un grand mouvement et puis c'était un petit mouvement. Nous voulons le rendre plus grand et ensuite nous allons ralentir. Je vais dévoiler le cadre et cacher le second. J' appuie sur Loop et c'est fait. Maintenant, c'est à votre tour d'animer votre rouleau. Vous pouvez animer simplement le tour ou ajouter un ou plusieurs principes d'animation comme nous l'avons fait, il donne plus de vie, ou vous pouvez ajouter encore plus et mettre votre propre torsion dessus. Nous l'avons fait, mais nous n'avons pas encore fini. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment compiler et exporter votre animation. 11. Post-production et exportation: Dans cette leçon, nous allons compiler et exporter notre animation. Nous sommes toujours dans le cadre du dragon. Voici notre animation en boucle. Rappelez-vous que nous devons nous conformer à notre fichier avant d'accéder à nos séquences brutes. Mais avant de le faire, nous avions nos assiettes propres cachées au tout début. On ne veut pas oublier ça. Je les sélectionnerai tous, les afficherai et j'aime les placer à la fin de ma chronologie de sorte que lorsque j'accède au fichier de trame dragon, j'aurai ma première image en tant que numéro un, et celles-ci seront à la toute fin de mon dossier. Maintenant, ma chronologie est dans le bon ordre. Je n'ai pas besoin de confirmer, mais vous devrez peut-être le faire si vous avez d'autres changements qui doivent être faits dans votre dossier de cadre de dragon original, vous appuyez sur confirmer ces cadres de dragon. Je vais aller à mon fichier de trame de dragon et je l'ai dans la prise deux et ensuite aller à l'exposition numéro un. Ici, j'ai toutes mes images brutes, fichiers bruts et JPEG que nous avons pris. Je vais trier cela par type et ensuite j'ai toute la ligne. Ce que je fais est de sélectionner tous les fichiers de ligne. Je vais ouvrir Photoshop et faire glisser tous mes fichiers bruts sélectionnés à l'intérieur. Cela ouvrira Camera raw. Je vais sélectionner la première photo et le contrôle A pour sélectionner toutes les autres photos de sorte que lorsque je fais l'une des modifications, cela arrive à toutes et je n'ai pas besoin de modifier toutes les photos. Je vais commencer par l'optique et s'il y avait des distorsions qui se produisaient de l'objectif, cela corrigerait un peu. Je vais aller à Basic et ici je peux faire beaucoup de corrections de couleur. Je peux changer la température de mon animation, rendre plus frais ou plus chaud, changer la teinte. Je peux augmenter l'exposition si je le voulais, mais notre exposition était bien. Je peux jouer avec les ombres et le rendre un peu plus sombre, peut-être les noirs un peu. Je vais juste jouer avec ça, mes faits saillants. Je vais aussi augmenter un peu la saturation et aussi ma vibrance. Vous pouvez voir les différences dans vos mises à jour et le cycle entre un avant et un après à partir de cela. Vous pouvez également jouer avec les courbes. Peut-être que j'essaie d'augmenter un peu le contraste. Toutes ces modifications que vous faites selon votre goût, style et photos. Vous pouvez également affûter un peu votre image. Je vais zoomer pour voir. Puisque le tube en carton est très texturé, je vais devenir fou avec l'affûtage de celui-ci. Ensuite, dans le mélangeur de couleurs, vous pouvez cibler des couleurs spécifiques et les modifier. C' est l'avantage de la prise de vue brute, vous aurez accès à toutes ces métadonnées que vous pouvez modifier et jouer dans toutes vos images en même temps. La plupart de mes couleurs sont dans le jaune, donc vous pouvez voir si je le glisse vers le vert, mes jaunes deviendront plus verts. Si je le glisse vers l'orange, ils deviendront plus orange. Si je double-clique ici sur la flèche, il reviendra à zéro. Si j'avais un bleu, peut-être que je pourrais le rendre plus violacé. Je peux changer la couleur de teinte et la saturation de n'importe laquelle des couleurs et aussi la luminance. Vous pouvez également ajouter n'importe quel vert si vous le souhaitez, ou une vignette. Je n'ai pas fait beaucoup de changements ici puisque mes paramètres d'origine étaient plus proches de ce que j'aimais. Mais si ce n'était pas votre cas, vous pouvez vraiment améliorer vos images en modifiant et en peaufinant certaines de ces options. Je vais continuer à jouer un peu jusqu'à ce que j'obtienne exactement le résultat que je veux. Ensuite, je vais les enregistrer, sélectionner un dossier, et je vais créer un nouveau dossier, et ce sera mon JPEG. Commencez la numérotation à zéro un, je l'enregistre comme un JPEG, vous pouvez choisir un tiff si vous le souhaitez, mais c'est un fichier énorme, donc je vais juste rester avec le JPEG et Enregistrer. Cela changera vos fichiers bruts en JPEG avec toutes les modifications que nous avons faites et que nous avons fait. Je vais ouvrir le premier ministre. Vous pouvez compiler vos animations de tant de façons et il y a tellement de workflows, et c'est celui qui fonctionne pour moi. Si vous rencontrez quelque chose qui est différent, c'est bon. Je vais créer un nouveau projet. Mettons-le également sur le bureau. Appelez ça, ToileTroll1. Je vais transformer mon format d'affichage vidéo en cadres. Vous pouvez avoir un code temporel. Mais puisque nous travaillons avec des cadres, je vais choisir des cadres. La première chose que je veux que vous fassiez est d'aller à Modifier les préférences, puis Timeline et vous aurez cette option par défaut définie sur peut-être une, image fixe Durée par défaut, en faire deux. Depuis que nous animons sur deux et que nous animons sur 12 images par seconde, si nous faisons une chronologie qui est de 24 images par seconde, cela signifie que nous voulons tenir chaque image deux fois. Si vous travaillez beaucoup avec stop-motion, modifiez la durée par défaut et vous n'aurez plus jamais à le modifier. Pour travailler en Premier, vous devez avoir une séquence, alors je vais ici, Nouvelle séquence. La chose la plus proche que nous pouvons utiliser est le reflex numérique. Nous tournons sur 1080p et nous voulons 24 images par seconde depuis que nous avons animé sur 12. Ou vous pouvez également choisir 25 cadres. Cela rendra votre vidéo juste un peu plus rapide, mais cela fonctionnera aussi bien. Assurez-vous de faire votre séquence dans la même résolution, pas seulement dans le rapport d'aspect, mais dans la même résolution que vous voulez. Si vous voulez une vidéo 1920 par 1080, votre séquence doit commencer par cela. Maintenant, j'ai ma séquence, car c'est la séquence par défaut qu'il a affichée ici, la chronologie en secondes. Je veux changer ça pour que ça me soit un peu plus facile. Je vais cliquer avec le bouton droit, puis aller dans les paramètres de séquence. Format de lecture de ma séquence, je le veux dans des cadres. Vous pouvez également modifier vos paramètres de séquence ici. Je vais faire glisser mon dossier JPEG dans le panneau du projet. Je vais choisir toutes mes images et les faire glisser dans ma chronologie. Je peux faire ma chronologie la même que dans le cadre du dragon, plus grand ou plus petit à partir d'ici et nous allons rendre notre chronologie pour être en mesure de le voir. Vous pouvez appuyer sur Entrée ou aller à Rendu de séquence d'entrée et de sortie. Vous pouvez voir que mon image est super énorme pour le format 1920 par 1080 que j'utilise. Mais j'aime filmer mes images dans un grand format pour que peut-être si je veux les imprimer plus tard ou si je veux faire une vidéo 4k ou les utiliser d'une autre manière qui nécessite un grand format alors j'ai mon gros fichier. Je vais éditer la balance. Je vais aller à l'une de mes images au tout début, aller dans le panneau d'édition et dans le contrôle des effets changer l'échelle. Je le fais toujours, donc je sais que c'est autour de 32 pour cent et puisque le cadre de dragon ne recadre pas ma photo, je peux aussi changer la position vers le haut ou vers le bas. Je vais revenir à ma chronologie et avec mon image sélectionnée, je vais copier, donc Control Copy ou copie de commande, puis je vais sélectionner toutes mes images, Cliquez avec le bouton droit de la souris, Coller les attributs. Ou pour un raccourci, vous pouvez appuyer sur Contrôle Alt V. Je veux coller tous mes attributs d'échelle, donc mon mouvement, et puis, OK, et puis je les ferai tous changer. Rendons-les. Vous pouvez également effectuer tous vos redimensionnement dans Photoshop avant d'importer toutes vos images dans premier. Il existe également une autre façon d'importer tous vos cadres en tant que séquence d'images. Mais j'aime mieux cela parce que je peux apporter plus de changements à la synchronisation de mes images. Je peux sélectionner une image, puis aller à vitesse et durée ou appuyer sur Commande R et vous voyez que c'est notre durée par défaut. Peut-être que je peux même rendre la durée plus longue, comme trois ou quatre si je veux mettre l'accent sur l'une des poses ou en faire une et mélanger entre les prises de vue et les deux. Rappelez-vous que nous avions nos assiettes propres à la toute fin. Nous n'avons pas besoin d'eux ici, donc je vais juste les sélectionner et les supprimer ou revenir en arrière et c'est notre animation. Pour le jouer en boucle, vous pouvez appuyer sur la lecture de la boucle. Si vous ne l'avez pas, vous pouvez ajouter l'éditeur de boutons et l'ajouter à partir d'ici c'est ce bouton. Je vais l'allumer et voici notre animation. Je veux copier et coller mes images un couple de temps puisque je veux que la vidéo elle-même bouclée. Je vais le faire de cette façon. Je peux soit sélectionner tous mes cadres comme ceci. Une autre façon est d'utiliser ce bouton et il suffit d'appuyer au début où vous voulez faire toute votre sélection et il sélectionnera tout au-delà de ce point. Je vais revenir à ma flèche ou appuyer sur V, puis cliquez avec le bouton droit de la souris et je vais imbriquer ma séquence. Cela fait une autre séquence à l'intérieur de ma séquence originale, et j'appellerai cette animation. Cela rend l'édition beaucoup plus facile. Ensuite, je vais sélectionner ma séquence imbriquée, appuyer sur Alt et la faire glisser, et cela va créer une copie. Vous pouvez également simplement le copier et le coller. De cette façon, c'est plus rapide et puis faisons un autre. Appuyez simplement sur Alt et faites-le glisser sur le côté. Maintenant, je l'ai en boucle trois fois. Pour exporter ma dernière vidéo, je serai dans mon panneau de montage, puis appuyez sur ou Commande M ou allez dans Exportation de fichier, Média. Je vais exporter en tant que H.264. Je veux que ce soit pour YouTube, donc je vais choisir YouTube 1080p, je vais changer mon nom de sortie et l'enregistrer sur mon bureau. Je n'ai pas d'audio, donc je ne vais pas vérifier cela, mais si vous avez ajouté de l'audio, laissez-le. Cela choisira automatiquement tous les paramètres de rendu. Mais j'aime rendre à une profondeur maximale et utiliser également une qualité de rendu maximale. Mais je laisse tous les autres paramètres tels quels, puis nous allons exporter. Le voilà, enfin fait. 12. Conclusion: On l'a enfin fait. heures et des heures pendant quelques secondes, mais ça valait la peine. Nous avons fait toute une animation du début à la fin. Nous avons eu notre idée, préparé notre équipement, mis en place notre scène, appliqué les lois et les principes de la lumière et de l'animation, animé notre rouleau, et nous l'avons fait à travers le cadre de dragon, pellicule d' appareil photo et Adobe Premier, et nous y voilà. Il y a même beaucoup plus à couvrir, mais j'ai essayé de partager les choses clés sur lesquelles vous, en tant que débutant, devriez vous concentrer. Si vous souhaitez une plongée plus approfondie dans l'un des sujets, il suffit de commenter dans la section discussion et de me le faire savoir. Je m'assurerai de le garder à l'esprit quand je ferai des cours futurs. Maintenant, c'est à ton tour de donner vie à ton rouleau de toilette. Animez-le comme vous le souhaitez. Si vous voulez commencer avec les bases, allez-y, même commencer très, très petit. Les principes de l'animation sont très importants à pratiquer. Même si vous ne pratiquez qu'un seul, faites-le. Commencez lentement à ajouter de plus en plus de principes à votre animation. Peu importe s'il s'agit d'une petite animation ou d'une grande animation, ce qui compte, c'est que vous continuez à pratiquer. Rappelez-vous quel type d'appareil photo vous avez, quel type de trépieds de chute vous avez, peu importe du tout. Si vous voulez devenir un meilleur animateur, tout ce que vous avez à faire est de pratiquer, pratiquer, de pratiquer et de donner vie à ces idées. J' aimerais vraiment voir ce que vous avez trouvé peu importe si c'est une grande, petite animation. Téléchargez-le dans les projets. Même si vous le partagez sur les réseaux sociaux, assurez-vous de me marquer. J' espère que toutes ces informations vous permettront de commencer facilement votre voyage en stop motion. Appréciez-le et pratiquez-vous. 13. Conseils bonus: Je ne peux pas vous laisser commencer un tout nouveau projet sans partager cette astuce bonus. Je veux vous montrer comment j'organise tous mes fichiers et dossiers pour un projet complet. Tout ça. J' ai ouvert la classe Skillshare que nous faisons en ce moment. C' est tout le dossier. Je commence par un dossier principal et je le nomme un nom clair. Il s'agit de la classe Débutant Stopmotion à l'intérieur du dossier Skillshare. Alors à l'intérieur, c'est ce que j'ai. J' ai des dossiers séparés pour chaque type de chose. Cette structure, je l'ai déjà sauvé. Chaque fois que je commence un nouveau projet, je le copie juste coller tout le système de pliage et je viens de renommer le fichier principal. La première chose que j'ai, c'est des documents. Cela a des documents Word, des scripts, des PDF que je génère, quelque chose comme ça. Ensuite, le second a toutes les images. Toutes les vidéos que j'ai prises ou toutes les JPEG finales. Ici, j'ai le stop motion JPEGS, tous édités, tous les derniers et clairement numérotés. C' est l'intro, le résumé, les idées et ainsi de suite. Graphiques a des graphiques. C' est n'importe quel graphique que j'ai fait pour être utilisé dans les vidéos. Alors j'ai l'audio. Cela pourrait même être plus organisé que cela. Je peux clairement étiqueter et numéroter les choses, mais j'ai un dossier séparé pour cela. Puis les fichiers de projet. Les fichiers de projet contiennent tous les fichiers de projet. J' ai même enregistré mes dossiers de cadre de dragon à l'intérieur ici. Je ne les garde pas dans les images. Ensuite, j'ai tous mes Premiere ou même si j' utilise Photoshop ou Illustrator ou l'un de ces fichiers de projet, ils seraient tous ici et ils seraient clairement étiquetés, ce serait avec la date. Je commence par l'année, puis le mois, puis le jour. Numérotez-les clairement et nommez-le de sorte que si je veux faire une recherche rapide où que je sois je peux trouver le fichier et je peux savoir quand il a été fait de sorte que si j'ai fait une version mise à jour de celui-ci, alors je sais lequel était le plus récent et qui était le précédent. Ensuite, j'ai un dossier brouillons pour celui-ci. Je n'ai fait que le test, donc je l'ai mis dans les brouillons. Lorsque vous faites des vidéos en stop motion et que vous aurez tant de brouillons, il sera très important de les nommer avec les dates afin que vous sachiez quel est votre dernier, dernier brouillon, puis à la fin, vous pouvez simplement supprimer tous vos vieux brouillons. Puis les exportations. Vous avez toutes les vidéos finales, toutes les leçons finales qui ont été créées, clairement étiquetées par le jour et le nombre. C' est plus 1, 2, 3, 4, 5, et ainsi de suite. Quand j'essaie de trouver un de mes anciens fichiers. Oh mon Dieu, le bordel de dossiers que j'avais. Tout est un nom puis juste dispersé dans un grand dossier énorme, c'est un processus si terrible. Je ne sais pas comment je n'ai pas appliqué cela plus tôt ou je ne savais pas à ce sujet, ça vous fait gagner tant de temps et de frustration. Surtout quand vous travaillez avec d'autres personnes et que vous savez exactement où se trouvent tous vos fichiers et que vous ne perdez pas de temps. Mais même si vous travaillez seul comme moi, appliquez-le à votre travail. Vous me remercierez. Vous aurez peut-être besoin de changer quelques choses et de le personnaliser fonction du type de contenu que vous créez et de la façon dont vous travaillez, mais une fois que vous vous y habituez, une fois que vous faites votre propre système de dossiers, vous ne mettrez jamais tout n'importe quel fichier n'importe où et des choses sans nom. Oh mon Dieu. Jamais. Chaque fois que vous avez besoin d'un fichier, vous saurez exactement où il se trouve à chaque fois. Ma prochaine étape sera dans le cadre du dragon. C' est caché. J' ai tout prêt mentionné que dans le cadre de dragon, vous pouvez appliquer un masque de ratio d'aspect afin que vous puissiez voir à quoi ressemblerait votre métrage dans différents rapports. Ici, nous tournons en 16:9, mais que faire si vous voulez créer une vidéo qui convient dans un format différent ? Vous le voulez aussi en carré ou en format 4:5 ou 9:16, et vous voulez simplement animer dans un seul but, mais la configuration ici semble s'adapter à tous ces formats différents. J' avais l'habitude de faire mes propres guides et de les dessiner jusqu'à ce que je découvre qu'ici à partir de ce signe plus, vous pouvez ajouter un guide de composition alternatif. Voir celui-ci est déjà réglé sur 1:1. Voici tous les détails et vous pouvez ajouter 1:1, 4:5, 9:16, ou même en faire un personnalisé. Vous pouvez ajouter d'autres guides alternatifs. Celle-là, on peut faire 4:5. C' est là. Même vous pouvez en ajouter un autre. Je pense que vous ne pouvez en ajouter que trois. Voici le 9h16. Vous ne pouvez en ajouter que trois et avoir le rapport d'aspect. Si un client vous demande, par exemple, pour différents formats, ce que l'on fait habituellement, alors vous pouvez simplement planifier à l'avance pendant que vous configurez et configurez vos guides et vous assurer que votre mouvement principal se déroule dans le et que quand il sera recadré dans différents formats, ce ne sera pas un problème. Vous pouvez mettre les choses supplémentaires en 16:9 entendre qui n'est pas vraiment important à afficher dans le 9:16 et garder votre action principale au centre, de cette façon vous pouvez exporter votre vidéo dans After Effects ou Premiere plus tard dans plusieurs formats.