Transcription
1. À propos du cours: Bonjour, mes amis. Je m'
appelle Beam Careala Je suis
aquarelliste et éducateur. Je suis un excellent professeur de partage des compétences
et je travaille pour des marques telles que Silver Brush Limited
et Schmincke Je crois sincèrement que la
peinture s'adresse à tout le monde. J'ai enseigné à des milliers d'
étudiants à travers le monde, et j'ai le plaisir
d'inciter les gens à découvrir et à poursuivre
leur passion créative. J'aime beaucoup dessiner les gens parce qu'ils ont une histoire
unique à raconter. Peindre des gens, c'est comme
capturer des souvenirs et des émotions de manière
plus intime. Dans ce cours, vous
apprendrez à peindre des
figures humaines expressives à l'aquarelle Je partagerai des techniques
et des concepts utiles pour représenter des personnages et transformer de simples croquis en aquarelle
créative Nous commencerons le cours avec le matériel de base dont
vous avez besoin pour commencer. Nous verrons comment maximiser
une palette de couleurs limitée et comment simplifier le mélange couleurs pour les cheveux et le teint. Ensuite, je vais
vous apprendre des moyens
efficaces dessiner des
figures humaines beaucoup plus facilement, puis je vous
expliquerai étape par étape comment créer une
aquarelle expressive J'ai fourni de nombreuses ressources
utiles que
vous pouvez télécharger gratuitement, telles qu'une photo de référence, une copie du croquis
au crayon vous pouvez utiliser pour le traçage, une photo de la
peinture finale et une liste de mes fournitures et
inconvénients recommandés pour vos besoins artistiques À la fin du
cours, vous aurez les
compétences nécessaires pour surmonter votre peur de peindre des
gens et voir cela comme un
sujet amusant et intéressant à peindre. J'ai hâte de voir ce que vous pouvez créer, alors
commençons.
2. Matériel: de notre projet de classe, vous allez peindre une image d' un couple de jeunes mariés dans un
style libre et expressif à l'aquarelle. Ce sont les matériaux dont vous aurez besoin pour le cours. Le premier est le papier aquarelle. Je recommande vivement
d'utiliser du papier
100 % coton pressé à froid en 300 g/m². Celui que j'utilise est papier
aquarelle
BAOHONG Artists' Grid, 9 x 12 pouces. L'importance d'utiliser ce type
de papier particulier est qu' il vous permettra de créer de bonnes couches et de bien
mélanger les couleurs. Le papier de coton absorbe bien l'eau et la peinture, contrairement au papier
cellulosique. S'il y a une chose dans laquelle
vous devez investir
pour améliorer vos
compétences en peinture, c'est d'utiliser du papier aquarelle 100 %
coton. Pour les pinceaux, je n'utilise que deux types de pinceaux pour
toutes mes peintures. La première est cette brosse à cheveux Silver Brush Limited
Renaissance Sable en taille 10. Il est fait de poils de zibeline
naturels purs, ce qui lui permet d'absorber
une bonne quantité de peinture juteuse. Il a une bonne prise en main et
donne des couleurs magnifiques. Je l'utilise principalement pour peindre la couche de base de
l'ensemble du tableau. L'autre pinceau que j'utilise est ce pinceau ultra
rond en soie argentée 88 taille 10. Il est fait de poils
synthétiques. Il est très facile à contrôler
et possède une pointe très pointue. ai l'impression
d'utiliser un stylo pour peindre, ce qui le rend parfait
pour peindre des détails, ajouter du contraste, des lignes
fines, etc. Pour les couleurs, j'utilise
des peintures de [inaudible]. J'utilise toujours une palette de
couleurs limitée, et pour ce cours, les couleurs que j'utiliserai sont les suivantes : jaune de
Naples, ocre jaune, Sienne
brûlée, violet pérylène magenta
quinacridone, bleu
cobalt, turquoise cobalt,
violet des profondeurs, violet cobalt, gris
paynes,
vert olive, indigo, bleu glace. Vous pouvez utiliser de la lavande ou du
blanc opaque comme alternative. Pour la couleur des cheveux, j'utilise principalement de l'
ocre jaune et de la terre de Sienne brûlée. J'ajoute un peu de
violet marin ou indigo si je veux
obtenir une couleur plus foncée. Pour ce teint,
ma couleur de base est la terre Sienne
brûlée, puis j'ajoute
un peu d'ocre jaune. J'ajuste le teint en
y ajoutant du violet de pérylène. Les autres matériaux dont vous aurez besoin
sont un tableau et du ruban adhésif, si jamais vous voulez peindre
sur une feuille d'aquarelle. Si vous utilisez
un bloc d'aquarelle dont les côtés sont collés, vous pouvez ne pas en tenir compte. Préparez également un crayon, une gomme à effacer, deux tasses d'eau, papier de
soie et
un flacon pulvérisateur. Je vous encourage à préparer
une copie de la référence pour votre guide et j'ai également fourni la photo du
croquis au crayon, si vous souhaitez
tracer l'image et passer au processus de
peinture. C'est ça. Préparez
votre matériel et je vous verrai dans
la prochaine leçon.
3. Fondamentaux de Sketching: Dessiner des figures humaines
peut sembler intimidant, mais permettez-moi de partager avec vous une astuce qui vous
aidera à apprendre à dessiner, même sans suivre une étude approfondie
de l'anatomie humaine. Lorsque nous dessinons une personne, nous devons observer quatre choses. Cela
vous servira de point de contrôle pour obtenir un dessin bon et équilibré. Le numéro 1 est le geste. Numéro 2, proportion. Numéro 3, alignement, et numéro 4, formes. geste consiste à observer
les mouvements du corps, l'angle de la tête, épaules, des bras ou des jambes. Pour la photo de référence que
nous allons utiliser aujourd'hui, nous pouvons voir que la dame est
légèrement appuyée sur l'homme. On peut également voir sa main droite tenant une
fleur dans le dos de l'homme. En revanche, l'
homme est confortablement assis sur l'herbe, la
jambe droite pliée. Au fur et à mesure que
nous dessinons cela, nous devons reproduire ce
geste dans notre croquis pour représenter l'émotion
sur l'image. Parlons maintenant des proportions. La proportion se produit lorsque nous utilisons
une partie du corps comme unité de mesure pour dessiner les autres parties proportionnellement. Par exemple, si nous prenons la tête de l'homme comme
unité de mesure
afin de pouvoir dessiner son corps proportionnellement
à la taille de sa tête, nous pouvons estimer avec certitude
que le haut du corps est environ deux fois plus grand
que la tête. Nous pouvons également l'utiliser pour dessiner
la femme proportionnellement en
vérifiant que la
tête de la dame est presque aussi grande que la taille
de la tête de l'homme. Ensuite, de son épaule
au bas de son dos, la hauteur devrait également être équivalente
à deux têtes. Maintenant, lorsque nous parlons d'alignement, nous l'envisageons de deux manières. La première consiste à utiliser un stylo. Je l'utilise également pour
obtenir l'angle
du dos de la dame et même l'
angle des jambes de l'homme. Une autre façon de vérifier
l'alignement consiste tracer une ligne de connexion à partir de la tête de la
dame en descendant pour
s' assurer que sa main est
alignée avec sa tête. Enfin, nous examinons également
les formes formées par espaces
négatifs pour valider l'exactitude des
angles que nous dessinons. Un exemple d'
espace négatif est l'espace entre la tête de la
femme et celle des hommes. Ici, nous avons formé cette forme
et nous devons la comparer à l'espace négatif
que nous avons dans notre esquisse. Ces techniques m'ont été très utiles lorsque je dessine. Je vous encourage à regarder ces quatre points de contrôle
si vous avez du mal à trouver les bonnes proportions
dans votre dessin. Une fois que vous aurez compris,
il sera beaucoup plus facile de
modifier la position angulaire des parties
du corps sans risquer d'avoir de mauvaises proportions.
4. Rapport peinture à l'eau: Maintenant, comprenons les mélanges d'aquarelles de
base. Comparée à d'autres
médiums de peinture , l'aquarelle
est transparente. Vous créez des tons clairs en ajoutant plus d'eau avec un
pigment et nous créons des tons
plus foncés en ayant plus de pigment et moins
d'eau dans le mélange. Il existe quatre
mélanges de base en aquarelle, à savoir le thé, le lait,
la crème et le beurre. Pour cet exercice, je souhaite que vous choisissiez une seule couleur afin mieux différencier
les valeurs tonales de ces quatre mélanges. Commençons par
un mélange de thèmes. Pour créer un mélange de thèmes, vous créez un mélange avec plus d'eau et une très petite
quantité de pigment. Vous imaginez la consistance
et la couleur d'un thé. Faites-le sur votre plaque de mixage
séparée. Le mélange doit être très
transparent et aqueux. Vous voyez maintenant un lavage propre
et très léger, et voici le mélange. Faisons le mélange de lait. Le mélange de lait est fluide
et contient encore une bonne
quantité d'eau, mais le pigment est un peu plus fort que le mélange de thé. Passons au mélange de crème. Pour le mélange de crème, nous créons un mélange crémeux avec quantité d'eau
contrôlée et une
quantité généreuse de pigment. Vous pouvez maintenant voir la
différence de consistance entre le thé, le lait et la crème. En veillant à ce que le mélange de thé
ait le ton le plus clair, tandis que le mélange crémeux
ait un ton légèrement plus foncé. Enfin, le mélange de beurre. Pour créer ce mélange de beurre, nous avons besoin d'un pinceau humide
, puis de récupérer le pigment
directement du stylo. Le look doit être
très épais et sec. En application, nous
utilisons un mélange de thé peindre le fond et les éléments lesquels nous ne voulons pas
attirer davantage l'attention. Mélange de lait que nous utilisons pour les ingrédients
intermédiaires ou pour
soutenir nos points focaux. Un mélange crémeux est souvent
utilisé pour les éléments principaux, qui sont également nos points focaux. Dans le mélange de beurre, nous l'utilisons pour les détails fins et les reflets. Nous apprécierons encore
plus
ces principes au fur et à mesure que nous les appliquerons
dans le projet de classe. Pour l'instant, je veux que vous vous
entraîniez à maîtriser le pinceau, le ratio de pigments dans
l'eau et peinture
libre en utilisant
différentes techniques. Passons à
la leçon suivante.
5. Cours bonus : croquis au crayon: Avant de commencer à peindre, nous allons commencer par un croquis au crayon
clair pour établir la
structure de nos personnages. Ce croquis n'a pas
besoin d'être détaillé. Ce n'est qu'un guide pour nous aider à trouver les bonnes proportions
et le bon placement. J'aime toujours
commencer par
regarder la forme générale
de la figure. Dans ce cas, je vais
commencer par la tête d'un homme, en l'utilisant comme unité
de mesure pour établir la taille et les
proportions de son corps. Une astuce simple consiste à
tenir mon crayon le
même angle que le
bras de la référence. Ensuite, je vais esquisser le
contour de son corps,
sans me concentrer sur les détails pour l'instant, reprenant
simplement la
forme et les proportions de base. Je fais également très attention à l'alignement des parties de son corps. C'est important car
si une section est décalée, exemple si le torse est trop fin ou si les épaules
sont trop larges, la silhouette peut
paraître anormale Pour garantir des proportions correctes, je constate que la hauteur du haut de son corps, du haut de tête à la taille, est environ trois fois supérieure à
la taille de sa tête. À l'aide de ce guide, je marque légèrement
son tour de taille, ce qui m'
aide à équilibrer
ses proportions avant d'ajouter plus Maintenant que je dessine le
bord de sa chemise, j'observe attentivement les courbes
et les plis. vêtements suivent naturellement
la forme du corps.
Ainsi, capturer ces courbes
subtiles permet créer une pose plus réaliste. Comme nous voulons que nos figurines soient
expressives et faciles à utiliser, je ne
détaille pas trop les plis, ajoute
simplement des lignes simples et épurées Pendant que je dessine son bras, je vérifie soigneusement l'angle
sur la photo de référence, puis je transfère le même
angle sur mon croquis. Cela permet de garantir que
la position du bras semble précise et naturelle. Je garde mes traits
souples et légers afin de pouvoir effectuer les
ajustements nécessaires. Je
compare donc constamment mon croquis à la référence pour maintenir l'équilibre
des proportions. Je continue à affiner
son bras droit, encore une fois, en vérifiant l'angle et
l'alignement dans la référence. Passons maintenant à la silhouette de
la femme, nous concentrant d'abord sur son bras gauche. Comme le couple
se tient près l'un de l'autre, je fais très attention à l'
espace entre leurs bras, en m'assurant de les
rapprocher le plus possible l'un de l'autre. Ce réglage subtil permet de
souligner leur lien. Je continue à dessiner
sa tête en utilisant quelques lignes fluides pour suggérer le mouvement
de ses cheveux Cela lui donne un aspect léger et dynamique plutôt que rigide. Ensuite, je dessine sa robe en utilisant lignes
douces et fluides pour guider
le processus de peinture ultérieur. Comme la robe est
ample et fluide, je n'ajoute pas de détails lourds, juste quelques marques légèrement
suggestives laissent
entrevoir le mouvement du tissu En dessinant leurs mains
jointes, je reste simple et impressionniste
plutôt que détaillé Les mains n'ont pas besoin d'être parfaites. Ce qui compte, c'est qu'ils transmettent le bon geste
et la bonne connexion. Maintenant, je dessine son bras droit, suivant
toujours la même
méthode, en vérifiant l'angle, l'alignement et les proportions
par rapport à la référence. Enfin, pour terminer le croquis, j'ajoute un petit bouquet de
fleurs dans sa main en utilisant traits
lâches pour suggérer
la forme plutôt que le dessin des pétales lui-même. Enfin, pour terminer le croquis, j'ajoute un petit bouquet
de fleurs dans sa main, utilisant des traits lâches pour suggérer la forme plutôt que de dessiner des pétales ou des tiges
individuels. Ce petit détail
ajoute une touche supplémentaire d'élégance et de mouvement
à la position Maintenant que nous avons notre croquis au crayon
clair, nous sommes prêts à passer à la partie
la plus excitante donner
vie à ce couple à l'aquarelle
6. Cours bonus : Peindre le couple: Pour le processus de peinture, je me concentrerai sur des techniques simples de superposition, de
mélange, d'éclaboussures
et d'éclaboussures afin de garder notre Je vais commencer par peindre
la lumière réfléchie sur le dessus de sa tête. Pour cela, je mélange le
bleu turquoise et le violet cobalt pour créer un éclat frais et doux. Cette lumière réfléchie ajoute profondeur et du réalisme à la silhouette, rendant plus
tridimensionnelle. À l'aide d'un toucher léger, j'applique cette couleur là où je vois la lumière réfléchie
dans la référence, en gardant les bords doux tout en se fondant naturellement dans
le reste des cheveux. Maintenant, je mélange une riche
couleur brune avec du buchena, ocre
jaune et du violet cobalt, ce qui assombrit J'aplatis les poils de mon pinceau
rond pour créer un trait plus large et je peins cheveux avec des traits vers
le bas. Cette technique permet
également de capturer la texture et le mouvement
de la qualité des cheveux. Pour créer des
ombres et une dimension plus profondes, j'assombrit mon mélange en ajoutant du violet cobalt et une
touche de violet marin profond Le contraste entre les zones
claires et foncées donne aux cheveux une apparence plus
pleine et plus dynamique Hum, pour le teint, j'utilise l'
ocre jaune bunchena et Ce mélange crée un teint chaud et
naturel, et j'applique cette
couleur sur son cou, en gardant mes coups de pinceau
légers et fluides. Pour adoucir les bords, j'
utilise un pinceau humide pour intégrer parfaitement
le teint aux zones environnantes. Cela crée une
transition naturelle entre la peau et le t-shirt,
évitant ainsi les lignes raides. C'est l'une de mes
parties préférées du processus. Cela m'aide à me détendre et donne de l'énergie et du mouvement
à la peinture Une bonne astuce consiste à
plisser les yeux pour identifier les zones claires
et sombres Cela permet également
de simplifier les valeurs tonales. Pour le t-shirt, je mélange le turquoise
et le violet marin profond. Je charge également mon pinceau avec
beaucoup de peinture et d'eau assurer qu'il est
complètement saturé. Je commence
par quelques traits contrôlés pour définir la
forme de base de la chemise, puis je recharge mon pinceau peinture pour créer une touche de couleur
audacieuse Ensuite, je continue à peindre la chemise avec un délavage
clair, faisant attention
à la référence Maintenant, j'incline légèrement
ma planche en biais et je la laisse tomber dans une couleur vert
bleuté saturé, alors que la première couche
est encore humide Je laisse les couleurs se
mélanger et s'écouler librement, en soulignant la forme de la chemise sans la rendre trop rigide. Pour les plis Simpson, j'utilise des tons plus foncés de peinture
crémeuse pour les laisser s'installer naturellement dans le lavage humide pour créer des plis doux mais
définis. À l'aide d'un mélange très crémeux, je peins le jean en
une seule couche riche. Ensuite, je charge mon pinceau
avec de l'eau propre et je l'éclabousse sur la partie
inférieure du tableau Cette technique ajoute une texture
organique
au tissu et crée un
bel effet fluide,
donnant au jean un aspect plus
naturel et plus pictural Pour les bras, je mélange le même
teint en utilisant du borncena, ocre
jaune et du rouge pérylène Je commence par l'intérieur de
son bras gauche, appliquant la couleur
en un seul trait, puis en adoucissant les bords avec un pinceau humide pour l'
estomper en douceur Encore une fois, notre objectif est d'obtenir les bonnes
valeurs tonales dans une seule couche Je passe maintenant au bras droit, suivant la même méthode, en
appliquant un trait plus fort sur un côté et en le
mélangeant avec un pinceau humide Pour le coude et la paume, j'applique un ton légèrement plus foncé, en ajoutant des ombres subtiles si
nécessaire. Cela fait ressortir la
forme et la structure du bras sans
lui donner l'impression d'être surmené Maintenant que nous avons peint l'homme, passons à la femme. Je vais commencer par
son bras gauche en utilisant le même teint que
l'erncena, l'ocre
jaune et le rouge Perlin pour homme ocre
jaune et le rouge Perlin Vous appliquez un léger lavage en veillant à ne
pas toucher certaines zones pour créer des reflets Lorsque je travaille sur le bras droit, j'utilise la même approche, en plaçant un trait de
couleur sur un côté et adoucissant avec un pinceau humide pour créer un dégradé lisse Avant de poursuivre
avec la femme, je vais prendre un moment pour
ajouter des détails subtils à la chemise de l'homme alors que la
peinture est encore légèrement humide. En utilisant une version plus crémeuse du même mélange que
celui que nous avons utilisé précédemment, je peins les plis et les lignes
dominantes que je vois
dans Nous n'avons pas besoin de
tout copier en détail. Quelques lignes bien placées
suffisent pour suggérer la
texture et la forme. Maintenant, revenons
à la femme et commençons par une
lumière réfléchie sur sa tête. Je mélange le turquoise et le violet, en appliquant un nettoyant doux sur le dessus, là où la lumière
touche ses cheveux. Cela donne un
éclat subtil et aide à intégrer la silhouette à
l'environnement environnant. Pour sa couleur de cheveux principale, j'utilise de l'ocre jaune, jaune de
Naples et un
peu de chena brûlée Je commence par de légers traits lâches concentrant sur le renforcement du
mouvement de ses cheveux. À ce stade, je ne
peins pas de mèches individuelles. Je suggère simplement le flux. Ensuite, je charge mon pinceau avec un mélange
de jaune plus saturé et je le fais passer sur le papier pour créer délicates éclaboussures en suivant le mouvement naturel
de Cela donne l'
impression de mèches
soufflées par
le vent et rend la peinture
plus expressive. Pour ajouter de la profondeur, j'introduis un mélange brun plus foncé à base de
Brncena et de violet cobalt À l'aide de coups de pinceau rapides et rapides, j'ai créé des traits légers et rapides, qui ajoutent de la texture et superposition sans donner
aux cheveux un aspect surmené Pendant que les cheveux
sont encore humides, je
peins doucement le dos de sa robe, laissant les couleurs
se mélanger légèrement Cela donne à la peinture une sensation harmonieuse et
souple. Maintenant, j'utilise mon ongle
pour gratter doucement la surface du papier alors que
la peinture est encore humide Cela soulève le
pigment et crée des reflets
subtils qui imitent
la brillance naturelle des cheveux Lorsque je gratte, je garde à l'esprit la direction et la douceur
du mouvement de ses cheveux Pour renforcer encore cet effet, j'utilise un brun
plus foncé et j'ajoute quelques traits soigneusement placés entre les zones surlignées. Ce contraste permet de définir les mèches et de faire
ressortir encore plus les reflets. À l'aide d'un pinceau synthétique, j'affine certains de
ses détails les plus fins, mais je m'assure de ne pas
trop le travailler,
car je veux tout de même conserver cette qualité souple et fluide
. Enfin, je prends du
jaune de Naples et j'applique un vernis doux
sur quelques zones pour souligner la douce lueur de ses cheveux et renforcer la
sensation du vent en mouvement Pour la robe, je mélange orange
cadmium avec un
peu d'ocre jaune Je commence par peindre
le bracelet de la robe, en m'assurant que mon pinceau est
contrôlé et précis. Ensuite, à l'aide de mon pinceau en zibeline, je le charge d'une quantité
généreuse d'eau et de pigment pour peindre
le reste de la robe. L'objectif ici est de laisser la peinture couler
naturellement sur le papier, en créant un effet doux et aéré. Alors que la robe est encore mouillée, je prends du jaune à tétons et je
le mets dans le mélange les deux couleurs
se mélangent parfaitement Comme nous voulons un look dynamique et
expressif, je fais glisser mon pinceau
vers la droite créer de petites
éclaboussures Ces éclaboussures
renforcent la sensation de mouvement et d'énergie de
la peinture Pour créer un
lien de couleur entre les différents éléments
du tableau, j'ajoute une touche de
vert près de sa main, où je
peindrai plus tard le bouquet. L'ajout de subtiles touches de couleurs
complémentaires permet d'
unifier la composition Maintenant, j'utilise de l'eau propre pour
adoucir le bord de la robe, ce qui permet au pigment de s'étaler et de créer un bel effet
diffus Je tape également à nouveau mon pinceau pour projeter l'
eau pure
sur la Cela crée un effet spécial où le pigment se
disperse de manière inégale,
donnant à la robe un aspect encore
plus fluide et spontané Pour équilibrer la composition, j'ai légèrement allongé la taille de
l'homme, en veillant à ce que les proportions des deux personnages soient harmonisées. Ensuite, je peins les
fleurs qu'elle tient à la main. À l'aide d'un riche mélange d'orange rougeâtre, je crée des
traits organiques lâches pour créer des pétales Les fleurs n'ont pas besoin
d'être très détaillées. De simples touches et points de peinture suffisent pour
indiquer la présence Je reviens maintenant à la chemise pour homme, et à l'aide de mon pinceau à détails, j'ajoute soigneusement des accents et des
lignes
subtils pour améliorer le
contraste et la profondeur. Je veille à ce que le tableau
ne soit pas trop rigide au toucher. Je fais de même pour le
gilet féminin en ajoutant quelques lignes douces pour rendre
le tissu plus défini Ensuite, j'ajouterai de fines
tiges avec un mélange vert, essayant le bouquet ensemble. Enfin, je prends ma brosse en
zibeline et j'
absorbe légèrement l'excès d'eau
des zones éclaboussées Cela permet d'accélérer le processus de séchage et de bien définir
les éclaboussures Et quelques petites marques sur les vêtements de l'homme pour lier
les couleurs. Enfin, j'ajoute
quelques touches finales,
une douce touche de jaune de Naples sur les fleurs pour les illuminer J'apporte également des
ajustements mineurs au teint de la peau et des cheveux, en ajoutant quelques touches
délicates pour affiner l'équilibre général. Et avec cela, notre
peinture est terminée.
7. Ébauche au crayon: Dans cette vidéo, je vais vous montrer mon processus de dessin et
vous expliquer comment je le fais. Je pars toujours de la forme
générale de l'image. j'essaie de ne pas dessiner les détails début, j'essaie de ne pas dessiner les détails, mais de me concentrer
sur la silhouette. J'ai commencé par la tête
de l'homme, puis par la tête de la dame. Remarquez que je dessine
d'abord le contour extérieur. Sur l'
épaule de l'homme, puis sur son bras, puis sur sa jambe droite. Ici, j'essaie de me concentrer
sur les grandes lignes du couple en essayant de ne pas
entrer dans les détails pour l'instant. Lorsque je dessine leur
tête, je garde à l'esprit
l' observation que j'
ai faite sous le signe du geste. Comme la dame
appuyée sur l'homme, l'angle du
bras droit de l'homme et même de sa jambe droite. Ensuite, je dessine la
couleur du costume juste pour me donner une idée de l'endroit où
se termine sa tête. Maintenant, je dessine le bras droit de la dame. J'ai vérifié l'alignement
du bras pour m'assurer ne pas le rendre trop
long ou trop court. J'ai légèrement agrandi le bouquet par rapport à la photo
de référence. Je fais cela pour rendre la
photo plus intéressante. N'oubliez pas de procéder à des
ajustements ou à des modifications. Maintenant, je vais commencer à
dessiner le dos des femmes. Je m'abstiens
de développer les détails car c'est
très tentant. Je dessine le contour de sa robe, ce n'est pas grave si ce n'est pas aussi précis que celui
de la référence. N'oubliez pas que le plus
important est la proportion pour éviter de rendre
le dessin gênant. Je suis donc en train de finaliser
quelques parties de
mon croquis initial. Effacez les traits inutiles
pour obtenir un dessin au trait défini. Je garde également
mes traits très légers pour qu'ils ne soient pas
visibles sous la peinture. Maintenant, ajoutons quelques lignes
pour plus de détails et finalisons le dessin au trait en
assombrissant certaines zones. Enfin, je dessine du
foin en arrière-plan pour donner
une impression du champ dans
lequel ils sont assis. Notre esquisse est terminée,
commençons à peindre dans
la vidéo suivante.
8. Peindre la première couche: Mon processus de peinture pour les figures
humaines repose sur cette approche à
deux niveaux. La première couche sert à définir la
valeur tonale, établir une connexion entre les couleurs et à créer des effets d'aquarelle. Ensuite, la deuxième
couche sert à ajouter contraste et des détails pour
améliorer la peinture. Commençons à peindre. Je
pars toujours du haut vers le bas. Je commence par la
tête de l'homme. Je mélange du turquoise cobalt et du violet des
profondeurs pour obtenir cette teinte bleue sourde qui peint la lumière réfléchie sur le
dessus de la tête de l'homme. Ensuite, une branche épaisse
et mélangez-la légèrement à mon bleu pour peindre l'autre
partie des cheveux. Je regarde le ton des
cheveux et je peins les cheveux foncés avec des branches
mélangées à du violet marin. Je peins la partie inférieure avec des traits
vers
le bas, puis les autres parties avec des
traits reproduisant la direction
des cheveux. Si vous pouvez le constater,
mes traits sont très contrôlés car mon pinceau ne
contient que très peu d'eau. Ma peinture est un peu
crémeuse et uniforme. Je garde également mes traits
très légers, donc je n'en ferai pas trop. Maintenant, je vais passer à la
peinture des cheveux de la dame. Je vais créer un mélange entre l'ocre
jaune et le branchena. Je teste la couleur et je vois
si j'aime la teinte. J'ajoute un peu de branchena pour que
ça ne soit pas trop jaunâtre. J'ajoute également du violet marin à mon mélange pour créer
une couleur marron foncé. Je varie le ton en
fonction de la façon dont je
le perçois dans la référence pour créer
la dimension du cheveu. J'essaie de faire en sorte que mes mouvements
soient légers et maîtrisés. Je continue à
construire
la dimension de ses
cheveux en variant les tons, tout en utilisant un mélange de couleurs
ayant la même consistance. J'utilise le même
groupe de couleurs et modifie
simplement le
ratio de chacune, en fonction de la
combinaison de couleurs dont j'ai besoin. J'essaie également de faire en sorte que les traits
soient très légers et doux. Ici, je fais des traits secs
pour représenter ses cheveux longs. J'ai aplati mon
pinceau et l'ai chargé d'un mélange crémeux de peinture. Pour cela, je fais des mouvements rapides et répétitifs vers le
bas. Je recouvre également certaines portions d'un trait sec
foncé pour
qu'elles ne paraissent pas plates. Vous pouvez voir ici que je n'ai pas aplati les poils de mon pinceau, mais que j'utilise plutôt la pointe
pointue de celui-ci pour créer fins traits ondulés et également
des traits colorés. Maintenant, mélangeons la
couleur de la peau. Je prends de l'ocre jaune, branches et un peu
de violet pérylène. Le mélange est transparent
mais pas trop aqueux. Je peins lentement le
bras de la dame. Pour la partie du coude,
j'ajoute un peu de violet de pérylène car cette zone
doit être assez rougeâtre. Maintenant, je choisis du bleu glace, du bleu cobalt
et du violet cobalt pour obtenir cette teinte lavande
pour la robe. Si vous avez une peinture à la lavande, vous pouvez simplement utiliser cette couleur. Je commence par la zone arrière. J'applique de la peinture sur
la partie gauche, puis nous ajoutons de l'eau pour diluer la peinture pendant que je peins
la partie droite. Ici, je laisse quelques
petites parties non peintes sur la partie arrière de
la dame pour donner une idée des
détails de sa robe. J'adoucis le ton
en diluant simplement la peinture avec un pinceau aqueux. Comme nous peignons
un petit tableau, il est important d'
y aller lentement et régulièrement afin de ne pas laisser de marques
inutiles. J'ai également ajouté du violet cobalt
à mon mélange initial pour créer une teinte lavande plus foncée pour les
parties sombres de sa robe. Si j'ai besoin d'une teinte plus claire, je combine simplement le
bleu cobalt et le bleu glace. Il s'agit de
connaître vos couleurs pour être flexible lorsque vous les mélangez. J'essaie de jouer avec
les tons en ajustant la quantité de violet cobalt
ou de bleu cobalt dans mon mix. De cette façon, nous n'obtenons pas simplement
une teinte lavande unie. Je continue à
déballer la robe avec un mélange fluide d'aquarelle. Pour obtenir cette consistance, je charge mon pinceau
avec beaucoup d'eau. J'essaie de créer des
effets en effleurant mon pinceau pour détecter les éclaboussures
et les éclaboussures. Ces effets
contribuent à donner à votre peinture un aspect
lâche et expressif. Plus vous aurez de bords
ou de bordures
raides, plus
votre travail sera rigide ou défini. Ici, je vais simplement ajouter
quelques notes de peinture dans un mélange laiteux et
un ton légèrement plus foncé pour
créer de la dimension et de la texture. J'essaie également de
retoucher la couleur avec un
pinceau propre pour éclaircir la teinte de la partie de la robe. Maintenant, je prends du branchena
et du violet pérylène pour contrôler la robe
et, en même temps, peindre le tapis de pique-nique sur lequel ils se trouvent. J'ai l'impression que le pinceau n'est pas
complètement chargé de peinture Je mélange
donc un peu plus de peinture pour obtenir une couleur et un trait riches. Ici, le style consiste
à faire une marque, puis à l'adoucir avec un pinceau aqueux pour
laisser la couleur s'estomper. Encore une fois, j'ai gardé les bords amples, mais ceux situés près de la robe ont bord
dur pour définir la forme. Ajoutons un ton foncé ou légèrement plus foncé sur le
tapis pour créer plus de contraste. Maintenant, peignons le
bouquet de fleurs. J'ai d'abord pré-mouillé la zone en y
enroulant une brosse humide. Ensuite, je tamponne de
la peinture pure et la
laisse couler sur la surface humide pour créer un
effet floral. Je fais de petits points roses et essaie de ne pas contrôler le
mouvement de la peinture. J'applique également de la
peinture bleutée autour. Maintenant, peignons le costume de cet homme. J'utilise de l'indigo et des peintures grises pour obtenir une riche couleur bleu foncé. Je commence ici par
la partie supérieure, puis je désature
la peinture à
l'eau sur les
zones aux tons plus clairs, comme ici dans la partie centrale. Mais là où les femmes
sont mal placées, je l'ai fait plus sombre et plus épais parce que
c'est une partie ombragée. Je peins soigneusement la zone, en faisant attention de ne pas
dépasser le bras de la femme. L'aquarelle étant un support
très transparent, nous ne serons pas en mesure de cacher
ou de dissimuler une erreur. En peignant autour de
la zone fleurie, j'ai laissé un espace entre les deux. J'assombris également la couleur
pour plus de contraste. J'ajoute des couleurs plus foncées alors que la couche de
base est encore humide pour qu'elles se mélangent bien et
créent un doux magicien. Ensuite, je peins toujours la
partie des épaules en utilisant tons
foncés avec de l'indigo
et du gris Payne. Je représente également la fleur par le biais de la peinture
négative. Je peins soigneusement le bras
de l'homme et ne t'inquiète pas
si, à ce stade, le corps
tourne comme une seule et même forme. N'oubliez pas que nous
ajouterons du contraste et des détails plus tard au cours
de la deuxième phase. L'essentiel ici est de garder les traits nets et de
ne pas trop jongler afin créer des bords nets et de donner contour
approprié aux parties du corps. Finissons de peindre l'homme en peignant sa jambe droite. J'en ai assombri une autre
partie pour lui donner de la dimension. Ensuite, la partie amusante, peignons l'herbe. Je mélange le vert olive et les
restes de peinture brune. Je fais quelques pressions et je
tamponne rapidement pour montrer
la texture et le
mouvement de l'herbe. J'ajoute également un peu de Sienne
brûlée pour créer
une variation de couleur. J'ai pulvérisé de
la peinture sur le bord extérieur pour adoucir le bord et
faire pâlir la couleur. Ensuite, j'obtiens la
couleur vert foncé en ajoutant de l'indigo à
mon mélange pour obtenir ce
ton foncé sur l'herbe. J'ai déplacé mon pinceau vers
le pinceau rond afin pouvoir créer des traits fins
pour peindre la tête. Remarquez que je tiens mon
pinceau plus en arrière et à un angle de
presque 90 degrés
pour peindre des lignes fines. Je pulvérise de l'eau avec mon pulvérisateur d'eau pour créer un effet
doux sur les bords. Ensuite, je continue à
peindre l'herbe avec des traits vagues et
organiques. Variez le pinceau en effectuant coups de
tamponnage et des coups
fins et tremblants. D'autre part, lorsque
je peins une zone de terrain, j'appuie mon pinceau à
plat sur le papier pour créer des traits épais et
organiques. J'ajoute les mêmes traits ici sur le côté gauche pour terminer
la position initiale. Je pulvérise également de l'eau sur la barre latérale gauche
pour adoucir le bord. J'éclabousse de la peinture verte pour relier toutes les couleurs et je tamponne également de la peinture
verte ici sous la robe, pour
créer un contour. Une chose importante que j'
apprends en peignant à l'aquarelle est de
toujours avoir confiance en soi. Ce n'est pas le manque
de connaissances techniques qui
fera échouer la peinture, mais le manque de confiance et de croyance. J'utilise également de la couleur
jaune pour ajouter des accents et des
jeux de couleurs dans la zone gazonnée. Enfin, je gratte
cette tache de couleur sur
la droite à l'aide de mon ongle pour créer l'impression
de brins d'herbe. Attendons que cette
partie sèche, puis nous pourrons passer à la
deuxième phase de peinture.
9. Ajouter du contraste et des détails: Passons maintenant à l'amélioration de la peinture en ajoutant du
contraste dans les détails. Je commence par le costume de l'homme. À l'aide de mon pinceau synthétique, j'obtiens un mélange épais et opaque
d'indigo et de degré de peinture. J'utilise cette couleur foncée pour
définir la forme du costume. Commençons par
définir le côté des bras, certains points du pantalon, ainsi que les points et les
plis de la combinaison. Je continue d'ajouter des
touches de peinture foncée pour créer la texture et du contraste entre
le costume et les fleurs. Je veux que tu fasses
ce pas lentement. Vous n'avez pas besoin d'être
pressé puisque nous peignons sur du papier sec. Si vous pouvez le remarquer, mes
traits consistent principalement à tamponner et à en trouver
autant que possible. Je regarde juste les
détails sombres et j'essaie de ne pas tout
décrire pour garder la peinture souple et fraîche. Cette étape consiste principalement à
tamponner de petites peintures. Cela peut sembler petit, mais nous allons créer un
bel effet global. Définissons maintenant la zone de
la tête et des cheveux. J'ajoute quelques traits pour améliorer la forme générale de la tête. Comme la tête est
un petit fragment, je fais un trait, puis je l'étale ou aplatit en tapotant avec mon doigt. Nous ne voulons pas un
coup trop puissant sur cette portion. Ici, j'ajoute juste
quelques points sur les fleurs et j'ajoute un mélange opaque
de rose pour servir d'accent. Je prends de la peinture
directement à la poêle pour une couleur riche et opaque qui
servira de point culminant. J'utilise la pointe de mon pinceau pour faire des points roses sur la fleur. Il n'est absolument
pas nécessaire d'être aussi précis avec les détails des fleurs. Maintenant, je mélange un mélange épais de lavande pour peindre les tons
sombres de la robe. J'utilise du bleu glace, du bleu cobalt, du violet cobalt et de l'indigo pour créer un ton légèrement plus foncé. Mon mix est légèrement plus foncé
que la première couche. Ici, nous construisons
la dimension de la robe en plaçant l'
ombre pour montrer que
les plis sont pleins de plis. J'ajoute de l'indigo au mélange pour un mélange de couleurs
plus profond si nécessaire. J'ai appliqué quelques petites touches
rapides sur les plis et les
plis de la robe. Évitez de trop appliquer ces traits brusques pour éviter d'
exagérer les détails. Je fais toujours le même mouvement de
tamponnage, puis l'
estompe d'un
simple coup de doigt. Je le peins principalement
sur
la partie inférieure de la robe et quelques-unes
sur le dos. Maintenant, assombrissons le terrain de pique-nique. J'utilise toujours du pérylène, de la
violette et du brunch. Quand je peins dessus, je peux jeter la robe. Au fur et à mesure que
je pose la couleur, je la mélange dans la couche initiale pour qu'elle ait un aspect plus doux. Ensuite, j'
ajoute simplement quelques touches de vert pour l'herbe
qui recouvre le tissu. Je reprends ma couleur
marron pour peindre les autres parties du
tissu sur le côté gauche. Améliorons le tissu
en le rendant plus foncé. Plus elle est foncée, plus
la robe paraîtra claire. C'est la magie des couleurs
contrastées. J'assombris
un peu plus l'endroit pour ajouter des contrastes et pour rendre la
robe plus lumineuse. Je place généralement les tons
très foncés ici,
sur le bord, et je ne les mets que
dans de petites zones. Je prends de nouveau ma peinture verte pour
ajouter quelques points de vert
foncé ici
, dans l'herbe. Maintenant, je vais mettre en valeur
les cheveux de la dame en ajoutant des notes de tons foncés à
certaines mèches de cheveux foncées. Je le fais avec un
pinceau sec pour qu'il ait air défini et fasse ressortir
la peinture. La clé pour mettre en valeur
les cheveux est de plisser les yeux lorsque vous regardez
la photo de référence, vérifier quelle zone est sombre et de vous
concentrer sur la surface. Recherchez les
tons clairs et enregistrez-les. Ici, notre objectif est de faire
ressortir la forme et la dimension de l'image
à l'aide de petits traits. Je vous encourage à toujours
vérifier votre travail de loin pour éviter d'exagérer
une certaine partie, observer la valeur tonale lorsque vous regardez votre
référence, puis peindre votre tableau en suivant
la valeur tonale appropriée. Prenez l'ocre jaune
et peignez la partie
la plus claire
des cheveux comme surligneur. Je ferai de même
sur les cheveux de cet homme. Je commence par l'ocre jaune,
puis je vais obtenir un mélange brun foncé à base de
[inaudible] et de violet marin. Je suis la direction
des cheveux au fur et à mesure que je fais le trait pour leur
donner un aspect naturel. En utilisant un mélange
brun foncé si crémeux, je fais de petits
mouvements rapides et répétitifs pour représenter les cheveux. Suivez toujours la direction
des cheveux pour que la peinture
soit visuellement agréable. Ajoutons maintenant quelques taches bleues glacées supplémentaires
au bouquet et appliquons de la peinture sur
toute la surface gazonnée pour relier les transporteurs. J'ai également pris le jaune de Naples
comme accent supplémentaire, fois dans le bouquet
et dans les fragments d'herbe. Je vais ajouter quelques points supplémentaires ici
et là pour des accents supplémentaires et j'en ajouterai d'
autres ici sur le côté gauche pour compléter
la composition, et nous avons presque terminé. N'hésitez pas à exprimer vos traits lorsque vous
peignez ce fragment. N'oubliez pas de varier
la longueur et de faire des mouvements
fluides afin qu'ils
ne paraissent pas trop raides. C'est notre dernier tableau.
10. À votre tour de peindre: Votre projet de classe. N'oubliez donc pas de partager votre peinture sur
Instagram et de me taguer sur Biancarayala afin que je puisse donner avis et partager votre
travail dans mes histoires. Sous cette vidéo de cours, vous verrez l'onglet
Projets et ressources. Voici comment télécharger
votre projet de classe. Vous verrez un bouton vert sur la droite indiquant
Créer un projet. Appuyez sur ce bouton pour avoir la possibilité de télécharger
une photo de couverture, ajouter le titre et d'écrire une petite description. Vous pouvez inclure à la fois des textes et des images dans la case prévue Une fois votre
projet téléchargé, il devrait apparaître dans la galerie des projets des
étudiants et je peux laisser un
commentaire sur votre travail. J'espère avoir pu t'
aider à surmonter ta peur de dessiner
et de peindre des personnages. N'ayez pas peur de faire des erreurs
et continuez à vous entraîner. Sous la vidéo, vous verrez
également l'onglet Révision. C'est ici que vous pouvez partager ce que vous aimez de la classe. Vous pouvez laisser votre
avis une fois que vous aurez fini de regarder
le cours en entier Cliquez
simplement sur le bouton vert « Laisser un
avis », puis cliquez simplement sur
votre évaluation parmi les options. Votre critique de classe douce et
réfléchie est un énorme encouragement
pour moi en tant que professeur. Si vous souhaitez en savoir
plus sur la peinture figures
humaines dans un style plus audacieux
et plus expressif, je vous invite à suivre
mes cours Skillshare. J'ai trois cours axés sur ce style de peinture
où vous apprenez à utiliser des éclaboussures et des
éclaboussures d'aquarelle pour créer un effet d'aquarelle
fluide. Merci beaucoup encore
d'avoir rejoint mon cours, et j'espère vous
voir dans mes autres cours.
Bianca Rayala, Top Teacher | Watercolor Artist
