Transcription
1. Intro: Bonjour, je m'appelle Zoe. Je suis directeur de la photographie
et professeur de cinéma. L'un des cours que j'adore
enseigner l'écriture d'un script. Aujourd'hui, nous allons
parler de la façon de
commencer à écrire vos
propres scénarios. Avez-vous déjà
vu le film et remarqué des erreurs dans l'intrigue ? Ou peut-être juste voir un film
qui ne vous plaît pas du tout. La plupart du temps, c'est
lié à l'écriture du script. Tout au long de ce court cours, je vous donnerai
tout ce que vous devez savoir pour commencer à écrire
votre propre scénario court, y compris comment le formater, quel logiciel utiliser et comment structurer votre script afin que vous puissiez avoir
le plus d'impact possible. À la fin de ce cours, vous devriez être capable d'
écrire votre propre scénario
court en un rien de temps. Allons-y.
2. Formatage: Formatage. Commençons par
parler du format du scénario. Si vous êtes déjà
familier avec le format ou vous êtes à l'aise avec le
programme Final Draft, n'hésitez pas à le faire. Mais nous utiliserons le scénario de
livre des sous-champs comme guide. Il existe plusieurs règles
techniques selon lesquelles tous les scénarios doivent tomber pour être
considérés comme correctement formatés. Voici une liste de toutes. La raison pour laquelle les
scénarios suivent ce format spécifique n'est pas simplement qu'ils
se ressemblent tous pour le plaisir. Cela a en fait beaucoup
à voir avec la production. Il est communément admis dans l'industrie cinématographique
qu'une seule page de scénario équivaut à
environ une minute de temps passé à l'écran dans le montage
final du film. Ainsi, si un producteur
reçoit un script de 120 pages, il peut rapidement
comprendre que le film durera probablement
environ deux heures. Cela leur permettra de
commencer à élaborer leurs plans et établir le budget du film en
fonction de ce chiffre. Si un script n'est pas
correctement formaté, il sera beaucoup
plus difficile pour eux d'estimer ce délai. Ok ? Une fois que vos pages sont
correctement formatées, il est temps de commencer à
lire, n'est-ce pas ? Presque. Une autre partie de la mise en forme
consiste à s'assurer que le texte lui-même suit
une certaine structure. Voyons un exemple pour que je puisse vous montrer ce que je veux dire. Dans cet exemple, vous remarquerez
que chaque ligne en contient suffisamment. Ligne. L'une est appelée la
ligne de limace ou le titre de scène. Cette ligne indique les paramètres régionaux généraux
ou spécifiques, et elle est toujours en majuscule. Dans ce cas, la
scène est définie à l'extérieur, ce qui est spécifié
par EXT pour externe. Le contraire
serait INT pour interne. L'emplacement général de
la scène se trouve quelque part dans le désert de l'Arizona
et la scène se déroule le jour
plutôt que la nuit. Cette ligne fournit à tous ceux qui lisent le
script de nombreuses informations
importantes qui les
aideront à visualiser la scène. Il est également extrêmement utile pour les directeurs photographie et les
gaffers, car le fait de savoir qu'il s'agit d'une
journée extérieure nous
aidera à planifier le type de configuration d'
éclairage dont nous aurons besoin. Et si nous tournons sur film, le type de film que nous
devrions avoir prêt à l'emploi. La deuxième ligne s'appelle
les lignes d'action. Il s'agit d'une description à espace unique
des personnes, des lieux et des actions qui
se déroulent alors que vous voyez commence par la ligne d'action. Il est important de
ne noter que les détails essentiels. Les descriptions des
personnages sont placées. Il ne devrait y avoir que
quelques lignes. Et lorsque vous commencez à
décrire l'action, vous devriez essayer de
contenir ces pensées sur quatre lignes ou moins. La troisième ligne est un
élément optionnel avec le mot « moving », l'auteur suggérant un
décalage de la mise au point de la caméra. Lorsque vous écrivez, vous pouvez
choisir d'inclure ces éléments pour plus de détails, ou
vous pouvez les admettre. Sachez simplement que le
choix ultime quant à la façon dont la scène est tournée reviendra au réalisateur
et au directeur de la photographie. Ligne pour une autre ligne continue. Il est important de
noter que chaque fois que nous
changeons de lieu dans un film, nous devons inclure une ligne continue. Et c'est un parfait exemple. Même si nous étions juste l'extérieur du véhicule
dans les files d'attente, nous avons maintenant changé
de perspective et sommes entrés
à l'intérieur du véhicule. Une configuration totalement différente. Parfois, il semble que celles-ci soient prises à
l'intérieur du studio avec un écran vert plutôt qu'à l'
extérieur, où des
éléments tels que l'audio et l'
éclairage sont difficiles à contrôler. C'est quelque chose qu'un
producteur
noterait et programmerait
dans le tournage. De plus, cette ligne nous donne des
instructions sur qui la
prise de vue doit se concentrer. Cela peut
suggérer au réalisateur de révéler le personnage au
public dans un certain ordre. À la cinquième ligne, nous voyons que
le nom Andy est en majuscule. Lorsque de nouveaux personnages sont introduits, leurs noms sont
toujours en majuscules. Cela permet au
lecteur de savoir que cette personne entre dans le
script pour la première fois. Et pour les producteurs, cela
aide beaucoup à planifier. S'ils savent qu'
ils peuvent tourner jusqu'à ligne 5 sans
l'acteur qui joue. Et puis ils peuvent économiser de l'argent en n'appelant cet acteur
que lorsque cela est nécessaire. Selon le temps qu'il faut à
la production pour
atteindre ce point, ils peuvent même économiser l'équivalent d'une
journée de salaire. Le travail d'un producteur est de toujours réfléchir
aux résultats
et à l'
impact financier de ses choix. Un script bien formaté peut grandement
faciliter leur travail. Blind Six, le début de
notre première ligne de dialogue. Lorsque vous formatez
la boîte de dialogue, le nom des caractères qui parlent est toujours en majuscule et il est toujours au
centre de la page. À la septième ligne, nous avons une mise en scène
écrite entre parenthèses. Ce sont des indications scéniques
pour l'acteur qui lui donnent un peu de direction dans
son dialogue. Il est maintenant recommandé de
ne les utiliser dans le script lorsque cela est absolument nécessaire
pour le ton de la scène. En tant qu'acteur, il faut généralement laisser le soin d'interpréter
ses personnages pour lui-même et de
suivre la vision du réalisateur. La ligne huit est l'endroit où le
dialogue commence réellement. Vous remarquerez que la boîte de dialogue reste au milieu de la page avec un
écart très spécifique de 1,5 pouce par rapport à la marge gauche. C'est encore une fois pour s'assurer que la durée du
film est facile à estimer, car
il est également facile de
se laisser emporter par
quelque chose comme un dialogue. En règle générale,
dans l'écriture de script, vous devez montrer ne pas dire. La ligne neuf est un autre
exemple de mise en scène. Dans ce cas, il s'agit d'une direction
physique qui remplace une ligne de dialogue
potentielle. L'utilisation d'une réponse physique
plutôt que verbale est encouragée pour éviter que
le film entier ne soit simplement un groupe
de têtes parlantes. À la ligne dix, nous voyons que le
mot sputters est en majuscule. Cela est vrai pour tous les
sons ou effets musicaux, car cela nous aide à
identifier
rapidement l'endroit où ils peuvent avoir besoin d' une chanson ou d'enregistrer un son, comme les directions scéniques.
C'est important pour noter qu'il ne s'
agit que de suggestions. Parfois, il n'est pas
possible d'obtenir un
son ou une chanson précis en raison de contraintes
budgétaires, mais un bon concepteur sonore
fera de son mieux pour obtenir
une option comparable. Enfin, à la ligne 11, vous pouvez choisir d' indiquer la fin de la scène. Ce n'est pas une étape nécessaire, mais si cela vous donne l'
impression que l'écriture s'écoule mieux, n'
hésitez pas à l'ajouter. Vous pouvez utiliser des phrases
comme couper pour en dissoudre deux ou en fondu sortant comme suggestions pour le
réalisateur et le monteur. Et c'est ça. Vous êtes maintenant prêt
à commencer à taper. Alors allons-y et parlons logiciels
que nous pouvons utiliser
pour faciliter notre travail.
3. LOGICIELS: Logiciel. Il est important de noter
que vous n'
avez pas besoin d'un logiciel coûteux
pour écrire un scénario. Si vous avez accès
à un ordinateur doté un
logiciel d'édition de texte de base tel que Pages ou Microsoft Word, vous pouvez utiliser ce que nous avons
expliqué dans la leçon sur formatage pour obtenir un formatage parfait de votre
scénario. Cependant, si vous
avez accès à une connexion Internet ou
même à quelques dollars à dépenser, je vous recommande vivement d'utiliser un logiciel de
formatage de scénario. Une version gratuite disponible en ligne
s'appelle Celtics. Beaucoup de mes étudiants utilisent
la version gratuite qu'ils proposent pour créer l'un ou l'autre des scénarios avant de soumettre leur travail. Toutefois, si vous avez environ 100$ à
investir dans un logiciel, je vous recommande vivement d'acheter une copie
de la version finale. Final Draft est le logiciel de
formatage de scénario
standard de l'industrie qui
fera tout le
formatage pour vous. Et au moins actuellement, il n'est
pas basé sur un abonnement. Ainsi, une fois que vous
l'avez payée pour la première fois, vous bénéficiez de toutes les
mises à jour gratuites à vie. De plus, si
vous êtes étudiant, ils
vous le proposent généralement à un prix réduit. À mon avis, la version finale est la meilleure option si vous voulez vraiment
commencer à écrire un scénario.
4. Structure d'histoire: Structure de l'histoire. Il est maintenant temps de commencer à écrire. Mais comment rendre
nos histoires intéressantes ? Quels sont les éléments nécessaires
pour rendre un scénario intéressant pour les lecteurs
et finalement pour les spectateurs ? Parlons de la structure
narrative. structure narrative est
généralement la façon dont la plupart des scénarios sont écrits et la façon dont la plupart des films que
vous avez probablement vus
sont structurés. La structure narrative comporte trois
parties principales. Ils sont assez basiques.
Le début, le milieu et la fin. est assez facile, non ? Mais nous allons les
détailler un peu plus. Au début. Les personnages principaux
et la scène principale, le lieu principal sont
généralement présentés, ainsi que le conflit qui incite l'histoire
à vraiment commencer, comme une invasion extraterrestre
ou gagner à la loterie. Bon, c'est le début.
Ensuite, il y a le milieu. C'est là que se déroule
la majeure partie du film. Dans cette partie, la
tension dans le film augmente régulièrement alors que
le ou les
personnages principaux sont
confrontés à des obstacles après
obstacles jusqu'à ce qu'ils
atteignent enfin le point culminant du film. Ensuite, il y a la fin ou le
dénouement du film. C'est alors que l'histoire arrive à une sorte de conclusion. Il est important de noter que
la fin du film ne signifie pas nécessairement la fin du voyage pour
le personnage. plus une étape de notre parcours pour nous
en tant que public. Pensez à la
série Harry Potter par exemple.
5. Conflit et caractère: Conflits et caractère. Lorsque vous écrivez un scénario, si vous oubliez tout le reste, il y a une
règle très importante à retenir. Conflits. Pour rendre quelque chose de vraiment intéressant pour un public, il faut qu'il y ait un certain niveau de conflit dans chaque scène. conflit, aussi
petit soit-il, est ce qui permet au public de rester engagé et de
regarder la scène suivante. Si pendant que vous écrivez, vous trouvez que votre script n'est pas aussi intéressant que vous le pensez, essayez d'introduire plus de conflits. Il est également important de se rappeler que nos
histoires sont motivées par nos personnages ou nos sujets et leurs propres désirs ou désirs profonds. Votre personnage désire
quelque chose d'
assez fort qu'il
transmettra dans l'écriture. Les films
parlent généralement d'un personnage qui veut quelque chose
mais ne peut pas l'avoir. Et puis leur
voyage ultérieur pour le faire ponctuer par les obstacles qu'ils
rencontrent en cours de route. C'est vraiment le personnage
et le parcours lesquels nous nous investissons en tant que public
, pas nécessairement la destination.
6. Trois ou quatre ?: Trois actes, mais peut-être quatre. Si vous avez fait quelques recherches sur les scénarios avant de
suivre ce cours, vous avez peut-être entendu parler de
la structure en trois actes. C'est une structure
qui suit la forme et je viens de discuter
avec un début, milieu et une fin, et x 123
correspondant en conséquence. Puisque nous
parlons spécifiquement d'écrire des courts métrages aujourd'hui, films qui durent techniquement
moins de 40 minutes, mais plus généralement autour
de 10 minutes. La structure en trois actes
est toujours présente, mais elle implique parfois
une petite torsion.
Nous allons donc en discuter. Pour cette partie de la leçon. Nous allons nous inspirer du livre de Claudia Hunter Johnson, en
créant de courts
scénarios qui se connectent. Aujourd'hui, nous allons parler de la structure
à trois, peut-être quatre X
que vous devriez utiliser lorsque vous écrivez de
courts scénarios.
7. Acte I: Acte 1. Premier acte, comme nous en avons parlé, nous sommes
présentés à notre personnage, sa vie et à son monde. Cependant, quelque part en
cours de route, tout change et
notre histoire commence. Ce moment est la découverte. La découverte est un moment
décisif dans la vie de notre personnage. Un moment qui fait complètement basculer leur
trajectoire. C'est à ce moment
que le conflit dans notre histoire commence à monter et que nous partons en voyage avec
notre personnage principal.
8. Acte II: Deuxième acte. Deuxième acte, nous sommes
confrontés à au moins une, mais peut-être plusieurs
décisions que notre personnage doit prendre en fonction de la
durée du scénario. Ce sont d'autres tournants
décisifs dans notre boutique. Et les choix
que
fait notre personnage déterminent
sa croissance. vision du monde, la frontière. En général, il n'y a que le temps pour une décision majeure dans un court métrage de
dix minutes, mais il est possible
que les deux ou plus.
9. Acte III: Troisième acte. Et à trois ans, nous n'arrivons pas
nécessairement à la fin de notre film comme nous le ferions
avec un troisième acte typique. Au lieu de cela, nous pouvons arriver à un point
appelé le match de boxe. Comme nous l'avons vu précédemment, tous les bons films ont besoin de conflits, et c'est le point culminant du conflit dans le
film. Lorsque nous atteindrons
le match de boxe, nous devrions être clairement
conscients de ce notre personnage a besoin et ce
qu'il veut dans ce film. Ce numéro dans le film parle
d'eux qui font face au plus grand obstacle alors que nous les
louons pour l'obtenir. Cet obstacle
peut aller d'
un autre personnage à la société,
en passant un autre personnage à la société, les peurs et les doutes du
personnage, les matchs de boxe sur leur combat contre
quoi que ce soit.
10. Acte IV: Action optionnelle pour la connexion
improbable. Enfin, il y a cette application
optionnelle pour l'Act supplémentaire qui inclut parfois des
courts métrages. Cet acte s'appelle la connexion
improbable, tombant le résultat
du match de boxe. Il y a parfois un petit
rebondissement que nous, comme le public
ne l'a pas vu venir. C'est ce que nous appelons une connexion
probable. Cela peut être le cas où deux
personnages qui semblent opposés trouvent quelque chose sur lequel ils partagent tous les deux
un terrain d'entente, ou une découverte inattendue que notre personnage principal fait
au moment où le film s'achève. en haut. Cette connexion peut
se faire en quelques lignes, mais c'est une étape essentielle pour conclure que nos personnages
et les histoires ne le sont pas, ainsi que pour montrer leur
croissance en cours de route. Comme le F3 typique
constatera que l'histoire arrive à une sorte de conclusion
naturelle à
la fin de cette session.
11. Connecter les points: Relier les points. Nous avons donc tout ce dont
nous avons besoin pour sortir et corriger les scénarios
récompensés par un Excellent Award. Maintenant, il ne s'agit que de le faire. chose la plus importante dans toute nouvelle entreprise est
de simplement commencer et
d'y aller doucement
avec vous-même. Essayez de vous fixer de petits objectifs
réalisables, comme écrire une seule scène par jour
et partir de là. Si vous le définissez comme
ceci,
votre premier brouillon sera
terminé , et ce, en un rien de temps. Mais souvenez-vous également que l'
écriture est une réécriture. Et le premier brouillon
que vous écrivez ne va
probablement pas
gagner d'Oscars. Même les
scénaristes professionnels écriront plusieurs brouillons avec leurs films avant qu'il ne soit temps de commencer le
tournage. Si vous avez quelqu'un en
qui vous avez confiance,
demandez-lui de lire votre premier
brouillon et d'obtenir des commentaires. Il peut également être très utile d'entendre votre script
lu à haute voix. Donc, si vous pouvez essayer de réunir quelques personnes
pour faire une lecture mise en scène. Parfois, les mots que nous avons tapés ne semblent
pas tout à fait naturels
lorsqu'ils sont prononcés. Vous devrez peut-être
réviser la boîte de
dialogue de certains personnages pour mieux les aligner sur
leur personnalité. Comme dernier exercice
de ce cours, prenons quelques
minutes réfléchir à quelques idées
pour votre scénario. Réglez une minuterie sur une minute, et écrivez
tout et chaque histoire que vous pensez
vouloir écrire moment, y
compris les personnages. n'y a pas de règles ni restrictions sur le
contenu, et continuez à écrire jusqu'à ce
que cette minute soit écoulée. N'hésitez pas à mettre la
vidéo en pause pendant cette minute. Ok, ensuite, choisissez
l'une de ces idées. Réglez à nouveau le minuteur
et demandez-vous à
quoi ressemble le personnage principal de l'histoire ? Qui sont-ils et
que veulent-ils ? Notez ces réponses. Enfin, réglez la minuterie une dernière fois et
demandez-vous ce qui se trouve sur le
chemin de ce personnage, obtenant ce qu'il
veut, quels obstacles obtenant ce qu'il
veut, quels obstacles
peuvent rencontrer pendant son voyage. Notez toutes ces réponses. J'espère que ce Brainstorm vous
a été utile. N'hésitez pas à le refaire avec une idée nouvelle ou différente jusqu'à ce vous trouviez quelque chose
qui vous inspire.
12. Conclusion: Nous avons
beaucoup parlé dans cette vidéo, de la mise en forme du scénario
à la structure de l'histoire, les différents
logiciels à utiliser. J'espère que certains,
sinon tous, vous seront utiles lorsque vous commencerez à
écrire vos scripts. J'ai quelques autres
vidéos sur la façon de
travailler avec l'
équipement de caméra et l'éclairage. Assurez-vous donc de
les vérifier également. Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez
des questions, des commentaires ou des préoccupations à propos de
quelque chose que j'ai partagé aujourd'hui et je serais heureux
d'y répondre.
Zoë Davidson, Software Engineer & Cinematographer
