S'améliorer au piano : composition musicale et improvisation

1. Introduction: Quand je joue du piano, j'ai l'impression de parler à mon meilleur ami et je suis capable communiquer différents sentiments que je ne pourrais pas exprimer en anglais. Bonjour, je suis Alicia Fox, productrice et compositrice de PNS. Je joue du piano depuis 18 ans, période pendant laquelle j'ai pu faire des tournées internationales et enregistrer avec certains de mes artistes préférés, tels que MS Sago, DJ de Chicago Kid dans Tom Mish. J'adore jouer du piano en raison des possibilités sonores infinies. Si vous avez hâte d' apprendre à composer de la musique originale et à improviser sur vos chansons préférées. Ce cours vous donnera les compétences fondamentales dont vous avez besoin pour poursuivre ce voyage. Dans ce cours, nous allons examiner les bases de la composition et de l'improvisation et apprendre à créer une progression d'accords efficace. Et aussi comment en faire un modèle d'accompagnement que nous pourrions utiliser pour improviser ou composer. Et découvrez comment vous pouvez acquérir de bonnes habitudes de pratique pour devenir un meilleur compositeur et improvisateur. Après ce cours, vous comprendrez les bases de la composition et de l'improvisation. Et être capable d'écrire des compositions originales et d' improviser sur des structures d'accords existantes. Allons-y. 2. Pour commencer: Bienvenue dans la classe de composition et d'improvisation. Quand j'ai commencé à jouer du piano, je prenais des cours de musique classique, mais j'ai été un peu découragée par rigidité de l'enseignement la rigidité de l'enseignement et peu de liberté créative qu' impliquait le musique. Il me semblait que je pouvais juste jouer la musique correctement ou mal. Je jouais juste les chansons de quelqu'un d'autre mais je ne comprenais pas vraiment ce que je jouais. À 11 ans, je suis passée à un nouvel enseignant, Tyson Rogers, qui a introduit une nouvelle approche qui m'a vraiment plu. Dans cette approche, il m'a initié à l'improvisation et au solo, dans lesquels je pouvais choisir mes propres notes pour créer une mélodie. Et je me suis rapidement rendu compte de la liberté que cette approche me permettait d'avoir. Cette approche m'a fait découvrir l'improvisation ou la composition spontanée, où vous pouvez choisir vos propres notes et créer un solo sur place. L'improvisation et la musique sont similaires à parler une langue dans laquelle nous pouvons nous exprimer à travers un vocabulaire différent et avec des déclarations que nous avons apprises en transcrivant d'autres et en élaborant nos propres phrases. J'espère que ce cours donne un aperçu de certains systèmes qui peuvent être utiles pour apprendre la composition et l'improvisation. L'improvisation est un parcours constant et j'espère vous fournir certains des éléments fondamentaux sur lesquels vous pourrez continuer à travailler tout au long de votre parcours. Tout en pratiquant cela, il est important d'être patient avec vous-même et profitez des possibilités, car il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de jouer. J'ai hâte de voir ce qui vous donne envie de créer vos propres improvisations et compositions. Allons-y. 3. Créer des progressions: Dans cette leçon, nous allons examiner différentes compétences permettant de créer une progression d'accords efficace capable transmettre la bonne émotion au public. Lorsque nous choisissons des courts pour une progression d'accords, nous voulons choisir des accords en fonction de ce qui résonnera avec la bonne fréquence émotionnelle de la chanson ou de la composition. Nous avons déjà expliqué comment trouver de bonnes possibilités pour les accords avec la gamme CTL. Dans cette leçon, je vais expliquer certains de ces concepts pour vous aider à suivre une progression de base et à la développer par le biais de substitutions et de modifications . Développons les compétences que nous en apprenant de nouvelles façons de créer des substitutions ou des modifications afin d' améliorer nos progressions d'accords. d'abord, pour vous rafraîchir, revenons sur l'échelle CTL, mais cette fois, nous allons le faire avec une tonalité différente. Pour cet exemple, j'aimerais regarder la tonalité de sol majeur, qui a un dièse, en fa dièse. Pour commencer par trouver la gamme CTL, nous allons commencer par créer les accords de septième, commençant par le septième en sol majeur, c' est-à-dire sol, si, ré et fa dièse. fur et à mesure que nous avancerons dans la gamme, nous trouverons les nouveaux accords qui sont des options dans cette tonalité. Ensuite, nous aurions une septième mineure, suivie d'une septième en si mineur, suivie d'une septième en do majeur, suivie d'une septième en ré dominant, suivie d'une septième en mi mineur. Enfin, fa dièse mineur sept bémol cinq, puis retour en sol majeur sept. Tous ces accords sont dans la tonalité de sol majeur. Mais parfois, il peut être bon de retirer les cordons d'autres touches, touches connexes qui donnent presque l' impression d'un autre monde pendant une seconde. Avant de rentrer chez nous, je vais vous proposer une courte progression composée trois accords en sol majeur et d' un accord en sol mineur. Je vais commencer par la septième en sol majeur, celle de cette tonalité. Ensuite, je vais passer à une mineure de sept ans. Avant de passer en si mineur sept. Elles sont toutes dans la tonalité de sol majeur. Ensuite, je vais passer au septième en do mineur, qui vient du sol mineur. Comme nous pouvons le constater, cet accord symbolise en quelque sorte un autre monde ou quelque chose s' ouvre avant que nous ne rentrions chez nous en sol majeur. Donc, encore une fois, cette progression était en sol majeur sept, un mineur, en si mineur, puis en do mineur. Avant de rentrer chez nous en G-Major. Souvent, lorsque vous regardez la progression d'un accord, vous pouvez constater que plusieurs accords fonctionnent de la même manière. Il est important de se rappeler le concept d'un accord de racine, qui est toujours celui d'une tonalité donnée. Dans ce cas, notre itinéraire serait en sol majeur. Une progression typique du grand livre de chansons américain, nombreuses chansons populaires de l'histoire américaine comprend ce que l'on appelle le 251. Cela signifie que vous commencez par le deuxième degré de cette touche avant de passer au cinquième, puis de revenir à la première. En sol majeur, un 251 serait un sept mineur, un sept en ré dominant. Avant de passer enfin au sol majeur sept. résolution ou la résolution peuvent être considérées comme un retour à la maison là où nous avons commencé. Et il est important qu'il existe de nombreuses résolutions différentes qui donneront des résultats différents. Ainsi, lorsque vous composez ou improvisez, il est important de choisir des accords fonction du sentiment que vous souhaitez transmettre. commençant par une septième mineure, je peux passer à D7, ce qui est un peu dissonant, puis revenir en sol majeur sept. Je pourrais aussi faire un sept mineur, un sept en do mineur. Et puis, pour résoudre le sol majeur en do mineur, encore une fois, nous sommes partis de l'échelle de sol mineur. C'est-à-dire que cela signifie presque un autre monde pendant une seconde avant que nous ne rentrions chez nous. Dans ce cas, la septième en do mineur et la septième en ré dominant. Même s'il s'agit d'accords différents, ils ont la même fonction que de revenir à notre base d'origine. Nous avons commencé avec un mannequin, nous sommes allés voir avant de revenir à notre point de départ. plupart du temps, vous pouvez créer quelque chose très beau et de la musique en ayant un son très dissonant qui se transforme ensuite en quelque chose de beau. C'est presque comme si vous preniez davantage de douche après une longue course sous la pluie. Et si nous avons quelque chose de très dissonant, quand cela s'est finalement résolu, c'est une sensation plus douce. Nous pouvons donc jouer avec ce contraste lorsque nous créons des progressions d'accords et que nous développons des accords pour nos chansons. Chaque fois que vous trouvez une progression d'accords qui vous convient, il est très important de la déplacer les 12 touches afin de comprendre comment elle fonctionne dans différents contextes et de l'avoir disponible en option lorsque vous composez dans différentes tonalités. Un excellent point de départ est de faire une progression de 251. La septième mineure sur les deux, la septième dominante sur les cinq, puis la résolution pour la septième majeure. Nous pouvons pratiquer cette progression dans chaque tonalité pour devenir plus fluide au piano. Commençons par revisiter la gamme de do majeur, dans laquelle le do est celui. Donc D serait deux. Nous commencerions donc par le septième en ré mineur, suivi de la septième en sol dominant, puis nous résolvions en do majeur sept. Si nous le déplaçons dans une tonalité différente, la relation entre les accords resterait la même, mais le nom des notes changerait en fonction de la tonalité correspondante. Prenons un exemple et trouvons un 251 dans une autre clé. Cette fois, examinons la tonalité d'un majeur, qui comprend trois tranchants, do dièse, fa dièse, sol dièse. Donc, si nous regardons un 251 et cette clé, nous devons d'abord jouer la balance. Et nous remarquerons que le diplôme de deuxième échelle serait si mineur. Nous allons donc commencer par une septième en si mineur. Ensuite, nous allions au cinquième degré de l'échelle, qui serait E. Donc, nous arrivions à un septième degré dominant en E. Ensuite, suivez cela en revenant à un septième majeur. Vous pouvez voir que la progression des accords produit le même son, même s'il s'agit d'une tonalité différente. Nous avons donc un si mineur. Nous en sommes au premier exemple, nous avons eu sept en ré mineur, sol et do majeur. Vous pouvez intégrer cette progression de 251 à chaque touche. Et je pense que vous remarquerez qu'il apparaîtra dans plusieurs de vos chansons préférées. Testez ces progressions en essayant de trouver une progression d'accords utilisant l'échelle CTL d' une nouvelle tonalité que vous connaissez peut-être moins bien. Et puis peut-être aussi emprunte quelques accords différents à une tonalité différente. Vous pouvez donc expérimenter la façon dont cela sonne. Il est important de jouer avec les techniques de tension et de résolution. Vous pouvez ainsi créer une intrigue efficace avec votre progression d'accords. Dans la leçon suivante, nous allons examiner modèles d' accompagnement et des inversions plus avancés pour vous aider à effectuer une progression d'accords simple et à vraiment la faire passer au niveau suivant, de niveau en niveau vers le haut. 4. Motifs et inversions: Bon retour. Dans cette leçon, nous allons voir comment utiliser les inversions pour créer des modèles d' accompagnement plus avancés. Cette technique est incroyablement amusante à utiliser et constitue un excellent moyen de remettre en question une progression simple et vraiment passer aux étapes suivantes. Pour cet exemple, j' aimerais me lancer directement, en commençant par les inversions d'un accord de sept en fa majeur, qui inclut la face de notes F-A-C-E. Nous allons donc commencer par jouer l'accord original en fa majeur sept avec notre main droite. F-a-C-e. et en passant à l'inversion suivante, qui serait l'ACEF. Ensuite, nous allons monter le a, une octave plus haut, jusqu'à l'inversion suivante. Voir EFA. Et puis l'inversion finale, EF, AAC. Familiarisez-vous avec toutes ces inversions sur le piano sous forme de versions différentes d'un même accord. Parce que vous aurez souvent envie de passer au réglage le plus proche d' un accord et pas seulement à l'accord de position racine. Déplaçons donc lentement ce septième en fa majeur sur le piano. Et nous commençons à entendre les sons de tout cela. Se déplacer sur le clavier. Pour cet exemple, je vais montrer comment passer d'un sept en fa majeur à un sept en do majeur, dont les notes sont Do, Mi, Sol et B. Passons maintenant aux mêmes inversions pour le septième en do majeur. Nous allons donc commencer par CBGB, passer à E, G, B et C. Nous allons ensuite passer un peu plus loin à G BCE. Et enfin le BCG. Avant de revenir à l'endroit où nous avons commencé une octave plus haut avec le CBGB. Nous passons donc de notre progression de base, qui est en fa majeur sept, à do majeur sept. Il s'agit simplement d'une progression de base à deux accords. Mais nous allons l' étendre en créant une mélodie d'accord avec les inversions de ces deux accords. Il peut parfois être utile de noter les notes sur papier afin de voir toutes les options qui s'offrent à vous. Mais pour cet exemple, nous allons simplement le conserver avec les accords du piano. Donc, ce que nous allons essentiellement faire , c'est créer une mélodie en utilisant les notes de ces deux accords , puis la jouer avec ses inversions. Pour le sept en fa majeur, nous pouvons choisir n'importe laquelle des notes de l'accord à utiliser comme mélodie avant de passer au sept en do majeur, où nous pouvons choisir n'importe laquelle des notes de cet accord à utiliser comme mélodie. Donc, pour commencer, nous avons l'une des options de face, puis nous passons à l'une des options du CBGB. Je vais donc commencer par peut-être une mélodie comme celle-ci. J'ai donc vu le BCG. J'ai donc ma mélodie de base. Maintenant, ce que je veux faire, c' est le remplir en utilisant la mélodie comme note de tête de l'inversion. Donc, puisque j'ai commencé avec E, C , a, C, je vais le compléter avec ces accords, ce qui serait le cas, et maintenant nous allons passer à la partie suivante qui était le BCG. Je vais donc compléter avec ces accords. Donc, dans l'ensemble, nous l'aurions fait, vous pouvez continuer. Et ainsi de suite. Donc, en gros, nous ne mélangeons que les quatre mêmes notes, mais nous sommes capables de créer une phrase plus longue qui comporte une composante mélodique et une composante CTO. Démontrons un autre exemple pour l'aider à s'intégrer. Je vais créer une autre mélodie en utilisant ces notes. Donc, cette fois, je vais faire e, f , c, a, b, g, e. Vous voyez, la prochaine étape est trouver les inversions qui ont ces notes en haut. Et il est parfois utile de le voir par écrit. Mais ce que cela serait, qu'en continuant à pratiquer ces inversions, vous arrivez à un point où vous pouvez improviser avec elles. Ainsi, vous pouvez entendre une mélodie sur place. Et si vous jouez avec d'autres instruments, vous pouvez contribuer à soutenir ce qu'ils jouent en jouant une mélodie d'accord derrière eux. Je vais donc maintenant démontrer le mouvement entre deux accords différents, du fa majeur au do majeur , puis de temps en temps en fa mineur. Fa mineur. Avant de rentrer chez lui pour voir, il est peut-être en train de faire un arpège. Pour terminer la chanson. Pour récapituler. Dans cet exercice, nous avons examiné comment prendre un accord de quatre notes et, en utilisant toutes les inversions, créer une mélodie d'accord qui pourrait ensuite en faire un modèle d' accompagnement efficace. Maintenant, j'aimerais que vous preniez les deux mêmes accords, fa majeur sept et en do majeur sept, et que vous essayiez d'abord de créer votre propre mélodie, en utilisant les notes de ces accords. Ensuite, essayez de remplir avec les notes des inversions correspondantes. Dans la leçon suivante, nous allons présenter l'improvisation à l'échelle pentatonique. Cela nous donnera de nombreuses ressources différentes pour jouer en solo et créer des mélodies pour nos compositions ou nos improvisations. J'ai hâte que tu te joignes à moi. voit là-bas. 5. Improvisations pentatoniques: Dans cette leçon, nous allons examiner la gamme pentatonique et voir comment elle peut être utilisée pour improviser et créer une mélodie efficace qui peut fonctionner sur une progression d'accords ou un schéma d'accompagnement. La gamme pentatonique est dérivée de la gamme majeure, que vous devriez déjà connaître. Dans ce cas, nous allons commencer par examiner la gamme pentatonique en do, qui est une gamme de cinq notes. La gamme pentatonique comprend les notes C, D, E, sol et a. Ou en d'autres termes, les premier, deuxième, troisième, cinquième et sixième degrés de la gamme de do majeur. On peut également la considérer comme la gamme de do majeur moins le fa et le si, ou les quatrième et septième degrés. La gamme pentatonique est une excellente gamme pour improviser ou pour choisir des notes pour une belle mélodie. Pour commencer, pratiquons la gamme pentatonique, remontant avec notre main droite, par les doigts d' un, deux ou trois, puis en passant sous 212, passant à nouveau en dessous pour voir un, deux, trois que de traverser à nouveau vers G. Donc, nous avons C , D, E, G, a, C, T. Et en redescendant, nous allons commencer par C. Ce doigté est un peu délicat, donc je vais y revenir une fois de plus. Nous commençons par une-deux-trois plutôt que 12, puis 12312123, puis revenons au 1 213-212-1321. Ainsi, toutes les notes de la gamme pentatonique sonneront bien au fil d'une progression d'accords dans la tonalité correspondante. Donc, si nous arrivons à une progression d'accords en do majeur, par exemple fa majeur, mi mineur, ré mineur. Ce sont tous des accords issus de la gamme de do majeur. Nous pouvons utiliser cette gamme pentatonique pour improviser dessus. Je vais vous montrer un court exemple. Je peux continuer encore et encore. Mais prenons maintenant un modèle avec cette échelle. Nous pouvons donc commencer par pratiquer l'échelle pentatonique par groupes de 34,5. Pour les groupes de trois, nous allons commencer par le pouce sur C, et nous allons choisir C, D, E, E, D, G, un GAAC, a, C, D, et ainsi de suite. Essayons donc ça. Et redescendez. Nous aurions aimé que la pratique de ces modèles puisse nous aider lorsque nous improvisons, car nous avons alors des moyens supplémentaires de bouger. Et nous ne nous contentons pas d'évoluer dans la balance et nous finissons par être moins susceptibles de rester bloqués ou de manquer d'idées. Ces motifs peuvent également être utilisés comme un excellent véhicule pour jouer en solo ou lors de la composition, ou comme remplissage pour jouer entre les accords. Examinons maintenant le regroupement de quatre nœuds. Nous allons donc commencer par C et nous allons monter. Nous jouons à C, D E G, D, a, E G TAC, TAC. Essayons donc encore une fois. Et on peut aussi redescendre. que que que Maintenant nous avons ces patterns de 3.4, je vais essayer d' en insérer un peu dans la progression des accords que je jouais pour utiliser ces remplissages d' improvisation. Un schéma à trois. Maintenant, un schéma de quatre. Trois encore, quatre. Nous pouvons donc utiliser ces patterns lorsque nous sommes en solo ou en tant que petits remplissages pour combler les espaces entre les cordes qui rejouent. Maintenant, je les ai beaucoup entraînés et je les ai augmentés en utilisant un métronome à un rythme plus rapide, ce qui me permet de les jouer avec fluidité. Il est important de commencer lentement et de ne pas vous battre si vous avez du mal à les jouer au début. Je vais maintenant démontrer ces mêmes phrases, mais un peu plus lentement. Toutes ces phrases sont issues de cette gamme pentatonique, qui est une gamme de cinq notes. Pour le prochain exercice, j'aime le pratiquer selon les modèles de cinq. Nous allons donc commencer par C et nous allons monter en utilisant les cinq doigts, C, D E G a D E G a C, E G, a, C, D, et ainsi de suite. Je vais maintenant vous montrer quelques modèles de cinq au cours de la même progression. Lorsque vous utilisez la gamme pentatonique en solo, vous remarquerez peut-être utilisez la gamme pentatonique en solo, que vous pouvez prédire son avant de jouer. Et c'est l'une des parties essentielles de l'improvisation. Lorsque vous improvisez, vous voulez arriver à un endroit où vous pouvez presque prédire comment cela va sonner pendant que vous jouez et voir que votre main peut être comme une extension de votre esprit ou une mélodie que vous chanteriez. Maintenant, je vais jouer la même progression d' accords et j'aimerais que vous essayiez d'improviser en utilisant les notes de la gamme pentatonique, do, D, E, sol et a. Vous pouvez également essayer d'utiliser certains de ces modèles de 34.5 pour créer une mélodie spontanée avec votre improvisation. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bonne ou de mauvaise mélodie. Et tant que vous jouez les notes de la gamme pentatonique, vous partez du bon pied. On y va. Excellent travail. Une autre excellente façon de pratiquer l'improvisation est de vous enregistrer en jouant les motifs d'accompagnement ou les progressions d'accords, puis de jouer dessus en solo en utilisant la gamme pentatonique. Chaque fois que vous apprenez une nouvelle chanson, vous pouvez trouver la tonalité dans laquelle se trouve la chanson. Prenez la gamme principale, puis trouvez la gamme pentatonique en jouant le premier, le deuxième, le troisième, le cinquième et le sixième degré de la gamme. Vous pouvez également vous sentir à l'aise en jouant ces modèles de 34,5 que j'ai illustrés dans des tonalités supplémentaires pour obtenir plus fluidité avec la gamme pentatonique de chaque tonalité. Ainsi, chaque fois que vous avez une nouvelle chanson, vous pouvez découvrir dans quelle tonalité elle se trouve, trouver la gamme majeure de cette tonalité. Ensuite, jouez le premier, le deuxième, le troisième, le cinquième et le sixième degré pour trouver la gamme pentatonique. Vous pouvez également parcourir les motifs de 34,5 de la gamme pentatonique dans les tonalités correspondantes pour vous familiariser davantage avec l' ensemble du piano. Pour résumer, dans cette leçon, nous avons examiné la gamme pentatonique, c' est-à-dire les premier, deuxième, troisième, cinquième et sixième degrés de la gamme majeure. Et comment vous pouvez l'utiliser comme récipient pour improviser ou créer vos propres mélodies. Souvent, lorsque vous créez des mélodies, un excellent point de départ peut être de styliser librement ou d'improviser, trouver une mélodie qui vous plaît et de l'affiner pour finalement la sécuriser. Dans la leçon suivante, nous allons examiner une technique permettant créer des phrases ou des séries de notes répétées, qui peuvent être d'excellents outils d'improvisation ou de composition. 6. Remarques répétitives: Dans cette leçon, nous allons voir comment vous pouvez utiliser des phrases de notes ou des courses répétées pour créer des textures à des fins de composition ou d'improvisation. Une phrase de note répétée est une phrase de six ou huit notes qui, près de l'endroit où elle a commencé, en octave plus haut, devient ainsi une phrase fluide sur le piano. C'est parfait pour improviser comme outil de composition ou comme fin. Pour commencer, j'aimerais commencer par créer une phrase de sixième note par-dessus n'importe quel accord. Pour le premier exemple, prenons la cour de ré mineur sept, D, fa, a et C. Nous allons trouver une phrase de note répétée qui pourrait fonctionner sur cet accord et se terminera près de l'endroit où il commence en octave plus haut. Cela peut donc se répéter sur toute l'octave. Je vais trouver six notes, et je vais les jouer en triplés, ce qui signifie que je joue trois notes pour chaque quart de note. Il est donc important de savoir que lorsque vous composez votre phrase de note répétée, quel que soit le nœud sur lequel je commence, je voudrais terminer près d'une octave plus haut. La phrase peut continuer à se répandre sur elle-même. Nous avons donc un ré mineur. Je vais commencer ma phrase en mi, le ton de neuvième échelle de cette tonalité. Je vais donc commencer par E, F, G, puis passer à ACG. Toutes sont des notes en do majeur, dont le ré mineur fait partie de la gamme CTL. Donc, jusqu'à présent, j'ai E, F, G, a, C, G. Et puis cela me permet d'être à côté du E, encore une fois en octave plus haut. Je peux donc jouer la même phrase en répétant sur l'octave. Je vais le démontrer. Maintenant, je joue la même phrase, mais je la déplace d'un côté à l'autre de l'octave. Cela ressemble donc à un schéma répété. Je vais recommencer. Comme j'ai une phrase de six notes, elle peut aussi être divisée en deux groupes de trois, le e, le f, le g, puis l'ACG. Lorsque nous jouons une phrase, j'aime toujours tirer le meilleur parti de la phrase. J'y pense donc dans différentes sections. Dans ce cas, nous pourrions considérer cela comme une-deux-trois, une-deux-trois , une-deux-trois, une-deux-trois, et c'est le doigt que je fais. Mais on pourrait aussi jouer 132, ce qui en ferait de l'EGF. C'est aussi un son agréable. Nous pourrions également descendre. Donc je vais d'abord faire une descente à trois contre un, ce qui serait GCA, GFP. Si je voulais créer une autre variante avec cette phrase, je pourrais en faire 231 en descendant, ce serait CGA, PFGE. Cela ressemble donc à une phrase beaucoup plus longue, mais c'est essentiellement le même motif de six notes se répète sur l'octave. Chaque fois que je trouve une phrase, j'aime bien, j'essaie de l' appliquer sur chaque touche. Donc, si je joue une chanson dans cette tonalité, je peux l'utiliser comme fin. Disons que je joue une chanson en fa mineur et que j' arrive à une fin. Je viens de jouer la même phrase que j'ai écrite en ré mineur, mais je l'ai transposée en fa mineur. Regardons maintenant une autre phrase. Cette fois, nous allons faire une phrase de 8 notes, ce qui signifie que toutes les notes seront des notes de 16e ou de huitième. Pour cette phrase de 8 notes suivante, je vais en créer une par-dessus la tonalité d'une mineure. Et je me souviendrai que je veux terminer à peu près là où j'ai commencé, à une octave plus haut. La phrase peut donc naturellement se répéter. Pour cet exemple, je vais commencer par la note B. Je vais donc faire du BCG, puis du D, E, D. J'ai. Et puis ça me ramène ici à B. Alors je vais regarder ça se répéter. Encore une fois. Nous avons le BCG a, D, EDA. Si nous le voulions, nous pourrions diviser ce groupe en deux groupes de quatre dans lesquels nous avons 12341234. Et nous pourrions essayer de le jouer dans d'autres variantes, peut-être 3421, ce qui serait le cas et trouver d'autres phrases en utilisant les mêmes notes. Pour conclure cette leçon. Vous pouvez créer une phrase de note répétée sur n'importe quel accord six ou huit notes à l'étape principale de manière à ce que vous souhaitiez terminer près de l'endroit où vous avez commencé en octave plus haut. Nous allons donc répéter la phrase sur toute l'octave. Chaque fois que vous trouvez une phrase qui vous plaît, je vous encourage à l' essayer avec autant de touches possible afin que, lorsque vous jouez une nouvelle chanson, vous ayez déjà des tonnes de gels à portée de main que possible afin que, lorsque vous jouez une nouvelle chanson, vous ayez déjà des tonnes de gels à portée de main vous pouvez improviser ou utiliser dans l'arrangement. Maintenant, j'aimerais que vous essayiez de créer votre propre phrase de six notes sur la tonalité de do mineur. Et j'ai hâte de voir ce que vous allez proposer. Vous pouvez pratiquer cette technique en créant vos propres phrases sur différents accords et en commençant à les utiliser comme outil de composition ou dans vos improvisations. Dans la leçon suivante, nous verrons comment utiliser la gamme de blues pour créer un son plus semblable à celui d'une guitare au piano. 7. Gamme de blues: Bon retour. Dans cette leçon, nous allons voir comment utiliser la gamme de blues et les notes bleues pour créer un son plus clair de guitare au piano. Le blues est une forme d'art noire américaine originaire du sud des États-Unis. Il est à la base de presque tous les genres de musique que nous connaissons aujourd'hui, rock à la country, en passant jazz et le yuan renminbi. Nous pouvons utiliser la gamme de blues dans de nombreux genres. Et savoir comment l'utiliser efficacement fait nous un meilleur pianiste et musicien dans l'ensemble. À la guitare, vous pouvez plier une corde entre les notes pour créer une texture bluesy vraiment cool. Mais au piano, une fois qu' on joue d'une touche, on n'a plus la possibilité de changer le son. En raison des limites du piano, les gens ont trouvé des moyens de créer un son plus proche de celui d'une guitare en utilisant la gamme de blues et les nœuds bleus. Je vais présenter certains de ces concepts aujourd'hui. Avant de passer à la gamme de blues, j'aimerais d'abord examiner une progression typique du blues à 12 mesures. Dans une progression de blues classique à 12 mesures, vous commencerez par C7 pour 4 mesures, puis par F7 pour 2 mesures, avant de revenir en arrière pour voir pour 2 mesures. Et pour terminer avec le retournement de g pour 1 barre, f pour 1 barre, puis de voir pour 2 mesures supplémentaires, il existe de nombreuses façons de jouer un blues à 12 mesures, mais je vais maintenant vous montrer une progression de base. Cette progression présentait une forme à 12 mesures qui se répète. Dans ce cas, vous pouvez en solo ou improviser sous mini-cours ou de fois sur le forum à votre guise. Maintenant que nous avons examiné la progression de base, examinons l'échelle du sea blues. La gamme de blues marin est une gamme de six notes, qui comprend les notes C, mi bémol, fa dièse, sol, si bémol et C. Encore une fois, c'est do, mi bémol, fa dièse, sol, si bémol et C. qui comprend les notes C, mi bémol, fa dièse, sol, si bémol et C. Encore une fois, c'est do, mi bémol, fa dièse, sol, si bémol et C. Le doigté que je fais habituellement pour la gamme Sea Blues est 123412. Et puis vous traversez à nouveau si vous montez d'une autre octave, 123412. Essayons maintenant cela sur deux octaves, en commençant par do, mi bémol, fa dièse, sol, la, la, si bémol, do, ré bémol, fa dièse, sol, bémol et vice versa. Avant de passer à l'improvisation sur la gamme de blues, j'aimerais maintenant expliquer ce qu'est une note bleue. En plus de la gamme de blues, nous pouvons utiliser ce que l'on appelle des notes bleues pour créer un son bluesy ou plus semblable à celui d'une guitare sur le piano. Une note bleue apparaît lorsque vous passez d'une touche à l'autre. Démontrons cela faisant glisser le fa dièse vers le haut vers le sol puis vers le bas jusqu'à F. Vous allez donc commencer avec le même doigt en jouant en fa dièse et en glissant sol en sol vers le bas jusqu'à F. Cela sonne presque comme une guitare qui glisse entre les touches, car même si nous n'entendons pas le virage exact, cela est presque implicite dans la musique. Nous pouvons l'utiliser pour créer un son plus de lécher de guitare sur le piano. Prenons donc une phrase simple et je veux que vous essayiez de la jouer avec des notes bleues. Je vais donc glisser du fa dièse au sol puis vers le bas en fa avant de jouer en mi bémol. Et tu vois, maintenant j'aimerais que tu essaies ça. Vous pouvez considérer une note bleue comme une sorte d'inflexion ou un moyen d'obtenir plus de son ou de caractère au piano. Maintenant, je vais jouer une phrase sans notes bleues, puis encore une fois avec des notes bleues et voir si vous reconnaissez la différence. C'est sans notes bleues et sans notes bleues de largeur. Vous pouvez voir ce que les notes bleues. Il a un peu plus de caractère, ou il semble un peu moins droit ou rigide dans sa façon de jouer. Chaque fois que nous trouvons une phrase en utilisant la gamme de blues que nous aimons, j'essayais de la mémoriser dans mon esprit comme option d'improvisation. Ainsi, la prochaine fois que vous jouerez une chanson dans cette tonalité, vous pourrez vous souvenir des phrases ou du vocabulaire que vous avez trouvés afin parler efficacement lorsque vous jouez en solo. Nous pouvons apprendre beaucoup en transcrivant d'autres musiciens de blues, en prenant des sons d'autres instruments, en essayant de les transmettre au piano et en voyant comment ils se traduisent. De la même manière, nous avons démontré des modèles de 34,5 avec l'échelle pentatonique. Nous pouvons également les regarder pour l'échelle bleue. Je vais maintenant passer en revue les motifs de trois sur l'échelle des bleus. C, mi bémol, mi bémol, fa dièse, fa dièse, fa dièse, G, fa dièse G, bémol, sol bémol, do et retour vers le bas. Nous pouvons pratiquer ces modèles et les utiliser ensuite dans notre solo. J'aimerais maintenant vous inviter à essayer d'improviser en utilisant la gamme de blues marin pendant que je joue les accords d'accompagnement de la forme blues à 12 mesures. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bonnes ou de mauvaises phrases à jouer. Mais n'importe laquelle de ces notes fonctionnera sur ces accords. Et chaque fois que vous trouvez quelque chose qui vous plaît, essayez de vous en souvenir et de le garder dans votre esprit comme option pour de futurs solos. Très bien, passons à 121234. Excellente. Donc, même si c' était peut-être la première fois, vous l'avez peut-être reconnu à quelques reprises lorsque vous avez joué une phrase qui vous a plu. Et il est très important de souvenir de ce que vous avez aimé à ce sujet pour l'enregistrer comme quelque chose que vous pourrez ensuite jouer par-dessus d'autres chansons. Ainsi, lorsque vous improvisez, vous ne retrouvez pas exactement tout à partir de zéro, mais vous utilisez un vocabulaire préexistant pour structurer et former une déclaration cohérente, c'est Il est important de se rappeler qu'improviser avec la gamme de blues est un voyage continu. Et il est important d'être patient envers soi-même et de commencer modestement lorsque vous apprenez. Se familiariser avec la balance peut prendre du temps, et il est important de se souvenir des phrases que vous aimez. Vous pouvez donc continuer à développer en enrichissant votre vocabulaire en tant qu'improvisateur. Dans notre prochaine leçon, nous allons aborder d' autres concepts d' improvisation qui peuvent vous aider à passer à l'étape suivante. 8. Les clés d'improvisation: Dans cette leçon, nous allons examiner d' autres concepts d' improvisation et voir comment nous pouvons pratiquer efficacement l'improvisation. Parmi les concepts que nous allons aborder citons les enceintes, arpèges et le réglage d'une portée limitée au piano lors de l'improvisation. Jetons d'abord un coup d' œil aux boîtiers. L'enclosure est une technique née de la musique bebop dans les années 1940 grâce à des pionniers tels que Charlie Parker et Thelonious Monk. Un exemple de base d'enceinte consiste à aborder une note des deux côtés de manière chromatique. Par exemple, si je sais que je veux qu'il atterrisse sur b, je l'aborderais en jouant C puis B à plat avant d'atterrir sur b, tout en appuyant toujours sur be sur le rythme le plus bas ou le plus fort. Par exemple, si je devais jouer une phrase avec un boîtier, je jouerais alors. Je suis essentiellement en train de fermer le désir. Notez que j'aime jouer de chaque côté. Regardons un autre exemple. Si je devais jouer une triade majeure, do, mi et sol, et joindre chaque note que je jouerais. J'approche le do chromatiquement avec C-dièse et B, puis je m'approche du E avec un fa et un mi bémol, puis j'approche du sol avec un bémol et un fa dièse pour obtenir. Nous pouvons utiliser des boîtiers pour créer un son plus chromatique tout en conservant les mêmes tonalités indicatives. Dans cet exemple, je vais expliquer comment utiliser boîtiers supérieurs à 251 dans la tonalité de do majeur. Comme vous pouvez le constater, c'est un son très chromatique. Et nous pouvons nous habituer à prendre une phrase simple, puis l' étendre en incluant les repères de chaque côté. Vous pouvez écouter un chœur sur un blues ou n'importe quelle chanson pendant l'entraînement, en installant des boîtiers et voyant où vous les souhaitez et où ils ne fonctionnent pas. Une grande partie de l'improvisation est faite d'essais et d'erreurs. Et dans certaines situations, vous pourriez avoir de la chance et découvrir quelque chose auquel vous n' auriez jamais cru pouvoir jouer. Ensuite, nous allons voir comment utiliser les arpèges en solo. En commençant par l'accord de septième en ré mineur, vous utiliser les arpèges en solo. En commençant par l'accord de septième en ré mineur, commençant par l'accord de septième en ré mineur utiliserez un arpège ou les notes de l'accord pour créer une autre texture pour quand nous sommes en solo. Je vais commencer par un D et faire une démonstration. Dans cet exemple, j'ai utilisé cet arpège pour créer une phrase linéaire qui se déplace sur le piano. Nous pouvons également utiliser des arpèges comme voies d'évacuation et passer à une autre plage lorsque nous improvisons. Je vais vous en montrer un exemple. Lorsque vous pratiquez l'improvisation, une bonne habitude peut être de fixer des limites en vous concentrant explicitement sur un concept à la fois. Un bon point de départ peut être vous limiter à une certaine gamme de pianos et de voir combien d'options vous pouvez proposer avec cet ensemble de limitations. plupart du temps, le plus grand art est créé avec des limites. Et vous pouvez découvrir quelque chose de vraiment impressionnant en vous imposant des limites. Et puis, lorsque vous ouvrez à nouveau ces limites, vous avez de nouvelles façons de vous exprimer. Je vais maintenant faire une démonstration de tous ces concepts, boîtiers, arpèges et portée limitée sur une seule progression. Je vais utiliser la progression des accords, un sept mineur, sept en mi mineur, sept en ré mineur. Et comme il s'agit d'une mineure, j'utiliserai la gamme a Blues. Maintenant, je vais utiliser des boîtiers. Maintenant, je vais utiliser des arpèges. Maintenant, je vais utiliser une portée limitée et une seule octave. Et une balance tonique. Utilisez normalement des notes bleues. C'était donc un exemple pour montrer comment je me concentrais sur chaque concept d'improvisation un par un. Pour renforcer cela, au lieu de tout pratiquer en même temps, il est important de définir ces limites afin que nous puissions être très pratiques et précis lorsque nous pratiquons un concept largement ouvert comme l'improvisation, qui peut être bouleversante au début parce qu'il y a tant de possibilités. Dans la leçon suivante, nous verrons comment vous pouvez prendre un motif simple et l'utiliser comme outil de composition. Commençons à composer. 9. Motifs et composition: Souvent, lorsque je pratique le piano, je prends un schéma simple ou je fais de l'exercice en le déplaçant de différentes manières et en l'appliquant sur différentes touches. Souvent, un simple schéma ou un exercice peut alors se transformer en une composition à part entière. Et il existe un lien qui unit la composition, car les gens peuvent voir qu'un motif ou quelque chose similaire agit comme une colle pour l'assembler. Pour le démontrer, je vais utiliser mes chansons, Central Park West de mon album City in the Sky, pour montrer comment j'utilise un concept ou un motif et en ai fait une composition complète. Lorsque j'écrivais Central Park West, j'utilisais un accord, qui était un accord majeur entouré d'octaves comme celle-ci. Vous pouvez déplacer cet accord vers le haut de la gamme. Dans ce cas, j'étais en ré majeur, deux tranchants, en fa dièse et en do dièse. Et je m'entraînais à déplacer cet accord sur le piano comme ça. Et ainsi de suite. Je prends donc un concept simple qui est le même accord et je le déplace afin de jouer une mélodie. Je vais juste montrer la main droite. Je me déplace sur la gamme de ré majeur, en prenant la même forme et en m'en servant pour jouer une mélodie. Donc j'ai, et ainsi de suite. Je pourrais également développer cet accord en jouant avec des arpèges, qui sonneraient comme ça. Le fait est que, bien souvent, vous pouvez prendre un motif ou un motif simple et le transformer en composition. Je vais vous montrer un autre exemple tiré d' une composition originale en tête, City in the sky, dans laquelle j'ai utilisé un motif répété de quatre notes pour créer l'illusion d'un gratte-ciel se déplaçant dans une ville. Dans cette chanson, je travaillais avec deux phrases de quatre notes. Se déplacer entre Do mineur. En do majeur. J'ai commencé par une phrase en do mineur dans laquelle j'utilise un motif de quatre notes et je le répète. Et puis passons à la partie en do majeur. Donc, ensemble, on dirait. Ainsi, bien que les accords soient dans des tonalités différentes, il existe un lien qui les unit, le motif à quatre notes qui se déplace tout au long de la tonalité. Souvent, le fait d'avoir un schéma peut également constituer une limitation en ce sens qu'il vous oblige à penser de différentes manières. Mais il existe toujours un lien qui permet relier la composition. Je vous encourage à essayer d'explorer, jouer avec un motif et peut-être de l'utiliser dans votre propre composition, que vous pouvez enregistrer avec MuseScore. Chaque fois que vous créez un pattern qui vous plaît, il est important de l'appliquer à autant de touches que possible dans des chansons différentes afin tirer le maximum de kilomètres du pattern et de pouvoir l'appliquer pour les chansons d'autres personnes ou pour vos propres œuvres originales. Pour ce devoir de classe, j'aimerais que vous preniez un motif ou une phrase p et l'utilisiez comme véhicule de composition, que vous pourrez ensuite soumettre via la galerie de projets. Dans la leçon suivante, nous verrons comment utiliser l' arrangement et la dynamique pour vous aider à faire passer votre composition au niveau supérieur en utilisant toute la gamme de sons disponibles au piano. 10. Arrangement musical: Dans cette leçon, nous allons voir comment utiliser l'arrangement et dynamique pour faire ressortir toute la gamme du piano. Le piano est un instrument extraordinaire parce que c'est comme avoir un orchestre entier à portée de main. Le piano a une plus grande portée que n'importe quel autre instrument. Nous avons des graves incroyablement bas qui imitent la contrebasse de l'orchestre. Et des aigus très aigus, qui ressemblent à un piccolo ou à une flûte. Lorsque vous pensez à composer au piano, il est important de réfléchir à la gamme de l'arrangement dans lequel nous jouons afin d'obtenir le spectre complet des sons. Souvent, il peut être intéressant de créer contraste en jouant bas et en jouant haut. Et réfléchissez à la manière dont vous souhaitez structurer votre composition pour tirer le meilleur parti de la technique du piano. Lorsque vous jouez du piano, il est important de réfléchir de manière stratégique à portée et à l'utilisation de la dynamique. dynamique du piano fait référence à la puissance ou à la douceur et à tous les niveaux intermédiaires que nous pouvons utiliser. La dynamique peut être considérée comme des intrigues narratives dans l'écriture créative. Et au lieu de maintenir quelque chose stagnant ou au même niveau, nous pouvons utiliser des flux et des reflux pour créer un parcours pour notre auditeur. Pour le démontrer, je vais jouer un passage sans dynamique, puis expérimenter deux options dynamiques différentes. Je vais commencer par jouer une phrase tirée d'une chanson originale, Grand Canyon, avec des dynamiques variées. Lorsque vous pratiquez la dynamique, vous pouvez souvent penser à des arcs similaires à une intrigue en vous basant sur votre composition, manière dont vous voulez que votre dynamique augmente pour qu' il y ait des montées et des descentes graduelles, presque comme vague. Au lieu de mouvements brusques et irréguliers qui pourraient déranger l'auditeur. Je vais vous montrer un autre exemple de dynamique sur la même progression d'accords, mais en faisant monter et descendre la dynamique à des endroits différents. Dans le second exemple, j'ai calmé les deux autres accords. Nous en sommes au premier exemple, ces accords étaient plus forts. Maintenant, c'est une question de goût dans quel exemple je préfère. Mais il est important de pratiquer la dynamique dans la pratique en écrivant en dynamique afin de pouvoir utiliser toute la gamme des sons en volume au piano. Une bonne façon de pratiquer la dynamique est de prendre une phrase simple comme une échelle de do majeur en pratique, augmentant en volume et en diminuant en volume. Voici un bon exemple. Je vais commencer par le C le plus bas. J'augmente donc progressivement le volume, puis je m'entraîne à redescendre. Vous pouvez également faire des exercices comme celui-ci avec un seul nœud en essayant d'obtenir le plus de dynamique possible tout en suivant un arc constant. Vous pouvez voir à quel point vous pouvez appuyer doucement tout en créant un son. Les dynamiques sont un outil très puissant et nous pouvons les utiliser lors de la composition pour créer un arc dans une intrigue. dynamique peut également affecter l'humeur de la pièce et est très importante pour transmettre la bonne émotion au public. Dans la leçon suivante, nous allons examiner les techniques et les sections de composition. Ainsi, vous pouvez aider à structurer efficacement votre composition et à la faire passer au niveau supérieur. 11. Techniques de compositeur: Dans cette leçon, nous allons examiner les techniques de composition des sections qui peuvent être utilisées pour créer une structure lors de la composition. Les types de sections que nous allons examiner sont le plus souvent associés à l'écriture de chansons pop et incluent le couplet, le refrain ou le hook, le bridge, l' intro et l'outro. Elles fonctionnent en créant un élan tout au long la chanson pour que les sections familières reviennent Nous créerons également une progression naturelle pour donner à cette chanson un arc et une durée de vie qui lui sont propres. Généralement, pour les chansons, nous commençons par une intro, qui peut être instrumentale ou configurer la tonalité ou la progression des accords dans la chanson. Ils passent ensuite généralement à l'averse, qui aura une mélodie et est généralement instrumentation plus clairsemée que le chœur. En général, les chansons auront 123 V et la mélodie sera la même, mais les paroles peuvent être différentes. Le refrain ou le hook est destiné à l'auditeur en répétant l' accrocheur dans le cadre de la chanson, de sorte qu'il y ait quelque chose de contagieux et que vous deviez chanter ou danser sur le le bridge, qui se trouve souvent après le deuxième chœur ou le deuxième couplet, fonctionnera comme une section légèrement différente pour donner une autre texture avant retourner à la maison avec le chœur. Souvent, les ponts se modulent vers une autre clé, parfois à une cinquième. La clé d'origine. Le chevalet est essentiel pour reconstituer le refrain et lui donner l'impression d'être une chanson cohérente. Après le refrain final, il y a parfois une outro, qui peut être une section instrumentale ou une phrase répétée que le chanteur chante pour continuer la chanson lorsqu'elle s'estompe. Lorsque vous travaillez sur l'écriture de chansons pop, vous pouvez utiliser la même progression d'accords et vous pouvez utiliser la même progression d'accords et l' étendre en utilisant des variations, arpèges ou des inversions pour créer une nouvelle section donnant plus d' élan à chœur, bridge ou outro, tout en conservant la même progression des accords de base. Souvent, la chanson peut avoir une progression d'accord, mais ses variations peuvent mener au refrain et au hook et mener à développements naturels grâce aux techniques que nous avons examinées dans ce cours, y compris des inversions, arpèges, dans différentes méthodes d'accompagnement, dans une structure de chanson traditionnelle ou des chansons des années 30, 40 et 50, comme classiques de Broadway ou également connus sous le nom de grand livre de chansons américain. Ils utilisent souvent la forme A-A-B-A, dans laquelle le a peut être considéré comme un chœur ou un couplet, qui est répété deux fois. Et puis il y a un pont , suivi par le même, de nouveau, sorte que le a reste gravé dans l'esprit de l'auditeur. Maintenant, je vais faire une démonstration d'une composition originale, puis utiliser la forme AABA intitulée Nous avons passé la nuit sur une étoile. Quand j'ai écrit cette chanson, je voulais la faire sonner comme une chanson des années 1930 ou 1940. J'ai donc voulu utiliser la forme traditionnelle de cette époque pour la rendre authentique. Vous entendrez que la section a se répète trois fois dans laquelle il y a des paroles différentes, mais c'est la même mélodie. Ce sera également un court pont. Vous allez donc entendre un BA, écouter les sections qui se répètent. Ils ont des paroles différentes, mais c'est la même mélodie. Nous revenons à pied. Cette barre de gaz bleu clair et douce. Ils ont fait de mon cœur et je ne veux pas m'arrêter. Les rues y étaient proches. Les clochers qui chantaient Goodnight tombaient dans un ciel nuageux lorsque nous passons la nuit sur une pierre, nous découvrons comment sauter. Sache juste qu'ils seront si hauts. Et le soir, la taxe est payée comme si c'était des lumières scintillantes, mais nous avons passé la nuit avec cette chanson. On pouvait voir que la même section a été répétée trois fois et que la seule section différente était le pont. Cela est utile lorsque nous apprenons des chansons du grand livre de chansons américain ou des chansons américaines classiques des années 1940. Si nous avons appris la section A, nous avons déjà essentiellement appris trois quarts de la chanson, ce qui signifie que nous pouvons apprendre des chansons plus rapidement concentrant sur une section et sur la façon dont elle se répétera. Dans cette leçon, nous avons examiné comment utiliser différentes sections pour écriture de chansons pop ainsi que différents forums pour structurer efficacement notre composition. Il est important de se souvenir ces concepts lors de l'écriture de chansons, afin de donner à nos chansons l'arc approprié et de les rendre plus efficaces. 12. Réflexions finales: Très bien, nous sommes arrivés à la fin du cours de composition et d'improvisation. Ce cours a introduit de nombreux systèmes qui peuvent aider à composer de la musique originale improviser ou à écrire des mélodies. Nous avons commencé par chercher des moyens créer des progressions d'accords pour créer de la tension et de la résolution et en extrayant des accords d'autres tonalités. Nous avons également examiné l'improvisation en gamme pentatonique et la façon dont nous pouvons utiliser cette gamme pour créer des mélodies efficaces. Et en solo. Nous avons également examiné les phrases et les courses répétées et la façon dont nous pouvons utiliser une phrase pour nous déplacer sur le piano afin de créer des arrangements efficaces. De plus, nous avons examiné la gamme de blues et la façon dont nous pouvons utiliser les notes bleues pour créer un son plus léger de guitare au piano lors de l' improvisation ou de la composition. Comme une grande partie de ce que nous avons abordé est très conceptuel, il est important d'appliquer ces concepts de toutes les manières possibles afin de vraiment les ancrer dans notre jeu et pas simplement les avoir en tête. . Improviser et composer est un voyage constant. Et ce n'est qu'une introduction qui vise à vous donner la possibilité de stimuler votre créativité. Nous avons examiné comment vous pouvez transformer un motif en une composition. Et aussi comment utiliser la structure et la dynamique des chansons pour créer une chanson efficace. Tous ces concepts dans systèmes peuvent être utilisés de manière interchangeable. Et il est important de les pratiquer avec une vision affinée afin de ne pas nous laisser submerger. Comme devoir de classe, vous pouvez prendre un schéma ou phrase de note répétée et l' intégrer à une composition afin qu' un lien circule tout au long de votre travail. J'espère que vous serez capable d'utiliser ces concepts dans votre propre improvisation et composition. Et rejoignez-moi dans mon prochain cours où nous étudierons la création d'arrangements.