Réalisation professionnelle : secrets d'initiés de vétérans d'Hollywood

1. BANDE-ANNONCE: Isaac, et je suis ravi de vous accueillir dans le cours professionnel de réalisation et de production cinématographique Avec plus de dix ans d'expérience dans le cinéma, j'ai eu le privilège de réaliser produire et d'enseigner l'art du cinéma Et maintenant, je vous apporte cette expertise directement. Que vous incarniez un cinéaste, un producteur en herbe ou personne simplement passionnée de films, ce cours est conçu pour vous faire passer du rêve à vous faire passer du rêve Nous aborderons l'ensemble du processus de réalisation d'un film commençant par le développement où naissent les idées , en passant par la pré-production, la production et la post-production. Enfin, la production et la post-production. Enfin, nous aborderons l' aspect commercial avec des leçons sur la vente votre film et la collaboration avec distributeurs pour faire connaître votre film au monde entier Tout au long du cours, nous ferons référence légendes de l'industrie telles que la productrice Ally Sachs, réalisatrice Tamara Davis et le directeur de la photographie David Edwards, explorerons les points de vue du monteur Eddie Aminton, du concepteur sonore Mark Margini À la fin de ce cours, vous comprendrez comment donner vie à votre scénario, naviguer dans l'industrie cinématographique et optimiser le potentiel de votre film pour toucher le public du monde entier. Vous avez besoin d'une passion pour le storytelling. Accès de base à des outils tels qu'un appareil photo ou un smartphone, et volonté d'apprendre. Ensemble, nous allons découvrir le secret du cinéma professionnel Alors devenons vedettes et réalisons vos rêves cinématographiques 2. Développement 1ère partie: Tom Ant a dit un jour que personne ne sait vraiment comment un film est réalisé, bien qu'il fasse de nombreuses choses, qu'il s'agisse de l'étincelle d'une idée ou d'une fausse image à l'écran L'ensemble du processus n'est rien de moins qu'un miracle. Ce cours couvrira tous les aspects de la réalisation de films, du scénario à l'écran Dans cette leçon, nous allons commencer par la première étape du développement, au laquelle nous verrons comment les cinéastes font projeter et financer leurs histoires éclairer le processus de développement, nous nous référons au producteur Al Sach, un producteur de films connu pour des films tels que le Florida Project et la comédie de Jennifer Lawrence Non, nos sentiments sont un aperçu approfondi de ce qu'il faut faire pour naviguer dans les premières étapes de la production cinématographique. So Sax a également récemment produit un projet. Il se termine avec Let Livia, basé sur le célèbre livre de Colin Hoover Plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons. Le processus de développement d'un film fait référence à l'examen d'un film entre l'idée, transformation en scénario et l'obtention d'un Le processus de développement a évolué au fil de l' cinémas, de l'histoire du développement des films l'apogée du système des studios dans les années 1930 et 1940, films étaient produits à la chaîne. Avec tous les créatifs employés par le studio. Les dirigeants ont donc affecté des réalisateurs, des scénaristes et des acteurs à divers projets, laissant peu de place au choix individuel. Il s'agissait d'un environnement hautement contrôlé où les tournages se déroulaient souvent sur des machines à sous en studio. Les cinéastes n'avaient guère leur mot à dire dans les projets sur lesquels ils travaillaient. Après l'effondrement du système des studios, une nouvelle approche est apparue : les unités de paquets. Ce module a donné plus de pouvoir aux producteurs qui ont assemblé l'élément clé d'un thème, connu sous le nom de package. Un package peut inclure un script, propriété intellectuelle, une star majeure et un réalisateur. Grâce à ce système, les créatifs ont gagné en liberté, mais il est devenu plus difficile d' obtenir le financement de projets Le système d'unités d'emballage a donc mis l'accent sur la capacité des producteurs à réunir la bonne combinaison de talents et de ressources plutôt que sur le contrôle des studios des producteurs à réunir la bonne combinaison de . producteur Steve Golin explique donc l'équilibre délicat que représente l' assemblage d'un package, soulignant que si vous avez un bon et que vous trouvez le bon cinéaste, vous attirerez un bon casting Selon Golin, les bons réalisateurs attirent les acteurs talentueux, mais c'est la qualité des matériaux qui attire en fin de compte les meilleurs cinéastes Aujourd'hui, le système d'unités d'emballage reste la méthode de production dominante dans l'industrie cinématographique américaine. Donner aux producteurs et aux créatifs une plus grande flexibilité tout en complexifiant le processus de réalisation des films Le processus d'emballage, examinons de plus près le processus d'emballage. Selon le producteur Alex Sachs, l'objectif principal lors de l'emballage d' un projet est d'obtenir un financement Sachs souligne l'importance d' assembler le package avant présenter sur le marché, car il offre un meilleur effet de levier et augmente la valeur globale du projet Vous avez donc vraiment besoin de ces attachements de valeur pour inciter les financiers indépendants à vous faire un chèque pour vous. Le SAC explique. Cela signifie que, quelle que soit la manière dont le paquet est élaboré, il doit clairement démontrer pourquoi il vaut la peine d'investir pour des finances potentielles Un package peut commencer à partir de différents points en fonction de l'élément concerné. Script de spécification. Un package de film peut commencer par un script spécial, qui est scénario entièrement écrit par un scénariste manière indépendante sans aucune garantie de production Sans attachement comme les réalisateurs ou les acteurs et sans rémunération. Les scripts de spécifications sont risqués pour les rédacteurs, mais ils peuvent apprendre auprès des producteurs par le biais d'agents, managers ou d'autres contacts avec l'industrie. Un script de spécification peut être porté à l'attention d'un producteur. De plus, les scénarios peuvent attirer l'attention en obtenant de bons résultats dans les festivals de films, en étant sélectionnés pour des bourses ou en apparaissant sur la liste noire, une liste bien connue de scénarios très recherchés Lorsqu'il s'agit de préparer un projet, l'objectif principal du producteur est de s'assurer auprès du producteur Alax explique qu' elle préfère emballer un film avant de le commercialiser Comme cela lui donne plus d'influence et augmente la valeur globale du projet, vous avez vraiment besoin de ces attachements de valeur pour inciter financiers indépendants à vous faire un chèque pour votre point de vue Saks Cela signifie que lors de l' assemblage du package, il est essentiel de mettre en évidence les domaines dans lesquels il s' agirait d'un bon investissement financier. Un Spascript est souvent le point de départ d'un package. Qu'ils proviennent d' un agent d'un festival ou de la liste noire, ces scripts peuvent constituer précieux atouts dans la construction d'un projet de film Un exemple notable est le catcheur, écrit par Boss Tier, le scénariste Robert Sieger Le script a fait son entrée sur la liste noire où il a attiré l'attention de la société Tzire Pictures Darren Cela a conduit à la production du film. Mais ce genre de succès de script spatial est relativement rare dans l'industrie. Le plus souvent, les scripts spéciaux sont un moyen pour les producteurs et les dirigeants de rechercher de nouveaux talents plutôt que de devenir des projets destinés à l'être Bien que le processus d'empaquetage SpaceScript soit très médiatisé, il ne s'agit pas de la méthode la plus courante pour produire un film Ce script aide donc les producteurs à identifier scénaristes prometteurs qui pourraient être adaptés à d'autres projets, élargissant ainsi leur talent pour l'avenir. Ainsi, si un producteur voit un script spécifique qu'il souhaite créer, se peut qu'il ne l' achète pas directement, mais qu'il obtienne une option pour l' Cela signifie que le producteur assure la possibilité d'acheter le script quelques années sans s'engager immédiatement à l' acheter dans son intégralité Ainsi, si le projet n'avance pas, les scripts que nous recevons sont renvoyés au scénariste ou au producteur peuvent renouveler l'option. Les options sont nettement moins chères que l'achat pur et simple du script Permettre aux producteurs d'éviter un engagement financier important jusqu'à ce qu'ils soient certains que le projet sera réalisé. Ce système d'options offre de la flexibilité tout en maintenant le développement du projet. Propriété intellectuelle. Une autre étape initiale pour emballer un film consiste à acquérir la propriété intellectuelle, c'est-à-dire la propriété intellectuelle, qui fait référence à une œuvre créative telle qu'un livre, article ou un personnage pouvant être légalement protégé par le droit d'auteur Un producteur obtiendra le droit d'utiliser une IV existante, puis réunira l'équipe de création nécessaire pour l' adapter en film. Cette méthode d'emballage est populaire depuis longtemps à Hollywood car elle permet un investissement à moindre risque. Parce que le matériel a déjà prouvé son attrait, que ce soit par le biais de ventes de livres, visites amusantes ou d'une importance culturelle Les utilisateurs trouvent souvent qu'il est plus facile d'obtenir des jurys sur Ivy. producteur Al Sachs explique que même si le processus peut se dérouler de différentes manières, il commence toujours par l' identification du matériau, la prise de contact avec le détenteur des droits ou son représentant et la négociation d'un Elle ajoute que l'implication du créateur original peut varier considérablement. Les auteurs sont donc plus intéressés à comprendre la vision créative et à s'assurer le film est complémentaire, tandis que d'autres sont simplement heureux de prendre la présidence et de se retirer. La flexibilité dans laquelle nos créateurs s'engagent le processus dépend leurs intérêts personnels dans l'adaptation. propriété intellectuelle des films peut provenir de presque n'importe où, comme l'illustre Greta Gawigs Les droits cinématographiques de la célèbre porte avaient été concédés sous licence par Martel à divers producteurs et sociétés au fil des ans avant que Warner Bros ne donne finalement vie au projet Darick a décrit le défi de trouver une histoire pour un personnage qui était auparavant no Elle œuvre pour créer un récit pour Barbie, où l'être ardent travaille Élaboration d'une vision unique pour transformer le jouet populaire en un futur NF Garwik a expliqué le processus comme un gros point d'interrogation. Comment adaptez-vous une poupée qui n'a pas de scénario intrinsèque ? Ce défi met en lumière la complexité et la créativité nécessaires pour travailler avec la propriété intellectuelle, en particulier lorsqu'il s'agit traduire quelque chose d'abstrait, comme un jouet, en un support narratif comme celui-ci. Malgré les obstacles, les projets basés sur la propriété intellectuelle continuent de dominer le secteur raison de leur attrait préexistant et de leur potentiel financier Quelques considérations doivent être prises en compte lors de l' acquisition de droits de propriété intellectuelle, qu'ils soient en compte lors de l' acquisition de droits de propriété intellectuelle, exclusifs ou non exclusifs. Un producteur doit décider s'il souhaite obtenir des droits exclusifs ou non exclusifs, afin d'empêcher quiconque d'être redevable ou d'utiliser le coût du matériel à des fins de garantie. En outre, le producteur doit déterminer pendant combien de temps il souhaite détenir le droit. Pourquoi l'idéal est de garantir le droit à perpétuité ou pour toujours. Il est souvent plus rentable d'obtenir une option, permettant au producteur de détenir temporairement le droit tout réduisant les coûts de développement jusqu'à ce que le projet aille de l'avant. La propriété des droits sur une propriété est connue sous le nom de chaîne de titres, et les producteurs l'examinent attentivement avant de négocier pour une propriété. garantir une chaîne de titres claire est essentiel de garantir une chaîne de titres claire, car cela permet déterminer qui détient les droits et de garantir qu' un producteur peut légalement développer le projet. Le package devient plus attrayant lorsqu' un producteur obtient des pièces d'identité prometteuses, comme un acteur de renom ou un réalisateur renommé qui correspond parfaitement à Cet attachement peut considérablement renforcer l'attrait des projets, en facilitant la levée de fonds et en suscitant intérêt des studios ou des investisseurs Alessax a partagé un exemple de ce processus avec notre film Americana Elle a expliqué que le film était devenu un package robuste en raison de la qualité de la pièce jointe, qui a joué un rôle clé dans l'obtention du financement. Si nous n'ajoutions que Sidney et Paul en annexe, je ne pense pas que cela aurait été aussi indéniable Elle a noté, en soulignant à quel point un attachement fort peut être crucial. Un package complet avec les bons talents peut améliorer un projet et le rendre irrésistible sur le plan financier. Nous sommes souvent plus disposés à soutenir un film lorsqu'il s'agit de grands noms. De même, Martin Scorses a souligné comment l'acteur Robert Deniro avait mais que le récent prix académique remporté par Deniro pour The Godfather but two, combiné à son rôle dans Scorses Min Street, les a aidés à réunir les deux pour Taxing Driver joué un rôle déterminant dans le recrutement du chauffeur. M. Scorses a expliqué que le budget du projet était très faible, mais que le récent prix académique remporté par Deniro pour The Godfather but two, combiné à son rôle dans Scorses Min Street, a aidés à réunir les deux Dans un autre exemple, la productrice Gail Berman a souligné nom d' Albus Lama était crucial pour vendre Elvis, affirmant que sa capacité unique à raconter grandes histoires américaines emblématiques faisait de lui le réalisateur idéal pour le film Ces exemples mettent en évidence le pouvoir des stars et vision d'un réalisateur peut être la clé de voûte d'un Preuve de concept Parfois, un cinéaste crée une preuve de concept pour vendre son idée à des investisseurs. Cela peut être un moyen efficace de démontrer le potentiel du projet avant qu'il ne soit entièrement financé. Par exemple, ils peuvent obtenir un financement pour Woodlash en réalisant d'abord une version courte du film, qui a suscité suffisamment d'intérêt pour financer De même, une photo prise par James Camera depuis l'Alberta utilise technologie révolutionnaire de capture de mouvement pour montrer aux financiers comment leur argent serait dépensé à bon Ces exemples montrent comment une preuve visuelle des concepts peut aider les producteurs et les réalisateurs à concrétiser leurs visions en donnant aux investisseurs quelque chose de tangible. Dans certains cas, si un package n'inclut pas encore un scénario terminé, un producteur peut obtenir des fonds de démarrage pour payer un scénariste Par exemple, George Lucas a présenté un traitement de 15 pages d' American Graffiti à United Artists, qui a fourni 10 000$ pour engager un scénariste Cependant, obtenir le financement d' un scénario ne garantit pas toujours la production. Même après avoir payé le script, United Artists a continué à produire American Graffiti après avoir lu le scénario complet. Cela montre qu'obtenir de l'argent pour écrire n'est que la première étape d'un long processus de développement. Une fois qu'un scénario est en développement, règles de la guilde des scénaristes entrent en jeu. Selon la guilde, un rédacteur peut soumettre un brouillon, une révision et une politique avant d'exiger un paiement supplémentaire. Il est donc essentiel que les producteurs fournissent des commentaires pertinents et efficaces dès le début fournissent des commentaires pertinents et efficaces dès le début. Les meilleurs producteurs sont ceux qui peuvent donner des notes qui contribuent à façonner le scénario sans pour autant étouffer la créativité du scénariste, en veillant à ce que le producteur et le scénariste partagent même vision du programme Par exemple, les producteurs prennent souvent notes lorsqu'un réalisateur n'a pas encore été testé ou lorsque le scénariste est également le réalisateur Certains aspects de l'histoire peuvent avoir besoin d' être visuellement plus clairs sur la page ou certains éléments peuvent nécessiter des ajustements pour correspondre à la vision du réalisateur ou du producteur En fin de compte, chaque auteur et chaque projet sont différents. Certains auteurs préfèrent travailler ou épeler à l'abri de pressions externes telles que le marketing ou l'ingérence du studio. Alors que d'autres aiment collaborer avec les producteurs et prendre en compte les facteurs commerciaux dès le début du processus de développement. approche d'un producteur varie en fonction du style du scénariste et des besoins du projet, mais l'objectif reste le même : créer un scénario qui serve l'histoire tout en s'alignant sur la vision de ceux qui donnent vie au projet Cet équilibre entre liberté de création et orientation stratégique est essentiel pour faire avancer le projet de manière à satisfaire toutes les parties impliquées Lecture à table, les producteurs peuvent également organiser une lecture à table au cours de laquelle les acteurs interprètent le scénario en direct, permettant aux cinéastes d'entendre le dialogue et de voir à haute voix Cela permet d'identifier cet ajustement. La lecture d'un tableau peut également susciter de l'enthousiasme pour un projet. Par exemple, Martin Scoses et Robert Denaro lisaient sur une table l'histoire de l' Irlandais de Tribeca, dont le producteur W Winkler se souvient qu'il jouait comme des dunk busters, ce qui a suscité un producteur W Winkler se souvient qu'il jouait comme des dunk busters, ce qui lisaient sur une table l'histoire de l' Irlandais de Tribeca, dont le producteur W Winkler se souvient qu'il jouait comme des dunk busters, ce qui a suscité un vif engouement autour du film. En plus de la lecture sur table, un producteur collabore souvent avec le rédacteur pour créer un journal Phrase unique qui reflète le ton général et le schéma des frais. Un journal bien conçu est un outil essentiel pour vendre le projet à des investisseurs ou à des studios potentiels. Parallèlement au résumé, le producteur peut élaborer une proposition comprenant un bref aperçu des frais, des comparaisons avec d'autres films à succès et un résumé des aspects financiers. Cette proposition brosse un tableau clair du potentiel du projet. Une proposition solide intègre souvent une étude de marché pour définir le public potentiel du producteur chevronné Todd, Lark conseille aux jeunes producteurs de se démarquer par du matériel audiovisuel de qualité Lack souligne l'importance de viabilité commerciale du porc, encourageant les nouveaux producteurs à se concentrer sur des projets qui attirent le marché audiovisuel, ce qui peut les aider à se démarquer dans un secteur concurrentiel. 3. Développement - 2e partie: Pitch. Un producteur créera également un pitch, qui est similaire à une proposition, mais qui vise davantage à susciter l'enthousiasme pour le projet et est généralement présenté verbalement Parfois, un écrivain propose une idée qui semble immédiatement prête à être présentée en studio ou aux finances, ce qui nécessite peu de développement Dans ces cas-là, comme le disent souvent les producteurs, c'est moins pénible et c'est un plaisir lire un scénario qui a déjà beaucoup de potentiel. L'objectif du pitch est de transmettre l'attrait unique du projet et de susciter l' enthousiasme des principaux décideurs à l'idée d'aller de l'avant. Les cinéastes peuvent améliorer leur argumentaire en incluant l'art conceptuel, particulier lorsqu'ils développent un monde fantastique ou une histoire visuellement riche Ces visuels peuvent aider les investisseurs et les studios à mieux comprendre la vision des cinéastes Une fois qu'un package solide est en place et que le pitch suscite le bon niveau d'intérêt, un studio ou une société de production peut accepter d'aller de l'avant avec le projet. C'est ce que l'on appelle l'éclairage vert. Retrait. Même après avoir obtenu le feu vert, la réalisation d'un projet n'est pas garantie. Un film peut être placé dans Turnaround où un studio passe à la production et essaie de vendre le projet à un autre studio Cela se produit souvent en raison d'un changement direction du studio ou d'autres circonstances imprévues Steven Spiebog ET en est un exemple célèbre. Dans un premier temps, Columbia Pictures a modifié son développement, doutant que le projet ait un public. Badge a ensuite dû persuader Universal d'acheter le script à la Colombie pour 1 000 000$, une décision qui s'est révélée plus tard être une erreur colossale pour la Colombie est devenue un succès Lorsqu'un projet n' obtient pas le feu vert, il peut se retrouver dans un enfer de développement où il stagne pendant des années à différentes itérations Cela peut se produire pour plusieurs raisons. Un studio peut détenir les droits, mais refuser de les vendre, ou des pièces jointes clés, comme les acteurs ou les réalisateurs, peuvent être abandonnées. Cependant, passer des années à développer n'est pas toujours synonyme de fin payante. Des projets tels que Dallas Buyers Club et Mad Marx Fury Road ont connu de longs processus de développement, mais ont finalement atteint le grand écran après avoir remporté plusieurs commandes. Ainsi, une fois qu' un script atteint sa forme finale, le producteur établit une estimation approximative du budget, généralement ventilée en coûts de production, de post-production et de distribution. Cette estimation budgétaire est essentielle pour passer à la phase de financement. Il existe deux méthodes principales pour financer le financement des studios de cinéma et le financement indépendant. Chaque méthode comporte ses propres processus et ses propres défis, mais l' estimation budgétaire initiale prépare le terrain pour obtenir les fonds nécessaires à la réalisation des projets. Financement de studios. Les studios ont généralement des voies de financement plus établies , car leur projet a tendance à générer des revenus plus élevés et à attirer de plus gros investisseurs. Ainsi, grâce à des réseaux de distribution établis, à l' accès aux meilleurs talents et à un palmarès de succès au box office, studios peuvent plus facilement obtenir un budget et des partenaires importants. Cette stabilité financière leur permet de se lancer dans des projets à haut risque et à haut rendement, souvent assortis de campagnes marketing importantes et d'une portée mondiale. En outre, les studios entretiennent souvent des relations avec des contrats de vente de produits financiers et des opportunités de merchandising, renforce encore leur capacité à financer des productions à grande échelle Vente. L'un des types de financement pour un studio est la prévente, où un film est concédé sous licence à un distributeur sur un territoire spécifique avant même d'être terminé. Par exemple, une société de distribution japonaise pourrait se préparer à obtenir le droit de distribuer le film au Japon. Ce modèle fournit un soutien financier précoce aux cinéastes, leur permettant de couvrir coûts de production avant la sortie du film Historiquement, les préventes concernaient principalement les droits cinématographiques, mais sur le marché actuel, les sociétés de production peuvent également prévendre les droits sur une plateforme de streaming leur donnant la possibilité de diffuser le film dans différentes régions. Le succès des préventes dépend souvent de l'attachement du film, tel que des acteurs ou réalisateurs connus. Lorsque de grands noms sont impliqués, les distributeurs sont plus disposés à investir tôt, ce qui rend les avant-ventes plus lucratives. Parfois, la conclusion d'accords avec seulement deux ou trois territoires clés, tels qu' un distributeur français ou anglais peut suffire à financer l'ensemble de la production. Une fois le film terminé, toute distribution ultérieure territoire supplémentaire devient un bénéfice supplémentaire. Cette méthode doit être un élément essentiel de la stratégie financière d'un cinéaste, en particulier pour les films indépendants, le financement GAP. Un studio peut également utiliser le financement GAAP, qui consiste à contracter des prêts sur la base des droits vendus d'un film plutôt que de compter sur les préventes Le studio emprunte de l'argent en anticipant les revenus futurs provenant des ventes éventuelles aux distributeurs une fois le film terminé Cela permet au studio d'obtenir un financement sans s' engager dans des accords de distribution anticipés. Capteur négatif. Une autre forme de financement des studios est appelée le ramassage négatif, dans le cadre duquel un producteur vend son film à un studio qui accorde le droit de distribution au studio. Les bénéfices étant partagés entre le producteur et le studio. Dans cet accord, le producteur ou société de production est responsable du financement initial du film pendant que le studio accepte d'acheter le projet fini Cela permet au producteur de conserver le contrôle créatif, mais avec la sécurité d' une distribution soutenue par un studio, l'inconvénient majeur de cette méthode est que si le budget du film dépasse le budget pendant la production, le producteur est seul responsable de couvrir le coût supplémentaire. Cette pression peut être immense, comme on l'a vu lors de la production de Superman, où les dépassements de budget ont entraîné des tensions importantes entre le producteur Pierre Spangler et Les contraintes financières supplémentaires peuvent compliquer les relations et impact potentiel sur la qualité du financement par gamme de produits finaux Le financement par ardoise est une autre forme de financement de studio laquelle des sociétés de capital-investissement dans le cadre de laquelle des sociétés de capital-investissement ou des fonds spéculatifs investissent dans un groupe de films ou de films plutôt que dans une seule production Ces stratégies répartissent le risque financier car le succès d' . Ces stratégies répartissent le risque financier car le succès d' un ou de plusieurs films augmente les chances de récupérer l'investissement. En diversifiant leurs activités sur plusieurs projets, les investisseurs ont de meilleures chances de rentabiliser leurs investissements, même si l'accord conclu en 2005 entre Warner Brothers et Legendary Pictures illustre bien cette approche accord conclu en 2005 entre Warner Brothers et Legendary Pictures Ce partenariat permet d' obtenir 500 millions de dollars en capital-investissement pour financer une série de 25 films, dont des superproductions comme Batman Bigins et Le succès de ces films a démontré que le financement de l'OSLG peut être un modèle d'investissement lucratif à la fois pour les studios et les bailleurs C production O La production est l'inverse du financement par Slate. Web Multiple Studio collabore pour financer un seul film et partager ses droits de distribution Cela permet à Studio de partager à la fois le risque financier et les potentiels. Wells Times at Midnight, produit par des sociétés de production espagnoles, par des sociétés de production espagnoles, des films internationaux et la société de production suisse ApeanFLMS, et la société de production suisse ApeanFLMS a également eu du mal à obtenir des fonds pour ses Placement du produit. Une autre source de financement pour un studio provient du placement de produits. Où les marques paient pour que leurs produits figurent en bonne place dans un film Un exemple célèbre est Enkin qui aurait payé près de 45 000 000$ pour son apparition Ce type de parrainage est de plus en plus répandu. Nos studios sont confrontés au défi de perdre de la valeur marchande en s'associant à des films afin de tirer parti la visibilité et du pouvoir de star des célébrités . Par conséquent, placement de produits devrait encore augmenter à l'avenir. Outre la marque, les studios s'associent parfois entités gouvernementales pour des ventes financières et logistiques. L'un de ces partenariats est le complexe de divertissement militaire, où le ministère américain de la Défense collabore avec des studios sur certains films d'action Cette collaboration implique souvent de fournir une assistance à la production, telle que l'accès à des équipements ou à des sites militaires. En retour, les films présentent le côté positif des militaires, ce qui peut contribuer à améliorer la perception du public Top Gun, qui a reçu un soutien important de la part de l'US Navy, en est un exemple notable . En échange de cette aide, le film dépeint la Marine sous un jour héroïque, contribuant à redorer son image après la guerre du Vietnam Cette relation symbiotique profite à la fois aux militaires et aux cinéastes, car permet de réaliser des séquences d'action de grande qualité tout en promouvant les intérêts Dans le financement. Le financement des films indépendants n'a souvent pas accès aux sources de financement à grande échelle mises à la disposition des studios, principaux cinéastes et producteurs qui cherchent à obtenir de l'argent auprès de sources moins conventionnelles Le processus peut sembler plus ardu , car ils font appel à la créativité et à la persévérance pour réunir les ressources nécessaires L'objectif ultime du financement indépendant est d'obtenir un financement par actions. Quelqu'un qui fournit un investissement direct en espèces. Cette forme de financement est considérée comme la plus simple et la plus directe, car elle simplifie le processus en évitant des structures de financement plus complexes. Cependant, trouver un tel investisseur peut s'avérer difficile, en particulier pour les projets plus petits ou plus risqués. Au début de leur carrière, de nombreux cinéastes se tournent vers le financement participatif en s'appuyant sur leurs relations personnelles pour collecter des fonds pour leur projet. Au début de leur carrière, de nombreux cinéastes se tournent vers financement participatif en s'appuyant sur leurs relations personnelles pour collecter des fonds pour leur projet Des plateformes comme Kickstarter sont devenues populaires grâce à des films tels que The Barber Doc qui utilisent ses fonds supplémentaires sécurisés pour les effets visuels Le financement participatif aide les cinéastes à créer une communauté autour de leur travail tout en obtenant le soutien financier essentiel D'autres cinéastes, comme Coen Brothers, ont adopté une approche différente en créant une bande annonce promotionnelle pour attirer les investisseurs privés. Ils ont tous deux suivi la stratégie de Rahimi tirée d'Evil Dead, où au lieu d' appeler à froid des investisseurs potentiels, ils les ont invités à regarder un film Ils ont tous deux suivi la stratégie de Rahimi tirée d'Evil Dead, où au lieu d' appeler à froid des investisseurs potentiels, ils les ont invités à regarder Cette statique les a aidés à susciter l'intérêt et à obtenir du financement de manière plus personnelle et plus engageante. Subvention. Les subventions constituent une source de financement précieuse pour les cinéastes, car fournissent un soutien financier sans qu'il soit nécessaire de les payer Les fonds sont généralement proposés par organismes gouvernementaux ou des organisations à but non lucratif, ce qui permet aux cinéastes émergents de se concentrer sur leur projet créatif sans le fardeau de la dette financière Le premier film de Spike, she's got her A reçu son financement initial grâce à diverses subventions basées à New York, qui montre à quel point les subventions peuvent être cruciales pour lancer la carrière d'un cinéaste. Une fois qu'un cinéaste a terminé un scénario ou une version courte de son projet, il peut également explorer les opportunités financement supplémentaire au Festival du film. Les festivals offrent non seulement une plate-forme pour présenter des œuvres, mais aussi l'occasion d'obtenir un financement grâce au réseautage en présentant un projet achevé ou acclamé par la critique lors d'un festival de films Les cinéastes peuvent attirer l'attention d'investisseurs potentiels Wes Anderson, par exemple, a réussi à obtenir des fonds pour son premier futur film. À Rocket après la projection de la version courte à Sundance C'est là que James Brooks a reconnu le potentiel du projet d' Anderson et a proposé produire le futur long métrage, illustrant ainsi comment les festivals de films peuvent être une étape cruciale pour obtenir un soutien majeur un autre lieu important pour marché américain du film est un autre lieu important pour le financement des films, où les cinéastes peuvent présenter leur projet et échanger des informations financières lors d'événements comme celui-ci Les cinéastes peuvent annoncer un package complet, y compris un scénariste et un casting pour susciter l'intérêt Le processus ressemble beaucoup à la vente sur un marché où des transactions sont conclues qui aboutissent finalement à la production du film quelques mois plus tard. Cet environnement de marché permet aux cinéastes de susciter l'enthousiasme et d'investir dans leur projet, ce qui les rapproche Les cinéastes indépendants peuvent trouver des financements supplémentaires auprès de sociétés de capital-investissement Les sociétés d'investissement qui géraient des investissements de grosses sommes d'argent parient que cette entreprise pariera leur argent dans l' espoir d'un gros paiement En fin de compte, les petites entreprises présentent un risque élevé. Les petits films sont des investissements à haut risque. Cependant, généralement des sociétés de capital-investissement, nous ne finançons que des sociétés de production indépendantes ayant fait leurs preuves. Société Bond. Les cinéastes indépendants peuvent rechercher un financement supplémentaire par le biais d'un financement obligataire Le financement provisoire est une autre ressource financière clé à la disposition des cinéastes Ce prêt à court terme est accordé par un prêteur pour garantir une pièce jointe avec le billet à ordre d'un investisseur servant de garantie servant Le prêt permet au producteur d'obtenir des éléments importants tels qu'un réalisateur ou un acteur de renom pour le projet. Cependant, le financement relais est coûteux car il est généralement utilisé dans des situations d'urgence et les prêteurs facturent une prime pour l'accès rapide au formulaire. Comme l'explique Alax, le financement relais est devenu une nécessité car les cinéastes indépendants ont cherché des moyens de structurer leur financement en dehors du système traditionnel des studios, leur permettant de poursuivre leurs projets malgré les contraintes financières, en s'autofinançant L'autofinancement est une option pour les cinéastes, même s'il comporte des risques importants Comme ils le disent, il est fort probable qu'ils ne récupéreront pas leur investissement, et même les films indépendants peuvent être coûteux à produire Cependant, il existe des exemples de réussite remarquables tels que Kevin Smith Clark, qui est financé par plusieurs cartes de crédit. Des cinéastes bien établis comme And ont donc autofinancé leur projet Depuis cette visite, MKight Mortgage a décidé de financer chacun de ses films, démontrant ainsi les risques personnels que les cinéastes prennent pour concrétiser leur vision Dans certains cas, les cinéastes ou les acteurs peuvent réduire leurs coûts de production falsifiant leur salaire initial en échange d'un point de vente, ce qui signifie qu'ils n'auront de l'argent que si le film réussit. Cette pratique connue sous compensation différée est un moyen pour créateurs individuels de réaliser leur projet sans avoir besoin d' Cela peut être particulièrement vrai lorsque l'on essaie de réduire le budget initial d'un film, ce qui permet une plus grande flexibilité dans le financement. Un moyen efficace de réduire les coûts de production consiste à utiliser des incitations fiscales. De nombreux pays et États américains offrent des allégements fiscaux pour attirer les productions cinématographiques, réduisant ainsi les dépenses des cinéastes Des lieux comme Vancouver et la Géorgie sont des choix populaires en raison de leurs incitations générales, ce qui en fait des options rentables pour le tournage de films. Les productions indépendantes et soutenues par des studios profitent souvent de ces incitations pour économiser de l'argent et augmenter leur budget. réalisation d'un film exige de la créativité, et cela s'étend au processus d'obtention de financement. producteurs les plus performants Les producteurs les plus performants sont ceux qui trouvent en permanence des moyens innovants pour obtenir les fonds nécessaires à la réalisation de leurs projets. Ils puisent dans une variété de ressources, allant des subventions et capital-investissement aux incitations fiscales et aux compensations différées, faire face en permanence à la complexité du secteur Le processus de développement est souvent l'une des étapes les plus difficiles de la réalisation d'un film Cela peut être source de rejet, de retards et de frustration, même pour les cinéastes expérimentés Obtenir du financement et aligner la bonne équipe peuvent sembler et de frustration, même pour les cinéastes expérimentés. Obtenir du financement et aligner la bonne équipe peuvent sembler essentiels pour surmonter cette difficulté. essentiels pour surmonter avec une vision claire, un package convaincant et Mais avec une vision claire, un package convaincant et de l'ingéniosité financière, tout est possible histoire bien conçue combinée des solutions de financement stratégiques peut transformer une idée en un film entièrement réalisé, prouvant ainsi que le pouvoir de la créativité va au-delà de la caméra et s'étend aux fondements mêmes de la réalisation du film. 4. Préproduction, 1ère partie: Quand commence la pré-production ? pré-production est la phase de planification critique du cinéma, impliquant le processus de planification et l'exécution de toutes les tâches qui doivent avoir lieu avant le début de la production Cette date commence généralement une fois le script finalisé et implique un effort de collaboration entre le personnel clé, y compris le réalisateur, le directeur de la photographie, le producteur, le premier assistant réalisateur, les directeurs de production, les coordinateurs de production et le repéreur finalisé et implique un effort de collaboration entre le personnel clé, y compris le réalisateur, le directeur de la photographie, le producteur, le premier assistant réalisateur, les directeurs de production, les coordinateurs de production et le repéreur Bien que chaque projet varie en fonction de son projet et de son échelle, certaines listes de contrôle universelles peuvent aider à rationaliser ce processus liste de contrôle de pré-production est disponible dans l'actif de coûts à titre de référence, servant de ressource fiable lors de planification de votre propre production. OK, passons à autre chose. Une fois que vous avez passé la phase de développement et que vous avez obtenu le feu vert, il est temps de vous concentrer sur la mise en place d' une base solide pour la pré-production avant plonger dans des aspects plus intéressants tels que la dégustation et le comptage des lieux. Considérez chaque production comme une entreprise. Beaucoup sont officiellement incorporés et enregistrés auprès de l'État. La première étape importante votre liste de contrôle de préproduction consiste créer une entité commerciale Pour moi, une entité juridique telle qu' une société à responsabilité limitée, LLC, est courante, car elle protège les propriétaires de toute responsabilité personnelle et simplifie la fiscalité. Bien que les sociétés à responsabilité limitée soient le choix le plus populaire pour les sociétés cinématographiques, d'autres types d'entités tels que les entreprises individuelles ou les sociétés peuvent également être utilisés en fonction de la structure de la production Vous devez déterminer si le film sera produit par une société de production existante telle que JJ Abrams Bad Robot, ou si vous allez créer une entité distincte, Open LLC La mise en place de cette structure d'entreprise est essentielle car elle régira tous les processus d'embauche et de signature de contrats. Une fois qu'une entité commerciale est en place, vous pouvez ouvrir un fonds de production de dépôts sur un compte bancaire afin de retenir avocat chargé de superviser et de constituer votre équipe de production. La pré-production commence immédiatement après la phase de développement, fois le script terminé. Une fois le scénario terminé, vous pouvez lancer le processus de pré-production. Un schéma illustrant un flux de travail de préproduction de base est fourni pour vous guider . Bien que chaque projet puisse être différent, cette séquence d'opérations peut être appliquée à différents formats, notamment les courts métrages, la musique, les vidéos, les publicités et Au cours de cette phase, de nombreuses tâches sont entreprises par différents membres de l' équipe le premier assistant réalisateur jouant un rôle central dans la coordination du flux de travail et veillant à ce que tout se passe bien. La préproduction est donc la phase de planification cruciale qui a lieu avant le début du tournage principal du film OK, commencez une fois que le script sera finalisé et que le projet sera projeté en Italie, ce qui signifie que le financement aura été assuré. Au cours de cette étape, le producteur et le réalisateur commencent à travailler ensemble, mais l'équipe s'agrandit rapidement pour inclure divers spécialistes supervisant les différents aspects de la préparation Dégustation et prise en compte des lieux pour définir la conception et la budgétisation. La préproduction consiste essentiellement à rassembler toutes les informations nécessaires et distribuer au service approprié Notre objectif est de s'assurer que tout est méticuleusement planifié et comptabilisé avant que la caméra ne commence à tourner Ainsi, selon l'assistante réalisatrice de Dona Spark, la durée et la complexité de la préproduction varient en fonction de la nature du film Pour les superproductions à gros budget comme Late Runner 2049 ou Black Panour Candle, Forever, une préproduction peut être nécessaire pour les effets spéciaux, les cascades D'accord, cependant, pour les productions plus simples comme une comédie romantique ou un drame, la phase de pré-production peut prendre environ huit semaines. Le temps consacré à la préparation pendant cette phase est essentiel pour éviter des retards ou des complications imprévues une fois le tournage commencé L'objectif principal de la pré-production est donc de s' assurer qu'au moment du tournage, tout ait été méticuleusement planifié et visualisé sous forme de packs par tout ait été méticuleusement planifié et visualisé sous forme de packs Le processus s'apparente à une répétition pour le jour même du tournage, ce qui permet de prévoir et de résoudre à l'avance les problèmes et les défis potentiels Chaque décision prise pendant la pré-production, qu'elle soit liée à la planification des sites ou aux configurations techniques, oriente le projet vers une phase de production fluide et efficace Ainsi, au moment où les caméras tournent, la journée a été essentiellement prévécue dans le cadre du processus de planification. OK. Donc budgétisation et planification Ainsi, quelle que soit la taille du projet de film, certaines étapes essentielles de la pré-production restent cohérentes. Les quatre sont la budgétisation et la planification. raison pour laquelle les producteurs ont généralement une idée générale du budget d' un film avant de donner le feu vert à la préproduction c'est lorsqu'ils se penchent sur les détails OK ? Cela implique d'analyser le script et de prévoir où et combien d'argent sera nécessaire pour chaque aspect de la production. Au cours de cette phase, en tant que producteur, nous établissons souvent un bureau de production pour gérer l'aspect administratif. L' assistant réalisateur Eddie, un personnage clé du processus de pré-production est l'assistant réalisateur, Ed, qui fonctionne comme l' unité centrale du projet. Comme le décrit le réalisateur adjoint Donald Sparks, le directeur de l'édition prend constamment en charge les processus et redistribue les informations entre les départements pour que le film reste sur la bonne voie Le rôle de l'ED va donc au-delà de la simple gestion. Ils sont chargés de mettre en place, de planifier et de gérer les activités quotidiennes de l'équipe de tournage. Cela nécessite donc une approche dynamique et flexible car l'ED doit établir des plans, des plans sauvegarde et des ajustements pour garantir le bon déroulement de tout, n'est-ce pas ? Leur supervision garantit donc que chaque département comprend son calendrier et ses besoins en main-d'œuvre en fonction du calendrier de tournage et des autres détails de pré-production, ainsi que de la répartition du scénario L'une des tâches les plus importantes de l'Ed est de décomposer le scénario, une analyse détaillée qui extrait chaque élément du script, des personnages aux accessoires, en passant par les lieux. Cette analyse spéciale consiste à diviser chaque page du script en huit, ce qui permet de comprendre plus précisément le temps tournage de chaque scène et son coût Ces informations sont cruciales pour établir un budget complet et un calendrier de tournage, sur lesquels chaque département s'appuie pour planifier ses ressources et ses activités. Le calendrier de tournage produit par Eddy sert donc de modèle pour l'ensemble de la production, dictant ainsi le déroulement du projet, de la préproduction Donc, planifier la production. L'assistant réalisateur, Eddy, joue également un rôle essentiel dans la planification de la production, un processus qui nécessite de trouver un équilibre entre divers facteurs pour garantir le bon déroulement du tournage. planification d'un film implique de prendre en compte le nombre de pages à tourner chaque jour, qui varie en fonction du budget et de l'envergure du projet. Pour une production à gros budget, l'objectif peut être de tourner une seule page par jour. Autorisez des configurations complexes et un plus grand nombre de ventes, d'accord ? Ainsi, pour les petits films indépendants, l'équipe devra peut-être parcourir jusqu' à cinq pages en une seule journée pour respecter le budget et le temps impartis. La complexité de la planification augmente donc avec la taille du projet. Un petit département et des personnes sont donc impliqués, ce qui nécessite une coordination minutieuse. Un aspect essentiel de la planification est donc tenir compte de la disponibilité des acteurs et de l'équipe. En outre, dans le scénario idéal, la publicité bloquerait les horaires de toutes les personnes impliquées pendant toute la génération du tournage, garantissant ainsi la disponibilité. Cependant, en réalité, cela est rarement possible, en particulier pour les petites productions ou celles avec des acteurs de haut niveau qui peuvent avoir des engagements contradictoires. AD doit travailler en étroite collaboration avec chaque département, qu'il s'agisse de la garde-robe, des effets spéciaux ou des équipes de tournage afin de déterminer ce qui est nécessaire pour chaque scène et comment tenir compte de la disponibilité du personnel clé. Cela implique souvent d'ajuster le calendrier pour prioriser les scènes qui nécessitent des acteurs, des lieux ou une préparation spécifiques. En outre, certaines scènes peuvent nécessiter beaucoup plus de temps de préparation que d'autres, ce qui complique encore le processus de planification séquençage d'actions, les effets spéciaux ou les scènes impliquant des décors élaborés peuvent donc nécessiter plus de temps à configurer et à exécuter L'AD doit donc anticiper ces défis en s'assurant que le calendrier prévoit le temps de préparation nécessaire sans retard. L' équilibre global de ces variables est crucial pour maintenir le flux de travail, éviter des retards coûteux et garantir que chaque service peut livrer ce besoin dans les délais et dans les limites De plus, le calendrier des acteurs joue un rôle important dans l'organisation d'une production. Une fois le processus de casting terminé, l'assistant réalisateur AD doit également trouver un moyen de contourner la disponibilité de chacun. Par exemple, si un acteur n'est disponible que pendant deux semaines alors qu' un autre acteur interagissant avec lui est disponible pendant huit semaines, l'AD doit trouver un moyen chevaucher leurs horaires pendant cette période. Cela crée un casse-tête complexe, car l'AD doit s'assurer que les scènes dans lesquelles les deux acteurs sont tournées dans le même laps de temps. Ces types de défis sont constamment ajoutés au mix, et il est de la responsabilité du directeur de la direction de gérer ces détails, en ajustant le calendrier au fur et à ajustant le calendrier au fur mesure que de nouvelles informations arrivent du service des commandes et du casting D'accord, pour que tout soit organisé, un service d'urgence peut également utiliser un rapport quotidien. Quel palmarès, quels jours on aura besoin de chaque acteur sur le plateau. Ce rapport est essentiel pour garantir que les acteurs sont correctement programmés et qu'ils ne perdent pas de temps. De plus, l'AD évite généralement de programmer des scènes physiquement ou émotionnellement exigeantes l'une après l'autre afin de ne pas surcharger les acteurs En déterminant avec soin à quel moment les acteurs sont nécessaires et en équilibrant la demande de chaque scène, l'AD garantit le bon déroulement de la production et acteurs de donner meilleur d'eux-mêmes en cas de besoin. loueurs de matériel sont donc un autre facteur clé l'assistant réalisateur ED doit prendre en compte lors de la planification d'un tournage de film Si un équipement coûteux, tel un appareil spécialisé ou une installation de caméra, est requis pour plusieurs scènes, l'EDI peut regrouper ces scènes afin de minimiser la période de location et de réduire les coûts Ainsi, la production évite des dépenses inutiles et garantit que l' équipement est disponible avec précision lors de la planification de l'équipement La dépendance est effectivement cruciale, en particulier dans les grandes productions où les coûts peuvent rapidement augmenter. De plus, des facteurs externes tels que la météo peuvent compliquer la planification L'équipe a dû ajuster son emploi du temps à plusieurs reprises en raison de conditions météorologiques imprévisibles. L'heure de la journée est donc un autre élément important à prendre en compte lors de la planification d'un tournage équipe a dû ajuster son emploi du temps à plusieurs reprises en raison de conditions météorologiques imprévisibles. L' heure de la journée est donc un autre élément important à prendre en compte lors de journée est donc un autre élément important à prendre en compte la planification d'un jour et de nuit doivent souvent être programmées séparément afin de laisser à l'équipage le temps de passer d'une configuration à l'autre. Les tournages nocturnes sont généralement limités car ils nécessitent un taux de rémunération plus élevé pour l'équipage conformément aux règles syndicales, ce qui les rend plus coûteux. Pour éviter ces dépenses supplémentaires, la plupart des productions programment les scènes nocturnes manière transparente, sauf indication contraire de l' histoire Ces défis logistiques contribuent au fait que les films sont rarement tournés dans l' ordre dans lequel l'histoire se déroule L'Ed planifie plutôt de manière stratégique en fonction préoccupations pratiques telles que la disponibilité des acteurs, besoins en équipement, les conditions météorologiques et les exigences en matière d' heure de la journée, en veillant à ce que le tournage respecte le budget et le calendrier. Ainsi, le tournage d'un film se déroule généralement sur un calendrier de six jours, suivi d'un jour de congé, chaque journée de travail d' une durée d' environ 11 heures Cependant, les assistants réalisateurs essaient souvent de prévoir du temps supplémentaire chaque jour et réserver quelques jours supplémentaires à la fin du tournage au cas où les choses prendraient plus de temps que prévu. Cette période tampon est essentielle pour faire face aux retards ou à la reprise Le calendrier de production est une entité dynamique qui évolue constamment en réponse à des circonstances imprévues Les changements climatiques, les retards imprévus ou les maladies des acteurs ou de l'équipe peuvent donc les maladies des acteurs ou perturber le programme, obligeant le directeur de l'éducation à ajuster continuellement le plan du début de chaque journée à la fin. gestion du calendrier de production implique donc de jongler avec de nombreuses pièces mobiles C'est pourquoi on se fie souvent à des outils tels le tableau à bandelettes un tableau à code couleur qui organise les informations pour chaque C, aidant le montage à suivre ce qui doit être filmé et quand, dans le passé, cela se faisait manuellement, mais aujourd'hui, la majeure partie du travail est traitée électroniquement Cela fait également partie de la transition vers le numérique. Donc, comme Dona Sparks, préfère la méthode traditionnelle disposer le strip board en format physique semaine après semaine Où ils peuvent visualiser l' intégralité du tournage en un coup d'œil. fait d'avoir un tableau physique encourage également la collaboration pendant les réunions. Il permet aux différents services de se réunir, d'examiner le calendrier et de poser des questions. Cette approche combinée offre donc aux membres de l' équipe la possibilité de discuter de scènes spécifiques, résoudre les problèmes en temps réel et de s'assurer que tout le monde est sur la même longueur d'onde concerne le calendrier de production Pour de nombreux montages, cette méthode contribue à améliorer la communication et à simplifier le processus de planification L'assistant réalisateur, Ed, travaille en étroite collaboration avec producteur exécutif et le directeur de production de l'unité, UPL, pour s'assurer que la production se déroule sur la bonne voie Le producteur exécutif obtiendra son titre en répartissant le budget ligne par ligne. Il est chargé de superviser les finances du film. Il est de son devoir, est chargé de superviser les finances du film. Il est de aux côtés de l'UPM, de gérer le budget et s'assurer que chaque jour de tournage se déroule dans les délais prévus Ainsi, à la fin de chaque journée, le producteur exécutif doit se présenter au studio pour l'informer si la production se déroule dans les délais ou si elle est en retard. Pour que ce processus se déroule sans heurts, l'AD doit donc entretenir une relation solide avec le producteur exécutif et l'UBM, mettre fin leur confiance en prenant des décisions qui servent au mieux les intérêts du projet et en partageant des informations précises et à jour Alors que le producteur exécutif se concentre sur le contrôle des coûts et négocie souvent des compromis avec le réalisateur, l'UPM est responsable aspect logistique de la L'UPM veille donc à ce que tous les éléments, qu'il s'agisse d'équipements, accessoires ou de décors, soient sélectionnés, transportés et gérés efficacement Cela inclut le traitement des détails financiers ainsi que questions pratiques telles que la manière et moment où des ressources spécifiques seront obtenues. Ensemble, le producteur exécutif AD et l'UPM forment une équipe essentielle qui équilibre les ambitions créatives avec les réalités pratiques et financières. Comme l' explique le producteur exécutif Leo Macons, le directeur de production de l'unité UPM est étroitement impliqué dans les opérations quotidiennes sur le terrain de l' Ils s'occupent donc des moindres détails, tels que coordination avec le boîtier des caméras, poignées et les gréeurs pour s'assurer que tous les équipements et matériaux nécessaires sont prêts Le rôle de l'UPN est hautement logistique, car ce sont eux qui passent physiquement les appels et confirment que tout est en place, qui permet aux chutes de fonctionner correctement Cela, associé à l'implication l'équipe, garantit que la production se déroule dans les délais et que tout eCAP potentiel est traité rapidement 13 pendant la pré-production implique également une quantité importante de paperasse, en particulier lorsqu'il s'agit de souscrire une assurance pour le tournage Les producteurs s'assurent que la production est couverte en cas d'accident ou de retard imprévu. exemple remarquable un exemple remarquable de l'importance de l'assurance Tom Cruise se soit cassé la cheville sur le tournage de Mission Impossible Flo est un exemple remarquable de l'importance de La blessure a entraîné un retard de production coûteux, les dépenses supplémentaires atteignant environ 70 millions de dollars Heureusement, le tournage était assuré et la compagnie d'assurance a pris en charge ces frais supplémentaires, démontre le rôle essentiel que joue l' assurance dans la protection du budget d'un film. Cela devrait nécessiter beaucoup d'équipement coûteux, qui est généralement assuré pour protéger le studio contre des coûts importants en cas de dommage. Ainsi, lorsqu'ils travaillent avec des acteurs syndiqués, les producteurs doivent remplir l' annexe G du SAG à temps pour s'assurer que les acteurs sont correctement payés. Et un formulaire SAG Exhibit B qui enregistre les contributions au plan As et HEAT De plus, le producteur signe un accord de talent avec les acteurs décrivant comment l'image d'un acteur peut être utilisée et comment il sera rémunéré Ainsi, des accords de location sont également établis pour servir de documents juridiques entre la société de production et les propriétaires afin d'autoriser FEM sur des propriétés spécifiques Reportez-vous donc à l' actif financier de ce cours pour obtenir le modèle de certains des documents dont nous parlons. 5. Préproduction, 2e partie: Constituer l'équipe. Alors, pendant que les producteurs, les assistants réalisateurs et les directeurs de production s'occupent de la logistique financière du film ? Un autre aspect crucial de la production consiste à constituer la bonne équipe. Donc, tout comme dans un film de braquage où vétérans chevronnés se réunissent pour un dernier travail, une bonne production se met en place pour embaucher les meilleures personnes pour chacun producteurs et le réalisateur ont donc généralement besoin du processus de recrutement, commençant par le chef de chaque département, y compris les postes clés tels que la conception de production. Directeur de la photographie et mixeur à sable. Ces chefs de département sont des professionnels hautement qualifiés qui apportent une expérience et une expertise précieuses, dont le réalisateur peut tirer parti pour planifier efficacement la production. processus RN est souvent influencé par la vision que le producteur et le réalisateur ont du film, ainsi que par toute relation préexistante qu'ils peuvent avoir avec certains professionnels. Par exemple, Steven Piebot collabore fréquemment avec le même chef de département sur plusieurs films, comme le directeur de la photographie Joel Kamski et le concepteur Joel Kamski et Une fois que le chef de département est engagé, il est chargé de constituer ses équipes, sélectionner les bons membres d' équipe pour garantir bon fonctionnement de chaque département et contribuer aux thèmes généraux. Le concepteur de production Jason Kazvade explique donc qu'une fois qu'un plan d'utilisation est établi, plus de membres de l'équipe commencent à être embauchés et à participer au engager des personnes à cette fin, par exemple en faisant appel à un coordinateur de la construction avant de décider si n'aurait aucun sens d'engager des personnes à cette fin, par exemple en faisant appel à un coordinateur de la construction avant de décider si l' ensemble sera construit ou non. Cela marque le début de la reproduction, laquelle l'équipe consolide ses plans avant de s'étendre Ainsi, une fois ces plans en place, les département sont embauchés et ils commencent à constituer leurs équipes en conséquence. Ce chef de département devient donc le principal point de contact du producteur exécutif et de l'assistant réalisateur pour du producteur exécutif et de l' communiquer les besoins de leurs départements respectifs. Au cours de la réunion avec le directeur de la photographie, concepteur de production ou le concepteur de costumes, l'assistant réalisateur joue souvent un rôle de soutien en écoutant et en prenant des notes pour s'assurer qu'ils comprennent l'objectif créatif. Ainsi, si des questions se posent, l'AD veille à ce qu'elles soient dirigées vers les services appropriés. Aider l'équipe à obtenir les réponses dont elle a besoin pour obtenir les résultats souhaités. Bien entendu, le processus RN ne se limite pas aux règles appliquées derrière la caméra. Le plâtre doit également être assemblé. Souvent, les acteurs principaux sont concernés le projet pendant la période de développement, mais la plupart des films nécessitaient beaucoup plus d'acteurs pour compléter le casting. C'est donc là que le directeur de casting intervient. Un directeur de casting commence par lire attentivement les scripts pour comprendre les personnages et leurs rôles dans l'histoire. Comme l'explique la directrice de casting Emmy Hubbert, vous déterminez exactement le nombre de scènes chaque personnage, afin de savoir, sans aucun doute, qui joue le rôle principal, qui est le second rôle et même qui n'a qu'une seule Le processus peut aller jusqu' décider si un rôle peut être joué par un figurant, surtout si le personnage ne produit qu'une réaction cruciale. Cette répartition détaillée aide le directeur de casting à organiser et à hiérarchiser efficacement le processus de casting. Le directeur de casting collabore donc également avec le producteur pour déterminer le budget à consacrer à l'embauche d'un acteur. Ainsi, une fois le budget établi, ils commencent à organiser des auditions et un processus exigeant que le directeur de casting soit à la fois perspicace et délicat Bien, alors pourquoi il est crucial de trouver la personne idéale pour chaque rôle. Les directeurs de casting doivent également tenir compte des sensibilités des acteurs, car le rejet fait partie intégrante du processus Au fur et à mesure que le processus de casting avance, l'équipe de production continue de s'agrandir, le département ajoutera nouveaux membres à l'équipe et le directeur de casting organisera des auditions, des accords d' union et des contrats attribués pendant la phase Le directeur de casting E Lewis souligne que le casting est souvent un processus privé entre le directeur de casting et l'acteur. Protéger la vulnérabilité des acteurs auditionnant autant plus que la majorité d'entre eux seront confrontés au rejet. Prévisualisation La prévisualisation n'est pas uniquement une question de logistique. Cela implique également une grande dose de créativité, en particulier lors du processus de pré-visualisation. Ainsi, une fois le script finalisé, le réalisateur, souvent avec l'aide du directeur de la photographie, commence à imaginer à quoi ressemblera le film La prévisualisation peut donc prendre de nombreuses formes. Une approche courante est donc le storyboard, où une partie de la totalité du film tourné est esquissée Cela implique souvent l'embauche d' un artiste de storyboard. Un illustrateur spécialisé qui contribue à traduire la vision du réalisateur sur la page. Par exemple, Alfred Hitchcock a travaillé avec le designer Sabas pour créer le storyboard de Psycho Dans certains cas, en particulier films de science-fiction ou de fantasy, réalisateur peut commander des œuvres conceptuelles pour visualiser les éléments les plus fantastiques de ces visuels qui sont essentiels pour le département artistique car le concepteur de production les utilise pour donner vie à l'idée du réalisateur George Lucas, par exemple, a travaillé avec le designer Ralph Macquarie pour créer des illustrations détaillées pour Star Wars, qui ont contribué à façonner l'apparence du décor emblématique du film Que le film implique scènes sonores ou un tournage sur site, le concepteur de production, ainsi que le directeur de la photographie rôle crucial dans la création et la capture des éléments visuels du film pendant pré-production. La prévisualisation peut également inclure une animation avec des animations, des animations servant de montage, de storyboard avec une bande son approximative et l'équipe comprend le rythme du film. Pour les séquences plus complexes, des animations numériques détaillées, appelées prévisualisation ou prévisualisation, peuvent être utilisées Ils sont particulièrement utiles pour les scènes qui reposent principalement sur des images de synthèse ou des séquences d'action complexes, comme les énormes salaires gratuits sur l'écran matriciel En utilisant ces outils visuels, l'équipe de production peut planifier plans complexes et s'assurer que toutes les personnes impliquées savent à quoi s'attendre et à quoi cela signifie. tant que directeur de la photographie, nous créons souvent une courte liste de documents cruciaux qui décrivent toute la couverture qu'ils visent à capturer pour une scène donnée Cette liste inclut généralement des informations détaillées telles que le numéro de scène, le numéro prise de vue, le lieu, le style court, angle de prise de vue et le mouvement de la caméra. De plus, il précise les acteurs, leurs accessoires et les actions impliquées dans chaque plan En organisant ces informations, le directeur de la photographie assure un processus de tournage rationalisé permettant à l'équipe de comprendre efficacement le plan visuel et de l'exécuter efficacement sur le plateau Pendant ce temps, un concepteur de production est chargé d'établir la palette visuelle du film, ce qui implique de superviser la sélection des probes, décoration des décors et toute construction de décors nécessaire Jasen Caz Valde explique que l'approche varie en fonction du projet, notamment en matière Par exemple, si un film nécessite un site étendu, l'équipe de conception commencera à travailler sur les plans d'étage et les conceptions dès le début afin de s'assurer que la construction puisse commencer rapidement, car ce processus peut prendre beaucoup de temps. Le concepteur de production doit également tenir compte du calendrier de tournage, qui peut dicter à quel moment certains décors doivent être prêts pour le tournage Chaque projet présente ses propres défis, mais l'objectif commun est de respecter les délais tout en gérant efficacement le processus de conception global. La conceptrice de production Sarah Greenwood illustre ce rôle à travers son travail sur l'énorme Barbie et le décor Les projets étaient si vastes qu'ils ont contribué à une pénurie mondiale de produits. implication, la lumière, l'impact significatif un concepteur de production peut avoir non seulement sur l'esthétique du film, mais également sur les tendances générales de l'industrie. L' attention méticuleuse portée aux détails et à la planification nécessaires à la conception des décors souligne donc et à la planification nécessaires à la conception l'importance de collaboration entre les différents départements pour concrétiser vision du réalisateur tout en respectant des délais et un budget serrés De même, un costumier commence à créer des tenues en se basant sur une analyse approfondie des scripts. costumière Sandy Powell explique que notre approche chaque projet dépend entièrement sa nature et de la vision du réalisateur. Car notre objectif ultime est de contribuer à donner vie à cette vision. Une fois les costumes conçus, l'équipe des costumes fait généralement plusieurs copies de chaque tenue pour se préparer à des incidents pendant Par exemple, lors de la production de Titanic, Debra L Scott a créé 24 copies de la robe de Kate Wislet en raison dommages infligés par Saltwater. Cette attention portée aux détails garantit au film une continuité visuelle, même lorsque des défis imprévisibles Debra L Scott a créé 24 copies de la robe de Kate Wislet en raison des dommages infligés par Saltwater. Cette attention portée aux détails garantit au film une continuité visuelle, même lorsque des défis imprévisibles se présentent. Un aspect important du visuel d'un film est son emplacement, qui est déterminé pendant la phase de pré-production grâce à une recherche menée par un localisateur aux côtés du réalisateur, du directeur de la photographie et d'autres spécialistes de haut niveau basés à New York. Nika décrit son rôle comme un rôle axé sur l'observation, où il a passé du temps à regarder la ville et à identifier les lieux un rôle axé sur l'observation, où il a passé du temps à regarder la ville et à identifier les grâce à une recherche menée par un localisateur aux côtés du réalisateur, du directeur de la photographie et d'autres spécialistes de haut niveau basés à New York. Nika décrit son rôle comme un rôle axé sur l'observation, où il a passé du temps à regarder la ville et à identifier les lieux uniques. des fonctionnalités qui sortent du lot. La sécurisation d'un site dans une ville de Bostle comme New York nécessite une planification préalable approfondie, faisant de l'équipe de comptabilité des sites l'un des premiers départements à être embauché après la Cette implication précoce est cruciale car trouver les bons emplacements peut avoir un impact significatif sur le récit esthétique global du film. Une fois l'emplacement choisi, un explorateur de texte est souvent effectué pour parcourir le site avec toute l'aide du ministère. Cette réunion vise à fournir une image claire des plans de la Femi l'assistant réalisateur guidant l'équipe tout au long de la logistique du tournage Au cours de cette procédure, le directeur exécutif explique où les différents éléments seront installés, tels que l'emplacement des échelles, stationnement du matériel et les zones spécifiques où les actions clés L'exploration textuelle est occasion pour chaque département de mettre en lumière défis potentiels qui pourraient survenir réalisateur adjoint Donald Sparks explique l'importance de ce processus, en précisant que tout dépend des détails spécifiques essentiels à la réussite d'un tournage Par exemple, l'équipe déterminera où garer l'équipement, déterminera le meilleur emplacement pour le générateur et déterminera où le camp de base sera installé, et déterminera où le camp de base sera souvent à quelques pâtés de maisons de la principale. Cette planification méticuleuse garantit que tous les services disposent des informations dont ils ont besoin et que tout problème logistique est résolu au préalable . le tournage commence, ce qui facilite le processus de production. Un directeur de la photographie effectue donc généralement test de caméra avant le début du tournage, en expérimentant avec différents objectifs de caméra et différents supports de film afin d' évaluer comment les différents éléments Ce processus leur permet donc d' évaluer la façon dont des lieux, des costumes ou des choix de maquillage spécifiques apparaissent devant eux. Par exemple, Rachel Morrison, la directrice de la photographie du mod Bound, la photographie du mod Bound testé les paramètres ASA sur l'A Alexa, c'est-à-dire créer un niveau de grain qui donnerait à une séquence numérique une qualité plus proche de celle d'un film Lors de la pré-production, ces tests sont donc cruciaux pour établir le style visuel global du projet. Ainsi, le directeur de la photographie prend en compte des aspects tels que éclairage faible et les meilleurs objectifs pour capturer l'effet de matière Le directeur adjoint Donald Sparks souligne donc l'importance des tests de caméra avancés, en particulier dans les projets comportant des éléments uniques Par exemple, dans Wakanda forever, qui présentait des scènes aquatiques importantes La phase de test a consisté à évaluer la performance des costumes dans un environnement aquatique par rapport à la lumière sèche. Ce niveau de préparation permet au directeur de la photographie de prendre des décisions éclairées quant à la manière d' obtenir le résultat souhaité et le toucher, en relevant les défis potentiels avant le début du tournage Pendant la pré-production, les réalisateurs dialoguent fréquemment avec les acteurs pour développer leurs personnages et affiner leurs performances. Cette collaboration implique souvent des conversations approfondies sur le scénario et le personnage. Ainsi, comme l' a fait remarquer David Rosberg, il a souligné l'importance du dialogue entre le réalisateur et l'acteur pour explorer pleinement le rôle Au cours de cette phase, une pratique courante est la lecture du tableau , au cours de laquelle les acteurs se réunissent pour lire le script. Cela permet non seulement à l'équipe de comprendre le déroulement du film, mais aussi de donner le ton à la table des négociations, ce qui permet d'ajuster le scénario à la dernière minute et de décider du casting. Par exemple, après la lecture de la table pour Min Girls, réalisateur Mark Waters et producteur Leon Mitchell se sont rendu compte que le personnage amoureux de Katy ne résonnait pas comme prévu, qui les a incités à refondre. Cette flexibilité pendant la phase de pré-production permet d'obtenir un produit final plus raffiné et coercitif, le réalisateur Mark Waters et le producteur Leon Mitchell se sont rendu compte que le personnage amoureux de Katy ne résonnait pas comme prévu, ce qui les a incités à refondre. Cette flexibilité pendant la phase de pré-production permet d'obtenir un produit final plus raffiné et coercitif, garantissant ainsi l'alignement des performances. avec la vision du réalisateur. La dernière étape de la préproduction consiste donc à envoyer les fiches de base, qui constituent un outil de communication crucial pour la tâche et l'équipe Ce document indique à tout le monde l'heure à laquelle ils doivent se présenter et décrit l'horaire de la journée, détaillant les heures, les lieux et les tâches spécifiques. À bien des égards, la feuille d' appel la pierre angulaire du processus de préproduction, consolidant toutes les informations recueillies au cours des étapes de planification en une seule référence complète qui garantit que tout le monde est aligné et prêt à tourner le jour à l'avance Veuillez télécharger le document de production fourni dans le dossier judiciaire et utiliser le comme modèle pour guider votre production. Cette ressource vous aidera à organiser efficacement votre emploi du temps et à vous assurer que tous les acteurs et membres de l'équipe de votre production sont informés et préparés pour chaque jour de tournage. Alors, quand se termine la pré-production ? La reproduction marque une phase cruciale du processus de réalisation d'un film, exigeant des efforts considérables et une grande attention portée aux détails Ainsi, plus vous serez assidu au cours de cette étape, mieux votre production sera équipée pour se dérouler sans heurts La résolution des problèmes à l'avance est acceptée. Il n'est pas acceptable d' attendre que vous commenciez. À la fin de la préproduction, les tâches clés telles que le casting en extérieur, l' obtention des permis de localisation, l' embauche des membres de l'équipe et le recrutement de la location du matériel devraient toutes être terminées Cette préparation garantit que tout est en place pour le moment où les caméras seront enfin prêtes. Malgré une planification minutieuse, il est important de reconnaître que des défis imprévus peuvent toujours survenir Bien que la préproduction implique beaucoup de travail, les efforts déployés aujourd'hui minimiseront les complications ultérieures Il est donc essentiel de rester flexible et adaptatif, anticiper les changements potentiels et d'être prêt à évoluer selon les besoins Une approche proactive de la résolution des problèmes pendant la pré-production peut améliorer considérablement l'efficacité globale et le succès de votre projet. 6. Production 1ère partie: Dans notre dernière leçon, nous explorons tous les aspects de la pré-production. Cette fois, nous allons examiner le fonctionnement d'un plateau de tournage professionnel d'un plateau de tournage professionnel et les différents rôles impliqués. Pour éclairer la phase de production, nous nous appuierons sur les points de vue de la réalisatrice Tamara Davis, du directeur photographie Jaron Leski et deuxième assistant réalisateur Pete Dress, qui nous guideront tout au long de la phase de production et clarifieront la contribution de chaque membre de l'équipe à l'effort de réalisation du nous nous appuierons sur les points de vue de la réalisatrice Tamara Davis, du directeur de la photographie Jaron Leski et du deuxième assistant réalisateur Pete Dress, qui nous guideront tout au long de la phase de production et clarifieront la contribution de chaque membre de l'équipe à l'effort de réalisation du film. Production. La production fait référence à la capture de séquences pour un thème et est souvent connue sous le nom de photographie principale. Comme ce cours l'a illustré, réalisation d'un film est un marathon qui peut s'étendre sur des années et qui exige une endurance extrême de la part de toutes les personnes impliquées. Cependant, la phase de production elle-même est généralement un sprint, caractérisé par de longues heures de travail et une collaboration intense entre les différents départements. Cet effort concentré est donc crucial pour transformer votre idée en une réalité, car la production est généralement aussi brève que possible. Plus elle dure longtemps, plus elle coûte cher. Les films indépendants peuvent donc avoir un calendrier de tournage relativement court qui ne dure souvent que quelques semaines Par exemple, Fruitvale Station a été filmé en 20 jours seulement En revanche, les productions à succès s'étendent généralement sur plusieurs mois, comme en témoigne le tournage de Barbie, dont le tournage a débuté en mars et s'est terminé en juillet En outre, il est fréquent que la production chevauche la physique de pré-production et de post-production. Par exemple, les caméras peuvent commencer à tourner pour expliquer pourquoi l'équipe de production planifie toujours les prochains jours de tournage ou même pourquoi le script est toujours en cours de développement. En fait, Christopher McQueary travaillait sur le script de Top Go Maverick même après le script de Top Go Maverick même après Les monteurs commencent souvent à découper séquences avant que toutes les scènes ne soient tournées, à assembler les ébauches et à garantir une couverture adéquate pour identifier les éventuels tournages nécessaires. Pourquoi il n'y a pas deux productions identiques. La plupart suivent une structure similaire et respectent les meilleures pratiques. À commencer par une planification méticuleuse des tournages. Bien que la majeure partie de cette planification se fasse bien entendu pendant la pré-production, la dynamique d'un tournage peut changer de façon inattendue en raison variables imprévues nécessitant un ajustement logistique continu de la part du service de production De nombreuses personnes qui ont travaillé assidûment pendant le tournage ont également contribué à la phase de pré-production, assurant ainsi transition harmonieuse entre ces étapes Pour plus d'informations sur leurs rôles en pré-production, reportez-vous à notre leçon précédente. Le producteur exécutif joue un rôle essentiel dans la gestion de la logistique quotidienne des tubes*** en veillant à ce que tout fonctionne . Il travaille directement sous la direction du producteur exécutif, le directeur de production se concentre sur le respect du budget et du calendrier du projet et apprend les aspects pratiques essentiels à une production réussie Un poste clé au sein du département de production est donc celui du premier assistant réalisateur, First AD, qui est indispensable pour orchestrer le tournage Tama Davis souligne l'importance de l'assistant réalisateur, affirmant qu'un assistant réalisateur, c'est comme la moitié de mon corps Ce sont mon bras droit, tout mon corps. La première AD assume une multitude de responsabilités qui vont au-delà de ce que le réalisateur pourrait envisager, telles que la gestion de la disponibilité des acteurs et la coordination des lieux en gérant la disponibilité des acteurs et la coordination l'élément logistique La première AD permet au réalisateur et au reste de l'équipe de se concentrer sur leur tâche créative, maintenir la dynamique du projet et de garantir que la production reste sur la bonne voie. Le deuxième assistant réalisateur, le deuxième directeur adjoint, soutient le premier AD . Qui participe à ces tâches essentielles ? Sa robe est la deuxième préparation d' AdePla avec la première ED. Je ne reçois pas nécessairement autant de pré-production, mais quand j'y suis, je participe à des réunions et je sais ce qu'ils savent. Ces connaissances permettent au deuxième directeur de l'animation de jouer le rôle de plaque tournante centrale pendant la production, facilitant ainsi la communication et la coordination entre les différents éléments impliqués dans le tournage au quotidien Démontrant que tout est préparé et prêt, les seconds ED F assurent le bon fonctionnement du plateau , contribuant ainsi au succès du film Coût. Les coûts sont un élément crucial de presque tous les tournages de films. Et selon la production, le deuxième assistant réalisateur, le deuxième directeur exécutif ou le premier assistant SED collaborent avec le coordinateur de production pour s'assurer de les créer pour chaque jour de tournage. Une feuille d'appel est un document détaillé qui indique quand et où les acteurs et l'équipe sont censés arriver ainsi que d'autres informations essentielles pour la journée. Il s'agit notamment du calendrier des tournages, des conditions météorologiques, des informations relatives au stationnement, de l'emplacement du répartiteur le plus proche et des coordonnées du personnel clé Une note vestimentaire pointue, elle vous donne ce que seront notre meilleur étui et notre gamme parfaite un mardi au hasard feuille d'appel est généralement distribuée la veille du tournage, ce qui permet à chacun se préparer correctement pour le travail du lendemain. La précision est primordiale lors de la création du coset, car toute modification ou renvoi du document peut confusion parmi les acteurs et l'équipe En fournissant des informations claires et précises, la fiche d'appel contribue à garantir une production fluide et efficace. En plus de l'appel ****, divers documents logistiques sont générés lors du tournage du film. L'un des plus importants en matière de rapports de production. Ce rapport contient des informations essentielles sur ce qui s'est passé chaque jour, y compris les personnes présentes sur le plateau, la durée de chaque prise de vue, les dépenses imprévues engagées et les retards survenus Cette documentation sert de dossier juridique du tournage, permettant aux producteurs et aux producteurs exécutifs de suivre l'évolution de la production et résoudre les problèmes éventuels. Un autre document clé est le rapport de caméra rempli par le deuxième assistant caméra. Deuxièmement, ce rapport inclut des informations détaillées sur chaque prise de vue, telles que la scène et le numéro de prise de vue. Jerome Blaski, directeur de la photographie, explique l'importance de ce reportage en précisant qu'un reportage de caméra nous donne évidemment la scène, le numéro de prise de vue, mais j' inclurai également l'objectif utilisé sur le diaphragme Je sais donc si quelque chose ne va pas avec l'option. En incluant autant de détails techniques que possible, le second AC permet à l'équipe d'identifier rapidement tout problème potentiel lié au film et de maintenir la qualité globale du film. Le reportage de caméra est donc d'une valeur inestimable pour les cinéastes et les monteurs, car il fournit des détails techniques cruciaux qui peuvent être consultés si un monteur doit reproduire un plan numériquement De même, le mixeur de son de production généré inclut des informations pertinentes pour chaque prise du point de vue sonore. Une logistique efficace pendant le tournage implique également d'anticiper les problèmes potentiels qui pourraient survenir sur le plateau Par exemple, le département de production établit souvent une couverture, un set de couverture, qui sert de lieu de tournage alternatif au cas où le plateau principal deviendrait inutilisable Si les intempéries perturbent la prise de vue en extérieur, un emplacement intérieur peut servir de réserve En outre, les cinéastes élaborent souvent un plan de couverture détaillant la manière dont une scène sera définie Une approche courante est la méthode de la scène principale, qui consiste à FIMI une scène dans son intégralité avec un plan blanc avant de capturer des plans plus serrés nécessaires plans plus serrés Cette stratégie garantit que, quels que soient les défis rencontrés pendant la production, le monteur disposera de suffisamment de matériel pour une version cohérente et continue Afin de poursuivre ce processus, la liste restreinte et le storyboard sont utilisés pour fournir une feuille de route visuelle qui guide le tournage et aide à maintenir la clarté tout au long de la production Donc, liste courte et storyboard. Tamara Davis souligne l' importance de la liste restreinte et du storyboard pour obtenir le meilleur aperçu du Elle explique qu'en se positionnant stratégiquement, elle peut identifier le plan du héros, qui devient le plan principal de la scène. Ces plans principaux guident notre mise en scène de l'action et blocage des acteurs afin maximiser l' attrait visuel du décor. planifiant soigneusement cet élément, le réalisateur peut s'assurer que le film capture les images les plus saisissantes possibles, jetant ainsi des bases solides pour le processus de tournage ultérieur Pour améliorer l'efficacité du décor, productions choisissent souvent de tourner d'abord un côté de la scène avant de le réviser pour l'autre Cette technique réduit le besoin de réglages fréquents de l' éclairage et de l'équipement, gagner un temps précieux lors de la production De plus, de nombreuses productions utilisent une deuxième unité, qui fonctionne de la même manière que la première unité ou se concentre sur des plans ou des spectacles spécifiques qui ne nécessitent pas le casting principal. Par exemple, une deuxième unité peut annuler une séquence d'action ne mettant en scène que des cascadeurs ou un plan marquant qui capture le décor sans la présence de personnages Dans certains cas, les productions peuvent utiliser plusieurs unités de tournage pour respecter un calendrier de tournage rigoureux. Par exemple, la charge des anneaux peut atteindre sept unités de tir au plus fort de leur production. Cette approche permet un processus de planification complet et méticuleux, garantissant que chaque jour de tournage est exécuté de manière efficiente et efficace Comme le fait remarquer Davis, le fait de compter sur un équipage d'unité complet pour les encarts mineurs, tels que les gros plans d'un livre, peut gaspiller des ressources. Au lieu de cela, en installant cette prise de vue dans un coin du plateau, la production peut rapidement capturer les détails essentiels sans interrompre le flux d' avant que les caméras ne commencent à tourner Ainsi, une fois qu'il est temps de se rendre sur les lieux et de procéder à la configuration, une quantité importante de travail effectuée sur le plateau avant que la caméra ne commence à tourner. En général, les membres de l'équipe arrivent bien avant les acteurs pour préparer le lieu et l' équipement de la première scène jour. Le département de prise joue un rôle crucial dans ce processus. Mise en place de tous les gréements nécessaires. Le gréement comprend tout équipement nécessaire pour supporter d'autres équipements, y compris les supports d'éclairage, les drapeaux, chariots photo et les grues Diriger ce département est un atout essentiel. Nous collaborons étroitement avec le directeur de la photographie pour assurer que l'éclairage est parfait pour chaque personnage de Key Grip Jake Rider souligne que les poignées sont impliquées dans tous les aspects du travail avec la caméra Précisant que chaque fois que la caméra est impliquée, des poignées sont également impliquées Et même avec l'éclairage, le véritable éclairage se trouve du côté de la poignée. Il explique que le département de préhension façonne et contrôle la lumière pour obtenir l'effet souhaité sur les cordes. photographie Jaron Lasky souligne donc également la créativité souvent négligée des poignées, soulignant leur capacité Il souligne que les solutions de truquage ne sont pas toujours simples. Les poignées doivent réfléchir à la manière de déplacer efficacement la caméra tout en veillant à ce que la qualité de l'éclairage et les angles correspondent au rôle du réalisateur. utilisateurs sont donc chargés de trouver des moyens innovants d'exécuter des configurations difficiles, qui les oblige souvent à sortir des sentiers battus Par exemple, une poignée peut avoir besoin de positionner une lampe de manière à éviter d'être visible sur une autre prise de vue ou d'ajuster son positionnement pour maintenir la qualité de lumière souhaitée à une distance donnée. niveau de créativité et de résolution de problèmes est essentiel au processus de réalisation d'un film, car il permet à la production d'atteindre ses objectifs artistiques tout en préservant l'efficacité du décor Sans le travail méticuleux du département des poignées, la qualité du produit final en souffrirait probablement Ainsi, dans le domaine de la prise en main, l'assistant à touches est considéré comme le meilleur point d'ébullition L'une de leurs principales responsabilités est d'organiser le camion de manutention, en veillant à ce que tout l'équipement nécessaire soit facilement accessible pour le spectacle. Il est important de noter qu'en raison règles syndicales et des protocoles de sécurité, le service des poignées ne défait aucun équipement électrique. Cette responsabilité incombe au service électrique. Le chef de ce département est le Gaper qui est chargé d'exécuter le plan d'éclairage développé en collaboration avec le keygrip et le directeur de la photographie photographie James Fred souligne le caractère collaboratif de la relation entre le directeur de la photographie et Gaper : il est crucial de collaborer avec le joueur plutôt que de s'appuyer sur un partenariat avec Gap plutôt que de s'appuyer sur un partenariat avec Gap collaborer avec le joueur plutôt que de s'appuyer sur un partenariat avec Gap, car le directeur de la photographie évoque souvent le ton émotionnel d' une scène et la qualité de lumière souhaitée qui devrait passer par une Le directeur de la photographie James Fred souligne le caractère collaboratif de la relation entre le directeur de la photographie et Gaper : il est crucial de collaborer avec le joueur plutôt que de s'appuyer sur un partenariat avec Gap, car le directeur de la photographie évoque souvent le ton émotionnel d' une scène et la qualité de lumière souhaitée qui devrait passer par une fenêtre. avec le gaper À son tour, le gapher est assisté par techniciens d'éclairage qui l'aident à configurer la lumière pour chaque Pourquoi le service de prise en main et service électrique travaillent ensemble pour garantir que les lumières et les lecture de la caméra sont correctement installés. Pendant ce temps, département artistique prépare le décor sous la supervision du concepteur de production qui gère les éléments esthétiques du film, notamment les décors, les accessoires, les costumes La docteure Tamara Davis souligne l'importance de cette préparation, notant que si un plateau n'est pas prêt ou si éléments tels que des fenêtres ou des meubles ne sont pas à leur place, cela peut avoir un impact significatif sur le temps de montage et éventuellement retarder le La collaboration fluide entre ces différents départements est essentielle pour maintenir le calendrier de production et obtenir le résultat visuel souhaité pour le film 7. Production - 2e partie: Costumes et maquillage. Ainsi, le jour du tournage, grande partie du travail des concepteurs de production est généralement terminée, ce qui permet au décorateur de réaliser sa vision en disposant les décorations et les accessoires sur tout le plateau L'une des principales responsabilités du décorateur est de maintenir la continuité d'une prise de vue à l'autre, en veillant à ce que le set soit uniforme au quotidien Bien que l'équipe arrive tôt pour s'installer, les acteurs ont également importants préparatifs à faire avant le début du film. Ils ont d'abord besoin de temps pour se coiffer et se maquiller, ce qui est géré par les coiffeurs et les maquilleurs, en fonction de la taille de la production L'assistant peut vous aider dans ces tâches. maquilleurs sont également chargés d'appliquer les prothèses nécessaires Bien que les applications particulièrement complexes puissent nécessiter l'expertise d'un maquilleur spécialisé dans les effets spéciaux. De plus, les acteurs doivent revêtir leurs costumes, qui sont fournis par le costumier. réalisatrice Tamara Davis souligne l'importance des costumes dans la performance d'un acteur, déclarant que si l'acteur enfile un costume et qu' n'a pas l'impression que le costume représente le personnage qu'il incarne, il va en être blessé Elle explique également que le bon costume peut transformer l'état d'esprit d'un acteur. Et puis il y a autre chose sur laquelle ils ont mis quelque chose, et tout d'un coup, c'est comme le personnage de cette tenue. Ce lien entre un acteur et son costume est essentiel pour renforcer la confiance en soi et améliorer les performances. préparation des costumes et du maquillage généralement lieu dans le camp de base, qui est la zone désignée où se trouvent les remorques pour les voitures, chef et la garde-robe ainsi que les divers bureaux de production. Cette organisation veille à ce que les acteurs soient parfaitement préparés et à l'aise avant de monter sur le plateau, prêts à donner vie à leurs personnages. Blocage et répétitions. Avant le début du tournage, les acteurs parcourent souvent une scène pour bloquer leur blocage. Permettre au département du sable et de la caméra de répéter à leurs côtés. Ce processus de répétition est crucial pour s'assurer que tous les éléments de la production sont synchronisés avant que la caméra ne commence à tourner Dans certains cas, le blocage peut être effectué par une deuxième équipe d'État qui imite les mouvements de la mer Cette pratique permet à l' équipe d'installer et d'envoyer des textos éclairage angus et au sable de la caméra sans que les acteurs principaux soient présents photographie Jaron Beleske explique qu'après avoir terminé Walsing la première équipe d' acteurs partira pour laisser la place à la deuxième équipe. C'est ce que le directeur de la photographie utilise pour éclairer pendant que les acteurs sont soit de retour dans la bande annonce, ce que le directeur de la photographie utilise pour éclairer pendant que les acteurs sont soit de retour dans la soit dans leurs chaises de casting, soit en train de fumer une cigarette, un en-cas ou quoi que ce soit d'autre de ce qu'ils aiment faire soit dans leurs chaises de casting, soit en train de fumer une cigarette, un en-cas ou train de fumer une cigarette, un Je note, en soulignant l'efficacité cette méthode apporte au processus de production, que si nécessaire, l'équipe de cascadeurs peut également avoir besoin de temps pour les répétitions, en particulier lorsque des cascades sont impliquées dans Ces répétitions sont essentielles pour garantir que toutes les actions peuvent être filmées de manière sûre et crédible L'équipe de cascadeurs pratique le mouvement et le timing de chaque cascade afin minimiser les risques et de s'assurer que la performance finale correspond à la vision du réalisateur Cette planification minutieuse permet des transitions plus fluides entre les scènes et garantit que le processus de tournage se déroule dans les délais impartis. En travaillant méticuleusement sur les blocages et les réutilisations, l'équipe de production prépare le terrain pour un tournage réussi où chaque élément est coordonné et prêt à être assemblé à l'écran La caméra tourne pour démarrer la scène. Une fois que les acteurs et l'équipe ont terminé leurs préparatifs, il est enfin temps de commencer à travailler sur une scène. Cependant, la capture d'une photo est bien plus complexe que le simple fait d'appuyer sur un bouton rouge de l'appareil photo. La plupart des studios hollywoodiens se conforment à des règles et à une étiquette spécifiques lorsqu'il s'agit d'enregistrer une scène Cependant, des variations existent lorsque tout est en place et prêt à fonctionner. L'assistant réalisateur ED annonce que le film est sorti et appelle au silence. OK, des photos de silence. Ensuite, le directeur exécutif donne l'ordre de déployer le son en rouleau, invitant le mixeur de son de production à démarrer Le mixeur répondra à vitesse du son pour confirmer que le son est capturé. Ensuite, l'annonce indiquera « caméra de ligne », ce qui indique au caméraman de commencer à filmer. L'opérateur réagit avec une vitesse indiquant que la caméra tourne. Une fois que la caméra tourne, la deuxième caméra assistante, également connue sous le nom de chargeur à clapets, fait entrer le clapet en coupant le cliché en lisant les informations de la scène et en marquant le t, disant quelque chose comme une scène à deux points Une fois le chargeur à clapets terminé, le caméraman effectue quelques minutes pour effectuer un léger ajustement afin de garantir un cadrage parfait Lorsqu'ils seront prêts, ils appelleront le cadre ou le set pour signaler que tout est en place. Si le SN inclut des figurants, l'AD annoncera BGrnd indiquant que ces acteurs peuvent commencer leurs actions Enfin, le réalisateur passe à l'action, démarrant officiellement la scène par une commande claire. Bon, c'est parti pour gérer l'action de Bagrand. Au fur et à mesure que l'action principale se déroule, il est crucial pour le réalisateur et Ed gérer efficacement la performance de Bagran action sur le terrain ou les activités des figurants de la scène doivent compléter les acteurs principaux sans détourner l'attention du récit principal. L'AD surveille les éléments supplémentaires pour s'assurer qu'ils sont synchronisés avec le ton et le rythme généraux de la scène. Fournissez-les, en les guidant pour améliorer la narration. Cette orchestration contribue à créer un environnement dynamique et immersif qui enrichit le film tout en permettant de se concentrer sur les performances principales. Ce faisant, le réalisateur peut conserver la profondeur émotionnelle et la cohérence visuelle du plan. Veiller à ce que chaque élément contribue à l'atmosphère souhaitée. La collaboration entre les acteurs principaux et l'équipe de production est essentielle pour créer une expérience cinématographique fluide et captivante En gérant soigneusement cette dynamique, les cinéastes peuvent capturer efficacement la magie de la narration devant la Ainsi, à la fin du tournage, le réalisateur appellera les flics pour signaler la fin d'une enquête. Ensuite, le réalisateur et d'autres créateurs clés passent généralement revue les images d' une zone désignée connue sous le nom de Video Village Cet espace est équipé de moniteurs et chaises confortables pour visionner les prises de vue. Cependant, certains réalisateurs préfèrent être juste derrière la caméra pendant le tournage, ce qui leur permet de rester en contact étroit avec leurs acteurs. Cet engagement direct peut favoriser un environnement plus immédiat et collaboratif, améliorant ainsi les performances globales et l'énergie d'une scène. Le directeur de la photographie DP peut choisir d'utiliser lui-même l'appareil photo. Cependant, la collaboration avec un caméraman qualifié sera extrêmement bénéfique. Era Biski, par exemple, note qu'il utilise généralement sa propre caméra, mais reconnaît que son expérience a évolué au fil temps. Lorsqu'il a travaillé sur la sorcière, le premier film d' Union qu'il a réalisé, il a dû avoir un opérateur, ce qui l'a poussé à s'adapter Il mentionne que même s'il a utilisé ce film, il s' est rendu compte par la suite de l'avantage de diriger la caméra : ce changement lui a permis diriger la caméra : ce changement lui a permis de visionner le film de manière globale plutôt que se laisser distraire par l'aspect technique de l' utilisation de Pour aider le caméraman, le premier appareil photo assistant First AC, également connu sous le nom d'extracteur de mise au point, joue un rôle crucial pour garantir que chaque prise de vue reste nette Cette responsabilité est vitale, car il est essentiel de rester concentré pour obtenir un produit final impeccable. Le premier système de climatisation aide également à tenir les étiquettes de raccordement de l'appareil photo, ce qui permet à l'opérateur d' économiser de l'énergie pendant les longues journées de tournage. Ce travail d'équipe entre l'opérateur et Focus rationalise non seulement le processus de tournage, mais contribue également à la qualité globale et cohérence du récit visuel Fonctionne avec le DIT. Lorsque nous tournons en production numérique, nous avons souvent l'assistance du technicien en imagerie numérique, DIT Le DIT joue un rôle essentiel dans le processus de réalisation d'un film en collaborant étroitement avec le directeur de l'autographie GP pour s'assurer que les réglages de la caméra correspondent à l'esthétique visuelle souhaitée par le de la Cette collaboration est essentielle pour obtenir l' apparence et le champ spécifiques que le réalisateur souhaite obtenir. En plus de régler les paramètres de la caméra, le DIT est chargé de superviser le téléchargement des séquences de la caméra vers la station Ce processus implique le transfert des données enregistrées de manière sûre et efficace, ce qui est essentiel pour maintenir l'intégrité des images. En gérant cet aspect de la production, le DIT s'assure que les données sont correctement préservées et qu'elles sont prêtes pour travail de post-production, mixeur de son. Pendant ce temps, le chef du département du sable, connu sous le nom de mélangeur à sable de production, est chargé de capter tout le sable nécessaire. Ce rôle implique de faire fonctionner l'enregistreur de son et prendre des décisions critiques quant à la manière de capturer efficacement le son pour celui-ci. Le mixeur de son de production coordonne divers éléments audio, notamment la configuration et la gestion des microphones Avilia directement connectés aux acteurs pour garantir un enregistrement clair des dialogues opérateur de la perche assiste le batteur solaire de production, dont la principale responsabilité est placer et de faire fonctionner les microphones de la perche. Cela implique de manœuvrer la perche qui permet au microphone de capter le mieux possible tout en restant hors du cadre de la caméra L'opérateur de la perche doit avoir une connaissance approfondie de la dynamique et du positionnement de la scène, afin de s'assurer que le microphone se trouve le plus près possible de la source solaire sans empiéter sur les visuels, c' la source solaire sans empiéter sur les est-à-dire sur le superviseur du script Au cours de cette scène, pourquoi l' équipage passe d'une prise à l'autre ? Les superviseurs de script jouent un rôle crucial dans le maintien de l'intégrité de la production. Ils gardent une trace minutieuse des parties du script qui ont été filmées et notent les modifications apportées Il est essentiel de porter attention à la continuité car ils signalent tout écart entre les deux, en veillant à ce que chaque détail s'aligne sur le déroulement de l'histoire Les notes du superviseur du script sont d'une valeur inestimable car elles sont partagées avec l'équipe de montage, elles lui permettent de parcourir des heures de séquences avec des instructions claires. Entre les prises, le réalisateur se concentre souvent sur la communication avec les acteurs, discutant de ce qui fonctionne bien et de ce qui pourrait devoir être ajusté. Cette interaction est essentielle pour favoriser la collaboration et la créativité sur le plateau. Cependant, chaque réalisateur a sa propre approche de ce processus, qui influence la façon dont il guide ses acteurs et façonne la performance globale. En maintenant des voies de communication ouvertes, réalisateurs peuvent s'assurer que la vision du film se concrétise efficacement grâce interprétations des acteurs et à l'heure des repas. Bien entendu, les acteurs et l'équipe ont besoin de manger, et la nourriture est généralement fournie par services de restauration et d'artisanat sur le plateau. Des pauses adéquates pour les repas sont cruciales. fait de ne pas laisser suffisamment de temps aux acteurs et à l'équipe pour manger peut entraîner des amendes connues sous le nom de pénalités de repas. Ce que l' équipe de production doit compenser. Ce règlement garantit que tout le monde reste plein d'énergie et concentré pendant les heures exigeantes du tournage Souligner l'importance d'une alimentation adéquate pour maintenir la productivité sur le plateau et pendant le déménagement En général, l'équipe filme tout ce dont elle a besoin au même endroit avant de passer à autre chose. Même si les scènes ne sont pas filmées dans l'ordre chronologique, cette approche permet d'économiser du temps et de l'argent car elle permet à l' équipe de production de maximiser l'utilisation du lieu. Une fois que l'équipe a terminé tous les plans nécessaires sur un site donné, exécute ce que l' on appelle « complet », c'est-à-dire qu'elle emballe son équipement et déménage sur le lieu qu'elle emballe son équipement et de tournage suivant Cette stratégie est essentielle pour rationaliser le processus de tournage et maintenir l'efficacité globale du calendrier de production Dernière prise de vue, dernière prise. Les deux derniers plans de la journée sur un plateau de tournage portent des noms spécifiques qui reflètent leur importance dans le calendrier de tournage. L'avant-dernier cliché, qui est l'avant-dernier set de la journée, est appelé Abe Singer Ce terme vient de la pratique qui consiste à demander la dernière dose avant de terminer la journée. Le dernier cliché. Le dernier shot, quant à lui, s' appelle le martini Ce terme désigne le dernier cliché pris lors du repas du jour, souvent célébré avec un sentiment d' accomplissement et de soulagement par le casting Ces noms désignés mettent en lumière la combinaison des œuvres d'art d'une journée dans le processus de réalisation d'un film Une fois la dose de Martini terminée, l'équipe et son collègue commencent à tout décomposer, ce qui implique de ranger le kit mensuel, ce qui implique de ranger le kit mensuel garer le matériel et de s'assurer les lieux restent tels qu'ils ont été trouvés Le délai entre la fin d'une journée de tournage et le début de la suivante est appelé délai d'exécution En raison de la réglementation syndicale, ce délai ne doit généralement pas être inférieur à 10 à 12 heures, ce qui laisse aux acteurs et à l'équipe suffisamment de temps pour se reposer et se préparer au travail du lendemain Un calendrier structuré est essentiel au maintien l'environnement et de l'efficacité de toutes les personnes impliquées dans la production. Au fur et à mesure que le tournage avance, le calendrier de production devra peut-être être ajusté si des retournages sont nécessaires Les retournages peuvent survenir pour diverses raisons, exemple la nécessité de refaire une scène pour plus de clarté ou d'ajouter de nouvelles scènes pour résoudre les problèmes liés à l'histoire identifiés lors du montage Dans certains cas, une nouvelle fin peut être thématique si projections de textes suscitent des réactions défavorables de la part du public Cependant, les retournages sont souvent coûteux et généralement évités à moins que cela ne soit absolument nécessaire pour atténuer ce risque, producteurs de l' enquête et les premiers assistants réalisateurs décèdent, nous prévoyons souvent un éventuel nouveau tournage en laissant une certaine flexibilité dans le budget et le calendrier Veiller à ce que la production puisse s'adapter selon besoins sans contraintes financières excessives. Les préservatifs, quel que soit le niveau d' implication d'une équipe dans la production, sont essentiels pour garantir un flux de travail fluide et une atmosphère positive sur le plateau afin de garantir un environnement de tournage réussi Il y a plusieurs règles essentielles de Tom à suivre. Avant tout, il est important de respecter les décisions du réalisateur. Comme leurs visions guident l'ensemble de la production, membres de l'équipe doivent éviter d'interférer avec le travail et l'équipement des autres départements, car cela peut entraîner des interruptions et des retards inutiles De plus, il est essentiel de réduire le niveau de bruit et de tenir compte de l'espace réservé aux acteurs, leur laisser le silence dont ils ont besoin pour préparer leurs performances est déconseillé de courir sur le plateau car cela peut créer un danger pour la sécurité et détourner l'attention du travail en cours En adhérant à ces principes de base, les membres de l'équipe peuvent contribuer à une atmosphère professionnelle qui favorise la collaboration et la créativité, aboutissant ainsi à une production plus réussie et à une réflexion plus fine La production peut souvent ressembler à une course effrénée vers la ligne d'arrivée. Rempli d'une énergie intense et d'innombrables pièces mobiles. Cependant, grâce à une planification minutieuse et à un équipage dévoué, cet ensemble ne doit pas nécessairement ressembler à la profondeur chaotique du cœur des ténèbres. Une équipe bien coordonnée peut faire face aux complexités de la femi en veillant à ce que tout fonctionne et que la vision créative prenne vie C'est tout pour le moment. C'est l'heure pour le cheval de dire « Cut ». 8. Postproduction partie 1: Dans notre leçon précédente, nous explorons la phase de production. Aujourd'hui, nous allons nous plonger dans la post-production où tout ce qui a été capturé ou mis en scène est réuni pour façonner le film final. Nous examinerons les étapes nécessaires à la finition d'un film qui contribueront au processus et la manière dont sable peut être affiné en post-production. Cette leçon fera référence à des professionnels renommés, dont l'éditeur Eddie Hamilton, designer de Sandy Mag Maginin et compositeur Rennie Bosco pour illustrer ce rôle essentiel post-production est l'étape où le produit final est fabriqué à partir des images capturées. Impliquant le montage d'images et de sons, ainsi que la création d'effets visuels. travail de post-production peut parfois commencer avant la fin de la phase de production. Par exemple, les monteurs peuvent commencer à découper des séquences pendant que le film est encore en cours de tournage, et les artistes d'effets visuels peuvent commencer à créer des éléments numériques à l'avance. Ce démarrage anticipé permet de rationaliser le flux de travail de post-production et de garantir que les éléments clés sont prêts une fois le tournage terminé. La durée de la post-production peut varier considérablement en fonction de la musique du film. Budget et taille de l'équipe. Des productions à grande échelle comme Avatar, the way of water ont nécessité des années de travail de post-production pour obtenir un effet visuel complexe. Bien que les petits films puissent parfois se terminer en quelques mois, les budgets limités se traduisent souvent par une réduction du nombre de membres de l'équipe, ce qui peut même prolonger le processus. Par exemple, il a fallu deux ans pour terminer le film Primer de Shane Carruth Micro Budget après le tournage Carruth ayant lui-même géré une grande partie du montage Les projections de texte peuvent avoir un impact supplémentaire sur la durée de la post-production Au cours de ces projections, les ébauches d' un film sont présentées au public pour évaluer ses réactions, et les commentaires peuvent mener à des modifications supplémentaires Titanic, par exemple, a subi des révisions après que les spectateurs aient jugé certaines scènes inutiles En fin de compte, le superviseur de la post-production est chargé de maintenir le processus dans les limites du budget et du calendrier, en veillant à ce que le produit final réponde à la vision du réalisateur tout en restant sur la bonne voie. Superviseur de poste. Eddie Amington, monteur chevronné, souligne le rôle crucial du superviseur de post-production, qui est le principal communicateur de Ghost . Cette personne fournit des mises à jour hebdomadaires sur divers aspects tels que la progression du montage du réalisateur, le calendrier du compositeur, la quantité d'ADR enregistrée, la durée du mixage sonore et le temps requis pour les versions en langue étrangère. En fin de compte, le directeur de poste veille à ce que tous les éléments soient alignés pour qu'un film soit terminé prêt pour sa date de sortie. post-production implique bien plus que l'assemblage du plan à partir de la production. C'est la phase au cours de laquelle un film prend réellement forme, apportant souvent des significations nouvelles et inattendues C'est à ce stade que des changements majeurs peuvent remodeler l'histoire, en apportant profondeur et clarté au En général, le processus commence par le montage photo duquel la structure et le rythme du film commencent à se cristalliser, jetant ainsi les bases des étapes suivantes, telles que le son, la musique et les effets visuels Retouche d'image. Le montage photo est indispensable pour terminer un film et ce groupe de travail essentiel au monteur Eddie Amilton, un monteur de films bien connu, explique ce processus en expliquant que son travail consiste à regarder toutes les séquences, lire le script et à travailler en étroite collaboration avec le réalisateur pour créer la meilleure histoire qui existe parmi les séquences Selon Amilton, il ne s'agit pas du contenu du scénario ou de ce que le réalisateur avait l'intention de capturer L'histoire finale émerge plutôt des images brutes disponibles, façonnées et affinées pour offrir le récit le plus fort possible. Le maintien de séquences sécurisées et organisées est également essentiel en post-production. De nombreux éditeurs professionnels s'appuient sur un ensemble rouge redondant de disques indépendants Cette technologie permet de créer plusieurs disques pour garantir redondance des données et améliorer performances dans un environnement de post-production à grande échelle systèmes de stockage centralisés tels que réseau de stockage SNS permettent à plusieurs membres de l'équipe d'accéder aux fichiers simultanément sans sacrifier la vitesse, ce qui est crucial pour les projets complexes comportant nombreuses pièces mobiles un rôle clé ici en aidant à ingérer des fichiers et des métadonnées tels que des numéros courts et textuels et à maintenir l'organisation du projet, permettant ainsi un flux de travail fluide pour toute l'équipe Eddie Aminton, monteur de films, souligne donc le rôle indispensable de ses assistants monteurs, affirmant que ce n'est pas sans eux. Il explique que les monteurs adjoints effectuent de nombreuses tâches pour préparer les séquences, en veillant à ce que tout soit organisé et prêt, afin de pouvoir se concentrer sur le travail principal du montage . À partir de ce stade, le monteur commence à reconstituer le film, en sélectionnant soigneusement les prises en fonction de facteurs tels que la performance, la cinématographie, le flux narratif Bien que chaque éditeur puisse avoir une approche unique, les options logicielles les plus populaires incluent Avid et Adobe Premiere Pro, qui permettent tous deux un montage non linéaire, où les grottes numériques peuvent être réorganisées sans modifier le métrage original montage numérique est devenu la norme de l'industrie, même pour les films, initialement courts sur film physique. Traditionnellement, les monteurs découpaient manuellement une copie du négatif du film, que l' on appelle une œuvre, généralement un système de montage à plat Aujourd'hui, la plupart des courts métrages sur celluloïd sont numérisés pour créer un intermédiaire numérique, préservant ainsi le film physique tout en garantissant une précision numérique Le processus de montage commence généralement par l'assemblage du culte, au cours duquel le monteur et le réalisateur passent en revue toutes les séquences, sélectionnent le texte préféré et les organisent dans un ordre général. Ce culte initial jette les bases d'un raffinement ultérieur, permettant à l'équipe d'évaluer la structure et le déroulement de l'histoire avant de passer à des étapes de montage plus détaillées. Le monteur Eddie Amington explique que, comme toute première ébauche, montage initial d'un film est souvent assez approximatif, mais cela fait simplement partie du processus de création Tu dois juste noter quelque chose dans la chronologie. Il note qu'il souligne que peu importe que ce soit bon ou mauvais au départ. L'important est de terminer la première version. À partir de là, le véritable travail commence lorsque l'éditeur affine et améliore le cordon, transformant en une pièce polie Le monteur affine ensuite la séquence, élaborant un rythme plus intentionnel, et Au sein de chaque scène, menant à ce que l'on appelle le rough cut. Nest est la corde fine, où d'autres ajustements sont apportés pour améliorer la fluidité et l'impact émotionnel du film, le rapprochant ainsi de la version finale, la corde fine. Lors de la découpe fine, décisions d'édition deviennent beaucoup plus précises et se résument souvent à des images individuelles. EJ Aminton décrit cette étape comme une étape qui implique des semaines et des semaines, des mois et des mois , puis des années de lecture du film Il souligne la recherche incessante de l'amélioration, posant des questions telles que : est-ce que cela peut être mieux ? Et est-ce parfait ? Chaque jour, les monteurs passent au crible chaque moment du film. Évaluation des livraisons en ligne et exploration plusieurs versions pour trouver l'univers qui résonne le plus émotionnellement pour chaque scène Ce niveau de détail reflète l'engagement et le perfectionnisme dont les monteurs font preuve dans leur travail Tu le vis et tu le respires. Amilton affirme souligner à quel point les monteurs sont profondément immergés dans le processus de réalisation d'un film alors qu'ils s'efforcent de créer la meilleure version possible Journal d'images. Une fois que le monteur, réalisateur et le producteur sont satisfaits du montage, ils atteignent le stade du film. Une fois cette étape franchie, l'éditeur crée une liste de décisions d' édition, EDL, qui est un document contenant du code temporel et des chiffres courts. Cette liste facilite le réédition et garantit que le film peut être évalué sur différentes plateformes si nécessaire. Une fois le découpage finalisé, il est temps de se concentrer sur un travail visuel supplémentaire. Il est important de noter que les séquences filmées sur le plateau ressemblent vraiment au produit final que le public pourra voir. Pour obtenir l' aspect raffiné d'un film fini, plusieurs équipes de post-production se consacrent à affiner et à modifier l'image finale. Ces équipes travaillent sur divers aspects, notamment l' étalonnage des couleurs, les effets visuels et d'autres améliorations pour s'assurer que le film répond à la vision artistique souhaitée. Avant qu'elle ne soit mise à la disposition du public, peaufinage et perfectionnement de l'image finale, VFX Le département des effets visuels et des effets visuels est l'une des plus grandes équipes impliquées dans le raffinement et le perfectionnement de l'image finale le L'effet visuel englobe toute image créée ou manipulée qui n'a pas été capturée pendant le tournage en direct Adam Vardes, superviseur des effets visuels , explique la nature diversifiée de ce travail Déclarant. Tu sais, ça se répand un peu partout. Certains effets sont invincibles et vous ne savez pas vraiment que nous avons fait autre chose que des choses vraiment dramatiques. L'équipe des effets visuels est guidée par le superviseur des effets visuels, qui joue un rôle crucial dans la gestion du projet Daniel Kramer, superviseur des effets visuels chez Image World, décrit ses responsabilités responsable du projet concernant tous les effets visuels que nous finissons par créer, mais je ne suis pas nécessairement le dernier mot. De toute évidence, le réalisateur a l'autorité suprême, même titre que les directeurs artistiques et autres, mais notre travail consiste à mettre en œuvre leur vision. Cette approche collaborative garantit que l'effet visuel correspond parfaitement à l'intention du réalisateur améliore la narration globale du film 9. Postproduction partie 2: Les œuvres d'effets visuels en images de synthèse peuvent être classées en trois domaines principaux : les images de synthèse, la composition et la capture de mouvement. synthèse ou générées par ordinateur Les images de synthèse ou générées par ordinateur font référence à des visuels entièrement créés par la technologie informatique ce qui permet de créer des scènes complexes et imaginatives qui peuvent être difficiles, voire impossibles à capturer sur film La composition, quant à elle, consiste à combiner plusieurs images dans un seul cadre, ce qui inclut techniques telles que le travail sur écran bleu et vert Ainsi que l'intégration d' effets spéciaux, de miniatures, etc. enregistrés séparément . La capture de mouvement est un autre aspect essentiel de l'effet visuel. Similaire à la technique de rotoscopie. Lors de la capture de mouvements, les artistes utilisent séquences d'action en direct pour informer et créer des images de synthèse réalistes Ce processus commence généralement par l'enregistrement des séquences pendant la phase de production, qui est ensuite affiné et développé en post-production pour produire des mouvements et des interactions réalistes dans l'effet visuel final Ensemble, ces techniques contribuent à la qualité immersive du cinéma moderne, permettant aux créateurs de créer des récits visuels époustouflants. Étalonnage des couleurs La coloration est un élément essentiel du processus de post-production. Ajoutez de la profondeur et de l'atmosphère au résultat visuel final. Avant qu'un coloriste ne commence son travail, données de la chronologie d'édition à un processus appelé « mise en Ces étapes consistent à remplacer séquences proxy de qualité inférieure utilisées lors du montage par les séquences originales de meilleure qualité afin de garantir la meilleure image possible pour l'étalonnage des couleurs Le processus de mise en conformité peut varier d'un projet à l'autre, mais il est essentiel pour préserver l'intégrité visuelle des produits finaux La plupart des coloristes modernes utilisent Dave Scene Resolve, un logiciel populaire dans le secteur qui permet d' obtenir un étalonnage des couleurs précis et cohérent Généralement, les coloristes collaborent étroitement avec le réalisateur et le directeur la photographie, qui fournissent des informations sur le champ visuel qu'ils envisagent photographie John D Bowman a décrit le rôle du directeur de la photographie dans l'étalonnage des couleurs, expliquant qu'il peut y avoir un aspect spécifique qu'il cherche à obtenir qui n'est pas totalement apparent lors Ce look final, qui façonne l'ambiance générale et la continuité, est souvent développé et affiné au stade de la coloration pour créer une esthétique coercitive qui donne vie à la vision du réalisateur Un coloriste exécute plusieurs tâches clés pour donner vie au visuel d'un film La première étape est la correction des couleurs, laquelle le coloriste s'efforce de représenter les couleurs avec précision et d'assurer la continuité visuelle d'une prise de vue à l' Cela implique d'ajuster des éléments tels que la balance des blancs, l'exposition et le teint pour maintenir la cohérence tout au long du film. Une fois la séquence corrigée, le coloriste peut appliquer une grande partie de la table de recherche, un préréglage qui modifie l'espace colorimétrique de la séquence pour obtenir un aspect un préréglage qui modifie l'espace colorimétrique de la séquence pour obtenir un Les lots sont souvent conçus en collaboration par le coloriste et le directeur de la photographie DP et peuvent même être développés avant la post-production, ce qui permet au directeur de la photographie de visualiser le schéma de couleurs souhaité pendant le tournage Après avoir appliqué le lot, le coloriste passe à la phase d'étalonnage des couleurs, qui consiste à dimensionner les séquences de manière créative afin de créer l'ambiance souhaitée pour chacune d'entre elles étalonnage des couleurs permet à l'équipe de faire des choix artistiques qui mettent en valeur la pierre narrative, évoquent des émotions particulières l' atmosphère de l' histoire Pour les films tournés sur pellicule, le processus de coloration peut également inclure différentes techniques de traitement du film et des barres chimiques, telles que lixiviation pendant le développement réel Cette attention particulière portée à la manipulation des couleurs est essentielle créer une expérience cinématographique visuelle convaincante et coercitive, le motion graphics aspect crucial graphiques, qui incluent les titres, les crédits et les animations de base, constituent un autre aspect crucial des visuels de post-production titres, les crédits et les animations de base, constituent un autre En général, conçus dans un logiciel tel qu'After Effect, animations graphiques ajoutent une couche dynamique au film, en mettant visuellement en valeur les thèmes ou les informations clés. Cet élément améliore la narration en mettant en valeur des titres importants ou en ajoutant touches stylistiques qui résonnent avec la pierre angulaire du film et la conception sonore visuelle Le son est un élément crucial de la narration d'un film, nécessitant autant de soin et de précision que les éléments visuels En post-production, le processus sonore est dirigé par le monteur sonore superviseur qui supervise la création d'un paysage sonore coercitif et Ce rôle consiste à orchestrer les différentes composantes du montage sonore et conception afin de s'aligner sur la vision du réalisateur et de maintenir le projet sur la bonne voie Grâce au son, les cinéastes peuvent mettre en valeur les émotions, améliorer la narration et créer une atmosphère immersive qui attire public et le fait pénétrer plus profondément dans l'univers du film Mark Margini, monteur sonore superviseur renommé, explique que le rôle repose compréhension et l'interprétation de l'esthétique auditive du film Il souligne l'importance d'une communication claire avec le cinéaste pour définir la sensation et le ton souhaités du son du film. Mon travail consiste à interpréter cette esthétique et à guider son équipe en conséquence, en sélectionnant le son et les éléments audio conçus qui incarnent cette vision En traduisant ces idées abstraites en choix auditifs spécifiques, le monteur sonore superviseur contribue à créer un paysage sonore qui complète et amplifie l'impulsion émotionnelle du film . Montage sonore Le processus sonore de post-production comprend plusieurs étapes clés, chacune contribuant à l'impact auditif d'un film La force de tout cela réside dans le montage sonore, où les pistes audio sont méticuleusement assemblées dialogues sont nettoyés et arrangés les effets sonores nécessaires sont ajoutés pour donner vie aux scènes. Dans de nombreux cas, le son existant doit être amélioré, ce qui nécessite la création et l'enregistrement de sons supplémentaires. Cette responsabilité incombe généralement au concepteur sonore. Son expertise réside dans la création de sons uniques qui ajoutent de la profondeur et de l'atmosphère. Leur travail est essentiel pour rendre les scènes réelles et captivantes, jetant ainsi les bases auditives du mixage sonore final Mark Maginin, un éminent monteur sonore superviseur, remarque que les rôles des concepteurs sonores et des monteurs de sable superviseurs se chevauchent souvent Cependant, l'objectif principal d'un concepteur sonore est de créer un son qui n' existe pas dans le monde réel. Il s'agit d'éléments audio imaginatifs et abstraits que vous ne pouvez pas simplement enregistrer sur le plateau ou en source à partir d'une bibliothèque d' effets sonores standard La créativité des concepteurs sonores leur permet d'investir pour inventer paysages sonores uniques, du rôle de créatures mythiques à la technologie futuriste, qui enrichissent le récit d' un film et transportent le public dans un nouveau monde récit d' un film et transportent le public dans Une autre étape essentielle de la post-production sonore est l'ADR ou le remplacement automatique des dialogues. Ce processus implique que les acteurs réenregistrent leur dialogue pour remplacer le son qui aurait pu être compromis pendant le tournage en raison d'un bruit de fond excessif ou de problèmes techniques. Bien que l'ADR puisse être crucial, Margin explique que l'objectif est souvent de préserver autant de son original que possible. Lui et son équipe s'efforcent de nettoyer électroniquement ce qu'il appelle le système audio de production jetty Qui peut contenir des sons ambiants adaptés au réalisme depuis. Cette approche minutieuse visant à préserver le son original permet de préserver l'authenticité et de garantir que les performances sont conformes à la livraison originale de l'acteur. Le processus ADL, qui implique le réenregistrement du dialogue, est géré par l'éditeur ADL. Et dans la mesure où des voix de fond supplémentaires sont nécessaires, un groupe en boucle, une équipe d'acteurs spécialisés dans le bruit de la foule, peut être utilisé pour créer une ambiance d'ambiance, créant ainsi l'illusion de grands rassemblements ou de lieux très fréquentés Dubin peut également être requis pour la distribution à l'étranger, permettant aux acteurs d' enregistrer les dialogues dans d'autres langues afin de rendre le film accessible au public mondial Pour obtenir des effets qui ne peuvent pas être obtenus à partir de bibliothèques sonores, les artistes se produisent entièrement en direct pour créer du sable personnalisé qui rehausse le réalisme de la scène, qu'il s' agisse de pas de pas sur le gravier ou de bruissements de vêtements Outre le dialogue et les effets, la musique joue un rôle essentiel dans le paysage sonore de la post-production. Le compositeur est chargé écrire et d'orchestrer la musique du film, en étroite collaboration avec le réalisateur pour aligner la musique sur la partie émotionnelle de l' histoire. Le processus consiste à créer des objets et des motifs qui renforcent les arts des personnages et le développement de l'intrigue Le partage de la partition correspond à la vision du réalisateur. Une musique bien composée peut considérablement influencer l'impact du film, guidant subtilement les émotions du public et en enrichissant l'expérience du spectateur . Le compositeur Rennie Boccio décrit le rôle d' un compositeur comme étant similaire à celui d'un chef de département En tant que responsable de la partition musicale, le compositeur coordonne avec les réalisateurs, les producteurs et les sous-traitants nécessaires pour exécuter la vision de la VM pour la partition originale Cette responsabilité globale inclut tout, des discussions initiales sur le ton musical à l'enregistrement final et au mixage de la partition. Le travail du compositeur est essentiel pour permettre à l' expérience auditive du film d' atteindre son plein potentiel, compléter le visuel et d' ajouter de la profondeur à l' Les compositeurs jouent également souvent le rôle de chef d'orchestre, guidant les musiciens tout au long du processus d'enregistrement afin de s'assurer que leur partition est réalisée avec précision. Cependant, ce double rôle n'est pas toujours le cas. Le compositeur Rennie Busch a fait remarquer que de nombreux compositeurs préfèrent rester dans la cabine d'enregistrement pendant les sessions, ce qui leur permet d' écouter la musique en contexte avec le reste de l'élément de production Cette perspective leur a permis d' agir en quelque sorte comme des producteurs, écoutant l'enregistrement dans son intégralité et en apportant les ajustements nécessaires. Dans de tels cas, un chef d'orchestre distinct peut être engagé pour assurer la direction musicale, qui permet au compositeur de se concentrer sur une expérience auditive plus large Le superviseur musical joue un rôle distinct dans la post-production chargé de sélectionner et sécuriser les chansons existantes pour le film. Ils sont souvent impliqués tôt dans le cor, réfléchissent à des pistes potentielles chercher des chansons et présentent des idées de chansons au réalisateur pour améliorer des scènes ou des mouvements spécifiques Dans certains cas, si un réalisateur a déjà choisi de jouer des chansons lors du montage, le superviseur musical se concentre sur la nécessaires et sur la gestion des frais de licence pour chaque morceau. Ce rôle crucial garantit que toute musique préexistante est légalement sécurisée et parfaitement intégrée dans le film, contribuant ainsi à sa résonance émotionnelle et thématique. Poster, un superviseur musical bien connu, collabore étroitement avec le réalisateur Wes Anderson pour créer et effacer le moment emblématique où des chansons sont utilisées intentionnellement pour impact dramatique dans les films d' Anderson. L'éditeur musical sert pont entre le réalisateur, le compositeur, le superviseur musical et le monteur, en veillant à ce que toutes les parties restent d'accord sur les exigences de la vision musicale et sur le timing de chacune d'entre elles. Selon le compositeur Rennie Boucher, éditeurs musicaux sont techniquement embauchés par l'équipe de production et font partie de la guilde éditoriale Cependant, en raison de l'étroite collaboration requise, compositeurs font souvent appel leurs propres éditeurs musicaux de confiance pour le projet valorisant le rapport établi et compréhension qui améliorent leur travail créatif avec tous les éléments sonores en place, le projet passe la phase de mixage où le mixeur prend le relais Cette étape est cruciale pour équilibrer les niveaux audio et préparer la bande son en vue de sa distribution sur différents formats. Le mixeur d'enregistrement fonctionne pour obtenir le mélange parfait de dialogue, musique et d'effets, en veillant à ce que chaque composant soit complémentaire des autres. Le mélange est particulièrement complexe dans les films. Avec des paysages sonores riches ou nombreuses couches d'effets sonores même de légers ajustements peuvent faire une différence significative dans la façon dont le public perçoit l'environnement audio du film Le mixage de films très complexes tels que Don, Late Runner ou Madmax exige une habileté et une attention aux détails extraordinaires Comme le décrit Mark Margini, monteur sonore superviseur, ce projet peut impliquer des milliers de canaux audio individuels Parfois, jusqu'à 2002 ou 3 000, qu' il faut unifier dans une bande son cohérente et immersive Ce processus minutieux est généralement effectué dans des outils professionnels et des logiciels standard, où le mixeur ajuste et superpose chaque son Le mixage final garantit au public une expérience auditive claire, engageante et puissante Améliore la narration visuelle du film. Le travail du mixeur repose en grande partie sur des outils tels que les QI, égaliseurs pour ajuster des fréquences sonores spécifiques, garantissant ainsi que le dialogue, les effets sonores et la musique s'intègrent parfaitement sans être Gestion de la plage dynamique Le contraste entre le son le plus fort et le plus faible est également essentiel En faisant appel à un compositeur, le mixeur peut réduire cette différence en rendant le son plus faible plus audible, en rendant le son plus faible plus audible tandis qu'un extenseur peut élargir la gamme et mettre en valeur les nuances subtiles phase de mixage équilibre la précision scientifique avec perspicacité artistique, car le mixeur affine chaque couche sonore pour améliorer la narration du film Une partie essentielle du travail du mixeur s'assurer que le son est bien traduit sur les différentes plateformes de visionnage, qu'il s'agisse de salles de cinéma, de téléviseurs ou de téléphones portables. Pour ce faire, le mixeur collabore étroitement avec le réalisateur, peaufinant les scènes pour les aligner sur vision du réalisateur tout en préparant des mixages qui sonnent de manière cohérente dans les différents environnements Cela implique souvent de créer plusieurs versions, telles que des mixages sonores stéréo et adaptés aux besoins spécifiques de chaque format. En fournissant plusieurs mixages optimisés, le mixeur garantit que le son du film reste percutant, quel que soit le lieu ou la manière dont le public le perçoit. Finale. La production peut vraiment faire ou défaire un film, même si les meilleurs scénarios, performances ou courts métrages l'expertise de l'équipe de post-production, le bon montage, les décisions en matière d' étalonnage des couleurs ou le choix d'une aiguille soigneusement choisie peuvent transformer une bonne scène en un moment inoubliable qui trouve un écho auprès Il s'agit d'un équilibre délicat où chaque choix compte et où la collaboration entre les différents départements est essentielle pour élaborer la vision finale du film Compte tenu des nombreux éléments mobiles impliqués dans la post-production, une planification et une organisation minutieuses sont essentielles pour garantir le bon déroulement du projet Chaque phase nécessite une attention aux détails et une communication claire entre les membres de l'équipe afin d'éviter les pièges potentiels et de préserver l'intégrité de la vision du film En donnant la priorité à cet aspect, les cinéastes peuvent naviguer efficacement dans le paysage de la post-production, laissant ainsi leur flux de travail créatif transparaître dans sa forme finale 10. Vendre votre film - 1ère partie: Bon retour. Ce cours mystifie l'ensemble du processus de réalisation d' un film professionnel Dans notre leçon précédente, nous avons abordé la post-production, et aujourd'hui nous allons voir comment le produit fini atteint un public cible. Nous examinerons donc les stratégies que les cinéastes peuvent utiliser pour maximiser le nombre de spectateurs et discuterons des nuances du marketing et de la Je m'inspire donc de l'avis de David Edward, directeur chevronné du marketing cinématographique et de l' artiste indépendant Eric Rice. Mark Marketing joue un rôle crucial dans le succès commercial d'un film. Compte tenu du coût de production élevé, un marketing efficace est donc essentiel pour garantir qu'un film puisse rentabiliser son investissement Ainsi, sans cela, même un film bien conçu peut avoir du mal à atteindre le public, ce qui rend difficile la réussite financière. Le marketing combine donc une variété de stratégies visant à accroître la notoriété et l'intérêt, aidant à garantir la place d'un film dans le flux de divertissement compétitif. David, Edward donne un aperçu de la portée du marketing. Je l'ai décrit comme un piège de tous les temps qu'il peut être difficile de définir Un bon ami à moi a dit un jour personne ne sait ce que c'est, et c'est pourquoi on l' appelle marketing. Edward explique donc en soulignant la nature générale du film. Dans le contexte des films, marketing consiste à sensibiliser le public à un film, susciter son intérêt et, idéalement motiver à dire que c'est là qu' un film passe d'une œuvre d'art autonome à une culture largement accessible Une campagne marketing réussie est donc essentielle pour susciter l' anticipation et s'assurer qu'elle touche le plus large public possible. Cela implique donc de cibler des groupes démographiques spécifiques et de susciter de l'intérêt, ce qui peut s'avérer coûteux. C'est pourquoi la plupart des projets de films allouent une part importante de leur budget au marketing, connu sous le nom de presse et de publicité, P et E. Le budget des grandes productions en studio est différent. Ainsi, par exemple, le budget marketing représente souvent 50 % du coût de production du film. Ainsi, dans certains cas, les dépenses publicitaires peuvent dépasser le coût de production lui-même. film oral get out, dont le budget de production était d'environ 4,5 millions de dollars, aurait dépensé plus de 30 millions de dollars rien qu'en marketing, en est un excellent exemple dont le budget de production était d'environ 4,5 millions de dollars, aurait dépensé plus de 30 millions de dollars rien qu'en marketing, aurait dépensé plus de 30 millions de dollars rien L'investissement a donc porté ses fruits puisqu'un film a engrangé plus de 255 millions de dollars dans le monde entier, démontrant ainsi la valeur d' une stratégie marketing efficace Ainsi, la phase de commercialisation est généralement supervisée par directeur marketing d'un studio ou d'un distributeur, le CMO Ou président du marketing. Quelle vision guide la campagne ? Ces leaders collaborent donc avec un responsable marketing qui doit être capable d' identifier le public cible et de développer une stratégie sur mesure pour l'atteindre. Les responsables marketing travaillent donc souvent aux côtés d'assistants marketing, et ils peuvent également faire appel à des agences de publicité pour obtenir une expertise spécialisée et des ressources supplémentaires. Cette collaboration garantit une campagne cohérente qui correspond objectif du film et atteint efficacement le public visé. Les stratégies de marketing des films sont donc très importantes. Il faut donc s'adapter au type et au budget du film. domaine du marketing est donc en constante évolution, en particulier avec l'essor des médias numériques où marketing viral peut transformer un film en une sensation du jour au lendemain. Explorons maintenant les différents types de marketing, des campagnes traditionnelles imprimées et télévisées aux campagnes numériques qui tirent parti réseaux sociaux et des plateformes en ligne, des types de marketing. marketing efficace repose sur une combinaison de stratégies couvrant plusieurs flux multimédias, souvent classés comme payants, rémunérés et sur les médias. Chaque type joue donc un rôle unique dans la sensibilisation et l'anticipation. Les médias payants impliquent des publicités directes, telles que des bandes-annonces, des spots du Super Bowl, des panneaux d'affichage ou des bancs de bus, dans lesquelles l'équipe marketing investit dans des espaces spécifiques Bid Media garantit donc une portée garantie en achetant des impressions ou des visionnages de vidéos, ce qui en fait un outil essentiel pour présenter un film à un public cible de manière fiable et mesurable. David Edward développe donc le concept en expliquant que les médias payants impliquent l' achat d'un espace artistique défini et d'impressions Cela peut aller d'un investissement difficile à grande échelle, comme une publicité pour le Super Bowl, à un investissement plus modeste, comme boost sur les réseaux sociaux qui promeut les bandes-annonces et les publie directement auprès du public cible. Les médias payants permettent donc au public de voir fréquemment ces messages, ce qui public de voir fréquemment ces messages la présence d'un film et suscite intérêt précoce susceptible de prendre de l' ampleur à l'approche de la date de sortie. Donc, les médias. Et les médias impliquent du contenu créé grâce au bouche-à-oreille ou à des sources tierces, notamment des critiques, des réactions sur les réseaux sociaux et des articles de presse. Ainsi, bien que l' équipe marketing puisse influencer et médiatiser en élaborant des campagnes engageantes, entre autres choses, elle dépend en fin réponse du public et elle n'est pas totalement contrôlable Ce type de média a une valeur significative car il est plus organique pour le public et peut susciter véritable engouement et une véritable confiance autour du film. Comme David Edward l'a décrit, les médias sont un phénomène qui devient souvent viral au fur qui devient souvent viral au et à mesure des commentaires sociaux Lorsque les gens trouvent de la valeur dans un contenu, ils le partagent naturellement. Entamer la conversation et élargir la portée, idéalement, cela donne lieu à des gros titres et à des discussions qui améliorent la visibilité du film, alimentés par l' intérêt du public, plutôt que des efforts rémunérés sur des médias détenus. Cela fait référence à moyens promotionnels directement contrôlés par Studio, tire parti des ressources internes pour Par exemple, Disney peut utiliser son réseau ABC pour couvrir un film Marvel bénéficiant d'une publicité interne sans frais supplémentaires. Une telle synergie au sein du conglomérat permet donc à un studio de toucher large public par le biais des médias, augmentant ainsi sa visibilité avec un minimum de dépenses David Edward met donc l'accent sur ce point. Valeur des réseaux sociaux contrôlés par le studio en tant que médias détenus. Par exemple, la chaîne TikTok d'un studio peut atteindre des millions de personnes sans œuvres d'art payantes Cependant, engagez les fans en partageant des avant-premières, des interviews ou du contenu promotionnel exclusifs des interviews ou du contenu promotionnel Les studios tels que Disney, qui regroupent plusieurs médias peuvent utiliser ces ressources de manière stratégique pour amplifier la présence d'un film Leurs propres plateformes, créant une boucle de visibilité et d' interaction avec le public. De plus, les médias détenus incluent souvent du contenu généré sur le plateau, comme des interviews et des vidéos des coulisses du BTS, qui sont gérés par le dossier de presse électronique, le producteur du dossier de presse électronique de l' EPQ Travaillant donc en étroite collaboration avec le responsable marketing, l'EPK a produit un excellent dossier de presse essentiel. Ainsi, en coordonnant directement avec l'assistant pour placer les caméras BTS de manière stratégique sur le plateau, cette planification minutieuse indique quelle bibliothèque de contenu peut être lue à des fins d'utilisation par la presse et d'engagement du public, alimentant ainsi la campagne marketing de la production à Bande-annonce. La bande annonce créée par un éditeur de bandes-annonces spécialisé est essentielle pour susciter l'intérêt du public. Donc, capturer le ton d'un film. Les personnages sont des livres uniques qui donnent envie aux spectateurs d'en savoir plus. Une bande annonce bien conçue met donc en lumière ce qui distingue le film et taquine le scénario sans trop en donner trop. Pour les films très attendus, studios peuvent publier un teaser avant la bande annonce pour donner de l'élan Shutter TV Sports joue également un rôle dans la création d' integuw sur toutes les plateformes Parallèlement à cette ressource vidéo. Une campagne marketing repose sur visuels convaincants et coercitifs, collectivement appelés Keyhart, qui aident à communiquer l'identité du film et à attirer l' attention par le biais d'affiches, de panneaux d'affichage et de plateformes panneaux d'affichage artiste clé de Keyhart Eric Re, artiste clé de Keyhart, décrit l'art clé comme l'histoire du film distillée en une seule image captivante destinée à trouver un écho auprès spectateurs d'une manière qui les incite à Maintenant, c'est logique. Cette synthèse des essais du film prend vie au moyen d'affiches, de panneaux d' affichage, d'annonces publicitaires et de ressources numériques telles que des bannières et des publications sur les réseaux sociaux Cette pièce sert donc de point de contact entre le public et l' ambiance du film et le message autour d'un verre. Élément central de cette stratégie visuelle, l'affiche est conçue par un concepteur d'affiches. Graphiste, bien que traditionnellement associé aux affiches de films physiques à l'ère numérique, l'affiche a évolué au-delà des supports imprimés. Comme le note Eric R, il s'agit désormais de créer une œuvre d'art qui ne se contente pas d'attirer ou d'attirer les spectateurs . Mais cela pourrait même devenir quelque chose qu'ils veulent afficher. Ainsi, avec le streaming, le violet de Key Heart a encore évolué Au lieu d'être simplement une pièce qui pourrait être accrochée à un meuble mural Pista, l'affiche moderne vise à couper les hauts et à grandir à l'infini Il faut donc que ce soit une œuvre qui attire l'attention instantanément. vues qui transforment l'art statique en invitation interactive. Ainsi, comme une bande-annonce, une affiche de film doit transmettre le thème du film et mettre en lumière les raisons impérieuses pour lesquelles le public le dit. Comme l'a dit Eric Re, l' affiche doit raconter l'histoire d'un film ou, à tout le moins, attirer l'attention. Souvent, une affiche présente un acteur populaire première intrigante parfois ou le nom d'un cinéaste de renom Si un film a reçu éloges de la critique ou a remporté le prix Firstv, ces succès peuvent également être sur l'affiche pour renforcer Dans le contexte actuel, les équipes marketing efficaces ont besoin solides compétences en marketing numérique. La plupart des films acquièrent une présence en ligne significative avant leur sortie, notamment sur des comptes de réseaux sociaux et des sites Web dédiés. L'objectif est donc de susciter le bouche-à-oreille, de diffuser du contenu attrayant dans les coulisses et d'amplifier les lancements de teaser et Ainsi, cette stratégie en ligne permet non seulement d'attirer des spectateurs potentiels, mais aussi de créer une attente constante avant la première du film 11. Vendre votre film Partie2: Marketing sur les réseaux sociaux. Différentes plateformes de marketing sur les réseaux sociaux répondent à différents types de contenus, chacune jouant un rôle unique dans marketing des films, comme Instagram, par exemple, est idéal pour partager images visuellement saisissantes capturées par le photographe des photos de l'unité qui est engagé pour prendre des images de haute qualité de scènes sur le Ces photos donnent aux fans un premier aperçu de l' esthétique vedette du film, ce qui contribue à susciter l'enthousiasme. Facebook, quant à lui, est mieux adapté à publicité ciblée en raison de sa plateforme publicitaire sophistiquée. Bien que Tik Tok excelle à impliquer les utilisateurs par le biais des tendances, ce qui en fait un outil précieux pour créer du contenu viral et impliquer un public plus jeune, équipes marketing peuvent également collaborer avec des influenceurs dont le contenu et le public correspondent la démographie cible du film à la démographie cible du film afin de promouvoir le film Les acteurs très suivis sur les réseaux sociaux peuvent donc jouer un rôle déterminant dans la campagne promotionnelle, afin que leurs hôtes puissent toucher des millions de fans. Cet aspect du marketing est donc souvent géré par les acteurs du monde des affaires. Qui coordonne non seulement les publications sur les réseaux sociaux, mais également les apparitions dans des talk-shows, des interviews et d'autres médias. Les acteurs peuvent également participer à junket de presse où ils donnent des interviews consécutives à divers organes de presse en un seul endroit ce qui permet à la presse de générer couverture cohérente. Le film. presse sont généralement envoyés aux journalistes et aux voix influentes l'industrie pour générer des bures et des unités. Les publicistes assemblent généralement ce kit, qui comprend des communiqués de presse matériel promotionnel, et sert de leçon sur le plateau pour coordonner De plus, des projections de presse sont organisées exclusivement pour les critiques afin d' encourager les critiques positives projections promotionnelles avancées et des critiques de la SNC sont également organisées pour susciter participation précoce directement auprès des fans, une participation précoce directement auprès des fans, en leur offrant la possibilité de voir le film avant sa date officielle . Les films susceptibles de remporter des prix importants tels que Golden Globes ou les Oscars peuvent mener votre attention des campagnes visant à encourager les électeurs de l'industrie à encourager les électeurs de l'industrie Si le film remporte un prix, cela déclenche souvent une nouvelle campagne marketing qui met en lumière la récente récompense, attire davantage le public et augmente Ce prix peut améliorer le statut d' un film, ajouter de la crédibilité et le prix peut contribuer de manière significative à son succès commercial Les studios utilisent souvent cascades publicitaires tape-à-l'œil pour attention sur leurs films Par exemple, des acteurs qui font la promotion sourire et de la drague effrayante devant les caméras organisent événement spot majeur un événement spot majeur, une approche qui a attiré Cependant, les cascades peuvent même parfois se retourner contre elles, lorsqu'elles sont mentionnées comme impossibles Il a soudainement fait une alerte à la bombe à Los Angeles avec un truc marketing qui a mal tourné. Les grands films permettent également de sensibiliser le public grâce à des produits tels que les jouets Happy Meal, figurines ou les jeux vidéo, qui constituent non seulement des outils promotionnels, mais génèrent également des revenus supplémentaires. Qu'il s'agisse d'une cascade accrocheuse ou d'un produit de marque, il existe d'innombrables façons de faire connaître un film, mais sans un plan marketing bien structuré pour unifier cet effort, l'impact peut être nul, faisant de tout investissement dans cette statique un gaspillage de ressources ou de Les plans marketing varient considérablement selon le type de film, films indépendants nécessitant une approche très différente de celle des films à succès Comme l'explique Eric Rice, la différence la plus importante est le budget, qui affecte l'accès aux ressources et aux opportunités promotionnelles. Les films indépendants n'ont généralement pas les moyens financiers nécessaires pour se permettre de nombreuses publicités télévisées Planche. Ils s'appuient donc davantage sur les réseaux sociaux, bouche-à-oreille ciblé et même sur les critiques pour attirer un public spécifique. Ils font également souvent appel à des agences de marketing externes telles que David Edwards, Tanks Pictures pour adapter une approche rentable unique. En revanche, les grands studios font souvent appel à leur service marketing interne pour faire des promotions sur les superproductions Pour ces sorties de plus grande envergure, studios utilisent une approche marketing de 30 à 60 degrés conçue pour toucher un public aussi large que possible. Ce type de marketing est généralement réservé. Ou ce que l'on appelle les films à quatre quadrants, c'est-à-dire des films destinés à plaire à tous les groupes d'âge et à tous les sexes La stratégie marketing vise à faire en sorte que tout le monde se sente le bienvenu et enthousiasmé par le film, en augmentant sa portée globale et ses revenus potentiels. Re faites remarquer que les films des quatre quadrants sont destinés à tous les âges et conçus pour attirer un large public Cependant, certains films sont considérés comme trop quadrants, s' adressant à un public plus ciblé. Par exemple, un film d'action peut principalement s' adresser à un public masculin ou à des spectateurs plus âgés, alors que ces films peuvent tout de même attirer un public plus large. La majeure partie du budget marketing est dirigée vers le principal groupe démographique afin de maximiser le retour sur investissement (ROI). En fin de compte, les studios allouent des ressources marketing en fonction de la segmentation de l'audience garantir l'efficacité de leurs stratégies . Chantez donc ou distribuez des dollars à des groupes spécifiques pour deux films chaudrons ou atteignez le plus grand nombre possible de superproductions à quatre quadrants Les studios peuvent créer des campagnes personnalisées qui correspondent à chaque film attendu par le public cible. L'identification du public potentiel du film est une étape fondamentale dans l' élaboration d'un plan marketing efficace Les spécialistes du marketing divisent donc le public potentiel en trois catégories principales Public cible, public secondaire et public tertiaire. Le public cible ou principal est composé des personnes les plus susceptibles de regarder le film en fonction de leurs généreuses stars. Le public secondaire ou d'opportunité est le groupe qui pourrait attirer et qui pourrait y assister, plutôt, si le film trouve un écho auprès d'eux ou si le bouche-à-oreille est positif Enfin, le public tertiaire représente les personnes les moins intéressées. Bien qu'ils puissent gagner en curiosité si les films prennent de l'ampleur, je décide qui entre dans ces catégories sur la base de recherches démographiques, qui identifient l'âge, le sexe et les données de localisation Toutes ces informations influencent avatis votre public cible recherche psychographique, qui se concentre sur le mode de vie personnel, les valeurs, le revenu et d'autres traits individuels, est donc également cruciale Cette étude donne donc à l'équipe marketing un aperçu de ce qui peut motiver des groupes spécifiques à regarder un film, fournissant ainsi une image plus claire du rendement potentiel au box office. Cela permet donc également de décider montant des budgets à allouer à la publicité. En fonction de la taille et de la nature du public. Donc, dossier, ces informations peuvent indiquer si les spectateurs sont plus enclins à aller au cinéma pour la sortie ou à attendre le streaming, impact sur le calendrier global des efforts marketing La qualité du film peut donc également influencer l'approche marketing. Si Ellie Pins suggère que le film pourrait recevoir des critiques mitigées, l'équipe marketing peut également choisir de limiter ou d'éviter les projections avant la sortie afin d'éviter que le bouche-à-oreille négatif affecte le cucire.À l'inverse, si un film est susceptible d'être bien accueilli, marketing peuvent augmenter projections avancées le film pourrait recevoir des critiques mitigées, l'équipe marketing peut également choisir de limiter ou d'éviter les projections avant la sortie afin d'éviter que le bouche-à-oreille négatif n' affecte le cucire.À l'inverse, si un film est susceptible d'être bien accueilli, les spécialistes du marketing peuvent augmenter le nombre de projections avancées et interagir davantage avec les critiques et des influenceurs pour créer des boules positives. Quel que soit le budget, un plan marketing intelligent et adaptable est essentiel pour maximiser le succès du film Qu'il s'agisse d'Indy James ou de Blockbuster Giant, une stratégie bien exécutée peut générer des rendements remarquables au box office, démontrant ainsi le pouvoir d'un marketing efficace Passons maintenant en revue quelques campagnes réussies pour voir ces principes en action. Exemple de campagnes marketing réussies dans l'industrie cinématographique Les campagnes marketing réussies nécessitent souvent des stratégies créatives et originales pour générer des balles pour Barbie Ils ont utilisé cette approche avec toute une gamme de pensées inventives Ils ont diffusé une série de télé-réalité intitulée Barbie Dream House Challenge sur HGTV, mêlant promotion de films et divertissement de bricolage bricolage De plus, l'équipe marketing a construit une vraie maison de rêve pour Barbie à Malibu et Comme Big Billboard, dans les grandes villes du monde entier, qui affichait simplement la date de sortie du film, suscitant curiosité et anticipation sans art traditionnel Les studios peuvent donc également utiliser le marketing pour élargir le monde fictif de leurs films pour Toy Story Three. L'équipe a créé de fausses publicités pour le jouet du film immergeant le public dans l'esprit ludique des films Dark Knight a également utilisé une forme de campagne qui intègre un jeu de réalité alternative, ARG, pour attirer les fans dans la jolie atmosphère de Gotham City Proposant ainsi une expérience interactive qui intrigue le film. Ces stratégies immersives montrent donc comment le marketing peut aller au-delà de l'art traditionnel, créant des expériences mémorables qui engagent public et renforcent son lien avec un film Campagne marketing pour Ex Machina interprétée ingénieusement avec la réalité, créant un profil Tinder pour le personnage intelligent, Ava Cette cascade a été lancée à Austin, au Texas, juste avant la première du film à Shaw out South by Southwest, attirant l' attention des utilisateurs et faisant allusion thèmes du film tels que l'intelligence artificielle et les relations humaines Ce genre de tactiques créatives ne se limite pas aux grandes superproductions C'est vrai. L'activité paranormale à petit budget ou les films paranormaux ont souvent utilisé des clips montrant un public terrifié lors de la projection de ses bandes-annonces, créant ainsi une paire de mystère et de peur sincère qui De même, I'm still here a joué le rôle de Joaquin Phoenix, inspiré par le brouillage des frontières entre la réalité et l'homme, laissant public curieux de savoir si son mentor ou son ablin étaient réels, ce qui a intensifié l'intérêt du public pour le documentaire de Fox par le brouillage des frontières entre la réalité et l'homme, laissant le public curieux de savoir si son mentor ou son ablin étaient réels, ce qui a intensifié l'intérêt du public pour le documentaire de Fox . Les films étrangers sont toutefois confrontés à des défis marketing uniques, car ils souvent pas l'avantage de pouvoir compter vedettes connues pour attirer le public. Par exemple, Gozila Minus One est devenu un succès majeur États-Unis, établissant un record en tant que film japonais le plus rentable de l'histoire des États-Unis, sorti le 3 novembre 2023 pour célébrer le 70e 20e anniversaire de la franchise David Edward et son équipe ont reconnu son attrait potentiel pour le public américain travaillant en étroite collaboration avec Soho International Ils ont traduit et adapté bandes-annonces et les étuis japonais pour la méthode américaine qui a préservé l' authenticité des films tout en garantissant l'accessibilité aux spectateurs anglophones Pour améliorer l'expérience, l' équipe marketing a créé du matériel supplémentaire, spécialement pour les sorties cinématographiques IMAX, Fody MA, Fody X et Darby, produisant des affiches et des teasers de haute qualité visant à améliorer Cette combinaison soigneuse d' actifs localisés et d'une enquête marketing internationale a permis de créer un pont culturel, permettant Gozilla moins un de devenir une entreprise informatique internationale succès illustre à quel point marketing réfléchi peut amplifier la portée d'un film, même sans les visages familiers ou le budget oculaire sur lesquels repose souvent le cinéma américain grand public Le marketing numérique a joué un rôle essentiel pour créer une dynamique permettant à Gozillas moins un aux États-Unis de puiser dans une base de fans dévoués L'équipe marketing s'est associée sites en ligne populaires tels que IG Hen et Corridor Digital, s'assurer que le public avait déjà investi dans Jerre Ponte. Les réseaux sociaux dédiés au film ont également joué un rôle important Partagez fréquemment des clips de la franchise Gzilla pour susciter la nostalgie et l'enthousiasme des fans de longue date L'attente s'est encore accrue avec une première américaine très médiatisée à Los Angeles le 10 novembre, en présence du réalisateur Takashi Yamasaki et acteur principal UnskeKamiki Cela a été suivi par un événement réservé aux fans en accès anticipé le 29 novembre, qui a permis aux fans de rester engagés avec enthousiasme jusqu'à la sortie officielle Les films américains sortis le 1er décembre dans 1 800 salles marquent un changement significatif précédents films de Gzilas, arrivant dans les salles américaines peu après Cet écart de sortie serré était intentionnel dans le but de maintenir l'élan du film alors que l'intérêt était toujours vif. Convaincue de l'attrait du film, l'équipe a décidé de ne pas obliger salles de cinéma à s'engager sur une durée de diffusion précise, convaincue qu'une bonne performance au box office maintiendrait sur les écrans Leur stratégie est efficace. En deux semaines, les films se sont également développés. Il en a résulté 510 salles, témoigne de son large attrait et de la demande soutenue du public. Ce succès a été renforcé par la sortie de GI Minus Color, une version en noir et blanc du film qui a apporté une expérience nouvelle et visuellement captivante aux salles de cinéma, suscitant un expérience nouvelle et visuellement captivante aux salles nouvel engouement avec thrillers et des boosters dédiés Pour capitaliser davantage sur la popularité du film, l'équipe marketing a lancé pour vous la campagne FYC, visant spécifiquement à être campagne FYC, visant spécifiquement à reconnu dans la catégorie des meilleurs effets visuels lors de l'Academic Award Cette dernière campagne marketing a non seulement célébré la réussite technique du film, mais a également cherché à obtenir prestige et à attirer de nouveaux publics. Nous apprécierons peut-être le talent artistique du film. Cette stratégie a abouti à une nomination aux prix académiques pour le meilleur VFS, ce qui a apporté au film encore plus de visibilité visuelle et a clôturé une campagne marketing à plusieurs niveaux très réussie pour Gozilla Le succès américain de Gozilla Minus one a Lighthouse Le marketing multidimensionnel intelligent peut permettre de développer le bouche-à-oreille, qu'il s'agisse de partenariats numériques stratégiques, de réseaux sociaux immersifs, de projections anticipées ou projections anticipées La campagne du film a mis en évidence l'importance d' établir des liens avec le public sur de multiples plateformes Faire un film est une tâche exhaustive et il est donc essentiel qu'une fois terminé, il atteigne des spectateurs qui l' apprécieront. Le marketing ne doit donc pas être considéré comme une question secondaire, mais comme un élément essentiel du parcours du film Le marketing est crucial, car même un bon film ne peut être reconnu en tant que tel par le public que s' il en est conscient. Lorsque la campagne a fait son travail, qu'il est temps de passer à distribution, où le film est enfin présenté au public cible Dans les parties du cours, nous aborderons les tenants et les aboutissants de la distribution, en explorant comment présentez un film terminé sur les écrans pour que le public puisse le découvrir, rendez-vous là-bas. 12. Distributeur: Dans notre leçon précédente, nous avons examiné le marketing. Dans la leçon d'aujourd'hui, nous examinons l'étape finale de la réalisation d'un film. Nous ferons référence à des avocats spécialisés dans le divertissement, à Melissa, à Degodig, à Theatrical Booker, à Susan, au programmeur de Jacobsen, Jake Faire connaître un film au public implique deux étapes : distribution et projection. distributeur de films place un film dans différents lieux d'exposition, qu'il s'agisse d'une salle de cinéma, services de diffusion TV ou d'un DVD. Exhibitor wa est propriétaire de ces plateformes où le film peut être diffusé en tant que tel La distribution ne consiste pas seulement à faire entrer un film dans les salles de cinéma Cela inclut le marché auxiliaire où un film peut rapporter de l'argent pendant des années après sa sortie initiale Depuis la décision Paramount de 1948, studios ne pouvaient pas posséder les moyens de production, distribution et d'exposition la plupart des studios ont dû vendre leurs salles de cinéma, mais cette distribution a récemment expiré. Certains studios s'impliquent donc une fois de plus dans l'exposition. Pour de nombreux films et cinéastes , trouver un distributeur n' est pas une évidence Ils doivent relever le défi de trouver une distribution. La distribution commence par une accusation. C'est là qu'un film se retrouve chez un distributeur. En d'autres termes, le distributeur obtient les droits d' un film grâce à son ordonnance de copyright, qui est généralement celle d'un producteur ou d'un studio Ces accords décrivent les territoires dans lesquels le distributeur peut opérer et pendant combien de temps. Donc, sans distribution, il n'est pas possible de rembourser le budget d'un film. C'est donc une bonne idée de penser à la distribution dès le début. Susan Jacobson, non, vous devez vraiment avoir un plan vu de l'extérieur, simplement raconter une histoire que vous avez toujours voulu Oui, c'est merveilleux. Cela signifie-t-il qu'il doit être joué au cinéma, surtout depuis la pandémie ? Probablement pas, car un théâtre vide est un endroit triste. Un film peut trouver un distributeur alors qu'il est encore en développement ou en préproduction C'est ce que l'on appelle la prévente, une garantie d'un distributeur qu'il achètera un film une fois terminé Cela se produit donc généralement pour les films qui sont de grandes stars ou qui font suite à Big E. Pour en savoir plus sur les préventes, consultez notre leçon précédente sur le développement dans ce cours. Ainsi, pour les grands studios, la distribution se fait généralement en interne. Disney, par exemple, gère la distribution de films Waltz Disney Studios . Zab ecobsen explique que si un studio produit un film, distribuera lui-même ou qu'il a déjà conclu un accord pour le codistribuer avec un autre studio, une autre grande la distribution de films Waltz Disney Studios. Zab ecobsen explique que si un studio produit un film, il le distribuera lui-même ou qu'il a déjà conclu un accord pour le codistribuer avec un autre studio, une autre grande société de production. Dans les studios, quant à eux, devront acheter leurs films auprès de plusieurs films différents. Les cinéastes indépendants ont plusieurs options pour essayer d'obtenir des festivals de distribution, un pour essayer d'obtenir des festivals de distribution, marché du film, un agent de vente et une auto-distribution Les cinéastes utilisent généralement une combinaison de ces stratégies La plupart des distributeurs ne sont présents qu' aux premiers festivals prestigieux, tels que les Big Five, Venice, Kings, Berlin, Toronto et Sundance Ce sont des thèmes en vogue qui attirent l'attention du public ou de la critique et qui seront abordés par les sociétés de distribution. Marché du film. Les marchés agricoles sont l'objectif principal de la vente d'un film à un distributeur. Parfois, ces marchés ont lieu dans le cadre d'un festival plus important, tel que King's Market DFM Mais il y en a d'autres qui se démarquent, comme le marché du film américain et les livres. De nombreux films achetés sur le marché ne sont pas terminés, souvent seulement au stade de développement. Un marché du film peut être une bonne solution si votre film ne peut pas se rendre dans les festivals prestigieux très sélectifs. représentants de la distribution sur les marchés sont appelés responsables des acquisitions, et pour attirer leur attention, il faut une brève présentation convaincante ainsi que des matériaux attrayants tels scène de bande-annonce ou une collection d'aciers Souvent, les cinéastes participant aux festivals et aux marchés travaillent en partenariat avec des agents de vente spécialisés dans la vente de films aux sociétés de distribution Ils représentent généralement des films sur les marchés et dans les festivals, et utilisent leurs propres relations bien établies. cinéastes qui ne sont pas établis doivent généralement attendre la fin de leur film pour trouver un agent de vente Il est possible de contacter des distributeurs potentiels en utilisant IMDB P. Bien que peu de distributeurs acceptent les soumissions non sollicitées, différents distributeurs ont des domaines d'expertise différents Spécialisez-vous donc dans certains publics ou genres. C'est donc une bonne idée d'avoir un public cible à l'esprit lorsque vous rencontrez des sociétés de distribution. Si un cinéaste n'a pas besoin d'une sortie en salles pour son film et qu'il se contente d'une sortie directe en streaming, il peut cibler des agrégateurs agrégateurs sont des entreprises auprès desquelles nous contactons des streamers au nom d'un film, et ils n'ont pas besoin de distributeurs ou d'agents commerciaux Cependant, exigez généralement soit des frais initiaux, soit un pourcentage des ventes, autodistribution La dernière option est l' autodistribution. Avec l'autodistribution, toutes les possibilités d'exposition restent ouvertes, mais elles se feront aux risques financiers du cinéaste. La sortie en salles est possible, par exemple, mais elle coûtera très cher, puisque le cinéaste devra couvrir les œuvres d'art, affiches, les certifications, etc. Le cinéaste a généralement besoin d'un agent commercial pour passer un accord avec une chaîne de télévision. Les offres peuvent générer beaucoup de profits, mais elles sont généralement longues. L' auto-distribution inclut également la publication d'œuvres sur des plateformes telles que des films YouTube ou VMeoo Demand Ces services permettent aux cinéastes de vendre leurs films directement aux consommateurs à peu de frais, voire gratuitement Une fois qu'une méthode de distribution est choisie, cinéaste doit alors décider de la licence Presque toutes les distributions indépendantes nécessitent une forme de licence Il s'agit d'un accord entre le créateur ou titulaire des droits d'un film et un distributeur avec conditions fixes de rémunération et de durée. Pour mieux gérer ce processus, faire appel un avocat spécialisé dans le divertissement est une bonne idée. Melissa Degodig explique un rôle disant qu'elle peut annuler le contrat de production de films indépendants et qu' elle peut créer l'entité commerciale qui détient habituellement le film et conclut tous les contrats au nom du cinéaste L'enregistrement de marques, de noms de marques représente donc une part importante de son activité. Elle enregistre également le droit d'auteur une fois que le film est dans le c. Et pour les scénarios, bien sûr, elle enregistre également le script bureau des droits d'auteur et travaille avec de nombreux créateurs à travers le monde . Pour les grands studios ayant leur propre propre studio en interne, licences de distribution peuvent être plus simples, puisque les droits restent au sein de la société mère Cependant, les licences de distribution peuvent prendre de nombreuses formes pour les cinéastes indépendants et les petites sociétés de production Avant de conclure un quelconque accord de distribution, les producteurs d'un film doivent s'assurer qu' ils détiennent tous les droits de compensation pour le projet Dagodig explique ce processus. Ce travail implique de revoir le scénario et de revoir le film pour s' assurer qu' il ne contient rien qui puisse déclencher une action en justice pour violation du droit d'auteur. Alors, qu'est-ce que cela pourrait être ? Curieusement, par exemple, cela pourrait être comme si vous aviez un bâtiment Beaucoup de gens ne se rendent pas compte que des bâtiments tels que le Disney Concert Hall peuvent être soumis à des droits d'auteur. En outre, certains problèmes de marque pourraient également donner lieu à des poursuites pour contrefaçon. Cela peut être comme si le nom de marque d'un magasin apparaissait en arrière-plan, et cela pourrait être quelque chose où vous deviez obtenir une licence pour que ce nom apparaisse. Il y a donc de nombreux problèmes de propriété intellectuelle qui doivent être repérés. Larry Wright signifie également avoir une bonne connaissance de la chaîne de propriété de toutes les propriétés intellectuelles impliquées dans votre projet. Lego explique que la chaîne de titres est en fait la façon dont vous prouvez que vous détenez tous les droits que vous représentez et garantissez que vous les détenez dans le film Cela revient donc à passer des contrats avec tous les talents, tous ceux qui se trouvent au-dessus de la ligne inférieure à la ligne, les acteurs de votre film, en veillant à ce que ces droits soient parfaitement conformes aux contrats que vous avez conclus, s'il y a des coproducteurs ou des investisseurs impliqués. Le cinéaste devra probablement approuver son plan de distribution avec eux avant de signer un contrat de licence. Selon Dagodig, il existe deux principaux types d'accords de distribution : l' écoute et le partage des bénéfices Lorsqu'un distributeur conclut un contrat de location, il paie un prix fixe pour les droits d'un film. Un accord de location concerne les circonstances dans lesquelles le distributeur distribue le film Généralement sur la base de frais réduits. Ensuite, la société de production paiera les dépenses de distribution telles que l'impression du film et la publicité. Et ce qui est essentiel dans ce type d'accord de distribution, c'est que vous voulez vous assurer de limiter ce qui peut être considéré comme des dépenses. Et si vous ne limitez pas cela, il ne restera peut-être pas grand-chose au cinéaste. Les accords de partage des bénéfices permettent à un distributeur d'obtenir un pourcentage des bénéfices réalisés grâce à un film. Cela se situe généralement entre 10 % et 50 %. Dagodig explique que même si cela peut demander plus d'argent au cinéaste, cela peut également inciter un distributeur à maximiser la distribution et les bénéfices du film grâce à un contrat de partage des bénéfices Ce sera également un pourcentage de quelque chose, et la façon dont il est défini importe. Donc, peu importe le nom que vous lui donnez. Les termes et contrats définis seront en majuscules Et ce qui compte toujours, c'est quels sont les détails de cette définition ? Par exemple, quelles dépenses cette personne peut-elle payer avant de me payer ? Et comment puis-je limiter ces dépenses ? Je gagne donc plus d'argent. C'est ce qui est crucial. Les contrats de licence peuvent également différer en fonction du type de distribution proposé. Les droits primaires concernent les sorties en salles, tandis que les droits secondaires concernent tout le reste. Un accord de licence peut donner un droit principal à un distributeur, mais pas des droits secondaires ou vice versa. Les distributeurs veulent généralement obtenir tous les droits, mais il peut parfois être stratégique de refuser certains droits de distribution Vous pouvez donc négocier à la baisse. Les distributeurs souhaitent généralement également que leur licence soit exclusive, ce qui signifie qu'ils auront le droit exclusif de distribuer un film sur un territoire spécifique pendant une période donnée. Un distributeur paiera plus pour cela, mais cela peut également limiter la visibilité de votre film. droit non exclusif signifie que plusieurs distributeurs différents peuvent commercialiser leurs produits sur le même territoire. Par exemple, un film peut être concédé sous licence à plusieurs chaînes de télévision. Ce type d'accord peut toutefois être plus difficile à négocier Un contrat de licence dictera également durée du contrat. Un prêt à terme. En d'autres termes, pendant combien de temps le distributeur détiendra les droits sur le fi. Ces conditions sont souvent longues jusqu'à 50 ans avant la signature d'un contrat de licence. Il est important de faire vos propres recherches vous assurer que le distributeur est disposé et capable de commercialiser votre film. Mais en même temps, je ne dépenserai pas trop et cela n'affectera pas les marges bénéficiaires du film Cela signifie qu'il faut examiner les antécédents des distributeurs en matière de cadres de prière. Les distributeurs internationaux essaieront de commercialiser un film dans le monde entier. Les distributeurs nationaux se chargeront quant à eux de choisir un film dans leur pays. Les licences de deuxième diffusion seront ensuite négociées pour atteindre un public mondial avec une licence à déposer plainte. Il est temps de livrer votre film aux exploitants. Un exposant a besoin des données nécessaires pour présenter un film. Généralement, cela prend la forme d'un package de cinéma numérique ou disparaît. fichiers haute résolution qui permettent l'exploitant de présenter un film dans sa plus haute qualité Incluez des fichiers audio, vidéo et de métadonnées adaptés à la vision. Ces fichiers sont formatés conformément aux normes de la Society of Motion Picture and Television Engineer pour une lecture cohérente d'une salle de cinéma à l'autre Habituellement, la création d'un DCP est sous-traitée à une entreprise spécialisée dans Si un film doit être projeté sur du celluloïd véritable, ses roues devront être livrées à l'exploitant Les biographies sont le véritable aspect commercial de l'industrie cinématographique. En d'autres termes, ils s'occupent de montrer un film au public, ce qui peut prendre de nombreuses formes. Jack Iska explique que l'exposition peut signifier de nombreuses choses différentes Par exemple, pensez à ces étiquettes du FBI devant de vieilles cassettes VHS selon lesquelles les expositions publiques ne sont pas autorisées sauf si vous en avez le droit Il peut s'agir simplement de quelqu'un qui installe un projecteur dans un bar et qui diffuse un film qui est littéralement une exposition. Vous diffusez quelque chose pour que les autres puissent le regarder. En ce qui concerne les projections théâtrales, il s'agit simplement de regarder des films et de les diffuser à l'écran pour le public. Les distributeurs travailleront généralement en étroite collaboration avec les organisateurs de salles négocier quand et où le film sera projeté Jacobson explique le rôle qui à déterminer le moment où cela va se produire, à fixer la date d'ouverture et à déterminer la stratégie théâtrale. Quelle sera l' ampleur de cette initiative ? Où est-ce qu'il va jouer ? Coordonnez les questions, négociez les termes et conditions, envoyez tous les supports marketing aux salles de cinéma et assurez-vous qu'ils les ont reçus, que le film est correctement répertorié sur leur site Web. Assurez-vous que le distributeur fait ce qu'il a dit qu'il va faire, qu'il travaille à promouvoir le film de son côté , puis à faire les collections au. Ils décideront également de la répartition, qui correspond au montant que l'E 30 tirera des bénéfices. Donc relation avec le distributeur, contrat en suspens avec des pourcentages fixes Jake Izgar explique qu'une scission est souvent négociée dès le départ, ou dans certains cas pour les grands distributeurs, Chain a conclu des accords en cours avec les leurs et certaines scissions changent une fois qu'un film a rapporté un montant spécifique L'échelle indique que si un thème gagne X au cours de sa première ou de sa deuxième semaine , ce pourcentage est défini. Et puis, au fur et à mesure que le film continue à être diffusé à l'écran, le pourcentage peut diminuer. Quand il diminue, je veux dire que le théâtre est plus favorable . Donc, d'une manière générale, pourcentages après la diffusion peuvent se situer entre , disons, en moyenne, 50 à 60 %, les 50 à 60 % revenant au distributeur ou, en réalité, vous obtiendrez un partage de 35 à 40 % où 35 % 40 % sont reversés au C'est peut-être aussi la raison pour laquelle vous voyez certains films projetés dans certains cinémas. Je sais que ça peut être dégoûtant dans cette ville, mais plus particulièrement sur cet écran dans cette ville. Les distributeurs pourraient donc le vouloir. La fenêtre d'un film sera également décidée. Il s'agit de la durée pendant laquelle un film est disponible sur une technologie multimédia spécifique. Par exemple, Disney Frozen est sorti en salles en novembre 2013 sur DVD en mars 2014 et a été expulsé sur ABC en Jake Izgar a expliqué que, combien de temps cela reste-t-il à l'écran avant qu'il ne soit disponible par d'autres moyens D'autres moyens, c'est être un loueur numérique, un down numérique et autres. Et puis il y a aussi la question savoir quand cela pourra être disponible sur le site de streaming, qui est une autre fenêtre secondaire où le producteur paie un montant passif de X dollars pour s'abonner au service de streaming. Ce service de streaming propose un système sur lequel les gens appuient normalement sur Play et le regardent peut-être pendant qu' ils font la lessive ou font autre chose. Ils veulent le voir de toutes les manières. Ainsi, une sortie à une date et à une date, plus rarement, films peuvent également utiliser une date de sortie où ils seront diffusés en streaming le jour même de leur première en salles. De temps en temps, un film revient pour un deuxième tour afin de célébrer des anniversaires ou de remporter de grands prix Oppenheimer, par exemple, a une version limitée après avoir remporté de nombreux prix académiques Les fenêtres des salles de cinéma se rétrécissent, en particulier pour les films à petit et moyen budget Cela est dû en grande partie à la prolifération des services de streaming. Jacobsen explique, surtout maintenant depuis la pandémie. Les gens ne vont pas autant au cinéma. Donc, pour qu' un film sorte en salles, il faut vraiment que ce soit maintenant. Il existe un film différent, il existe différents types de sorties en salles. Les grands films seront généralement diffusés à grande échelle, ce qui signifie qu' ils seront projetés dans plus de 600 salles. Si un film est diffusé sous ce numéro, il est considéré comme une sortie limitée. Les films peuvent commencer par une sortie plus limitée avant de s'étendre. C'est ce que l'on appelle une version de plateforme. Lancement de la plateforme. versions de plateforme ne seront généralement diffusées en ligne qu'à New York et Los Angeles. Cela permet de développer le bouche-à-oreille et peut créer une offre spéciale pour une diffusion plus large. Mais si un film ne donne pas bons résultats lors de sa sortie sur la plateforme, il se peut qu'il reste une diffusion limitée en salles. Les exposants doivent adopter une approche stratégique lors de leurs projections. Si un film s'ouvre trop largement, c'est-à-dire dans un trop grand nombre de salles, le public risque d'être très dispersé. Les exposants font souvent pression les distributeurs lorsqu'ils décident de la date de sortie Par exemple, les cinémas ne voudront généralement pas que plusieurs films très attendus sortent le même week-end. Si un cinéma ne souhaite pas projeter un film par ses propres moyens, un distributeur ou un cinéaste peut le faire, ce qui signifie qu'il garantira un certain nombre d'écrans pour garantir la sortie du film Cela élimine tout risque financier pour le théâtre. Jake Izgar dit : Si vous voulez simplement racheter l'écran, si vous êtes assez intrépide, si vous êtes plus sexy, si vous savez ce que vous faites, alors comme pour la guerre, pourquoi ne pas faire participer des gens Il y a plein de films qui ont réussi ou commencé de cette façon, classés films classés Avant qu'un film puisse être présenté dans de nombreux forums américains, il doit être évalué par la MPA. classement d'un film peut avoir une incidence sur l'étendue de sa portée . La plupart des superproductions essaieront d'éviter la note R, car cela limitera le public familial Ils viseront plutôt une note PG 13, indiquant que presque tous les publics sont les bienvenus. Les classements G et PG indiquent généralement qu'un film est fait pour les familles et les enfants. Mewi, classé NC 17, peut réduire considérablement le nombre de salles de cinéma ou de films projetés, comme cela s'est produit pour Showgirls, un film à gros budget qui s' est soldé par une sortie en salles relativement limitée Aujourd'hui, l'exposition évolue rapidement en raison de l'évolution de l'industrie, ainsi que des habitudes de visionnage du public. Dernière réflexion. La distribution est peut-être la dernière étape du processus de réalisation d'un film, mais c'est certainement la liste distribution prévue dès le début permettra garantir que votre film soit diffusé par le plus grand nombre de personnes possible. La distribution nécessite beaucoup de planification, et vous pouvez commencer cet apprentissage au stade du développement du film. C'est tout pour ce cours master class de réalisation de films professionnels Vous disposez désormais de tous les outils nécessaires pour faire passer votre chef-d'œuvre du script à l'écran. 13. PROJET: Pour ce projet, vous appliquez ce que vous avez appris sur la préproduction en utilisant le document de production fourni dans le contenu du cours. Ce document est un outil essentiel utilisé par les professionnels de l'industrie pour organiser et rationaliser les étapes du processus de réalisation du projet Téléchargez le document, accédez au document de production fourni dans une ressource de cours. Cela inclut des modèles pour une ventilation du script, une liste restreinte, storyboard, un calendrier de production, une feuille d'audience deux, personnaliser pour votre film Utilisez ce document pour créer du matériel de pré-production pour votre idée de film amateur ou une scène que vous souhaitez produire. Assurez-vous d'inclure un script détaillé , une description détaillée, une liste restreinte pour au moins une scène, un storyboard pour visualiser le moment clé, un calendrier de production de base, une feuille d'appel complète pour une journée de tournage Une fois le document terminé, prenez une capture d'écran claire de votre travail. Vous pouvez inclure une capture d'écran de l'ensemble de votre dossier montrant l' ensemble du document terminé ou surligner un document individuel. Téléchargez-le dans la section du projet. Soumettez votre capture d'écran dans la section projet de ce cours. Que faut-il garder à l'esprit ? Vous n'avez pas besoin d'un projet entièrement peaufiné. Il s'agit d'appliquer le processus et d' acquérir de l'expérience. La créativité est encouragée. N'hésitez pas à utiliser votre idée de film unique ou à adapter une scène préférée d'une histoire existante. Si vous rencontrez des difficultés, reportez-vous aux leçons pour les contacter dans la section de discussion destinée aux tuteurs. J'ai hâte de voir comment vous concrétiserez votre vision à l'aide de ces outils standard de l'industrie. Réalisation de films par application