Transcription
1. Introduction Skillshare: Tout le monde, je m'appelle Scott Baker et je travaille dans l'industrie du cinéma depuis 2009. J' ai travaillé sur des émissions de télévision et des films importants. Et sur le côté, j'ai aussi réalisé mes propres courts métrages, vidéoclips, documentaires. Et la seule chose que j'ai remarqué dans ma carrière, c'est que tout le monde se concentre sur les trucs techniques, vous savez, les caméras, les lumières, les logiciels de montage. Mais la chose qui est rarement discutée est la raison pour laquelle nous faisons les choix que nous faisons. La psychologie derrière le cinéma en regardant des films, si vous ressentez certaines émotions, ce n'est pas par hasard. Les cinéastes ont choisi des techniques spécifiques et conçu leurs plans de certaines manières pour vous faire sentir comme ça. Les meilleurs films sont ceux qui nous font ressentir quelque chose. Et les meilleurs cinéastes sont ceux qui savent faire ça. C' est pourquoi, dans ce cours, nous allons apprendre comment la couleur, le chargement, le
décor, les prises de vue, le son et la musique influent tous sur les émotions du public. Connaître le fonctionnement de ces éléments vous permettra de créer des films plus significatifs. Pour comprendre ces concepts étudiera et analysera des clips de film. Les discussions seront encouragées, et que vous soyez débutant dans le cinéma ou déjà expérimenté sur le plan technique, ce cours est pour vous, il est pour tous les niveaux de compétence. Si vous êtes nouveau, la compréhension de ces concepts ne
fera que faciliter la compréhension des aspects techniques du cinéma. Et si vous avez déjà de l'expérience dans ce cours, nous prendrons les compétences que vous avez déjà et vous apprendrons à
les utiliser pour rendre vos films encore plus attrayants et plus attrayants.
2. Pourquoi la position de la caméra est importante ?: La principale chose à retenir à propos de la position de
la caméra est que plus le public est proche du sujet ou de l'action, plus nous nous sentons connectés et impliqués. Et le contraire est vrai. Plus nous nous éloignons du sujet ou de l'action, plus nous nous sentons déconnectés. Lorsque nous sommes plus loin, nous nous sentons naturellement séparés de l'action. C' est comme si nous étions à l'extérieur et nous nous sentons comme si nous ne pouvions pas être affectés par ce qui se passe dans la scène. Imaginez être membre du jury qui regarde un procès. Le sommet ne vous met pas en prison ou ne vous libère pas, mais vous êtes toujours là pour en être témoin. Nous allons nous rapprocher. Maintenant, tout devient un peu plus intime. Nous pouvons voir les émotions des gens et nous pouvons sentir comme si nous étions juste à côté d'eux. Nous sommes maintenant impliqués dans ce qui se passe et expérimenter ce qui se passe avec eux dans ce cas est autre chose. Je saurai, cet endroit autour de l'Iran. Peu importe à quel point nous mettons notre public à l'action, dépend du placement de notre appareil photo et des objectifs que nous utilisons. Un endroit de caméra très éloigné avec une faible focale, alias un objectif large, éloignera le public. Mais nous pouvons facilement déplacer la caméra fermée l'aide du même objectif pour rapprocher notre public de l'action. Si nous utilisons une focale élevée, également appelée objectif étroit
, l'appareil photo peut être placé à distance, mais le public se sent toujours proche de l'action.
3. Angles: de la caméra : Haut, bas, ou s'en est côté, ?: En plus de filmer avec la caméra parfaitement niveau, il y a trois autres options que nous pouvons choisir. Il y a un angle élevé, angle
bas, et ce qu'on appelle une cheville hollandaise. prise de vue à angle élevé est lorsque l'appareil photo est placé haut et en regardant vers le bas sur un sujet, cela rend le sujet plus petit et donne le sentiment qu'ils sont inférieurs ou faibles. Un tir à angle bas et fait les angles opposés vers le haut au sujet. Et en plaçant la caméra vers le haut, il les rend plus grands et donne au sentiment leur supérieur, fort ou intimidant. L' utilisation de tir à angle bas est également une excellente technique sur les bâtiments. Il vous permet de montrer que le bâtiment peut être grand ou inquiétant. Personnellement, je ne trouve pas qu'un tir à angle élevé ait l'effet inverse sur les bâtiments. Au lieu de cela, il fonctionne très bien comme un
plan de maître pour donner au public et la compréhension de la scène et de son cadre. Le troisième angle est appelé angle néerlandais, et il est fait en inclinant légèrement la caméra d'un côté. C' est une autre façon efficace de donner au public un sentiment de désorientation. Il transmet le message que les choses sont déséquilibrées et que quelque chose n'est pas tout à fait correct. Et le tir n'a rien à voir avec les Néerlandais. Au lieu de cela, c'était une technique que nous avons beaucoup utilisée dans le cinéma allemand. Et ça s'appelait l'angle Deutsche. Doidge étant le mot allemand pour allemand. Et au fil du temps, anglophones l'ont transformée en un peu dans l'angle néerlandais.
4. Mouvement de caméra: Avec la position de la caméra et l'angle de la
caméra, le mouvement de la caméra est également important. Et si vos caméras vont bouger pour le tir, vous devez décider si elles sont portatives ou seront-elles stabilisées avec des poupées et des camps stables ? Aller à la main avec un peu de secousse de caméra peut créer un champ plus naturel et organique. C' est parce que c'est plus proche de la façon dont nous voyons les choses en mouvement. Pendant ce temps, beaucoup de secousses de caméra peuvent avoir un champ chaotique et anxieux à elle. Si nous utilisons des poupées et des camps stables et d'autres types de stabilisateurs, il peut se sentir moins organique, mais il est beaucoup plus lisse et il est plus poli. Et parce que les stabilisateurs offrent beaucoup plus de possibilités, nous pouvons réaliser des plans plus complexes et à grande échelle, ce qui peut donner à un film ou à un vu une sensation plus épique. Que ce soit votre portable ou à l'aide d'un stabilisateur. Se déplacer entre les plans larges et les gros plans est un moyen très efficace de souligner l'émotion. Et des changements. Sortir d'un plan serré à un plan large peut révéler au public des choses dont le personnage était déjà conscient. Et cela aide à souligner un changement. Ce changement peut être un personnage qui perd le contrôle à mesure qu'ils deviennent petits et grands. Ou il peut dépeindre un sentiment de devenir libre. Je bouge dans l'autre sens. Passer d'un plan plus large à un plan plus serré peut mettre en évidence les émotions d'un personnage ou même révéler l'émotion. Au début, le public peut se sentir retiré et à une distance sûre. Mais à mesure que la caméra se rapproche, les émotions de ce personnage deviennent plus visibles et plus intenses que le personnage se sent de plus en plus sur l'écran. Comme cela se produit, le public n'a nulle part ailleurs où regarder. Par conséquent, ils sont obligés de reconnaître et d'empathie avec les émotions du personnage. Enfin, nous avons un zoom dolly, et c'est une technique puissante pour mettre en évidence les moments intenses. Cela fonctionne bien quand un personnage a une réalisation importante. Il peut aussi travailler à montrer un monde se refermant autour d'un personnage, créant un sentiment de claustrophobie. Ce sont donc quelques techniques que vous pouvez utiliser pour affecter les émotions du public. Mais la partie vraiment importante de cette leçon est la décision d'aller à main ou d'utiliser des stabilisateurs ou quelle combinaison des deux vous voulez utiliser. Et c'est parce que c'est un choix stylistique qui peut affecter la sensation de tout votre film.
5. Tournés du point de vue : Il y a quelques types: Point de vue à la première personne. Il est également connu sous le nom de caméra subjective, ou tout simplement un coup de POV. Et ce que cela signifie, c'est que nous sommes maintenant le personnage et que nous voyons le monde à travers leurs yeux. En termes de distance de la caméra. C' est aussi proche que possible. Il plonge le spectateur dans le film et le personnage d'une manière très intime. En prenant le public à l'intérieur de la tête du personnage. Il aide le public à ressentir ce que les champs de personnage et à mieux comprendre le monde tel qu'il le voit. Essentiellement, il existe quatre types de PDV est que nous pouvons utiliser PDV inhabituel. Ceci est souvent utilisé en science-fiction pour aider le public comprendre quelque chose qui ne fait pas partie de notre vie quotidienne. C' est quelque chose qu'on n'a jamais vu auparavant. Un exemple commun, être dans l'espace. PDV déformé, souvent utilisé pour des états d'esprit altérés, qu'
il s'agisse de drogues ou d'une sorte de traumatisme. Poursuivre le PDV. Ce genre de POD crée du suspense pour le public parce qu'en tant que cinéaste, nous ne leur permettons pas de voir qui ou ce qui suit. C' est très courant dans les films d'horreur et peut rendre le public très
mal à l'aise car maintenant ils sont obligés de s'
identifier à quelque chose ou à quelqu'un qu'ils ne veulent pas, comme un tueur ou un monstre. Voler sur le mur. Pov, filmer du point de vue des choses ou des gens qui sont impuissants à faire quoi que ce soit. Dans ces circonstances. La caméra est comme un témoin silencieux de ce que les personnages ne feraient pas s'ils savaient qu'ils étaient regardés. Comme des espions. Ce PDV permet au public d'entrer en secret. autres caractères ne sont pas au courant de. Les coups de pov sont plus efficaces lorsqu'ils se sentent naturels et ils sont à peine remarqués lorsqu'ils sont découpés avec des personnages lors de moments clés, ou au milieu de scènes de dialogue. Ce sont des exemples parfaits. Un mot de prudence, n'
utiliser que des prises de vue pour un film entier peut devenir irritant. Et dans certains cas, même nauséant pour le public en causant le mal des transports.
6. Quel est le 4ème mur, de l'autre mur ?: Si vous n'avez pas entendu parler d'un quatrième mur
, voici une brève explication avant de discuter de l'effet de la rupture du quatrième mur. Si on regarde une pièce de théâtre, on a 123 murs. Et le quatrième mur est un mur invisible qui sépare les personnages et le public. Et c'est le mur que le public regarde à travers. Mais les personnages ne le savent pas et ils ne peuvent pas le voir à travers. Si vous êtes au théâtre ou regarder la télé que l'écran, est ce quatrième mur. Briser le quatrième mur se produit lorsque les personnages du film prennent conscience du public. Cela peut être fait en demandant au personnage de parler au public ou quelque chose d'aussi subtil que de faire un contact visuel en regardant directement dans la lentille. Cette technique attire le public à l'attention parce que tout d'un coup ils sont maintenant impliqués dans le film et qu'ils sont interagissent avec les personnages. Les gens te diraient que tu as une mère nerveuse. L' amour quatrième mur crée une barrière sûre pour le public de regarder le film de manière anonyme. Donc, quand cette barrière est brisée, elle attrape le public hors de la garde. Et cela peut être surprenant depuis qu'ils ont été reconnus. Et ils ont l'impression d'être surveillés eux-mêmes. À côté d'un énorme bol de préfiguration à la vapeur. Lorsqu' un personnage s'adresse au public. C' est comme une conversation secrète dans laquelle le reste du film n'est pas inclus. Et ce que cela fait, c'est que le public est plus profond dans l'esprit de ce personnage. Ils savent ce qu'ils pensent, ce qu'ils ressentent. Et ce que cela fait, c'est créer un lien beaucoup plus fort entre le public et ce personnage spécifique. Tu ne pourras jamais aller dans un feu si je dois me faire arrêter. Ce ne sera pas avec une arme comme ça. Et ce n'est pas toujours à travers le dialogue. Comme je l'ai mentionné, quand un personnage regarde directement dans la caméra, c'est une autre façon de briser le quatrième mur. Faisons une petite expérience. Je veux que tu te lèves et que tu te balades dans la pièce. Et pendant que vous le faites, gardez un œil sur l'écran pour voir où je cherche. Alors remarquez que peu importe où vous étiez dans votre chambre, il semblait que mes yeux vous suivaient et que je regardais partout où vous alliez. Cette technique de regarder directement dans la caméra est souvent utilisée lorsqu'il y a un narrateur dans cette histoire. Donc, briser le quatrième mur peut avoir de nombreux effets, y compris faire prendre conscience au public qu'il regarde un film peut rendre le public mal à l'aise, les
forcer à accorder une attention plus étroite, créer de l'empathie avec un caractère. Et cela donne au public l'impression qu'ils font partie du film. Donc c'est le quatrième mur et comment le briser. C' est une technique de narration brillante et que je vous encourage à essayer avec l'un de vos films. On se voit dans la leçon suivante.
7. Focus : Focus: de la concentration n'est pas nécessaire: Naturellement, nos yeux se verrouilleront sur n'importe quelle personne ou objet dans la prise de vue. Quand un objet ou une personne est au centre, nous pensons inconsciemment, Faites attention à cela. C'est important. Et nous suivons cela jusqu'à ce que l'accent change, nous
disant de prêter attention à autre chose. Mais qu'en est-il quand rien n'est mis au point ? Quand tout est flou, nos yeux ne savent pas où regarder et nous ne savons pas vraiment ce qui se passe, qui peut créer un sentiment de désorientation sans rien pour nous guider. Nos cerveaux recherchent activement des indices
pour comprendre ce qui se passe ou ce qui est important. C' est une technique qui peut être utilisée pour les rêves. Flashbacks avait des blessures, étant fatigué ou ivre. Essentiellement, tout état d'esprit altéré. Quand tout est mis au point, il est facile de voir et de reconnaître ce qui se passe. Nous pouvons comprendre, ce qui nous donne un sentiment de clarté et permet au public de se détendre et simplement regarder ce qui se passe lors de l'introduction d'un nouvel emplacement. Tout mettre en avant est un excellent moyen de donner au public le plus d'informations possible. De cette façon, ils peuvent rapidement comprendre le nouvel environnement et ce qui se passe. C' est pourquoi dans le sport, presque tout est toujours
mis au point parce que nous voulons voir ce qui se passe à tout moment. C' est ainsi que la concentration peut avoir un effet sur notre public. L' autre paramètre que nous pouvons changer et notre caméra est la vitesse d'obturation, dont nous parlerons dans la prochaine leçon.
8. Vitesse d'obturation : Plus qu'une définition d'exposition: La plupart des gens considèrent la vitesse d'obturation comme une composante de l'exposition et comment contrôler le flou de mouvement. Mais ce qu'ils ne réalisent pas, c'est aussi une autre façon très intéressante d'influer sur la façon dont notre public se sent. N' oubliez pas que le fait de régler la vitesse d'obturation pour doubler notre fréquence d'images
produira des séquences qui ressemblent le plus à la façon dont nous percevons les mouvements irréguliers. À ne pas confondre avec la règle de 180 degrés, qui traite du placement et de la continuité de la caméra. Si nous abaissons la vitesse d'obturation, cela entraîne plus de flou de mouvement. Et tout comme le tournage avec une mise au point douce, utiliser plus de flou de mouvement peut également créer un sentiment de désorientation, comme dans les séquences de rêve, flashbacks ou les scénarios d'un autre monde. Si nous augmentons la vitesse d'obturation, il y a moins de flou de mouvement, qui rend tout très net et lisse. Mais si nous poussons la vitesse d'obturation très élevée, cela peut rendre nos séquences plus staccato comme. Ceci est souvent utilisé lors des scènes d'action où tout se passe très rapidement. Il intensifie l'action et donne même à nos images ou un sentiment plus chaotique. Et c'est un brillant exemple des deux techniques. Et la transition entre les deux. La vitesse d'obturation est également un moyen d'accélérer ou de ralentir la sensation de nos séquences sans avoir à augmenter la vitesse et le montage ou à filmer au ralenti. Et le ralenti est ce dont nous allons parler dans la prochaine leçon.
9. Ralenti: ralenti est une technique que je suis sûr que tout le monde ici a expérimenté simplement à cause de la façon dont la cowpox. Mais en dehors de la sensation esthétique à elle, c'est aussi une excellente façon de dire à votre public, Hey, faites très attention à cela. En tant que cinéastes, utiliser Slow Motion est une technique fantastique pour exagérer quelque chose important et pour s'assurer que notre public saisit les détails spécifiques que nous voulons qu'ils voient. Une autre utilisation efficace est de donner au spectateur un moment de rattraper et de construire de l'anticipation juste avant de plonger dans l'action rapide. la même façon qu'un DJ ralentit une chanson et construise lentement l'anticipation de la foule avant de
ramener la chanson entière et tout le monde devient fou. Eh bien, Slow Motion est un moyen pour les cinéastes de le faire d'une manière visuelle. Enfin, il peut aussi être un outil très utile pour transmettre les pensées intérieures d'une personne. Béni. Branches se brouillent, pincée de sel. Et bien sûr, il a juste l'air vraiment bon cinématographique, des exemples étant des concerts ou des sports. Mais lorsque vous l'utilisez à des fins de narration, utilisez-le de manière sélective et pour les bonnes raisons. Parce que plus vous l'utilisez,
moins il a d'impact à chaque fois.
10. Lumière dure et douce: Lorsque nous décidons comment allumer une scène, nous travaillons avec deux spectres de lumière. Nous avons notre lumière dure et la lumière douce. Et essentiellement ce que c'est la manipulation des ombres. Tout d'abord, jetons un oeil à l'éclairage dur. L' éclairage dur crée des ombres sévères avec des lignes distinctes, et généralement avec un grand contraste. Cela crée un sentiment d'opposition, de difficulté et de tension. Il est souvent utilisé pour les méchants et c'est un incontournable dans le genre du film noir. Cela crée un sentiment de pouvoir. Il peut intensifier une scène. Et il peut également mettre l'accent sur un caractère ou un objet spécifique. À l'autre extrémité du spectre, nous avons un éclairage doux. Il est mieux utilisé pour communiquer un sentiment de bonheur et de calme. Il est souvent utilisé pour des scènes romantiques et des fins heureuses. Pour ce clip vidéo, nous voulions aller aux extrémités extrêmes de la lumière
dure et douce pour démontrer le conflit intérieur et le désir du message des chansons. Pour créer le Hard Light, nous avons occulté un garage et utilisé un seul projecteur au-dessus pour que l'artiste puisse entrer et sortir. Remarquez comment cela crée des lignes solides entre la lumière et l'ombre. Et à certains angles, des
parties de lui disparaissent complètement dans l'obscurité. Cela aide à exagérer l'anxiété et la pression qu'il ressent. Ici. L' ombre de son menton fait ça pour qu'on ne puisse même pas voir comme le cou. Pour juxtaposer ses scènes. On a filmé la femelle à l'extérieur en utilisant la lumière du soleil. Et s'il y avait des ombres dures lancées, honneur, nous les adoucissons en utilisant des réflecteurs. Remarquez que les ombres sur elle sont très légères et qu'elles ne cachent pas ses traits. Cela vient compléter son attitude décontractée et heureuse tout en se promenant le long de la plage de façon rêvée. Pour correspondre à la lumière dure extrême qui ont été utilisés sur lui. Nous avons décidé de faire sauter certaines des scènes douces de LET sur elle. Et pour mélanger les deux extrêmes, nous utilisons des fuites de lumière comme un moyen de transition entre les deux.
11. Luminosité: Le deuxième choix que nous avons est la luminosité ou l'obscurité de faire nos scènes. Maintenant, cela peut être affecté par un certain nombre de choses telles que l'heure de la journée que vous filmez, ce soit la nuit, milieu de la journée ou l'heure magique. Et il peut également être affecté par le fait que vous photographiez à l'intérieur ou à l'extérieur. Mais pour cette leçon, nous allons simplement nous concentrer sur la façon dont le niveau de luminosité peut affecter l'humeur et la sensation de nos films. Quand tout est bien éclairé, il nous permet de tout voir, ce qui à son tour donne de la clarté et de la compréhension à ce qui se passe. D' où le dicton, clair comme le jour. Et quand nous ne comprenons pas ce qui se passe, cela nous donne naturellement un sentiment de calme. Cela à son tour, peut également fournir au public un sentiment de sécurité. Un chargement plus lumineux. Il se sent également plus positif et édifiant, ce qui explique pourquoi la plupart des comédies pour la majorité d'un film ou bien éclairé. Lorsque nous choisissons de laisser nos films plus sombres, cela a
naturellement l'effet inverse. Un éclairage plus sombre peut indiquer un drame ou un danger. Et parce que nous ne pouvons pas voir dans l'obscurité, il représente aussi l'inconnu. D' où le dicton, laissé dans l'obscurité. Pour les humains, l'inconnu peut être troublant parce que nous n'avons plus le sentiment d'avoir le contrôle de la situation. Les meilleurs exemples sont les films d'horreur. Lorsque vous regardez un film d'horreur, remarquez comment les moments effrayants seront la nuit ou dans endroits
sombres, ce qui nous amène à devenir tendus. Plus alerte. Peut-être que pour certains d'entre nous, même notre fréquence cardiaque augmente. Mais alors remarquez quand la partie effrayante est terminée, il y a une transition rapide vers la journée ou quelque part brillamment éclairée. Soudain, nous ressentons un sentiment de soulagement. Et en tant que public, nous avons une courte pause de la tension avant que le réalisateur replonge et nous ramène à qui ces montagnes russes. Dans la scène d'ouverture de ce court métrage, nous avons tourné la nuit pour créer ce sentiment de danger. Mais nous étions encore capables de jouer la lumière et l'obscurité l'un contre l'autre
en rendant tous les clichés féminins plus lumineux pour montrer son innocence, entrer dans la bonté. Alors que le mauvais personnage, nous avons gardé les tee-shots plus sombres. Et surtout, nous avons gardé son visage dans l'ombre pour les rendre plus dangereux. Et par contraste dans la lumière et l'obscurité des personnages, cela contribue à créer plus de tension à mesure qu'ils se
rapprochent de plus jusqu'à ce qu'ils finissent par se croiser. lumière contre l'obscurité est quelque chose que nous connaissons au niveau subconscient depuis que nous étions enfants. Nous sommes tous très familiers avec le bien contre le mal. Et nous avons probablement entendu le dicton, la différence est la nuit et le jour. Quand il s'agit de cinéma, jouer avec ces deux opposés peut être très amusant et extrêmement puissant.
12. Noir et blanc: Donc, le noir et le blanc est très similaire à la lumière et à l'obscurité. Mais il y a une différence très importante. Et c'est que lorsque vous utilisez le noir et le blanc, selon la façon dont nous l'utilisons,
il peut jouer des deux côtés de nos émotions. Le noir est souvent associé au mal et à la mort. Pensez aux funérailles et aux sorcières, par exemple. Et c'est pourquoi les images noires et sombres sont toujours si répandues dans les films d'horreur. Pensez aux associations que nous lui avons données au fil du temps. Il y a le mardi noir, la peste de la mort noire, les chats noirs. Mais il représente aussi le pouvoir, la sexospécificité et le mystère. Considérez la ceinture noire en karaté, les soirées cravates noires
fantaisie, ou le mystérieux marché noir. Pas surprenant. Le blanc a beaucoup des significations opposées du noir, telles que la pièce innocente et de nouveaux débuts. C' est associé aux anges, aux colombes et aux mariages. Mais il peut aussi être perçu comme vide, froid, stérile. Pense aux hôpitaux, hiver. Et pour les écrivains là-bas qui redoutent toujours une page blanche blanche. Lorsque vous utilisez simplement du noir et blanc. Il a la qualité unique de se sentir vieux. Et c'est à cause de notre association avec la photographie avant l'invention du film couleur. Maintenant que nous avons regardé le noir et blanc et comment cela peut jouer sur nos émotions. Dans les prochaines leçons, nous allons faire la même chose avec les autres couleurs. Je te verrai là-bas.
13. Tum, de la saturation: La couleur est si répandue dans notre vie quotidienne et dans tout ce que nous faisons. Il est très facile de négliger ou de sous-estimer l'impact qu'il a sur les États-Unis. Des études ont montré que la couleur d'une pièce peut affecter la façon dont nous nous sentons. La couleur de notre proche affecte la façon dont les autres se sentent envers nous. Cela peut même changer la façon dont nous interprétons le goût de la nourriture. Si vous avez déjà entendu le dicton, sentez bleu ou vert avec envie. C' est parce que toutes les couleurs ont un effet émotionnellement honnête. Et ce n'est pas différent quand on regarde un film. Il y a deux composants qui entrent en couleur. La première est la teinte, qui est la couleur réelle. Et le second est la saturation, qui est à quel point la couleur est vive ou pâle. Moins les couleurs sont saturées, plus elles sont fanées. Et cela donne l'impression de fatigue, d'être usé ou d'être vieux. Et il est souvent utilisé pour des flashbacks ou des moyens de nous rappeler le temps avant d'utiliser la photographie couleur. Si les couleurs sont très saturées, cela nous emmène dans des lieux d'imagination et de vivacité. La couleur peut d'abord être divisée en deux zones sur la roue de couleur. Chaud et froid. Couleurs chaudes étant rouge, orange et jaune. Les couleurs froides sont bleu, violet et vert. Les couleurs chaudes sont connues pour être stimulantes et juste une petite quantité peut créer une énergie. Mais si nous voyons trop de couleurs chaudes, elles peuvent en fait avoir tendance à se sentir un peu irritant et accablant. l'autre côté de la roue. Les couleurs fraîches sont connues pour soulager le stress, c'est pourquoi elles sont plus populaires pour créer un environnement calme et relaxant au sein de la maison. Pensez à l'océan ou à la forêt. Dans ce court métrage, nous avons choisi d'utiliser principalement des couleurs fraîches, puis de
les désaturer afin de donner au film une atmosphère grineuse et sombre. Pour ce court documentaire, c'était le contraire. Nous allions à un ton plus optimiste. Et donc nous avons essayé de filmer dans des endroits avec des couleurs plus chaudes. Et parfois, nous avons boosté la saturation afin de donner à cette vidéo plus pop et de se sentir plus heureux et positif. Mais les couleurs sont désignées comme un sens ou une émotion. Donc, dans les leçons suivantes, regardons chaque couleur plus en détail.
14. Rouge: Commençons par le rouge. Et c'est parce que c'est la plus intense toutes les couleurs. Il n'est donc pas surprenant que cela suscite aussi les émotions les plus fortes aux États-Unis. Le rouge représente l'Amour, le Pouvoir et la sexualité. Mais il peut aussi représenter bash, plénitude, colère et danger. C' est l'une des 3 couleurs premières de RGB. Donc, il est logique que c'est l'un des plus polyvalents. Dans cette scène, Read aide à intensifier la colère que ressentent les personnages. Dans ce clip vidéo, nous lui avons donné un thème cabaret et gardé la palette de couleurs rouge et noir pour souligner la sexiness du barman et son pouvoir sur les gars du groupe. Non seulement nous l'avons habillée en rouge et en noir, mais nous avons contrasté cela en demandant aux gars de porter blanc pour montrer davantage leur innocence par rapport à elle.
15. Bleu: bleu est le troisième des 3 couleurs premières, et il est sans doute la deuxième couleur la plus forte à côté de la lecture. Cela peut également expliquer pourquoi nous voyons toujours bleu et le rouge être utilisé par les partis politiques dans différents pays. Le bleu est considéré comme digne de confiance, chauve, et il offre un sentiment de calme et de stabilité. Ce n'est pas étonnant que ce soit la couleur la plus populaire que les hommes portent à notre premier rendez-vous. Bien que je suis sûr que les choix sont encore inconscients. Nous sommes un ciel bleu invoqué paix et bonheur. Le bleu foncé peut se sentir triste et représenter la dépression. Et comme il est sur le côté froid de la roue de couleur, lorsqu'il est utilisé de certaines façons, il peut également sentir froid et isolant. Le thème de ce clip vidéo était que l'artiste soit branché à technologie et inconscient du monde qui l'entoure pour l'aider à y parvenir. Chaque fois qu'on le montrait seul, on donnait des images de couleur bleue pour qu'il se sente froid et comme s'il était isolé du reste du monde. Et quand nous montrons d'autres personnes, cette vidéo a une tonalité
plus chaude et plus ambre afin de le séparer davantage de ce monde. Valeur attendue.
16. Vert: vert est la deuxième couleur de RGB, et il tombe sur le côté frais de la roue de couleur. Il représente des choses telles que la croissance, le verrouillage, la fertilité et, plus récemment, la technologie. D' autre part, il peut aussi indiquer la cupidité, l'envie et la maladie. Quand le vert est vu dans la nature, il se sent en bonne santé, mais dans les hôpitaux, il transmet un sentiment de maladie. Ce court métrage que j'ai édité avait une intrigue très inconfortable sur le sujet. Le directeur voulait un sentiment de maladie. Donc, quand il s'agissait de colorier le film, nous avons donné à certaines scènes un vert pâle désaturé pour y parvenir. Dans cette scène d'ouverture, vert illustre la nature et la santé. Puis, à la fin du film, on peut voir
qu'il représente de nouveaux débuts et de nouveaux progrès. Les films Fight Club et la matrice. D' autres excellents exemples de la façon dont la couleur verte peut être utilisée dans la réalisation de films.
17. Jaune: Il est souvent considéré comme des mots chauds, gaies et énergiques que vous pourriez très facilement utiliser pour décrire le soleil. intellect est une autre caractéristique qui est associée au jaune, ainsi que des idées. Et dans certains scénarios très rares, il peut représenter la lâcheté et avec un peu de manipulation comme la désaturation, et peut-être pendant cela un peu. Il est similaire au vert en ce sens qu'il peut aussi se sentir malade. Le film zodiaque utilise également le jaune comme l'une des couleurs principales, mais pas de la manière brillante et joyeuse. L' histoire porte sur un tueur en série et se
déroule à la fin des années soixante et au début des années soixante-dix. En utilisant des tons jaunes délavés et sales, il aide à donner au film un aspect plus ancien et un sentiment légèrement malade pour correspondre à la période de temps et au sujet. Un contraste intéressant est que le protagoniste, joué par Jake John Hall, est principalement accompagné par la couleur bleue. Dans cette scène de bureau, il est entouré de jaune et de brun et se distingue par son bleu vif. Et même dans cette scène de bar, il boit un cocktail bleu vif. Ce ne sont en aucun cas des accidents. Ce sont des façons subtiles dont les réalisateurs et les concepteurs de production influent sur
la façon dont le public se sent et comment ils relient les choses en regardant des films. Dans ce court documentaire, l'abondance du jaune joue à ses forces et contribue à créer un champ heureux et stimulant pour le film. Le jaune a également été utilisé pour attirer l'attention des gens. Et c'est pourquoi il est utilisé sur beaucoup de panneaux de signalisation qui avertissent de prudence. Donc, si jamais vous voulez vraiment attirer l'attention de quelqu'un ou faire ressortir quelque chose, pensez à le rendre jaune, surtout dans un cadre plus sombre.
18. Violet: Bien que le violet soit une couleur populaire, ce n'est pas une couleur que nous voyons beaucoup dans notre vie quotidienne quand nous le voyons,
il se distingue vraiment. Et la rareté remonte à des siècles, il y
a longtemps. C' était un processus si coûteux et difficile de produire la couleur que seuls les plus riches pouvaient se le permettre. C' est pourquoi aujourd'hui, nous associons toujours la couleur pourpre à la richesse, au pouvoir et au luxe. Il n'est pas non plus vu dans la nature autant que les autres couleurs, et par conséquent, il est considéré comme exotique et sensuel. Le violet est une combinaison de rouge et de bleu. Il n'est donc pas surprenant qu'il partage certaines des mêmes caractéristiques, comme l'audace et le pouvoir. Willy Wonka est un film rempli de couleurs vives. Mais curieusement, tout au long de la majorité du film, le seul signe de violet est sa veste, qui le fait vraiment se démarquer dans ce monde de bonbons exotiques qu'il a créé. La seule autre fois le violet est vu en abondance, est-ce vu ici où la fille riche est l'accent ? C' est peut-être une coïncidence. Mais je doute qu'une scène aussi importante ait été conçue de cette façon par accident.
19. Orange: Tout comme le jaune, l'orange est utilisé pour attirer l'attention des gens. Et c'est aussi considéré comme la plus énergique des couleurs. Il est très stimulant, est pourquoi il est associé à des choses comme la créativité et l'enthousiasme, ainsi qu'à la joie et même à l'équité. Mais comme mentionné précédemment, trop d'une couleur chaude comme l'orange, peut se transformer de stimulant, trop distrayant et dans certaines circonstances, même irritant. Dans le film, une Clockwork Orange. Il n'est pas surprenant que nous voyons l'orange assez souvent, même si elle semble gaie à cause des films troublants sujet, l'utilisation de l'orange se sent souvent plus prudente, irritant. D' un autre côté, dans ce clip, nous avons utilisé l'orange pour compléter le champ énergétique de la chanson et de la vidéo.
20. Lieu: Choisir le bon emplacement est une première étape importante pour
vous assurer que votre film ou les scènes du film ont le fichier de rakefile. Et si vous choisissez l'ArrayLocation, tout après, c'est un peu plus facile. Sans parler moins cher, surtout quand il s'agit de définir la décoration. Qu' est-ce que tu ressens quand tu vois des maisons abandonnées et des ruelles ? Personnellement, j'ai l'impression de danger. Pendant ce temps, assis à la maison sur le canapé se sent très en sécurité. Les salles de classe sont ennuyeuses, tandis que les aires de jeux sont amusantes. Les prisons sont ordonnées et le contenu est chaotique. Chambres à coucher ou bureaux personnels ou formels. Les plages et les forêts sont paisibles et lentes. Pendant ce temps, les villes se sentent occupés et se précipitent. Si notre histoire est supposée avoir un sentiment de liberté et d'aventure, alors il n'est pas vraiment logique de tourner à l'intérieur ou dans de minuscules pièces. On veut filmer à l'extérieur pour voir le monde entier. Maintenant, si nous filmons un film d'évasion prisonnier, alors filmer à l'intérieur et dans de petits espaces est ce que nous voulons
faire parce que nous voulons ce sentiment d'être pris au piège et de claustrophobie. Pour ce court-métrage, nous voulions qu'il ait une sensation sale, inconfortable et légèrement dangereuse. Donc, pour que les emplacements correspondent à cela, nous avons choisi des parkings vides, ruelles avec des graffitis et d'autres coins négligés de la ville. Même la voiture était une sorte d'emplacement. Donc, nous avons choisi tous battu voiture avec des taches et dense et des rayures. Et pour ce clip vidéo, nous voulions qu'il ait une énergie occupée pour lui. Donc, pour obtenir ça, nous avons tourné dans les rues animées et les intersections de la ville pendant la soirée quand nous savions qu'il y aurait beaucoup de trafic et de gens autour. Si vous n'obtenez pas le bon emplacement, alors peut-être que vous devrez modifier le projet autour de lui pour qu'il s'adapte. Ou peut-être que vous trouvez un endroit que vous
aimez absolument et que vous construisez un concept autour de cet endroit. Pour ce clip vidéo, nous avons réfléchi à de nombreuses idées. Et à la fin, nous avons décidé que le groupe devait jouer à la foule. Et que les membres du groupe devraient tous essayer d'impressionner une fille. Quand nous avons trouvé un lieu qui nous laissait filmer, il s'est avéré être un bar de style cabaret et il avait l'air incroyable. Donc, au lieu d'essayer de le changer et de le faire paraître plus rock and roll, nous avons adapté notre idée pour s'adapter à la barre et en profiter déjà. Look brillant. Essentiellement, c'était la conception de production libre. Pour s'adapter à l'emplacement. On a changé les tenues de tout le monde et au lieu d'être fan de la fille, on a fait d'elle la barman. Et nous changeons également la couleur et la conception de l'éclairage du noir et blanc à la plupart du temps rouge, mais avec des accents noirs et blancs. En fin de compte, l'emplacement a donné une vidéo de look
beaucoup plus unique et une atmosphère qui correspond mieux à la chanson dans notre idée originale. Très souvent, ce qui se passera, c'est que vous aurez un bon emplacement, mais ce n'est pas tout à fait parfait. Et c'est là que la décoration de l'ensemble entre en jeu. Et c'est ce que nous allons examiner dans la prochaine leçon.
21. Décoration: Ces décors de nos films doivent être décorés avec autant de soin et de détails que tous les autres aspects créatifs du film. Faire un grand set rend non seulement votre film plus crédible, mais s'il est bien fait, peut aussi agir comme un personnage silencieux. Maintenant, même si l'écran vert et CGI est plus en plus populaire et de plus en plus avancé. Certains des meilleurs cinéastes préfèrent encore la construction de leurs décors et les avoir dans la vraie vie. Parce qu'il offre un sentiment d'authenticité auquel CGI ne peut toujours pas correspondre. Comment sont réglés pour décorer. Il peut rapidement indiquer au public la période de temps. Si l'histoire se déroule dans une ville ou à la campagne sur des terres agricoles. Il en dit aussi beaucoup sur le personnage ou les riches ou les pauvres. Ils sont étudiants ou professionnels. Sont-ils organisés ou sont-ils bâclés ? Ou collection de disques montrera qu'il y a amoureux de la musique, électronique de
fantaisie et des voitures, Michelle richesse et des souvenirs sportifs. Ils sont évidemment fans de sport. Imaginons que nous tournons une interview dans une étude avec un beau grand bureau en chêne et des centaines de livres. Est-ce que cet espace pourrait très facilement fonctionner pour un professeur ou un écrivain. Mais en fonction de qui ce personnage ou qui est cette personne, va changer la façon dont nous habillons cet ensemble. Si c'est pour un professeur, on peut imaginer que la salle serait bien organisée. Le bureau serait clair, sauf pour une pile de papier, peut-être une lampe et peut-être un livre ou deux. Mais l'écrivain sera, ils auraient probablement une pages lâches et des notes éparpillées tout autour. Plusieurs tasses à café ou sandwich à moitié mangé et une douzaine de livres ouverts. Si les ensembles sont bondés, cela peut donner une sensation claustrophobe ou peut-être un confort, alors qu'un espace vide peut se sentir ordonné. Mais aussi isolé. J' ai identifié mon ami. Donc vraiment vous aimez dire qu' un bon exercice est de regarder autour de votre chambre ou de votre maison. Voyez ce qu'il dit sur qui vous êtes en tant que personne. Vos collections, vos décorations, vos photos, vos meubles. Ce même exercice peut être fait lorsque vous décorez un ensemble. Parce que tout dans cet ensemble dit quelque chose sur le personnage, l'endroit et le temps. Et tous les trois peuvent aller dans la création du taux sentir une atmosphère pour vos films.
22. Introduction sonore: Jusqu' à présent, dans ce cours, nous nous sommes concentrés sur les visuels, ce
qui est logique parce que c'est la chose la plus facile à identifier. Quand on regarde un film et qu'on en parle à quelqu'un,
on leur parle de ce qu'on a vu dans ce qui s'est passé dans le film, qui est tout visuel. Mais nous négligeons souvent l'audio. Et l'audio est le vrai maître de marionnettes qui contrôle nos émotions. Essayez de regarder un film qui n'a pas de musique. Et puis voyez à quelle vitesse vous vous ennuyez ou vous désengagez du film. C' est pourquoi, en tant que cinéastes, nous ne pouvons pas oublier cela et nous devons l'attirer autant d'attention que nous. Les visuels.
23. Créer l'ambiance: Au début d'un film, musique peut régler l'ambiance en quelques secondes, et il est beaucoup plus facile de le faire avec de la musique et des visuels. Alors, quel genre d'information on donne avec ces deux clips ? Eh bien, dans le premier, tout ce qu'on sait vraiment, c'est qu'on est sous l'eau. Et dans la seconde, il y a une sorte de haricots qui sont en cours de traitement. Vraiment. On n'a aucune idée du genre de film qu'on va regarder. Nous connaissons déjà le mode du film. Dans le premier exemple, c'est
intimidant, inquiétant, et dans le deuxième exemple, c'est gai et excitant. La musique a toujours été utilisée pour exprimer le bien contre le mal, ou la joie et la tristesse, ou elle donne le rythme, qu'elle soit rapide ou lente. Ce ne sont là que quelques exemples des différents types d' émotions et d'atmosphères que la musique peut aider à créer pour votre film. Donc, quel que soit le ton que vous voulez que votre film ait, vous devez trouver la musique qui convient à
cela, qui aidera à mobiliser le public.
24. L'effet Kuleshov: Pour prouver davantage comment la musique peut affecter et même changer complètement une scène. Nous devons d'abord nous référer au niveau d'artefact frais. La loi cool était notre cinéaste russe. Et 19-21, il a mis en place une expérience où il a filmé un homme avec une expression neutre. Il a ensuite édité la même photo aux côtés d'une fille dans un cercueil, d'
un bol de soupe et d'une femme sur un canapé. Lorsque ces éditions ont été montrées à un public, le public a applaudi ses talents d'acteur, sa pensée, il a fait un excellent travail de montrer différentes émotions, tristesse, la faim et la convoitise. Ce que le public ne savait pas, c'était que c'était le même coup dans chaque montage. L' expérience a prouvé qu'un seul coup nous en dit très peu. Mais quand deux coups sont réunis, c'est la clé pour créer l'émotion. Ou ces larmes de joie ou de tristesse. Eh bien, ça dépend. S' ils sont à un mariage, c'est de la joie. S' ils sont à un enterrement et que c'est de la tristesse. Mais en regardant simplement une personne qui pleure, nous ne savons pas ce que c'est. Ce n'est pas avant de voir leur environnement ou un second coup que nous comprenons le sens de leurs larmes. Nous pouvons également appliquer l'artefact frais à la musique en ajoutant
de la musique différente à la même prise de vue ou à la même scène. Une autre technique puissante que vous pouvez utiliser est de juxtapose la musique avec la scène. Par exemple, avoir de la musique joyeuse pendant un combat, même. Et ce que cela fait, c'est créer un sentiment de mal à l'aise pour le public parce que vous les faites sentir à des émotions opposées. Ce que je souligne, c'est que vous ne pouvez jamais sous-estimer l'importance de vos choix musicaux. Le bon choix de musique peut amener votre film à un niveau supérieur. Et le mauvais choix peut prendre votre public dans la mauvaise direction.
25. La musique est à l'intérieur ou à l'extérieur ?: C' est un concept intéressant que nous avons tous vu les films, mais pas nécessairement pris en compte. Il m'a fallu des années pour en être conscient et en comprendre la signification. Essentiellement, si la musique est à l'intérieur du film, cela signifie
que les personnages peuvent l'entendre et à leur tour, ils peuvent interagir avec lui. Quand de la musique est en dehors du film, comme une partition. Cela signifie que seuls les publics en mesure de l'entendre. Essentiellement, la partition est pour le public et la
musique à l'intérieur du film est pour le public et le personnage. Et si elle est faite correctement, une grande technique est de passer de l'un à l'autre. Donc, lorsque vous ajoutez de la musique à votre film, ne choisissez pas une chanson aléatoire et lancez-la avec la vidéo et pensez que c'est assez bon. Vous devez réfléchir, comment voulez-vous que cette musique soit incluse dans le film ? Et plus important encore, vous voulez réfléchir à la façon dont
cette musique affectera les personnages et votre public.
26. Créer de l'anticipation et donner des cues: La combinaison du son et de la musique est la clé pour construire l'anticipation et donner des indices à votre public. Et juste à partir de cette scène d'ouverture, la musique et les effets sonores nous disent déjà que ce film va être une poussée d'adrénaline passionnante. Un autre exemple brillant est le film Jaws. Chaque fois que nous entendons ce score, le public est mis sur le bord en ressentant de la tension et de la peur en prévision de la prochaine attaque de requin. Et dans l'exemple suivant, ou la musique a l'effet inverse. arrêt soudain de la musique peut également être utilisé pour augmenter le suspense des champs d'audience. Mais dans cet exemple particulier, avec le chant joyeux ainsi que la décoloration de l'obscurité à la lumière. Cela signifie la fin du danger. L' utilisation d'effets sonores peut également indiquer au public ce qui se passe hors de l'écran. Pensez à un plancher qui grince. Et le public entend qu'ils savent que quelqu'un est dans la pièce voisine ou marcher sur l'étage au-dessus. Et comme ces ruisseaux deviennent de plus en plus forts, le public sait que cette personne se rapproche de plus en plus. Lors de la prise de décisions
visuelles, les cinéastes se concentraient sur ce qui est à l'écran. Mais lorsque nous prenons des décisions créatives pour la musique et le son, nous devons élargir notre réflexion à ce qui est hors de l'écran. En tant que cinéaste vous mettre dans ce monde. Quel genre de choses voudriez-vous ici, quel genre de choses penseriez-vous ?
27. Musique ou de non-musique ?: Il vaut toujours la peine d'examiner si une scène a réellement besoin de musique. Comme nous l'avons vu, la musique peut aider le public comprendre le ton et l'atmosphère du film. Mais il y a des scènes où nous n'avons pas besoin de la musique parce que cela peut être distrayant. Donc, juste la conversation semble que c'est là que
nous voulons que le public fasse attention au dialogue. Ainsi, ils peuvent comprendre les prochaines étapes de l'intrigue et ramasser des informations
importantes pour l'institut. Gratter. Donc ce que je vais avoir besoin de toi, c'est de regarder ces photos pour moi. Nous sommes venus et ils ont besoin de savoir si l'un de ces hommes correspond à la description du côté menu du parc. Et puis il y a ces scènes où la musique peut fonctionner, mais aussi avoir juste des effets sonores peut fonctionner pour créer l'émotion que nous voulons pour le public. Les meilleurs exemples de ceci sont des scènes d'action. Donc, si vous trouvez qu'une scène fonctionne bien avec la musique ou avec juste des défauts, ou peut-être une combinaison des deux. Alors c'est un choix créatif que vous devez décider en tant que cinéaste. Que voulez-vous que le public ressente et comment voulez-vous qu'il en fasse l'expérience ?
28. Le pouvoir du silence: Ne sous-estimez jamais le pouvoir du silence. Trop souvent, les nouveaux cinéastes ressentent toujours le besoin d'avoir un dialogue, de la musique ou un type d'audio. Mais lorsqu'il est utilisé correctement, silencieux est l'un des outils les plus puissants dont nous disposons. Selon le contexte, il peut transmettre une désorientation ou une concentration extrême et un personnage et mettre en évidence des moments importants. Le silence entre les personnages peut créer des tensions et des émotions accrues. Où m'emmenez-vous ? Et le couper avec des scènes bruyantes ou de la musique peut également aider à souligner le silence et l'importance. Vous voyez que l'ensilage est un excellent moyen d'attirer l'attention du public. Parce que ce que vous avez fait en tant que cinéaste, c'est enlever
l'un des deux principaux sens que le public utilise pour regarder un film. Par conséquent, vous les avez maintenant forcés à se concentrer et
à prêter attention à tous les détails visuels afin d'essayer de regrouper ce qui se passe. Merci d'avoir regardé. Je verrai tout le monde dans la prochaine leçon.
29. Conclu: Félicitations à tous. Vous avez atteint la fin du cours. Et comme vous pouvez le voir, il y a tellement d'autres
choses que la mise en place d'équipements, appel à l'action et le montage. J' espère que vous prendrez en compte les concepts que vous avez appris dans ce cours et que vous les utiliserez pour mieux impliquer votre public. Rappelez-vous, prenez le temps de planifier correctement vos films et utilisez ces concepts pour amener vos films à un niveau supérieur. Encore une fois, merci beaucoup d'avoir suivi le cours et de faire du film heureux.
Scott Baker, Filmmaker
