Production musicale et écriture de chansons : apprendre à écrire des mélodies dans n'importe quel genre

1. Introduction à la mélodie: Les mélodies sont la partie la plus importante de la musique. Si une chanson est entraînante, c'est à cause des mélodies mélodies Ha sont ce qui nous pousse à revenir sur une chanson encore et encore, parce que nous avons besoin de réentendre cette mélodie Si vous ne perfectionnez qu' une seule compétence en musique, je vous conseille vivement de vous perfectionner dans l'écriture de mélodies, car une mélodie incroyable sur un rythme médiocre peut tout de même être un succès tant les mélodies C'est pourquoi dans ce cours, je vais t'apprendre à écrire des mélodies dans tous les genres afin que tu puisses écrire la musique de tes rêves les plus fous. Je suis Benza Maman Je suis diplômé en composition musicale et je travaille dans les coulisses de l' industrie musicale depuis 2010. J'ai écrit et produit des chansons pour d'innombrables artistes, et j'ai eu le privilège de travailler avec les auteurs et producteurs d' artistes tels que Taylor Swift, Paul McCartney, Luke Combs et bien Récemment, j'ai même reçu des millions de streams, de vues et quelques vidéos virales, et j'ai hâte de partager cette décennie de connaissances avec vous. Dans ce cours, vous apprendrez à écrire mélodies pour des chanteurs et des acteurs principaux de tous les genres Je n'expliquerai pas comment trouver votre son vocal unique. Production vocale et mélodique, comment devenir producteur vocal et comment rendre le parcours de votre mélodie principale captivant tout au long En musique, la mélodie est la marée qui monte à tous les âges. Donc, si vous apprenez à écrire de bonnes mélodies, vous avez appris à écrire bonnes mélodies. Ce cours est conçu pour vous donner les outils et connaissances nécessaires pour faire passer votre musique au niveau supérieur Que vous débutiez ou que vous essayiez de perfectionner vos compétences, je suis là pour vous guider à chaque étape. Et ne t'inquiète pas. Nous ferons en sorte que ce soit simple et engageant grâce de nombreux conseils pratiques que vous pouvez appliquer immédiatement. J'utilise Ableton Live, mais les outils et techniques utilisés par les IPT dans ce cours peuvent être appliqués à n'importe quel logiciel de production musicale Le devoir de ce cours est d' écrire votre propre mélodie, soit sur l'une de vos chansons, soit sur un instrument en ligne Donc, si vous êtes prêt à donner libre cours à votre imagination et à laisser libre cours vos mélodies, alors plongeons-nous dans le vif du sujet et créons de la 2. Melody is King: Bienvenue dans le chapitre Melody. Nous avons parlé de basse. Nous avons parlé de batterie. Nous avons parlé d' harmonie, et maintenant il est temps de parler de mélodie La mélodie est donc reine. La mélodie est la partie la plus importante de la musique. Si vous avez une chanson qui a une mélodie, la mélodie doit être la vedette de l'émission La mélodie est votre acteur principal. La mélodie est votre point central. La mélodie est reine. La plupart des chansons ont une mélodie principale. Et cette mélodie est généralement une voix principale ou une première ligne. Parfois, il y a une mélodie principale instrumentale qui fait partie d'une chanson, comme dans la chute d'un morceau de danse ou d'un riff, ou peut-être que c'est la chanson entière S'il s'agit d'un morceau de jazz instrumental. Un lead est une mélodie principale qui n'est pas une voix. Donc, tout ce qui ressemble une partie d'une chanson dont la partie principale est une partie de guitare ou une partie de synthé qui est la partie principale entre les voix ou plutôt, peu importe ce que c'est, s'il n'y a pas de voix, mais qu'il y a une mélodie, c' ce qu'on appelle un lead Leads et top lines, Topline n'est qu'une mélodie vocale leads et les premières lignes sont les parties les plus importantes de votre chanson. Tout le reste est là pour soutenir l'avance. Un bon point de référence pour le reste de votre rythme est de savoir si cela soutient la mélodie ? Si vous n'êtes pas sûr de votre partie de batterie, de basse batterie, d'harmonie, demandez-vous si cela correspond à la mélodie principale La voix donne des frissons, acapella, alors le bon choix pour cette chanson est probablement de la laisser capela Si la mélodie et la performance vocale sont suffisamment fortes sans battement, alors n'ayez même pas de battement C'est la bonne mentalité à avoir, laisser briller le chant parce que le chant est la partie la plus importante s' il s'agit d'une chanson qui a du chant Évidemment, si vous faites de la musique de danse, ce n'est pas totalement vrai car vous ne voudriez pas une chanson de capellla alors que une chanson de capellla alors le but de votre chanson est de faire danser les gens Vous devez toujours vous rappeler ce que vous recherchez spécifiquement dans votre musique. Même si vous avez la production la plus incroyable vous ayez jamais entendue et qu'elle est juste scintillante, mais qu'elle vous enlève ou que vous marchez sur votre voix principale, le bon choix serait couper et de laisser transparaître votre voix principale C'est le genre de mentalité que vous devriez avoir quand vous avez affaire à des chansons qui ont des voix. Melody est reine. 3. Écrire des mélodies partie 1: Nous allons maintenant parler de l'écriture de mélodies. Passons donc directement aux mélodies. Lorsque vous écrivez des mélodies vocales, vous voulez vraiment les laisser venir à vous Une bonne mélodie vocale doit être facile et évidente à chanter. Donc, vous ne voulez vraiment pas trop y réfléchir. Bien entendu, l'inspiration ne vient pas toujours. Vous pouvez donc toujours analyser et jouer vos mélodies vocales préférées et commencer à analyser et à comprendre quelles notes elles utilisent ? Y a-t-il de grands sauts, par exemple quelque part au-dessus de l' arc-en-ciel, vous savez, quelque part au-dessus de l'arc-en-ciel Nous y faisons un saut d'octave, puis il commence à descendre. Et puis il fait un autre saut et continue descendre, puis un autre saut et continue de descendre. Il est utile de connaître ces choses comprendre ce qui se passe dans les grandes mélodies Peut-être que vous écoutez de la musique rap, et vous vous dites : « OK, les mélodies que vous aimez ont tendance à être plus rapides, rythmées et à rester totalement dans une fourchette plus petite Le nouveau style de chant et de rap combiné contient ces mélodies rapides qui ne font pas de grands progrès. Enfin, vous voulez savoir quelles sont les notes de l'accord qu' ils chantent Et je dois juste dire qu'en général, pour beaucoup de musique pop, beaucoup de musique pop finit par chanter le tiers de l'accord C'est parce que le troisième a tendance à avoir la valeur la plus harmonique. Bien sûr, ce n'est pas du tout vrai pour toutes les chansons. Il n'y a aucune règle dans l'écriture de Melo. Comme je l'ai dit, chanter le tiers d'un accord est généralement agréable Les chansons à succès ont tendance à se situer autour de la deuxième ou de la troisième touche, et il est généralement judicieux de passer d'une note à l'autre. Avec de temps en temps un grand saut, surtout s'il est suivi d'une descente, comme nous l'avons exploré dans Over the Rainbow. Si vous faites un grand saut, il est généralement préférable d'atterrir sur une note forte dans l'accord, comme le premier tiers ou le premier cinquième bonnes mélodies ont tendance à être simples si quelque chose de très compliqué sera probablement difficile à retenir pour l'auditeur, donc moins habitude, vous n'avez pas envie de devenir fou , grand pas après pas, et vous voulez toujours écrire avec votre cœur, pas avec votre tête, vous voulez sentir la mélodie Si cela fait mal aux cordes de votre cœur, c'est le bon choix. ne faut pas trop se perdre et oh, il faut que ce soit le troisième, le deuxième, le cinquième et peu importe. Vous ne voulez pas y aller lorsque vous écrivez des mélodies. Encore une fois, pour les mélodies vocales, je veux vraiment laisser la mélodie vous venir à l'esprit, et nous verrons à quoi cela ressemble Si vous avez au moins deux mélodies différentes , vous avez une chanson Si vous jouez un beat, que vous avez cette mélodie principale qui vous revient sans cesse , puis que vous en avez une autre, deux mélodies suffisent pour créer Si vous en avez trois ou quatre, c'est encore mieux. Mais deux mélodies, et tu as une chanson. Écrivons donc une mélodie sur ce rythme ici. Et vous savez, parfois, vous pouvez créer et composer la mélodie la plus parfaite toutes les tiers et les secondes et qui est techniquement parfaite Et ça ne fait tout simplement pas du bien de chanter. Et parfois, comme si ce que vous voulez chanter ne touchait pas toutes ces notes clés. Vous voulez toujours choisir ce qui vous convient le mieux. Et vous n'avez pas à vous soucier d'enregistrer vos mélodies à tout moment, car au début des Beatles, ils n'avaient aucun moyen d' enregistrer en dehors du studio John Lennon et Paul McCartney écrivaient donc des mélodies ensemble Et s'ils venaient au studio et qu'ils ne s'en souvenaient pas, c'était suffisant, car si vous écrivez de la musique commerciale, vous voulez que votre mélodie soit mémorable Donc, si vous ne vous en souvenez pas, vous pouvez essentiellement garantir que votre auditeur ne pourra pas s'en souvenir Donc, si vous ne vous en souvenez pas, c' est tout à fait normal, car vous continuez à chercher une mélodie dont vous finirez par vous souvenir Il existe de nombreuses manières d'écrire des mélodies. le moment, nous allons explorer la principale façon dont j' essaie d'écrire des mélodies, savoir que je fais jouer un beat Et puis je marmonne un peu de charabia, peut-être quelques Je suis du freestyle, mais ce n'est pas du tout une question À ce stade pour moi. J'essaie juste de trouver une mélodie Je n'aime pas. Je ne le sais pas. Donc, écrire des mélodies pour moi ressemble beaucoup à ça. Je suis en quelque sorte en train de fredonner pour moi, d'essayer de trouver quelque chose qui fait du bien à chanter Et parfois, une mélodie vous vient à l'esprit. Et puis c'est ainsi que vous savez que c'est généralement un bon choix. Si rien ne vous vient à l'esprit, vous pouvez suivre la voie du compositeur et il n'y a rien de mal à cela. Mais je suggère toujours d'abord d'essayer de vous mettre à l'aise, coiffer librement et de voir si quelque chose de bon pour vous apparaît. Une autre mélodie, qui pourrait ressembler à n'importe quel jour. Et je ressemble au jour le jour J. Et je marche et c'est juste une sorte de freestyle. jour J. Et je marche et c'est juste une sorte de freestyle C'est très personnel, très émouvant. Tu veux vivre dans un espace émotionnel sûr où personne ne te jugera ou où tu ne te jugeras pas toi-même parce que tu dois juste exprimer toutes tes idées, tu sais ? Tu ne sais pas ce qui va être bien. Tu ne sais pas ce que tu vas trouver. Peut-être que la première mélodie que je chantais est un peu meilleure Essayez différentes choses. Les choses ne cesseront de vous revenir. Et il s'agit simplement de passer du temps avec son rythme, freestyle pendant environ 20 minutes. Fais une pause, fais autre chose, reviens. Tu te souviens d'une de ces mélodies ? Ressentez-vous encore certaines de ces mélodies ? Et si c'est le cas, si quelque chose vous a marqué, alors c'est le bon choix. Tu es du genre : « OK, allons-y et continuons dans cette voie avec cette mélodie Dans le cas présent, j'ai trouvé une mélodie, et j'ai écrit quelques mots que nous allons enregistrer et écrire les paroles dans une leçon ultérieure Mais c'est la première mélodie que je chantais. Je l'ai enregistré, et voici à quoi ça ressemble. Mazo Cono Nous avons été tellement Naso. Nous avons parlé à New York avec la cassette. Je t'ai trouvé. Temi, Mme Co. Nous avons été tellement Naso. Nous avons parlé à New York avec la cassette. Je t'ai trouvé. mélodies sont très subjectives Vous pouvez écouter vos mélodies préférées et essayer d'écrire de la musique dans ces styles Mais en fin de compte, ce qui te fait du bien sera ce que tu devras choisir avec tes mélodies. 4. Écrire des mélodies partie 2: Supposons donc que vous ne vouliez pas suivre la voie du freestyle ou du freestyle avec vos mélodies, et maintenant les choses vont vraiment se la voie du freestyle ou du freestyle avec vos mélodies, et maintenant les choses vont vraiment se passer. Vous pouvez utiliser le piano ou le piano roll si vous voulez le programmer, et vous pouvez aborder cela davantage dans un état d'esprit de compositeur. Nous avons ici nos tâches de base. Nous sommes donc dans la tonalité de C, et nous utilisons principalement F, G C. Muscle que vous ne connaissez pas. David Donc, la mélodie que je chante était So we're mostly playing Comme je l'ai dit, la deuxième et la troisième tonalité sont généralement très belles, mais ce sont des notes différentes. Dans la tonalité de do, le troisième et le deuxième seraient D et E. Donc, pour le troisième et le deuxième, si nous voulions passer du temps ensemble, il y aurait une mélodie différente Donc, si je voulais faire une mélodie basée sur les deuxième et troisième tonalités, comme je l' ai dit, comme font beaucoup de chansons pop, ce serait cette mélodie ou une version différente de celle-ci. Ce n'est qu'une idée. Donc, si je devais chanter ça, on pourrait voir si ça fait du bien de chanter ? Je n'ai pas encore de paroles. Nous allons juste marmonner quelques paroles, et ce serait comme un sundae Je ne le trouverai jamais. J'ai oublié la fin, mais, genre, c'est bon. Je pense que c'était mieux de chanter cette autre mélodie, mais il est bon de savoir que d'autres outils sont à notre disposition Voici donc la mélodie que nous jouons. Et je tiens à attirer l'attention sur le fait que la plupart des mélodies sont pentatoniques, en particulier la plupart des mélodies de musique pop mélodies commerciales Ils sont généralement pentatoniques. Donc, si vous vous habituez à cette gamme et que vous vous contentez de mixer certaines de ces notes, vous obtiendrez probablement une bonne mélodie Là, je suis juste en train de me balader dans les notes pentatoniques Et en gros, ils sonnent tous bien. Donc, si vous êtes vraiment bloqué, pensez à la pentatonique. Les mélodies pentatoniques sonneront toujours bien. Donc, si vous avez vos notes pentatoniques, elles peuvent être celles à partir desquelles vous commencez à écrire Et si vous voulez être très technique, vous pouvez dire : OK, eh bien, essayons d'écrire habituellement autour du deuxième et du troisième de la touche. Et prenons également toutes ces autres notes pentatoniques. Maintenant, un autre outil principal de l'écriture mélodique est que vous ferez principalement des mouvements par étapes. plupart du temps, cette note ici, La plupart du temps, cette note ici, ce D ira au E ou au C. Le C va descendre au A parce que c'est la note suivante la gamme pentatonique, ou il ira au D. Le A ira au C ou au G. Le G ira au A ou au F. Le F n'est pas réellement dans la gamme pentatonique Peut-être que le G irait vers le E. Mais le F est dans la touche, donc c'est à vous de décider si vous voulez l'utiliser. Si vous utilisez habituellement step is motion, c'est assez simple. Ce qui monte va redescendre, je me promène. Et une bonne mélodie est généralement composée d'un pas en mouvement avec un grand saut qui remonte ou descend selon l'endroit où vous vous êtes rendu Si ça saute jusqu'ici, alors tu devrais y retourner à pied. Ou peut-être celui-ci pour sauter ici. Il saute jusqu'ici, puis redescend à pied Faisons donc de grands sauts et marchons sur ce cordon. Ce sont donc différents exemples où nous sautons ici et où ils redescendent à pied. Nous sautons ici et descendons à pied. Nous sautons et remontons à pied. Sauter vers le bas. Et tu veux trouver un équilibre avec le fait de passer du temps ici ? Et puis, vous faites un grand pas en avant. Ensuite, vous marchez dans la même zone, peut-être autour du deuxième et du troisième point de touche, puis vous faites un grand saut, puis vous redescendez à pied. J'écrivais toutes mes mélodies au clavier parce que je voulais que la composition soit Je voulais composer ces mélodies géniales. Et il n'y a rien de mal à cela. Vous pouvez créer de superbes mélodies au clavier ou dans le rôle de piano dans Ableton ou dans tout ce qui vous convient n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de composer des mélodies, et en fin de compte, il existe de nombreuses façons de s'y prendre pour trouver quelque chose qui vous plaît et qui vous fait du bien. 5. Écrire des mélodies partie 3: Nous explorons donc l' écriture de mélodies. Mais il faut généralement plus d'une mélodie pour une chanson. Et comme je l'ai déjà dit, si vous avez deux mélodies, vous avez une chanson La structure musicale la plus classique est A B. Cela remonte même à la musique classique. Vous avez une partie A, vous avez une partie B. Et la musique prend la forme A, B, A B ou A B A, ou bien l'une de ces parties se répète. Si vous avez deux mélodies, vous avez une chanson. Vous pouvez avoir plus de deux mélodies, et une grande partie de la musique pop moderne comporte un couplet, un pré-refrain, un refrain et un post-refrain, genre, beaucoup Mais pour commencer, concentrons-nous sur deux mélodies, car c'est tout ce dont vous avez besoin, et certaines des chansons les plus incroyables jamais écrites ne sont que deux Une structure très classique pour les mélodies, c'est comme avoir un couplet plus bavard , au son plus décontracté, puis un refrain plus chantant C'est l'une des formules les plus élémentaires, où vous avez soit une chanson rock, mais le chant est un peu plus, du genre « Yeah, like », conversationnel, soit une chanson de rap où, genre, rap dans le couplet Et puis, dans les deux cas, le refrain ressemble à un moment où l'on chante Et c'est un bon contraste. C'est généralement un bon voyage pour poursuivre les chansons. Bien sûr, vous êtes peut-être un chanteur folk où toute la chanson est chantée, et rien de tout cela ne ressemble conversation plus décontractée C'est tout à fait normal. Ou vous pourriez être comme Billy Ish, qui a un style de chœur très conversationnel C'est également très bien. Il n'y a pas vraiment de règles, et quelle que soit la tendance qui ne l'est pas, c' est généralement ce qui va se passer ensuite. Il est donc bon d'explorer et d'essayer, comme l'inverse de ce que vous pensez vouloir. Mais avoir deux parties contrastées est généralement une bonne chose. Si vous avez un couplet rapide et conversationnel, vous avez un refrain plus lent qui a peut-être une texture plus mélodique. Ce n'est qu'un aperçu de base de ce que vous pouvez faire avec deux mélodies contrastées Une autre chose agréable à faire avec plusieurs mélodies est que vous avez trois mélodies , une mélodie en couplet, une mélodie de préaccord et une mélodie de refrain, et que celles-ci se répètent, peut-être tout au long de la chanson. C'est bien que chaque mélodie commence sur un rythme différent Donc, si nous y allons, écoutez notre rythme, un, deux, trois, quatre, un, deux, trois, quatre, un battement, une mélodie pourrait commencer sur le rythme. Tu sais ? Et voilà, da da da da da da da da da da da da. C'est comme si vous partiez du bon pied. Ensuite, votre prochaine mélodie pourrait commencer après le beat. Donc c'est comme da da da da da, da, da. Remarquez que c'est comme da da da da da da da da da da da. Il y a un rythme, puis la mélodie suivante arrive. Et puis il se peut que votre troisième mélodie arrive avant le beat. Donc c'est comme un, deux, trois, quatre, un, deux, da da da. Jour, jour. Ce sont donc les trois endroits différents où un beat peut commencer, peux commencer après le beat, où je peux commencer après le beat et où il peut commencer avant. Et c'est bien quand tu crées tes mélodies. Mais supposons que votre mélodie de couplet arrive juste au rythme, votre mélodie de prérefrain arrive juste après le battement, puis que votre refrain entre Et pour les mélodies qui arrivent juste avant le rythme, elles ont tendance à dégager beaucoup d'énergie Si vous écoutez, disons, Post Malone, beaucoup de ses mélodies arriveront avant le beat Ils y consacrent donc beaucoup d' énergie. Les mélodies qui commencent avant le rythme sont très excitantes. Cela génère donc beaucoup d'énergie, car vous obtenez des informations avant même que le rythme ne soit atteint C'est comme si vous vous penchiez déjà, puis le rythme frappe, puis vous êtes comme si vous descendiez la diapositive. Et vous voulez combiner cela avec une mélodie commençant sur différentes parties du rythme Si vous combinez des mélodies qui commencent sur différents rythmes de la chanson, qui commencent sur différents rythmes de la chanson, et une mélodie qui se trouve peut-être dans cette gamme tonale, une autre mélodie qui se trouve dans une autre gamme tonale, puis une autre mélodie qui se situe même dans une gamme tonale différente. une mélodie qui se trouve peut-être dans cette gamme tonale, une autre mélodie qui se trouve dans une autre gamme tonale, puis une autre mélodie qui se situe même dans une gamme tonale puis une autre mélodie qui même En plus d'avoir des vitesses différentes. Peut-être que le couplet est plutôt un rap, un rap, et c'est comme une très petite gamme mélodiquement Et puis le pré-refrain saute peut-être vraiment très haut. Ensuite, il passe au refrain, qui est une combinaison des deux, où il y a de l'énergie Ce n'est pas très haut, mais c'est plus haut et plus de chant que le couplet Vous avez des mélodies contrastées qui commencent sur rythmes différents et qui ont différents types de voyages mélodiques concerne les sauts Ensuite, vous avez un parcours assez intéressant avec votre chanson. Et en fin de compte, la mélodie principale représente le parcours de la chanson Donc, en faire un voyage captivant au cours duquel différentes choses se produisent et peut-être un petit rebondissement et une surprise ne fait que rendre votre musique encore meilleure. 6. Écrire des mélodies partie 4: Parlons de séquences, motifs et de mélodies d'une note Vous êtes peut-être plutôt un auteur-compositeur de paroles. Et c'est tout à fait normal. Une technique que vous voudrez peut-être essayer est d' avoir une mélodie d'une note Vous avez donc vos mots, et vous dites simplement votre mélodie d'une note sous forme de rythme John Lennon a en fait écrit Lucy the sky with Diamonds en une seule note Alors imaginez-vous dans un bateau sur une rivière avec des mandariniers et un ciel de marmelades Il l'a donc écrite sous la forme d'une note, et tout au long de son travail en studio avec le reste du groupe et les producteurs, ils en ont obtenu d'autres Mais c'était écrit comme si vous vous imaginiez dans un bateau sur une rivière avec des mandariniers et un ciel de marmelades Vous pouvez écrire quelque chose sur une seule note, puis selon la forme que vous souhaitez donner aux mots, vous pouvez commencer à faire en sorte que votre mélodie suive la cadence naturelle ou forme naturelle du mot que vous pourriez prononcer Disons que si vous dites quelque chose d'édifiant, votre mélodie augmentera peut-être Si vous dites quelque chose de triste, il se peut que votre mélodie baisse et que vous puissiez aborder les choses de cette façon Parlons donc de séquences et de motifs. Une séquence est un motif répétitif de notes qui descend ou monte généralement selon ce schéma répétitif. Alors, qu'est-ce que cela signifie ? Pensez à cette chanson Unholy de Sam Smith. Had So, ce que nous avons là, c'est cette mélodie. Ça, comme Da Da Da. Donc, la partie principale de cette mélodie est cette séquence. R. Alors. Da C'est une séquence. Il s'agit essentiellement de la même forme mélodique. Da. Descendez la balance. Et ça commence ici, ça monte, puis ça redescend. Ensuite, il descend sur le côté suivant de la balance, monte puis redescend. Voilà donc ce que sont les séquences. Et beaucoup de mélodies utilisent des séquences. Vous pouvez penser à Barry, votre ami Billy Alas. Un jour, un thé. C'est une séquence vers le bas. C'est le même schéma. Tara. Ensuite, notez une note. Tara. Encore une fois redescendu. Tara. Et puis, à la fin de toutes ces séquences, ils le modifient généralement. Tara. Ou un profane. C'est comme un petit changement au final. Donc, ce que nous voyons avec ces séquences, c'est qu'elles commencent un peu plus haut dans l'échelle. Quel que soit le schéma, vous le faites, puis vous passez à la note suivante, vous faites le même schéma, puis vous passez à la note suivante. Et soit vous l'attachez avec un objet légèrement différent à la fin, soit vous refaites le même schéma et l' attachez au quatrième ou ce que vous voulez faire. Mais il est utile de considérer vos mélodies comme ces différentes parties Et si vous pouvez isoler, oh, c'est un modèle qui devient alors une séquence. Les séquences sont vraiment intéressantes lorsque vous faites peut-être un grand saut vers le haut et que vous aimez une séquence qui descend. Over the rainbow a un peu la même sensation. Par Stara. Par taré Faites un piège à thé. Donc, vous entendez le même rara. Sont. Il s'agit de la même forme mélodique et du même motif à partir de notes différentes Les séquences sont donc de bonnes choses à avoir en tête lorsque vous écrivez. Enfin, je voudrais parler des motifs. Pour moi, un motif est une très courte combinaison de notes qui se répètent sans cesse et que l'on trouve sans cesse, ainsi que beaucoup de musique. Beaucoup de musique est pentatonique. Cela signifie cinq notes, une échelle de cinq notes. De toute évidence, il y aura un certain chevauchement entre tous les compositeurs du monde qui ont déjà vécu et qui vivront toujours, en utilisant cinq notes pour écrire une chanson. Oui, nous allons entendre certaines des mêmes notes. Je tiens donc à attirer votre attention sur certains des principaux motifs que j'entends. L'une d'elles est la pentatonique mineure Mara, on retrouve dans de nombreuses chansons différentes C'est ce qu'il y a dans la chanson. C'est le moment de la saison où l'amour est à son comble. Alors écoute ça très vite. Ici. Cette base de référence, mais. Vous remarquerez que c'est également une partie de la mélodie vocale, et ces notes spécifiques sont entendues à maintes reprises. C'est la période de la saison. Et l'amour est haut. À cette époque. Dans ce laps de temps, bosse, bosse Ce sont également les mêmes notes que celles-ci. Des cours dans une autre tonalité. Vous remarquerez exactement le même motif mélodique dans cette chanson. Quand tu dis « I Da way ». Dites-moi pourquoi. Jour, jour. C'est la période de la saison. Dites-moi pourquoi. Ce sont exactement les mêmes notes. Et ce motif, Dada, figure dans d'innombrables musiques de films, chansons célèbres C'est un motif très connu qui est l'un des plus courants. Permettez-moi d'attirer votre attention sur un autre point. Jour, jour. J'adore ça. Vendredi soir dernier. C'est une chanson de Katy Perry. Jour, jour, jour, jour. C'est aussi ce que j'adore. Papa, papa, papa. Ce vieux McDonald's Riff. Donc ça et. Ce sont deux motifs mélodiques très, très courants qui sont utilisés dans de nombreuses chansons, et vous pouvez les utiliser dans vos chansons Donc, ce qui se passe, c'est Dare. C'est descendre le troisième, le trois, le deux, le un. Il y a le tonique. Non, c'est la note principale de la clé. Donc, de même, pour l'autre, c'est marcher jusqu' au tonique du mineur. Ainsi, lorsque vous marchez vers le majeur ou le mineur ou vers le majeur ou le mineur, une sensation très puissante de tirer vers le tonique . Vous pouvez donc marcher jusqu'au pentatonique d'une manière majeure, et vous pouvez également descendre le pentatonique mineur Je sais que c'est beaucoup d'informations. Et ce n'est pas très important de savoir, OK, quelles sont toutes les chansons qui utilisent ce motif ou autre. Mais vous pouvez commencer à écouter de la musique d'une manière légèrement différente parce que vous commencez à écouter. OK, est-ce que tu as des chansons préférées qui utilisent les mêmes motifs mélodiques Tu sais ? Ils peuvent être dans des tonalités différentes, ils peuvent donc avoir un son différent. Mais quand il s'agit de commencer à analyser vos mélodies préférées et de comprendre, d'accord, utilisent-elles des séquences Utilisent-ils les mêmes motivations, peut-être ? Utilisent-ils l'un des motifs que j'ai mentionnés ? Il y en a beaucoup d' autres courants. Et tu peux commencer à comprendre, qu'est-ce que tu aimes dans les mélodies Parce que si vous commencez à devenir plus conscient de ce que vous aimez, vous aurez plus de chances d'écrire quelque chose que vous aimez. 7. Leads instrumentaux : capturer les projecteurs: Toutes les mélodies ne sont pas des mélodies vocales. Explorons donc quelques pistes instrumentales. Les leads instrumentaux peuvent être joués sur n'importe quel son, n'importe quel instrument ou n'importe quel synthé. On les retrouve dans tous les genres, du jazz comme George Benson à Avici , en passant par leurs talents vocaux , une forme plus moderne de Jetons donc un coup d'œil à quelques pistes instrumentales. Voici donc un rôle instrumental que j'ai joué pour ce beat. Cette mélodie sonne bien comme un piano sur ce rythme. Ce qui est bien avec les mélodies instrumentales c'est qu'elles sonnent parfois bien, mais elles ne sont pas si logiques à chanter Je ne sais pas si chanter cette mélodie serait aussi cool que de l'entendre au piano Vous pouvez également écouter cette chanson Kids by N GMT. Ils y ont une mélodie instrumentale incroyable. Y. C'est donc une très bonne mélodie, mais je ne pense pas qu'elle sonnerait aussi bien si elle était chantée, donc c'est parfait pour être un lead instrumental De même, vous pouvez avoir cette mélodie, une chanson Harry Style. Allez, hé, nous vous le disons. Juste ici. B. Donc. C'est assez accrocheur et ça sonne vraiment bien comme mélodie instrumentale, mais elle ne se prête pas forcément très bien à être chantée C'est donc parfait que ce une mélodie instrumentale, que ce soit Cigo, c'est avant tout une affaire de prospects. I. Le but de cette partie, c'est qu'il s'agit d' sorte de découpage vocal instrumental. Ce ne serait donc même pas la même chanson si cette partie était chantée normalement. Les leads instrumentaux peuvent donc être très puissants. Allons-y et examinons un autre exemple. Voici ce Dan. Voici la mélodie principale. Une qualité vraiment émotionnelle. Ce qui allait de soi, veuillez prendre position. Amusant. Par exemple, ça n'aurait aucun sens d'être chanté. C'est donc le type de lead instrumental parfait. Explorons donc grossièrement en essayant de recréer ce que je pense être les caractéristiques les plus importantes de ce son Frei Donc, tout d'abord, nous avons ici un gazon rythmique très rapide Il s'agit principalement de cette note. Et puis on passe principalement à cette note. C'est donc une mélodie très rythmée, qui apporte beaucoup d' énergie à la pièce Et c'est en quelque sorte la partie autre que la batterie qui anime vraiment toute la chanson. Et ce que nous avons ici, c'est que nous avons une piste déterminante. J'ai tiré le meilleur parti d'Ableton. De toute évidence, Fred sonne encore une fois mieux. Il y a probablement passé plus de temps . Et c'est un son plus doux, et je ne suis pas sûr qu'il ait même emprunté cette voie pour le produire, mais ce qui compte dans ce son, c'est le genre de notes qu'il joue Il joue donc beaucoup de notes rythmiques très rapides, et beaucoup d'entre elles sont courtes, ce qui ne fait qu'ajouter au rythme. Ce M donne donc beaucoup d'énergie, et il est très chic à lui seul. Ensuite, son son est vraiment en train de se transformer et de changer Il y a donc presque une qualité de chanteur, en quelque sorte parce que ce n'est pas comme si la même note frappait à chaque fois, même si c'est ce qui est joué Nous entendons le son changer et évoluer. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai beaucoup automatisé. J'automatise cette coupure de filtre et cette transformation du filtre, et voici comment je l'automatise Je l'ai donc fait d'une manière assez uniforme juste pour entendre à quoi cela ressemblait, et cela sonnait exactement comme je l'espérais. Nous avons donc la coupure du filtre, qui s'automatise beaucoup plus rapidement, puis nous avons la transformation du filtre, qui passe à Ce qui se passe, c'est qu' gros, sur chaque note, la texture du son se déplace sur chaque note. Nous obtenons donc un son qui évolue pour conserver notre intérêt. Donc, ce lead instrumental, parce que c'est le point central, doit être très intéressant et retenir votre attention. Donc, pour ce faire, et l'un des meilleurs moyens de garder votre attention, c'est de changer les choses. Ainsi, en automatisant, vous changez continuellement les choses. Tu ne lis pas ces deux-là en haut ? Ici, j'ai écrit avec le même type d'automatisation. J'ai écrit une mélodie différente pour différents accords juste pour écrire ma propre mélodie afin de vous montrer comment vous pouvez utiliser cette technique sur Donc, toutes ces notes ne sont pas parfaitement à temps. J'aimerais détailler cette mélodie et y consacrer beaucoup plus de temps si j'étais vraiment sérieux Mais j'essaie juste d' aller ici pour montrer. Quantifions-le rapidement. J'essaie juste de vous montrer comment vous pouvez utiliser le même schéma et la même technique de répétition rapide des notes. Tu sais, ce sont comme des notes rythmiques rapides. Vous vous concentrez généralement sur une note pendant un certain temps. Passez ensuite à une autre avec cette automatisation, comme Fred Again l'a fait, mais sur vos propres compositions. Une grande partie de la musique jazz comportera également des acteurs principaux. Vous avez par exemple une trompette qui joue la mélodie principale de l'été, ou vous avez George Benson qui joue de la guitare Bresen ou quoi que par exemple une trompette qui joue la mélodie principale de l'été, ou vous avez George Benson qui joue de la guitare Bresen ou guitare Bresen Vous pouvez avoir différents instruments jouant le rôle principal dans différents genres, et cela se produit tout le temps. La meilleure façon que je trouve d'intégrer des leads instrumentaux est probablement de les associer à une voix principale. Par exemple, si vous écoutez Bad Guy de Billy Ilis, il contient principalement une voix principale, puis il passe à la partie synthé, Do d, d, d, d, d do do do do C'est donc comme une combinaison des deux. Ou si vous écoutez Summer Breeze, il y a le baa d d, qui est à la guitare, je crois, puis il passe à une voix, ce qui rend les choses intéressantes Vous avez votre parcours principal, qui est le parcours principal de la mélodie, consiste à rester intéressant avec les différents acteurs qui viennent jouer le rôle Vous avez donc votre voix principale. Ensuite, vous avez votre synthé principal, votre guitare principale, votre clavier Lee ou une autre pièce qui entre en jeu Et cela, pour moi, améliore et enrichit vraiment l' histoire qui est racontée 8. Voix : le rôle du producteur dans l'excellence de la performance: Maintenant que nous avons parlé de voix et de leads instrumentaux Nous revenons au chant. Un peu plus sur le chant, car en fin de compte, s' il y a une voix dans votre chanson, c'est le plus important Revenons-en donc au chant. La plupart des musiques ont une voix principale. Ainsi, même les chansons qui ont un drop ou un lead instrumental pour une section ont généralement une voix principale pour les autres sections. Encore une fois, une fois que vous avez au moins deux mélodies, une version, un refrain, vous avez une C'est bien si ces mélodies sont contrastées. Et s'il y a une voix, le travail du producteur est de mettre le chanteur à l' aise et de l' aider à trouver la bonne interprétation pour la chanson. Peut-être avez-vous un chanteur incroyable qui réussit, ou peut-être que vous chantez vos propres chansons et que vous réussissez. Mais la plupart du temps, si vous êtes producteur, si vous êtes assis derrière l'ordinateur portable et que quelqu'un d'autre enregistre, votre travail devient soudainement un peu celui d' un psychologue où vous essayez de faire en sorte qu'il se sente en sécurité et à l'aise afin qu'il puisse obtenir le meilleur rendement possible. Parce qu'en fin de compte, votre mélodie principale, si elle est chantée, ne sera que votre mélodie principale, si elle est chantée, aussi captivante et aussi bonne performance que ce que vous êtes capable d'enregistrer Vous pouvez donc vraiment plonger dans la performance et vous assurer que la chanson est à couper le souffle quand elle a besoin d'être époustouflante et qu'elle est ceinturée quand il le faut, et vous pouvez trouver ce qui convient Tu sais, tu dois juste t'assurer que le chanteur est intime quand il a besoin d'être intime, puissant quand il a besoin d'être puissant et décontracté quand il besoin de se détacher et d'être cool. Une bonne chanson change de section en section. Si vous avez un grand refrain classique qui ressemble davantage à du chant, puis un couplet plus intime , c'est ce qui a toujours fait ses preuves et qui fonctionne toujours, et c' est un bon contraste N'oubliez pas que tout est une question d' émotion et de mélodie, non de montrer une voix incroyable Vous pouvez généralement faire ces deux choses, mais vous ne voulez pas simplement faire un run vocal sur chaque ligne si cela n'a pas de sens compte tenu de l'émotion de la chanson. Et si vous êtes en train de gâcher votre mélodie juste pour vous assurer valeur votre meilleur chanteur, passez absolument vos moments de mise en valeur Vous n'avez pas besoin de beaucoup de moments de mise en valeur à chaque partie de la chanson. Et en fait, le fait d'en avoir moins peut vraiment se démarquer et rendre ces moments encore plus marquants. En fin de compte, vous gagnez du temps en obtenant de bonnes performances plutôt qu' essayant de corriger des performances inférieures à la moyenne Donc, même si vous devez enregistrer pendant une heure de plus pour obtenir la performance parfaite, cela vaut bien plus le coup que de passer semaines et des semaines à essayer d' égaliser, de régler, de composer et de déplacer comme une cassette moins bonne Cela vaut donc vraiment la peine de passer du temps à obtenir ces bonnes performances si vous le pouvez. Cela étant dit, vous devez essayer rester objectif parce qu'il est vraiment difficile de parcourir 100 prises vocales lorsque vous essayez reconstituer une bonne prise de toutes ces prises, et que vous obtenez cette version de Frankenstein, comme si vous savez, vous pouvez le faire, et certaines personnes l'ont fait, c'est sûr Même beaucoup de chansons à succès ont été créées de cette façon, mais c'est difficile. Donc, je recommande d' enregistrer si vous mettez votre chanteur dans l' ambiance, puis de faire une petite pause, puis d' enregistrer à nouveau un peu. Et vous voulez essayer de réussir la performance et leur faire pratiquer les parties afin que, idéalement, vous n' ayez pas à passer au crible des centaines de prises vocales si vous pouvez vous en sortir comme ça Alors, allons-y, écoutons cette chanson de Parkside Paradise, et nous verrons en quoi la voix elle-même possède différentes qualités dans la chanson Voici donc cette section de vers. City ne dort pas. Tout le monde fait le plein de bruit dans un café, arrive en retard à son poste de travail ou à une réunion importante Conduisez vite pour que les lumières clignotent doucement. La ville ne dort pas. Tout le monde se rend tard à la fête, buvant pour s'inquiéter Ou faites défiler l'écran jusqu'à ce que leurs yeux soufflent doucement. Je suis Who is fou. Nous avons donc un couplet assez décontracté. Cela semble plutôt décontracté, sorte de conversation, un peu de chant, mais pas vraiment. Nous avons cette partie sur Crazy. C'est plus haletant. Comme qui est fou. C'est donc un peu comme cette pièce qui se démarque un peu, juste en termes de performances. Ensuite, nous passons à ce refrain. Parce que pour moi c'est sous un arbre. C'est ici que je me sens heureuse. L'herbe sous les pieds respire avec désinvolture. Oh, c'est une chanson plutôt modérée dans l'ensemble. Mais le couplet est certainement un peu plus époustouflant, un peu plus décontracté, et puis le refrain a une plus grande qualité de chant Ensuite, nous passons au deuxième couplet. Les seuls médicaments dont j'ai besoin un médicament rapide, puis nous passons à la seconde moitié du deuxième couplet, ce qui fait vraiment monter les choses d'un cran Parce que j'ai eu toutes les phases, mais elles ne me mettent pas en phase. Phase de fête, phase de qui , travail continu. Donc, nul burn out, Chase American Trek Nice Le premier couplet est beaucoup plus époustouflant. Le deuxième couplet est un peu plus ampli. Et puis, quand on en arrive à la seconde moitié du deuxième couplet, c'est en fait la partie la plus énergique de la chanson. C'est fou. Nous faisons la même chose sur crazy, où l'un d'eux chante plus régulièrement. Mais c'est moi. C'est fou. Et le fait qu'ils soient différents est intéressant, que l'un d'eux soit chanté d'une manière différente en termes de performance. Ensuite, nous revenons à ce refrain. Ils sont contents. C'est comme si vous chantiez encore, puis nous passerons à cette partie. C'est beaucoup plus époustouflant, mais dans une octave plus haute, donc ça reste intéressant Une fois que vous avez une bonne mélodie, que vous avez de bonnes paroles, que vous avez une chanson, et que vous avez peut-être même un rôle instrumental à un moment donné, vous avez la mélodie C'est vraiment important d'obtenir cette bonne performance pour obtenir un bon enregistrement, et pour être sûr que d'accord, jouons un peu avec la mélodie Par exemple, en quoi l'interprétation du couplet peut-elle être un peu différente de celle du refrain ? Vous savez, que pouvez-vous faire en termes de performance pour améliorer l' histoire racontée ? À ce stade, des chanteurs exceptionnels feront naturellement, mais même certains chanteurs vraiment fantastiques ont besoin d'un peu d'aide, chanteurs vraiment fantastiques d'une orientation, d' une vision, d'une discussion et idée de la façon dont les sexons diffèrent Il est donc important de prendre le temps de vraiment le faire afin que vous puissiez obtenir la meilleure interprétation possible de votre mélodie afin que votre chanson soit la meilleure possible 9. Enregistrement et compétrie : parfaire vos prises vocales: Donc, pour capturer votre incroyable mélodie, vous devez l'enregistrer Cette leçon porte donc sur l'enregistrement et la compilation. Votre micro a-t-il besoin d'une alimentation fantôme ? Votre interface audio est-elle correctement connectée à Ableton ? Votre métronome est-il suffisamment fort, mais pas trop lorsqu' il passe dans vos écouteurs ? À quelle distance du micro chantez-vous ou jouez-vous ? Avez-vous besoin d'un filtre anti-pop ? Et parlons de l'enregistrement, du flux de travail et de la compilation. La première étape de l'enregistrement consiste donc à brancher votre interface audio. Ici, j'ai mon scarlet, qui est branché sur mon ordinateur via Maintenant, je passe aux paramètres, et ce que j'aimerais voir, c'est l'entrée audio de Scarlet Vous voudriez probablement aussi sortie audio soit la même que votre interface audio car je donne un cours et je dois faire capture d'écran pendant que je fais tout le reste . En même temps, j'ai créé un appareil à sorties multiples. Mais vous choisirez probablement le Scarlet comme sortie si votre écarlate est également l'entrée Votre interface audio est donc sélectionnée comme entrée parce que vous chantez sur un micro branché sur votre interface La contribution est donc la chose la plus importante. Vous souhaiterez probablement réduire taille de votre mémoire tampon afin d'éviter toute latence. Maintenant, n'oubliez pas que si vous le baissez trop bas, vous risquez de compromettre la qualité audio. J'essaie donc toujours 256, et si cela ne fonctionne pas, je passe à 128, mais je n'aime pas enregistrer en dessous de 128. Donc, ce qui se passe si vous avez toujours une latence aussi faible à 1:28, c'est que j' exporterai la chanson sous n' importe quelle forme, telle quelle, et j'ouvrirai une nouvelle session Ableton où je pourrai enregistrer à 2:56, où il n'y aura exporterai la chanson sous n' importe quelle forme, telle quelle, et j'ouvrirai une nouvelle session Ableton où je pourrai enregistrer à 2:56, qu'une seule piste, c' est-à-dire la chanson complète contre laquelle je chante, puis les nouvelles pistes audio que C'est donc mon flux de travail si cela ne fonctionne pas dans la session elle-même. Ensuite, nous avons Phantom Power. Votre micro a-t-il besoin d'une alimentation fantôme ? Ce micro le fait. Donc, lorsque j'ai mon interface audio ici, je dois appuyer sur le bouton 48 V. Le bouton 48 V, 48 volts, est donc la même chose que l'alimentation fantôme Vous devez l'activer si votre micro en a besoin, puis vous pourrez enregistrer. Un micro à condensateur, qui est un bon style de micro vocal. S'ils n'ont pas d'alimentation fantôme ou s'ils n'ont pas 48 volts, ils ne fonctionneront souvent pas Donc tu vas brancher ton micro et tu vas dire : « Je n'entends rien ». C'est parce que vous devez activer l'alimentation fantôme. Ensuite, nous avons nos écouteurs, car vous voulez enregistrer en silence afin que la seule chose que le micro capte soit l'enregistrement. vous ne voulez pas que la musique soit également Idéalement, vous ne voulez pas que la musique soit également jouée et enregistrée dans le micro. Donc, j'aime bien enregistrer en éteignant l'enregistrement. Beaucoup de gens aiment le porter. C'est juste ta préférence. Tu veux t'entendre au casque ou non ? plupart du temps, je n'aime pas m'entendre au casque, mais c'est le cas de beaucoup de chanteurs. Ce n'est donc qu'un choix subjectif. Vous voulez vous assurer que la surveillance est activée, choisir d'activer ou de désactiver cette option et activer l'enregistrement. Et voici mon flux de travail général. Je vais continuer et recouper en boucle la section que j' essaie d'enregistrer et de chanter. Il n'y a rien dans mon âme que tu ne saches. Nous vivions tellement haut sans être seuls. Nous avons discuté de nuit et de jour. Dites-moi pourquoi. Il n'y a rien dans mon âme que je ne connaisse. Nous vivions tellement haut sans être seuls. Nous avons discuté de nuit et de jour. Dites-moi pourquoi. Oh. Rien pour que je ne le fasse pas. Nous vivions tellement haut que c'est le cas. Nous avons discuté toute la nuit avec le chien Oh. Nous allons donc maintenant créer de nouvelles pistes audio, Commander Windows T en dessous la piste que nous venons d'enregistrer. Mon flux de travail consiste donc à l'insérer directement dans la prochaine piste audio disponible. Maintenant, vous pouvez cliquer ici, copier et cliquer à droite de la boucle ci-dessous et appuyer sur Coller. Ainsi, lorsque vous la faites glisser vers la gauche, vous avez votre boucle exacte à l'endroit exact où elle doit être, et je le répète encore une fois. Et c'est parti. J'ai réduit l'excédent, et nous avons nos trois points de vue différents ici. Je le chantais mieux l'autre jour. Alors allons-y, écoutons cet enregistrement que j'ai déjà fait, et nous allons découvrir ce qu'est réellement la compilation Nous avons donc nos différents points de vue vocaux. Et disons que nous avons une interprétation vocale principale qui sonne le mieux. Donc, ce que vous allez faire, c'est écouter chaque prise, à commencer par celle-ci. Rien, Mme C. Chiton. Nous vivions si haut, Nosolo. Voilà à quoi ressemble celui-ci. Écoutons celui-ci. Rien à Mas Chono. Nous avons vécu si haut, Nosolo. C'est peut-être ce qu'il y a de mieux. Nous allons écouter celui-ci. Alors, moi aussi, le Jono. Ainsi, une fois que vous aurez écouté toutes vos prises de vue, vous en aurez peut-être une qui se démarquera. Une seule prise semble être la meilleure. Évidemment, pour ce qui est de votre propre chanson, je vous encourage à prendre plus de temps, à écouter davantage de parties. Pour les besoins de cet exemple, nous allons simplement dire que cette prise de vue semble la meilleure. Mme Co. C'est ce que j'appellerais une piste. C'est notre interprétation vocale principale parce que c'est celle qui sonne le mieux. Vous avez le choix entre d'autres prises , et la compilation consiste à assembler différentes prises Disons que vous aimez vraiment ce rôle principal, sauf pour cette partie. Dono Je ne sais pas. Et peut-être que tu veux trouver un autre « je ne sais pas ». Je ne sais pas. Disons que tu préfères celui-ci. Ce que vous feriez, c'est de cliquer ici, Command E ou sur Windows E, le début et la fin, et l'intégrer à votre liste de prospects. Vous pouvez également appeler cela une piste de maquette. Peut-être que nous pouvons même changer la couleur ici, pour qu'il soit plus évident visuellement qu'il s'agit d'une approche différente, et qu'il faut y prêter attention. Ici, nous pouvons avoir notre maquette, qui est une combinaison de ces différentes prises Oh, le Co. Nous n'avons pas été seuls. Disons que vous n'avez pas aimé ce solo et que vous vous demandez : Avons-nous un meilleur solo ? En solo. Et disons que tu préfères celui-ci encore une fois. Sélectionnez l'espace, copiez-le et déplacez-le vers le haut. Donc, ce que nous faisons ici, c'est créer une version maîtresse qui tire le meilleur parti de chaque performance que nous avons réalisée. Et nous avons chanté cette partie quatre fois. Nous avons donc le choix entre quatre options différentes pour obtenir une voix parfaite. Nothing Co. Nous sommes allés aux toilettes. Nous avons discuté avec le Dago Won't you to My One Et comme ça, je ne sais pas. Ce qui se passe ici, c'est que nous créons une prise parfaite qui est enchaînée par différentes prises De toute évidence, j'ai choisi de couper cette ligne ici. Et si vous zoomez, vous vous dites : « D'accord, vous voulez généralement qu'ils soient sur des marques nettes. Vous ne voulez donc pas qu' une petite partie de cette prise se retrouve dans cette prise. Et si vous pouvez vous en tirer en faisant quelque chose de plus comme ça, cela sonne généralement mieux. Notez que je ne peux pas le faire glisser trop loin vers la droite , car cette prise passe à la partie suivante avant elle Vous entendrez donc comme un problème. Donc donc vous voulez vous en débarrasser et vous assurer que cela s'éternise. Si bas. Et puis tu n'as pas cet étrange petit bruit de paillettes. Parfois, vous trouvez des prises qui vous plaisent, mais vous ne pouvez pas les faire glisser les unes dans les autres. Ils ne se synchronisent tout simplement pas bien, ils ne fonctionnent tout simplement pas. Par exemple, si vous essayez de remplacer ce mot ici, Live Live in. Cela peut être difficile parce que c'est en quelque sorte lié à ces autres mots Il peut donc être difficile de le faire entrer ici sans que cela ne sonne comme un pépin et un pépin ce mot était à Il y avait un espace, et nous pouvions facilement trouver un autre mot parce que cela vient du silence par rapport à celui-ci, qui se trouve au milieu d'une ligne. Nous avons vécu tellement mal. Cela n'avait pas l'air terrible. Parfois, on peut s' en tirer comme ça. Parfois, tu ne peux pas. Mais il faut juste garder à l'esprit que certaines compositions ne peuvent pas vraiment se produire Et si vous vous retrouvez peaufiner et à peaufiner pour toujours, et que vous ne pouvez tout simplement pas corriger Cela vaut probablement la peine d'être réenregistré. Donc, maintenant tu vas avoir ta composition parfaite. C'est comme une voix principale complète qui a la fin de cette prise, elle a le milieu de cette prise, elle a la fin de cette prise, et ensemble, ce sont tous les meilleurs moments combinés pour créer une prise vocale principale super forte. Vous pouvez également avoir un double, qui double la voix principale à tout moment. Vous avez donc notre superbe interprétation vocale principale, et maintenant nous allons également avoir une prise secondaire qui ne fera que doubler le rôle principal J'ai travaillé avec des chanteurs opposés à la compilation. Ils pensent que non, ils veulent chanter le tout parfaitement en live, et ils ne veulent pas couper quoi que ce soit ensemble. Et c'est très bien. Mais honnêtement, dans l'enregistrement de musique, exemple, l'enregistrement est une forme d'art distincte de l'interprétation. Et c'est tout à fait normal de composer vos pièces. Certaines des chansons à succès les plus emblématiques sont super comp together. Et il n'y a rien de mal à cela. Vous créez une performance censée durer longtemps. Votre record peut durer éternellement ou indéfiniment. Tu sais ? Vous essayez donc de saluer une performance qui vaut mieux qu'un moment. Vous vouliez résister à l'épreuve du temps et être bon pendant une variété de moments sur une longue période, idéalement. Je suggère donc que vous preniez le temps de perfectionner votre voix. Même si vous obtenez une voix principale vraiment solide qui sonne bien , vous avez fait quelques prises différentes. Essaie de voir si tu peux l'améliorer encore, car je doute fort que tu regretteras un jour d' avoir amélioré ta chanson. 10. Suggestions de micro : trouver le bon match: Voici quelques suggestions de micro au cas où vous souhaiteriez vous procurer un microphone pour enregistrer des voix ou d'autres instruments Le micro le plus polyvalent que j'ai rencontré est l'AK G C 214. C'est abordable et ça sonne bien sur vraiment tout. Je l'utilise pour enregistrer de la guitare, je l'utilise pour enregistrer des voix. Je l'utilise pour enregistrer des percussions. » un microphone vraiment polyvalent, bien arrondi et offrant un bon son La Sur SM seven B est ma souris vocale préférée. C'est particulièrement bon pour un son vocal à couper le souffle, mais pour moi, il sonne très bien sur toutes les voix, et c'est un outil que je préfère quand il s'agit La Sur Beta SM 57 est également une très bonne souris polyvalente, qui sonne bien à la voix. Et ça sonne bien à la batterie et sur bien d'autres choses. C'est moins cher et plus abordable que les deux premiers micros. Donc, si le budget vous pose problème, vous pouvez toujours obtenir un son exceptionnel en utilisant le Sur Beta SM 57. Enfin, je recommande le Sur SM 57 regular, qui est le micro classique, que vous verrez dans la plupart des salles. C'est vraiment un bon micro. Ça sonne bien au chant. Cela sonne bien sur beaucoup de choses. Il est parfait pour les performances et il est très durable. Donc, si le prix est un problème, mais que vous voulez un micro, je vous suggère de vous procurer le SM 57 car certains artistes à succès enregistrent avec un SM 57. Même s'ils pouvaient enregistrer avec un micro à 10 000$, ils choisissent d'utiliser ce micro C'est donc très subjectif, et cela a beaucoup à voir avec le votre voix ou du chanteur avec lequel vous travaillez. Donc, ma meilleure recommandation pour chant est le Sure SM seven B. Ma meilleure recommandation pour tout reste est l'AK G C 214 Et puis, si le budget est un problème, je recommande d'opter pour l'un des SM 57. En fin de compte, une bonne performance passe par n'importe quel type de micro. Il vaut donc mieux obtenir de bonnes performances que de vraiment déterminer quel est le meilleur micro pour votre voix ? Et vous ne voulez pas passer trop de temps à vous inquiéter à ce sujet. Et j'ai été dans des studios où ils ont des micros à 10 000 dollars, matériel super cher, tout ça. Et ce n'est pas toujours le micro que je choisirais. Comme, évidemment, oui, si vous avez la possibilité de chanter sur un micro super cher, c'est amusant d'essayer. Personnellement, j'ai trouvé qu'ils ne sont pas toujours le meilleur choix pour ma voix . 11. Découvrez votre son vocal unique: L'un des aspects les plus importants de la création musicale est de trouver votre son. Et si votre chanson est une chanson qui a une mélodie et une voix, vous voulez trouver le son de votre voix Vous voulez non seulement avoir une voix unique, mais également déterminer quelle est la meilleure production qui soutient votre voix ? Par exemple, comment pouvez-vous vraiment raconter l'histoire que vous essayez de raconter de la meilleure façon possible ? Alors, pour trouver votre son, souhaitez-vous une voix principale sèche et intimiste ? Tu veux que quelque chose comme Billy Alas te chuchote à l'oreille Peut-être que c'est le bon son pour toi. Et peut-être que tu ne sonnes pas bien en ceinturant ou en criant comme les Beatles Peut-être que vous voulez un son plus intime. Peut-être que vous êtes le genre de chanteur qui a besoin de doubler sa voix. Vous avez donc deux voix qui chantent ensemble, ce qui donne un son plus puissant lorsque seules, ou même pas, elles sonnent bien, mais ensemble, elles ont la qualité que vous recherchez Vous pouvez doubler autant de fois que vous le souhaitez. Vous pourriez avoir huit, dix ou 20 prises de la même chose. Je ne le recommande pas, mais vous pourriez le faire, selon le son que vous recherchez. Et vous remarquerez que plus le nombre doublons change réellement le son. Vous pouvez également expérimenter le doublement de différentes manières. Donc, une fois que tu le chanteras normalement, tu pourrais peut-être le doubler avec une cassette à chuchoter. Vous ajoutez donc une texture très différente à votre prise de leads. Peut-être que tu fais un double qui le chante comme plus fort, mais ensuite tu le baisses. Il y a toutes sortes de choses que vous pouvez faire et expérimenter en superposant différents types de doubles. Vous pouvez également expérimenter le traitement, exemple, quelle quantité de réverbération souhaitez-vous sur votre voix Beaucoup d'anciens enregistrements ont beaucoup plus de réverbération vocale, et c'est plutôt cool pour ce style Et peut-être que vous faites une sorte de chanson indie délavée qui demande beaucoup de réverbération vocale, car la réverbération peut avoir un effet beaucoup de réverbération vocale, car la très émotionnel Vous pouvez également choisir le degré d'harmonie que vous souhaitez. Par exemple, le son du silence, Simon et Garfunkel, il y a de l'harmonie Toute la chanson est une harmonie. Donc, toute cette voix est une voix d'harmonie. Ariana Grande a des chansons où toute la voix est en harmonie Vous avez donc différentes techniques qui vous aident vraiment à raconter l'histoire de votre chanson. Quel est le degré d'harmonie ? Y a-t-il déjà une voix principale nue ? L'harmonie ne se manifeste-t-elle que pour une partie ? L'harmonie existe-t-elle tout le temps ? Y a-t-il un double pour l'ensemble de la chanson ? Y a-t-il juste un double pour une partie ? Y a-t-il beaucoup de réverbération pendant toute la chanson ? Y a-t-il juste de la réverbération sur une partie ? Vous avez peut-être une bonne voix principale contrastante, comme un chuchotement et dans votre Et puis dans les ors, il s'agit plutôt de chanter avec beaucoup de réverbération Toute autre combinaison ou l'ensemble du temps n'est qu'une harmonie, tout comme le son est un silence. Enfin, vous pouvez parler de certains effets uniques. Vous pouvez penser aux effets de la boîte de discussion ou à certaines voix filtrées Peut-être que vous essayez tout le temps de faire une voix de robot daft punk, un vocodeur. Et c'est ton son. Peut-être que vous aimez les gorilles ou que vous accueillez les gens, comme une sorte de voix talk-boxy filtrée Peut-être que vous aimez une voix basse EDM. Il existe toutes sortes de styles vocaux différents si le simple fait de chanter une chanson normale ne vous convient pas ou si cela ne sonne tout simplement pas assez bien Passons donc à cette voix ici. Nous avons une voix principale au milieu. Donc, Co. Et puis il y a deux doubles. Désactivons ces doubles. Je peins également les doubles à gauche et à droite, ce qui donne à la voix principale un son plus épais. Cela a également déjà une certaine réverbération, alors désactivons tout cela. Co. Nous y sommes allés. Nous avons discuté sans cesse du tago. Ne me direz-vous pas pourquoi infligez une amende à Mass Cho Maintenant, essayons d'ajouter nos doubles. Très bien, Mme Cho. Nous avons été seuls. Nous avons longuement discuté avec le Dago. Peut-être que c'est exactement le son que vous recherchez et que vous voulez passer à autre chose. Ou alors que je l'écoute aujourd'hui, il y a quelque chose qui m'a plu uniquement dans le chant principal . Créons donc un groupe et regroupons nos doubles. Et comme nous avons beaucoup de choses différentes ici, appelons-le simplement Dub Modifions-les visuellement pour qu'elles soient plus faciles à regarder. C'est ce que nous appellerons un lead. Nous allons modifier cela visuellement pour que cela soit plus facile à regarder. Et maintenant, nous avons en quelque sorte un meilleur paysage. Il est sain de coder les choses par couleur car cela ne fait que faciliter les choses. Et disons : « OK, j'aime bien le fait que ce double sonne un peu plus épais, mais j'ai l'impression que nous compromettons un peu notre caractère. Et c'est généralement ce qui se passe. Vous compromettez une partie du caractère unique de votre voix au profit d' un son un peu plus épais, ce qui est une question d'équilibre Alors peut-être voulons-nous simplement refuser ces doubles. Donc, Cono. Nous sommes tellement seuls. Nous avons parlé à New York, avec le tag. Vous ne le direz pas Et ça sonne plutôt bien. Une autre chose que vous pouvez essayer est de en sorte que les doubles soient un peu plus petits que la voix principale. Rien dans Ms Co. Nous avons été tellement Naso. Nous avons parlé à New York, avec le tago. Ne veux-tu pas me dire pourquoi ? Et ça sonne plutôt bien. Peut-être voudrais-tu baisser un peu le haut de gamme en double. Je ne suis pas sûr. Rien à Mo Co. Nous avons été tellement Naso. Nous avons parlé à New York, avec le tag Won't you tell et ça sonne plutôt bien Nous avons donc ici notre voix principale, et nous devons trouver le son de cette voix principale. Au moins, dans cette partie, nous utilisons deux doubles, l'un légèrement tourné vers la gauche et l'autre légèrement vers la droite, plus précisément J'aime garder mes 25 et 25 voix. Je n'aime pas les déplacer plus que ça, sauf si je fais quelque chose où ils sont complètement panoramiques plus que ça, sauf si je fais quelque chose où , 50 à droite et 50 à gauche C'est donc une activité panoramique très courante que j'ai tendance à faire. Maintenant, j'ai aussi ma réverbération vocale. Alors activons cette réverbération. Et écoutons ce qui se passe. Nous sommes des e Qing avant et après, donc ce n'est que ce milieu de gamme, et nous avons cette réverbération à reflets brillants Mazo Cono Nous avons été iso Nicolo. Nous avons discuté avec le tago. C'est une bonne émotion pour moi, et j'aime cette qualité, mais diminuons-la un peu. Mme Co. Nous avons été tellement un Nicolo Nous avons parlé de n avec le tag. Notez que lorsque nous avons la réverbération, nous échangeons la respiration et grain contre un peu de brillance, ce qui est un le grain contre un peu de brillance, ce qui est un choix subjectif. J'ai également activé ce retard vocal. Et là encore, le même mouvement classique que j'ai habitude de faire, et puis il y a ce délai. Voyons donc à quoi cela ressemble. Tu ne sais pas. Nous avons vécu tellement haut. Nous avons discuté toute la nuit avec toute la journée. Ne le diras-tu pas à Moya Masco. Nous avons été Lina. Nous avons discuté toute la nuit avec le tago. Ne le direz-vous pas Nous rendons donc ce son un peu plus produit, un peu plus brillant, ce qui correspond ou non à ce que vous recherchez Mais nous sommes en train de façonner et de trouver le son de cette voix. Nous avons également ajouté quelques harmonies ici. Nous aborderons davantage les harmonies dans une autre leçon. J'ai deux harmonies, 125 à droite, 25 à gauche, encore une fois. Et écoutons-le avec les Harmonies. Rien chez Mme Chono. Nous sommes allés si haut en direct, Nawloo. Nous avons discuté toute la nuit avec le Tago. Ne me dites-vous pas pourquoi Cath Mme Nous sommes allés si haut en direct, Nawloo. Maintenant, peut-être que vous aimez le son de l'harmonie, et vous voulez que ce soit le son de votre voix. Mais comme l' harmonie est au-dessus, elle se dispute en quelque sorte votre oreille. Une grande partie de la musique pop moderne, qui emprunte à musique R&B, utilise des harmonies situées en dessous de votre mélodie Donc, si vous pouvez ajouter une harmonie en dessous de votre mélodie, c'est certainement mieux Pour une raison ou une autre, mon oreille est toujours attirée par le fait de trouver les harmonies qui se trouvent au-dessus, et j'aime aussi le son Voici donc quelques harmonies qui sont ci-dessus. Donc, comme je l' ai dit, pas comme moi, mais je suggère que vous ayez des harmonies qui se situent en fait en dessous. Mais allons-y et diminuons ces harmonies pour qu' elles ne soient pas trop fortes Math Mao Company Nous avons été seuls. Nous avons discuté toute la nuit avec le tago. Cela me semble donc mieux. Une chose que vous pourriez essayer est de réduire les harmonies et voir si le son vous convient Match Mass Con. On l'a fait en solo Nous avons discuté toute la nuit avec le Jago. Co. Nous avons vécu. Cela a donc aussi son propre son. Donc, dans le cadre de la production, vous essayez de trouver et de façonner le son de votre voix. Certaines chansons nécessitent très peu de traitement, et vous voulez simplement savoir comment le chanteur les a chantées sans trop de choses. Et c'est très bien. Et c'est peut-être ce qu'il y a de parfait pour cette chanson. Certaines chansons, même si vous avez un bon enregistrement et un bon chanteur, veulent un peu plus. Cela dépend simplement de ce que vous recherchez, son que vous recherchez, de la qualité de la performance que vous avez obtenue. Parfois, vous voulez une voix plus crue, mais vous n'avez tout simplement pas obtenu la prise qui se tient vraiment seule, et vous devez la superposer un peu. C'est tout à fait normal. Vous avez ces outils et ils sont à votre disposition. Vous pouvez donc les utiliser pour réparer quelque chose si vous le souhaitez, si vous avez simplement essayé et essayé, si vous n'avez pas eu le temps nécessaire ou si vous n'avez tout simplement pas obtenu le résultat escompté ou quoi que ce soit d'autre. Vous pouvez utiliser certaines de ces autres techniques pour améliorer, résoudre ou résoudre un problème, ou vous pouvez simplement faire preuve de créativité , vous vous dites « OK, nous avons obtenu le point que nous voulons ». Ça a l'air génial. Est-ce que cette simple voix nue la meilleure façon de raconter l'histoire de cette chanson ? Ou peut-être que nous écrivons comme une chanson futuriste, et que nous voulons plutôt une mélodie automatique, du vocod ou du son, même si vous avez pris une bonne note Cela dépend simplement de l' histoire que vous essayez de raconter et de votre style vocal. 12. Chaîne vocale : techniques de base: Une fois que vous avez un bon enregistrement, vous devez réfléchir à votre chaîne vocale. Et ce que signifie votre chaîne vocale, c'est exactement quel est le traitement de votre voix ? Cela va de pair avec la recherche du son que vous essayez de créer car le traitement de votre voix peut réellement modifier le son ou non, selon ce que vous recherchez. Nous avons donc notre voix principale, et désactivons les harmonies juste une seconde Miso Company Nous avons Amo. Allons-y et écoutons quels sont les différents effets que nous avons pour produire le son. Le premier que nous allons examiner est le réglage automatique. Maintenant, le réglage automatique n'est pas fourni avec Ableton. Il s'agit d'un plug-in tiers. Je suis sûr que vous en avez entendu parler. C'est très « plug and play ». Vous faites glisser le réglage automatique sur votre piste. Il est utile de connaître la tonalité de votre chanson. Donc, si vous pouvez lui dire quelle touche, par exemple en do majeur, est la touche de cette chanson, si vous pouvez expérimenter avec les différents types d'entrées, puis vous déplacez ces boutons Certaines personnes aiment simplement faire 2020, peu importe, j'aime en faire 20 ici et 60 ici, mais peu importe. Il suffit de le modifier. Cela peut sembler plus ou moins robotique. J'ai tendance à ne pas aimer que ça ait l'air robotique. Je voulais juste améliorer le ton de la chanson. On dirait donc que la chanson a été chantée avec une bonne tonalité. C'est généralement le son que je recherche. Mais bien sûr, comme je suis sûr que vous l'avez entendu dans beaucoup de rap, vous pouvez faire ces trucs vraiment sympas en matière de réglage automatique, en particulier dans un peu de réverbération, qui pour moi ressemble à un son de bonbon vocal, ce qui est également super Cela dépend donc simplement de ce que vous recherchez. J'ai tendance à opter pour des réglages comme celui-ci. Ensuite, nous avons un égaliseur Ce que nous faisons avec cet égaliseur , c'est réduire le bas de gamme et augmenter le haut de gamme Et c'est un mouvement d'égalisation très courant que vous verrez avec les voix. La plupart du temps, nous fabriquons une étagère haute ici. Nous passerons d'environ un ou deux K pour le reste de la chanson, car les parties aiguës du chant ont tendance à très bien sonner Donc, ce que j'essaie de faire, j'ai tendance à enregistrer très près du micro, ce qui crée une grande base dans l'enregistrement. Plus vous vous éloignez du micro, moins il y a de base dans l'enregistrement. Vous voulez beaucoup de base dans votre voix, chantez près du micro. L'ironie, c'est que je n' aime pas avoir autant de base dans ma voix, mais j'aime la façon dont le fait aime pas avoir autant de base dans ma voix, de chanter près du micro affecte le reste du son Je chante donc près du micro, puis j'amplifie beaucoup le haut de gamme pour essayer de dépasser cette base. Une autre solution, bien sûr, serait d' abaisser le bas de gamme au lieu d'augmenter le haut de gamme, ou peut-être même un peu des deux. Mais ce que nous faisons ici, c'est améliorer le haut de gamme avec l' étagère haute, ce qui est très courant. En fait, nous l'augmentons beaucoup, ce qui est également assez courant. Je vais voir un boost de 60 b, un boost de 70 b, comme la plupart du temps, ou l'inverse d'une baisse du bas de gamme. Cela dépend. Bien sûr, il y a des ingénieurs que vous allez rencontrer diront que c' est sacrilège, vous avez dit Écoutez toujours vos oreilles, et oui, bien sûr, il vaut mieux influencer les choses moins que plus. Mais de mon point de vue, nous avons tendance à aimer le haut de gamme dans notre voix. De plus, nous pouvons faire une augmentation de dix K ici, et dix K sont une fréquence vraiment agréable à l'oreille. Nous prêtons vraiment attention à dix K. Donc, si vous augmentez de dix K dans un son, ce son attirera généralement votre attention. Les choses les plus courantes que nous augmentons à dix kilomètres sont les voix parce que nous voulons vraiment les entendre. Et puis parfois, la caisse claire ou la caisse claire peuvent contenir une dizaine de kilomètres, ce qui nous permet de vraiment les découper. Donc, ce que nous faisons ici, c'est augmenter dix K, et nous augmentons une part importante de cette voix principale. Nous augmentons donc tout le haut de gamme ci-dessus, qu'est-ce que c'est ? 2,7 k. Et puis nous sommes également en plus de cela en plus de ce boost. Nous augmentons également de dix K, de sorte que dix K aient un petit pic au-dessus du reste du boost. C'est donc ce que fait notre égaliseur. Vous pouvez effectuer plus de mouvements avec EQ. Certaines voix sont très profondes, et elles se contentent de couper ici et de dynamiser là Tu peux y aller de pair comme ça. Certaines personnes aiment faire ça. Une autre chose que les gens peuvent faire est de créer quelque chose qui ressemble à ceci, à une fréquence très étroite, et de scanner votre chanson. créer quelque chose qui ressemble à ceci, à une fréquence très étroite, et de scanner votre chanson. Muscle terminé Nous avons un nasol. Nous avons discuté sans arrêt avec le Daigo. Dites-moi pourquoi, Mme Co. Nous avons un nasol. Nous avons parlé à New York, avec le Dag sur toi. Et vous essayez de trouver ces types de fréquences de sonnerie vraiment désagréables Ce n'est pas tout à fait ça. C'est proche. C'est le plus proche que je puisse trouver. Mme Co. Nous avons un bonjour, c'était tellement bas. Nous avons discuté toute la nuit avec le tag. Parfois, tu le feras. Ne le faites pas casque ou ne le faites pas très doucement, car parfois vous scannez et vous entendrez une fréquence qui sonnera très fort Tu ne veux pas te blesser aux oreilles. C'est donc une sorte de fréquence de sonnerie désagréable qui se produit lors d'un enregistrement dans une pièce pas parfaite C'est tout à fait normal. Je n' enregistre jamais dans une pièce parfaite. C'est donc une façon de résoudre ce problème. Vous recherchez certaines fréquences de sonnerie, puis vous voulez les réduire, comme pour d B environ puis vous voulez les réduire, comme pour d B Cela dépend. F D B est un bon point de départ, puis vous pouvez continuer à peaufiner à partir de Mais abaisser ces fréquences étroites peut aider votre son vocal à être un peu plus propre. Mme Co. Nous avons été déçus. Nous avons discuté toute la nuit avec le tago. Ça sonne vraiment un peu mieux. Vous pouvez donc scanner votre voix pour toutes les fréquences de sonnerie et les abaisser. Vous savez, il n'est pas rare de trouver certains de ces différents points. Et c'est normal de passer beaucoup de temps à peaufiner votre voix. Tu sais, c'est tout à fait normal. Ce n'est pas obligatoire, mais la voix est très importante. Vous ne regretterez jamais d'avoir passé un peu plus de temps améliorer un peu votre son vocal. Passez donc du temps à égaliser votre voix. Est-ce qu'il y a assez de haut de gamme ? Est-ce que c'est tranchant ? Est-ce trop basique ? Est-ce que c'est carré ? Est-ce qu'il y a des fréquences de sonnerie ? C'est exactement ce que tu veux ? Est-ce assez solide, etc. Et un dernier conseil, je dirais que parfois quelque chose sonne au niveau du nez ou quelque chose comme ça, et vous pourriez vouloir augmenter ou diminuer autour d'un K. Habituellement, si vous voulez que votre voix soit un peu plus puissante, vous pouvez l'augmenter légèrement à un K. Et si elle est un peu nasale ou un peu trop pointue, vous pouvez parfois essayer de la baisser à un C'est une règle générale que vous pourriez rencontrer ou non, en fonction de la voix à laquelle vous avez affaire ? Ensuite, nous avons un peu de saturation subtile, un peu de distorsion. Pour donner un peu de quadrillage à la voix. C. Nous sommes défoncés. J'aime faire un peu de saturation subtile sur ma voix. Ça donne juste un peu de couleur. Et pour moi, cela ne fait qu'ajouter un peu de jus. Je n'ai pas vraiment envie d'entendre ça de façon trop dramatique. Je ne cherche pas une voix déformée. Parfois tu peux l' être. Mais dans ce cas, je cherche juste à améliorer subtilement notre voix Ensuite, nous avons notre compresseur. M C. Nous sommes tellement défoncés. Nous avons beaucoup parlé de quoi il s'agit, ne me direz-vous pas pourquoi Les deux sont Musso Chiono. Nous sommes si haut, si bas. Cela dépend donc de ce que vous recherchez. Ici, j'ai une attaque de 156, puis une libération assez rapide. Cela ressemble donc à une attaque moyennement rapide, mais une grande partie du début de votre voix passe par le tranchant. Et puis il s'agit d'un déclencheur assez rapide, donc il ne retient pas trop le son. À l'origine, je l'avais moins compressé parce que j'ai des compresseurs multibandes Mais je ne vois pas d'inconvénient à ce que cela donne d'être un peu plus compressé. Parfois, les voix peuvent être trop compressées. Parfois, ils aiment un peu moins de compression. Cela dépend en quelque sorte du style du son, etc. Baignez Mme Cho. Nous devons être si haut, si bas. Ensuite, nous avons cette commande vocale, qui est un compresseur multibande. Maintenant, un compresseur multibande est un compresseur qui comprime les différentes bandes, les basses, les médiums et les aigus à des quantités différentes Par exemple, vous pouvez compresser le plus possible les basses, les médiums, les secondes, le plus élevé, et les aigus, le moins, ou toute autre combinaison des deux Vous pouvez régler les différentes fréquences ici. Donc, ici, 200 marquent le bas de gamme et 5,5 est K le haut de gamme. Cela signifie que le milieu est la distance entre les deux. Tu peux ralentir les différentes parties, I Muscle qui ne le sait pas. Vous pouvez donc voir qu'une grande partie de la voix réside vraiment dans cette partie. Mais c'est un sujet vraiment clair et net. Donc, ce que vous pouvez faire ici , c'est les modifier, modifier ces paramètres et les compresser un peu plus, un peu moins Vous avez votre seuil ici, vous avez votre point de départ et votre liberté Ainsi, vous pouvez réellement affecter et compresser votre son de manière plus contrôlée. Et une excellente façon de le faire est de passer au crible les préréglages et de trouver des préréglages intéressants ici Si vous passez aux effets audio, la dynamique, à la dynamique multibande, essayez simplement certains d'entre eux. Et beaucoup de gens aiment vraiment cet OTT. Enfin, nous avons un DSR. Maintenant, un DSR est quelque chose qui élimine ce que l' on appelle les sibilants Le haut de gamme ressemble à ce genre de son dans une voix Maintenant que j' ai produit ces sons et que j' attire votre attention, vous pourriez l'entendre de ma propre voix. Je ne sais pas Il est là, et parfois vous ne voulez pas un son S trop puissant ou quelque chose comme ça. C'est alors que vous optez pour une DS, qui essaie de compresser cette fréquence afin de réduire les sons SFP aigus C'est ainsi que j'ai influencé cette voix principale, et voici le son de tout cela. J'ai appliqué le même traitement à la partie harmonique pour qu'ils sonnent comme s'ils vivaient dans le même monde. Nous avons déjà passé en revue les réverbérations et les délais. Donc, vous prenez tout ensemble. Vous savez, l'égaliseur, la compression, la compression multibande, réverbération et le delay Vous avez les doubles, les harmonies, et tous ces sons réunis pour créer votre son vocal 13. Chaîne vocale : techniques avancées: Explorons maintenant quelques techniques avancées de chaîne vocale et d'édition vocale. Vous souhaitez donc modifier votre voix pour le timing et le volume. Vous pouvez régler votre voix avec Mladin ou avec Auto Et puis il y a des plug-ins tiers que j' ai tendance à utiliser pour ma voix. L'un des conseils que mon ami m'a appris il y a longtemps était donc m'a appris il y a longtemps était de ne pas trop compter sur le compresseur, car le compresseur, oui, s'équilibrerait Oh, si c'est un peu silencieux et un peu bruyant. Oui, ça va égaliser les choses. Mais vous pouvez aussi le faire avec le volume. Si vous y réfléchissez vraiment, si vous essayez de contrôler la dynamique et que vous vous dites  : « Oh, je veux que cette partie soit plus forte Eh bien, tu pourrais entrer ici, et tu pourrais augmenter le ton. Tu pourrais faire une entorse. Vous pouvez même couper cette première partie et retourner cette partie. Et vous pouvez commencer à voir visuellement quel point cela devient de plus en plus fort. Vous avez donc le contrôle nécessaire pour le faire de manière simplement régler le volume, et c'est un moyen plus propre d'obtenir un son constant que de vous fier au compresseur. Et cela vous donne également plus de contrôle, car vous voudrez peut-être qu'une partie soit un peu plus silencieuse ou un peu plus douce et qu'une partie soit plus forte et un peu Cela vous donne donc le contrôle nécessaire pour prendre ces décisions de manière vraiment intentionnelle. Et de cette façon, si vous égalisez d'abord votre voix en fonction du volume, puis que vous utilisez un compresseur. Le compresseur ne travaillera pas trop fort et produira un son plus cohérent sur l'ensemble de la voix, ce qui est généralement souhaitable. Il est donc évident que vous voulez le faire à l'oreille, pas seulement visuellement, mais vous pouvez savoir quand quelque chose n'a pas le même volume, c'est un peu plus petit, puis quand c'est le même volume, il est plus grand. Le flux de travail serait donc d'écouter. De go, il y a un jour, 12 ans. Et tu te dis : « OK, c'est trop silencieux. Augmentons ça. À faire, allez en un. Et à partir de là, vous devriez simplement vous assurer que le volume est parfait. Cela prend évidemment du temps, mais comme je l'ai dit, vous ne regretterez jamais d'avoir passé trop de temps sur une voix. Maintenant que votre voix est au bon volume, tout est comme si vous le peaufiniez à la perfection Tu aimes le son. C'est calme, ça doit être silencieux. C'est fort, ce qu'il faut. Tu te sens bien à ce sujet. Vous voudrez peut-être aussi ajuster un peu le timing. Et parfois, je fais honnêtement le chronométrage dès l'enregistrement. Il existe donc plusieurs façons de le faire. Vous pouvez en fait procéder, faire une grosse coupure et désactiver le réseau, ce qui aide généralement à déplacer tout cela ensemble. Ici, nous déplaçons tout vers la gauche, en le déplaçant plus tôt. Cela change le calendrier. Chiton. Bien sûr, il y a eu ensuite un petit blitz, donc vous devrez peut-être infliger une amende et voir s'il existe un moyen de vous en sortir avec un bon cut Vous pouvez donc déplacer des éléments sur la chronologie. Vous pourriez y aller, le déplacer et déplacer un peu toute cette prise de contrôle ici. Oh, le chiton. C'était plus facile parce que c' est du silence, et c'est du silence. Ainsi, lorsque vous avez des coupures en silence, il est moins difficile de les gérer lorsqu'il y a des coupures entre des sons déjà présents dans l'enregistrement. C'est donc une façon de modifier le timing. Une autre méthode peut être de cliquer ici et d'ouvrir ce menu, et de créer ces petits marqueurs de distorsion Et vous pouvez dire : OK, disons, allons-y , cette partie de la voix est un peu en retard. J'ai vu la zone. Il n'était pas vraiment tard, donc déplacer me donnait l'impression d'être bizarre. Mais vous pouvez voir comment la création de ces marqueurs de distorsion et le fait de déplacer de tels objets modifier le rythme de votre voix Moi dans mon âme que tu ne connais pas mon âme dans mon âme que tu ne connais pas et dans mon âme que tu ne connais pas. Et dans mon âme, dans mon âme que tu ne connais pas, et dans mon âme que tu ne connais pas. Vous pouvez aller de l'avant et faire votre voix soit au bon moment. Beaucoup de groove subtil et le placement de chaque mot peuvent contribuer à mettre en valeur le caractère de votre voix. Dans quelle mesure est-ce décontracté, avant-gardiste et enthousiaste ? Quelle émotion recherchez-vous. Le timing est donc très important. Je vous encourage donc à consacrer du temps à votre voix. Évidemment, il vaut mieux que vous puissiez simplement optimiser les performances, mais parfois vous obtenez une excellente performance et vous pouvez même l'améliorer un peu plus. Il n'y a rien de mal à cela. Vous avez donc fait votre chronométrage, vous avez fait votre volume. Regardons une chaîne vocale avancée que j'utilise parfois. Supprimons celui qui existe déjà. Ici, dans cet onglet bleu, j'ai enregistré ma chaîne vocale que j'utilise la plupart du temps sur ma voix. Évidemment, il se peut que ce ne soit pas la même chaîne vocale que celle que vous utilisez la même chaîne vocale que celle que vous utilisez, car elle est spécifique à ma voix, mais allons-y , prenons vocal 2.0 et ajoutons-la à notre morceau. Quand il a ouvert, tout ce que j'avais. Et il ouvre également, nous avons donc dû tout fermer, et il y a beaucoup de choses différentes ici, et je vais juste vous montrer rapidement ce qui se passe. Donc, tout d'abord, nous avons notre réglage automatique. Et je sais que c'est dans la tonalité de do majeur, alors je vais changer ça. Je sais que la pluie est automatique , donc je m'en tiens à cela. Ces paramètres sont identiques. Donc, ici, notre voix devrait être réglée maintenant. Ensuite, nous avons un égaliseur, et je coupe environ 100 hertz Nous supprimons le bas de gamme pour n'en avoir aucun, et cet égaliseur sert juste à supprimer le bas de gamme Ensuite, j'ai un QE qui augmente le haut de gamme. Ils le font de façon beaucoup moins spectaculaire que je ne l'étais avec l'Ableton EQ C'est mon type de modèle standard. Peut-être que pour cette chanson, je vais finir par l'augmenter un peu plus, mais ce que nous avons, encore une fois, c'est une étagère haute, qui augmente tout, puis un boost de dix kilomètres. Nous avons ensuite cette cassette vintage, qui présente une distorsion subtile. Vous pouvez donc déjà voir les parallèles entre la chaîne vocale que j'ai créée dans Ableton et la chaîne vocale ici présent, nous avons tous les mêmes éléments, y compris le même compresseur avec même les mêmes réglages. Nous avons maintenant un DSR comme avant. Ils fonctionnent de la même manière, ce sont juste des connecteurs différents, donc ils ont un aspect un peu différent. Nous disposons également d'un compresseur multibande. Ce que nous faisons plutôt différemment ici, c'est le compresseur multibande, nous augmentons le haut de gamme de 16 K, et nous augmentons également légèrement le haut de gamme au lieu de quatre K. Cela revient donc à augmenter davantage le haut de gamme Je ne fais pas tout le boost avec juste l'égaliseur. J'en fais une partie avec ce compresseur multibande. Il existe donc plusieurs façons de réaliser la même chose, et c'est pourquoi je n' augmente pas autant avec l'égaliseur Ensuite, j'ai de nouveau coupé le bas de gamme. J'ai un ami qui est un producteur super talentueux, qui a beaucoup de succès. Il se moque de moi pour ça. Il pense que c'est ridicule, et tu n'en as pas besoin. Je jure que j'entends la compression apporter un peu plus de bas de gamme que je ne veux pas, et je jure que j'aime réduire le bas de gamme même pour la deuxième fois. Cela dépend de vous. Il suffit de l'écouter. Si ça te plaît, tu l'aimes. Si vous ne choisissez pas Next, j'ai un peu plus de distorsion. Nous avons donc une distorsion de bande plus subtile après le CQ. Enfin, nous avons un autre compresseur avec les mêmes réglages qui le comprime subtilement. J'ai donc quelques effets récurrents ici. Les couches de compression multiples sont assez courantes car vous ne voulez généralement pas un seul compresseur fasse claquer quelque chose Avec chaque compresseur, le fait de ne pas avoir à travailler trop dur a tendance à avoir un son un peu meilleur. Nous avons donc ici des couches de compression et des couches de distorsion. D'habitude, j' ai même plusieurs niveaux d'égalisation, mais comme je l'ai dit, c'est un peu controversé Enfin, j'ai ici ce compresseur multibande, que j'utilise parfois et que je n'utilise pas parfois Ce que cela fait parfois, c'est baisser encore plus bas si j' en ai besoin avec une voix spécifique. Alors, allons-y et écoutons notre voix maintenant avec cette nouvelle chaîne. Co. Nous avons été Leo Nasolo T. Nous avons discuté sur n'importe quel tago. Je veux que vous me le disiez, Mme Con. Nous sommes Lesa Naviso Nous avons discuté d'un Tago. Dites-moi pourquoi je pense que cela sonne plutôt bien Nous éliminons donc ce bas de gamme ici, qui est cette deuxième bande, et la deuxième bande est comprise entre 100 et 200 Nous réduisons donc un peu plus le bas de gamme. Nous veillons vraiment à ce qu'il n'y ait pas de bas de gamme ici et à comprimer, e Qing, un peu de saturation. À mon oreille, ça sonne plutôt bien. C. Nous avons atteint une telle altitude. Parce que nous le comprimons un peu plus, les respirations passent vraiment par là Vague. Vous devez donc parfois effectuer le travail fastidieux faire une coupure à chaque respiration et à baisser le volume Si vous avez un double, vous n'avez pas besoin de superposer vos respirations Vous pouvez donc littéralement couper et éliminer chaque souffle dans vos doubles et dans vos harmonies, parce que vous n'en avez tout simplement pas besoin Donc, ici, vous pouvez vous débarrasser de toutes les respirations. Je sais C'est un peu embêtant, mais pour être honnête, ça vaut le coup. Débarrassez-vous du souffle dans votre chambre double Vous pouvez également vous débarrasser des sons S dans vos doubles deux si vous le souhaitez vraiment parce que vous n'avez pas besoin de couches de ce genre ou du Vous n'avez pas vraiment besoin de couches de rien à part les voyelles réelles de votre chant C'est donc quelque chose à garder à l'esprit. Vous pouvez vous débarrasser de tous ces éléments dans vos doubles. Parfois, vous pouvez vous débarrasser des respirations qui vous empêchent de respirer, mais parfois non Et parfois, vous devez simplement les refuser. Je suis tombé sur des chansons qui semblent robotiques lorsque vous vous débarrassez complètement de toutes les respirations, et ils aiment que les respirations soient plus calmes, afin que nous puissions écouter à quoi cela Rien dedans pour que tu ne le saches pas. Nous avons vécu si haut que nous sommes si bas. Nous avons été forts Parfois, nous aimons respirer. Mais dans ce cas, je pense en fait que ça sonnait mieux Si vous voulez une approximation, j' ai l'habitude de baisser le souffle moins dix ou -15 pour commencer, puis j'écoute et je vois comment cela se passe Mais d'habitude, je suis capable réduire mon souffle de manière significative, et vous avez toujours l'impression qu'ils sont là, qu'ils sonnent toujours bien mais ils ne vous attirent pas vraiment l'oreille C'est fastidieux, mais cela en vaut vraiment la peine. Enfin, parlons d'un effet de chorus. Nous allons donc passer ici à la modulation du pitcher, et à l'ensemble Chorus Et voyons voir ici. Passez à ce refrain classique et nous l'ajouterons à notre voix. Nous avons parlé du fait les chœurs peuvent élargir le son de votre voix, où leur nom Et essayons cet ensemble chaleureux. Nous avons un hasolo iso. Ils élargissent votre son vocal, mais ils ont un son très affecté. Parfois, vous aimez cette largeur, mais vous voulez la refuser Nous avons une Nisha. Nous avons parlé sur Wego. Les refrains se frayent parfois un chemin dans les voix. En fait, je ne les utilise pas trop pour ma voix, mais certaines personnes les utilisent tout le temps. Vous pouvez également l'utiliser pour un envoi à la place. Donnons-le donc à 100 %, et nous l'enverrons jusqu'à l'envoi. Nous sommes toujours aussi hauts, Novasolo. Nous avons passé une soirée à discuter avec le Dago. Une fois que tu me l'auras dit ? Nous n'avons jamais été aussi hauts, Novasolo. Nous avons discuté toute la nuit avec le Dago. Ne me direz-vous pas pourquoi ? Nous n'avons jamais fait si chaud. Nous n'avons jamais été aussi touchés. Nous n'avons jamais été aussi haut, Novasolo. Donc ça a l'air plutôt bien. Et parfois, un refrain est tout à fait le bon choix. Je sais que c'est beaucoup à assimiler. Il existe des plug-ins tiers, différentes techniques et tout le reste. Je veux juste que vous compreniez ce que je fais réellement pour une voix, car elle implique beaucoup de choses. Et je passerai autant de temps sur l'ensemble du rythme, toute la musique que sur le chant. Le chant prend autant de temps que tout le reste. Et c'est une bonne façon de passer votre temps, car comme je l'ai dit, la mélodie est reine, la voix est la chose la plus importante, et si votre voix brille vraiment et sonne bien, alors vous avez probablement une bonne chanson Donc, si vous voulez passer votre temps à peaufiner votre partie de guitare, c'est une chanson centrée sur la voix Je passerais d'abord le plus clair de votre temps au chant. Et je ne dis pas que vous ne devriez pas modifier votre synthé pour obtenir le son de guitare parfait, vous ne devriez pas tout faire aussi bien que possible. Tu devrais. Mais consacrez d'abord votre temps à la voix, car elle en a vraiment besoin. Et si vous avez encore envie de travailler encore plus sur votre chanson par la suite, alors je vous conseille de continuer à perfectionner le reste de votre musique 14. Harmonies et doubles : enrichir votre texture vocale: Les harmonies et les doubles sont très importants pour le chant. Même si vous avez une interprétation incroyable, ils peuvent vraiment améliorer votre voix principale au niveau supérieur. Les harmonies peuvent ajouter de la dimension, de la puissance et de l'ambiance. Vous pouvez avoir une toute nouvelle émotion grâce aux harmonies. Vous pouvez avoir tellement plus de puissance et tellement plus de texture. , les harmonies sont vraiment ce qui fait la jutosité de la musique Le doublement peut ajouter de l'importance et de la puissance. Vous pouvez doubler une partie plus importante de la chanson. Vous pouvez doubler une pièce, vous voulez qu'elle soit plus rapide. Vous pouvez en superposer autant que vous le souhaitez. Les gens utilisent vraiment des tonnes de couches vocales. Donc, des styles auxquels on ne s'attendrait vraiment sont comme ces voix douces et respirantes qui, selon vous , sont peut-être une énorme orchestration de couches de nombreuses prises différentes Et c'est très bien. Quelle que soit la manière dont vous pouvez obtenir le son que vous recherchez, c'est le bon choix. Que vous fassiez une seule prise, sans traitement ou que vous fassiez 50 prises avec des tonnes de traitement , vous trouverez le son qui vous convient. Des prises de chuchotements, des prises de cris et des prises de conversation. Dans beaucoup de musique pop, vous avez parfois un rôle chanté, et les artistes, comme Billy Elis et Taylor Swift, le font souvent Ils parlent juste une partie de la voix en tant que couche. Donc, une partie, je ne pense pas à un exemple précis pour le moment, mais une partie pourrait être du genre : « Allons-y ». Et puis le double pourrait être comme « Allons-y ». Et tout cela semble un peu bizarre, mais ils se démarquent d'une manière qui fait du bien à la chanson. Vous pouvez donc être vraiment créatif avec vos doubles. Tu n'as pas juste besoin d'y aller. Allons-y. Et vas-y. Allons-y. Il n'est pas nécessaire que ce soit pareil. Vous pouvez réellement changer la façon dont vous le faites amuser avec cela et faire preuve de créativité. Les harmonies se situent généralement un tiers au-dessus ou un tiers en dessous. C'est comme une harmonie de base solide. Il existe un monde d'harmonies parmi lesquelles vous pouvez choisir, et je ne voudrais jamais vous limiter à ces deux choses Mais si vous ne le savez pas, vous êtes du genre, je ne sais pas quoi harmoniser, essayez d'en harmoniser un tiers au-dessus ou en dessous de votre Cela étant dit, six, cinquième, septième, cela peut aussi être bien. Parfois, les harmonies avancées ne fonctionnent tout simplement pas, comme ces harmonies R&B de jazz, ne sonnent tout simplement pas bien sur votre chanson, mais parfois elles Il faut donc expérimenter. Jacob Collier crée des chœurs complètement fous qui ont l'air complètement dingues avec toutes les couches, et je ne sais même pas ce qu'il fait, et ils ont l' air tellement juteux et incroyables Parfois, c'est ce que veut votre chanson, tout comme ce son royal, ce son énorme. Et parfois, cela ne convient tout simplement pas au type de musique que vous créez. J'aime donc n'en ajouter qu' un seul est vraiment nécessaire et ne pas en faire trop Tu ne veux pas devenir reine sur chaque chanson. Par exemple, parfois vous avez une ballade au piano, et vous n'avez tout simplement pas besoin d'un milliard de couches vocales, mais parfois vous en avez besoin Il n'y a donc aucune façon d'aborder cette question à l'emporte-pièce. Mais je voudrais juste vous parler un peu plus et vous montrer quelques harmonies et quelques doubles et ce que vous pouvez faire pour y remédier Donc, comme nous l'avons déjà expliqué, nous avons ici notre voix principale avec quelques doubles, puis nous avons notre morceau Harmony qui s'harmonise un tiers au-dessus de notre mélodie Et c'est ce qui a fonctionné pour cette chanson. Mme ne le sait pas. Nous vivons si haut, pas en solo. Nous avons discuté ce soir. Vous écoutez les harmonies ? Rien dans mon âme que tu ne saches. Nous vivions tellement haut sans être seuls. Nous avons discuté toute la nuit avec le digo. Ne me direz-vous pas pourquoi il n'y a rien dans mon âme que vous ne sachiez. Nous vivions tellement haut sans être seuls. Écoutez juste les doubles ici. Rien dans mon âme que tu ne saches. Nous vivions si haut sans être seuls. Nous avons discuté toute la nuit avec le départ. Ne me direz-vous pas pourquoi et c'est ce qui a fonctionné pour cette chanson. Vous avez donc des harmonies et des doubles Les doubles étaient là pour vraiment ajouter de la dimension et de la puissance à notre voix principale, car cela semblait un peu trop intime, pas assez de corps à mon avis. Nous avons donc les doubles pour rendre le son vocal principal un peu plus puissant. Et les harmonies sont plutôt jolies et ajoutent un aspect plus émotionnel qui me convient Il se peut que vous vouliez simplement enregistrer des doubles ou l'harmonie pour certaines parties de votre chanson. Par exemple, vous ne voulez qu'une harmonie sur le refrain, et le couplet n'a pas d'harmonie Et peut-être que tu ne veux pas doubler tout au long de la chanson. Vous voulez simplement ajouter quelques mots marquants. exemple, tu pourrais juste ne rien doubler pour ne pas le savoir. Peut-être que vous voulez juste doubler la fin de chaque mot pour les faire ressortir encore plus. Parce que si tu doubles quelque chose, ça va ressortir. C'est donc une autre technique intéressante que vous pouvez essayer. Vous pourriez peut-être avoir dans le couplet un double au milieu, puis, du genre « je ne sais pas », le dire, c'est sur le côté ou quelque chose comme ça. Et plus il y a de contraste , de changements et choses intéressantes dans l'enregistrement, plus l'auditeur écoutera la chanson avec intérêt écoutera la chanson Vous pouvez donc vraiment vous amuser avec votre production. Vous pouvez vraiment dire, oui, les voix principales au milieu, mais à la fin de chaque mot, elles seront sur le côté Peut-être que nous ne faisons qu' harmoniser les côtés. Peut-être que les harmonies ont beaucoup de réverbération et qu'elles sont rares Vous pouvez commencer à faire preuve de créativité, à jouer avec votre chanson, à vous amuser, à essayer différentes choses. Peut-être que vous faites des effets étranges sur les harmonies, ou des effets vraiment étranges sur les doubles, et peut-être que vous ne doublez qu'une partie de la chanson Peut-être que tu veux des harmonies sur l'ensemble de la chanson. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise méthode. Et je prends beaucoup de plaisir à faire de la musique, et j'espère partager une partie de cette inspiration avec O. 15. Libres d'annonces : ajouter de la spontanéité à vos titres: publicités ou les callbacks, quel que soit le nom que vous voulez, des Beach Boys aux Migos, de la vieille école à la nouvelle musique moderne, sont essentiels pour rendre vos parties vocales intéressantes Passons donc aux bibliothèques publicitaires. Comme je l'ai dit, de Migos à Beach Boys, les appels et réponses suscitent de l'intérêt C'est amusant d'avoir plusieurs voix. Vous avez le style de rêve californien, où c'est comme répéter le même mot à la chorale, peu comme les Beatles, très old school, où cela ressemble à quelque chose dans le da da da Et le ciel est gris. Et le ciel est gris. La performance est incroyable, je sais, mais on peut voir que la voix principale dit le rôle principal, puis les rappels améliorent vraiment et ajoutent de la puissance à ces paroles Alors, allons-y et écoutons ça. Toutes ces choses le sont. Le ciel. Sur l'écran du ciel. M O M day Safa Ou on peut écouter une chanson plus moderne Personne, n'est-ce pas ? J'adore ça là-dessus. Allons-y Oh. Non, maître P. Salut. Nous l'avons donc. Hé, c'est un rappel. Calotte glaciaire. De la glace, de la glace. Et le voilà, Ice Cap. Jane de glace. C'est donc un appel et une réponse. Nous avons littéralement différents chanteurs dans le groupe ici et différents rappeurs dans ce groupe Et ils font un appel et répondent, font des publicités en direct, où il y a la personne principale, et puis ceux qui ne font pas le couplet principal à ce moment-là chantent les rappels Et ils peuvent simplement répéter le dernier mot, comme dans le rêve californien, ou simplement ajouter de l'influence, comme un y ou un B ou quoi que ce soit d'autre. Vous ajoutez de l'intérêt à votre voix principale. Comme pour tout, il ne faut pas en faire trop, mais allons-y et écoutons ces publicités que j'ai enregistrées pour cette chanson C. Nous y sommes allés. Nous avons continué à discuter de la prise de vue. Alors, dis-moi. C' est donc super simple. Je répète simplement le dernier mot qui a été dit, et je le chante d'une manière différente. J'ai un traitement différent ici. Cela va atteindre le niveau que nous avons, mais jusqu'au bout. C'est donc plus spatial, donc ça se démarque. C'est donc cool que votre appel et votre réponse aient un son légèrement différent, comme en aient un son légèrement différent termes de production. Par exemple, si l'un d'eux est sec, l'un d'eux peut être un peu plus résonnant ou quelque chose comme ça C'est cool de les séparer d'une manière ou d'une autre. Nous réduisons également le haut de gamme de nos rappels. Donc, le bas de gamme et le haut de gamme sont vraiment très intéressants. Il s'agit donc d'un son plus petit en ce qui concerne le spectre de fréquences. Non C chiton Donc ça donne un son différent. Et le fait que ce soit contrasté, c'est cool. À part cela, nous avons un traitement similaire ici, et les bibliothèques publicitaires peuvent simplement remplir l'espace Par exemple, sans ces librairies publicitaires, il y a juste un petit espace ici. Contre. On était si haut maintenant qu'on était si bas Tuck. Et l'espace est peut-être parfait, et peut-être que vous ne voulez pas vous en mêler. Ou peut-être que vous pensez que cela pourrait être un peu plus excitant ou si c'était comme le refrain de votre chanson, peut-être que c'est la deuxième fois qu'il ajoute des publicités ou ce que vous voulez Mais tu ne sais pas. Donc, parler avec le tao La chose principale et la plus importante avec les lèvres est de s'amuser. Cela doit donner l' impression que vous ajoutez l'énergie ou qu'il se passe quelque chose d'amusant dans la chanson. Sinon, cela ne sert à rien, mais c'est très amusant de faire des bibliothèques publicitaires. Et je suis sûr que si vous essayez trouver des bibliothèques publicitaires pour votre chanson, vous serez surpris de voir à quel point cela peut être amusant 16. Le parcours du chant principal: Le parcours de votre voix principale. Maintenant, le parcours de votre voix principale est également le voyage de l'ensemble de votre chanson, si votre chanson a une voix principale. C'est donc vraiment tout le parcours de votre chanson. Parlons donc du parcours de votre voix principale. Vous devez donc commencer par votre voix principale, puis ajouter couches, des harmonies, etc., juste pour susciter l'intérêt et l'intention Vous n'en faites pas trop et ne devenez pas fou, mais vous voulez ajouter là où c'est nécessaire Vous pouvez donc ajouter des bibliothèques publicitaires pour maintenir l'énergie, vous pouvez les superposer pour mettre en valeur la plus grande partie de votre chanson Et passons un exemple où je peux vous montrer ce que je veux dire. Ici, dans cette chanson paradisiaque au bord du parc, la voix principale part en voyage. Voyons donc en quoi consiste ce voyage. Ici, visuellement, vous pouvez voir que nous avons une voix principale, puis ici, dans ces parties spécifiques nos harmonies entrent en jeu C'est donc un choix qui permet à ces pièces de se démarquer. Écoutons ça. La ville ne dort pas. Tout le monde fait le plein de bruit dans un café, arrive en retard au quart de travail ou à une réunion importante, passe devant un café pour que les lumières clignotent doucement, doucement Donc, doucement, naturellement, l'écriture des chansons est différente de celle de la première partie. Nous lui donnons donc un son encore plus différent en ajoutant une harmonie à Alors dormez. La ville ne dort pas. Tout le monde se réunit comme à la fête. C out parce que nous voulons que cette chanson reste intéressante. Nous voulons garder l' auditeur engagé. Nous ajoutons une harmonie à la fin de cette ligne pour la modifier un peu, parce que nous avons déjà entendu tout ce couplet, évidemment des paroles différentes, mais nous venons entendre ce couplet sans qu' aucune partie ne ressorte Donc, dans la deuxième répétition, même si les mélodies se répètent, nous utilisons certaines harmonies pour nous démarquer à des moments spécifiques afin de garder l'auditeur C'est très différent d'avoir une harmonie dans l'ensemble de la pièce. Le but est juste de se démarquer. La ville ne dort pas. Tout le monde se rallie à la fête. Ici, ils boivent pour apaiser leur anxiété. Faites défiler la page jusqu'à ce que leurs yeux soient doux. Ouais. Doucement. Non, non, mais je ne fais que retarder. Qui est fou. Je suis Ils ne comprennent pas. Parce que pour moi, la voix est très doublée tout le temps, et il y a de l'harmonie tout le temps, parce que c'est le refrain C'est la partie la plus importante de la chanson. Maintenant, il y a plus de monde qui chante ensemble. C'est à cause de moi que c'est sous un arbre. C'est là que je me sens heureuse et l'herbe sous mes pieds respire à pleins poumons. Oh, brisez le cycle, rompez avec le fait que je déménage vous-même. Changez les vidéos en utilisant le son de mon ton de tête. Je vais avoir ceci, cette partie aigüe, et elle sera encore plus superposée. Il s'agit en fait d'une couche de huit voix différentes parce que c'est une partie très haute de ma voix, et j'avais besoin de beaucoup de couches pour obtenir la même puissance et rivaliser avec le reste, parce que normalement, quand je la chante, c' est un peu vaporeux, ce qui est cool Mais pour cette chanson, je voulais qu'elle reste dans le même genre que le chant principal d'avant, parce que vous vouliez avoir le son une seule voix qui traverse tout un voyage. Probablement. Mais à ce stade du voyage, il y a plus de personnages qui chantent, puis dans cette partie, les personnages principaux sont seuls, puis ils reviennent ici, personnages différents. Mais vous ne voulez pas que cela sonne comme dans chaque section de la chanson. Il y a comme un autre responsable. Je veux dire, à moins que vous ne le vouliez, mais en général, vous voulez un fil conducteur constant tout au long de la chanson. Mais vous faites en sorte que les choses restent intéressantes et surprenantes, et c'est une bonne idée de raconter des histoires pour changer les choses. Nous avons donc ici un son similaire, mais maintenant nous sommes dans une gamme plus élevée avec encore plus de couches et plus d'harmonies. Euh, les seuls médicaments dont j'ai besoin sont Quick Med Meditate Vibrate T infinity. Yoga cosmique, sensation transcendantale. Parce que j'ai eu toutes les phases, mais elles ne me mettent pas en phase. Phase de fête, phase de qui , travail continu. Vous verrez qu'à la fin de toutes ces phrases, nous ajoutons régulièrement ces harmonies, ces couches Et puis nous avons également toute cette couche cohérente qui entre en ligne de compte. Donc, cette partie est essentiellement la seule. J'ai eu toutes les phases, mais elles ne me mettent pas en phase. Harmonie. Et maintenant cette partie. Fête, phase, qui, fa. Phase de fête, phase de qui. Ce n'est qu'un double. Maintenant, nous avons doublé le couplet. C'est quelque chose que nous n'avions jamais fait auparavant. Maintenant, nous doublons le couplet et nous ajoutons des harmonies à la fin des phrases Donc, d'une certaine manière, nous avons commencé ici par un simple couplet. Puis la deuxième fois, nous avons commencé à faire quelques harmonies à la fin Maintenant, nous faisons des harmonies à la fin, et c'est doublé. Ce verset prend donc de l'ampleur dès la première fois. Et en plus de tout cela, les performances sont encore plus puissantes ici. Beaucoup de choses sont donc en train de changer, même s'il s' agit toujours du même couplet. Phase de fête, phase complète, travail non stop. Donc, nul, burn out. Chase American Dream Nightmare réveillez-vous hors de cette réalité. Mais, euh, j'étais fou. C'est moi. Ils n'en comprennent pas la cause. Il y a plus d'harmonies et de couches parce que c'est le refrain final, donc tout le monde chante tous ensemble C'est donc le parcours de la voix principale de cette chanson. Chaque chanson a son propre parcours et sa propre façon d' orchestrer les choses, mais c'est tellement cool et si puissant de prendre le temps de se dire «   OK, vous obtenez votre très bonne interprétation, votre très bonne performance Les performances sont fortes, elles doivent être fortes et silencieuses , toutes ces choses différentes. Et puis vous commencez à ajouter des doubles sympas, d' autres, comme « Oh, cette section veut juste un double fort ici. Cette section veut une harmonie, puis toute cette partie veut une harmonie complète, et toute cette partie veut un double. Et vous n'arrêtez pas d'ajouter, de retirer et de créer vraiment un voyage intéressant pour garder l'auditeur engagé tout au long de la chanson 17. Magie de Melodyne : réglage vocal et mise en forme: Allez vous faire découvrir la recette secrète qu'est Mladin, un outil d'édition vocale extrêmement puissant Vous pouvez modifier le volume, le réglage, le timing, vous pouvez aligner les doubles, baisser les sibilants et Passons donc à Mladin. Alors, allons-y et lançons notre démo ici, et nous allons passer à Mladine, qui, oui, est un plugin tiers, est un plugin tiers, mais je veux juste vous montrer à quel point c'est cool Il est fabriqué par la société Salmone et vous devez entraîner Mladine sur la piste Vous supprimerez ensuite ces effets car j'aime que Mladine soit le premier élément de la chaîne, car une chose que vous devez savoir, c'est que vous devez imprimer votre trace dans Par conséquent, vous enregistrez votre audio dans Meldine elle-même, qui domine ensuite Ableton d'une certaine manière, et je vais vous montrer ce que Donc, tout d'abord, c'est sur la bonne voie, vous appuyez sur Transférer, vous désactivez cette boucle, et vous allez appuyer sur Play à partir de endroit où vous voulez commencer l'enregistrement. Et je ne l'ai pas allumé, mais il fonctionne toujours. Et voilà. Maintenant, nous avons enregistré. Nous pouvons reprendre notre boucle, et nous avons enregistré notre morceau dans Mladine Donc, je veux juste que vous sachiez qu'une fois qu'il est enregistré dans Mladine, vous ne pouvez plus vraiment modifier Ableton de la même manière Disons, supprimons toute cette section. Et laisse-le jouer. Nous avons vécu tellement haut. Je l'ai supprimé, mais nous l'entendons toujours. Nous l'entendons toujours parce que c'est à Mladin. Ainsi, une fois que vous avez imprimé quelque chose dans Mladine, vous ne pouvez plus vraiment le déplacer dans Ableton moins de figer la piste ou de la rééchantillonner Il s'agit donc d'un cas d'utilisation important pour aplatir ou rééchantillonner vos pistes à froid Voici donc notre voix. Vous pouvez donc zoomer. Vous pouvez modifier le timing. Tu peux l'étirer. Parfois, il faut appuyer sur l'option. Vous pouvez modifier le chronométrage. C'est tellement difficile de nous, eux. Ff Évidemment, cela semble étrange parce que cela change le timing, ce qui était une bonne chose, donc nous ne voulions pas vraiment changer le timing, mais vous le pouvez. Comme tu ne le sais pas. Nous avons vécu tellement de femmes qui ne le savent pas. Mais ce n'est pas le cas. Vous pouvez donc affecter le timing. Habituellement, vous voulez le faire de manière subtile, bien sûr, mais vous pouvez le faire de manière plus large et vous pouvez influencer le ton. Ensuite, faites une messe d'Athènes que vous ne connaissez pas, une messe que vous ne connaissez pas Nous l'avons déjà fait. Eh bien, ce qui est vraiment cool Mladin, c'est que si vous ouvrez l'outil de pitch, vous pouvez affecter la dérive de hauteur et la modulation de hauteur Voilà donc ces lignes. Une messe si ce que nous faisons maintenant, c'est que nous égalisons le terrain tout au long du parcours de ce son. Athene Mass, que tu ne connais pas. Parce que ça ne va pas être sûr. Donc, si nous parvenons vraiment à égaliser les choses, nous pouvons essayer de changer cela. Athene Mass, que tu ne connais pas. Vous pouvez passer à la modulation de hauteur, qui s'aplatira encore plus dans cette gamme. Insulter le muscle, ça, tu ne le sais pas. Bien sûr, cette ligne est l'élément humain, il est donc peu probable que vous vouliez vous en débarrasser, mais vous pouvez avoir beaucoup de contrôle sur elle. Souvent dans Muscle, ça, tu ne le sais pas. Nous avons vécu si haut, ou dans Muscle, que vous ne le saviez pas. Nous avons vécu si haut, maintenant nous vivons si bas. Nous en avons été les objectifs , cependant, je pense que la mélodie est « Je ne sais pas », donc vous voulez vraiment l'entendre Et mon âme, que tu ne connais pas. Maintenant que nous l'avons trop aplati, nous obtenons certains de ces artefacts que vous ne voulez peut-être pas vraiment C'est donc juste pour vous montrer à quel point cet outil est vraiment puissant. Normalement, je n'aime pas trop modifier la voix, mais je veux juste vous montrer le genre de mélodie dont Mladin est Ath M, tu ne sais pas. Nous avons donc été là pour que vous ne le sachiez pas. Nous vivons tellement bien maintenant avec Solo. Nous avons discuté toute la nuit avec le tago. Ne me direz-vous pas pourquoi alors, dans mon âme, si vous ne le savez pas. Nous avons vécu si haut, maintenant nous sommes si bas. Cette partie semble toujours un peu mauvaise, mais ici. Athen M. Et puis ici, nous pouvons peut-être restaurer les centres de Pit d'origine, restaurer la modulation régionale et restaurer la dérive d'origine des Pits Rien dans mon âme, tu ne sais pas. Nous avons vécu si haut, maintenant. Nous avons discuté toute la nuit avec le tago. Ne me direz-vous pas pourquoi ? Mladin est donc un outil super puissant qui vous permet de vraiment beaucoup modifier votre voix Je vais le refaire afin de vous montrer comment j'utiliserais normalement Mladin dans ce cas utiliserais normalement Mladin dans . Nous allons donc être transférés ici. Rien dans mon âme. Je ne sais pas Nous avons vécu si haut, maintenant si bas. Allons-y et zoomons ici. Et ce que je ferais normalement, c'est juste voir tout est vraiment sur le bon ton ? Est-ce que c'est un peu bas ? Voulons-nous simplement l' incurver un peu ? Comme ça, peut-être. Je pense au fond de mon âme que tu ne sais pas. Je pense au fond de mon âme que tu ne connais pas. Nous avons tellement vécu que non. Je pense au fond de mon âme que tu ne sais pas. Nous vivons si haut maintenant que nous sommes si bas. C'est dans mon âme que tu ne le sais pas. Nous vivons tellement bien maintenant avec Solo. Il y a dans mon âme une chose que tu ne connais pas. Nous vivons tellement bien maintenant avec Solo. Nous avons parlé d'une chose dans mon âme que tu ne connais pas. Nous vivons tellement bien maintenant avec Solo. Nous sommes une chose dans mon âme que tu ne connais pas. Nous vivons tellement bien maintenant avec Solo. J'ai donc juste légèrement ajusté le réglage ici pour le rendre un peu plus parfaitement adapté. Parfois, vous ne voulez pas ce son. Et en fait, j'ai constaté une tendance à s'éloigner de cette tendance avec la musique commerciale récente, à vouloir que les choses sonnent un peu plus en direct. Pendant un moment, tout semblait très profond. Vous connaissez donc maintenant cet outil. Vous pouvez l'utiliser si vous le souhaitez, mais ce n'est pas obligatoire, bien sûr. Vous pouvez également supprimer ces sibilances, ces choses qui ne ressemblent pas aux autres et qui ne sont pas Ce sont comme les S , les F et les P, et vous pouvez les refuser ici. Nous pouvons donc passer au volume. Baissez le son. Athen et M, pour que tu ne saches pas. Puis en M pour que tu ne saches pas. Nous vivons tellement à Athènes dans mon âme que vous ne le savez pas Et peut-être que c'est un peu trop, augmentez un peu Athen en M pour que vous ne le sachiez pas Et vous pouvez vraiment influencer et modifier beaucoup les choses. Vous pouvez même modifier le temps entre le S et le reste du mot. Athéna M que tu ne connais pas. Nous sommes Athene M pour que vous ne le sachiez pas. Et cela change vraiment le rythme. Vous avez donc beaucoup de contrôle ici à Mladine. Maintenant, je vais vous montrer un autre cas d'utilisation vraiment cool pour Mladine Passons à notre double ici. Et nous allons nommer ce lead et nommer ce double. Activez-le. Et vous pouvez remarquer que nous avons déjà une double avance. Hum. Est-ce que ça pourrait être le même ? Eh bien, je vais vous le dire sous peu. Rien dans moi pour que tu ne le saches pas. Nous avons vécu si haut et si bas. Il existe d'autres moyens de le faire pour gagner du temps. Certains jurent que ce n' est pas le moyen le plus rapide de le faire Je le fais de cette façon parce que je pense que c' est en fait la méthode la plus précise. Mais ce que vous pouvez faire, c'est que nous avons imprimé notre double sur Mladin, mais vous pouvez allumer le fantôme, ce morceau est ici en argent Tu peux activer ton fil. Cela vous permet alors de déplacer votre double pour qu' il corresponde parfaitement à votre avance. Vous pouvez même le faire avec le timing. Maintenant, nos doublés devraient être bien plus en phase avec notre avance. Je pense que dans mon fils, je ne sais pas. Nous avons vécu si haut, non pas si bas. Certaines personnes ont des théories selon lesquelles les doubles devraient être beaucoup plus ajustées et plus brutes, et les doubles sont beaucoup plus ajustées. Certaines personnes font le contraire. Il y a toutes sortes de choses que vous pouvez essayer. Vous pouvez aller de l'avant et trouver ce qui convient à votre chanson. En général, j'aime que la voix principale soit un peu plus crue et que les doubles soient un peu plus ajustés. Ça a l'air bien. Parfois, ce n'est pas ce que tu souhaites. Et parfois, il est agréable d'avoir des doubles qui ne sont pas accordées à temps et qui ne sont pas accordées, ce qui rend votre voix plus épaisse et plus large, et vous donne l'impression qu' il y a deux voix de plus. Ou parfois, vous ne voulez pas que cela sonne comme s' il y avait deux voix, et vous voulez que cela sonne comme s'il n'y avait qu'une seule voix. Ainsi, si vous les accordez l'un à l'autre, supposons que la voix principale ne soit pas parfaitement accordée, mais vous pouvez accorder le double sur le lead de manière à qu'elle soit exactement en accord avec le lead et au même timing, ce qui la cachera en dessous et la fera sonner davantage comme une grosse voix. 18. Côtelettes vocales : créer des montages dynamiques et attrayants: Cette leçon est entièrement consacrée aux techniques vocales. Parlons donc de ce que c'est. Des côtelettes vocales Eh bien, comme il se doit, vous devriez probablement sortir votre outil de découpe et commencer à hacher Vous pouvez inverser le son. Vous pouvez y trouver des sons intéressants ou agréables. Vous pouvez avoir une idée : « OK, je sais quel son je veux », ou vous pouvez simplement être totalement aléatoire et voir ce qui sort du lot. Voici une copie vocale que j'ai faite pour cette chanson. Oh. Donc, ce qu'est un découpage vocal, c'est que vous pouvez découper votre propre voix. Tu pourrais t'enregistrer en train de chanter, et ensuite, tu sais, peut-être que je pourrais y participer. Et je découperais ça. Mais pour cela, j'ai également choisi un échantillon différent. Et c'est l' échantillon que j'ai choisi. Et ce que vous faites, c'est simplement entrer et trouver une partie vraiment unique de la voix. Oh. Et vous pouvez commencer à copier-coller des éléments. Oooooooh. Oh Oh. Et vous pouvez inverser certaines d'entre elles. Descends ici. Ici, inversement. Regarde à quoi ça ressemble. Tu peux découper encore plus de choses. Vous pouvez choisir au hasard, ou vous pouvez avoir une idée en tête de ce que vous recherchez réellement. Et ici. Cette partie est plutôt cool. Et vous commencez simplement à chercher de petits endroits uniques. Moo. Oooooooh non . Je ne sais pas à quoi ça va ressembler, mais vous avez en quelque sorte compris l'idée Tu prends juste le temps de couper ta voix. Vous pouvez inverser certaines parties. Vous pourriez essayer de contourner certaines pièces. Peut-être que ceux-ci seront en avance d'une octave. Peut-être que vous voulez changer de texture ici. D. Peut-être que ça va sembler complètement bizarre. Il suffit de quelques expérimentations pour y parvenir. Et il suffit d'explorer, de s' amuser et de voir où les choses veulent atterrir. Il n'y a vraiment pas de mauvaises réponses avec les côtelettes vocales. Vous pouvez présenter les choses en haut ou en bas. Vous pouvez passer à différents modes de distorsion, vous pouvez inverser les choses, vous pouvez couper différentes sections, les coller tout autour Et tu es juste en train de découper et de remixer ta voix Vous pouvez même le faire en direct sur un clavier ou un beat pad, attribuer différents points de départ à cette piste plus longue. Et chaque fois que vous appuyez sur un pad, vous déclenchez un nouveau son. Je vous montrerai comment procéder dans une leçon ultérieure. Et c'est vraiment passionnant de voir quel point vous pouvez être créatif avec vos talents vocaux Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de faire des côtelettes vocales. La seule bonne chose à faire est de vous assurer que vous vous amusez pendant que vous le faites. 19. Étudier les grands : apprendre des chansons et des chanteurs emblématiques: Comme pour toute musique, si vous voulez devenir bon dans un domaine, étudiez les meilleurs. Vous voulez donc devenir bon en mélodies. Étudiez vos mélodies préférées. Étudiez les mélodies classiques. Étudiez tous les Beatles, tous les vieux Dies. Vous pouvez même étudier Beethoven. Tu peux aller étudier des mélodies modernes. Tout comme trouver ce que vous aimez et découvrez ce qui le motive. À quoi ressemble une bonne mélodie lorsque vous l'écoutez ? À quoi ressemble une bonne mélodie lorsque vous la chantez ? À quoi ressemble une bonne mélodie lorsque vous la jouez ? Vous devriez les chanter, les jouer, les analyser, essayer même de les réharmoniser Vous pouvez essayer, OK, quelle est une mélodie célèbre que vous aimez, mais jouez-la plutôt dans une tonalité mineure Comment cela change-t-il ? Est-ce que la mélodie sonne toujours bien ? Quel effet émotionnel cela a-t-il ? Ou peut-être prenez-vous une mélodie mineure et la jouez-vous dans une tonalité majeure ? Vous voulez juste commencer à vous familiariser avec de bonnes mélodies. C'est la meilleure façon de commencer à écrire vos propres mélodies géniales 20. Activité d'apprentissage Écrire vos propres mélodies: Félicitations pour avoir atteint la fin du chapitre sur la mélodie Maintenant que nous sommes tous des maîtres de la mélodie, j'ai une activité pédagogique à vous faire essayer Si vous voulez passer à l'activité d'apprentissage de la mélodie, nous avons ici trois rythmes différents composés d' harmonie et de batterie Ce que je veux, c'est que vous synchronisiez le tempo ici à droite avec le tempo de votre chanson, que vous écriviez quelques lignes principales, que vous écriviez des mélodies sur droite avec le tempo de votre chanson écriviez quelques lignes principales, ces chansons. J'adorerais que vous écriviez une voix sur deux de ces rythmes différents, puis écriviez un lead instrumental pour le troisième. Je te laisse choisir les discours auxquels tu veux faire les voix et les discours auxquels tu veux faire les leads instrumentaux Mais entraînez-vous simplement à écrire quelques mélodies. Ne vous inquiétez pas du tout, si vous êtes un bon chanteur, si vous êtes un bon joueur, si vous pouvez même l'enregistrer, cela n'a même pas d'importance. L'important, c'est de commencer à mettre le muscle de l' écriture mélodique dans vos os Alors amusez-vous bien avec. Fixez-vous un moment ou n'y consacrez pas une éternité. Rappelez-vous, voyez si quelque chose vous vient à l' esprit parce que c'est ce qu'il y a de mieux. Ne vous jugez pas non plus. C'est comme si c'était une mélodie ? Arnaquer quelqu'un d'autre  ? C'est trop ringard ? Peu importe. Ne vous mettez même pas dans cet espace de tête. Chante juste ce qui te plaît sur ce rythme. Et puis occupez-vous de toutes les autres choses plus tard. Mais pour l'instant, nous ne faisons que démarrer, essayer de baisser la garde et de nous amuser et de faire preuve de créativité , car c'est dans l'énergie du jeu que vous allez trouver vos meilleures idées. C'est tellement important que tu puisses trouver un moyen de ne pas te juger toi-même alors que tu t' habitues à écrire mélodies et que tu apprends à écrire des mélodies, parce qu'il y a toutes sortes de choses qui m' empêchaient à l'époque où je me disais trop de choses » dans ma tête Et c'est comme si ça n'aidait pas. La seule chose qui compte, c'est que tu commences à savoir ce que c'est que d'écrire une mélodie Et comprenez ce sentiment. À quoi ressemble une mélodie qui vous vient à l'esprit ? Je sais que je l'ai dit. C'est très difficile à expliquer, mais je vous promets que si vous prenez le temps d' écouter un rythme, essayer de fredonner une mélodie, il se passera quelque chose Et c'est exactement ce que je veux dire. 21. Félicitations !: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Je suis tellement fière de toi et j'ai hâte d' écouter ton projet de cours. Tu peux me dire bonjour sur Instagram ou Spotify chez Benza Maman Et si vous aimez ce cours, hésitez pas à consulter mes autres cours de musique sur Skillshare