Production musicale du monde - Partie 4 : musique aborigène australienne

1. Introduction du cours: Bonjour à tous, Bienvenue dans ce nouveau cours sur la production musicale du monde. Je suis Mervin Mathew, je suis musicien, artiste et architecte. Je me suis principalement concentré sur la composition de musique où différents styles et genres incluent différents médias Comme vous le savez, il s'agit de la quatrième partie d' une série de cours sur la production musicale du monde. Et ici, dans ce cours, nous allons discuter en détail de la musique aborigène australienne. Dans ce cours, nous aborderons tous les aspects théoriques, toutes les caractéristiques uniques qui définissent ce genre. Et nous allons créer une piste à partir de zéro afin que tout ce que nous avons appris dans le cadre de la théorie puisse être appliqué directement et que vous puissiez créer une piste avec un professionnel. Je pense que la musique du monde a influencé d'innombrables autres revues musicales. Donc, si vous faites partie de n'importe quel genre musical, ces objectifs vous aideront quand même. Je n'ai pas vu beaucoup de cours sur la production de musique du monde. Donc, en fait, ce parcours va vraiment être une ligue. Et sans plus attendre, commençons. voit là-bas. Au revoir. 2. Introduction de genre: Bienvenue à tous dans ce nouveau cours de musique aborigène australienne. Comme vous le savez, il s'agit de la quatrième partie d'une série de cours sur la production musicale du monde. Si vous parcourez les trois parties précédentes, vous devez connaître la structure du cours. Il est divisé en deux parties. la première partie, nous aborderons tous les aspects importants, toutes les caractéristiques uniques, les aspects de la théorie musicale concernant ce genre particulier. Et la deuxième partie, ça ressemble plus à une séance pratique. Nous allons créer une piste à partir de zéro en nous basant sur les éléments dont nous avons parlé ici dans la première partie. Ainsi, après avoir terminé ces deux sections, vous serez en mesure de créer une piste de qualité rationnelle à partir de zéro. Alors sans plus tarder, allons-y. Alors, quel est exactement le nom du genre ou même le nom du style en ce qui concerne le contexte de la musique du monde ? Ce n'est rien d'autre que de la musique aborigène australienne. Comme vous le savez, il s'agit de peuples ou de tribus autochtones ou de groupes de personnes vivant dans différentes parties du monde. Mais les aborigènes australiens ont certaines spécialités parce que leur culture est si unique. Et leur contribution musicale à cette scène musicale mondiale est très spéciale parce que les instruments ou la façon dont ils sont des instruments de musique, c'est notre assiette et toutes ces choses sont vraiment uniques à la musique aborigène australienne. Discutons donc de toutes ces choses. Nous devons donc réfléchir aux aspects historiques voire évolutifs de cette revue. Vous pouvez très bien comprendre que la musique folklorique traditionnelle des peuples autochtones d'Australie est très diverse et très complexe . Et elle s'est transmise de génération en génération, comme la plupart de ces traditions musicales folkloriques. Ainsi, lorsque vous pensez à ces étapes de l'évolution, elles sont influencées par les premières générations. Cette musique a influencé de nombreux autres genres musicaux, en particulier la musique new age, la musique du monde, les musiques de films, la musique fusion. Tous ces nouveaux genres musicaux sont vraiment influencés par cette musique aborigène australienne, en particulier leurs instruments, la façon dont ils jouent de la musique, tout cela a influencé de nombreux autres genres musicaux et parlons des classifications en tant que a influencé de nombreux autres genres musicaux et parlons des classifications sous-genres de ce style musical Elle est divisée en musique traditionnelle. La musique traditionnelle a certaines règles, certaines manières d'être jouée parce qu'elle fait partie d'une tradition. Et puis il y a cette musique aborigène contemporaine. Dans la musique autochtone contemporaine, vous pouvez constater que de nombreuses nouvelles influences sont utilisées. Ou c'est le fait que cela a été fait comme de la musique effusion avec un nouvel instrument Peut-être pouvez-vous trouver certains instruments de la musique aborigène australienne utilisés avec un instrument d' orchestre ou avec certaines nouvelles compagnies d' ensemble Et vous pouvez trouver ces instruments. Il peut donc être amené, mis en valeur dans un cadre contemporain. Si vous pouvez l'utiliser vraiment correctement. Passons aux références principales, sinon les artistes sont bannis, qu'il s' certains albums influencés ou de certaines musiques de films, auxquels vous pouvez vous référer. Ainsi, même si vous connaissez tous les aspects théoriques ou même les caractéristiques uniques du genre vous devez quand même entendre beaucoup de musique basée sur ce style musical. Sinon, vous n' obtiendrez pas la bonne sensation ni même la vague du genre. Passons maintenant aux références musicales. Nous aborderons ici les principaux artistes, groupes, musiques de films, albums, auxquelles vous pouvez vous référer pour vous faire une idée précise ou même de la vague de ce style musical. Donc tous ces artistes, Jeffrey Glutamyl, Unique Pink Goo, Archie Roach, Christina et Tous ces artistes sont très connus pour leur contribution musicale. Et les groupes comme vous dans le groupe d'échauffement, sans adresse fixe , parents mixtes, tous ces groupes, vous pouvez simplement les rechercher et commencer à écouter leurs morceaux pour avoir une idée très précise de la façon dont la musique va sonner Et dans certaines musiques de films, elles sont également très inspirées de la musique aborigène australienne. On y retrouve une canette de Jimmy Blacksmith, Rabbit Proof, et Australia Tend Can Walk About Toutes les actualités sont vraiment inspirées de la musique aborigène australienne Donc, si vous avez suffisamment de ressources , trouvez ces films et parcourez simplement les bandes sonores de ces films Parlons maintenant des aspects musicaux. Ce sont les caractéristiques générales dont nous allons parler. La musique est vraiment liée à la terre et à l'environnement naturel Comme de nombreuses autres traditions de musique folklorique, la musique a évolué à partir de la nature. Les sons de la nature, les sons, les sons des animaux, des oiseaux poussent les sons naturels. Tout ce que nous entendons dans la nature a influencé ces genres musicaux. Dans la plupart de leurs morceaux, vous pouvez trouver les sons utilisés de manière très délibérée. Et elle possède une forte tradition orale. Ainsi, comme de nombreuses autres traditions musicales du monde, la représentation de la musique est très importante lorsqu'il s'agit de musique aborigène australienne. De plus, ce style musical utilise de nombreuses polyrythmies complexes avec de multiples couches de percussions Si vous commencez à écouter de la musique autochtone, vous l' identifierez très clairement. Et des techniques vocales comme le chant de gorge, yodel, le chant aigu Toutes ces choses sont utilisées. La musique en tant que rôle spirituel dans leur communauté. Et je pense que c'est aussi une caractéristique commune aux différentes musiques folkloriques. Le côté spirituel est toujours lié à la musique aborigène australienne. La musique joue un rôle important dans leurs cérémonies, festivals, leur culture. En tant que tel. Il a également un caractère curatif. Elle joue donc un rôle très important dans leur culture. C'est ce que vous devez comprendre. est le plus important, c' est que la musique possède également cette nature d'expérimentation improvisée De plus, il n'y a pas de règles strictes à suivre, mais même les interprètes peuvent avoir une sorte d' improvisation ou d'expérimentation dans cette C'est-à-dire que cet aspect est également ouvert lorsqu'il s'agit de la musique aborigène australienne, domaine principal ou émotion secondaire, dégage une atmosphère très spirituelle et surnationale Parce que toutes ces cultures ont une sorte de système de croyance surnaturel ou quelque chose comme ça. Ils mettent donc toujours de la musique en retard sur cet aspect également. 3. Instruments de musique utilisés: Les instruments principaux utilisent de nombreux instruments très importants tels que le didgeridoo, les clap sticks, les bull rollers, le chant eDonkey, le gum, chant eDonkey Comme vous pouvez le voir à l'écran. Cet instrument fabriqué en bambou est appelé didgeridoo. Et c'est un instrument très emblématique. En ce qui concerne la musique aborigène australienne, vous ne pouvez trouver cet instrument de musique que dans cette culture. C'est donc plutôt comme si vous associiez directement cet instrument à la musique aborigène australienne. Ensuite, nous avons ces bâtons de club. Ce ne sont que des baguettes qui sont utilisées pour jouer certaines parties de percussion. Et Bulldog est qu'il s'agit en fait du bootloader. Il a un son tout à fait unique. Il est utilisé d' une manière très organique en discuterons également lors de la session pratique. Et ils utilisent la feuille de gomme eDonkey pour jouer parties de percussion soudaines ou pour créer des champs atmosphériques Et évidemment, les voix sont également présentes. Ce sont donc les principaux instruments importants qu'ils utilisent dans le cadre de la musique aborigène australienne. Et vous pouvez très clairement comprendre le rôle de chaque instrument lorsque vous commencez à écouter cette musique 4. Aspects mélodiques: Parlons maintenant de la musique et du symbole créés à l'aide de ces instruments. Dans la plupart des cas, l'ensemble musical est basé sur différentes occasions. Comme nous l'avons déjà mentionné, la musique est l'une des principales composantes de leur culture. Il est donc toujours présent dans leurs cérémonies, festivals et presque toutes les autres activités. Pour chaque activité, ils ont leur propre type de combinaisons. Mais dans la plupart des morceaux de musique du monde aborigène d'Australie vous pouvez trouver des duos numériques, bâtons de club, des voix et des champions naturels Ces quatre éléments sont couramment présents dans la plupart des morceaux des Aborigènes australiens et ce sont des caractéristiques sonores Donc, lorsque vous commencez à le programmer, vous devez comprendre que toutes les imperfections du Live play doivent être présentes. Ces morceaux vous permettront de comprendre très clairement les imperfections de leur interprétation. Cela donne donc un son vraiment authentique. Et concentrez-vous davantage sur l' invocation du domaine plutôt que sur la structure musicale ou les aspects théoriques Le terrain est ce qu'il y a de plus important. Passons maintenant aux aspects mélodiques. Lorsque vous commencerez à écouter ces morceaux, vous identifierez très clairement les choses dont nous allons discuter maintenant. La première chose est l' utilisation de la microtonalité. Parce que, comme vous le savez, comme la plupart des cultures de musique folklorique, elles ne suivent pas le système occidental de tempérament égal Les tons sont utilisés, comment les demi-tons sont utilisés, comment les microtons sont utilisés Il est très propre à chaque culture folklorique. De même, lorsqu'il s'agit de musique aborigène australienne, des microphones sont utilisés pour jouer ce do numérique. Tous ces instruments. Ils ne suivent pas un centre tonal très strict ou quelque chose comme ça Peut-être avez-vous l'impression que tous les instruments sont parfois désaccordés. Ma tonalité est donc un aspect important que vous devez garder à l'esprit et qui donne cette impression d'imperfection à cette musique Et l'utilisation de la gamme pentatonique est également très courante dans de nombreux genres musicaux de musique folklorique, car gammes pentatoniques font toujours partie des Et vous avez ces intervalles, la musique comporte de larges intervalles et des derniers pas. C'est également une caractéristique très importante de la musique aborigène australienne, car elle utilise des intervalles beaucoup plus larges sans avoir résolutions appropriées ou sans règles strictes ou quelque chose comme ça. Et ils utilisent des réglages non standard. accordages sont également très différents de la manière dont les instruments de musique occidentaux sont accordés Ils ont donc un type de système de réglage très différent. Mais lorsque vous trouvez ces instruments de musique dans les bibliothèques VSD, ils ont généralement cette option pour les régler Alors peut-être que vous vouliez vraiment utiliser ces instruments dans un environnement très différent, dans tous les types de musique occidentale. Vous pouvez même le régler micro sur ce centre tonal ou quelque chose comme ça Il existe donc des options en ce qui concerne l'EST, les bibliothèques. Mais en cas de jeu léger, je ne pense pas qu'ils disposent de ces réglages standard. Si vous essayez d'utiliser ces instruments dans un environnement différent de celui habituel, vous serez confronté à tous ces problèmes liés aux accordages non standard et à d'autres vous serez confronté à tous ces problèmes liés aux choses du genre Ce sera donc un défi. La principale caractéristique suivante est l'utilisation d'échelles modales. Je ne pense pas qu' ils utilisent une grande partie de mes gammes mineures et majeures comme nous les utilisons dans la musique occidentale. Voici donc les principales échelles de modèles utilisées dans le cadre du musée aborigène australien. En fait, je ne sais pas comment le prononcer correctement. 5. Aspects rythmiques et harmoniques: Qu'en est-il des aspects harmoniques ? Dans ce style en particulier ? L'harmonie n'a pas un rôle important à jouer, comme la musique d'investissement. Comme vous le savez, vous avez cette mélodie, ce rythme et cette harmonie Chacun a son propre rôle à jouer. Donc ici, dans la musique aborigène australienne, vous ne trouverez pas, vous ne trouverez pas d' instrument de musique ou quelque chose comme ça qui ait un rôle à jouer en termes d'harmonie. Ils se concentrent donc principalement sur la mélodie excitée et même le rythme qui les excite est géré par les La mélodie est donc ce qui compte le plus. L'harmonie n'est pas si importante dans la musique aborigène australienne. Certaines pistes intègrent certains aspects harmoniques jusqu'à un certain point. Même si vous placez automatiquement un aspect rythmique ou même un aspect mélodique, l'idée harmonique apparaîtra automatiquement , mais ce n'est pas intentionnellement fait Ainsi, dans la musique aborigène australienne, le style harmonique ou même la structure harmonique sont établis par le biais d' ostinatos et même en utilisant plusieurs éléments numériques dessinés peuvent être joués sur certains Ainsi, lorsqu'ils jouent avec ces drones, ils jouent des notes différentes. Ces nœuds se chevauchent donc automatiquement et nous avons l'impression qu'une sorte de structure harmonique est en train de se créer. Je ne pense pas que cela ait été fait intentionnellement pour créer cette harmonie. Mais ils le jouent généralement sous forme de drones ou de notes plus longues. La musique se concentre principalement sur la mélodie, le rythme et les aspects narratifs plutôt que sur l'harmonie, c'est l'essentiel Ils se sont principalement concentrés sur les aspects mélodiques et même rythmiques Lorsque les voix arrivent, elles essaient généralement de communiquer certaines histoires, certaines légendes ou quelque chose comme ça Et comme nous l'avons mentionné dans la dernière diapositive, ces instruments de musique, qui font partie de la musique aborigène australienne, peuvent être directement utilisés tels quels dans un cadre orchestral ou quelque chose comme ça Parce qu'à cause des problèmes d'accordage et tous ces problèmes microtonaux, ils seront exagérés lorsque vous le jouez avec un orchestre ou quelque chose comme ça La musique fusion est donc assez difficile avec ces instruments, mais tout dépend de votre créativité. Vous pouvez l'utiliser où bon vous semble en gérant ses forces et ses faiblesses. Maintenant, en ce qui concerne les aspects rythmiques, rythmes syncopés très complexes Il est influencé par des éléments naturels tels que l'eau qui coule, les sons des animaux ou quelque chose comme ça. Lorsque plusieurs instruments de percussion sont joués simultanément, vous avez l'impression que certains polyrythmes sont des motifs syncopés qui se forment Parfois, cela est fait très intentionnellement, mais dans certaines situations, ils jouent des rôles très différents. Et lorsque nous l'entendons dans sa totalité, nous avons l'impression que des motifs à période unique sont en train de se créer et que des polyrythmes sont en train de se créer C'est également l'une des caractéristiques les plus importantes la musique aborigène australienne. Différents instruments joués, j'étais rythmique, ce qui, comme vous tous, crée un son global complexe Ainsi, à un niveau microscopique, nous avons l'impression que chaque instrument joue des motifs rythmiques différents Mais à ce niveau macro, nous serons en mesure de reconnaître les polyrythmes qui vont Et on improvise souvent, ce qui crée beaucoup de phrases inattendues Dans ce style musical. L'improvisation a une grande portée. Vous pouvez probablement opter pour n'importe quel aspect de l'improvisation. Ce style de musique a une forme cyclique. Vous pouvez constater que de nombreux très petits motifs se répètent comme une boucle, ce qui donne à tout cela une forme cyclique. La suivante est la fonction d'appel et de réponse. Comme de nombreuses autres traditions de musique folklorique, l'appel et la réponse sont également très importants. Cela peut se produire entre les instruments ou même avec le chant. Les deux peuvent très bien fonctionner. La suivante est la percussion corporelle. Les gens utilisent les différentes parties de leur corps pour le placer. Et des éléments de percussion, qui peuvent vraiment améliorer la section rythmique Et Time Signature n'est pas aussi structuré que la musique d'investissement en capital-risque peut modifier nos objectifs du morceau. mettent davantage l'accent sur le GRU et l'énergie plutôt que sur la stricte Time Signature, ils ne suivent pas exactement une Time Signature comme on le voit dans la musique occidentale Ils passent par le terrain, donc l'improvisation peut également se produire Ensuite, la structure des pistes ou même la disposition de la structure totale des pistes varient en fonction du contexte dans lequel la musique est jouée. La prochaine étape est l'idée d' appel et de réponse, qui peut être diffusée artistiquement pour l'énergie et de l' élan au morceau Et lorsqu'il s'agit de performances vocales, ils transmettent généralement certaines histoires ou légendes à travers leurs performances vocales. La structure dépend donc également de la manière dont l'histoire est communiquée. Et la musique aborigène est davantage axée sur la création d'un sentiment de connexion avec la nature grâce un destructeur plus fluide et plus souple Il n'a pas de structure très formelle, comme on le voit dans différents genres musicaux populaires. C'est beaucoup plus organique et on n'a pas l'impression que la musique commence quelque part, ou qu'elle va le faire d'une manière ou d'une autre, comme si la musique avait une résolution appropriée ou quelque chose comme ça. Je vous recommande vivement d'écouter un grand nombre de ces morceaux afin de bien comprendre comment ces éléments sont appliqués de manière pratique. Et je pense que ce sont les choses de base il faudra connaître dans la partie, dans une section. Dans la section suivante, nous verrons comment créer un morceau dans ce style musical. C'est très difficile. Passons à cela. 6. Instruments VST utilisés: Bienvenue donc dans cette section de la deuxième partie où nous allons créer un morceau à partir de zéro dans ce style musical aborigène australien. Donc, si nous allons passer à la première partie, vous devez connaître tous les aspects importants du genre, les principaux instruments de musique utilisés , et même les aspects mélodiques, et même les aspects mélodiques, rythmiques et harmoniques sortants Et je vous suggère fortement écouter certains morceaux , puis de consulter cette section afin de vous familiariser avec le style musical. Donc, la première chose à faire est d'avoir une sorte de bibliothèque d'échantillons avec vous car lorsqu'il s'agit de musique du monde, vous devez disposer d'une bibliothèque de bonne qualité pour émuler les tonnes de chaque instrument unique sur lequel vous jouez, dans ce style particulier Pour la programmation musicale du monde, j'utilise toujours cet éthanol World Library. Et je pense que c'est probablement l'une des meilleures bibliothèques Life VST et qu'elle n'est pas si bon marché Si vous pouvez avoir une bibliothèque comme celle-ci, cela peut vous faire économiser beaucoup. Ensuite, si vous avez vu mes vidéos précédentes, j'ai ce flux de travail dans lequel je commence toujours par la mélodie Ensuite, après avoir finalisé la mélodie, je vais passer en revue les aspects harmoniques, la cour, que vous pouvez utiliser Je vais passer en revue les aspects rythmiques et ainsi de suite. Donc, tout d'abord, la mélodie, mais dans ce domaine de journal musical, vous n'aurez pas beaucoup d' options mélodiques à faire car les instruments du domaine Instruments, qui relèvent de ce Jonah musical, qui relèvent de ce Jonah musical ne sont pas Donc, voici ce que j'ai fait, c'est que je suis parti d'une idée percutante, de quelques phrases C'est la première idée qui m'est venue. Ainsi, au début, nous pouvons voir quels instruments nous avons utilisés. Nous passerons ensuite à tous les aspects de cette piste. Les principaux instruments que j'ai utilisés ici sont l'utilisation numérique de différentes instances d'actualités numériques. Ici, j'ai utilisé pour différentes instances de numérique la bibliothèque d'échantillons, elle provient du puits six d'éthanol. Et puis j'ai utilisé ce Joe hop, des carillons en bambou, des shakers, des hochets, des percussions sur cadre 7. Programmation MIDI: Passons maintenant à la session de programmation midi. Ici, comme vous pouvez le constater, leurs pistes sont divisées en quatre sections principales. Le code couleur indique en fait que chaque section a son propre objectif. Passons donc à cela. Comme vous pouvez le voir ici, les trois pistes inférieures sont colorées en rouge cerise foncé. Le but de ces morceaux est donc de donner une sorte d'ambiance à cet Arrangement. Alors comment avez-vous utilisé trois pistes différentes pour cela ? Le premier est le chant des oiseaux. C'est un extrait téléchargé. C'est un échantillon gratuit. Cela donne l'ambiance d' un espace particulier où vous pouvez même y penser comme s'il s'agissait d'une histoire de Forrest, endroit où il y a beaucoup d' oiseaux ou quelque chose comme ça Donc ça représente ou ça donne le sens d'un lieu. C'est le but de tout cela. Et le second est un fichier numérique à sampler, qui se lit comme ça. Il s'agit également d'un extrait téléchargé avec beaucoup de réverbération Je pense qu'ils sont disponibles sur le site Web de Pixabay. C'est un, vous pouvez le télécharger gratuitement. Cela améliore également l' ambiance du morceau. C'est ce que je pense. La troisième est une voie ferrée à taureaux. Il s'agit également d'un extrait téléchargé depuis cette bibliothèque Pixabay. utilisé un panneau pour effectuer ce panoramique automatique afin que vous puissiez entendre un cycle d' oscillation sur la droite et l'autre sur la gauche Cela va simplement de gauche à droite et ainsi de suite. Ces trois instruments expliquent donc la raison d'être de ce morceau. La piste commence donc avec ces pistes. Alors écoutons-le. Lorsque vous pensez au placement de ces pistes dans le champ stéréo, cette piste complète possède en fait la largeur maximale. Et la deuxième piste, ces effets numériques font le suivi. Il est simplement interdit de gauche à droite et l' appariement se fait très lentement Le troisième, le rocher ou l'attraction, le moment s'est produit très rapidement entre les haut-parleurs, de sorte que vous pouvez sentir un piano automatique dedans C'est ainsi qu'il est placé dans le champ CDO. Ces trois titres donnent donc du WIP ou même de l' ambiance à ce morceau Nous allons maintenant passer à la section des percussions. J'ai utilisé très peu d' instruments car, comme vous le savez, la musique aborigène australienne, vous ne trouvez pas beaucoup d' instruments et vous en avez un minimum. Donc, ici, dans la section des percussions, la section des percussions à longue portée j'ai utilisé cette caisse basse. La basse joue le rythme d'ancrage principal. Il est placé exactement au centre de manière ce que toute la musique tourne autour de ce rythme d'ancrage de la grosse caisse Et puis il y a cette percussion sur cadre. Donc, ensemble, lorsque vous jouez cette grosse caisse avec ce cadre, ça sonne comme ça. C'est ainsi que fonctionnent les percussions à fréquence bayésienne Et puis il y a cette troisième piste, la piste de percussion, la piste Collapsing Be, qui ajoute quelque chose aux couches de percussions Voici donc comment ces trois percussions sonnent ensemble. L'arrangement est très simple, très direct. Et puis il y a ce bruit de cliquetis. Ici. Les hochets sont transmis vers la droite et le slapstick est une bande vers la Donc ça se complète vraiment très bien. Ensuite, nous avons ces shakers. C' est donc en fait la cinquième couche, la cinquième couche de percussions Et la sixième couche est la couche de bois de bambou en termes de couche. Cela ajoute également quelque chose aux percussions, ce qui les rend en fait beaucoup plus intéressantes. Je n'ai ajouté aucun effet à ces morceaux. Ainsi, comme vous pouvez entendre la section des percussions, la section apocrine sonne comme suit Dans cette partie, comment l'utiliser, vous avez un échantillon pour simplement améliorer cette section de percussions. Ce Joe Hub a un son très distinct. Ainsi, vous pouvez identifier très clairement le son. On le joue avec la bouche. Donc, en ce moment, comme vous pouvez le voir ici, la section des percussions est très simple, très directe, des motifs très simples sont utilisés. Comme nous l'avons déjà dit. Il y a même des syncopes ou même des polyrythmes et Les actifs rythmiques ne sont pas si compliqués. Lorsque vous commencerez à écouter cette musique, vous le comprendrez très clairement. J'ai donc adopté le même état d'esprit. J'ai tout simplifié. Passons maintenant à la zone mélodique principale, à la mélodie ou même à la percussion, à la mélodie percussive, à la zone, à la percussion en tunnel C'est ainsi que j'aimerais l' appeler en matière de travail numérique. Si vous parcourez les vastes bibliothèques d'instruments de World Music, vous verrez très clairement que pour chaque instrument, certains phrasés sont associés. Dans le cas de la plupart des bibliothèques, elles fournissent également ces formulations. Donc, ce que j'ai fait , c'est découper certaines phrases et en faire ma propre mélodie Voilà à quoi ça ressemble. J'ai donc utilisé différentes instances de didgeridoo pour obtenir un motif intéressant Donc les deux premiers sons numériques ressemblent à ça. À partir de là, le deuxième schéma commence. Ci-après, barres complètes. Je n'ai pas réduit ce troisième patron de didgeridoo. Et l'autre couche est également ajoutée ici. Ces quatre pistes sont donc en fait panoramiques dans deux positions différentes dans le champ stéréo, de sorte que vous pouvez entendre depuis des sites différents. Dans l'ensemble, cela semble vraiment intéressant. C'est donc ça. C'est la zone mélodique que j'ai créée. Et écoutons le tout avec les percussions. Le phrasé est en train de changer ici. Quelque chose. Ainsi, toutes ces différentes phrases disponibles dans la bibliothèque vst vous permettent de voir comment toutes ces choses s'imbriquent et de les expérimenter C'est donc la chose la plus simple que vous puissiez faire. 8. Arrangement de piste: Passons maintenant à l' aspect Arrangement de ce morceau. Si vous vous souvenez de la section précédente, nous en avons déjà parlé. En ce qui concerne l'Arrangement, il n'y a pas de règles strictes. Vous pouvez même opter pour n'importe quel type d' improvisation pour ce genre de morceaux Donc, ce que j'ai fait, c'est que je n'ai suivi aucune stratégie d'arrangement habituelle. Donc quelque chose comme ça. Ici. Ce que j'ai vraiment essayé, c'est que je voulais vraiment avoir une intro et une outro Et entre cela, je voulais vraiment qu'une sorte de phrase continue avec quelques modifications. Probablement 16 bars d'intro. Et puis a, puis la deuxième zone entre en jeu. Et voici toutes ces sections de percussions, nous allons jouer ensemble avec la section numérique. Et puis il y a cette outro. Et je pense que c' est probablement l'une des manières dont vous pouvez aborder ce morceau. Voyons maintenant à quoi ressemble la session d' outro. Ici, comme vous pouvez le voir dans la section d'introduction, il n'y a pas d'éléments de percussion ou quelque chose comme ça Seule la section ambiance s'y trouve. Mais en ce qui concerne la section outro, la section ambiance et le bucket indirect jouent ensemble Vous avez donc un autre type de domaine. C'est ainsi que s'effectue la programmation Midi. Et comme vous pouvez le voir ici, c'est assez simple et direct. Il n'y a pas beaucoup de sections ou de sections très compliquées et puissantes dans ce morceau. C'est très simple. Si ça sonne bien, ça sonne bien, c'est tout. Alors regardons la session de mixage 9. Mélanger: Bonjour, Passons à la session de mixage. Si vous êtes en train de suivre une session de programmation midi, vous devez savoir que cette piste ne contient qu'un nombre minimum d' instruments. Cela doit donc probablement être beaucoup plus facile pour nous de le mixer car nous n'avons qu' un nombre très limité de titres à traiter. J'ai donc exporté les pistes d'entrée vers une nouvelle session de mixage. Et j'ai codé par couleur les pistes secondaires en fonction de chacun des groupes que j'ai divisés, puis j'ai réparti ces pistes en trois groupes différents Nous avons cette section de pistes d'ambiance, qui compte environ trois pistes Et nous avons cette section principale sur les outils numériques, qui contient essentiellement quatre instances différentes de Digital Duce, qui est jouée sous forme de couches. Et puis il y a cette section batterie et percussions, qui compte presque huit titres, qui joue des percussions. Ensuite, j'ai consolidé les instruments de chaque groupe, créé canaux de groupe distincts afin que nous puissions les traiter en tant que groupe. Nous avons donc cette batterie et ces percussions, lead, le do numérique et les taxes d'ambiance, les pistes de groupe, et en tant que canaux d' effets, j'ai deux pistes différentes, une pour la réverbération et une pour le delay En cas de réverbération, j'utilise cette réverbération révolutionnaire de Cubase vers la réverbération de Cubase vers Et en cas de retard, j'utilise le délai Edge de Waves. C'est à peu près la configuration de base que nous avons. Lorsque j'ai importé ces pistes dans ce projet, je me suis assuré que les zones muettes avaient été découpées afin que les zones où les signaux autres que ceux-ci soient visibles uniquement à l'écran. Et je me suis assuré que chaque piste ne dépasse pas cinq dB moins cinq dB. Parce que si cela va au-delà, le gain total augmentera presque jusqu'à zéro ou plus que cela. Nous n'avons donc pas besoin de faire une sorte de gain staging avant d' intégrer ces morceaux au projet Mixing Voyons donc comment se déroule chaque séjour. Dans un premier temps, nous allons passer à l'EQ. Comme vous pouvez le voir ici, ces trois pistes d'effets sont jouées en tant que partie d'introduction Donc, ici, dans le robot, aucun autre instrument ne fonctionne en parallèle. Je n'en ai rien fait. Je l'ai laissé tel quel. Mais dans le cas de Boudreau, Right Thing, je pense que ces trois titres sont supprimés dans la programmation midi Cela ne semblait pas être une scène. L'interdiction d'Altria a été faite pour ce morceau de Boudreau. Je l'ai interdit de gauche à droite, ce qui est très uniforme. Passons maintenant à la section batterie et percussions. Je vais passer en revue tous les instruments. Donc, dans un premier temps, nous allons utiliser cette grosse caisse. Ce Pro Q3 est inséré dans la batterie basse. L'objectif principal de cette caisse basse, qui est d'avoir l'ancre, doit donc qui est d'avoir l'ancre, rester au centre et fournir ce type d'ancrage à ce morceau d'Andrea La grosse caisse ne joue rien d'extraordinaire. Il ne joue que le rythme de base. Donc tu veux qu'il soit au centre. J'ai fait le filtre Lower Low Shelf ici, en dessous de 80 Hz. Comme vous pouvez le voir ici, l' essentiel de cette piste se déroule dans une portée de 146. J'ai donc amélioré ce domaine, ce sont probablement ces trois coupes. Ce sont trois processus d' égalisation réductrice que je n'ai pas effectués Cela permet de s'assurer que les autres instruments, qui ont des plages de fréquences fondamentales ici, restent assez bien. Ici, dans le cas d'un tambour sur châssis, les principaux fondamentaux et les principales fréquences se sont produits dans ces deux gammes de 37 outils. Donc, presque les touches complémentaires sont créées avec l' égaliseur de percussion sur cadre et l' égaliseur de batterie basse Arrangez-vous dans quelle mesure ? Parce qu'ici, les fondamentaux basés sur les journaux ne se reproduisent pas aux clap stickies de cette Je viens d'améliorer cette gamme de 2 800. De plus, le bambou peut signifier qu'il se passe dans cette gamme ne fait qu'améliorer les fréquences dans lesquelles vous passez vos loisirs. Cela également s'est également produit dans le même type de gamme. C'est là que se produit le shaker. Comme vous pouvez le voir ici, lorsque j'ai effectué les manipulations Q, je n'ai apporté aucun changement radical en termes de renforcement ou d' attaque de certaines zones. J'ai fait en sorte que chaque morceau ait sa propre place pour que tout se complète. Si vous possédez plus de trois, quatre ou cinq instruments, vous devez les placer sur le siège du véhicule à roues avec le meilleur angle possible Alors voici ce que j'ai fait cela en me basant sur la façon dont je l' ai maintenu exactement au centre et sur le cadre des tambours légèrement sur la gauche LTD quand je suis assis ici. Et ce bois de bambou James se trouve sur la droite. Et vous l'espérez est également au centre. Le cliquetis se produit légèrement sur la gauche et les secousses se produisent presque sans descendre Je pense qu'une sorte de planification est également effectuée, le dit la Programmation Midi elle-même, afin que vous puissiez voir tout ce qui se passe ici. C'est en fait le rembourrage statique que j'ai fait. Et vous pouvez peut-être le manipuler avec des panneaux automatiques dans la section d'insertion. C'est donc la deuxième chose que j'ai faite. Ici. Comme vous pouvez le voir, j'ai utilisé piano automatique à crêpes pour bannir le, vous avez un signal à la main gauche, à droite, de sorte qu'il se déplace simplement de la gauche vers la droite au fur et à mesure que le morceau avance Voici donc comment le vendeur et section rythmique sonnent avec l'égaliseur uniquement pour les humains Passons maintenant à la section principale. Nous verrons comment l'EQ est utilisé pour cela. En cas de première version numérique, est-ce que j'ai utilisé ce plugin pro Q3 Et comme vous pouvez le voir ici, amarrage se produit à certains endroits Ce sont les points où se situent les fondamentaux des éléments de percussion. Ainsi, dans le cas de ce signal numérique, comme vous pouvez le voir ici, leur spectre de fréquences est couvert par sa tonalité. En fonction des phases, du milieu inférieur au milieu supérieur, tout est abordé ici Donc, si vous voulez vraiment adapter à d' autres instruments, vous devez faire une sorte d' esquive en vous basant sur les principes fondamentaux d'autres instruments Tous ces plongeons se produisent donc en conjonction avec ce qui se passe dans le cadre de la batterie et des percussions Je pense que j'ai fait le même type d'ajustement de l'égaliseur pour ces deux titres parce que ces choses ne se produisent pas ensemble C'est juste comme un appel et une réponse. Vous pouvez donc utiliser le même type de réglage d'égalisation. Dans le cas de ce troisième instrument. Comme vous pouvez le voir ici, cela se produit en même temps que la deuxième instance, il ne faut donc pas y avoir de conflit. C'est la seule chose que j'ai gardée sur mon chemin quand j' ai fait cet EQ J'ai donc éliminé tout ce qui se trouvait en dessous de la fourchette de près de 500. probable que le milieu de gamme inférieur est entièrement conduit en utilisant du VQ à étagère basse Parce que le signal principal passe ici pour cela, dans ce cas. Et dans le cas du quatrième instrument, presque le même type d' approches est utilisé. Et dans le cas de ces quatre titres, comme vous pouvez le voir ici, j'ai bien rangé parce que tout doit rester au même endroit J'ai donc réparti cette zone Instruments les différentes parties du champ stéréo. Donc, si vous pouvez voir les informations panoramiques, comment minimiser la largeur du premier instrument principal, première instance numérique On ne l'entend donc que dans la zone centrale. Les extrémités sont éliminées. Et dans le cas du second, je l' ai juste placé sur la droite. Et la troisième instance oculaire est placée sur la gauche. Et le quatrième est sur la droite. Tout est donc bien distribué sur le champ TTL. Assurez-vous donc que même si vous utilisez l'EQ, il n'aura son propre effet que si vous effectuez un panoramique approprié. C'est donc à peu près l' égaliseur de base que j'ai fait. Et je pense qu'avec cela, vous pouvez trouver un juste équilibre. Passons maintenant à l'étape de compression. Principalement après EQ. Je vais opter pour la compression. Mais ici, comme vous pouvez le voir, je n'ai pas inséré d'instances distinctes de compresses sur chaque piste. Parce qu'ici, le but principal du compresseur est fournir une sorte de colle entre ces instruments. Dans le cas de groupes séparés, j'ai inséré un compresseur sur son canal de groupe. Dans ce cas, les percussions, les batteries et les percussions ont utilisé ce compressif natif de Cubase juste pour coller une sorte de colle aux voies antérieures Légère sorte de compression. La compression se produit juste pour donner une sorte de même en cas de didgeridoo L'objectif de ces compresseurs à courroie est donc de s'assurer que toutes les chenilles de chaque groupe sont correctement collées et sommets les plus élevés sont légèrement abaissés que les sommets les plus élevés sont légèrement abaissés. C'est donc à peu près le rôle d'un compresseur dans ce morceau. Passons maintenant à la section sur la saturation ici. Le but de la saturation est d' améliorer les harmoniques de chaque instrument afin que tout devienne beaucoup plus rond, beaucoup Donc, pour tous les instruments que j'ai insérés, presque tous les instruments sont connectés à certains plugins de saturation Commençons donc par la section des percussions. Dans le cas de la batterie basse, j'utilise ce plug-in satiné avec le réglage Warm Tape juste pour donner des harmoniques. Ici, en cas de percussion sur cadre, j'utilise ce plugin Magneto de Cubase, ne fait qu'améliorer le punch de ce morceau Nous avons ici ce préréglage appelé Snare Punch. Alors je l'utilise. Clubs Book propose également ces plugins Magneto. Le Bhoutan n'a rien. Vous avez également obtenu cette distorsion de bande sans récepteur de distorsion ne soit activé dans le cadre de la plage. Et puis nous ajoutons ce hochet. Il possède également ce magnéto, qui améliore légèrement les pas harmoniques en cas de batterie, de symbolisme, de réinitialisation Maintenant, dans le cas du numérique, DO a utilisé ce rafraîchissement haut de gamme du préréglage vocal. La même instance est également utilisée dans la deuxième piste. Je pense que pour ces quatre instances, j'ai utilisé le même préréglage du plug-in magnitude. C'est donc à peu près la saturation de base que j'ai faite. Et dans le cas de ce groupe Do numérique CaCl2, je n'ai pas réglé ce plug-in magnétique Master want est le préréglage qui est utilisé. D'accord, voici comment j'utilise cette saturation pour chaque impôt. Passons maintenant à la section de réverbération et de retard. Je n'ai pas inséré de réverbérations distinctes sur l'insert AS sur chaque taxe Comment j'ai créé deux canaux d'effets distincts pour la réverbération et le delay En cas de réverbération, j' utilise la réverbération par révélation. Ici, comme vous pouvez le voir, j' utilise l'ensemble du préréglage. Je voulais donc vraiment que l' on ressente la NDA et les instruments comme s'ils s' affichaient au même endroit. Utilisez-le donc avec un mélange à presque 100 %. J'ai donc envoyé différents pourcentages de chaque taxe sur ces canaux d'effets afin que chaque instrument ait son propre pourcentage de réverbération Et ici, j'ai ensuite utilisé l'égaliseur, sorte que les fréquences inférieures à 2 Hz et même la plage d'environ sept K soient éliminées Ainsi, la clarté peut être maintenue ainsi que les effets de la réverbération En cas de retard, j'utilise ce délai pour se comporter. Ici, j'ai utilisé ce préréglage de ping-pong, et il est fait sur la base du cheval Tempo. C'est donc moi qui l'ai initiée. Ici aussi, il est utilisé comme effet d'envoi. Je n'ai inséré aucune instance individuelle sur chaque piste. Donc ici, comme vous pouvez le voir dans la section d'envoi, différents pourcentages sont ajoutés pour chaque piste Comme vous pouvez le voir ici, les instruments de percussion, qui contiennent des informations de base, ne sont pas transmis au canal de retard car ils peuvent réellement totaliser l'ensemble du mixage. Le fréquent, c'est-à-dire les instruments qui ont ces plages de fréquences moyennes à élevées, sont envoyés. Et je pense que ce délai est très malheureusement utilisé. Vous ne pouvez pas l'entendre très clairement. Mais c'est là, en arrière-plan. Ce n'est pas une règle ou quelque chose comme ça. Lorsque vous utilisez une réverbération et un delay, vous pouvez même réfléchir à la manière dont le son doit être entendu, à quelle distance vous pouvez Tu voulais vraiment écouter cet instrument. Certains instruments doivent donc être indifférents. Certains instruments doivent revenir en arrière et se trouver entre les deux. Je l'ai donc utilisé à mon goût. Tu peux en faire ce que tu veux. Mais dans le cas de ces réglages en direct, assurez-vous de procéder à un minimum de réglages en termes de mixage, car cette authenticité, cette sensation de jeu réelle doivent être C'est donc l' approche de base lorsque je mixe ces morceaux de musique du monde. Ici, j'ai utilisé ces images pour élargir le champ stéréo En cas de slacks ambiants, je l'ai utilisé. Je l'ai amélioré. Ici pour le lead digital. Ai-je inséré un plug-in majeur sur sa piste de groupe pour simplement améliorer le contenu de cette section C'est donc à peu près le mixage de base que j'ai fait pour ce morceau. Et assurez-vous que l'ensemble de votre signal atteint un maximum d' environ moins cinq dB ou autour de cette zone. Ainsi, si vous optez pour le mastering, vous aurez suffisamment de marge de manœuvre pour jouer tellement que vous jouez dans la zone la plus bruyante et vous êtes coincés. Vous pouvez le voir ici. C'est presque à peu près moins, non ? Passons donc à l' étape suivante, qui est le mastering 10. Maîtrise: Passons maintenant à la phase de mastering. Comme vous pouvez le voir ici, il s'agit de la dernière piste de sortie exportée depuis la session de mixage. Donc, comme vous pouvez le voir ici, nous atteignons un niveau maximal d'environ moins cinq dB Vous devez donc disposer d'un limiteur et d'un égaliseur. Le but de l' eau est donc de contrôler le signal du spectre de fréquence, qui est inférieur à 36, 30 ou même inférieur à 40 Hz. Tu ne vas pas l' entendre correctement. Vous pouvez donc simplement l'éliminer. Les fréquences qui se sont produites sont-elles d'environ 18 K ou même 19 homosexuelles ? Vous ne voulez pas que ces fréquences fassent partie de cette piste. Et pour augmenter le volume j'utilise ce profil pour me connecter. Une augmentation de près de 3,5 dB est donc donnée. Donc, avec ça, c'est presque autour de moins un, moins un dB. C'est donc à peu près la façon dont je fais le mastering de base pour ce genre de pistes de démonstration S'il s'agit d'une piste professionnelle, j'ai l'habitude de la confier à un ingénieur de mastering pour qu'il ait des années bien plus fraîches que Pour moi, du moins, je pense que ce n'est pas une bonne idée de faire de la programmation, de composer , de programmer, d' arranger, d'orchestrer, de mixer et de mastering Parce que cela peut vraiment affecter votre point de vue sur cette musique. Cela concerne donc à peu près la phase de mastering. Faisons donc notre deuil et écoutons le morceau en entier du début à la fin 11. Lecture complète de piste: Non 12. Conclusion: Nous sommes donc en train de terminer ce cours et je pense qu' il vous a été très utile si vous avez le moindre doute sur le football concernant tout ce dont nous avons discuté ici dans le cadre de ce cours, n'hésitez pas à me contacter via mes comptes de réseaux sociaux. Si vous n'avez pas lu les trois parties précédentes de ces cours des World Music Series, hésitez pas à y jeter un coup car cela peut vous être très utile. Donc, dans le cadre d'un nouveau Chords, retrouvons-nous dans le futur. Cèdre