Production musicale dans Ableton Live : apprendre à produire de la musique dans n'importe quel genre

1. Introduction à la production et à l'arrangement de la musique: Produire est l'art de donner vie à un morceau de musique. C'est grâce au processus de production que vous pouvez intégrer la même chanson dans des mondes complètement différents. Type de type. Dans ce cours, vous apprendrez la structure d'une chanson, ainsi que les différentes approches pour produire une chanson. Nous aborderons les techniques de production avancées telles que le contraste et superposition pour que votre chanson soit époustouflante d'un bout à l'autre production et l'arrangement font la différence entre une version ballade acoustique d' une chanson une version EDM Dance Hall banger de la même Je suis Benza Maman. Je suis diplômé en composition musicale et je travaille dans les coulisses de l' industrie musicale depuis 2010. J'ai écrit et produit des chansons pour d'innombrables artistes, et j'ai eu le privilège de travailler avec les auteurs et producteurs d' artistes tels que Taylor Swift, Paul McCartney, Luke Combs et bien Récemment, j'ai même reçu des millions de streams, vues et certaines de mes propres vidéos virales. Et j'ai hâte de partager cette décennie de connaissances avec vous. production incroyable peut complètement changer un morceau de musique, et nous allons vous montrer comment vous pouvez créer version synthé d'une chanson dans les années 80 Ou une version orchestrale de la même chanson et vice versa. Et le simple fait de produire une chanson différemment peut faire la différence entre une chanson médiocre et une chanson à succès Ce cours est conçu pour vous fournir les outils et les connaissances pour faire passer votre musique au niveau supérieur. Que vous débutiez ou que vous essayiez de perfectionner vos compétences, je suis là pour vous guider à chaque étape. Et ne t'inquiète pas. Nous ferons en sorte que ce soit simple et engageant grâce de nombreux conseils pratiques que vous pouvez appliquer immédiatement. J'utilise Ableton Live, mais les outils et techniques que j'enseigne dans ce cours peuvent être appliqués à n'importe quel logiciel de production musicale Le devoir de ce cours est de suivre et de produire votre propre chanson. Donc, si vous êtes prêt à ouvrir les portes de la production musicale, alors plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons. 2. Structure de base de la chanson: Bienvenue dans le chapitre consacré à l'organisation et à la production. C'est ici que nous rassemblons tout ce que nous avons appris et que nous créons nos propres chansons. Alors, sans plus attendre, allons-y. Nous allons commencer par parler de la structure de base des chansons. AB est la structure la plus basique et la plus courante dans tous les genres et toutes les époques. De la musique classique à la musique pop en passant par l'EDM. Dans Pop, vous aurez un chœur de couplets. A B. Dans EDM, vous avez généralement Build Drop Vous pouvez avoir A B A B, qui est un chœur de couplets, un chœur de vers , ou Build Drop Build Si vous avez deux sections, vous avez une chanson. Donc, dans l'écriture de chansons, si vous avez deux mélodies, vous avez une chanson parce qu'une mélodie serait Une autre mélodie serait ton refrain. Nous avons soudainement un morceau de musique parce que vous pouvez passer au couplet Chorus couplet Chorus et vous pouvez y mettre fin si vous le souhaitez Il est donc important de commencer à comprendre la structure pour savoir si vous avez une idée, vous avez une partie d'une chanson. Où veut-il aller ? Que voulez-vous qu'il fasse d'autre ? Et parfois, j' ai des parties de chansons où je n'en ai qu'une seule, et je n'arrive pas vraiment à savoir ce que la partie suivante veut battre. C'est très bien si vous n'avez qu'une seule partie et que vous n'arrivez tout simplement pas à savoir quelle partie doit battre la partie suivante. Tu sais ? Parfois, il se peut que vous n'ayez besoin que d'une seule pièce. Je ne sais pas Toutes ces règles sont destinées à être enfreintes. Mais d'autres fois, il se peut que vous ayez juste une partie d'une chanson, et vous devez la laisser refroidir pendant un petit moment, parce que j'ai eu des chansons comme ça où je me dis : «  Whoa, cette partie vraiment cool, cette mélodie, cette partie, et je n'arrive tout simplement pas à en trouver une autre Et je le laisse refroidir, puis j'y reviens plus tard, puis une autre partie se présente d'elle-même. C'est donc parfois le cas. Ce n'est pas grave. concerne la musique, il est très important de continuer à créer en permanence, créer continuellement de nouvelles choses afin de ne pas être trop précieux et de ne pas trop vous concentrer sur une seule idée. La structure de la chanson met du temps à s'intégrer à vous, mais bientôt elle deviendra viscérale. Tu vas juste le savoir. Tu vas juste le sentir. Et dès que vous commencez à prêter attention à la structure, lorsque vous écoutez de la musique, elle s'infiltre dans votre propre création musicale Donc, comme pour tout, je recommande vivement que chaque fois que vous écoutez une chanson, essayez d'en connaître la structure. Tu sais, quels sont les moments qui se passent ? Est-ce un chœur de couplets, un chœur de couplets ? Est-ce Bilrop, build drop ? S'agit-il d'une version unique ? Parce que certaines chansons auront une touche unique. Il s'agira d'un couplet, d'un refrain, puis d'une autre partie, puis d'un autre couplet et d'un refrain, et peut-être d'un pont Donc, plus vous commencez à prêter attention à ces choses, plus vous devez tirer parti de votre ceinture à outils musicaux, parce que lorsque vous êtes inspiré et que vous écrivez, plus vous avez de structures de chansons dans votre tête, vous pouvez vous dire : OK, eh bien, vous savez, Daf Punk a fait ce genre de rôle supplémentaire en trois quarts dans leur chanson que j'ai beaucoup aimée et ma chanson est peut-être similaire ou peut-être pas similaire à la leur, mais je vais peut-être essayer cette idée sur ma chanson Et ce genre de pensée et de combinaison de différents genres est exactement ce que vous devriez faire. 3. Structure avancée de la chanson: Parlons maintenant de la structure avancée des chansons. Donc, structure de base de la chanson, A , B, deux parties différentes qui peuvent se répéter d'elles-mêmes. La structure avancée des chansons met en valeur ce modèle. La formule pop classique est : chœur, couplet, chœur, Bridge Chorus C'est la formule classique qui a fait ses preuves pour une chanson pop. Une autre façon de voir les choses pourrait être A, B, chœur de couplets, A, B, chœur de couplets, C B. Chœur de bridge. Mais c'est un peu confus puisque C est chœur et B est bridge Vous pouvez donc y penser comme vous le souhaitez, et quels que soient les symboles que vous utilisez pour vous souvenir de ces modèles, maintenez simplement une certaine cohérence, afin de ne pas vous perdre. La musique pop moderne a embelli le couplet, chœur, chœur, chœur, bridge chorus, parce que la plupart des chansons pop modernes ont ce qu' on appelle Il y a un couplet, un refrain avant le chœur. Et puis cela répète généralement un couplet, chœur pré-chœur, puis vous pouvez faire un chœur de bridge, ou parfois vous pouvez simplement faire un autre pré-chœur ou parfois vous pouvez simplement et un chœur, ce qui signifie que ce serait un couplet, un pré-chœur, un chœur, un couplet pré-chœur, un chœur pré-chœur, puis vous pouvez faire un chœur de bridge, ou parfois vous pouvez simplement faire un autre pré-chœur et un chœur, ce qui signifie que ce serait un couplet, un pré-chœur, un chœur, un couplet, un pré-chœur, un pré-chœur. Refrain. Et voilà. Donc, une chanson entière. Les chansons sont en fait un peu plus courtes ces derniers temps, et parfois vous verrez ce schéma se produire. Il n'y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Mais ce qu'est généralement un pré-refrain. C'est une section qui a tendance à monter dans le refrain C'est donc une partie répétitive où vous commencez à ressentir cette sensation familière, puis vous passez au refrain, où, espérons-le, vous chantez et dansez ou quoi que ce soit que la chanson vous propose de faire Non seulement il y a un pré-refrain, mais il existe également un post-refrain Maintenant, nous allons écouter quelques exemples de ce que cela pourrait être. Vous pouvez appeler ce post chorus un Jam ou un chœur B ou tout ce qui vous semble logique J'appelle cela un post-refrain, mais la terminologie n'est pas aussi importante que la compréhension réelle de ce que c'est Allons-y et écoutons certains de ces exemples. Alors, voici Summer Breeze. C'est une chanson plus ancienne et elle a un excellent post-refrain. Admirez les rideaux suspendus à la fenêtre le soir au-dessus petit garçon décoloré qui brille à travers la fenêtre Faites-moi savoir tout. Certains me font me sentir rude le jasmin, d'autres me font du bien. Viens et fais comme dans ma tête Cs pos. Donc, leur post-refrain est ce qui commence réellement toute la chanson, savoir ce hook instrumental vraiment cool ou ce lead instrumental Ils l'utilisent donc pour commencer la chanson, puis cela se produit après leur refrain C'est donc la structure de la chanson qui mène à ce moment musical vraiment cool. Voici un autre exemple de post-refrain. Oh, vas-y. Une fille chanceuse et maladroite. Elle s'est mariée à un garçon. Merci Elle te virerait si jamais elle le savait. À propos de Toi, dis-moi que tu le fais. Tu sais que tout le monde parle sur place. Je les entends chuchoter à propos de cet endroit. Fais ton épingle. Et comment vous ne savez pas comment garder votre entreprise propre. Bobby, maintenant il commence à sauter. À l'atelier de carrosserie. Fais quelque chose, rentre chez toi. Il a reculé pendant qu'il se drapait. C'est elle qui l'a dit. Elle l'a posé. Allez-y, on y va. Il a laissé ses enfants de côté. On y va, on y va. Il peut donc se détériorer lors de l'achat Doing on Donc, cette section vous touche ou quelle que soit la manière dont la section de cette dernière chanson vous touche, ce que j'essaie de souligner, c'est qu' il y a un moment de refrain Et puis il y a une partie secondaire ici. Dans le premier exemple, il s'agit d'une partie musicale qui s'est produite complètement après la section de chœur qui a précédé le second de cette chanson C'est une partie vocale qui semble plus intégrée au refrain lui-même, mais c'est presque comme une partie du chœur avec cette mélodie différente qui se ensuite à la mélodie originale du Donc, dans cette chanson, c'est plus intégré, et il y a certainement un argument pour dire que ce n'est que le refrain, mais qu'il s'agit clairement d'une partie distincte et différente Il existe des solos et des pauses instrumentales qui peuvent se produire dans pratiquement tous les genres L'ère du rock classique comportait tous ces excellents solos de guitare. Maintenant dans cette nouvelle ère du rock indépendant. Nous entendons de plus en plus de solos de guitare revenir. Vous pouvez faire des pauses instrumentales, et vous pourriez soutenir que c'est ce qui se passe dans la brise estivale, quel que soit le nom que vous voulez. Vous pouvez écouter la chanson Get Lucky Daf Punk parce qu'il y a beaucoup de sections intéressantes dans leurs chansons, et c'est en fait une chanson très compliquée Allons-y, écoutons la chanson Get Lucky de Daf Punk et analysons quelles sont les différentes sections que nous y entendons Nous avons cette intro de Jam, un peu en solo. Nous avons ce sentiment d'Autre Différence, instrumental, cœur. Comme dans la légende du truc. Corus A se termine par un début. Qu'est-ce qui pousse la planète à continuer à envoyer ? Euh, la force du début. Lol, le pur Corus. C'est trop loin pour donner à A. Qui nous sommes. Est-ce que le bus va au cours de s. Elle aime beaucoup le fils. Et mon cou pour écouter une chanson. Elle aime bien s'amuser. Et mon cou de ponton pour avoir de la chance. Nous en sommes à la chanson. Nous sommes prêts à écouter une chanson. Nous sommes sur le cou pour bien nous amuser. Nous sommes Fon Neck pour avoir de la chance. Fon est le prochain à aller. Nous aimons avoir de la chance. Nous sommes Fon Neck pour avoir de la chance. Nous sommes prêts à avoir de la chance. Instrument L orange. Le cadeau n'a rien à offrir. Votre cadeau n'en reste pas moins un cadeau. Qu'est-ce qu'un simple sentiment ? Tu veux partir, je suis ailier. Ah. Nous venons trop loin pour rentrer. Qui sommes nous Donc, du loin au s, c'est une bonne soirée pour le fils. Et une bonne soirée pour écouter une chanson. C'est une bonne soirée pour s'amuser. Et une bonne soirée pour avoir de la chance. C'est une bonne soirée au soleil. C'était une bonne soirée pour nous . C'était une bonne soirée pour nous amuser. On passe une bonne soirée pour avoir de la chance. Nous voulons avoir de la chance. Fun soir pour avoir de la chance. Nous sommes Fon Night pour avoir de la chance. Nous sommes Fon Night pour avoir de la chance. C'est une bonne soirée ensoleillée. Soirée sympa pour en acheter. C'est un cours de nuit amusant. C'est amusant. Je suis une bonne nuit pour avoir de la chance. We Fon une nuit ensoleillée. Nous sommes venus le soir pour en acheter. Nous allons passer la nuit pour nous amuser. Nous sommes Fon Night pour avoir de la chance. Nous sommes venus nous chercher le soir. Nous allons passer la nuit à avoir de la chance. Nous passons la nuit pour avoir de la chance. Nous sommes Fon Night pour avoir de la chance. C'est une bonne soirée au soleil. Je passe une bonne nuit pour m'amuser au téléphone. Et mon téléphone est allumé pour avoir de la chance. Nous partons la nuit au soleil. Téléphonez pour écouter une chanson. Nous nous amusons bien la nuit pour nous amuser. On m'a trouvé pour avoir de la chance. Nous aimons avoir de la chance. Nous avons trouvé non pour avoir de la chance et pour avoir de la chance. Mais j'aime avoir de la chance. Rot, merci encore. F. Pos Cy merci encore, maman. Encore une fois, merci à Bot. Encore une fois, merci à Bot. Et tu peux continuer à écouter le reste de la chanson par toi-même si tu le souhaites. Mais il est utile d' écouter de la musique de cette façon, où à chaque nouvelle section, vous lui attribuez une sorte d'étiquette dans votre tête Et quelle que soit cette étiquette, n' est pas important, mais juste pour que tu puisses comprendre. OK, c'est une section, et maintenant, comme si cette nouvelle partie était en quelque sorte une section différente, même si elle peut sembler parfaitement intégrée. Et bien sûr, votre chanson doit être parfaitement intégrée. C'est une pièce assez compliquée. Nous avons entendu cette chanson de Summer Breeze, qui a fait l'objet d'un jam instrumental après le refrain Nous avons joué Unholy, qui comportait un refrain, une partie A, une mélodie différente, puis nous sommes revenus à leur Et dans ce genre, il y a les deux : un refrain une mélodie différente , puis une jam part instrumentale Il est donc intéressant d'entendre comment ces différentes chansons se forment dans les différentes parties qui les composent. Certaines chansons pop ont maintenant des mélodies très différentes pour chaque couplet et des structures moins prévisibles, mais généralement un refrain répétitif Classiquement, les mélodies en vers étaient les mêmes, et elles se répétaient Mais depuis l'ère du hip hop et du rap, couplets peuvent aujourd'hui être très différents, et parfois c'est vraiment cool, captivant et cela ne semble pas répétitif. La musique pop est donc classiquement une forme de musique très répétitive Et aujourd'hui, c'est de moins en moins le cas. Mais en général, le noyau qui répète, chante, sent le refrain semble résister à l'épreuve du temps Mais il est également important d'expérimenter, d'apprendre ce que sont toutes ces structures, puis d'enfreindre toutes les règles et essayer d'écrire quelque chose qui soit complètement antistructure. Et voyez à quoi cela ressemble et à quoi cela ressemble. Les étiquettes sont importantes. Cependant, les choses ont du sens pour vous, c'est la bonne réponse. J'ai différentes manières de l'appeler, mais l'important, c' est que vous donniez un sens, des sentiments, une certaine valeur aux différentes sections que vous entendez dans ces chansons et que vous compreniez comment la chanson est créée. Si vous percevez la musique d'une manière complètement différente de la mienne, c'est très bien, tant que vous êtes capable d'absorber d'une manière ou d'une autre les structures que vous entendez afin de pouvoir les reproduire dans votre propre musique. Encore une fois, analysez, jouez, chantez, recréez vos chansons préférées, reprenez-les. Découvrez ce qu'ils ressentent, découvrez comment ils sont structurés pour vous aider à comprendre pourquoi vous les aimez. Plus vous jouez recréez et analysez vos chansons préférées, plus vous commencerez à créer de la musique comme ça, car lorsque vous essaierez de prendre une décision concernant Next, vous vous appuierez sur toutes vos connaissances passées Tu t'en sortiras d'impie. Tu vas dire : « Tu sais quoi ? Maintenant, dans le refrain de ma chanson, je veux faire cette petite partie B, puis vous penserez à Summer Breeze, et ensuite, faisons une petite partie instrumentale, puis vous penserez à get lucky, et vous le ferez Je veux faire un pré-refrain qui monte en haut puis descend dans Plus vous flotterez dans votre subconscient et dans votre conscient, plus vous l'intégrerez dans votre propre musique 4. La coninte de la structure d'un beat: Le théâtre fait une bonne histoire, et la musique raconte des histoires Et le plus dramatique que l'on puisse créer musicalement, c'est le contraste Ainsi, en musique, nous utilisons le contraste pour raconter une histoire captivante. Nous adorons le contraste. Nous avons une construction, où la tension monte et baisse. La tension est relâchée. C'est l'exemple le plus simple de contraste que je puisse imaginer, et tout un genre de musique de danse qui utilise uniquement des montées et des chutes, montées de tension et des relâchements de tension. C'est le meilleur exemple de contraste. Vous pouvez également avoir un gros refrain complet avec un couplet épuré. C'est aussi un contraste. Le contraste est le plus évident, généralement dans la musique elle-même. Oui, vous pouvez avoir beaucoup de voix et chanter plus fort sur un refrain, puis chanter plus doucement sur un couplet Et c'est nécessaire. Mais en réalité, le fait que la batterie tombe en panne et attende pendant une section. Cela crée beaucoup de contraste. Demandez à la batterie de créer un rythme, puis de passer à un rythme normal, votre basse tomber pour une section. Ces changements musicaux sont très, très parentaux, surtout si vous avez un groove qui traverse la majeure partie de la chanson, chaque fois que vous faites un petit break, un changement. Cela attire vraiment l' oreille et dit à l'auditeur  : Oh, c'est un type de section différent contraste musical dans le rythme de la production est donc très important. Bien sûr, votre chœur peut avoir plus d'instruments et plus de couches, et fur et à mesure que la chanson avance, ils devraient probablement le Ainsi, votre musique sera de plus en plus pleine et de plus en plus superposée au fil de la musique. Tout commence par un peu plus simple, puis à la fin, nous avons tout l' évier de cuisine et tout l'orchestre, et toute la ville chante ensemble le dernier refrain qui est vraiment intéressant dans le rap moderne c'est que vous aurez le rythme complet de votre batterie, vos 80 poids et votre partie d' harmonie, peu importe ce que c'est. Et ils jouent généralement constamment avec l'ajout et la soustraction des différents éléments, de sorte que chaque fois qu'un nouvel élément arrive, un autre élément en sort, et vous avez continuellement le sentiment de satisfaction d'avoir l'impression que les battements chutent parce qu' un nouvel élément arrive constamment Mais ce qui est si intelligent dans la production de rap beat, c'est qu'un nouvel élément entre en jeu et qu'on en retire un autre. Donc, non seulement tu as l' impression que la batterie est revenue, la basse ou les mélodies sont de retour Mais lorsque vous êtes convaincu que ces éléments sont de retour, un nouvel élément a été supprimé. Ils créent donc une boucle continue qui vous donne ce que vous voulez entendre, parce que cela vous manquait, et cela peut continuer parce que vous continuez à en extraire un élément différent Je vais vous montrer ce que je veux dire, mais c'est un moyen très simple et efficace de créer beaucoup de contraste et une bonne narration avec peu d'éléments Les Ds et les drops sont évidemment très différents musicalement. Ainsi, lorsque vous pensez au contraste, vous devez penser à plein ou à vide, à énergétique à relaxant, à la tension à relâcher ou même simplement à une dissonance harmonique par rapport à une consonne Vous voulez juste penser à l' endroit où se trouve votre chanson, si elle est vide, si elle est pleine, si elle est rapide, si elle est lente, s'il y a un accord dissonant, où que vous soyez, faites le contraste ensuite pour votre section suivante, et cela vous donnera probablement l' impression d'être très Nous allons donc analyser le rythme de cette chanson d'après Malone. Guitares d'introduction Vous pensez probablement que vous allez mieux maintenant. Batter et maintenant. Tu dis juste que le cousin n'est pas là. Pas dans les parages. Tu sais que je ne t'ai jamais déçue. Faites la leçon. Je t' aurais donné quelque chose ? Je t'aurais tout donné ? Tu sais que je le dis mieux maintenant. C'est mieux maintenant. Je ne parle que du cousin Dt de Brown. Faites du brun. Tu sais que je n'ai jamais agi pour te décevoir. Je t'ai déçue. Je t' aurais donné n'importe quoi. t'aurais tout donné. Waouh. Je n'y croyais pas. Tout est passé après la scie à lit. Tu ne parles même pas à mes amis. Non Tu as connu mon oncle et mes tantes. Le retour des chameaux ne t'a pas ouvert les yeux. Nous attendions le reste de notre vie avec impatience . J'avais l'habitude de faire poser mon argumentaire près de ton chevet. Maintenant, je vois la robe Le saxo comme si je roulais les frères R. Quill, L Jos J. En buvant, j'essaie d'oublier Mais je n'arrive pas à m' en faire une idée. Vous pensez probablement que vous êtes en train de chauffer ou de battre. Donc, vous pouvez voir dans cette chanson que c'est une tactique assez simple simplement à vous donner le rythme complet , puis à le reprendre, puis à le reprendre et à le rendre. Et c'est un moyen assez efficace de créer continuellement du contraste, tant que ce n'est pas ennuyeux répéter les mêmes éléments encore et encore, ce n'est pas le cas dans cette chanson. Ça sonne toujours bien. Donc, le contraste n'a pas besoin d'être Oh, je vais créer un tout nouveau rythme et une toute nouvelle partie ensuite. Ça peut juste être comme si, oh, il y avait de la batterie dedans. Maintenant, il n'y a plus de batterie. Tu sais, Bases in. La base est sortie. Cela peut être aussi simple que ça. Et ces mouvements ont toujours un impact important sur ta chanson. Donc, comme pour tout, je vous encourage à écouter vos chansons préférées et à essayer comprendre quelles sont les structures qui régissent la musique. Que se passe-t-il dans la chanson ? Tu sais, est-ce que c'est diversifié ou un refrain ou quoi que ce soit d'autre ? Et ensuite, que se passe-t-il dans le beat ? Est-ce qu'il est plein ? Est-ce qu'il est vide, ou est-ce que les tambours entrent ou sont sortis ? Sur quel genre travaillez-vous ? Est-ce une chanson folklorique où il y a juste une guitare dans le couplet puis un groupe complet dans le refrain ou ? Comment évolue la musique au fil de vos chansons ? 5. Histoire de la production musicale: À l'époque, un artiste ou un groupe venait dans un studio de musique et ils s' enregistraient eux-mêmes. Le producteur de musique serait quelqu'un qui recevait un salaire de la part de la maison de disques simplement pour être présent en studio et être présent lorsque l'artiste venait enregistrer. Il y aurait des ingénieurs qui installeraient les microphones et prépareraient tout le matériel analogique. Et le producteur jouait un rôle de redondance juste pour superviser le fonctionnement de Finalement, la production musicale a commencé à prendre tout son sens à l'époque des Beatles avec le producteur George Martin Ce qui s'est passé, c'est que soudainement, avec la possibilité d' enregistrer puis de réenregistrer et d' enregistrer au-dessus de vous-même, vous n'étiez pas simplement en train enregistrer puis de réenregistrer et d' enregistrer au-dessus de vous-même, d'enregistrer un groupe. Ce n'était pas comme si un chanteur entrait, chantait, puis repartait, et puis c'était toute la chanson. Tout à coup, le groupe a pu jouer une partie de la chanson. Ensuite, vous pouvez faire une partie des voix, puis vous pouvez faire appel à un orchestre ou autre chose ou à d'autres musiciens et les enregistrer en plus de ce que vous avez déjà enregistré à un autre moment Vous pourriez passer du temps à essayer d'obtenir des effets trippants ou psychédéliques ou d'autres Soudain, la production musicale a commencé à prendre tout son sens, non seulement pour enregistrer ce que l'artiste ou le groupe jouait, mais aussi pour créer son propre paysage sonore et utiliser le studio comme un instrument. Ce qui s'est passé à l'époque des Beatles c'est que George Martin était le producteur des Beatles Et il recevait juste un salaire de la part de la maison de disques, et il n'était pas très payé. Les Beatles gagnaient des tonnes d'argent parce qu'ils étaient le groupe le plus populaire au monde Et George Martin a décidé de démissionner. Il a dit, je vais m'en aller si vous, en tant que maison de disques, ne voulez pas me payer plus cher. Je m'en vais d'ici. Et les Beatles adoraient leur producteur, et ils refusaient de travailler avec un autre producteur Le label a donc été contraint de faire revenir George Martin en tant qu'entrepreneur à son propre rythme. Depuis , cela a toujours servi de modèle aux producteurs de musique en tant que rôle important, non seulement en tant que chef de bureau, mais aussi en tant que partenaire créatif pour les artistes. À cette époque, vous auriez eu une carte analogique , probablement de studio de musique classique, carte de studio de musique classique, avec tous ces boutons que vous auriez pu voir à côté d'une vitre Tu aurais eu une planche. Vous auriez eu une équipe d'ingénieurs. Vous auriez eu des spécialistes des microphones qui connaissent tous les différents microphones. Il y aurait eu des gens qui travaillaient sur des compresseurs analogiques et des réverbérations Il y aurait toute une équipe en studio pour donner vie à l' enregistrement. Au fur et à mesure que le temps passait et que la technologie évoluait, nombre de ces rôles ont commencé à incomber au producteur, qui a commencé à être capable de faire toutes ces tâches différentes. Dans le Hayday, vous pourriez avoir un véritable orchestre complet et un groupe de musiciens de studio en plus de tous les emplois que j'ai mentionnés, collaborant tous avec de vraies personnes qui font de la musique Si vous avancez rapidement jusqu'en 2023, vous avez souvent un seul producteur de musique qui s'occupe de tout le processus de production musicale Et parfois, ce producteur est même l'artiste. Vous avez donc un artiste qui écrit ses chansons, produit le rythme, joue toutes les parties, mixe et masterise, toutes les tâches techniques, et il n'y a qu'une seule personne derrière la musique que vous entendez De toute évidence, la façon dont les choses se sont passées comporte des avantages et des inconvénients Mais il est important de savoir pourquoi les choses sont telles qu'elles sont, car cela influe sur la façon dont nous faisons de la musique aujourd'hui. Donc, je voulais juste vous donner un peu d'histoire avant de poursuivre ce cours afin que vous puissiez comprendre où vient la production musicale et, espérons-le, vous aider à comprendre où va la production musicale. 6. Histoire de la production musicale partie 2: Ce sont deux voies fondamentalement différentes à suivre dans le domaine de la production musicale. À l'époque des Beatles et avant, c'était généralement une chanson d'abord Cela signifie qu' un auteur-compositeur ou un groupe a écrit une chanson, puis ils sont venus en studio pour enregistrer cette chanson Essentiellement, la chanson serait écrite en premier, et même si la production musicale a commencé à prendre tout son sens à cette époque, dans les années 1960, il y avait toujours une chanson pour commencer. Une chanson était écrite, puis vous veniez en studio, vous discutiez avec le producteur, vous discutiez avec les autres membres du groupe et les autres musiciens et vous trouviez la meilleure façon de donner vie à cette chanson. Lorsque vous avez la chanson en premier, il s'agit simplement de faire en sorte que la musique soutienne la chanson. Dans les temps modernes, c'est en grande partie devenu Beat first. Cela signifie que de nombreux producteurs créent beaucoup de rythmes, puis ces deux auteurs-compositeurs à des artistes et à des auteurs-compositeurs de premier plan Donc, une grande partie de la musique, le rythme est déjà créé, puis les paroles et la chanson sont écrites sur le rythme. Ce sont donc les deux routes fondamentalement différentes que vous pouvez emprunter. La chanson d'abord, c'est : OK, j'ai la chanson. J'ai la mélodie. J'ai les paroles. Quels sont les meilleurs accords pour les soutenir ? Qu'est-ce que nous pouvons faire de mieux sur le plan musical pour soutenir la chanson Contre, OK, nous avons le rythme. Quelle est la meilleure chanson que nous puissions écrire sur ce rythme ? Ainsi, lorsque vous créez de la musique, vous pouvez choisir lequel de ces itinéraires soutient le mieux votre processus de création. Peut-être êtes-vous quelqu'un qui veut d'abord écrire la musique, peut-être êtes-vous un producteur qui veut créer un rythme et demander à quelqu'un d'autre d'y écrire une chanson, ou peut-être êtes-vous plutôt un auteur-compositeur, et vous voulez produire vos chansons, et vous voulez soutenir les chansons que vous écrivez Quoi qu'il en soit, la production musicale fonctionne de la même manière, le métier de la production musicale, comment donnez-vous vie à la musique ? Tout cela reste le même. C'est juste le point de départ fondamental. Avez-vous quelque chose pour lequel vous produisez déjà, ou êtes-vous en train de créer de la musique à partir de zéro, et vous allez écrire la première ligne en dernier ? 7. Anatomie de la chanson : les parties qui composent une chanson: Parlez des parties qui composent une chanson. Quel que soit le genre, il y a généralement les mêmes parties qui composent chaque chanson. L' analogie la plus simple et la meilleure pour cela est de regarder le groupe de rock classique, simplement parce que c'est assez facile à visualiser pour nous. Vous avez des tambours composés d'un coup de pied, d'une caisse claire, de chapeaux hauts et de cymbales Vous avez une basse, une guitare ou un piano, des claviers ou des synthés, et vous avez des voix Ces éléments complètent le spectre, essentiellement l'harmonie, la mélodie et le rythme Vous pouvez décomposer la musique en mélodie, en harmonie et en rythme, c'est-à-dire le spectre complet de la musique Que vous fassiez de la musique EDM, qui sera toujours basée sur la batterie, peut-être des synthés et des voix, ou que vous soyez un groupe de rock qui utilisera guitares et des voix à base de batterie, les catégories qui existent pour créer votre chanson restent les mêmes qui existent pour Vous pouvez avoir de la musique comme la musique d'orchestre, qui met davantage l'accent sur l'harmonie et un peu moins sur le rythme, mais il y a toujours du rythme. Il y a encore quelques batteries, généralement peu nombreuses, surtout dans la musique cinématographique Mais quoi que vous fassiez, vous aurez les mêmes catégories. Nous avons donc la batterie, qui est la section rythmique. Nous avons la basse, qui est la note la plus basse de l'harmonie. Nous avons ce que j' appelle la partie Harmony, qui sera composée soit de vos guitares, soit de vos pianos, soit de vos voix harmoniques, s'il y a un chœur, soit de vos s'il y a un chœur, soit de Et puis vous avez votre voix votre première ligne ou votre mélodie principale Entre toutes ces parties, vous pouvez créer toutes les chansons que vous avez entendues. Dans les chapitres suivants de ce cours, nous allons passer en revue et analyser chacune de ces catégories afin de déterminer la meilleure façon de créer la batterie pour le genre sur lequel vous travaillez, la partie basse, la partie Harmony, les guitares, les pianos, les synthés ou autres instruments, et le chant, la mélodie déterminer la meilleure façon de créer la batterie pour le genre sur lequel vous travaillez, la partie basse, la partie Harmony, les guitares, les pianos, les synthés ou autres instruments, et le chant, principale 8. La chanson d'abord : créer des récits musicaux cohérents: Sachez comment établir une base de référence. Tu sais comment fabriquer des tambours. Tu sais comment intégrer l'harmonie. Tu sais comment créer une mélodie. Tu sais comment structurer une chanson. Mais par quoi commencez-vous ? Vous pouvez commencer par n'importe lequel de ces différents points. Revenons donc aux deux principales méthodes de base pour commencer une chanson. Les deux camps sont « song first » ou « beat first ». Dans cette leçon, nous allons d'abord explorer Song. Donc, dans la méthode Song First, vous avez déjà une feuille de route. Tu as ta chanson. Ce sera le moyen naturel créer de la musique pour les auteurs-compositeurs qui écrivent probablement une chanson à la guitare piano ou simplement vocalement ou autre, mais ils écrivent d'abord une chanson, puis ils ajoutent la Donc, une fois la chanson terminée, ils commenceront à tourner le dos à leur esprit de producteur et se diront : « OK, eh bien, peut-être pour ou pour temp track, la Natson Music, la batterie, la basse, les péchés, peu eh bien, peut-être pour ou pour temp track, la Natson Music, la batterie, la basse, les péchés, Et avec cette approche, il est plus facile d'ajouter les éléments nécessaires pour souligner l' émotion ou la vision de la chanson. Après la piste temporaire, j'ajoute généralement de la batterie, de la basse, l'harmonie, puis je réenregistre enfin la voix Cela signifie donc que je vais créer une voix à gratter avec une piste de piano à gratter juste pour intégrer quelque chose à Ableton, et à partir de là, je peux commencer à ajouter les autres parties, puis à la fin, je réenregistrerai la voix Vous n'êtes pas obligé de travailler de cette façon, mais cette méthode fonctionne bien Parfois la partie originale de guitare ou de piano que vous avez enregistrée pour soutenir la piste à gratter et soutenir votre première voix n'est pas la meilleure solution pour le morceau que vous avez produit. Parfois c'est le cas, et vous vous dites : « OK, vous avez eu la partie de piano parfaite, et boum, c'est fait. Mais parfois, vous réalisez que le rôle que vous jouiez au piano était peut-être un peu basique, et maintenant que vous avez d'autres éléments, vous pouvez changer cette partie. Et c'est tout à fait normal. Je vous conseille vivement de ne pas être trop précieux et trop attaché aux premières idées, car rester flexible permet souvent d'obtenir le meilleur résultat final. Même si cela signifie que vous modifiez une partie essentielle de la chanson vers la fin. Si c'est ce dont la chanson a besoin, il est important d'écouter ces instincts. Peut-être que vous écrivez des chansons, puis vous les apportez à un groupe. Et le groupe aidera à trouver la meilleure façon de jouer ce morceau. Parfois, les joueurs eux-mêmes créent leurs propres rôles, et vous n' avez pas à en faire autant. Ou parfois, vous pouvez aider le groupe à trouver la meilleure façon de raconter l'histoire avec un bon contraste et des parties musicales intéressantes. Ensuite, une fois que le groupe est bien entraîné, vous pouvez enregistrer et ajouter des couches supplémentaires si nécessaire. Cela vaut toujours la peine de prendre le temps d'obtenir une bonne performance, car capturer une bonne performance fin de compte donnera un meilleur son, prendra moins de temps, sera moins frustrant que d'essayer surproduire et de corriger une performance médiocre Alors, passons en revue les étapes qui m'ont permis de transformer une de mes chansons en production. Voici donc une chanson que j'ai écrite au piano. La ville ne dort pas. Tout le monde fait le plein de bruit dans un café, arrive en retard à un quart de travail ou prend un repas important, conduit vite, de sorte que les lumières s'éteignent doucement La ville ne dort pas. Tout le monde se rallie à la fête. Buvez cette anxiété ou parcourez le papier pour que les yeux s'enflamment, doucement Je n'irai donc pas chanter la chanson en entier, mais j'ai une chanson que j'ai écrite au piano. La première étape serait de trouver le tempo de cette chanson. Vous pouvez donc le faire de plusieurs manières. D'habitude, j'active le métronome, et je me dis : « OK, D. Et j'essaie de taper dessus pour trouver le bon tempo Et j'ai découvert que le fait de taper dessus m'avait permis d'atteindre les 80 ans. J'avais 82 ans. Parfois, vous voulez le laisser exactement comme vous l'avez saisi, mais parfois vous voulez simplement le ramener à un nombre pair Et nous verrons si cela convient à la chanson maintenant que vous avez choisi Tempo. Essaie de le chanter. La ville ne dort pas. Tout le monde bourdonne pendant un vêlage, retard dans une zone de changement de vitesse pour conduit vite, alors les lumières bourdonnent doucement Donc, ça a l'air plutôt bien. Je sais que j'ai une sorte de piège un peu plus rapide en tête pour cette chanson. Donc, comme ce genre de rythme a tendance à être à la mi-temps, 80 c'est cool, mais pour obtenir 80 à la mi-temps, il vraiment être à 160, ce qui vous donnera un métronome plus rapide La ville ne dort pas. Tout le monde bourdonne dans une sorte de café, arrive en retard pour changer de port. Rapidement , les lumières s' allument doucement. Et cela me semble bien, et j'aime avoir le métronome à cette vitesse Bien entendu, vous pourriez avoir 80 ans et modifier le rythme du métronome ici en huitième note au lieu d' un quart de note Cela dépend entièrement de vous. Ce que j'ai fait ensuite c'est enregistrer une bande à gratter du piano. Donc, dans ma tête, je chante la chanson et je joue juste la partie de piano. J'ai joué l' intégralité de la chanson, puis j'ai enregistré un scratch de la voix. Maintenant, j'ai enregistré plusieurs prises de voix différentes. Et j'ai décidé que cette prise ici se superposait à cette prise pour le refrain Cela sonne assez bien pour continuer à construire la chanson, car j'enregistrerai la voix finale à la fin. J'ai déposé une partie de piano. J'ai une partie vocale baissée. Et la prochaine chose que j'ai faite, c'est d'avoir installé ce porte-batterie ici. C'est le Good T. Vintage et funky . J'avais donc cette batterie, et j'ai joué un beat sur le piano à gratter et la piste vocale pour me faire une idée de ce que pourrait être la partie batterie La ville ne dort pas. Tout le monde se rallie à la fête. Boire juste pour apaiser leur anxiété. Ou faites défiler l'écran jusqu'à ce que leurs yeux brillent doucement. Soja. Mais c'est moi. Il est fou. C'est moi. Ils ne comprennent pas. Ensuite, j'ai quelques ébauches à assembler. Et ce que je vais faire, c'est commencer à peaufiner l'interprétation de la partie de piano pour vraiment m'assurer que tout passe à temps Il est temps de commencer à verrouiller une pièce. Je ne veux pas un tas de pièces vraiment détachées ici. Je veux commencer à m'enfermer. OK, c'est ma partie de piano. C'est ma partie de batterie. Nous avons donc cette partie de piano, et j'ai décidé qu'avec cet accord, la note unique frappe au deuxième temps de la mesure vide, puis le quatrième accord revient sur le J'ai donc décidé que c'était le schéma général que cela devait être. J'aime l'ambiance live. Je veux que ce soit à temps. Vous pouvez continuer et modifier les vitesses. Si vous voulez cette note, vous pensez que je ne veux pas que cette vélocité soit si faible. Tu peux augmenter ça. Vous ne voulez pas gâcher la chance, vous pouvez la désactiver et simplement aligner les choses pour assurer que votre rôle est celui que vous souhaitez. Et je vais lire toute la partie de la chanson. Et assurez-vous simplement que chaque hit frappe bien, chaque note soit bien jouée, et c'est ce que je veux. Plus je mets de temps à obtenir une bonne prise, exemple si c'est du genre : « OK, enregistrons à nouveau le piano, et recommençons ». Plus je m'entraîne et j'ai une bonne idée, moins je dois vraiment faire de réglages Mais personnellement, j'aime passer au peigne fin chaque note assurer que tout passe bien. Peut-être que cela peut sembler impressionnant, mais si vos chansons durent deux ou trois minutes, cela ne prendra vraiment pas si longtemps. Alors j'ai ma partie de piano, exactement comme je le voulais. J'ai fini par beaucoup changer de partie de piano tout au long de la production de la chanson. Mais à ce stade, je l' ai trouvé comme je l'ai aimé. Je suis ensuite entré et j'ai commencé à peaufiner ma batterie. Pour essayer de faire en sorte que ce soit plus comme je le voulais. J'ai aligné les tubes différemment. J'ai choisi des sons différents. Ensuite, j'ai séparé le coup de pied, le piège et les chapeaux hauts afin avoir plus de contrôle sur chaque partie Robuste. La ville ne dort pas. Tout le monde se mobilise comme deux membres de la fête. Sien sur leur anxiété. Ou faites défiler la page jusqu'à ce que leurs yeux brûlent doucement. Robuste. Mais c'est moi. Alors écoutons ces tambours. Tu as ce coup de cœur ? Piège. Ça va prendre beaucoup de temps, ce qui est cool Bonjour, chapeaux. Et nous pouvons voir que ces chapeaux hauts sont en fait des chapeaux hauts personnalisés fabriqués à partir d'un support à tambour. Parce que je n'ai pas vraiment aimé les chapeaux hauts qu' ils avaient dans cette batterie. Ensuite, j'ai créé un son de basse. J'ai utilisé Trillion parce que j'adore Trillion. Et j'ai joué un rôle de basse de batterie, de piano et de voix. Le tirage rapide fait que les lumières s'allument pour empêcher Soffe The City de dormir Tout le monde se rallie comme à la pop. J'ai donc parfois ces petites garnitures de base qui se rangent dans ces poches. Garçon fait défiler la page jusqu'à ce que ses yeux soient légèrement doux. Mais c'est moi qui suis fou. C'est moi. Ils ne comprennent pas. C'est là que je me sens heureuse avec le gazon et mon thé. Maintenant j'ai joué un rôle de basse pendant toute la chanson, et j'ai ma batterie J'ai ma basse. J'ai ma partie harmonique et j'ai ma mélodie J'ai donc en fait une chanson complète à ce stade. Je suis entré et j'ai ajouté quelques parties d'harmonie à la voix, quelques doubles. J'ai même enregistré une partie du chœur. Et le chœur a un trémolo dessus. Je l'ai fait. Cette partie semble un peu décalée, mais c'est exactement là que j'en suis dans la chanson. Nous avons donc nos tambours. Nous avons notre basse. Nous avons notre voix. Nous avons notre partie Harmony, qui est le piano. Et en plus du piano, nous avons des voix d'harmonie qui agissent comme une chorale, ce qui est un nouvel élément en arrière-plan Là où je sens que l'herbe brise le cycle, interrompt le changement. Ensuite, maintenant que j'ai tous les éléments de base d'une chanson, j'ai réenregistré la voix principale pour vraiment essayer de comprendre à quoi je voulais ressembler. J'ai fait une compilation des meilleures prises. J'ai des harmonies qui entrent en jeu, des doubles qui entrent en jeu Et nous avons vraiment pris le temps de faire en sorte que les harmonies des doubles soient captivantes et captivantes, tout en évoluant et en changeant tout au long de la chanson Maintenant, j'ai ma voix principale qui est traitée par ma chaîne vocale, avec quelques retards dans les réverbérations J'ai fait passer les autres parties aux réverbérations. J'ai une sous-partie de la base. Toutes les notes de base sont alignées, sorte que la performance n'est pas quantifiée, mais qu'elle est quantifiée presque à la main, comme j'ai fait tout le reste pour m'assurer que tout arrive là où il devrait être, tout conservant ce flux et ce flux organiques Il est maintenant temps d'imprimer tous ces éléments et de les mélanger. J'ai donc imprimé toutes les parties dans un fichier audio afin de pouvoir les mixer. Mais comme je suis producteur et mixeur, je n'ai cessé de modifier la production tout au long du processus de mixage. Nous allons donner une leçon complète sur le mixage, alors ne vous inquiétez pas pour le moment. Mais c'est essentiellement le résultat que nous avons obtenu. Sommeil. Tout le monde fait le plein d'énergie dans une sorte de café En retard, deux équipes ou une réunion importante. Conduisez vite pour que les lumières s'estompent légèrement. Doucement. La ville ne dort pas. Tout le monde se rend tard à la fête. Boire sous un nom leur anxiété. Ou faites défiler l'écran jusqu'à ce que leurs yeux s'estompent légèrement. Donc, cette chanson n'est vraiment que du piano, la batterie, de la basse et du chant. Et nous avons quelques niveaux de voix qui entrent et sortent. Cela fait en gros toute la chanson. Le refrain contient des voix de fond, et j'ai une partie de guitare, mais c'est une chanson assez simple Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour créer un son plein et complet, c'est d'avoir de la batterie, de la basse, de l'harmonie et de la mélodie. Voilà. C'est une chanson Si vous commencez produire une chanson musicale, vous avez la chanson, vous pourriez adopter une approche similaire. Vous pouvez vraiment aborder cette question de la manière que vous voulez, mais si vous êtes un peu dépassé et que vous ne savez pas par où commencer, allez-y et tracez une piste à gratter de votre voix et une piste à gratter de l'instrument que vous avez utilisé pour écrire la chanson. Si vous n'avez pas utilisé d' instrument, c'est encore plus facile. Mais une fois que vous avez repéré ces traces de scratch, vous pouvez simplement commencer à ajouter un autre élément. Et j'aime commencer la batterie assez tôt et faire la basse en dernier, juste parce que la batterie m'aide vraiment à me concentrer sur tout le reste. Et pour moi, la base est le rôle le plus secondaire. Donc, peu importe ce qui se passe dans la chanson, je ne veux pas que la basse vienne sur le chant principal ou quoi que ce soit d'autre d'important. Je veux juste que la base améliore le sillon et améliore l'harmonie. Donc pour moi, je fais de la basse en dernier. Et je joue de la batterie assez tôt, et j'écris généralement des chansons au piano ou à la guitare. C'est ainsi que j'aime travailler. Une fois que vous avez enregistré vos pistes à gratter, vous devez effectuer le fastidieux travail de verrouillage de vos pièces Si vous l'avez jouée en direct, vous devrez probablement, vous savez, modifier la performance pour qu'elle soit un peu plus raffinée Si vous programmez votre partie, vous pourriez suivre le processus inverse en essayant de faire des choses un peu décalées et en modifiant un peu vos vélocités ou en trouvant groove vraiment parfait pour donner à votre chanson une sensation live Cela dépend donc de ce que vous recherchez. Cette chanson ressemble à une sorte de chanson d'un groupe live, donc elle veut plus de cette sensation de performance live, c'est pourquoi j'ai tout joué. Il y a des chansons dans lesquelles je vais programmer des choses, même si je peux les jouer. J'ai choisi de programmer parce que c'est plutôt cette ambiance. C'est un choix subjectif, et au fur et à mesure que vous vous familiariserez avec la production, vous commencerez à savoir quelle approche vous souhaitez adopter. Et parfois, vous adoptez une approche et vous vous dites «   Après avoir joué tout cela, je vais juste aller le produire. Et cela arrive, et c'est très bien. n'y a aucune garantie bonne ou de mauvaise façon de procéder, et vous pouvez simplement commencer explorer comment vous voulez donner vie à vos chansons. 9. Écrire une chanson : l'art de la narration mélodique: Écrivons une courte chanson ensemble, car vous ne pouvez pas opter pour l'approche Song first si vous n'avez pas de chanson. Écrivons une courte chanson. Écrire une chanson. Eh bien, il y a Lyrics d'abord ou Mel d'abord, en gros. Tout d'abord, par exemple, Elton John avait un partenaire d' écriture qui lui a littéralement remis des poèmes dont les paroles Elton John avait un partenaire d' écriture étaient les Puis Elton John s'est assis au piano et les a transformés en chansons Le titre des Beatles d' abord ou le thème d'abord. Ils auraient dit qu' une fois que vous avez un titre, vous avez une chanson. Je pense donc que l'un de leurs chauffeurs de taxi a dit : « Je travaille huit jours par semaine », puis , bien sûr, les Beatles ont entendu huit jours par semaine, puis ils ont pu transformer ce concept en une chanson à succès de leur époque Vous pouvez également d'abord écrire une mélodie. Parfois, une mélodie me vient à l'esprit, et je peux en faire une chanson Et je sais que beaucoup de gens qui sont d'abord une sorte de mélodie peuvent créer des mélodies, puis y donner une structure et un sens Vous pouvez évidemment d'abord faire l'instrument. La plupart des auteurs-compositeurs jouent d'un instrument, et ils peuvent commencer par trouver des accords au piano ou à la guitare qui évoquent une certaine émotion, puis ils commencent à écrire en plus J'écris généralement des chansons au piano. Je vais m'asseoir et jouer librement jusqu'à ce que je trouve quelque chose d'intéressant qui me fasse vraiment ressentir quelque chose. Ensuite, je verrai où il veut aller. Donc, un bon point de départ est simplement de jouer quatre accords et de voir comment cela fonctionne Et puis, bien sûr, si vous pouvez trouver quelque chose de plus unique et de plus intéressant qu'une chanson classique à quatre accords, tant mieux pour vous Mais il n'y a rien de mal à simplement jouer quatre accords qui vous donnent de l'émotion et à commencer à écrire une chanson que je vais commencer à chanter pour voir si des mélodies apparaissent Découvrez ce qui fait du bien de chanter sur ce que je joue. Une fois que j'ai quelques mélodies, je commence à ajouter des mots Une fois que j'ai un thème , je réécrirai la musique et les mélodies pour les adapter au thème de la Et parfois, une fois que j'ai trouvé le thème, je réécris la musique et les mélodies pour les adapter au thème de la Ou parfois, lorsque je trouve les paroles et les mélodies, je trouve le thème, et il est déjà cohérent Alors allons-y et écrivons une chanson ensemble, et c'est ainsi que je m' y prends habituellement parce que je joue du piano. Je vais juste essayer de trouver des accords. Et pour moi, je me dis : «   OK, c'est ce que je ressens. Ce que je joue, c'est le jeu mineur. Ensuite, je joue le sept mineur, qui est un accord majeur construit à partir des sept de la tonalité, je veux dire Donc, si je suis dans la tonalité de sol et que je joue un sol mineur, alors je joue un fa majeur. Ensuite, je joue un do majeur. Et le do majeur est composé des quatre touches majeures et d'une touche mineure, ce qui est techniquement hors de propos, mais qui lui donne un son vraiment épique. Maintenant, je vais juste voir si des mélodies apparaissent. Tu vas entendre. Ici, maman. Oh et ensuite je pourrais juste commencer à faire du freestyle, et voir si quelque chose s' Oh. Il. Oh. L'autre jour, tu m'as appelé pour me dire que tu ne voulais pas me voir. Et j'ai dit : C'est bon. Et j'ai pleuré quand tu es parti, mais il n'y a rien que je ne sache pas. Je sais que je vais bien. Je fais donc souvent quelque chose comme ça où j'essaie de m'occuper de ma propre vie, comme ce qui s'est passé, mais je continue d'essayer le freestyle, et je ne suis pas très douée pour le freestyle Donc, toutes les paroles et les choses que je dis n' ont même pas de sens. Par exemple, certains d'entre eux sont cohésifs, et d'autres ne sont que du charabia Et parfois ça fait du bien de le faire. Je pourrais donc le faire pendant environ 20 minutes. Parfois, je le fais pendant très longtemps et le rendement diminue, surtout si vous voulez l' enregistrer et le réécouter Tu ne veux pas que ce soit trop long. Mais c'est bien de jouer, de laisser parler ses sentiments, de laisser ses pensées s'exprimer, et ensuite, tu sais, peut-être de faire une pause et de revenir et de dire : «   OK, j'aime bien cette première ligne. Par exemple, tu m'as appelé, tu m'as dit que tu ne voulais pas me voir. Je me dis : « OK, ça fait du bien pour ces accords. Et je pourrais alors continuer dans cette direction. Disons donc que j'aime cette mélodie et que je continuerais à la suivre Et je me suis dit : « OK, mais la première chose que j'ai faite, était de fredonner une mélodie différente Voyons donc s' il y a deux mélodies, car souvenez-vous que deux mélodies font une La semaine dernière, je m'ai appelé. Tu m'as dit que tu ne voulais pas me voir, et j'ai dit : « C'est bon. Oh et j'ai couru dix K. Essaie de te faire sortir de lundi. Mais je suis aveugle. Et ainsi de suite ce soir. Oh Oh. Et ensuite, d'accord, normalement, je continuais, essayais d'écrire quelque chose qui me paraisse un peu mieux, peut-être une mélodie un peu meilleure ou quelque chose comme ça, mais pour les besoins de cette leçon, disons que vous êtes du genre : « OK, nous avons essentiellement deux mélodies Nous avons ce premier type de mélodie parlante, puis il y a ce genre de chose qui se passe plutôt comme « Oh, ce genre de chose qui se passe Et c'est là que je passerais en mode lyrique, où j'essaierais de vraiment trouver ce qui est au cœur de cette chanson Quel est le but de tout ça Alors, appelle-moi, je ne voulais pas me voir. C'est quelque chose qui est vrai dans ma vie personnelle avec l'un des miens. Alors je me dis : « OK, peut-être que cette chanson parle de cette relation. Et puis peut-être que je voudrais m' occuper de cette relation pour cette chanson. Et c'est un excellent endroit pour écrire quelque chose d' authentique pour vous. Vous pouvez donc continuer à écrire quelques mots. C'est vraiment là que je vais entrer dans les notes pour avoir mon téléphone. Je lui ai dit : « OK, tu as appelé, la semaine dernière, tu as appelé, puis tu as dit que tu ne voulais pas me voir. Et puis j'ai dit, c'est bon. Peut-être que je veux garder ce que j'ai dit, c'est bon, et je veux écrire d' autres paroles. Donc ce serait comme si, semaine dernière, tu m'avais appelé pour me dire que tu ne voulais pas me voir. Alors peut-être que je veux garder cette cadence. Et puis je pourrais dire que ce jour-là, ça s'appelait Fall Fall Crow. Eh bien, c'est là que vous passez du temps à dire, d'accord, peut-être que vous voulez garder cette cadence Et si j'étais en train d'écrire des paroles, c'est la partie la plus lente pour moi, c'est l'écriture des paroles Il me faut donc beaucoup de temps pour comprendre ce que je veux dire. Mais vous continuez essentiellement à écrire cette histoire. Alors peut-être que vous allez dire que la pluie est tombée toute la journée. Et je me suis assise à l'intérieur en me sentant seule ou je ne sais pas. C'est un peu trop basique, mais tu vas comprendre ce que je veux dire. Vous continuez à construire l' histoire dans le couplet. Et le couplet veut généralement, comme une histoire que vous racontez, cette cohérence. Et aussi des images, tu sais. Où se déroule l'histoire ? Quels sont les personnages de l'histoire ? Tu chantes pour toi ? Tu chantes pour moi ? Tu chantes à leur sujet ? De quoi tu chantes ? Tu chantes pour qui ? Où est-ce que cela se passe ? Essayez de donner cette information à l'auditeur. Essayez de leur brosser un tableau complet. Et peut-être qu'en écrivant ceci, vous finirez par trouver des paroles vraiment cool Et peut-être que vous tomberez alors sur le thème de cette chanson, Blurry Dream, qui est en fait le titre d'une autre de mes chansons Mais peut-être finissez-vous par dire que toute la relation n'était qu'un rêve flou, c'est flou, et que vous vous en souvenez à peine maintenant Et tu te retrouves avec ce sentiment. Vous pourriez donc dire, OK, peut-être que Blurry Dream est le titre. Et puis tout ce que tu écris peut essayer s'appuyer sur ce titre. Alors tu pourrais y aller. La semaine dernière, tu m'as appelé. Tu m'as dit que tu ne voulais pas me voir. Et j'ai dit que c'était bon. parce que ça fait longtemps et je me souviens à peine de ce que nous étions avant parce que c'est un arbre à sang Maintenant, nous étions Blood Tree Mm Mm et ensuite peut-être que cela passe à un deuxième couplet ou quelque chose comme ça. Si vous êtes en train d'écrire cette chanson, vous vous dites peut-être que la partie Oh Oh sonne mieux que la partie floue du rêve n'écris pas exactement un chef-d'œuvre, mais je tiens à vous montrer que nous avons deux mélodies différentes Nous avons un thème. Nous avons sorte d'histoire que nous racontons. Les paroles devraient probablement être logiques. C'est à vous de décider. Certaines personnes aiment l' abstraction, les métaphores ou autre J'ai tendance à trouver que les paroles sont un peu logiques, qu'elles ont tendance à être fluides. Et puis il y a une sorte de thème sur lequel nous nous appuyons. technique d'écriture de chansons Ed Sheeran utilise beaucoup une technique d'écriture de chansons, tout la musique country comme la musique country. Quel que soit le titre de la chanson, les mots principaux sont comme si tout se construisait dans les paroles Et puis ils disent que le mot principal à la fin du fil est comme le mot clé du gain ultime . Il existe de nombreuses manières d' écrire des paroles. Il existe de nombreuses stratégies différentes. Mais une fois que vous commencez à ressentir des émotions sur votre instrument que vous commencez à trouver des mélodies et des mots, vous pouvez affiner et affiner. Une fois les mots écrits, il est plus facile de continuer à trouver de meilleures versions de votre couplet, meilleures versions de vos paroles. Vous vous dites : «   OK, j'ai écrit la chanson et elle fonctionne. Et puis vous vous dites : « OK, maintenant nous revenons au deuxième couplet et oh, c'est un peu plus cool, et c'est un peu mieux ». La façon dont j'aborde l' écriture de chansons, c'est que j'aime tout faire Je vais donc en faire un V avec les meilleures paroles possibles à l'époque, puis je vais en quelque sorte revenir en arrière, les améliorer et les améliorer de plus en plus. Mais j'ai un partenaire d'écriture qui aime que tout soit parfait, et que tout soit fait du mieux qu'il peut à chaque étape Il faut donc beaucoup de temps pour terminer le premier couplet parce qu'il s'assure que c'est vraiment un couplet parfait avant de passer à autre chose. Et il y a aussi beaucoup de mérite à travailler de cette façon, et il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Pour une raison ou une autre, j' aime beaucoup capturer toutes les mélodies et avoir d' abord une vue d'ensemble, puis zoomer Mais vous pouvez zoomer et descendre vers le bas. Et l'avantage de cela c'est que vous savez exactement où vous vous trouvez, ce qui vous permettra peut-être de mieux prendre votre prochaine décision. n'y a donc pas de bonne ou de mauvaise façon d'écrire une chanson, mais au final, il faut au moins deux mélodies Vous voulez probablement un thème, une idée générale ou un concept pour les paroles. Ensuite, vous voulez brosser un petit tableau à l'intention de l'auditeur : quels sont les personnages de cette histoire ? Où se déroule l'histoire ? Que se passe-t-il dans l'histoire ? Qu'est-ce que tu ressens ? Quelles sont les métaphores ce que cela vous fait ressentir ou de ce que ressent quelqu'un d'autre ? Et donnez à l'auditeur autant d'informations que possible. Et le plus important quand écrit des chansons, c'est de simplement s'asseoir devant son instrument ou d'essayer d'écrire une chanson tous les jours. Par exemple, donnez-vous 10 minutes, 15 minutes. Ne dépensez pas éternellement. Un court laps de temps, asseyez-vous et essayez d'écrire une chanson, et vous irez aussi loin que possible. Peut-être que la première semaine, tous les jours, vous vous asseyez pendant 10 minutes, vous vous asseyez simplement et vous jouez un accord, et rien ne vient. C'est très bien Si vous restez assis et maintenez l' objectif d'écrire une chanson, elle finira par arriver. Et c'est un peu comme un muscle. Donc, si vous n'avez jamais fait de pompes ou même travaillé vos bras de toute votre vie, il vous faudra beaucoup de temps avant de pouvoir faire des pompes et soulever des poids ou quelque chose comme ça. Mais finalement, si vous continuez à le faire, vous serez capable d'en faire cinq, dix, 20, 30. Tu sais, je vais continuer. L'écriture de chansons fonctionne exactement de la même manière. Vous vous améliorez de plus en plus, le muscle devient de plus en plus fort, et ne vous découragez pas si rien ne vient au début Si tu continues d'essayer, je te promets que les chansons commenceront à couler. 10. Beat First : poser les bases de votre morceau: autre camp pour écrire une chanson est Beat first ou instrumental first. Donc, si vous voulez d'abord écrire la musique, je vais vous montrer comment procéder. Writing the Beat first comporte différents camps . Vous pourriez commencer par l'harmonie, qui est selon moi la plus courante. Tu pourrais commencer par la batterie. Vous pourriez commencer par la basse, ce que je ne crois pas avoir déjà fait, et je ne crois pas avoir déjà participé à une session où quelqu'un d'autre l'a fait, mais pourquoi pas ? Il n'y a pas de mauvaise façon de le faire ? Et vous pouvez jouer dans ces parties, vous pouvez les programmer, ou vous pouvez trouver une boucle ou échantillonner les parties. Nous allons aller de l'avant et explorer chacune de ces différentes versions. Je vais juste vous jouer un beat que j'ai créé et que nous avons ensuite écrit une chanson également. M Nous avons donc un rythme, puis mon ami et moi y avons écrit une chanson. Beat First est donc aussi simple que cela. Vous écrivez simplement votre rythme, puis vous élaborez des mélodies, des concepts, des paroles, Et voilà ta chanson. Beat first est donc la façon la plus courante d' écrire de la musique aujourd'hui. de nombreuses sessions, les producteurs font un beat ensemble, Dans de nombreuses sessions, les producteurs font un beat ensemble, puis les meilleurs auteurs arrivent, les auteurs-compositeurs-interprètes arrivent, et il y en a peut-être quelques-uns ensemble dans une pièce, à élaborer des idées de chansons différentes, et j'espère qu'à la fin de la session, un peu de magie s'est produite et que tout le monde repart de la salle avec une chanson et j'espère qu'à la fin de la session, un peu de magie s'est produite et de la salle avec une Nous allons maintenant explorer différentes options pour jouer l' Harmony d'abord, la batterie d'abord, et comment commencer à créer vos rythmes. 11. Écrire le top-line : des hooks et des mélodies captivantes: Vous écrivez Beat d'abord, puis vous pouvez avoir de la musique, et ensuite vous avez de la musique. Tu dois écrire ta chanson sur la musique. Explorons donc l' écriture de quelques lignes principales. Voici un beat que j'ai créé. J'étais en train de jouer des mélodies avec un ami et je n' arrêtais pas de trouver une mélodie un ami et je n' arrêtais pas de trouver une du genre da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da Nous avons donc commencé à définir ce que cela pourrait être, et finalement, nous avons obtenu quelques mots Donc, nous avons peut-être cette partie ici, et nous avons commencé à écrire quelques paroles. Je ne veux pas. Et nous avons trouvé différentes paroles qui fonctionnaient ici. En Pennsylvanie. Nagez de la toxine au soleil. O. Et nous avons commencé à créer une petite histoire Nous avions cette mélodie. Et puis Anna était un mot de fin plutôt cool Nous avons donc simplement commencé à essayer de trouver des mots qui se terminaient par cette voyelle parce que nous aimions la façon dont cela sonnait dans cette mélodie Et je ne sais pas qui l'a dit en premier, mais l'un de nous vient de commencer à le faire. Elle a dit que je n'en avais même pas. Donc ce que nous avons ici, ce sont deux mélodies Nous l'avons, genre, je ne sais même pas Wa. Et puis nous avons aussi ce joli dv. Et nous avons commencé à créer cette chanson de cette façon. Et nous avons une petite histoire qui se poursuit, puis nous revenons à la douce partie divine. Et puis nous avons une autre mélodie qui est arrivée ici. B Ss Qu'est-ce qu'elle attendait ? Nous connaissons la ruelle située juste en dessous de C où l' chargeait une pomme, en mangeait une, mangeait une, en mangeait une, en mangeait une, en faisait entrer un chat avec elle mangeait une, en faisait entrer un chat avec Qu'est-ce qu'elle a dedans ? Elle a dit que je n'en avais même pas envie. Et nous commençons à construire la chanson, ces différentes mélodies apparaissent, et avant que vous ne vous en rendiez compte, nous avons une chanson Donc, écrire le top line, c'est juste écouter votre rythme et trouver quelques idées Et vous continuerez à trouver des pièces qui voudront revenir et peut-être plusieurs pièces qui voudront revenir. Et ça, c'est mignon. Da da, mon chéri. Et c'est finalement devenu le concept de base de la chanson. Sweet Devine m'a dit : « Oh, c'est un titre plutôt cool Je ne sais même pas à quoi mon ami pensait quand il a dit ça, mais j'aime bien ça. Tu sais ? Donc c'est comme « Okay, Sweet Devine », et ça devient le titre Ensuite, tout ce que nous écrivons essaie de nous y mener lyriquement ou de nous appuyer sur ce concept Et nous avons une variété de mélodies différentes qui s'emboîtent les unes dans les autres et qui sonnent bien ensemble, puis nous avons des parties qui se répètent, nous avons des parties de couplet et nous avons l'histoire que nous sommes en train de construire Écrire topline, c'est un peu comme écrire une chanson juste pour jouer quelques accords au piano ou à la guitare ou autre, mais vous écrivez sur mais vous écrivez Et c'est plutôt agréable d'écrire sur le rythme parce que les rythmes semblent terminés. Tu sais, je veux dire, bien sûr, tu peux le changer, mais le rythme, c'est une bonne dose d'ambiance qui existe déjà. Vous pouvez donc vous imprégner encore plus de cette ambiance en tant qu'auteur-compositeur-interprète C'est pourquoi beaucoup de gens aiment écrire à un rythme soutenu. 12. Harmonie d'abord : créer des bases sonores riches: Vous voulez d'abord créer un beat, puis vous voulez y écrire un titre Eh bien, par où allez-vous commencer avec votre rythme ? Essayons la méthode la plus courante pour moi, qui est d'abord l'harmonie. Harmonie Tout d'abord, vous commencez par une partie d'harmonie. Essayez de rendre cette partie aussi intéressante que possible. Dally, c'est un riff ou une mélodie décrivant un schéma d'accords, mais tout ce qui vous donne émotion est la bonne réponse n'y a pas de règles. Vous pouvez avoir plusieurs parties d'harmonie. Mais le plus simple est généralement mieux. Vous pouvez le jouer, le programmer ou le sampler. Ajoutez ensuite de la batterie, de la basse ou des effets sonores. Analysez le jeu et recréez vos parties d'harmonie préférées pour vous aider à comprendre Ok, quelles sont les chansons que tu aimes vraiment ? Si tu aimes vraiment Fred à nouveau, que fera-t-il ? Essayez de recréer certaines de ces chansons. Essayez de comprendre ce qui fait fonctionner ses parties harmoniques. Et cela peut vous aider à comprendre comment faire de la musique comme ça. Dans mon cas, regardons cette chanson que j'ai composée à partir d'un riff de guitare J'ai donc eu ce petit riff de guitare que je n'arrêtais pas de jouer encore et encore, et je l'ai vraiment aimé, et je voulais en faire une chanson Donc, j'aime vraiment le son de cette guitare. Et c'était comme : « OK, je jouais ça » et je me suis dit : « OK, c'est cool ». C'est cool. C'est assez rapide, pompe. Et peut-être celui-là, un house beat ou quelque chose comme ça. C'est ainsi que j'ai commencé ce beat. J'ai essayé cette guitare, puis j'ai commencé à ajouter des batteries. Puis j'ai trouvé une ligne de basse. Ensuite, j'ai ajouté un piano. Maintenant, j'ai cette partie de guitare, j'ai un rythme un piano et une bassine J'ai donc tous les éléments dont j'ai besoin pour un beat, et je pourrais commencer à écrire une chanson dessus. Mais je voulais présenter ce rythme un peu plus précisément. Nous avons donc commencé avec la guitare, nous avons ajouté la batterie, nous avons la basse. Et puis pour cette partie, j'ai coupé la guitare quand tout le reste est arrivé, parce que cela semblait beaucoup J'ai pris beaucoup de texture naturelle dans cette chanson, qui n'est qu'un b. C'est donc un exemple de certains des premiers rythmes harmonieux que j'ai créés. Donc, en gros, j'ai commencé avec une guitare. J'ai joué un rôle d'harmonie. Vous pourriez peut-être commencer par la partie synthé que vous programmez Peu importe , pas même une boucle. Ensuite, j'ajoute de la batterie, puis j'ajoute de la basse, puis j'ajoute peut-être une deuxième partie d'harmonie, si cela le demande ou non. C'est donc essentiellement ce qu'est Harmony First. Vous trouvez simplement un sample, une boucle ou quelque chose à jouer sur un instrument ou quelque chose qui attire votre oreille. C'est comme si, oui, c'est cool. Maintenant, ajoutons-y quelques éléments supplémentaires, et vous pourrez éventuellement ajouter une chanson en plus si vous le souhaitez. C'est donc d'abord un exemple d'Harmony. M. 15. Panoramique : élargir vos horizons sonores: Cette leçon est entièrement consacrée à la panique. La philosophie générale en matière de photographie panoramique et de musique est que rien ne doit être exactement au même endroit Cela vient en quelque sorte de l'idée d'imaginer un groupe sur scène, et chaque membre du groupe se trouve à son propre endroit sur cette scène Donc, vous n'avez pas le bassiste qui ne se tient pas au-dessus du batteur Chacun est dans son propre espace. Nous aimons appliquer cette philosophie à la production musicale, simplement pour nous assurer que tous nos éléments ont leur propre espace, car nous avons l' espace stéréo avec lequel jouer En règle générale, le haut de gamme peut être élargi et le bas de gamme doit être plus centré n'y a pas vraiment de règles, mais c'est juste une façon générale de penser aux choses si vous ne savez même pas où vous voulez vous faire dire, le centre de la chanson, zéro, sans haleter du tout. C'est le meilleur bien immobilier, car le volume sera égal à gauche et à droite. Donc, comme c'est un endroit si important, quelques éléments importants se disputent cet emplacement central. Et il s'agit du kick snare, voix principale, de la base et du remplaçant Ces éléments aiment donc être au milieu. Peut-être que vous allez déplacer le coup de pied et le piéger d'un côté, un degré, dans la base de l'autre côté, d'un degré Mais parfois, vous voudrez peut-être garder tous ces éléments au point mort, et ce n'est pas grave. Cependant, vous voulez vraiment toujours que ce soit au point mort parce que c'est très désorientant, fait que le sous-marin soit plus fort d'un côté que Habituellement, c'est également vrai pour le kick and bass, mais déplacer le kick ou la basse vers la gauche ou vers la droite ne gâchera rien. La façon la plus simple plupart des gens de commencer à penser au panoramique est d'écouter les vieux disques des Beatles, car ils remarqueront que toutes les voix se trouvent dans Vous le remarquerez avec ces vieilles chansons des Beatles. Vous dites : « Waouh, ils ne chantent que dans l'oreille droite, puis j'entends la batterie dans l'oreille gauche » ou « C'est cause des limites technologiques qu'ils avaient à l'époque », mais ça a l'air plutôt cool, et peut-être voudriez-vous en réintégrer un peu dans votre musique. Mais en général, nous préférons que notre voix soit au centre de nos préoccupations. Nous avons donc ici un exemple de piste, et allons explorer le panorama. Alors écoutons ces tambours. Nous avons cette batterie ici, et nous la lançons un vers la gauche Ensuite, nous avons notre piège, que nous gardons au centre Maintenant, nous avons nos chapeaux hauts. Nous les pointons vers la gauche. 20. Ensuite, nous applaudissons, que nous haletons vers la droite Nous avons un tambourin, et nous le faisons haleter vers la gauche. Donc, à l'heure actuelle, chaque chose a sa place unique. Nous avons une base, qui est tournée vers la droite, en face du coup de Le coup de pied est un vers la gauche, la base est un vers la droite. Nous avons maintenant un piano, qui est tourné sept vers la droite Donc, maintenant, nous allons activer notre voix. Conti musculaire. Les harmonies sont orientées 25 vers la droite. Salut 25 sur la gauche. pour les doubles en va de même pour les doubles avec la voix principale au centre mort, puis nos bibliothèques publicitaires se déplacent , elles automatisent les 30 vers la gauche, et cela passe en gros à 30 vers la droite, moins, puis revient à 30 vers Numéro de muscle Nous avons un visa Naviso. Nous avons discuté toute la nuit avec le Tagore G pour refuser la publicité. Rien dans M Co. Nous sommes Livia Naso En général, dans vos rythmes, vous voulez que votre panoramique ressemble à cela, sans qu' aucun élément ne soit vraiment au même endroit, l' exception de l' argument du centre, et vous pouvez avoir besoin du sub et de la voix, peu importe, peu importe La plupart du temps, vous voulez que vos éléments soient répartis à différents endroits. Et comme vous l'avez vu, nos chapeaux hauts ont été brossés le plus loin possible, puis les autres éléments ont été approchés Je n'ai pas tendance à devenir fou avec mon halètement, mais certaines personnes ont la philosophie selon laquelle, eh bien, vous pouvez déplacer les choses de gauche à droite Pourquoi ne pas planter les objets jusqu'au bout ? Et c'est juste. Il n'y a donc pas vraiment de bonne ou de mauvaise façon de procéder. halètement est particulièrement visible dans les écouteurs, et vous ne voulez pas vous déplacer complètement vers la droite, comme dans votre partie de piano principale, en ne laissant probablement rien sur la gauche Si le rythme est construit autour d'un certain élément, vous voudrez probablement le faire quelque part près de la gamme, juste pour qu'il soit entendu dans les deux oreilles. Mais peut-être pas. C'est vraiment un choix subjectif. Si vous ne pouvez pas dire ce que vous voulez en haletant, je garderais simplement la plupart des choses au centre, mais donnerais à chaque chose au moins son propre espace d'un ou deux degrés. Ensuite, au fur et à mesure que vous serez plus à l' aise pour produire, vous commencerez à comprendre ce que vous aimez faire et jusqu'où vous aimez pousser votre halètement 16. Doublage et superposition : ajouter de la profondeur et de la texture: J'ai parlé un peu du doublage et de la superposition, et nous avons certainement exploré le doublage et la superposition en ce qui concerne et nous avons certainement exploré le chant Mais vous pouvez utiliser cette technique pour tous les éléments de la production musicale. Vous voulez doubler et superposer les objets qui vous intéressent pour Mph ou le Jenicka Vous voulez simplement ajouter quelque chose de nouveau à votre chanson, et vous pouvez essayer de doubler ou de superposer certaines parties Il est courant de superposer vos pièges. Vous pouvez doubler vos parties de guitare, vous pouvez superposer vos parties de synthé avec différents synthés Vous pouvez vraiment doubler n'importe quelle pièce. Il y a ce qu'on appelle le phasage. Parfois, vous ne pouvez pas simplement dupliquer une piste existante avec Apple D Windows D. Parfois, et souvent la plupart du temps, cela ne fonctionne pas à cause de la façon dont le son fonctionne, c'est un peu confus et difficile à expliquer, mais si vous avez exactement les mêmes ondes, elles s' annuleront en quelque sorte et s'élimineront progressivement. C'est pourquoi vous ne pouvez pas simplement avoir une seule voix dupliquer littéralement le morceau et avoir deux voix. Malheureusement, cela ne fonctionne pas vraiment de cette façon. Si vous devez le faire, vous pouvez décaler le timing des deux, c'est un peu exagéré, mais je ne le recommande pas. Une astuce vraiment intéressante que vous pouvez faire est de faire un panoramique large vers la gauche et vers la droite, en doublant la partie. Passons donc au double et à la pose. Voici un beat que j'ai créé, qui comporte une partie de guitare. J'ai une idée, c'est tout le chemin vers la droite. L'autre prise se fait tout à gauche. Cela laisse beaucoup de place au milieu pour tout le reste. ne nous contentons donc pas de doubler notre partie de guitare pour la rendre un peu plus épaisse et plus puissante Nous sommes capables de paniquer fortement à gauche et à droite, ce qui laisse toute la place au milieu pour tous les autres éléments de la chanson. Et c'est une technique vraiment cool. Si votre harmonie se divise fortement à gauche et à droite, vous pouvez placer votre voix au centre, déplacer légèrement votre batterie de cette façon, votre base un peu de cette façon, et vous aurez une expérience très complète pour l'auditeur C'est donc une astuce vraiment cool à utiliser. Passons donc à ce rythme. Et ajoutons à ce fils notre cœur d' harmonie . C'est un synthétiseur différent Une nouvelle couche. Même une nouvelle couche. Même une nouvelle couche. Ce que nous faisons ici, c'est superposer cette partie exacte de l'acarien avec différents sons sur différentes octaves Et nous superposons différentes textures et différents types de sons pour obtenir cette atmosphère éthérée onirique qui remplit l'espace avec ce son plus audacieux, semblable à une cloche avec un son super courageux Et ensemble, nous obtenons cette couche unique et pleine de sensations. Vous pouvez donc essayer de doubler et de superposer vos pièces afin d'en déplacer une vers la gauche et vers la droite, pour créer de l'espace, pour rendre votre pièce un peu plus épaisse Vous pouvez simplement continuer à doubler vos synthés et vos parties de piano, car c'est facile Il suffit de copier et coller une nouvelle piste, puis de voir comment elle sonne sur un synthétiseur au son différent Et tu peux vraiment aller aussi loin que tu le souhaites. Et finalement, oui, vous allez détailler le volume, et bien sûr, parfois, il vaut mieux s'arrêter pendant que vous êtes en avance et vous vous « J'ai deux couches qui sonnent bien, et la troisième couche, peut-être qu' elle a l'air un peu désordonnée. n'est pas ce que tu veux. Alors soyez toujours honnête avec vous-même : est-ce que ça sonne mieux avec ce truc ? Est-ce que j'y apporte une amélioration ? Suis-je juste en train de superposer une couche ? Mais c'est cool d' expérimenter et d'essayer différentes choses pour voir ce qui sonne vraiment le mieux. N'oubliez pas que vous pouvez superposer vos différents coups de caisse claire. Vous pouvez superposer vos kickdrums. Tu peux doubler ta voix. Vous pouvez superposer différentes bases tant que vous n'en avez pas, comme un bas de gamme boueux Donc, si vous vouliez superposer des bases, je vous recommande d'en avoir une qui soit, en fait, l'instrument de sensation de base, puis de superposer simplement l'extrémité supérieure de différentes bases. Cela dépend donc vraiment de vous. Mais la superposition ajoute vraiment une dimension à votre chanson. Et n'oubliez pas que vous pouvez superposer les éléments différemment tout au long de la progression de votre chanson. Peut-être que la première partie n'est pas très superposée au début, et qu'au dernier refrain, elle est superposée C'est une excellente façon de procéder. Vous êtes du genre : « OK, chaque nouvelle section de votre chanson a peut-être une nouvelle couche ou quelque chose comme ça. Il existe donc de nombreuses bonnes façons de le faire, et je suis heureuse que vous commenciez à explorer la possibilité de superposer des couches dans votre musique 17. Orchestrer : composer en toute confiance: orchestration est le concept qui consiste à prendre votre rythme, la petite partie de votre chanson et de votre rythme, à vraiment l'étendre, en faire un monde entier, un univers complet, vous orchestrez, vous composez, vous améliorez, et en fait, quelle que soit la partie de l'histoire que vous essayez de raconter, vous essayez de la raconter du mieux et en fait, quelle que soit la partie de l'histoire que vous essayez de raconter, que vous Explorons donc l'orchestration. L'orchestration peut impliquer l'ajout et la superposition de nouvelles pièces et de nouveaux instruments À quel moment souhaitez-vous avoir une autre partie d'harmonie ? À quel moment souhaitez-vous ajouter un nouvel instrument ? Vous voudrez peut-être ajouter un nouvel instrument dans une nouvelle gamme dans le refrain pour faire évoluer la qualité sonore Tu es du genre : « Oh, il y a maintenant un truc haut de gamme qui n'était pas là dans le couplet. Vous pouvez peut-être ajouter un nouveau synthétiseur dans une partie de construction. Vous allez peut-être remplacer un son existant dans une nouvelle section. Et c'est ce que les chaînes de fumeurs ont fait dans l'une de leurs chansons à succès , que nous allons explorer. Vous pouvez superposer des sons existants à nouveaux sons diffusés dans différentes gammes, ce qui donne l'impression que la pièce s'agrandit. Comme toujours, étudiez vos chansons préférées. Comment ajoutent-ils de nouvelles pièces ? Comment conservent-ils l'intérêt de leurs pièces existantes ? Alors plongeons-nous dans le vif du sujet. Nous avons donc ce rythme. Alors peut-être que nous avons ces tambours. Alors peut-être que la basse et la batterie entrent en jeu. Peut-être que les voix viendraient également ici. Peut-être que c'est le premier refrain, puis ce couplet. Maintenant que nous l'avons entendu pendant 8 mesures, nous avons peut-être ajouté un nouveau son. En tant que couche. La main à sa place unique. Et maintenant, ce refrain a peut-être une nouvelle dimension et une nouvelle gamme Et une nouvelle pièce. Il est donc assez courant que le refrain soit la plus grande partie de la chanson Et peut-être qu'après le refrain, nous avons ajouté les nouveaux Rains Nous entendons donc le même riff, mais il continue de grandir, donnant à la chanson l' impression qu'elle grandit, et nous avons ajouté une nouvelle partie, cette partie d' arpège continue, qui a ajouté un peu Ensuite, peut-être pourrions-nous nous contenter de quelque chose comme ça pour le deuxième couplet. Et puis peut-être que d'autres couches seront ajoutées pour cette partie. Et tu pourrais continuer sur cette lancée et continuer à augmenter le nombre de couches et à en retirer des parties pour essayer de rendre toute ta chanson intéressante N'oubliez pas qu'en matière d'orchestration, vous voudrez peut-être opter pour le style de superposition moderne dans lequel vous vous contentez de copier-coller le middy tel quel Ou peut-être que vous voulez aller avant et être un peu plus intentionnel, et vous vous dites : « OK, maintenant que nous avons trouvé nos couches, vous êtes du genre, je veux être intentionnel à ce sujet. Nos notes de base jouent quelques notes ici. Nous avons la version mélodique de nos accords. Le haut. Et vraiment, j'aime bien ce piano, mais il nous suffisait de jouer la note manquante. Pour faire un accord, il suffit de trois notes. Il s'agit donc des mêmes informations MIDI. Mais c'est la basse qui joue ces notes. Les pianos jouent ces notes, et le synthé Bell joue la partie supérieure Ici, nous tirons beaucoup de profit de notre harmonie. Chaque rôle n'est joué qu'une seule fois, donc chaque rôle est très important ici. C'est beau et très propre, ou parfois vous voulez juste ce genre de son. Cela dépend simplement subjectivement de ce que vous recherchez. Donc, n'oubliez pas que nous orchestrons cela par Master Minding D'accord, nous allons commencer par le piano. Ensuite, nous allons entrer avec la batterie. Ensuite, nous allons entrer avec la basse, toute la batterie et le chant. Bonjour. Ensuite, nous passons à un deuxième couplet que nous n'avons pas encore écrit. Ensuite, pour cette précorvée, nous en superposons un peu plus. Et puis pour le second refrain. La messe vit tellement la sienne. Nous allons faire cette partie et cette partie. Dites-moi et ensuite, où que votre chanson veuille aller à partir de là. Ainsi, vous pouvez commencer à voir comment la musique vit réellement de manière linéaire Ça continue. Il n' existe pas sous forme de boucle. Et je vous encourage à ne pas passer trop de temps en boucle. Dès que vous avez trouvé quelque chose de groven, désactivez le mode boucle et commencez à développer votre chanson en fonction de la chronologie, car naturellement, vous saurez, d'accord, nous en avons un peu marre d'entendre cela, puis vous le modifiez immédiatement Et puis tu te dis : « OK, maintenant je veux que cette partie se superpose. Vous saurez ce qui vous convient le mieux sur le moment. Et en général, ce qui semble juste, c'est d'ajouter ou de retirer quelque chose après quatre ou huit barres. Si vous n'en avez aucune idée, changez quelque chose toutes les 8 barres, et vous vous dites : « OK, toutes les 8 barres, nous ajoutons quelque chose ou nous en retirons quelque chose. Et si cela fait longtemps que vous n'avez pas retiré quelque chose, si vous n'avez fait qu'ajouter, parcourez une section où vous retenez tout. Et si vous n'avez fait que supprimer des objets, alors vous voudrez peut-être en rajouter quelque chose. Et vous pouvez continuer à ajouter de nouveaux instruments, ou vous pouvez adopter une approche post-malone, où il s'agissait vraiment des mêmes instruments, mais ils ont simplement retiré batteries et les ont ramenées. Et c'était suffisant pour que les choses restent intéressantes. Vous n'avez donc pas besoin de trop compliquer les choses. Vous n'avez pas besoin de sept couches de synthé différentes. Tu ne le sais tout simplement pas. Vous pourriez simplement avoir un synthé et vous vous dites ça sonne ». Ce que nous allons faire, c'est apporter la base, ressortir les basses, apporter la batterie, sortir la batterie Nous allons monter ce synthé en octave, en octave en octave. Il y a beaucoup de variations et contrastes qui peuvent être créés partout. Mais l'orchestration, c'est lorsque vous commencez à imaginer la vue d' ensemble de votre chanson Et comme pour tout, écoutez vos chansons préférées et découvrez à quoi elles servent ? Quand se superposent-ils ? Comment se superposent-ils ? Comment vous intéressent-ils tout au long de la chanson ? Et en étudiant vos chansons préférées, vous trouverez toutes les réponses pour écrire votre propre musique originale. 18. Mélodie du comptoir : améliorer votre flux mélodique: Cette leçon est entièrement consacrée aux contre-mélodies. Parlons donc de ce qu' est une contre-mélodie. Une contre-mélodie consiste essentiellement ajouter un nouveau son ou un son existant qui joue une mélodie simple qui ne distrait pas, mais qui s'harmonise bien avec Habituellement, dans le deuxième couplet d'une chanson pop. C'est un bon moyen d'ajouter de l'intérêt sans trop en ajouter. Au cas où la superposition et la superposition ne conviendraient tout simplement pas à votre chanson. Tu es du genre : « Hmm Peut-être que pour le deuxième couplet, vous voulez simplement faire une simple mélodie de guitare qui ne détourne pas l'attention de votre voix principale, mais qui fasse grandir la chanson contre-mélodies sont plus populaires dans certains genres que dans d'autres, mais je dirais que si vous le vouliez vraiment, vous pourriez probablement trouver une contre-mélodie pour n'importe quelle chanson sur laquelle vous travaillez Voyons donc quelle pourrait être notre contre-mélodie. Mlle Citi Miso. ai parlé toute la nuit avec le Tao pour me dire pourquoi, des trucs comme ça devait être le cas. C'est une partie très simple, mais elle s'harmonise bien avec les éléments existants et elle ne détourne pas l'attention de Ce serait donc une bonne contre-mélodie. Rien dans le comté. Si haut, Naso. Parler un soir avec le tago Donc, c' est quelque chose qui pourrait arriver la deuxième fois que vous entendrez cette partie Tu n'as pas besoin de cette pièce. Rien dans M Co. Un grand Naso. Soirée de discussion avec le tag. Racontez. Mais c'est sympa. Lors d'une deuxième course. Rien dans M Con. Si haut , Novasol Je parle toute la nuit avec les tags disent que les mélodies Counter sont le genre de choses que vous ne remarquerez peut-être même pas lors de la première écoute parce que vous concentrez toujours sur le chant principal ou le rôle principal ou quoi que ce soit d'autre, comme il se doit Mais c'est là pour simplement ajouter le niveau d'intérêt suivant, et peut-être que vous ne l'avez pas entendu, mais c'est là pour vous faire écouter le rôle principal d'une nouvelle façon, en harmonisant d'une nouvelle façon Et puis vous le remarquerez peut-être lors d'une deuxième ou d'une troisième écoute, et vous vous dites : « Oh, whoa, je ne savais même pas que c'est comme ajouter une contre-mélodie complète à cette partie Les meilleures contre-mélodies sont les super seconds rôles. Ils sont la priorité la plus basse. Ils n'essayent pas de se démarquer. Ils sont juste là pour ajouter un petit plus, pour que la chanson ait l' impression de grandir. 19. Compléter les sections : optimiser votre mix: Faire en sorte que la section soit pleine. La plénitude joue un rôle très important dans beaucoup de musique, car il y a généralement un moment dans votre chanson où vous avez juste envie de prendre le relais et de vous sentir vraiment rassasié, que ce soit au moment de la fin de votre chanson ou du refrain de votre Voyons donc comment vous pourriez le faire. Les moyens les plus simples de remplir les chiffons de fréquence. Vous avez vos subs, vos basses, vos médiums, vos aigus et vos aigus supplémentaires, un boom, une séquence harmonique complète C'est donc une façon de donner l'impression que les choses sont pleines. Une autre chose qui donne l'impression que les choses sont pleines, ce sont les médiums graves. Si les médiums graves sont très présents dans votre chanson, elle produit un son très complet Parfois, la base et le sub réunis, le fait vivre dans ces médiums graves peut vraiment donner de l' ampleur à votre chanson. contraste peut également donner un son plein, vous ajoutez quelque chose de brillant à votre refrain, vous ajoutez quelque chose de brillant à votre refrain ou vous déposez la base dans une section différente, qui peut donner un son plein par contraste avec ce qui l'a Bien entendu, vous pouvez ajouter des couches pour que les choses semblent pleines. Vous pouvez ajouter des effets sonores. Vous pouvez avoir un impact ou crash sur une section pour lui donner l'impression qu'elle est pleine. Étudiez vos chansons préférées et déterminez comment elles font en sorte que leur section soit pleine ? De quelle manière les cultivent-ils ? Est-ce le contraste ? Y a-t-il un crash sur une section ? Que se passe-t-il dans leurs chansons qui sonnent bien ? Et vous seriez surpris que certaines chansons soient beaucoup plus cassées et qu' semblent encore pleines que vous ne le pensez. C'est donc la méthode classique. Ce ne sont que de gros accords dans un spectre complet. Alors écoutons ça. Cela ressemble à une musique de film, un méchant et à un film de James Bond ou quelque chose comme Voyons donc ce qui se passe ici. Eh bien, nous avons ces très gros accords, et ils sont grands. Ils s'étendent sur de très nombreuses octaves. Beaucoup de notes qui se répètent ici. Nous avons donc un D ici dans la région de base. Nous avons un autre ré en octave au-dessus, et un A fini. Donc, en ce moment, nous jouons en ré Ensuite, nous jouons un autre D ci-dessus, et un E, donc c'est une sorte d'accord à ajouter deux Nous doublons notre note A. Nous doublons à nouveau notre D. Nous avons un autre E, donc nous doublons le second Nous avons un autre fa, donc nous doublons le troisième, et nous avons un autre D. Donc, c'est juste une grosse couche de notes identiques qui me plaisaient bien lorsque je les jouais au piano et je pense que j'en ai peut-être programmé quelques-unes Vous pouvez donc superposer des accords les uns sur les autres. Parce qu' un ré mineur est un ré F&A, ne signifie pas que vous devez vous arrêter Essayez D FNA, essayez-le d'une octave, essayez-le de trois Déplacez quelques notes, essayez d'avoir le D là-haut et de ne pas avoir le A au milieu. Vous pouvez simplement expérimenter et faire ce qui vous convient, mais finalement, vous pouvez vous retrouver avec ces gros accords. Cela en soi semble assez complet. C'est juste un orchestre complet , mais nous ne nous sommes pas arrêtés là Nous avons également ajouté une couche de cuivres faisant les mêmes accords. Nous avons ajouté une couche inférieure de laiton à la base. Et nous avons ajouté une autre couche de cordes qui ne fait que la partie haute. Il est presque incroyablement haut quand il est seul. Au total, nous avons un morceau de musique très complet Explorons un style de musique très différent qui conserve toute sa plénitude. Nous y parvenons donc en remplissant vraiment ce bas de gamme. Permettez-moi donc d'isoler la piste de piano, qui est la vedette principale de cette gamme. Voici donc notre piano. Et c' est l'impression que C deux à C trois chiffons, ce qui donne vraiment l'impression que les choses sont pleines Nous utilisons donc cette plage plus le contraste pour donner à cette section un son complet d'une manière complètement différente de celle du dernier exemple. Je me suis assis dans la nature et. C'est dans la nature que j'ai vu Oh that You ne le décrivez peut-être pas comme un son plein, mais il n'y a pas de trous sonores Vous avez l'impression d'être suffisamment plein, et cela ne vous vient même pas à l'esprit, car rien ne manque à ce rythme. Donc ce que nous faisons ici, c'est que nous avons ces tambours. Et nous avons notre basse avec un sub. Nous avons notre piano. Et nous ajoutons même cette guitare. Et nous avons cette texture. Nous avons donc les accords graves au piano. Nous avons un rythme de batterie complet. Nous ajoutons de la texture juste pour compléter un autre son, et nous avons une partie de guitare plus haute qui contraste avec la gamme. Cela semble complet simplement parce que nous avons couvert toutes les différentes gammes. Et cela laisse de la place pour en ajouter d'autres, ce que nous ferons plus tard dans la chanson. Nature, tout change. Les choses changent dans la nature. Nature, tout change. La nature, c'est le changement. La nature. Cela contient tous les éléments d'avant, sauf qu'en plus, nous avons maintenant ces cordes hautes . Et ensemble. Oh. Voici donc différentes manières de faire en sorte que la section sonne pleine. Et selon le genre que vous recherchez, une méthode peut être plus attrayante que l'autre. Vous pouvez superposer les gros accords et le son vraiment plein, ou vous pouvez simplement dire : « Vous savez Je connais les accords que je veux jouer. Je vais avoir ce piano, cette guitare, une basse et une batterie, et c'est tout ce dont j'ai besoin. Et plus je produis, plus je deviens un producteur aguerri, j'ai tendance à opter pour le second exemple. J'ai tendance à trouver moins de pièces pour donner un son plein, mais il n'y a pas de mauvaise façon de procéder. Donc, ce qui vous convient le mieux et ce qui convient le mieux à votre chanson sera toujours la bonne réponse. 20. Inversions d'accords de voix au piano : libérer les possibilités harmoniques: Parlons des sonorités d'accords. Vous pouvez modifier vos inversions tout au long la chanson pour qu'elle continue de grandir et d'évoluer tout en restant intéressante Vous pouvez essayer la voix du chœur. Vous pouvez ajouter de nouvelles inversions à des sons existants. Vous avez différents sons qui jouent différentes notes de votre accord, et vous pouvez expérimenter avec ce qui vous convient le mieux Des voix différentes, des émotions et des sentiments différents, pleins, vides, obsédants, puissants Honnêtement, la puissance vient généralement du fait que les accords sont plus denses Ce que vous recherchez vous aidera donc à vous orienter sur la bonne voie. Allons-y et écoutons ces accords. Il s'agit de la position racine standard. Maintenant, expérimentons un peu de sonorisation chorale. Ce sont les mêmes accords. Mais ce que nous avons fait, nous avons saisi la deuxième et la quatrième note, puis nous avons sauté dessus et octobre, ce que je fais avec Shift. Et cela a maintenant un son différent, plus ouvert. R. Donc, une autre façon de le faire est de prendre toutes les notes les plus basses et de les afficher en inctave Il s'agit d'une nouvelle inversion. Nous pourrions réessayer. Nous pourrions même réessayer. Et nous pouvions déplacer tous ces cordons vers le haut ou vers le bas en octave. Vous pouvez cliquer dans l'espace vide, commander A, déplacer la flèche vers le bas. En règle générale, plus vous descendez bas, plus vous voulez avoir d'espace entre vos notes. Avec quelque chose comme ça, deux nez l'un à côté de l' autre dans cette gamme basse n'est peut-être pas ce qu'il y a de mieux. C'est bon, mais c' est un peu boueux. Avec un accord à quatre notes, vous pouvez bien les organiser en ayant la racine dans la base, la troisième, la cinquième, la septième ou quelle que soit la quatrième note Ce sont essentiellement vos options si vous voulez les garder toutes proches les unes des autres. Lorsque vous commencez à ouvrir les accords et que vous vous dites : «   Eh bien, cette deuxième note peut monter d'une octave, tout à coup, vous avez beaucoup plus d'options, et vous vous dites : OK, prenons juste la troisième par octave, et gardons l'autre note au même endroit tout à coup, vous avez beaucoup plus d'options, et vous vous dites : OK, prenons juste la troisième par octave, et gardons l'autre note au Ou peut-être prenons le cinquième et déplaçons-le vers le haut dans Octave une bonne chose à garder à l'esprit si vous vous contentez d'inversions en inversions et que vous vous dites : «   Eh bien, je ne sais même pas ce que je recherche Il s'agit d'essayer de créer une bonne mélodie avec les notes de tête. Essayez de créer quelque chose d'intéressant. Donc, toutes les notes de ces accords sont fondamentalement différentes Donc, celui que vous choisirez ne sera probablement pas un mauvais choix, mais certaines progressions d'accords comportent de nombreuses notes similaires, auquel cas, si vous jouez quelque chose comme ça, il y a une note en commun ici Donc, si vous aviez cette note en haut, elle a une certaine impression. Et peut-être que c'est ce que tu veux, peut-être pas. Mais si vous ne savez pas ce que vous recherchez, j'ai tendance à avoir une note de tête qui change. Bien sûr, il n'y a absolument aucune règle, vous pouvez donc faire ce que vous voulez, mais il est utile de garder certaines choses à l'esprit, moins lorsque vous n'êtes pas sûr de ce que vous recherchez. Cela va à nouveau déplacer ces épinoctes. Et maintenant, nous pouvons tout déplacer vers le bas. Vous pouvez faire en sorte que les accords commencent par être plus bas au début de la chanson, puis s' ouvrent tout au long de la chanson Peut-être que dans le premier couplet, ça commence ici. Et puis, au son du refrain, ça s'ouvre jusqu'ici. Et puis peut-être qu'il diminuera encore une fois pour le couplet. C'était un moyen très simple de créer contraste sympa sans vraiment rien ajouter. Nous modifions simplement les inversions des mêmes notes que nous jouons déjà C'était donc un moyen très simple créer des chaînes et des contrastes dans les chansons. Une fois que vous avez trouvé la progression de vos accords, passez un peu de temps à trouver les bonnes inversions pour vos accords car je trouve que certaines inversions semblent un peu plus juteuses que d'autres, mais cela dépend toujours du contexte spécifique de votre chanson C'est bien parfois quand les troisièmes sont placés en haut, mais c'est vraiment à vous de décider ce qui vous convient le mieux. Et je vous conseille vivement de prendre 5 minutes pour voir s'il existe des inversions plus sonores des accords que vous avez déjà Ou peut-être que la façon dont vous l'avez eue était parfaite, puis vous la laissez tranquille. Bien sûr, vous pouvez les développer et les faire évoluer au fil du temps, et je vous suggère d'essayer cela car cela permet à la chanson de paraître intéressante 21. Les sections veulent se développer : faire évoluer l'histoire de votre chanson: Certaines parties de votre chanson veulent s'agrandir au fil du temps. Par exemple, vous n'avez pas vraiment envie d'entendre exactement le même refrain deux fois Oui, vous voulez entendre le refrain deux fois parce que c'est probablement un morceau de musique captivant , parce que c'est Casi ou parce que c'est amusant Mais c'est bien s'il peut y avoir quelques modifications. Quelque chose de différent, donc tu es comme une raison pour laquelle il existe une deuxième fois. Ne vous contentez pas de penser structurellement, eh bien, il faut que ce soit A, B, B. Nous devons donc le faire deux fois, lui donner une raison d'être, lui donner, mériter cette deuxième répétition Il ne s'agit pas simplement d'un copier-coller. Il y a quelque chose d' unique là-dedans. Allons-y et explorons la possibilité de développer vos sections au fil du temps. Nous avons ici une chanson que nous avons écrite pour un court métrage, et elle commence par ce couplet. Fraîche. Je suis ici sèche. She Why aime la glace à la vanille. Clean Now est un thé blanc ordinaire. Allons faire du thé froid. Nous passons à la seconde moitié du couplet. Solide. Maintenant, nous allons dans la nature, ouvrez la porte froide de votre ruisseau le plus sauvage Montez sur le nègle. Maintenant, vous souriez avec moi. Je suis Johnny Cold Day. Oui, tu es fou dans cette rue. Nous sommes donc en train de répéter le refrain, et ce qui se passe ici, c'est qu'il y a cette voix haute qui commence à entrer dans la deuxième partie, cet appel et cette réponse Nous faisons donc évoluer ce refrain au fil du temps. Nous passons ensuite au deuxième couplet. Du rouge comme du gris. Je passe à la vitesse supérieure pour un deuxième refrain. Aussi forte qu'une foutue vipère D par temps frais. À votre stream round. Et ce chœur a la voix. La voix principale est haute et octave. Il y a donc déjà une certaine différence . Il y a beaucoup plus d'énergie. Et nous avons ajouté une chorale de fond en disant « Oh ». Vous pouvez donc faire la différence entre ce refrain. À ce refrain. À votre voix haute. La batterie joue également un peu plus fort dans le deuxième chœur. Cela lui donne donc vraiment une raison d'être et c'est passionnant à écouter, car vous savez que la deuxième fois que vous entendrez le refrain ce sera encore plus excitant Et c'est essentiellement ce que vous voulez. Écoutons donc une chanson d' un de mes vieux groupes, Uro, et nous écouterons la première chanson. Une jolie. Eh bien, je vais venir avec ma tasse. C'est sympa. Passez à ce refrain. Oui, je viens. Dix. Donc. J'ai hâte d'y aller Ce n'est pas pour montrer. J'ai l'impression qu'il manque quelque chose. Tu le sais déjà. C'est O B a donné deux coups Afficher. Amy, entre. On dirait qu'il manque quelque chose. Mi Da est arrivée. Tu le sais déjà. Passons maintenant au deuxième refrain. Un beau beau bonhomme. Deuxième personnage. Ça fait deux fois. Déclenchez. Salut, émission de synthés Et la partie rapide de batterie. Des talons comme une piqûre. Tu le sais déjà. Au fur et à mesure que je choisis. À venir. Des talons comme s'il manquait quelque chose. Tu sais. La nouvelle chanson arrive. Je vous montre donc simplement différents exemples de parties qui se développent tout au long de la chanson. Donc, le premier refrain frappe, et vous entendez les paroles, vous entendez le chant, et c'est plein, mais ce n'est pas comme si la chanson explosait tout simplement Et puis, au moment où le deuxième ou le troisième refrain arrive, beaucoup de nouvelles parties sont là, et nous avons de nouvelles couches Cela lui donne donc vraiment une raison d'exister. Vous devez gagner vos pièces récurrentes. Mais oui, vous voudrez probablement répéter votre refrain. C'est un bon casse-tête à résoudre. C'est un beau défi à relever. Et commencez simplement de façon linéaire. Tu commences quelque part. Cela sonne probablement bien sans trop, et ensuite vous pouvez simplement grandir et grandir au fur et à mesure. Cela doit être un processus naturel. Et une fois que vous aurez commencé à créer vos propres rythmes, je parie que vous commencerez à le faire de manière intuitive. 22. Restez dézoomé: L'excellent conseil que un ami producteur très talentueux m'a donné un ami producteur très talentueux est de rester concentré sur le zoom arrière. Donc, dans cette leçon, je vais juste parler de ce que cela signifie. Vous voulez vraiment vous occuper des détails en dernier. Vous devez rester flexible au cas où vous auriez besoin de réécrire légèrement votre pièce de base à mi-chemin de la production Si vous avez vraiment tout mis en œuvre, uniquement dans la conception, le traitement et tout , il vous sera plus difficile, même intellectuellement , d' y aller , car la quantité de changements que vous devrez apporter est plus importante Vous voulez donc être en mesure de rester flexible tout au long du processus de production. Il peut être décourageant de passer une éternité à peaufiner le quatrième tube clair pour se rendre compte que vous devez réinventer l'ensemble de votre partie de batterie Suis ton intuition parce que la plupart du temps, j' ai le sentiment que je dois changer cette partie, mais je ne le fais pas, et je n'en ai pas. Et puis j'arrive à la fin de la chanson, et je me dis : « Oh, je dois vraiment changer cette partie ». Alors écoutez votre intuition. Il n'est pas toujours nécessaire de tout changer, et parfois il y a des délais, des délais sains et tout ça. Mais vous savez, passez ces cinq ou dix minutes supplémentaires pour voir si vous pouvez obtenir un rôle légèrement meilleur. Au début, cela en vaut généralement la peine. Tout cela pour dire qu'il ne faut pas être trop précieux. Expérimentez, essayez différentes choses. Enregistrez As en tant qu'ami. La chanson devrait fonctionner sans les détails. Il n'y a aucun détail ni ajustement qui sauvera une mauvaise chanson Il est très important de se rappeler que si la chanson ne semble pas magique juste avec quelques accords et quelques mélodies, alors vous voudrez probablement trouver différents accords et différentes accords et Si vous optez pour la chanson d'abord, vous devez toujours avoir la chanson en tête, et c'est facile à faire parce qu'elle existe déjà, et vous ne voulez vraiment ajouter que des éléments qui améliorent la narration de la chanson. Alors ça va, qu'est-ce qui est vraiment nécessaire ? Commencez par le simple ajout de ce dont vous avez vraiment besoin ? À partir de là, vous pouvez commencer à embellir faire briller les choses un peu plus et à mettre en valeur vos ateliers de production, mais vous voulez toujours garder les choses simples au début afin de rester flexible si vous devez changer une pièce ou quelque chose comme garder les choses simples au début afin rester flexible si vous devez changer une pièce ou quelque chose Donc, si vous jouez dans une partie de batterie tentative et une partie de base, et que ce faisant, vous avez commencé à peaufiner votre batterie , puis vous vous rendez compte soudainement, oh h, mec, que vous avez adopté la mauvaise approche avec Tu dois changer les sons. Vous devez changer le schéma. C'est plus difficile de le faire quand j'y consacre beaucoup de temps. J'essaie donc de régler tous les détails et le temps le plus tard possible dans le processus, afin d'être le plus sûr possible d'avoir toutes mes pièces verrouillées. Le remplissage parfait du tambour et le remplissage parfait de la base peuvent généralement attendre un peu, et ce ne sera probablement pas une question ou de rupture si vous les avez tout de suite. Mais bien sûr, si vous avez une idée vraiment géniale, je veux dire, faites-la connaître à coup sûr. Je ne dis pas qu'il ne faut pas explorer ces idées. Vous ne savez pas où placer votre énergie, cela vaut tout de même la peine de faire enregistrer votre partie de base avant finaliser le field de batterie parfait et détaillé Il est important de garder à l'esprit d' où vous venez, car vous allez peut-être commencer à travailler sur un build et faire en sorte que votre build soit si grand qu' il surpasse le drop Et tout à coup, votre chute ne semble tout simplement pas juste après un si gros build. Parfois, vous devez rester dans cette zone zoomée où vous vous dites : « D'accord, nous allons construire, mais je sais en quelque sorte quelle sera ma cible Comme la baisse ne va pas être énorme et aussi complète, nous devons en tenir compte lorsque nous faisons la construction, afin de ne pas créer une version le spectre complet des fréquences pour créer une baisse vide, mais pas d'une manière cool et contrastée. C'est pourquoi il peut être utile de rester zoomé. Si tu veux, je sais que mon refrain ne sera pas très grand. Par conséquent, nous devons faire encore plus petit pour le verset. La vue d'ensemble nous aide donc à prendre de bonnes décisions en cours de route. Le mode boucle peut être trompeur car vous serez peut-être en mode boucle. Et tu fais tourner ton refrain en boucle. Et cette chose étrange se produit en mode boucle où vous vous dites  : « Oh, je pense que je peux en ajouter, et je pense que je peux en ajouter, et vous commencez à en ajouter de plus et je pense que je peux en ajouter, en plus, de plus plus parce que vous êtes en boucle Vous avez donc l'habitude d'entendre ce qui s'y trouve déjà, et vous commencez à en ajouter encore et encore. Et puis quand tu reviens et y joues pour quelqu'un d'autre, c'est comme si tu les touchais tous en même temps. Je suis du genre, Whoa, vous avez beaucoup de choses à venir là-dedans, parce que vous étiez en train de faire des boucles à l'époque vous habituer à ce que vous entendez et de les superposer lentement que lorsque vous l'écoutez en mode hors boucle, tout vous frappe Soyez donc prudent lorsque vous travaillez en mode boucle, car je ai fait plusieurs fois alors que j'en ajoutais trop. J'ai surproduit, et ça ne sonne même pas bien ou n'a même pas de sens dans le contexte quand on ne l' entend pas se construire lentement en mode boucle Alors gardez cela à l'esprit. 23. La troisième règle: Parlez de la règle des trois secondes. Maintenant, la règle des trois secondes devrait probablement se régler d'elle-même si vous avez fait toutes les parties, comme elles sont censées être. Si vous avez votre batterie et une petite pilule sympa, votre basse, et qu' votre basse, et elle est remplie à un endroit différent, puis vous avez votre partie d'harmonie, joue un riff sympa, et puis vous avez votre voix qui chante dans sa poche La règle des trois secondes devrait probablement se régler d'elle-même. Mais ce que cela signifie, en gros, toutes les 3 secondes, il devrait y avoir un nouveau son, peu comme entrer. Cela ne signifie pas qu'il y a un nouveau son dans votre chanson qui n'existait pas auparavant. Cela signifie simplement que, tout au long de l' écoute de la chanson, pratiquement toutes les 3 secondes, le riff descendait, puis la ligne de base remontait, puis le tambour était plein, puis le chant se produisait, vous reportez continuellement l'attention sur une partie différente d' une manière vraiment organique Maintenant, quand j'ai entendu cela pour la première fois, cela m'a vraiment stressée. Cela semble fou, toutes les 3 secondes, genre, comment vais-je faire ça ? Donc, ne vous inquiétez pas vraiment pour la règle des trois secondes. C'est comme ce genre de choses générales que vous pouvez garder à l'esprit, mais vous n'aimez pas le stress à ce sujet. Tu aimes, oh, mon Dieu, 3 secondes se sont écoulées et je n'ai rien ajouté de nouveau. Ce n'est pas utile, et ce n' est pas du tout le but. Si vous avez fabriqué toutes vos pièces, cela devrait probablement se débrouiller tout seul. Et c'est juste une sorte de rappel si vous n'êtes pas sûr. Tu sais quoi ? L, peut-être qu'il n'a pas besoin d' un peu de remplissage de tambour. Tu sais, peut-être que tes battements de batterie aiment faire une petite vente. C'est un peu la même chose, juste des boucles et des boucles. C'est à cela qu'il est destiné. Je te le rappelle. Oh, vous pourriez avoir besoin d'un petit moment de piquant ici et là ou d'une baisse de voix, et rien n'est rentré dans cette poche C'est juste pour vous rappeler que partout où il y a un espace libre, vous n'avez pas besoin de le remplir, le silence est une bonne chose, mais vous pouvez vivre des moments mémorables. La voix baisse. Rien ne se passe, les battements du tambour s'intensifient. Peut-être que vous aimez qu'une petite partie de guitare intervienne ou non. Vous savez, ce n'est pas obligatoire, mais c'est juste là pour vous rappeler que votre chanson évolue constamment et qu'il peut y avoir de nombreux moments marquants 24. Ne pas trop produire: Certaines paroles de sagesse sont à ne pas surproduire. Nous allons donc montrer quelques exemples et expérimenter à quoi ressemble la surproduction sonore Ne noyez pas votre chanson dans la production, les conseils et les astuces. Ne noyez pas votre chanson dans les effets sonores et les couches. Fais des pauses. La perspective joue un rôle important dans la musique. Le mode boucle peut être trompeur. Alors fais attention. Votre chanson ne fonctionne pas avec de la batterie, de la basse, une ou deux parties d'harmonie et un lead, alors vous avez probablement juste besoin d'écrire une meilleure chanson. Aucun ajustement et superposition interminables sauvera votre chanson si elle ne sonne tout simplement pas bien sous Si l'idée de base n'est pas assez forte, vous devez trouver une meilleure idée de base. Il y a un dicton qui dit de mettre du rouge à lèvres sur un cochon. C'est toujours un cochon. J'adore les cochons, mais c'est juste un dicton pour te montrer on ne peut pas déguiser quelque chose pensant que c'est différent. C'est toujours ce que c'est. Votre idée de base est donc ce qu'elle est, et si vous devez la changer , vous devez la changer, et si elle est parfaite, elle est parfaite. Je veux dire, nous adorons les cochons, donc il n'y a rien de mal à ça. L'auditeur ne peut vraiment se concentrer que sur 2,5 choses à la fois. Quelqu'un qui mixe, je crois que c'est le soldat Ryan qui est en train de disparaître C'était un film de guerre, il était submergé par la quantité de son qui entrait, et le mixeur a dit : « Attends ». Il y a 1 milliard d'explosions, de cris et de coups de feu. Ils ont enregistré tellement de choses, et il ne savait pas par où commencer. Ils ont donc fait une étude, et ils se sont rendu compte que quelqu'un ne peut se concentrer que sur 2,5 choses à la fois. Et ces points focaux peuvent changer. Mais il a juste réussi et n' avait que 2,5 choses sur chaque fader et il a continué choses dans et hors de la durée d'attention, parce que c'est tout ce sur quoi nous pouvons nous concentrer Il ne sert donc à rien d'avoir trop de sons que nous ne pouvons même pas percevoir tous en même temps. Allons-y et écoutons à quoi peut ressembler la surproduction Disons que nous avons ce rythme. Et nous sommes en mode boucle. Ça a l'air bien. C'est ce que nous ressentons, mais c'est un mode en boucle, et peut-être voulons-nous en ajouter un peu plus. Et c'est très bien. Donc ça a l'air cool. Oui, ça sonne bien, non ? Ensuite, nous allons ajouter une autre boucle. Oh. Ça a l'air bien. Et peut-être voudrais-tu ajouter une autre sortie. OK. Je ne veux pas trop l'entendre. Qu' en est-il d'un autre ? Oh. Ça a l'air bien. Un autre ? Oh. C'est fou. Peut-être un autre. Et tu dis : « OK, continuons ce train ». Oh. C'est sympa de passer. Oui, ça sonne vraiment bien. Sympa. Et tu es vraiment en train de ressentir ça, et ça a l'air super. Ensuite, tu y retournes et tu écoutes la chanson. Tu es du genre : « OK, ça va être un banger ». Et tu es tellement excitée par tes 20 parties de batterie qui sont sur le point d'arriver. Et c'est un peu beaucoup. Et tu dis : «   Eh bien, je ne sais pas. Et puis tu te dis : « Eh bien, ça ne sonnait pas aussi bien cette fois-là. Ça avait juste l'air un peu désordonné, et tu te dis, W, eh bien, essayons sans toutes ces batteries, et voyons comment ça sonne Tu es du genre : « Eh bien, peut-être, peut-être juste un petit peu de ça, tu sais ? Donc, évidemment, il y avait quelque chose qui m'a plu dans ce que j' ajoutais. Il y avait quelque chose là-dedans. Peut-être qu'il faut se situer quelque part entre le fait d'avoir certaines couches et la simple version décomposée. Mais cela montre que lorsque vous êtes en mode boucle, vous commencez à entrer dans cet espace fou à superposer des couches, puis vous l'écoutez, et vous vous dites : « Oh, c'est juste un peu trop Il est donc important de garder à l'esprit que, oui, d'accord, si quelque chose m'appelle, la batterie ne sonne pas assez, et je veux la superposer, continuer et la superposer, mais vous n'avez pas besoin de 20 couches, probablement, vous savez, alors essayez de trouver la ou les deux couches qui font vraiment ce vous recherchez dans votre chanson 25. Builds : créer de la tension et de l'anticipation: Cette leçon porte uniquement sur les builds. Passons donc directement aux builds. Les builds sont de tous genres, formes et tailles. Cette chanson est donc une sorte de chanson indépendante, mais elle a une structure, alors allons-y et écoutons-la Nous avons donc cette section de répartition. Dites-moi ce qu'il faut, dites-moi ce qu'il faut faire dehors. Non, les tambours entrent. Dites-moi, dites-moi que les batteries à l'envers entrent. Et le buff target C'était donc une version assez modérée, mais elle En gros, une construction est censée augmenter l'énergie, et cela est devenu plus excitant au fur et à mesure, et nous avons augmenté l' énergie au fur et à mesure. Il s'agit d'un exemple. Ce que nous avons fait ici, c'est que les tambours commencent à entrer lentement. Et puis ce tambour est arrivé. Et puis nous avons ce remplissage. Nous avons également ce bloc-notes ici. Et le bloc-notes n'a pas vraiment changé pendant tout ce temps. Donc, cette guitare de rêve était vraiment quelque chose qui s' élevait, agissant comme une contremarche Oh , c'est donc vraiment ce qui augmentait. Et c' est ce qui, associé au fait que le tambour entre lentement et qui finit par se remplir, nous a donné cette impulsion d'énergie qui ressemble vraiment à une accumulation qui mène à notre chute. Alors écoutons-le encore une fois. Tomo Tomo Tomo Tomo C'est donc un exemple de construction Et celui-ci est assez simple. Allons explorer d'autres exemples de build. Nous avons donc une autre chanson, et nous allons étudier la structure de cette chanson. Pour moi. Maintenant, fais ce que tu veux de moi. Non À ce dont tu as besoin, oui. Allez faire le décompte. L'essentiel, ce sont les péchés. Il pleut un peu. Un nouveau péché entre en scène. Le son s' ouvre. Plus épique. Est-ce que tu me veux. Transcenseur. Cette construction a donc été réalisée principalement grâce à ce son croissant au fil du temps. Alors allons-y et écoutons-le. Le synthé est là. La avec ce synthé là-bas C'est celui qui grandit vraiment. Nous avons ce son. Et nous pouvons voir l'automatisation. Nous nous ouvrons au filtrage. Il fait de plus en plus clair. Et comme ce filtre s'ouvre et devient de plus en plus lumineux, c'est ce qui donne cette sensation ascendante. Est-ce que tu me veux. Allons-y et regardons un autre exemple. Voici un autre exemple de build. Le synthétiseur est l' essentiel ici. Une entrée. Un coup sûr A b. Donc, le peggio se présente sous la forme d'un gros goma sucré Il y a donc beaucoup d' éléments différents dans cette version, et le principal avantage de celle-ci est la douceur. Nous ajoutons cet arpège. Cela permet d'ajouter du mouvement et de la vitesse, et nous avons un peu de tambour ici, et un peu de tambour ici. Et comme vous le remarquerez avec beaucoup de ces builds, je n'aime pas les intégrer directement dans le down beat. Je n'aime pas construire ici. J'aime arrêter le build un peu avant, généralement sur le coup clair qui se produit avant le beat pour qu'il y ait une pause Parce que c'est vraiment cool d'aimer augmenter son énergie, faire une pause puis baisser J'ai tendance à préférer ça. Vous remarquerez donc que cette construction s'arrête à mi-chemin de la barre avant le drop. Faisons donc attention à cela. J'ai trouvé Emma. C'est donc ce qui fonctionnait à ce sujet. Nous avons ce pégiateur qui arrive. Nous avons le balayage ascendant, le balayage montant s'arrête et tout le reste arrête juste avant que le drop n'arrive, et nous avons cette ligne vocale solo C'est donc une bonne astuce à faire. Surtout si vous avez cette phrase vocale de Cat que vous pouvez mettre directement dans votre poche. C'est sympa. L'énergie s'accumule, la partie vocale principale entre en jeu, puis elle baisse. Bien sûr, il existe 1 million de façons de créer des builds. Il existe 1 million de bonnes façons de le faire. Chaque chanson aura son propre intérêt. Mais en général, vous voulez que quelque chose émerge. La version classique de l'EDM était une batterie qui tournait comme da da da then it drops Nous l'avons donc entendu de nombreuses fois. Nous n'en entendons plus autant maintenant simplement parce que nous en avons un peu trop fait, mais il est certain qu' en augmentant le rythme, surtout en augmentant la tension, cela va donner l'impression d'être une corpulence Et cela fonctionne toujours parfaitement. Vous pouvez avoir l'impression que les sons ascendants ressemblent à des builds, augmentation des tempos ressemble à des builds, augmentation de la plénitude peut ressembler à une build Donc, le simple fait d'obtenir quelque chose qui augmente l'énergie et l' élan donnera l'impression d'être une accumulation, c'est ce que vous voulez lorsque vous voulez augmenter la tension. Plus votre chanson est modérée et lente, moins vous aurez à faire pour donner l' impression qu'elle Plus votre chanson est rapide, compliquée et complète, plus vous devrez en faire pour qu'elle ait l'impression de se développer. Ainsi, d'où que vous veniez, le contraste entre le bâtiment augmentera. Je vous encourage donc à expérimenter ces différents styles de construction et trouver celui qui convient le mieux à votre chanson. 26. Drops : libération énergique et euphorique: Parlons des gouttes. Nous allons donc écouter la fin de cette version ici. Gamma. Go Cela entre dans une section de rainure qui recommence à se construire. Explorons donc un peu ce qui se passe ici. Nous avons donc cette version qui s'arrête d'une demi-mesure avant la chute. Et puis il y a un kickdrum, et c'est un kickdrum assez gros Il s'agit en fait d'une couche de deux kickdrums différents parce que nous voulions vraiment qu'elle soit puissante. Nous avons le piège Nous avons notre droit ou notre droit. C'est donc vraiment assez rare. Nous avons juste de grosses batteries et une base complète, puis nous avons le synthé ici. Et l'essentiel, c'est que le volume de ces sons est juste assez fort par rapport à la version où il a toujours un impact important. Le concept qui sous-tend cette chute est qu' elle est un peu plus décomposée et qu'elle passe d' une version complète à une chute vide, mais elle ne peut pas vraiment donner l'impression Vous avez remarqué le contraste, et cela crée de l'enthousiasme . Mais ces sons sont quand même comparés à tous ces sons. Tu m'as compris, maman. Donc, si je devais augmenter le volume, la baisse serait très décevante Nous avons donc cette version. Bien, tu me veux. Transcend Omni President Alors, que se passe-t-il dans Nous avons une version très complète, qui contraste immédiatement avec une simple gamme de synthés Il s'agit donc de quelques péchés superposés et d'un sous-ensemble. Et ensemble, That Transcend. Nous l'avons. Ça marche ici. Nous avons notre Transcendent Sn vocal Nous avons ce synthétiseur. Nous avons un petit rehausseur dans le coup de pied. Nous ajoutons donc un peu d'énergie la batterie qui arrive et nous ajoutons de l'espace. Donc des sons qui ont un peu d'impact, mais aussi beaucoup d'espace de réverbération pour élargir la dimension du morceau Notre grosse batterie. Cela recommence donc à se développer. C'est un peu comme une intégration dans un système dont le principal avantage est alors vraiment là Et c'est simplement parce que le reste de nos batteries fonctionne Nous en avons donc certaines par couches claires, autres par couches claires, et dans l'ensemble, cela crée le moment de récompense de notre drop. Paille. C'est comme si ça continuait Nous avons donc un autre point où ça va s'arrêter. La gamme de synthés existante obtient Et avec tout, vous voulez que votre drop soit vraiment assez fort en comparaison Bien sûr, vous ne pouvez pas faire tout soit aussi fort que possible, mais ce synthé est assez bruyant Viens. Est-ce que tu veux. L'espace est bon. Dans ce synthé, vous devez vous assurer que le build n'est pas trop bruyant en comparaison, car la facture peut l'emporter sur quelque chose comme ça Donc, l'astuce que nous utilisons pour que nos builds soient gros et forts et que nos gouttes soient grosses et fortes est cet espace entre les deux, de sorte qu'il n'y a pas de comparaison directe en termes de volume, que l'oreille remarquera, que l'espace, quelque chose d'autre entre en jeu, puis un nouveau son entre en jeu. Cela nous permet de réduire le volume du build un peu plus fort que si nous allions directement du build au drop Donc, en plus d' ajouter de la tension au mix avec cette pause, cette anticipation. Nous nous permettons également de tirer un peu plus de volume des différentes pièces. Je vais vous montrer un autre exemple. Nous avons ici deux versions différentes de cette chanson. Nous allons explorer cette version. Donc, cette version est vraiment un échec par rapport au rythme. Pause. Il est donc assez facile pour quelque chose de paraître impressionnant après quelque chose d'aussi vide que celui-ci. Nous n'avons vraiment que ce piano. Et cette colonne montante. Ensuite, nous passons à la partie suivante. Explorons donc, puis nous arriverons au point de départ. Voyons donc ce qui se passe ici. Nous avons ce piège. Il y a donc différentes couches sur le piège. Et dans notre boucle de cymbales, nous écoutons de la musique. C'est assez rare, mais j'ai trouvé une boucle dont le son contenait quelque chose que j'aime beaucoup. J'avais une couche, une sous-face. Piano. Ça ressemble à ça. Cela crée juste une nostalgie en arrière-plan. Nous l'avons. Ayez ces effets. Donc, essentiellement, ces effets ont un impact sur le ralentissement C'est ce qui est le plus courant en période de ralentissement. Nous avons le piano qui fonctionne sur le rythme le plus bas. Nous avons la basse qui frappe sur le downbeat. Nous avons le coup d'envoi qui va droit au but. Donc, à partir de cet espace, beaucoup de choses entrent compte sur ce ralentissement, ce qui est très excitant Allons découvrir la deuxième goutte ici. Nous avons cette photo focalisée qui tourne en boucle. Cette voiture dépose des déchets dans un bâtiment. Et maintenant, nous avons une baisse très similaire à celle de la première fois. Et vous pouvez remarquer à quel point c'était vraiment un contraste pour la première fois. C'était du vide au plein, ce qui semble plus impressionnant, mais c'est aussi plus choquant Celui-ci s'intègre un peu plus facilement à lui-même, ce qui donne également une très bonne sensation de rentabilité Cela comporte à peu près les mêmes éléments. pied. Des collets J'ai des gouttes de différentes formes et tailles, et il n'y a pas une seule façon de faire une goutte. Mais vous pouvez commencer à voir certains thèmes qui à ce moment-là, vous frappent vraiment, le contraste est cool. Nous avons exploré une version vraiment complète jusqu'à une version plus vide, et nous avons exploré une version vraiment vide jusqu'à une version vraiment complète. Et avec tout, vous voulez simplement concevoir votre chanson de manière à ce que le drop soit vraiment le moment impressionnant que vous souhaitez. Et cela peut signifier beaucoup de choses différentes. Cela peut signifier que le volume de la construction est beaucoup plus faible que le volume de la chute Même si vous pouvez simplement donner un coup de pied et regarder fixement dans un but, si vous baissez le volume de votre build, le drop va vraiment se démarquer Bien entendu, vous pouvez faire en sorte que votre drop se démarque tellement qu'il ne semble pas à sa place , et ce n'est pas quelque chose que vous voulez Et j'ai tendance à préférer une musique plus uniforme, et je veux aussi que les builds soient impressionnants Mais il existe de nombreuses petites techniques que vous pouvez utiliser. Vous pouvez passer lentement le build en haut, car il éliminera les basses fréquences Ainsi, lorsque le drop arrive, toutes les basses fréquences sortent et sonnent plus impressionnantes. J'ai entendu Odessa dire qu' ils intégreront la largeur stéréo de la version au fur et à mesure qu'elle augmentera avec un utilitaire, parce que l'utilitaire possède ce bouton, où vous pouvez contrôler sa largeur, zéro étant mono, 100 % étant Vous pouvez donc commencer à automatiser cela afin que la construction s'amincisse Vous pouvez également commencer en haut en passant le build et en bas en passant le build, afin que le build continue de devenir plus petit. Et puis, lorsque le drop arrivera, le contraste sera encore plus grand. Cela dépend de ce que vous recherchez. Mais prendre le temps de vraiment faire votre drop un moment marquant en vaut toujours la peine 27. Chansons de référence: La leçon est entièrement consacrée à une chanson de référence. Parlons donc de ce qu'est une chanson de référence. Une chanson de référence est quelque chose que vous avez en tête, quelque chose que vous recherchez. Tu es du genre : « J'aime bien cette ambiance ». Je veux écrire quelque chose dans ce style. C'est encore mieux si vous avez plusieurs chansons de référence, peut-être de genres différents, et que vous vous dites « Je veux jouer la batterie de cette chanson des années 80 avec peut-être la guitare de cette chanson plus moderne ou ce que vous recherchez ». Vous pouvez commencer à combiner des genres de do, comme la batterie de danse moderne avec un synthé plus old school des années 80 C'est une chose très courante que j'entends ces derniers temps. Et le fait d'avoir une boussole peut également aider toutes les personnes avec lesquelles vous collaborez savoir ce qu'elles recherchent. Parce qu'en musique, il est parfois difficile de communiquer le sentiment d'une chose. Oh, tu veux que ça soit épique, ou qu'est-ce que cela signifie pour toi ? Est-ce une épopée orchestrale ou une épopée de synthé ? C'est comme une épopée folklorique ? Qu'est-ce que cela signifie pour toi ? C'est bien d'avoir des chansons de référence, surtout lorsque vous faites référence à la qualité de votre chanson Tu sais, quand est-ce que tu t'arrêtes ? Quelle doit être la puissance de votre batterie ? Utilisez des chansons de référence pour vous aider à comprendre dans quel monde vit votre chanson et à savoir quand vous devez vous arrêter. Quand est-ce suffisant ? Quand allez-vous peut-être trop loin dans une certaine direction ? Les chansons de référence sont donc très utiles. Permettez-moi de vous montrer une chanson de référence que j'utilisais et la chanson pour laquelle je l'utilisais. J'aime beaucoup cet artiste, j'aime beaucoup cette chanson, et je voulais écrire quelque chose dans cette fiction. Vous. Donc, c'était ma référence, et je me suis dit : « J' aime bien ces cinq points ». Essayons d'écrire quelque chose dans ces cinq. J'ai donc essayé de faire correspondre mes batteries pour être dans un monde similaire. Nous avons donc commencé ici. I My kick drum ax émet un son différent de celui d'origine. C'est donc là que je me suis éloignée et que je suis partie dans ma propre direction. Mais vous pouvez entendre les similitudes. Nous avons beaucoup de percussions. Ils ont eu des photos vraiment géniales, et vous pouvez commencer à entendre comment ce rythme s'est inspiré de l'autre . Nous avions même un bloc-notes. Jusqu'ici, des éléments similaires, rythme similaire, un groupe similaire. Leur base de référence était assez clairsemée. Ma bassine est un peu plus pleine, mais voici la basse Je peux écouter le son de mon rythme par rapport à leur chanson. En utilisant cela comme référence, je peux me dire : « Oh, d'accord, mon rythme est peut-être un peu trop agressif, et je veux plus de cette sensation de lead back ». Ou je suis du genre : «   Tu sais quoi ? J'aime le fait que je fasse quelque chose d'un peu différent. Ma chanson existe dans un monde similaire. Cela ressemble à ça. Et c'est vraiment le point principal. Il vous aide à savoir quels types de sons de batterie rechercher, quels types de sons de pad rechercher. Quelle est la portée du pad ? Quels sont les chiffons de ces instruments ? À quoi ressemblera le son des basses ? Est-ce qu'il joue des notes très basses et aiguës. Le référencement et les allers-retours vous aident à ancrer ce que vous faites Surtout si vous produisez pour d'autres artistes et pour des clients, et que ce n'est pas votre propre inspiration qui vous oriente là où vous voulez aller. Il est encore plus important qu' ils vous fournissent des chansons de référence. Vous savez donc où vous vous dirigez parce que vous pourriez dire que ces tambours sont géniaux. Mais quelqu'un d'autre s'attendait à un rythme house très énergique de David Guetta Et cela n'a rien à voir là-dedans. Donc, sans la chanson de référence, vous pourriez parler d'univers complètement différents. Et avec la chanson de référence, vous pouvez voir : OK, Yeah, ma chanson, je veux qu'elle ressemble à cette ambiance, et elle sonne plutôt bien par rapport à cette ambiance Au final, j'ai fini par créer une chanson aux sensations différentes parce que j'ai apporté un nouvel élément , à savoir cette guitare. Vous pouvez l'écouter avec vous. Donc, ce qui a commencé avec une référence a fini par rencontrer certaines de mes autres tendances musicales, et je l'ai combiné avec d'autres références et d'autres chansons, et j'ai obtenu quelque chose d'unique. Mais j'ai commencé par la comparer à la chanson Feel Your Weight pour me donner un bon point de référence de ce que je recherchais. Comme je l'ai dit, il est encore plus important d'avoir des références lorsque vous travaillez avec d'autres personnes, car vous pouvez alors tous les deux savoir de quoi vous parlez. J'ai écrit cette chanson avec un ami très cher, et ensemble, nous nous sommes dit : « OK, on y va ». Quel est le son de nos battements de batterie ? Avons-nous besoin de plus de percussions ? Avons-nous besoin d'un appareil instantané ? Qu'est-ce que nous aimons dans la chanson Reference ? Et nous avons trouvé le pad et nous nous sommes dit : « OK, maintenant c'est comme créer la même ambiance Et tout à coup, lorsque votre chanson les parties de la chanson de référence que vous aimez, vous pouvez en quelque sorte voler librement et vous vous dites : « OK, maintenant que nous avons l'ambiance que nous recherchions tous les deux, pouvons-nous ajouter d'autre ou que pouvons-nous faire de cette pièce unique Nous ne voulons pas les arnaquer. Nous voulons faire ce que nous voulons. Et vous constaterez que la plupart du temps, même si vous utilisez une chanson de référence, vous faites naturellement vous faites naturellement votre propre truc parce que vous n' aurez probablement pas exactement les mêmes sons, et vous n'aurez pas exactement les mêmes accords et tout Et juste en faisant référence à quelque chose, vous finissez par créer quelque chose de nouveau et d'unique de toute façon 28. La vision est essentielle: La vision est essentielle. Et cela signifie que le fait d'avoir une boussole pour votre chanson sera vraiment ce qui vous sauvera et vous permettra d' atteindre la ligne d'arrivée. Une chanson de référence peut être une chanson si c' est ce dont vous avez besoin ou simplement une vision différente, mais avoir une idée ou un objectif en tête est si important dans le vaste monde infini de production musicale, car les possibilités sont infinies. Tu peux absolument tout faire. Donc, sans avoir un objectif en tête, vous pouvez parfois vous perdre dans les éthers. Avoir une vision de votre circuit est un excellent moyen de ne pas vous perdre dans les bois. À qui s'adresse cette chanson ? Dans quel environnement sera-t-il écouté ? Quelles sont les bonnes chansons de référence pour cette vision ? Si vous savez déjà ce que vous recherchez, vous saurez quand vous y serez arrivé. Vous saurez quand vous aurez atteint votre objectif. Si tu n'as pas de vision, c'est bon. Parfois, cela peut arriver plus tard. Je n'ai pas toujours de vision en tête, mais c'est très, très utile de le faire. Il est important d'avoir une vision car vous pouvez avoir tous les sons de batterie que vous voulez. Il existe 1 million de sons de kickdrum et d'escalier différents sons de kickdrum et d'escalier Donc c'est comme si tu voulais de la batterie rock ? Tu veux de la batterie folk, tu veux de la batterie hip hop. Tu veux des tambours de danse, des tambours house. Si vous ne savez pas ce que vous recherchez, vous ne saurez pas quels choix faire. Donc tu es du genre : « OK, je veux faire une chanson house, donc nous n'allons pas avoir de batterie rock and roll ». Tu sais ? À moins que vous n' essayiez spécifiquement de croiser les genres, ce que je recommande toujours d'essayer. Vous dites : « OK, nous savons en quelque sorte quels sons de batterie nous voulons choisir. Une émotion peut être votre boussole. Tu es du genre : « Tu sais quoi ? Je veux danser des chansons, mais je veux que ce soit nostalgique Cela peut donc être votre boussole. Tu dis : « OK, jusqu'à ce que j'aie ce sentiment, je sais que je n'en suis pas encore tout à fait là. Ce qui est intéressant, c'est que Kendrick Lamar, pour l'un de ses albums, a réuni tous les producteurs dans une pièce et joué tout un tas de chansons de référence Ils écoutaient donc beaucoup de terre, de vent et de feu et d'autres vieilles chansons des années 70 pour vraiment mettre tous les producteurs et auteurs-compositeurs de bonne humeur . Okay, nous incorporons ce son plus ancien dans le rap moderne, et ce sera une fusion de sons vraiment cool Donc, mettre tous les collaborateurs sur la même longueur d'onde, organiser une soirée d'écoute, s'imprégner de la même ambiance OK, quelle est l'ambiance qu'ils recherchent ? Tout assimiler aide vraiment tous les membres de votre équipe à savoir ce que vous recherchez Et même si vous êtes seul, il est important d'avoir une vision. Supposons que vous débutiez et que votre vision ne soit pas claire, je parie que vous en avez probablement une. Je parie que tu connais le genre de musique que tu aimes et que tu veux écouter. Et c'est utile parce que c'est comme si, d' accord, vous aimez le rap, vous voulez faire du rap. Donc tu écoutes du rap, tu parles de rap. Tu écoutes tes amis qui font peut-être du rap, et tu te dis : « OK, c'est ton objectif. Tu es en train de composer une chanson de rap. Facile. Vous savez exactement quel est votre objectif. Maintenant, tout ce que vous avez à faire est de faire les démarches pour y arriver ou de créer une chanson de danse, une chanson pop ou une chanson indie ou quoi que ce soit d' que vous aimez, c'est probablement votre vision, même si ce n'est pas encore une pensée totalement consciente. 29. Les bases du mélange partie 1: Dans cette leçon, nous allons parler du mixage. Nous allons parler des bases du mixage, et je vais vous expliquer ce que c'est. En gros, si vous produisez votre chanson, le mixage est la dernière couche, le gloss final qui rend le tout plus cohérent, plus homogène, et c'est la dernière étape pour que votre chanson soit professionnelle. Alors plongeons-nous directement dans le vif du sujet. Le mixage vise à faire en sorte que votre chanson sonne bien ou qu'elle soit compétitive dans le genre. Pour s'assurer qu'aucune pièce ne marche sur une autre. Il s'agit de trouver un équilibre entre tous les éléments de votre chanson. C'est dans ce domaine que vous allez effectuer les derniers réglages, et c'est là que vous allez donner à votre chanson un son compétitif. mixage peut vous mener bien loin dans le terrier du lapin, mais nous allons nous en tenir aux éléments les plus basiques et essentiels qui peuvent donner vos chansons un son professionnel le plus important du mixage est donc le volume. Gagne la mise en scène. Nous en avons déjà parlé, mais c'est la partie la plus importante. Viennent ensuite l'égalisation, la compression, le panoramique, le retard, réverbération, l'adoucissement et un signal Passons à cet exemple de rythme. Dans ce beat, nous avons une section de répartition comme celle-ci. Ici avec le sillon entier, puis cette partie. C'est un rythme assez simple. Mais comme vous pouvez le constater, c'est dans cette section que nous avons le plus d'informations. Il est donc logique de commencer le mixage là où le morceau est le plus complet. Si vous avez régulièrement une chanson de type pop dans une publicité, vous devriez peut-être commencer à mixer le refrain Si vous avez une piste de danse, vous devriez peut-être commencer à mixer le drop. Vous voulez essentiellement mixer la partie la plus importante de la chanson, assurer qu'elle sonne aussi bien que possible, vous assurer qu'elle sonne aussi bien que possible, puis créer toutes les autres parties. Oui, le son est aussi bon que possible, mais soutenez également la partie que vous essayez de faire briller le plus. Alors, qu'est-ce que le mixage ? Comme je l'ai dit, la partie la plus importante du mixage est d'obtenir le bon volume. Alors écoutons ça. Et pour les besoins de cet exercice, désactivons simplement les plug-ins que j'ai ici parce que ces plug-ins me permettaient de mixer avant cela, et je veux tout faire à partir de zéro ici. OK. Alors, écoutons ça. Donc, comme je l'ai dit, le plus important est le volume. Ainsi, lorsque vous ne faites que jouer votre rythme, vous voulez voir si vous entendez tout, comment vous voulez l'entendre. Tu entends la guitare ? Tu entends les tambours ? Chaque tambour. Tu entends la basse ? K. Et en gros, ça sonne plutôt bien. Je pourrais peut-être entendre ces caisses claires un peu plus fort. Mais je pense qu'en général, ça sonne plutôt bien. Alors peut-être que nous allons simplement monter ces caisses claires d'un D B. Donc, ce que je pourrais faire ici, c'est regrouper les caisses claires afin que je n'aie qu'un seul mouvement ici au lieu de les déplacer toutes les deux en volume Voyons donc si cela sonne mieux. Ça a l'air plutôt bien. Je pourrais aussi peut-être entendre notre base un peu plus fort. C'est donc notre piste de base ici. Et peut-être que nous allons simplement aller ici et l'augmenter d'un V. Nous remarquerons que nous y déformons Donc, même si je voulais entendre cette échelle, nous allons devoir trouver un autre moyen d' obtenir l'échelle des basses parce que cela se déforme, et nous ne voulons pas qu'elle se déforme Maintenant, nous avons essentiellement le volume de tous les différents éléments de notre chanson, plus ou moins là où nous le voulons. Mais nous nous souvenons que nous voulons trouver un autre moyen de rendre ces basses plus fortes. La prochaine chose que je ferais était de créer des égaliseurs. Passons donc à l'EQ huit, et commençons par cette guitare Remarquez que je travaille parfois en solo et que j'ajoute des éléments. Moi, j'ai tendance à me concentrer uniquement sur l'élément le plus important. Et il est parfois agréable de travailler en solo, mais n'oubliez pas que votre mix correspond toujours à la façon dont tout sonne ensemble, alors ne restez pas trop longtemps en solo. Nous pouvons constater qu'il n'y a vraiment aucune information bas de gamme en dessous de ce point. Alors, arrêtons-le. Un petit conseil. J'ai l'habitude de couper les basses de tous les éléments de la chanson, à l' exception du kick drum et de la basse pour laisser toute la place au kick et à la basse. À quoi ça ressemble si on y va comme ça ? Ça a toujours l'air plutôt bien. Nous aurons tendance à dépasser tout ce qui se situe autour de 100. Vous ne voulez pas vraiment changer le son parce que nous aimons la façon dont il sonne. Je voudrais donc régler ça ici. Ensuite, je vais essayer de trouver un peu de dynamique ici. Et vous voyez que j'avais déjà cette guitare qui contrôlait la dynamique. Et comme il s'agissait d'une guitare, j'ai opté pour le compresseur à colle, car le compresseur à colle a une sorte de son vintage, et les guitares analogiques existent. J'ai donc pensé que ce serait une bonne combinaison. Et nous ne compressons pas autant. Montrons juste pour vous montrer. Vous pouvez voir que cela sonne plus librement sans ce compresseur. Mais j'aime le fait que cela le rende un peu plus intégré dans le mix. Passons maintenant à notre batterie. Notre batterie et notre base se trouvent sur le même canal, ce qui n'est sans doute pas la meilleure idée, mais c'est ce que nous avons construit ici, donc nous allons nous y tenir. Comme vous pouvez le voir, nous avons une base ici, et nous avons du succès. Couche. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai passé le coup de pied haut parce que je voulais avoir toute la place possible pour la base. Vous pouvez voir à quel point la base est découpée maintenant. C'est tellement plus propre parce que les informations bas de gamme ne se font pas concurrence. Nous pouvons constater que j'ai même dépassé la base, ce qui peut sembler contre-intuitif. Mais ce que nous faisons ici, c'est que vous pouvez voir les résultats de base ici. Et vraiment, il n'y a aucune raison d'avoir quelque chose de plus bas, car c' est le son que nous voulons entendre. Et lorsque vous éliminez tout excès de son, vous concentrez vraiment le son exactement là où vous voulez l'entendre. nous nous déformons un peu, Mais nous nous déformons un peu, il va donc falloir le supprimer Donc ça sonne plutôt bien. Mais comme nous étions confrontés à ce problème de distorsion, je vais en fait dupliquer ce morceau. Et ce sera le point de départ, et ce sera la base. Donc, dans ce morceau, je vais désactiver notre base. Et dans ce morceau, je vais désactiver notre coup de pied. Nous ne pouvions donc pas augmenter le volume ici, mais nous pouvons augmenter le volume ici, ou du moins je l'espère. Remarquez à quel point cela était déformé, ce n'est pas le cas. C'était donc la meilleure façon de monter la base. Le voulons-nous encore plus fort ? Cela dépend de ce que vous recherchez. Cela dépend maintenant, je pense que le genre que vous voulez dépend du volume que vous voulez donner à cette base. C'est pourquoi le référencement est important, mais nous en reparlerons dans une seconde Bonjour. 30. Les bases du mélange partie 2: Nous égalisons notre coup de pied, mais je voudrais ajouter un peu de compression juste pour vraiment le coller en place Commençons par ce compresseur acoustique. Vous pouvez voir à quel point cela fonctionne un peu mieux maintenant. Et ça sonne plutôt bien pour le moment. Nous allons laisser cette base non compressée car j'ai tendance à aimer mes sous-bases et mes poids eta C'est le seul élément d' une chanson que je laisserai non compressé Passons à ces pièges, et souvenez-vous que nous pouvons les traiter ensemble, et je voudrais également faire un égaliseur sur leur piste claire Parce que nous n'avons besoin d'aucune de ces informations ici. a l'air plutôt bien. C'est ce qu'on appelle un compresseur Soft Snare Voyons à quoi cela ressemble. En fait, ça sonne plutôt bien. Baissons encore plus le ton. R. Cela sonne vraiment bien. OK. Maintenant, faisons un égaliseur et un compresseur pour notre chapeau haut Nous pouvons nous débarrasser d'une grande partie des informations haut de gamme. Et ça ressemble toujours à un chapeau haut. Pouvons-nous aimer ça ? Parfois, il faut régler quelque chose et on y revient. Mais rien de ce qui a disparu ne me manque vraiment. Et en général, si vous ne le manquez pas, vous avez simplement moins d'informations qui se font concurrence. Allons donc voir quel compresseur nous pourrions vouloir utiliser ici. Pourrais-tu essayer cette légère compression ? Enfin, nous avons notre avis, et j'ai désactivé ce délai de filtrage juste pour vous montrer à quoi cela ressemblerait Il est clair que nous aimons ce son. Cela veut probablement quelque chose comme ça. J'aime que ce son soit un peu plus plein, mais voyons s'il est aussi haut de gamme. C'est sympa de baisser un peu le haut de gamme, peut-être. Je veux dire, ça sonne bien. C'est très subtil. Vous pouvez y aller dans les deux sens. Essayons maintenant de maintenir le compresseur vocal principal. Aaa. Ça me plaît. Maintenant que les choses sont un peu plus maîtrisées et que vous vivez mieux avec un peu d'égalisation et de compression, parlons un peu de panique Donc, dans un mix, vous ne voulez jamais vraiment que tout soit au même endroit, et vous ne voulez vraiment pas que tout soit au même endroit Le milieu ou zéro, ici, le S pour le centre. C'est le point d' or de l'immobilier. C'est le roi de la récolte. C'est l'endroit le plus puissant car le volume est le même partout. Gauche, droite, milieu. Donc, ici, vous voulez mettre votre élément le plus important. Vous voulez avoir votre batterie, votre caisse claire, votre basse et votre voix principale ou votre son principal Ce sont les seules choses qui devraient rester entre les deux. C'est une chanson assez simple. Et c'est bien de ne pas avoir tous ces éléments importants entre les deux. Déplaçons donc le coup vers la gauche, excusez-moi, vers la droite. Nous allons déplacer celui de base vers la gauche. Déplacer la base ou en botter un, c'est bien, mais il ne faut vraiment pas déplacer ces éléments plus loin que cela. Cela nous permettra de garder notre piège au milieu. Pour ce qui est de nos chapeaux hauts, on peut s'en tirer comme ça. Et notre guitare. Notre guitare est vraiment notre élément principal, et Cemetery est plutôt sympa, alors peut-être que nous allons prendre le dessus. Et maintenant, nous avons notre piste de cris. Cela se fait tout seul. Mais peut-être allons-le simplement vers la gauche. Nous pouvons maintenant parler de réverbération. Les pistes claires ont donc tendance à avoir leur propre réverbération dédiée. Allons donc chercher une réverbération claire. Nous voyons qu'il existe un préréglage clair qui pourrait être bon. Une pièce en bois pourrait être une bonne chose. Une chambre noire pourrait être une bonne chose. Une salle de batterie pourrait être une bonne chose. Désactivons les options et auditionnons très rapidement. Et lorsque vous essayez une réverbération, envoyez-la jusqu'au bout pour que vous puissiez vraiment entendre ce que vous écoutez C'est quelque chose ? C'est peut-être plus conforme. C'était vraiment difficile à entendre. Ce n'est pas si mal. Je n'ai pas vraiment aimé le premier. Écoutez ce dernier. Donc pour ce morceau, je choisirais peut-être cette chambre en bois. Et comme nous en avions discuté auparavant, nous allons commencer par E Q avec ce point à 300 et ce point à 7 000 Et maintenant nous allons baisser. Parce que j'aime ce son plus sec ici. Voyons voir quoi d'autre pourrait nécessiter de la réverbération. Nous avons nos chapeaux hauts. Ba Ba. Et peut-être que notre guitare a besoin de révérence, peut-être. En fait, je ne savais pas que notre chambre était si grande. R. Alors, est-ce que nous aimons l'idée de la réverbération sur notre guitare Il y a quelque chose de sympa cette étiquette, ce piège Mais ça l'est vraiment aussi. Et si au lieu de cela, nous le mettions dans un délai ? Cela ne fonctionne toujours pas vraiment, et j'ai préféré ce son de réverbération Alors, prenons cette réverbération. Copions cet égaliseur ici. Et essayons simplement de réduire un peu la réverbération . Maintenant, retirons l'envoi. Vous pourriez le faire d'une autre façon, qui n'est pas la bonne, mais il n' y a pas de mauvaise façon de le faire. Envoyez-le jusqu'au bout et éteignez-le ici. Donc, descendre à -15 est similaire à ceci. A. 31. Les bases du mélange partie 3: Maintenant, c'est l'heure d'un peu d'édulcoration. Que pouvons-nous faire pour que cela sonne un peu mieux ? C'est le moment idéal pour prendre votre voiture et colorier. Essayons ce saturateur ici sur la base, et nous essaierons un peu plus chaud Nous allons essayer d'échauffer les basses fréquences. Cela fait une énorme différence. J'ai dit « échauffement », « coups d'échauffement », traîner accidentellement » les aigus d' échauffement. Écoutons. Cela semble vraiment bien, mais cela a augmenté le volume de notre base. Tournez le soft. En fait, c'est mieux si on l'enlève. Maintenant, abaissons légèrement la base pour compenser. Peut-être un de plus. Eh bien, peut-être que ça m'a plu. Que pourrions-nous faire d'autre ? Je voudrais peut-être aussi mettre de la couleur sur notre guitare. S'il s'agit d'un compresseur, vous voulez probablement que la distorsion passe avant le compresseur. Un favori. Ça a l'air plutôt sympa. Et remarquez qu'il faut beaucoup activer et désactiver l'effet que vous venez appliquer pour vous assurer que vous aimez le son. Je voudrais aussi ajouter peut-être de la distorsion ou quelque chose comme ça à notre batterie. Alors essayons peut-être l'un d'entre eux. R. R. J'aime bien la façon dont ça sonne, mais ça devient un peu agressif avec ce haut. Peut-être que nous allons passer à cette dynamique multibande ici et simplement compresser un peu le haut de notre coup de pied. Et faisons-le par ici. R. R. Ça a l'air plutôt bien. Peut-être voulons-nous également compresser nos chapeaux hauts de la même manière. Oh, ici, nous pouvons voir que nous nous déformons un peu. C'est peut-être ce qui se passe. J'aime la façon dont cela semble plus contenu et honnêtement un peu plus silencieux Du foin. Donc ça sonne plutôt bien. Vous pouvez y aller et peut-être ajouter une certaine modulation de hauteur, essayer un peu de chorusing, peut-être Ensemble de guerre à la guitare. Voyons ce que cela signifie. Ce n'est pas vraiment l'ambiance de cette chanson. Baissons le ton. C'est juste un rapide mix de ce rythme que je faisais, juste pour vous montrer à quoi ressemble mon processus. Le processus est itératif. Et honnêtement, parfois, vous vous asseyez et chaque mouvement que vous faites est le bon Vous prenez simplement le bon train, si vous voulez, et toutes vos décisions se transforment en quelque chose que vous aimez Et parfois, vous vous asseyez et vous faites fausse route. Et c'est bon. Et lorsque vous prenez du recul, exportez votre chanson, écoutez-la dans vos écouteurs, allez vous promener, revenez et écoutez vos morceaux de référence. Nous y reviendrons dans une seconde. Et parfois, vous vous rendez compte, vous savez quoi, que ça sonnait mieux avant, et vous le supprimez et vous recommencez. Et c'est totalement très bien. N'ayez pas l'impression de devoir utiliser cette version parce efforts pour mixer quelque chose que vous faites des efforts pour mixer quelque chose. Chaque décision que vous prenez est influencée par chaque décision que vous prenez. Alors, comment commencer à construire votre maison selon votre modèle, si vous partez sur bases précaires ou si ce n'était pas la bonne base, et que vous construisez le reste de votre maison là-dessus Parfois, vous aurez besoin de redémarrer complètement. Et c'est tout à fait normal. Cela s' est produit tellement de fois. Mais la plupart du temps, tu t' assois, tu vas réussir, tu t'en rapproches et tu seras vraiment contente de ce que tu as fait. Lors de la prochaine leçon, nous parlerons un peu plus du mixage et du mastering 32. Les bases du mastering partie 1: Vous avez donc produit votre chanson, vous l'avez mixée. Maintenant, la touche finale s' appelle Mastering. Passons directement au mastering. Maintenant, les bases du mastering, c'est la touche finale. C'est la fin. C'est la dernière chose que tu vas faire. C'est pour que votre chanson sonne bien sur tous les appareils. Parce que si vous y réfléchissez, les gens écoutent de la musique sur les AirPods, les gens écoutent de la musique dans les voitures, les gens écoutent de la musique dans les clubs, les gens écoutent de la musique sur ordinateur ou les haut-parleurs d'iPhone Tous ces haut-parleurs ont des capacités différentes de reproduction du son n'y a pas de base sur les haut-parleurs de l' iPhone, mais vous voulez tout de même que votre chanson sonne aussi bien que possible. Sur un haut-parleur iPhone et dans le club. Donc, en gros, le mastering consiste à essayer de faire en sorte que votre chanson sonne bien partout. Vous pouvez faire du Stem mastering ou du mastering single track. Vous devez atteindre environ moins six ou moins trois sur le bus principal. Et puis j'ai ma liste de plugins de mastering tiers préférés, mais vous pouvez également utiliser Ableton pour les masteriser avec Ableton Native Plugin mais vous pouvez également utiliser Ableton pour les masteriser avec Ableton Native Plugin Voici un mix des miens, et désactivons ma chaîne de mastering et écoutons ce avec quoi nous travaillons ici Et avec vous pouvez Donc, cette chanson sonne plutôt bien, et je pense qu'il est temps de commencer mon mastering C'est donc ma chaîne de mastering, et c'est ce que j'aime utiliser Tout d'abord, j'ai cette composition SSL de Waves, et j'utilise ces paramètres exacts. Ces réglages font sorte que le compresseur fonctionne correctement. Mais cela ne fonctionne qu'un tout petit peu, et ce SSL ne fait que coller à l'ensemble de la piste. C'est la meilleure façon de le décrire. Ensuite, nous avons l'ozone. Et Ozone possède ce bouton d' assistant de mastering sur lequel vous pouvez cliquer, et il utilisera l'IA pour donner à votre chanson un point de départ initial pour le mastering Et honnêtement, cela nous permet d'y parvenir à environ 90 %. Elle a créé cette chaîne EQ parce qu'elle a constaté que j' avais trop de base et que je n'avais pas assez de mythes élevés Ensuite, nous avons eu quelques e Q dynamiques, car cela a décidé que ces points spécifiques étaient parfois un peu trop élevés. Ce qu'est la dynamique e Q, c'est que chaque fois que ce point est trop déclenché, il le fait baisser, mais chaque fois que ce n'est pas le cas, il est renversé. Nous avons cet imageur, que j'ajoute. Cela donne de la largeur à votre chanson. Ensuite, j'adore utiliser Saturn, possède ce préréglage de mastering magique, qui fait vraiment des merveilles dans le bas de gamme Genre, je ne peux même pas expliquer. Enfin, nous avons le limiteur principal, qui provient également d' Bien que vous puissiez utiliser n'importe quel limiteur principal, celui-ci est mon préféré Ces paramètres ne seront probablement pas nécessairement adaptés à votre chanson. Ils changent vraiment radicalement d'une chanson à l'autre, mais vous utilisez l'assistant de mastering pour y parvenir à 90 %, puis vous pouvez modifier légèrement le seuil à partir de J'ai donc veillé à ce que mon mix atteigne environ moins six ou moins trois, puis j'ai mis en place ma chaîne de mastering, et voici ma chanson terminée Et tu peux te contenter de la chaleur. Il est donc très important, lors mastering, d'utiliser des chansons de référence Et vous pouvez simplement faire référence à une chanson de A Bing de Spotify. J'ai ici ce plugin appelé Reference, dans lequel je peux faire glisser des chansons de n'importe où, et j'achète quelque chose sur I tunes, puis je le place dans ce dossier de chansons de référence, puis je peux intégrer ces chansons de référence à ma session. Allons chercher ce qu'il y a ici. Cette chanson aléatoire de Billy Las, cette chanson aléatoire de Polo and Pan. Et nous appellerons ça une bonne chose. Maintenant, nous avons deux chansons dans notre référence, et l' une d'elles correspond à Now we're hearing, Billy. Maintenant, nous entendons. Maintenant, nous entendons. Parfois. Et ce que vous voulez faire, c'est simplement dire : «   OK, oui, les chansons vont avoir un son différent. Mais semblent-ils compétitifs ? Est-ce que ma chanson sonne dans le même univers que Billy Ish ? Et tu dis : « OK, ma chanson sonne un peu plus fort en fait C'est très bien. Côté. Cela ressemble assez à Canopy en ce qui concerne Cope en ce qui concerne la luminosité et les niveaux généraux de tout. Donc, comme ma chanson semble compétitive par rapport à d'autres chansons, je sais que j'ai fait un bon travail de mixage et de mastering J'utilise ces plugins tiers parce que ce sont les meilleurs du jeu, mais je voudrais vous montrer comment vous pouvez utiliser certains plugins de mastering natifs d'Ableton 33. Les bases du mastering partie 2: Vous pouvez mettre votre chaîne de mastering sur votre chanson dans le fichier original Peut-être avez-vous un fichier où vous avez une session de production, puis vous faites une sauvegarde comme pour une session de mixage. Ensuite, vous enregistrez des publicités pour une session de mastering. Cela pourrait être une bonne façon de travailler. Vous pouvez imprimer votre mix en tiges, ce que j'aime faire personnellement. Et puis vous vous retrouveriez avec quelque chose qui ressemble à ceci. Et puis vous êtes prêt pour le mastering, lancez une nouvelle session de nettoyage où , quel que soit le nombre de couches composant ces tiges, vous les avez imprimées jusqu'à six, et c'est vraiment facile de travailler avec Vous pouvez également simplement exporter l' ensemble de votre mix en un seul et le maîtriser. Cela fonctionne également. Maintenant, Ableton, si vous passez aux effets audio, puis aux utilitaires et aux racks d' effets audio, propose des préréglages de mixage et de mastering qui peuvent vraiment vous propose des préréglages de mixage et de mastering qui peuvent vraiment Il y a beaucoup de choses différentes qui se passent ici, et je vous recommande vivement de toutes les explorer. Certains sont juste pour le bus de batterie, autres pour une bande dessinée. Par exemple, vous allez créer un groupe de toutes les guitares ou un groupe de toutes les batteries, et vous les enfilez Ce sont en quelque sorte des niveaux de mixage avant le mastering Pour cette chanson en particulier, j'ai trouvé ces plugins qui sonnaient plutôt bien. Nous pouvons donc les auditionner ici. Côté. Ce n'est pas un mastering ici, c'est un master large et chaleureux. Côté. Cela nous donne instantanément un peu plus d'élan. Nous avons amélioré la stéréo. Côté. Nous avons Master EQ et de la colle. Un s. Et nous avons la chaîne complète du Maître. Un s. C'est peut-être ce qu'il y a de mieux pour moi. Voyons donc ce qu'est le mastering. Le mastering, comme vous l'avez vu dans ma chaîne tierce, ou dans ces chaînes, implique un peu de compression EQ et une certaine limitation C'est essentiellement ce qu'est le mastering. C'est comme si votre chanson avait la basse que vous vouliez, la batterie que vous vouliez et tout ce que vous vouliez. Et comment, au bout du compte. Vous avez juste besoin d'un peu plus de basses ? Tu sais ? Par rapport à d'autres chansons ? Avez-vous juste besoin, comme si vous aimiez la façon dont votre coup de pied repose sur votre base et vos sept points et tout ça, comme «   Au total, je veux juste augmenter le bas de gamme à l' échelle mondiale, ou je veux simplement augmenter le haut de gamme à l'échelle mondiale ». C'est ici que vous le faites. Vous pouvez faire ces mouvements d'égalisation à l'oreille, mais soyez doux Ne vous y trompez pas Si vous devez augmenter quelque chose comme 20 dB ou quelque chose comme ça, vous devez simplement retourner à votre mixage. Il s'agit là d'une touche finale subtile. Mais vous pouvez voir que chacune de ces chaînes a un certain égaliseur Beaucoup d'entre eux ont également une certaine compression. C'est le plus compliqué car nous ajoutons également de la distorsion, ce qui est assez audacieux. L'autre chose que vous verrez qu' ils ont tous est cette limite principale. Honnêtement, le limiteur, le limiteur principal, est la partie la plus importante Si vous n'avez rien d'autre, vous voulez un limiteur principal s'agit donc pas d'une chaîne de mastering complète car elle ne possède pas de limiteur Et pour l'utiliser, vous devez absolument ajouter un limiteur ici. Pourquoi un limiteur principal est-il si important ? C'est parce que rien ne dépasse le plafond d'un limiteur. C'est comme un super compresseur. Et cela signifie simplement qu'aucune partie de votre chanson ne sautera de nulle part et ne fera exploser le haut-parleur. Si vous êtes illimité, vous risquez de faire exploser haut-parleurs si vous jouez en direct ou quelque chose comme ça. Cela n' arrivera probablement pas, mais c'est possible. Le limiteur principal est donc très important pour protéger les haut-parleurs, mais il ne fait que coller vos chansons ensemble Donc, comme pour tout, si vous le faites à l'oreille, j'ai pensé que c'était le meilleur côté. J' utiliserais donc probablement ce paramètre ici. Cela bouge peut-être un peu trop. Je réduirais donc encore l'attaque pour que ce repas soit un peu intéressant ici. Ancienne enseigne. Et je ne sais pas s'il en faut six. Peut-être que c'est le cas. Cela dépend vraiment de vous. Cliquez sur six pour voir combien nous allons ajouter ici. C'est un DB de gain. Donc, tu sais, ça dépend en quelque sorte de toi. La distorsion à laquelle on dirait est absente. C'est beaucoup plus logique parce que, possible de déformer le bus principal, mais c'est un peu audacieux. Donc H, nous avons notre enrouleur principal qui fait vraiment tout cela, abaissez-le un peu plus C'est beaucoup trop. Dans le signe du cool. Éteignez-le lorsque vous êtes en déplacement. Ça a l'air plutôt bien. Donc, si j'utilisais les plug-ins Ableton, j'opterais peut-être pour cette chaîne Vous pouvez évidemment y aller et ajouter quelques effets supplémentaires à celui-ci . Ici, la stéréo améliorée semble assez intéressante. Alors peut-être que nous allons l'activer. Éteignez-le car nous ajoutons déjà des égaliseurs , des compresseurs à colle et des limiteurs. Nous n'avons pas besoin d'y aller trop fort. Allons-y, allumons la chaîne stéréo améliorée et écoutons simplement à quoi cela ressemble. C'est un bon signe. Ça a l'air plutôt sympa. Je choisirais donc probablement quelque chose autour cette chaîne tout en ajoutant cette chaîne stéréo améliorée. Souvenez-vous que j'ai désactivé toutes ces autres fonctionnalités parce que je voulais juste profiter la qualité stéréo améliorée de cette chaîne ici C'est donc ce qu'est le mastering. C'est la touche finale. C'est ce ciment qui unit votre chanson, et c'est vraiment comme si votre chanson ne sonnerait pas très compétitive et complète tant qu'elle ne sera pas masterisée Et quand c'est le boom, vous avez une chanson au son professionnel terminée 34. Activité d'apprentissage Faire votre chef-d'œuvre: Toutes nos félicitations. Vous avez atteint la fin du chapitre consacré à l' arrangement et à la production. Comme vous l'avez peut-être deviné, l'activité pédagogique de ce chapitre consiste à sortir et à composer votre propre chanson. Faites-le à partir de zéro. Cela peut être d'abord une chanson, cela peut être d'abord battu. Vous pouvez d'abord faire de l'harmonie, batterie d'abord, de la basse d'abord, ce que vous voulez. Mais vas-y et crée un morceau de musique original. N'hésitez pas à revoir l'une des leçons pour chacune des étapes spécifiques auxquelles vous vous trouvez pour vous aider à vraiment vous souvenir quelles sont les différentes parties Parce que lorsque vous créez une chanson, il y a beaucoup de choses à retenir, et vous n'allez pas vous souvenir tout le temps lorsque vous créez chaque chanson. Et c'est totalement normal. Beaucoup de choses sont intuitives. Ne vous inquiétez pas de savoir si vous vous êtes souvenu de toutes les étapes de la production, et ne vous en doutez pas. Tu veux juste toujours t'en souvenir ? Est-ce que ça te fait du bien ? Est-ce que ça te rend triste ? Est-ce que cela vous fait ressentir ce que vous voulez qu'il vous fasse ressentir ? C'est toujours le plus important. Mais vas-y, crée ta propre chanson. Ne consacrez pas plus d'une heure à la production. Ne passez pas plus de 30 minutes à écrire les mélodies et les paroles Ne passez pas plus de 30 minutes à mixer et à masteriser. Fixez-vous des limites de temps pour ne pas travailler sur la musique à l'infini Je travaillerai parfois sur une chanson pendant un mois, et je mettrai beaucoup de temps à travailler sur quelque chose, mais je travaillerai aussi sur des choses très rapidement. Et il est important de prendre l'habitude de travailler rapidement car vous ne voulez pas trop valoriser vos idées. Et en fin de compte, plus vous produisez de musique, mieux vous serez. Donc, créer un nouveau rythme tous les jours pendant sept jours fera vous un meilleur producteur que de travailler sur le même rythme tous les jours pendant sept jours. Même si à la fin, vous pourriez vous retrouver avec un meilleur rythme sur lequel vous avez travaillé pendant sept jours contre un nouveau rythme tous les jours. Cela dépend de ce que vous recherchez. Essayez-vous de vous ressourcer ? Essayez-vous de mieux faire de la musique ? Ou êtes-vous au stade de votre chef-d'œuvre et vous vous dites : « D'accord, créons quelque chose et sortons-le ». Deux choses différentes, deux approches différentes. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Quoi qu'il en soit, pour cette activité d'apprentissage, je vous conseille vivement de vous fixer une limite de temps , de composer votre propre chanson fois que vous aurez atteint votre limite de temps , vous aurez terminé, et vous pourrez toujours répéter cet exercice autant que vous le souhaitez. 35. Félicitations !: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Je suis tellement fière de toi et j'ai hâte d' écouter ton projet de cours. Tu peux me dire bonjour sur Instagram ou Spotify chez Benza Maman Et si vous avez aimé ce cours, hésitez pas à consulter mes autres cours de musique sur Skillshare