Transcription
1. Introduction: grande cinématographie est émotionnelle et elle peut vraiment faire
ressentir à votre public tout ce que vous voulez qu'il ressent sur l'histoire que vous racontez. Que ce soit le mystère ou la tristesse, le bonheur, tout se passe. Ce cours consiste à prendre les outils et les techniques de la cinématographie et à les appliquer au contenu vidéo à tous les niveaux. Salut, je m'appelle Oren. Jusqu' à présent, je suis directeur de la photographie, qui tourne principalement des publicités, des clips vidéo, des courts métrages et des longs métrages. cinématographie est un point de vue, c'est ajouter une couche de narration visuelle à n'importe quel sujet que vous tournez. J' ai structuré ce cours ou sous un bloc de construction
vraiment fondamental qui est la mise en place d'une interview. Nous allons éclairer et encadrer cette interview de deux façons différentes et à travers cela, démontrer comment les différentes techniques dont nous allons parler aujourd'hui, peuvent vraiment changer la nature de l'image et imprégner une image avec un contexte émotionnel. Que vous soyez un professionnel ou que vous filmiez des vlogs de vous-même, j'espère que ce cours sera utile à tous ceux qui cherchent à élever l'image qu'ils créent et à l'amener au niveau supérieur. Nous utiliserons des équipements de niveau professionnel, mais vous pouvez appliquer ces techniques avec n'importe quel équipement sur lequel vous tournez déjà. Ma chose préférée dans la cinématographie est juste cette précipitation de pouvoir prendre une image qui est dans ma tête et travailler de l'équipement autour, voir cette image prendre vie sur le moniteur devant moi. J' adore ça. Je suis tellement excité que tu prennes ce cours. Allons plonger dedans.
2. Le pouvoir de la cinématographie: cinématographie est la forme artistique qui consiste à prendre le langage visuel et esthétique et à les appliquer à tout type de contenu visuel vidéo. Parce que c'est une forme d'art, le fait de regarder la cinématographie devrait susciter l'émotion, c'est le but ultime , c'est quelque chose qui m'attire
depuis que je peins et dessinais à l'âge de quatre ans et finalement découvert la photographie puis la vidéographie. Ainsi, la cinématographie a fini par devenir le point culminant de mes intérêts esthétiques en tant qu'enfant. Je pense qu'il y a une hypothèse selon laquelle l'imagerie cinématographique est quelque chose qui est réservée aux films ou émissions de
télévision et qu'il y a une toute autre bande de contenu
vidéo qui n'est pas intrinsèquement cinématographique. Que vous tourniez des interviews de tête d'entreprise,
que travailliez dans des documentaires, que vous filmiez des mariages, que vous réalisiez n'importe quel type de vidéographie, ou même que le tournage d'un vlog ou d'une chaîne YouTube, ou même quelque chose d'aussi simple que faire des vidéos pour Snapchat ou TikTok. Je pense qu'il y a peut-être une hypothèse que ce genre de contenu est distinct du monde des films, des émissions de télévision et du cinéma, mais je ne suis pas d'accord avec cette prémisse et je pense que tout type de contenu vidéo a le potentiel de utilisent des techniques cinématographiques afin d'élever le langage visuel qui y est utilisé pour raconter son histoire. J' ai choisi de structurer ce cours autour de l'éclairage et de l'encadrement d'une configuration d'entrevue, et je choisis cela parce que je pense que c'est une bonne façon de démontrer toutes les techniques dont nous allons
parler d'une manière qui est applicable à tous les différents types de contenu que je viens de traverser. Mon espoir est de pouvoir vous montrer comment vous pouvez prendre quelque chose qui commence neutre, appliquer des techniques cinématographiques, et élevé dans un lieu imprégné d'émotion et de contexte. Dans la configuration des interviews a également relativement peu de variables, nous parlons d'un sujet statique assis dans un endroit tourné à partir d'une position de caméra fixe. Donc, à travers cela, nous sommes en mesure de vraiment nous concentrer sur les
techniques d'éclairage et de cadrage et de ne pas avoir à nous enliser avec d'autres variables qui pourraient compliquer cela. Nous allons commencer ce cours avec un petit aperçu de certains concepts théoriques de la narration visuelle et à partir de là, nous allons aborder la composante pratique d'arriver à l'endroit
, de le délimiter et de décider où nous allons pour mettre en place notre interview. La prochaine étape consistera à encadrer notre sujet et c'est à
ce stade que nous allons prendre nos décisions sur le placement de l'appareil photo, choix de l'
objectif et la relation entre tous ces éléments, le sujet et l'arrière-plan. Une fois que nous aurons déterminé notre cadre, la couche suivante sera l'éclairage et l'exposition. Les deux sont interconnectés et nous en parlerons dans cette classe. Nous allons passer en revue quelques styles différents d'éclairage et montrer comment différentes techniques d'éclairage peuvent vraiment changer l'humeur et les contextes émotionnels de votre image. Puisque nous tournons dans un endroit pratique, nous allons également nous concentrer un peu sur la façon d'utiliser et exploiter la lumière naturelle pour créer vos images. Les deux principaux looks différents que nous allons créer sont un peu plus neutre et commercial, puis un look plus cinématographique ou de mauvaise humeur et à travers le contraste de ces deux styles, sera en mesure de démontrer toutes
les différentes techniques que nous allons suivre dans cette classe. Ce cours s'adresse aux personnes qui créent déjà du contenu dans une certaine capacité et qui ont une compréhension fondamentale de la production vidéo et une compréhension des concepts de base, nous utiliserons des équipements de niveau professionnel, mais ne laissez pas cela vous affecter du tout. Ces techniques peuvent être appliquées à n'importe quel équipement sur lequel vous êtes déjà en train de tourner. Fondamentalement, nous allons vous emmener jusqu'au point où vous appuyez sur Record. Honnêtement, la majeure partie du travail d'un cinématographe se fait à ce moment-là. Nous ne parlerons pas vraiment de l'enregistrement sonore dans cette classe, ni de l'édition ou de tout ce qui se passe vraiment après l'image initiale est encadrée, éclairée et façonnée. J' espère que d'ici la fin de ce cours, vous serez en mesure de prendre les techniques dont nous discutons et de les appliquer à votre propre travail et d'élever l'imagerie que vous créez à un niveau auquel vous êtes confiant et dont vous êtes fier. Je suis vraiment excité de voir comment vous appliquez toutes ces techniques à votre propre travail. Donc, si vous suivez le cours ou que vous l'avez déjà pris
et que vous avez commencé à appliquer ces techniques à votre contenu, montrez-moi. Téléchargez vos cadres dans la galerie de projets afin que nous puissions tous partager et voir ces techniques en action. Ensuite, nous allons commencer par
un petit aperçu de certains éléments de la narration visuelle.
3. Planifier votre projet: Avant de déterminer le style visuel, je dois poser quelques questions logistiques afin de déterminer à quoi nous avons affaire. Donc la première question est, qui est le sujet que nous filmons ? De quoi vont-ils parler ? Quel est le texte réel du contenu que nous allons créer ? La prochaine question portera sur l'emplacement. Où filme-t-on cette interview ? Quels éléments sont déjà en place avec lesquels je peux améliorer ou travailler par rapport aux éléments que je vais devoir
apporter pour créer l'aspect visuel que je veux. Une autre question que je dois poser est la suivante : quel est le budget ? À quoi avons-nous accès en termes d'équipement ? À quel genre de lentilles vais-je avoir accès ? Quel genre de lumières ? Est-ce que je vais être en mesure d'obtenir une variété, ou dois-je m'en tenir à quelque chose de plus minimal et façonner la lumière naturelle plutôt que de pouvoir apporter unités d'éclairage supplémentaires pour vraiment créer un look ? Avoir un budget bas ne limite pas vraiment les choix stylistiques que vous pouvez faire. C' est vraiment juste d'être en mesure de
connaître les équipements spécifiques auxquels vous aurez accès. Toutes les techniques dont nous allons parler dans cette classe sont réalisables à n'importe quel niveau budgétaire et avec n'importe quel type d'équipement. Après avoir passé ces questions de base, alors c'est le travail du directeur de la photographie de poser la dernière question qui est, quel est le style général que je veux imprégner de ce tournage ? Il y a un certain processus de pensée que je traverse
pour déterminer ce que je veux que ce style soit. Ce processus de pensée est quelque chose qui découle directement du contenu que je tourne, et des enjeux émotionnels que je veux élever
ou mettre en évidence lors de la création de l'imagerie qui accompagne le sujet. Par exemple, vous pouvez voir que les images de ce documentaire que j'ai tourné sont assez neutres. Le documentaire porte sur un sujet très simple. Ces entrevues sont toutes menées avec des experts ou des personnes qui présentent des informations
factuelles plus simples sur le sujet du documentaire. Donc, vous pouvez voir que le style d'éclairage dans ces interviews est assez neutre, et c'est ce que je qualifierais d'aspect plus commercial. Dans ce projet, en revanche, nous interrogeons un sujet qui parlait de la poursuite de la perfection, et nous voulions donner au style visuel de la pièce
une qualité esthétique reflétant le contenu de ce qu'il était parler. C' est pourquoi nous avons choisi ce genre de look d'humeur ou plus cinématographique pour cette interview parce que nous avons pensé que le contraste élevé et la précision de l'imagerie, ainsi que l'utilisation du noir et blanc, ont
vraiment contribué à démontrer les sujets qu' il parlait de réaliser dans l'entrevue. Pour ce projet, où nous avons interviewé le casting et l'équipe du film Glass, nous voulions vraiment donner aux images un style visuel qui rappelle le film lui-même. Diverses techniques cinématographiques et un regard plus dérisoire et cinématographique ont été appliquées afin de lier le style visuel de ces interviews à celui du film lui-même. Une fois que vous avez une
idée du style visuel que vous pensez approprié pour un projet dans votre tête, l'étape suivante consiste à vraiment communiquer ces idées avec le reste de votre équipe. Que vous travailliez avec un réalisateur ou un client, vous voulez partager ces idées et objectifs pour que tout le monde soit sur la même page, et vous allez dans votre projet avec une idée vraiment solide de ce que vous allez créer, comment il va Ecoute, et pourquoi tu fais ça comme ça. Parfois, l'idée de la personne gagnée de l'humeur ou cinéma est différente de l'idée d'une autre personne, et le partage d'images de référence de projets préexistants est un excellent moyen d'obtenir simplement sur la même page, et assurez-vous que votre visions qui sont alignées. ne sont donc que quelques exemples de la façon dont et de la raison pour laquelle j'ai pris certaines décisions sur les techniques visuelles et l'esthétique à appliquer à différents projets. Je ne veux pas que quelqu'un s'éloigne de cette classe en pensant qu'il y a un moyen correct ou correct d'allumer et d'interviewer d'une façon ou d'une autre, mon espoir est vraiment plus de simplement démontrer une variété de techniques, mais je vous encourage à vraiment aller là-bas et expérimenter par vous-même, mélanger et assortir. Parfois, vous pouvez vouloir utiliser intentionnellement une certaine esthétique
afin de mettre en évidence un contraste entre le sujet et le style visuel. Parfois, vous pourriez vouloir mélanger les choses et changer un peu les choses autour. n'y a vraiment pas de moyen correct, ou une façon de le faire, je pense que tout se passe et le composant clé entendre est juste de s'amuser et d'être créatif. Ensuite, on va parler d'équipement.
4. Équipement indispensable: Ces techniques peuvent vraiment être appliquées à n'importe quel niveau de prosumer ou d'équipement de qualité professionnelle. Il y a un certain seuil d'équipement auquel ces techniques ne seraient pas applicables. Nous allons discuter de l'utilisation de différentes longueurs focales. Pour appliquer ces techniques, vous devrez vous assurer qu'au niveau de base, vous disposez d'un appareil photo avec des objectifs interchangeables, qu' il
s'agisse d'un reflex numérique ou d'un appareil photo sans miroir, ou d'une vidéo de niveau prosumer caméra. Quoi qu'il en soit, tant que l'appareil dispose d'une monture d'objectif où les objectifs peuvent être échangés, vous êtes bon. Pour les besoins de cette classe, nous utiliserons un Sony FS7 avec un zoom Fuji 18-55 millimètres. objectifs zoom par rapport aux objectifs principaux sont une distinction importante à faire ici. Nous utilisons un zoom pour les besoins de cette classe, juste pour démontrer rapidement les différents effets des longueurs focales. Mais les techniques actuelles dont nous discuterons peuvent être appliquées aux objectifs principaux ou aux objectifs zoom. Du côté de l'éclairage, nous allons utiliser une variété de lumières
LED pour obtenir les différents looks. Pour suivre cela, vous aurez besoin d'un minimum de trois types de lumières différents. Ils n'ont pas besoin d'être un éclairage de niveau professionnel ou personnel. Certains éléments peuvent utiliser des lumières que vous pourriez avoir simplement couché autour de votre maison ou de votre emplacement comme des lampes, des
ampoules, des lanternes, des fenêtres, des lampes de travail, n'importe quoi du tout. Les points à retenir ici sont le placement, la mise en forme et le contrôle de la lumière par opposition aux unités d'éclairage elles-mêmes. Je vais supposer une compréhension de base de l'éclairage à trois points. Si vous n'êtes pas familier avec ce concept, il y aura un lien dans les ressources de la classe. Nous allons également tourner notre interview de démonstration avec l'utilisation d'un trépied. Ce n'est pas nécessaire. Ces techniques peuvent être appliquées à n'importe quel type de mouvement de caméra, vous filmez quelque chose qui est un peu plus à portée de main ou un pistolet de course, ou une entrevue formelle. Quoi qu'il en soit, ne laissez pas le trépied vous monter. Ce sont vraiment les essentiels dont vous aurez besoin pour suivre. Nous allons utiliser d'autres pièces d'équipement qui sont peut-être un peu plus du côté professionnel. Vous n'en avez pas besoin pour créer
ces techniques, mais je les traiterai quand même au fur et à mesure que nous y arriverons, et il y aura une liste complète de l'équipement dans les ressources de la classe. Donc, si vous suivez, prenez n'importe quel équipement que vous avez et nous allons
sauter à la prochaine partie de la classe sur place.
5. Évaluer votre site: Donc nous sommes ici à notre emplacement. Skillshare a trouvé cet endroit pour nous. C' est un endroit typique de New York City. Je n'ai pas encore été ici, donc nous allons y entrer pour la première fois et je vais passer la liste de contrôle que je passerais en arrivant à un endroit pour un tournage. Si vous avez la chance de repérer votre emplacement avant votre tournage, c'est quelque chose qui peut être vraiment utile. Fondamentalement, cela vous permet de sauver le processus que je suis sur le point de
passer en ce moment pour un moment avant vos tournages, sorte que lorsque vous arrivez réellement le jour, vous avez déjà passé beaucoup de la liste de contrôle mentale que je suis sur le point de traverser en ce moment. Si vous n'avez pas l'occasion de repérer vos emplacements à l'avance, comme si je n'avais pas encore eu la chance de voir l'espace, il est bon d'essayer d'arriver à votre emplacement probablement environ 3-4 heures avant votre tournage prévu, juste pour vous assurer que vous avez le temps de tout
faire, de prendre les décisions que vous devez prendre, mettre en place votre équipement, puis assurer que vous êtes prêt à aller pour votre tournage réel. C' est ici, alors voyons ce que nous avons. Donc, nous sommes ici à notre emplacement et a l'air vraiment agréable. Beaucoup de lumière naturelle que je peux déjà voir. Donc la première chose que je vais faire est juste d'essayer de neutraliser l'éclairage ici autant que possible pour le ramener à la lumière naturelle qui pénètre par les fenêtres. Donc, cela nous démarre dans une position neutre et
naturellement éclairée qui nous donne juste ce que la pièce elle-même fournit. Donc ça a l'air plutôt bon. Beaucoup de grandes fenêtres, de la lumière naturelle, tout
ceci est de bonnes choses qui vont entrer en jeu alors que nous essayons de trouver où mettre en place notre configuration d'entrevue réelle. Donc, ce sera la prochaine étape maintenant, c'est explorer l'espace et trouver où vous voulez mettre en place votre photo et votre cadre réels. C' est une décision assez importante et quelque chose qui vaut la peine de prendre du temps et d'explorer. Donc, pour ce faire, je vais utiliser une application de viseur appelée Artemis. J' ai prédéfini cette application avec les paramètres de l'appareil photo et de l'objectif sur lesquels nous allons tourner aujourd'hui. Donc, ce que je peux faire est juste de choisir une longueur focale générique, quelque chose de assez large, juste pour que je puisse vraiment voir l'espace, et puis je vais juste commencer à marcher autour et à regarder quelques options différentes de l'endroit où réellement mettre en place notre cadre. Donc c'est le mur blanc, ce sont les mauvais angles. Donc ça ne va pas vraiment marcher pour nous. Je veux dire, même en essayant de marcher ici encore, c'est un potentiel, mais le fond va toujours être assez plat avec ce mur blanc qui remplit notre cadre. Donc, au lieu de cela, je vais me concentrer sur la recherche d'un angle qui fonctionne avec ce coin de la pièce, juste parce que ces fenêtres vont vraiment être ce qui ajoute beaucoup de profondeur et de fond à ce plan. Donc cette fenêtre ici est décente, mais ce bâtiment d'en face n'est pas aussi agréable. Je pense que l'angle final est probablement quelque part par ici. Maintenant encore une fois, il n'y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de le faire,
c' est vraiment plus sur l'intuition et juste faire confiance vos propres valeurs esthétiques et à votre instinct afin de trouver quel cadre vous pensez est juste le plus esthétique. Pour moi, je commence à atterrir dans un endroit comme celui-ci où je suis fondamentalement aligné avec le mur arrière, mais je reçois un petit pic de fenêtre sur le côté droit du cadre juste par ici aussi, et je pense que voir ajoute beaucoup de volume et de profondeur à la pièce. Je pense qu'on va finir par mettre en place notre cadre juste ici. Une autre chose que nous devons examiner est l'électricité et la disponibilité de l'énergie dans l'espace puisque nous allons installer des lumières, nous voulons nous assurer que nous pouvons tout alimenter. Donc, une chose que vous voulez faire est juste de faire un glissement rapide de la pièce et de chercher les prises de courant. Je vois que cet espace en a en fait un bon nombre. Il y en a un ici, il y en a un qui sera dans le cadre basé sur le cadre que nous avons dispersé. Donc je vais probablement éviter celui-là. Il y a une autre prise de courant ici, donc il y a beaucoup d'options. Donc, cet espace est assez bien alimenté. Nous ne rencontrerons aucun problème avec l'électricité dans un autre espace ou quoi que ce soit. Donc, après avoir parcouru l'espace et trouvé notre cadre, l'étape suivante est de le mettre en place sur notre appareil photo.
6. Styliser l'espace: Maintenant que nous avons décidé où nous allons installer notre cadre,
nous devons le faire, et placer notre caméra dans cette position, et commencer à décider de notre distance focale et de l'emplacement de la caméra, afin de mettre notre image sur ses pieds. Cette caméra est placée d'une manière que nous
décririons comme étant juste tombée du camion. Ce que cela signifie, c'est qu'il est juste placé à l'endroit où nous nous sommes fixés dans notre leçon précédente, mais je n'ai pris aucune décision concernant la distance focale réelle, la taille, la hauteur, ou tout autre emplacement spécifique de la caméra. Nous l'avons juste mis ici pour commencer à obtenir une image, et voir ce que nous devons faire à partir de là pour obtenir notre ensemble d'images final. Donc, la première chose que je vais faire est de commencer à mettre en place et à concevoir un peu de placement des meubles et ce qui est appelé mise-en-scène, qui se réfère au placement des objets devant la lentille, comme nous commencer à construire notre image. Donc notre principale question est où va s'asseoir notre sujet d'entrevue ? Ils vont avoir besoin d'une chaise ou d'une sorte d'objet pour s'asseoir, afin d'être à l'aise tout au long de l'entrevue. L' autre chose que je vais faire est de commencer à regarder les accessoires et les objets de fond, et essayer de les arranger
d'une manière qui me semble un peu plus esthétique. Il y a quelques drapeaux rouges dans cette image qui se démarquent déjà pour moi, que je veux aborder. Je n'aime pas les haut-parleurs dans le coin ou ces chaises bleues, le bâton contre le mur, je vais bouger, et l'autre pièce que je n'aime pas ici, c'est le climatiseur dans la fenêtre. Donc, comme ça va être un peu plus difficile à bouger, nous allons simplement utiliser certains de ces accessoires pour le cacher, afin que nous puissions nous assurer que dans notre image finale nous allons pouvoir nous concentrer sur notre sujet sans avoir distrait par des objets laids en arrière-plan. Avant de faire quoi que ce soit d'autre, je vais juste déplacer certains de ces trucs et mettre notre cadre dans un endroit un peu plus esthétique. Donc, la première chose que je vais faire est juste de sélectionner une de ces chaises et de le faire, à propos de l'endroit où je pense que l'interview va finir, et puis Lucas pourquoi ne pas prendre ces chaises bleues et nous pouvons juste les nettoyer, et ensuite nous va prendre cette statue aussi. Maintenant que c'est vide, je vais juste ajuster certains de ces trucs autour d'un peu. En fait, j'aime beaucoup ce mobilier, donc nous allons le laisser comme arrière-plan, mais je vais juste bouger quelques trucs depuis que nous avons enlevé cette chaise, cela ne me semble plus pertinent, probablement déplacer cette table comme Et puis le climatiseur, je vais voir si juste déplacer ça fait ce que je veux. Alors que vous faites ces changements, je veux juste revenir à votre caméra et vérifier. Le côté droit du cadre me semble un peu vide. Donc ce que je vais faire, c'est déplacer tout
le salon mis en place dans cette zone. J' ai réalisé que certains d'entre vous travaillent en solo, c'est tout à fait correct. J' ai juste un coup de main juste pour faire avancer le processus un peu, et m'assurer que je peux me concentrer sur l'enseignement de la leçon. Ce processus n'est pas scientifique du tout, son purement esthétique, il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon d'organiser une pièce. Littéralement, il suffit de regarder le moniteur et de juger par le goût ce qui est équilibré et uniforme, et de s'assurer qu'il n'y a rien dans l'image qui soit super distrayant ou qui se démarque. Maintenant, il est temps d'apporter notre sujet d'entrevue, et de commencer à décider où placer notre appareil photo.
7. Mise en place de votre caméra: Les choix que nous allons faire en ce moment sont de déterminer notre distance focale et la hauteur de notre caméra. Fondamentalement, décider quelle est la relation avec le placement de la caméra par rapport à l'endroit où le sujet sera assis. C' est Denali. Merci de nous rejoindre aujourd'hui. Denali va être assis et modéliser comme sujet d'entrevue. Alors pourquoi ne pas aller de l'avant et prendre un siège ici, et je vais commencer à déplacer la caméra et commencer à prendre nos décisions de cadrage. La principale décision que vous allez prendre lors de l'élaboration d'un plan comme celui-ci est, quelle est notre taille de cadre et comment pouvons-nous encadrer nos sujets ? Allons-nous être dans un plan moyen, un gros plan, ou quelque chose d'un peu plus large ? Habituellement, pour un entretien assis comme celui-ci, je vais par défaut à quelque chose de moyen. Je ne veux pas être trop loin du sujet, mais je ne veux pas non plus être dans un gros plan parce que je pourrais perdre un peu de langage corporel ou quelque chose comme ça. Cela dit, il y a beaucoup d'exemples d'entretiens qui ont été mis en place et qui sont encadrés comme un large, comme nous l'avons mis en place comme ça. C' est juste quelque chose d'un peu différent et un peu plus audacieux, ce qui est génial si vous voulez faire ça, et ça marche pour ce film. Mais on va aller chercher quelque chose d'un peu plus neutre pour celui-là. La première chose que je veux démo par rapport à la taille de l'image est de choisir notre longueur focale. Par conséquent, le cadrage d'un sujet avec un objectif grand angle par rapport un médium neutre ou un téléobjectif aura une incidence
significative sur la façon dont son visage est rendu à l'écran,
et sur la façon dont son visage est rendu à l'écran affecte la façon dont nous, le public, percevons ce sujet. Donc, la première chose que je vais faire est de m'assurer que ma lentille est réglée sur la distance focale la plus large, qui sur cet objectif est de 18 millimètres, puis je vais aller de l'avant et cadrer un plan moyen de notre sujet avec le 18 millimètres. Alors voyons à quoi ça ressemble. Super. Donc j'ai un peu verrouillé la caméra. Vous pouvez voir comment le cadrage d'un médium sur un objectif grand-angle change peu
la dynamique entre vous et le sujet de l'entrevue. La caméra et moi-même, le [inaudible], assez proche du sujet. Vous pouvez voir un peu de l'arrière-plan. La caméra sent qu'il a une proximité avec le sujet comme, nous le public sont vraiment dans l'espace avec elle. Il y a un sentiment d'intimité qui est créé avec cela. Une chose à garder à l'esprit si vous choisissez d'encadrer cette approche est en raison de la proximité entre la caméra et votre sujet, vous devez vous assurer que votre sujet d'entrevue est à l'aise avec la caméra étant si proche. Si vous filmez Vlog ou un contenu impliquant vous-même ou quelqu'un que vous connaissez est à l'aise avec les caméras et l'équipement, cela ne devrait pas être un problème. Mais si vous tirez sur une personne réelle qui n'est peut-être pas habituée à être à la caméra, cela peut parfois rendre une personne légèrement inconfortable. Assurez-vous donc que vous avez communiqué vos objectifs avec le sujet de votre entrevue et que tout le monde est sur la même page savoir où tout est en relation les uns avec les autres. Donc, c'est un grand angle moyen. Donc maintenant, je vais sauvegarder l'appareil photo et nous allons cadrer la même taille d'image, mais sur un objectif plus serré juste pour souligner les différences entre les deux. Donc c'est le même cadrage que nous avions avant, sauf que cette fois nous sommes sur un objectif de 55 millimètres sur notre zoom. Donc, la taille de la monture est la même que notre 18 millimètre, mais en tournant avec le 55 millimètre, ce qui est vraiment plus d'un neutre à téléobjectif, vous pouvez voir combien cela change la dynamique entre le sujet, le caméra, et l'arrière-plan. C' est quelque chose qui se sent beaucoup plus, peut-être enlevé, un peu plus clinique, peu plus propre et propre, et neutre. L' arrière-plan est plus déplacé. Nous avons donc une profondeur de champ moins profonde parce que nous tournons sur une distance focale plus étroite, et nous voyons également moins de l'arrière-plan parce qu'une focale plus étroite réduit l'angle de vue que l'objectif est capable de capturer. Une autre chose que les lentilles plus serrées feront est, elles vont compresser le sens de la perception de la profondeur. Donc, si vous comparez ce cadre au cadre de 18 millimètres, dans le cadre de 18 millimètres, vous pourriez sentir une distance beaucoup plus grande entre le sujet et l'arrière-plan. Donc, ce que cela fait est en fait crée un sens plus exagéré de la profondeur et des contrastes entre le premier plan et l'arrière-plan avec votre cadrage. Cinquante millimètres et plus, l'effet que vous allez obtenir avec la perception de fond est la distance entre votre sujet et votre arrière-plan va se sentir plus comprimé. Pour les besoins de cette démonstration, je vais choisir une distance focale qui est à peu près entre ces deux extrêmes. Donc je vais atterrir sur 35 millimètres focale. Je veux quelque chose de plus large que cette distance focale pour que je puisse voir un peu plus de l'espace. Mais je ne veux pas nécessairement la proximité pleine sur grand angle que nous avons obtenu avec 18 millimètres. Donc, à partir de notre position de 55 millimètres, je vais juste marcher un peu plus près de la caméra juste pour compenser mon décalage et la distance focale, puis à partir d'ici, il va zoomer sur notre objectif et atterrir sur environ 35 millimètre. Maintenant, juste niveler la tête du trépied, ajuster notre pan et incliner ici jusqu'à ce que je trouve le cadre que nous voulons.
8. Cadrage du sujet: L' une des prochaines choses que nous allons devoir déterminer, c'est ce qui est le contour de notre sujet. Une option est de simplement demander à Denali de regarder directement dans la caméra. Si mon sujet regarde directement vers la caméra, je vais probablement choisir le cadrage centré,
comme ça, juste pour lui donner un sens de l'équilibre. Maintenant, si j'ai un intervieweur qui est assis à côté de la caméra, le contour de
Denali va être juste sur le côté. Si c'est le cas, ce que je vais faire est de cadrer ce plan, comme ça. Cela a tendance à ouvrir le contour des yeux et juste créer une image qui se sent un
peu plus ouverte et équilibrée lorsque le contour des yeux de votre sujet regarde sur le côté. Cette composition est basée sur le principe de la règle des tiers. J' ai Denali encadré sur notre troisième verticale gauche. Si vous n'êtes pas familier avec ce concept, nous disposerons d'un lien vers d'autres informations dans les Ressources de classe. Une chose que je vois un peu dans les interviews, c'est un peu trop de marge de manœuvre. Cela peut même être quelque chose de tout à fait subtil et il n'y a rien de mal intrinsèquement. C' est juste, pour moi personnellement, se sent un peu déséquilibré. Une autre chose qui arrive souvent est, vous pourriez encadrer votre sujet avec pas assez de marge de manœuvre, ce qui n'est pas mal, mais il y a juste quelque chose qui se sent un peu déséquilibré d'avoir le visage de votre sujet cette près de la partie supérieure du cadre. Donc, je vais juste atterrir quelque part en plein milieu, sorte que le haut de mon cadre soit juste au-dessus du haut de ses cheveux, sans lui donner trop d'espace d'une façon à l'autre. Je suis assez content de ce cadre, mais je voulais juste démontrer une autre chose qui pourrait vraiment changer la dynamique de votre image et c'est la hauteur de l'objectif. ce moment, j'ai mon objectif réglé uniformément avec la ligne oculaire de Denali, mais juste pour montrer comment cela peut affecter l'image, je vais aller de l'avant et rester sur la caméra et vous montrer à quoi elle ressemble d'un angle plus élevé. Conventionnellement, cela est utilisé dans le cinéma pour transmettre une position de puissance sur quelque chose ou un personnage se sentant faible. Ce n'est normalement pas quelque chose que nous voudrions faire dans une configuration d'interview, mais juste pour que vous sachiez comment cette technique est utilisée au cinéma, c'est une façon de l'implémenter. Alors maintenant, nous allons démo un tir à angle bas sur le personnage. Ce qu'un tir à angle faible a tendance à faire est de créer un sentiment de puissance ou de contrôle dans votre sujet, il rend votre sujet grand et cadre, confiant, puissant, créant un angle qui a un peu plus d'énergie dynamique pour lui, par
opposition à une tête neutre sur l'angle. Donc, c'est juste pour montrer comment vous pouvez utiliser différents angles. Nous allons revenir à un angle plus neutre, juste pour cette démonstration. Donc, nous avons réglé notre angle neutre. J' ai tendance à placer la lentille légèrement au-dessus de la ligne oculaire du sujet. Cela tend à donner à votre sujet un angle légèrement plus flatteur tout en conservant un sentiment de neutralité pour la composition globale. Donc, je suis assez satisfait de ce cadre et maintenant nous pouvons passer à l'étape suivante qui est l'ajout de notre éclairage.
9. Réglages initiaux de la caméra: Deux autres choses que nous devons mettre sur notre caméra avant de commencer à introduire notre éclairage sont notre exposition et notre balance des blancs. Le réglage de la balance des blancs de l'appareil photo permet essentiellement à l'appareil savoir dans quel environnement de lumière de température de couleur il enregistre. balance des blancs, comme tout le reste, est un choix créatif que nous pouvons faire. Évidemment, différentes balances des blancs affecteront l'image et l'humeur qu'elle crée et les émotions qu'elle pourrait susciter chez votre public. En ce moment, j'ai l'appareil photo réglé à 3 200 Kelvin, ce qui est une balance des blancs plus proche de la température de couleur de la lumière tungstène. Parce que cet endroit est entièrement éclairé par la lumière naturelle en ce moment, cette lumière du jour, qui fonctionne à une température de couleur beaucoup plus fraîche, est très bleue sur le moniteur. Cela crée évidemment une image qui se sent beaucoup plus mélancolie ou sombre, mauvaise humeur, sombre, émotionnelle, sombre. Il y a beaucoup d'émotions différentes que vous pouvez attribuer à ce genre de look et cela pourrait être quelque chose que vous allez pour. Pour ce tournage, je vais aller de l'avant et fixer notre balance des blancs à 5 500 Kelvin. C' est assez proche de la balance des blancs de la lumière naturelle qui est ici. Par conséquent, l'image sur notre moniteur semble plutôt neutre. Nous pouvons voir leurs tons de peau et leur arrière-plan ont tendance à correspondre à ce qu'ils ressemblent en réalité, parce que nos caméras sont configurées pour correspondre à la balance des blancs de la lumière qui se trouve dans l'espace écrivent maintenant. La prochaine chose que nous allons régler, c'est l'ouverture de notre objectif. Cela va affecter quelques choses, d' abord et avant tout l'exposition. Je vais avoir un peu plus d'exposition
dans la démonstration d'éclairage, mais pour l'instant, nous allons aussi nous concentrer sur l'autre élément que le f-stop va ajuster, qui est la profondeur de champ. Juste pour montrer comment les arrêts F vont affecter notre profondeur de champ, je vais aller de l'avant et augmenter l'ISO sur cette caméra, puis commencer à arrêter l'objectif à environ cinq, six. Donc, en ce moment, vous pouvez voir cette image est à
peu près la même exposition que notre image précédente, j'ai boosté l'ISO, ce qui ajoute un peu de grain dans l'image. J' ai tendance à tourner des interviews sur une ouverture plus large. C' est précisément dans le but d'éviter ce scénario où le contexte détourne l'attention du premier plan. Donc, ce que je vais faire est de réduire notre ISO et d'ouvrir notre objectif jusqu'à 2,9. Ce que vous pouvez voir, c'est jeter notre arrière-plan hors de notre point de
vue et nous assurer que notre attention est sur notre sujet au premier plan. L' un des outils que vous allez vouloir utiliser pour contrôler votre f-stop sont les filtres ND. Cette caméra dispose de filtres ND internes intégrés. Je peux les parcourir ici et vous pouvez voir quand je les retire, combien plus de lumière cette caméra est en train de voir par rapport à ce que j'enregistre. Donc, nous allons aller de l'avant et ajouter cela à nouveau. Avec les caméras qui n'ont pas de ND internes, ce que vous allez vouloir utiliser nos
ND filtrantes en verre que vous pouvez placer devant votre objectif. Sur les objectifs photo fixes, ils
ont tendance à se visser sur le devant, et sur les objectifs de cinéma comme celui que nous utilisons ici, ces filtres à filtre en verre vont juste aller directement dans la Mapbox. Un outil d'exposition que je veux nous
présenter avant de plonger dans la démonstration d'éclairage est la principale façon dont je vais juger l'exposition pendant que nous continuons cette classe, et ce sera l'outil de fausse couleur. fausse couleur est un outil interne de surveillance de l'exposition qui peut être trouvé parfois intégré dans certains modèles de caméras ou certains moniteurs. Ce que la fausse couleur fait, c'est qu'elle prend essentiellement un échantillon de l'image entière et mappe différentes régions de l'image sur l'échelle IRE. L' échelle IRE est l'échelle qui juge l'exposition d'une image numérique de zéro, c'est-à-dire le noir complet, à 100, ce qui signifie le blanc complet. Les valeurs que nous allons regarder ici dans cette image sont,
nous pouvons voir beaucoup de bleu, ce
qui, comme nous pouvons le voir sur l'échelle d'exposition, est fondamentalement juste au-dessus de la sous-exposition totale. Une autre couleur que nous voyons beaucoup ici est le vert. Green atterrit à environ 40 IRE, ce qui est essentiellement l'endroit où nous allons vouloir des valeurs précises pour atterrir. Donc nous reviendrons à ça quand nous apporterons notre éclairage. Mais pour l'instant, je veux juste changer les choses juste pour vous montrer à quoi ressemble la surexposition. Donc je vais aller de l'avant et enlever notre filtration ND de la caméra, ou vous allez voir à quoi ça ressemble. Voilà donc à quoi ressemble notre image sans filtration ND et nous pouvons voir que nous avons beaucoup de régions de ce cadre qui sont blanc chaud. C' est ce que nous appelons « soufflé
», ce qui signifie que nous perdons des informations. Si nous passons à la fausse couleur, nous pouvons le voir en action. Donc, toutes ces zones blanches brillantes du cadre sont en rouge,
ce qui, comme le montre l'échelle, signifie que nous atteignons le scellement des niveaux IRE 100, ce qui
signifie que nous perdons toutes ces informations et ne pas les enregistrer. Donc, la chose principale que je regarde quand je regarde la fausse couleur est de m'assurer qu'il n'y a pas de rouge dans mon image. Cela me donne la confiance de savoir que la caméra enregistre
vraiment toutes les informations là-dedans, et que je vais avoir la flexibilité en post-production pour peut-être déplacer quelques valeurs dans le grade de couleur ici et là si J'en ai besoin. Donc je vais aller de l'avant et ajouter ces filtres ND
à nouveau et nous pouvons commencer à voir ce rouge disparaître. Super. C'est là que nous avons laissé les choses, revenant à la vue normale. Maintenant, nous pouvons passer à l'étape suivante, qui consiste à ajouter à notre éclairage et ces outils d'exposition vont
revenir en jeu une fois que nos lumières auront atteint le terrain.
10. Réglage de la lumière de base: Maintenant que nous avons défini notre cadre et nos paramètres, il est temps de commencer l'éclairage. Donc, nous allons commencer par nous concentrer sur notre lumière clé, qui va être la lumière principale qui fournit l'éclairage pour notre sujet. Nous allons faire la démonstration de quelques versions différentes d' une lumière clé juste pour montrer quelques looks différents, jusqu'à ce que nous atterrisions sur quelques différentes versions que je vais
commencer à suivre pendant que nous passons dans le reste de la démo. Tout d'abord, on va mettre en place un feu dur. Pour ce faire, nous allons utiliser cette ouverture 120D. Il s'agit d'une lampe LED dure. Assurez-vous juste que tout est réglé, nous allons aligner sur notre acteur, puis je vais juste atterrir par ici et ensuite nous allons aller de l'avant et le frapper. Donc, lors de l'éclairage, la première chose que nous allons faire est assurer que ma lumière est à sa puissance maximale. Donc, je me suis assuré que le gradateur ici est réglé à 100 pour cent. Maintenant, je vais revenir surveiller ici et commencer à voir ce que cela a fait. Ce que nous pouvons voir avec cet éclairage, c'est que la lumière dure crée des ombres très dures. Encore une fois, cela pourrait être un choix créatif que vous allez faire. En termes d'exposition, une fois que j'ai ma lumière allumée, je vais juste revenir à notre fausse couleur et voir où j'atterris. Donc, je peux voir que mon phare ici commence à lire un peu de vert, qui est exactement ce que je veux. Je veux que cette lumière clé s'installe autour de 40 IRE, et encore une fois, il n'y a pas de moyen correct ou incorrect d'exposer cette image, je l'utilise juste comme point de référence à mon niveau de goût personnel. Je viens de découvrir au fil du temps que j'ai tendance à aimer la lumière à ce rapport, mais à la fin de la journée, le choix est à vous. Voilà à quoi ressemblera une lumière dure. Une chose que je peux faire pour améliorer le look dur est d'augmenter un peu l'angle de la lumière. Allons-y et restons sur ça, et ça rendra l'angle de la lumière un peu plus flatteur. En fait, je peux aussi voir la lumière dans le reflet en arrière-plan. Donc on va continuer à rester jusqu'à ce que ce soit hors de cadre. Parfait. Donc, je l'
utiliserais peut-être si mon sujet est quelque chose de très dramatique ou mystérieux, si quelqu'un parle d'un mystère, d'une enquête, ou quelque chose comme ça. Je pense que c'est un regard que vous voyez dans beaucoup de vrais documentaires sur le crime et des trucs comme ça. Une fois que nous aurons vu cela, je vais aller de l'avant et éteindre cette lumière et nous allons
passer à notre lumière de touche douce, qui va être quelque chose d'un peu plus dans la gamme de ce que je cherche personnellement ici . Ce que j'ai fait est d'échanger la lumière clé contre un LiteMat 4 qui est une lumière LED douce. Fondamentalement, la façon dont il fonctionne est essentiellement juste un tableau de diodes LED. Vous pouvez voir les lumières individuelles ici. Lorsque ces lumières sont réunies sous ce matériau de diffusion, elles finissent par créer cette belle, même douce exposition qui en découlera. Une fois que j'ai installé mon éclairage clé, l'étape suivante consiste à déterminer où je veux le placer. L' angle de la lumière va affecter l'humeur qu'elle inflige à la scène
et la façon dont nous percevons et nous connectons à notre sujet émotionnellement. Donc maintenant, j'ai atterri à cet angle de 45 degrés. Je vais revenir là-dessus, mais d'abord, portons la lumière autour du côté pour qu'elle soit parfaitement parallèle à Denali. Continuez, continuez. Parfait, puis il suffit de l'incliner loin de la fenêtre pour que je puisse encore voir le reflet de la fenêtre. Donc je vais juste l'incliner pour qu'on ne le voie plus. Parfait. En fait, diviser la différence là, l'
incliner un peu en arrière juste pour que ce soit plus sur elle. Super. En ce moment, la lumière vient directement du côté de Denali et nous pouvons voir que cela crée un regard assez dramatique. La qualité de la lumière est toujours agréable et douce. Il y a une grande atténuation du côté de la lumière au côté obscur. Donc c'est vraiment une différence entre la lumière douce et la lumière dure que nous avons rétrogradé avant est la transition de la lumière à l'obscurité est beaucoup plus agréable, beaucoup plus douce, et beaucoup plus douce sur le visage, ce qui finit par créer quelque chose qui se sent un peu plus neutre, un peu plus accueillant. Mais en termes de placement, notre lumière est un peu sur le côté. Ce que cela fait, c'est rend le côté sombre du visage assez contrasté. Nous allons continuer à bouger notre lumière et ce que je cherche maintenant, c'est quelque chose qui s'appelle le triangle de Rembrandt. C' est donc une bonne ligne directrice pour vous aider à trouver un emplacement pour votre lumière clé, qui est vraiment neutre, mais aussi très esthétique et crée une très belle atténuation de la lumière, quelque chose que j'utilise un peu pour trouver un placement spécifique pour ma lampe clé. Donc ce que nous allons faire, c'est commencer à amener cette lumière autour, et ce que je cherche c'est un triangle de lumière qui se forme sous l'œil gauche. Donc c'est tout juste là. Maintenant, marchons ça un peu juste pour l'exposition, puis marchons un peu vers la gauche. Donc encore une fois, ce que je surveille ici, c'est cette petite zone ici. C' est le triangle sous l'œil gauche. Donc ça m'a l'air très bien. Allons de l'avant et balançons cette lampe un peu vers la droite juste pour qu'elle soit parfaitement face à elle. Excellent, super. Je vais juste glisser vers ma fausse couleur et voir où nous atterrissons. Donc, c'est lire un peu en dessous où je veux qu'il vive. Je veux voir un peu plus vert ici, alors commençons à marcher ça dans un peu. Super, c'est plutôt bon. Maintenant, cela pourrait être quelque chose de très viable pour un look d'entreprise ou d'entretien commercial plus traditionnel, mais ce que je veux démo maintenant est quelque chose d'un peu plus naturel et un peu plus moodieux, et la façon dont nous vont atteindre ce qui est juste en adoucissant la lumière encore plus. douceur de la lumière est vraiment un facteur de la taille de votre source par rapport à sa distance par rapport au sujet. Fondamentalement, plus la source est grande et plus elle est proche
de votre sujet, plus la lumière sur le visage de votre sujet sera douce et plus elle tombera. Qu' est-ce que vous voulez penser, c'est quel point une source de lumière peut être enveloppée et
enveloppée autour de mon sujet afin de créer la lumière la plus douce possible. Donc, pour ce faire, nous allons utiliser du matériel de diffusion. Il y a tellement de types différents de diffusion, mais sur le plateau aujourd'hui nous avons ce qu'on appelle la mousseline. C' est mon morceau de diffusion préféré. C' est essentiellement un tissu épais qui adoucit la lumière avec une qualité si grande. Donc ce que je vais faire maintenant, c'est essentiellement placer ceci
devant notre lumière clé de manière à ne pas empiéter sur notre cadre. Ce que cela va faire est essentiellement d'agrandir la taille de notre source de lumière et de créer une lumière beaucoup plus douce sur notre sujet. Donc on vient de mettre notre mousseline. Nous avons ajouté notre couche de diffusion entre notre lumière et notre sujet, vous pouvez voir ce qui est fait est juste vraiment adouci la
chute entre le côté lumière et le côté ombre du visage de Denali. Les ombres ici sont à peine présentes. Il y a juste une transition vraiment, vraiment progressive et un dégradé de la lumière à l'obscurité. Essentiellement, ce qui se passe ici, c'est que j'ai rendu cette source lumineuse bien plus grande. Ce cadre de diffusion est maintenant la source de lumière. Donc la lumière qui est derrière le cadre n'a pas vraiment d'importance. Ce qui importe, c'est la taille de la source elle-même par rapport au sujet. Donc, en ce moment, nous avons pris une source d'environ quatre pieds de large, qui est la largeur du LiteMat, et nous l'avons transformée en une source de lumière de huit pieds de large par huit pieds de haut. Donc, pour moi, c'est ce que je
cherche habituellement quand j'allume dans des interviews mises en place comme ça,
cela me semble très naturaliste et très réel, qui sont des qualités que je cherche habituellement quand j'allume une installation comme celle-ci. Donc l'étape suivante est que j'ai placé cette source. J' aime la qualité de celui-ci, mais je peux déjà dire à mon oeil que cela ne
me donne pas assez de sortie et si je glisse vers notre fausse couleur, nous pouvons voir que le côté clé ici
n'est pas vraiment avoir beaucoup d'exposition nous sommes sous-exposés sur les vêtements de Denali ici. Je veux voir un peu plus de texture ici et je veux trouver un moyen d'équilibrer
un peu notre premier plan et notre arrière-plan afin que nous puissions mettre nos niveaux d'exposition et les oubliés en fonction de ce que nous avons fait en arrière-plan. Donc, maintenant que notre lumière clé est devenue cette grande pièce de diffusion, je peux essentiellement ajouter plus d'unités derrière elle afin d'augmenter l'éclairage global qui sort du matériel
de diffusion et d'atterrir sur notre sujet. Donc, ce que nous allons faire maintenant est d'ajouter une lumière supplémentaire. Nous allons revenir à notre ouverture 120 que nous utilisions auparavant pour montrer la lumière dure et simplement ajouter à côté de notre LiteMat pour doubler l'exposition de notre lumière clé. Voyons comment ça se passe. Super. Donc je peux commencer à voir que là où j'avais beaucoup de bleu dans les manches ici, je récupère beaucoup d'informations qui me manquaient là-bas. Donc maintenant en regardant cette image ici, cela à mon œil me semble très agréable et très équilibré. Je pense que nous avons fini dans un bon endroit où nous avons un excellent équilibre entre le premier plan et l'arrière-plan. Le placement et la directionnalité de notre lumière clé sont doux, naturalistes, esthétiquement agréables. L' atténuation et le gradient entre la lumière et obscurité se sentent vraiment agréable et naturel et nous sommes dans un bon endroit pour ajouter notre éclairage supplémentaire afin de construire le reste de notre look.
11. Ajout de la lumière d'appoint: Nous avons fini de régler notre éclairage clé et nous sommes satisfaits du placement, de la qualité et de la luminosité. Alors maintenant, il est temps de regarder le reste des éléments de notre cadre, et de voir si nous avons besoin d'ajouter un éclairage supplémentaire afin de changer la dynamique autour. Donc ce cadre pour moi est assez agréable, c'est naturel, mais le côté ombre du visage de Denali tombe assez brusquement dans l'obscurité. Vous pouvez voir sur notre fausse couleur, que nous contournons le bord de la sous-exposition dans le côté ombre de son visage. Afin de contrer ces ombres sombres, nous devons ajouter ce qu'on appelle soit une lumière de remplissage, soit une lumière ambiante. La raison pour laquelle je préfère le terme « lumière ambiante » est que je pense
parfois qu' il y a une idée fausse avec le terme « lumière de remplissage », que cette lumière est une unité qui doit frapper votre acteur de la même manière que votre lumière clé est. Dans beaucoup de configurations d'éclairage à trois points qui remplissent la lumière est mis en place de cette façon. Mais je trouve que cet arrangement est parfois aussi un peu trop sourceux,
et que vous pouvez sentir la directionnalité et l'artificialité de cette lumière de remplissage. Donc, la façon dont j'aime éviter cela est de traiter la lumière de remplissage comme un niveau de lumière ambiante qui élève la lumière globale dans toute la pièce
plutôt que quelque chose qui frappe spécifiquement mon acteur. Donc, une astuce rapide que j'aime utiliser pour augmenter le niveau de lumière ambiante global dans une pièce, est de faire briller une lumière directement dans le plafond de l'espace dans lequel nous sommes. Donc, nous allons apporter ce panneau lumineux LED un par un et le placer juste à gauche de notre sujet. Tout ce qu'il va faire est juste de soulever les niveaux d'ombre globaux sur Denali et d'augmenter le niveau ambiant de l'espace dans son ensemble. Alors rapportons-le un peu plus près. Super. Cool. Allons-y, [inaudible]. Super. Donc c'est sans la lumière de remplissage et vous pouvez voir maintenant que les ombres ici un peu plus dures, la chute est un peu plus nette, et avec la lumière allumée, vous pouvez voir ces ombres se remplir et la chute devient un peu moins prononcé, le visage devient un peu plus plein. La lumière de remplissage est quelque chose que j'utiliserais normalement dans une installation
d'éclairage plus commerciale ou neutre. Donc, je vais revenir rapidement à notre lumière clé juste pour démontrer l'effet global de ce look avec et sans lumière de remplissage. Ce que nous allons faire pour cela, c'est juste faire apparaître rapidement la diffusion et ensuite remettre le cadre sur le tapis lumineux. Donc, dans notre installation commerciale neutre, la lumière de remplissage va jouer un rôle un peu plus important, contrebalancer la saucisse de notre lampe clé. Allons de l'avant et éteignons la lumière de remplissage d'ici. Vous pouvez voir que sans elle, notre lumière clé ici a une directionnalité très spécifique à elle, et la chute entre la lumière et l'ombre est assez dure et rapide. Lorsque nous ajoutons la lumière de remplissage, au fur et à mesure qu'elle s'allume, vous pouvez simplement voir ces ombres se remplir
progressivement et cette chute devient un peu moins prononcée au fur et à mesure que nous allons. C' est comme ça que je placerais un peu de lumière de remplissage dans un look plus neutre ou commercial. Ce que je veux faire maintenant très rapidement est juste de démontrer à quoi ressemble la lumière de remplissage directement sur le sujet juste pour vous montrer la différence entre les deux. Allons-y et laissons tomber ça et nous viserons Denali. Vous pouvez l'amener un peu à la frontière, parce que ce que nous faisons avec c'est vraiment remplir les ombres. Donc nous voulons nous assurer qu'il peut creuser tout
le chemin dans le côté de sa joue et s'assurer qu'il remplit tout ça. Maintenant, avec notre lumière pointée directement sur notre sujet, nous pouvons voir que lorsque nous commençons à ajouter du remplissage, il devient très rapidement dans une gamme d'être assez perceptible. Vous pouvez même voir le reflet de celui-ci sur le dessus de son front et du nez, vous pouvez voir qu'il crée une ombre
supplémentaire l'autre côté de son nez qui contrecarre la lumière clé. C' est un regard que j'essaie vraiment d'éviter. C' est très contre nature et très sourcieuse. C' est pourquoi j'ai tendance à garder notre lumière de remplissage comme une ambiance globale plutôt que quelque chose qui vise directement notre sujet. Même si j'abaisse un peu les niveaux, on peut se retrouver dans un rapport un peu plus naturel, mais je peux encore voir une ombre supplémentaire sur le côté de son nez que je ne trouve pas très agréable. Pour un look plus moodieux, j'ai tendance à ne pas utiliser de lumière de remplissage du tout. En fait, dans certains cas où j'ai beaucoup de lumière ambiante naturellement dans un espace, j'utiliserai ce qu'on appelle remplissage négatif afin de réduire niveaux de lumière
ambiante qui pourraient
rebondir sur certaines des autres surfaces dans l'espace. Donc je vais aller de l'avant et faire une démonstration aussi rapide juste pour vous montrer ce que ça fait. Donc, pour cela, revenons simplement à notre grande
lumière de la clé source douce et nous allons tuer notre lumière de remplissage et apporter le remplissage négatif afin de le contrebalancer. Les niveaux ambiants ici sont assez bas, donc l'ajout de cet équipement ne changera pas trop notre image. Mais je veux juste montrer comment utiliser remplissage
négatif juste pour montrer les usages de celui-ci et je pense que cela pourrait affecter un peu l'image. Alors allons-y et sortons ça. Nous apporterons ce C-stand. Ce que nous allons ajouter maintenant, c'est un drapeau de disquette quatre par quatre. Encore une fois, c'est quelque chose que vous pouvez faire avec n'importe quel matériau solide, c'est juste un tissu noir foncé. Ce que ce remplissage négatif fait,
c'est qu'il enlève la lumière ambiante qui rebondit du plafond ou du mur à gauche de notre sujet. créant à cet angle et assurez-vous qu'elle ne soit pas touchée par trop de lumière ambiante venant du haut, et la partie disquette toute lumière ambiante qui pourrait venir par le côté. Dans cet espace spécifique et parce qu'il fait une journée nuageuse, nos niveaux ambiants sont déjà assez bas. Mais si c'était une journée beaucoup plus lumineuse et ensoleillée, nous pourrions avoir beaucoup plus de lumière qui rebondissent autour de la pièce ici que nous pourrions vouloir abattre afin de créer un peu plus de contraste dans son image. J' ai juste tendance à me sentir un peu plus naturaliste, un peu plus cinématographique,
et certainement un peu plus lunatique puisque vous laissez vraiment
les niveaux d' ombre de votre image exister dans cette obscurité, zone ombragée, où vous perdez vraiment de l'information, et c'est bon. Pour un regard d'humeur ou cinématographique sur ma fausse couleur, j'aime voir beaucoup de bleu parce que cela me dit que mon image a beaucoup de contraste en elle, que mes zones d'ombre sont vraiment sombres et chez ces noirs sont riches. Donc, le dernier élément de l'éclairage que nous allons toucher est le rétroéclairage ou la lumière de bord.
12. Finition avec rétro-éclairage: Maintenant, nous allons ajouter l'élément final de notre éclairage, et ce sera un rétroéclairage. Pour un look commercial ou corporatif, ou pour une interview documentaire, rétroéclairage ou la lumière de cheveux peut être un excellent moyen de faire sortir votre sujet de l'arrière-plan de votre photo, de créer une séparation entre le premier plan et attirez l'attention sur votre sujet pour vous assurer que votre public se concentre vraiment sur eux, et il suffit d'ajouter une couche du tibia esthétique à votre image qui élève juste et styliser un peu. Donc nous sommes dans notre look commercial neutre en ce moment. Nous allons juste ajouter notre rétro-éclairage à cela juste pour lui donner cette couche supplémentaire de pop. Pour cela, nous utilisons un tube isolé, qui est un petit tube LED alimenté par batterie. Une chose que je veux mentionner est que vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel type d'unité pour un rétroéclairage. J' aime juste celui-ci pour sa petite taille et son profil bas. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel type d'unité tant que vous pouvez le monter de manière pouvoir le placer derrière votre sujet afin que le support sur lequel il est monté n'empiète pas dans votre cadre. Alors allons-y, et frappons-le, et on va le ramener à 100 %. Encore une fois, nous voulons toujours allumer notre lumière à son niveau le plus brillant, juste pour que nous puissions la mettre en quelque sorte à partir de là. Donc, à 100 % de luminosité, nous pouvons voir ce que la lumière des cheveux ajoute déjà à notre cadre ici. Ça crée juste une belle séparation entre notre sujet et notre contexte. En fait, je vais le modifier un peu, je pense que ça pourrait être encore plus brillant. Alors allons de l'avant et approchons le plus près de notre sujet, puis abaissons-le également dans le cadre, juste pour qu'il soit juste hors cadre, et juste en nous donnant notre maximum de lumière pour les cheveux. Continuez à descendre, vous êtes toujours dehors, et juste il y a du bien. Allons-y et commençons à marcher le tout vers la droite. Donc, il ne va pas être placé exactement derrière elle, mais un peu sur le côté juste pour qu'il commence à attraper l'épaule. Donc, ce que cela fait est de créer un joli contrebalancé entre la lumière clé et le rétro-éclairage. Le rétro-éclairage n'est pas placé exactement derrière sa tête, mais un peu sur la gauche,
juste pour qu'il attrape le bord de l'épaule ici et les cheveux aussi, créant ce joli sentiment de profondeur et de séparation. Juste pour montrer à quoi ça ressemble sans, continuons et éteignons-le. Donc c'est sans, et puis revenons-le juste pour que nous puissions voir ce qu'il ajoute. Parfait. Donc, vous pouvez voir comment ça attrape l'épaule, la lumière des cheveux, et ramasse un peu de la chaise sur laquelle elle est assise aussi. C' est essentiellement là que j'appellerais ça fait. Toutes nos unités sont placées, nos niveaux sont fixés. Nous aimons notre composition globale et notre exposition, et je serais prêt à tourner à partir d'ici. Donc la première chose que nous allons faire pour
revenir à notre look plus moodieux est d'éteindre le rétro-éclairage. Nous allons trouver une position différente pour ça, et réinitialisons le reste de notre éclairage juste pour retourner à l'endroit où nous étions avant, et ensuite nous pouvons partir de là. Donc, pour un look plus moodieux ou plus cinématographique, j'ai tendance à trouver des lampes de cheveux comme nous l'avons
mis en place pour que le look commercial soit un peu artificiel et antithétique à tout
le style naturaliste de ce plus look cinématographique. Cela dit, il y a un moyen que j'aime jouer une lumière de bord qui ajoute un peu plus de volume et de profondeur à la prise de vue sans compromettre l'esthétique globale. Donc, ce que nous allons faire, c'est déplacer notre lumière de cheveux sur le côté, installer notre C-stand verticalement, puis faire tourner nos lumières pour qu'il fasse face à notre sujet. Alors on voudra probablement le rapprocher un peu de moi. Il peut être un peu en face du matériel de diffusion. Donc, ce que nous avons fait ici est essentiellement pris l'unité qui jouait comme notre lumière de cheveux, et l'a placée à côté de notre lumière clé comme une source plus lumineuse, plus petite et plus difficile. Ce qu'il fait, c'est en fait créer un peu d'extension de la lumière clé autour du côté opposé du visage et en quelque sorte d'augmenter le contraste entre le côté ombre du visage et le côté lumineux du visage. C' est un ajout subtil, mais ce qu'il fait est juste d'ajouter un peu de volume supplémentaire, et un peu d'accroche de lumière de cheveux et de lumière de bord qui donne juste à l'image entière un petit bord supplémentaire minuscule qu'elle n'
aurait pas si nous ne faisions qu'éclairer avec notre grande lumière clé. Donc, une des choses que je voulais essayer d'ajouter à ce look d'ambiance ou cinématographique est de voir si je peux jouer une lumière de cheveux ou un rétro-éclairage, qui se sent un peu plus naturel, et organique, et qui correspond à cette esthétique globale. Donc, ce que nous allons faire est de prendre notre deuxième ouverture 120D, qui est notre lampe LED dure, et de la placer dans l'arrière-plan de coin hors écran, comme s'il jouait motivé à partir d'une fenêtre en arrière-plan qui est juste hors de la caméra. Donc, ce qu'on va faire est d'incliner cette lumière, et de la coller un peu. Je veux qu'il attrape certains des meubles en arrière-plan aussi bien être. L' idée ici étant que nous jouons cette lumière comme si elle venait d'une des fenêtres qui sont hors écran ici. Dans l'esprit du look naturaliste ou cinématographique, j'aime que tout l'éclairage soit motivé pour que rien ne soit artificiel, ce
qui brise l'illusion de cette esthétique plus naturaliste. Maintenant que nous avons frappé notre lumière, je peux commencer à voir quels éléments fonctionnent et quels éléments doivent encore être ajustés. J' aime la façon dont il joue sur l'épaule droite de Denali, et j'aime comment il illumine la table derrière elle, le sol et donne tout un peu plus de texture. Il y a des choses que je n'aime pas autant. Nous allons donc utiliser certains des outils dont nous disposons pour contrôler certaines choses qui ne fonctionnent pas aussi bien. La première chose est que la lumière que nous avons ajoutée est de remplir ce canapé un peu plus que ce que je voudrais. Donc, ce que nous allons faire, c'est juste utiliser les portes de la grange pour s'assurer
que cette lumière ne remplit pas vraiment le côté gauche de son cadre, c'est parfait. Une autre chose qui ne fonctionne pas tout à fait dans ce cadre en ce moment avec l'élément que nous avons ajouté est, la lumière est un peu trop faible dans l'angle d'approche. C' est une sorte d'effacer notre image que vous pouvez voir en haut à gauche ici. Donc la première chose que nous allons essayer de faire pour contrer cela est d'élever la lumière et de changer son angle. Donc, en fait, nous allons reculer un peu vers le bas, et ensuite nous allons rester un peu là-haut. Super. Donc, c'est déjà un peu fait. J' ai encore un peu d'action. Donc l'autre chose que je vais faire est d'utiliser ce petit équipement ici, qui est juste une extension de ma boîte mate. Donc, ce que cela fait est juste de créer un drapeau qui va couper la lumière qui frappe directement l'objectif. Maintenant, il y a toutes sortes de façons de le faire si vous n'avez pas accès à une boîte mate. Ce que certaines personnes vont faire est en fait simplement d'
utiliser un morceau de ruban adhésif étendu devant l'objectif, et de l'utiliser de la même manière que cela fait, juste pour couper la lumière qui frappe directement l'objectif. Donc, le dernier élément ici est juste de mettre le niveau de lumière à un endroit qui nous plaît esthétiquement. En ce moment, il me sent encore un peu brillant et artificiel. Donc juste pour que ça se sente un peu plus naturaliste, on va juste commencer à s'estomper à, disons environ 50 pour cent. Juste pour réduire cette netteté ici à quelque chose qui se sent un peu plus en ligne avec la lumière globale. Parfait. Alors c'est tout. C' est une façon de jouer une lumière supplémentaire
afin de donner un peu plus de volume et de texture à votre image. Je voudrais simplement répéter que nous avons utilisé deux regards hypothétiques comme les points de notre banc pour démontrer toutes ces différentes techniques d'éclairage et de placement de la lumière. Mais à la fin de la journée, tous ces éléments peuvent être utilisés de façon interchangeable en fonction de l'humeur globale que vous recherchez pour votre image. Cela peut être quelque chose qui s'insère quelque part entre ces regards. Il peut sembler un peu plus artificiel, un peu plus mis en scène, ou encore plus naturaliste et doux. Cela dépend vraiment du genre d'humeur et d'émotion que vous voulez créer avec votre image. Ensuite, nous allons juste regarder un autre scénario
d'éclairage commun auquel beaucoup d'entre nous vont devoir faire face.
13. Travailler avec la lumière naturelle: La dernière chose que je voulais aborder était ce qu'il fallait faire quand on
n' avait aucun des outils que nous utilisions dans cette démo jusqu'à présent. Si vous n'avez pas accès à des lumières artificielles ou quelque chose comme ça,
tout ce que vous avez, c'est vous ,
une caméra et un espace, comment appliquer les mêmes principes que nous venons de parler
en exploitant ce que l'emplacement réel de nous sommes en train de tirer est de nous fournir ? moment, notre caméra et tout est mis en place exactement comme nous l'avons laissé. On vient de retirer tout notre éclairage artificiel. Nous pouvons voir que la qualité de la lumière n'est pas trop mauvaise à elle seule. Cet espace dans lequel nous sommes en ce moment se trouve avoir beaucoup de très bonne lumière naturelle et de grandes fenêtres qui en laissent beaucoup entrer. Il est également actuellement couvert, ce qui est toujours une bonne chose pour les prises de vue avec la lumière naturelle. Cela garantit juste que vous avez de la cohérence tout au long de la journée et vous ne verrez beaucoup de grands changements entre l'exposition lorsque le soleil se déplace dans le ciel. Cela dit, une chose à garder à l'esprit lors de l'éclairage avec lumière
naturelle est que le soleil est vraiment votre source de lumière. Donc, vous allez vraiment vouloir savoir où il se trouve à tout moment afin de comprendre comment l'exploiter au mieux à vos fins. J' utilise donc une application appelée Sun Seeker afin de suivre le chemin du soleil à travers le ciel. Ce que vous pouvez voir est qu'il vous donne réellement une superposition au-dessus de votre espace réel. Ainsi, l'application trace quelques chemins de soleil différents en fonction de certaines dates. Je pense que celui-ci a les solstices en ce moment, et puis le milieu est le chemin actuel du soleil tel qu'il est en ce moment. Donc, ce que je ferais avec cela maintenant est juste de marcher autour des fenêtres et jeter un oeil à l'endroit où le soleil atterrit par rapport à l'espace. Donc je peux voir que ces fenêtres sont orientées vers le nord, donc elles ne reçoivent pas de soleil direct du tout pour le moment. Le soleil est en fait fini de ce côté de l'immeuble. Donc je vais juste marcher ici et vérifier, y
a-t-il un point tout au long de la journée où je vais obtenir un peu de lumière directe du soleil
à travers cette fenêtre, ou est-ce que ça va toujours être caché derrière des bâtiments, ou pas vraiment affectant directement notre scène ? Dans ce cas, nous sommes totalement clairs le soleil est déjà couché derrière ce bâtiment, comme je l'ai mentionné, puisqu'il est couvert aujourd'hui, de toute façon, nous n'allons pas vraiment avoir de soleil direct dans cette scène pour vraiment affecter nos niveaux du tout. Donc ce que je cherche ici, c'est de trouver un moyen d'utiliser la lumière naturelle pour recréer le rapport entre le premier plan et l'arrière-plan que nous avions avec notre éclairage artificiel et le contrôle qui nous a permis. En regardant cette image maintenant, la qualité de la lumière sur Denali est superbe, mais nous pouvons voir qu'il y a un peu de décalage entre la luminosité et les niveaux d'exposition de son arrière-plan et de son premier plan. Donc mon oeil va maintenant sur le canapé et les fenêtres en arrière-plan. Mais je perds l'attention sur notre sujet. Donc, afin d'exploiter la lumière naturelle, la principale chose que nous allons faire est d'essayer de trouver une position dans notre espace où la lumière naturelle de la fenêtre est à sa luminosité maximale sur notre sujet sans compromettre notre esthétique globale en termes de relation avec le fond. La principale façon de le faire est de rapprocher notre sujet d'une fenêtre. Alors Denali, je vais te faire sauter et nous allons juste déplacer cette chaise en arrière préventive, juste ici et un peu plus près de la fenêtre pour s'assurer que
la lumière de la fenêtre s'enroule autour du visage
de Denali juste ici et un peu plus près de la fenêtre pours'assurer que
la lumière de la fenêtre s'enroule autour du visage
de Denali. ne crée pas ce feu latéral comme nous l'avons vu dans la leçon précédente en parlant de placement de notre clé. Donc j'ai rugueux ça juste en devinant. Denali, je veux que vous alliez vous asseoir, et je vais retourner à la caméra et recadrer notre photo pour voir à quoi ça ressemble. Donc, je viens de déplacer Denali plus près de la fenêtre et déplacer la caméra pour
correspondre au même cadrage que nous avions avant.Les niveaux de lumière sont assez bons. Nous obtenons une qualité très similaire à celle que nous avions auparavant. La chute est vraiment agréable, très douce, très naturaliste, mais il y a encore assez de différence d'exposition entre fond et le premier plan pour s'assurer que Denali éclate vraiment. En déplaçant l'angle, nous avons révélé cette prise de l'unité de climatisation. Allons-y et déplacons cette fougère qui bloquait notre climatiseur vers la gauche. Une autre chose qui va faire est d'enlever cette bande blanche juste en
face pour attirer l'attention sur le visage de Denali. Alors continuez un peu plus, juste là, à droite un peu. On le bloque parfaitement, juste là. Excellent. Ensuite, tournons un peu juste pour que les fougères couvrent le mur blanc un peu plus, juste là. Tout comme avec la lumière artificielle, vous pouvez toujours utiliser des modificateurs pour changer et ajuster l'éclairage naturel en fonction de vos besoins, même sans utiliser de sources de lumière artificielles. Par exemple, si nous faisions de la lumière dure à travers cette fenêtre, je peux toujours lancer un morceau de diffusion, un drap de lit ou un rideau de douche juste pour réduire la luminosité de cette fenêtre et m'assurer que la lumière qui est frapper mon sujet est la qualité que je veux qu'il soit. Fondamentalement, c'est un peu plus une approche brouillante et une qui vous oblige à exploiter les éléments naturels dans lesquels vous êtes. Mais les mêmes principes et techniques s'appliquent ici aussi. Donc c'est à peu près tout. Beaucoup de fois sur les tournages, vous avez juste à accepter les choses à un endroit assez bon, ou un endroit que vous vous sentez assez satisfait l'image pour pouvoir vivre avec elle plus tard pour venir sur la route. Beaucoup de fois, vous êtes également limité par des limitations de planification. Vous ne disposez que d'un certain nombre d'heures le jour de la
lumière du jour ou de la disponibilité d'un sujet. Toutes ces choses ont donc tendance à entrer en jeu et à être prises en considération. Mais à la fin de la journée, tant que vous vous sentez globalement satisfait de votre image et de vos niveaux, vous devriez être prêt à partir. Donc c'est tout pour notre travail de localisation. Retournons au studio maintenant juste pour quelques dernières pensées.
14. Réflexions finales: Félicitations d'être arrivé à la fin de la classe. J' espère que cela peut simplement servir de vue d'ensemble de quelques idées et concepts différents que vous pourrez ensuite prendre dans votre propre travail et vous inspirer de là. Nous avons créé quelques configurations d' éclairage d'entrevue
différentes pour démontrer ces différentes techniques et montrer les différences entre elles et
les différentes décisions que vous pouvez prendre en matière d'éclairage, d' encadrement et de distance focale peut affecter l'humeur et le contexte émotionnel de votre image. Quelques choses que nous n'avons pas abordées dans cette classe sont la prise de vue
multi-caméra, le mouvement de l'appareil photo, que ce soit avec un curseur ou un chariot, ou même simplement la prise de vue à main, et l'utilisation de la conception de production et de la garde-robe pour ajouter d' autres éléments de contraste et de narration visuelle dans vos images. Il y a beaucoup d'endroits différents où vous pouvez en apprendre davantage sur ces différents concepts, donc je vais lier à certains de mes favoris dans les ressources de la classe. J' espère que vous pourrez prendre ces concepts dont nous avons parlé et les appliquer à votre propre travail, et trouver des moyens de les mettre à profit, d'expérimenter, de les mélanger et de les assortir, de changer les choses, d'
essayer les choses à votre façon. Pour rappel, j'aimerais voir le travail que vous créez tous en utilisant les leçons de cette classe. Alors n'hésitez pas à télécharger vos images ou vidéos dans la galerie du projet, afin que nous puissions tous voir ces techniques mises en œuvre. Merci encore d'avoir suivi ce cours. Je suis tellement excité de voir ce que vous allez créer en utilisant ces techniques. Alors sortez et créez des images cinématographiques.
Oren Soffer, Director of Photography
