Premiere Pro Lumetri 2020 : Corriger et étalonner les couleurs comme un pro

1. Introduction au cours: Salut, je m'appelle Jordy, mais pour toi, ce sera des maîtres artistes. Dans ce cours, je vais vous apprendre tout ce que vous devez savoir sur les fondements de la correction des couleurs et du classement des couleurs dans Adobe Premiere Pro. Si vous êtes comme moi, alors vous n'aimez probablement pas bien les cours longs et ennuyeux que vous êtes venu au bon endroit parce que ce cours ne va absolument pas être ennuyeux. Comme vous pouvez le voir, nous sommes dans ma galerie de peintures, ce qui est amusant et de divertissement, comme la classe devrait aussi l'être, et aussi, je ne vais pas vous déranger avec de longues leçons de théorie. Vous êtes probablement ici parce que vous voulez commencer la correction des couleurs et le classement des couleurs de vos photos. C' est ce que nous ferons sans cesse. la première leçon, nous allons déjà commencer à créer des résultats et tout au long de la classe, je vais vous donner de petits morceaux de théorie, pendant que nous créons quelque chose. Ce sera un cours pratique, une nouvelle façon de vous donner des informations sur Internet. Quelque chose que j'ai appris de l'expérience, en faisant des centaines de tutoriels sur YouTube. Nous comptons maintenant plus de 1,8 million d'abonnés parmi les meilleurs canaux en ce qui concerne le cinéma et le montage vidéo didacticiels. La même chose va ici et les compétences ici aussi. J' apprécie beaucoup les commentaires. C' est pourquoi je lis toujours à travers les discussions et à travers commentaires que nous recevons et pour chaque commentaire que je reçois, j'essaie d'ajuster mes cours pour m'assurer que vous obtenez quelque chose d'inoubliable. Commencez à corriger les couleurs comme un pro en rejoignant cette classe dès maintenant. En passant, si vous avez d'autres questions avant, pendant ou après la classe, faites-le moi savoir dans la discussion ci-dessous, parce que je serai toujours là pour vous. Maintenant, les élèves mettent vos vestes de peintre et commençons ce cours. 2. Donnez du relief à vos vidéos: Salut là. Vous devez être les nouveaux étudiants. Bienvenue dans ma classe. m'appelle Jordy, je vais être votre professeur, mais pour vous ce sera Maître Artiste. Ce ne sera pas une classe ordinaire, non. Je vais vous apprendre tout sur la correction des couleurs et le classement des couleurs dans Adobe Premier Pro, qui est dans les arts. Prenons ton crayon. On va plonger directement dedans. Vous pouvez prendre votre souris, ce sera peut-être plus facile. Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment faire apparaître vos vidéos. Je n'aime pas les longues leçons de théorie, non. L' art, c'est l'expérience. On va y plonger et faire quelque chose. Ce que j'ai ici, c'est un clip d'une belle fille. C' est vrai. Je suis beaucoup dans le romantisme. Ce qu'on va faire, c'est faire cette photo, cette pop un peu plus. Pour cela, nous allons devoir appeler les outils de correction des couleurs. Désormais, à partir de la version Creative Cloud de Premier Pro, tous les outils de notation des couleurs et de correction sont retrouvés dans le panneau de classement des couleurs Lumetri. Pour colorier celui-ci, nous pouvons simplement aller au menu en haut de la fenêtre de sélection et à partir de là choisir Lumetri Color. Une barre latérale s'ouvrira. J' utilise un grand disque ici avec différents onglets. Nous avons la correction de base, la création, les courbes, les roues de couleur, et les vignettes de correspondance HSL secondaire. Mais c'est tout pour plus tard dans cette classe. Vous êtes un débutant en ce moment. Commençons par l'onglet de correction de base. Puisque vous venez d'arriver ici et que vous ne savez probablement rien sur l'art, nous allons également ignorer les premiers paramètres, alors ne vous dérange pas d'entrée LUT encore, les curseurs de température et de teinte juste pour l'instant, nous allons nous concentrer ici sur la tonalité. Votre peinture commence par le ton. Il tient les différents niveaux dans vos tirs. Par exemple, nous avons eu une exposition qui va simplement augmenter l'exposition, rendre votre tir plus lumineux ou rendre vos photos moins brillantes. C'est aussi simple que ça. En passant, chaque fois que vous modifiez un paramètre ici, vous pouvez toujours double-cliquer sur votre curseur pour réinitialiser cette valeur par défaut de l'étudiant. Ensuite, on a un contraste. Augmenter le contraste ajoutera plus de contrastes. Fondamentalement, il va juste séparer les zones les plus sombres de vos coups avec les zones les plus claires de votre tir. Il rendra vos ombres plus profondes et vos zones plus lumineuses. C' est ce qu'est le contraste. Maintenant, une chose que mes élèves oublient souvent est que le contraste ajoute également de la saturation à vos clichés. La saturation est fondamentalement à quel point vos couleurs sont vives. Laissez-moi vous le montrer avec le curseur de saturation ici en bas. En augmentant cela, vos couleurs seront plus vives. Vous pouvez même diminuer cela pour aller jusqu'au noir et blanc comme à l'époque où la peinture n'était pas encore inventée. Laisse-moi juste réinitialiser ça. Cela signifie aussi que si nous allons diminuer le contraste, nous perdrons aussi les couleurs. Vous pouvez voir que parfaitement ici dans son écharpe, que l'orange n'est pas moins saturée, donc augmenter ce dos va saturer cette écharpe beaucoup plus. Laisse-moi réinitialiser les extrémités arrière. Jetons un coup d'oeil aux quatre contrôles que nous avons ici ci-dessous. Maintenant, voici la partie drôle ; les reflets, les ombres, les blancs et les noirs sont en fait aussi des contrôles de contraste. Avec ces quatre choses, je peux faire exactement la même chose que le contraste, seulement si je vais créer mon contraste en utilisant ces quatre curseurs. En fait, j'ai beaucoup plus de contrôle sur la façon dont je vais créer mon contraste. Pour mieux mettre en valeur cela, j'ai une photo juste ici sur ma chronologie aussi. le côté gauche, nous pouvons trouver les noirs les plus sombres absolus. Il y a un contrôle pour ça, c' est-à-dire les Noirs, les Noirs absolus. Ensuite, nous avons les ombres ou plus ou les noirs un peu plus brillants, ces zones grises très profondes. C' est ici que sont les ombres. Ensuite, nous avons les tons moyens, qui reposent magnifiquement au milieu. Ensuite, nous avons les points forts, qui sont les zones lumineuses, mais pas aussi brillantes que les zones les plus brillantes, qui sont les blancs absolus. Habituellement, les blancs absolus vont être les parties surexposées et les noirs absolus sont les parties qui sont un peu sous-exposées. En revenant à notre photo de la belle fille ici, nous pouvons créer un contraste avec ces curseurs aussi. Ce que je vais faire, c'est peut-être d'abord faire tomber les Noirs un peu, les Noirs absolus. Vous pouvez voir qu'il fonctionne ici dans le coin, les zones les plus sombres absolues. Maintenant, je ne vais pas pousser cela trop loin parce que cela séparera les noirs de l'ombre beaucoup trop loin. Vous pouvez voir ce qui se passe ici. Mais attendez les gars, si vous vous tenez sur la valeur de ces curseurs et le faites glisser à partir de là, vous pouvez même aller plus loin que moins 100. Regarde ça. Maintenant, ce qui se passe en ce moment est quelque chose que nous appelons le baguage. Vous commencerez à voir la ligne entre les zones noires absolues et le reste ou les ombres. Cela signifie que nos Noirs sont maintenant beaucoup trop profonds. Nous devons nous assurer que ces choses sont déséquilibrées. Laisse-moi juste réinitialiser les Noirs et réduisons ça un petit peu. Juste un petit peu, pas trop. Ce que vous voulez surtout, c'est travailler sur les ombres. Les ombres sont une zone où vous voyez encore beaucoup de détails, comme l'arbre ici sur le côté gauche. Laisse-moi juste diminuer ça et voir à quel point le tir devient beau maintenant. Nous rendons ces zones d'ombre un peu plus sombres pour y ajouter ce contraste. La même chose vaut pour les faits saillants et les blancs. Si vous voulez que la fille éclate, je vais pousser sur les faits saillants parce que son tir est brillant, mais pas le blanc absolu. Les blancs absolus sont généralement dans le ciel. Augmentons simplement les faits saillants un petit peu. Comme vous pouvez le voir, nous la rendons plus brillante. Mais de toute façon, aussi les faits saillants peuvent être trouvés dans les tons de peau. Les faits saillants sont un excellent curseur pour faire apparaître votre sujet. Maintenant, lorsque vous changez l'un de ces curseurs ici, un effet appelé Couleur Lumetri sera automatiquement appliqué à votre clip, que vous pouvez retrouver dans vos contrôles d'effet. Ce que je veux faire ici est juste supprimer l'effet Lumetri, qui va également réinitialiser tout ici. Un plan comme celui-ci qui est très plat, comme vous pouvez le voir ici, nous n'avons pas vraiment un contraste profond qui se passe. On voit parfaitement le ciel. n'y a rien de surexposé, rien de sous-exposé. C' est un tir très plat. Bien sûr, un exemple comme celui-ci, il est beaucoup mieux de simplement augmenter le contraste comme c'est plus facile à faire. On a tellement de place pour jouer. Mais que se passe-t-il si vous vous retrouvez avec un plan qui a déjà beaucoup de contraste par sa source. Eh bien, en voici un exemple. Ce plan a beaucoup trop de contraste. Cela semble plus vidéo-ish et nous voulons créer quelque chose de plus cinématographique, ce qui signifie des reflets doux, des ombres douces, mais nous voulons quand même conserver ce contraste. Laissez-moi vous montrer comment cela est fait. Les Noirs vont bien. Je veux les garder. Je veux garder le contraste chez les Noirs. Mais je voudrais introduire un peu plus de détails, certainement ici, dans ces buissons ici, donc ce que je peux faire est simplement d'augmenter les ombres. Je parle de l'exposition des ombres. Mais je ne touche pas les Noirs, ce qui veut dire que nous gardons cette profondeur dans les Noirs. Il en va de même pour elle. Sa peau, sa blouse, elle commence à s'accrocher. Ça commence à être surexposé. Mais je ne veux pas toucher le ciel à l'arrière. Je vais garder ce brillant, alors diminuons les faits saillants. Comme vous pouvez le voir, nous ramenons ces détails. Nous rendons le plan plus doux, plus cinématographique, tout en conservant le contraste. C' est comme ça que vos coups apparaissent de la bonne façon. Vous pensez probablement, qu'est-ce qui est trop de contraste ? Quand ai-je trop moins de contraste ? Eh bien, c'est pour la prochaine leçon où nous allons jeter un oeil à l'outil Forme d'onde. Un outil de mesure pour mesurer votre photo et voir combien de contraste nous pouvons y ajouter. C'est vrai. Tu dois toujours mesurer. Peut-être que ce vert est trop, ajoutons un peu de bleu là-dedans. Vous devez le mesurer avant de pouvoir commencer sur une peinture de poulet là-bas. 3. Moniteur de forme d'onde: C' est l'une de mes plus belles peintures. Il est peint en France. Je sais que mon français est très bon. Je sais que mon C' est de passer toutes ces années en France à faire des chefs-d'œuvre comme ceux-ci. Maintenant, vous pourriez penser, Jordi, je veux dire maître artiste, comment pouvez-vous faire un si grand contraste dans vos tableaux ? Eh bien, j'ai fait ce contraste, ici, en utilisant les outils de forme d'onde d'Adobe Premiere Pro. Jetons un coup d'oeil les gars. Tout comme à travers la fenêtre Lumetri Color, nous pouvons également trouver la forme d'onde de retour à partir de la fenêtre de menu, puis ici, Lumetri Scopes. Les portées sont nos outils de mesure. Nous pouvons mesurer notre vidéo et faire quelque chose avec ça. C' est comme mesurer la température, comme vous pouvez deviner à quel point il fait froid, mais vous pouvez également mesurer la température et obtenir un nombre exact à partir de cela. Maintenant, par défaut, vous verrez quelque chose dans vos Lumetri Scopes, mais nous ne sommes pas encore intéressés par tout. Donc, ce que vous pouvez faire est juste un clic droit n'importe où dans cette fenêtre et sélectionnez simplement les outils de mesure dont vous avez besoin. Pour commencer, je n'ai pas besoin du vectorscope. Je vais juste désélectionner ça. Ici, c'est la forme d'onde. Assurez-vous donc que si vous cliquez avec le bouton droit de la souris, cette forme d'onde est sélectionnée. Maintenant, voici la forme d'onde RVB. Vous pouvez également le voir avec les couleurs. Vous pouvez activer cela si vous le souhaitez, mais pour l'instant, modifions simplement le type de forme d'onde ici en seulement Luma, qui est le niveau d'exposition. Quelque chose que nous avons vu précédemment avec les faits saillants, ombres, et tout, c'est la Luma. Donc, vous obtenez le même graphique, mais maintenant seulement en noir et blanc, ce qui pourrait être plus facile. Donc ce que nous voyons ici à Lumetri Scope, c'est une représentation du plan que nous avons ici sur le côté droit. Si je joue ce coup, vous voyez aussi les formes d'onde se déplacer, en bas des formes d'onde, on peut trouver zéro. Ici, c'est le noir absolu. Ensuite, en haut, nous pouvons trouver 100, qui sont le blanc absolu dans nos plans, bien que heureusement, nous ne touchons pas le blanc absolu et le noir absolu, qui est génial parce que cela signifie que ce plan n'est ni surexposé ni sous-exposé. Quand on commence ici sur le côté gauche de notre tir, on a des teintes plus sombres. On a le sol en bas. Il y a aussi du vignettage juste ici. On a l'eau, puis on a cet arbre, et on a un peu de ciel à travers ces arbres. Quand nous regardons ici les formes d'onde, nous pouvons aussi trouver ici à 10% les zones les plus sombres, ce qui est parfaitement ici à l'eau, l' ombre là-bas. Donc ça continue, et ici, autour des 80 pour cent, ce sont probablement les faits saillants du ciel. Maintenant, en allant plus loin sur le côté droit de notre plan, et dans la forme d'onde, nous pouvons trouver, par exemple, ici, l'horizon. L' horizon s'étend plus dans l'ombre, et la même chose vaut pour le reste de ses coups ici sur le fond. Mais en plus, nous pouvons trouver le ciel qui est beaucoup plus lumineux. Encore une fois, nous pouvons trouver ça dans une forme d'onde. Ici, ce gros morceau sur le dessus est le ciel. Puis ici entre les deux, et certainement ici en bas, ici, sont les ombres ou l'horizon, tous ces buissons ici juste à côté de cet étang. Puis au milieu, on a cette fille. Elle est avec elle à la caméra, ce qui veut dire qu'on a un très grand côté d'ombre d'elle. On peut aussi voir que ça revient ici. On avait encore beaucoup de luminosité ici, au milieu de l'étang. Mais à l'écart du milieu, elle couvre cet étang. Donc je sais qu'elle est là. Maintenant, la première fois que tu vois ça, ça pourrait être un peu accablant. Laisse-moi te montrer ça mieux avec une photo. On l'a vu avant, ce sont les différents niveaux dont je parlais. Sur tout le chemin dans le côté gauche, les Noirs, eh bien, nous pouvons trouver cela aussi dans la forme d'onde, sur zéro. Comme je l'ai dit, les noirs absolus. Puis le gris qui vient à côté de ça, assis autour de 30 pour cent. Ensuite, nous avons ce bar ici au milieu avec environ 50 % de luminosité. Ensuite, les faits saillants, qui sont à environ 75 pour cent, également généralement, les tons de peau devraient se situer dans cette exposition. Enfin, le blanc absolu, qui est 100 pour cent. La raison pour laquelle nous voyons tout dans ce beau projet d'escalier, c'est que toutes les parties verticales ont exactement la même exposition. C' est tout noir sur toute l'image. Mais maintenant, quand on regarde l'image suivante que j'ai ici, on peut voir qu'on a un dégradé sur le noir. Donc oui, il est noir absolu sur le bas, mais pas sur le dessus. Encore une fois, nous pouvons voir que ça revient dans la forme d'onde. Il est étiré. Il a plusieurs niveaux. Voyons comment mettre cette forme d'onde en pratique. Donc, en revenant à nos photos ici, je vais juste augmenter le contraste de ça. Laisse-moi juste augmenter ça. Comme vous pouvez le voir ici, les reflets et les ombres ici en bas sont séparés les uns des autres. C' est ce que fait le contraste. Je vais diminuer les Noirs. Comme vous pouvez le voir en bas, toutes ces informations sont retirées vers le bas. La même chose se produira si ça bouge les blancs. Comme vous pouvez le voir, tout dans une partie difficile est poussé vers le haut. On y va. Maintenant, en regardant le plan, vous pourriez penser que c'est un grand contraste, alors qu'en réalité, ce n'est pas le cas. Donc je peux le dire par la forme d'onde. En regardant la forme d'onde ici sur le dessus, vous pouvez voir que nous avons cette ligne plate que nous n'avions pas avant. Cela signifie que nous sommes en train de couper le coup. Nous surexposons, certaines parties des plans, ce qui signifie que nous perdons des détails. Dans ce ciel, nous avons d'abord eu un tas de nuages, mais ces nuages sont maintenant partis. Les détails de ces nuages sont surexposés, et la même chose vaut pour le noir ici en bas, comme ses droits de bottes ici. Ces parties sont sous-exposées. C' est complètement noir. n'y a plus de détails là-dedans. C' est quelque chose que nous devons faire attention. Laissez-moi juste réinitialiser Lumetri, ce que nous pouvons également faire en passant ici en haut à droite, en cliquant sur ce bouton d'effet de réinitialisation. On y va. Alors recommençons. D' accord. Je vais diminuer les Noirs, mais je regarde ma forme d'onde. Je ne peux y aller qu'autant parce qu'ici, je touche déjà le zéro. Maintenant, commençons aussi à tirer les blancs jusqu'à ce que nous commencions à atteindre 100. On y va. Ce que nous avons fait en ce moment, c'est d'utiliser toute la gamme dynamique des prises de vue. Nous utilisons tout l'espace que nous avons dans la forme d'onde. C' est le contraste maximal que nous pouvons ajouter à notre plan. Si vous croyez toujours que votre tir semble plutôt plat, alors nous pouvons commencer à éloigner les ombres des faits saillants. Alors faisons ça, diminuons les ombres. Pendant que je fais ça, vous pouvez voir que cet arc est en train de descendre. Ici, ce sont mes ombres. Voici mon horizon à l'arrière. Donc, je peux choisir ce niveau que je veux définir. Nous sommes actuellement de 20 à 40 pour cent avec cet horizon, ce qui, je crois, est plutôt bon. Prochaine étape sont les faits saillants, qui est un peu dans le ciel, mais aussi ici dans l'étang, nous aurons un peu de tons de peau ici sur elle, et bien sûr, ses cheveux. Alors remontons ces faits saillants. Mais bien sûr, gardez un œil sur la forme d'onde pendant que vous le faites. En remontant les faits saillants, vous pouvez voir ici à environ 70 à 80 pour cent, qui est tiré vers le haut, et le rapprocher du blanc réel. Veillez à ne pas en faire trop. Nous ne voulons pas rassembler les faits saillants parmi les Blancs. Nous voulons toujours garder les niveaux à l'écart. On a les blancs, les reflets, les tons moyens, les ombres et les noirs. Mais oui, ça commence à avoir fière allure. Jetons un coup d'oeil à l'avant et à l'après, ce que je peux faire avec le bouton FX ici en haut, à côté de Lumetri Color. C' est avant, et c'est après. J' ai ajouté plus de contraste dans ma prise de vue sans trop ni sous-exposer quoi que ce soit, car je peux regarder cette sauvegarde dans mon moniteur de forme d'onde. C' est donc une pratique pour utiliser l'outil de forme d'onde. Voyez combien de la portée dynamique de votre prise de vue vous pouvez prendre. Une deuxième utilisation de cet outil de forme d'onde est également de vous assurer que votre correction de couleur, sur tous vos plans, est la même. Laisse-moi montrer ce que je veux dire par ça. Je vais réinitialiser Lumetri à nouveau. Pour une raison quelconque, je vais choisir que mes blancs doivent être un peu plus ennuyeux. Je ne veux pas qu'ils atteignent plus de 80 %. La même chose vaut pour mes ombres ou mes noirs. Mettons-les plus de 10 pour cent. C' est donc mon choix créatif. Je veux aller pour un style plat. Je ne veux pas que mes faits saillants soient supérieurs à 80 pour cent, et je ne veux pas que mes noirs passent sous ces 10 pour cent. En utilisant l'outil de forme d'onde, je sais exactement où ils sont. Je peux l'utiliser aussi pour ma prochaine photo pour toujours m'assurer que ces niveaux sont les mêmes. C' est tout pour la deuxième leçon. Vous pensez peut-être, Jordi, je veux dire maître artiste, parce que vous ne pouvez pas dire Jordi, maître artiste, pourquoi travaillez-vous toujours avec des niveaux d'exposition et des couleurs, n'est-ce pas comme un cours de correction des couleurs ? Exactement. C'est pourquoi, dans la prochaine leçon, nous allons travailler avec les courbes RVB, qui représentent le rouge, le vert et le bleu. 4. Courbes RVB: Vous avez fait un excellent travail jusqu'à présent les étudiants et c'est pourquoi je fais un portrait, une vue. À la fin de ce cours, si vous avez fait du bon travail et si vous réussissez ce cours, je mettrai vos portraits dans mon atelier. Que pensez-vous de ça ? Gardez cela à l'esprit, étudiants, ce sera un véritable honneur. Comme vous pouvez le voir, je mélange actuellement les couleurs, c'est exact. Les couleurs sont à la base des arts et de la correction des couleurs dans Adobe Premier Pro. Jusqu' à présent, nous avons seulement regardé les contrôles de niveau à partir du robinet de correction de base. Mais maintenant, passons aux courbes, dans un plus spécifique les courbes RVB. Maintenant, dans les courbes, nous pouvons trouver quatre sélections, nous avons le blanc, ce qui est juste toutes les couleurs ensemble, puis nous avons le rouge, vert et le canal bleu. Commençons par le blanc, qui est juste l'exposition. Fondamentalement, c'est le même contrôle que nous avions auparavant. Tout au long de cette classe, vous remarquerez qu'il existe de nombreux contrôles et options qui font la même chose que d'autres contrôles et options. La plupart du temps, c'est une préférence personnelle. Qu' aimeriez-vous travailler avec le plus ? Par exemple, avec cette courbe ici, nous pouvons créer un contraste. En haut à gauche sont les blancs ou les bright et en bas à droite, nous pouvons trouver l'obscurité ou l'ombre. Cela signifie que si nous déplaçons cette courbe dans les ombres, vous diminuerez réellement l'exposition de nos coups et la même chose se passe si nous la déplacons vers le haut, nous augmenterons l'exposition. Maintenant, parce que nous prenons la courbe du milieu, nous changeons cette valeur ici, l'exposition, que nous avons vu précédemment. Revenons aux courbes et je vais réinitialiser cela en double-cliquant dessus, et maintenant ce que je vais faire est de prendre les noirs absolus qui se trouvent ici sur le fond de ma courbe et je vais les rendre encore plus sombres en poussant sur le côté droit. Regarde ça. Nous allons faire la même chose avec mes blancs ici tout le chemin en haut et juste amener ça jusqu'au côté gauche et rendre ça plus lumineux. Ce que je fais en ce moment est exactement le même que nous avons vu auparavant dans la correction de base. J' ai déplacé mes noirs vers le bas et j'ai déplacé mes blancs vers le haut. C' est exactement la même chose, mais pourquoi devrions-nous utiliser ces courbes ? Eh bien, ces courbes vous donnent en fait plus de liberté, plus de place pour jouer avec. Permettez-moi de vous montrer un exemple. Les ombres couchaient quelque part juste ici un peu en haut du noir. Je vais tirer ça vers le bas et ensuite je vais passer à mes points forts, qui sont juste un peu plus bas des blancs et de déplacer ça vers le haut. Nous sommes en train de créer une courbe S et la courbe S est quelque chose de super important à retenir car de nombreux cinéastes, éditeurs et coloristes parlent de cette courbe S. La courbe S est essentiellement une belle façon d'ajouter du contraste. Auparavant, nous avons fait la même chose. Nous avons aussi travaillé sur les ombres et les reflets plutôt que sur les Noirs et les Blancs. La création d'une courbe S comme celle-ci préservera vos surlignements. Comme vous pouvez le voir, nous ne coupons rien dans notre forme d'onde, la même chose se passe ici sur le fond. Maintenant, la grande chose à propos des courbes RVB est que nous pouvons créer des milliers de différences de courbes S. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire par là. Cette fois, je vais réinitialiser ça. Je vais descendre de quelque part presque au milieu. Ce ne sont plus vraiment mes ombres. Ils le sont, mais ce sont plus les ombres les plus brillantes. Maintenant, je vais prendre les faits saillants plus sombres, qui est quelque part juste ici. Je crée une courbe en S très serrée et je pourrais vouloir diriger cela un peu pour que l'intersection juste ici passe par le milieu. Voilà, tu y vas. C' est un autre type de courbe S. En fait, je pousse les zones plus claires et les zones plus sombres plus éloignées en créant une telle courbe. Expérimentez avec ça. Essayez de dessiner différentes courbes pour créer des contrastes de différence. Maintenant, jetons un coup d'oeil à ces couleurs là-dedans. Je vais réinitialiser ma courbe Luma et jeter un oeil aux couleurs. On a, rouge, vert et bleu. Comme vous pouvez le voir, tous sont maintenant au même niveau. Ils sont au-dessus l'un de l'autre. Pour mieux voir ce qui se passe, je vais également cliquer avec le bouton droit de la souris dans mes étendues et à partir de là choisir un type de forme d'onde différent. Je vais choisir le type RVB. Fondamentalement, nous voyons rouge, vert et bleu sur l'autre dans cette forme d'onde. Là où ils se rencontrent, nous voyons en fait la couleur blanche parce que ces trois canaux au-dessus de l'autre sont blancs. Ça va probablement être sa chemise. Bien sûr, il y a beaucoup de vert là-dedans. Il est vert plus en évidence, que nous pouvons également voir dans notre forme d'onde. Comme vous pouvez le voir ici, les éclats verts, les tons de peau et son écharpe rendront le canal rouge plus proéminence. Quelque chose que je peux faire est de faire tomber le blanc du canal rouge seulement. Laisse-moi juste faire ça. Comme vous pouvez le voir maintenant, son écharpe perd du rouge, mais surtout, sa peau perd aussi le rouge. C' est vraiment quelque chose que tu veux faire. Laisse-moi juste réinitialiser ça. Nous pouvons également rendre la couleur rouge globale plus proéminente comme ça, nous pouvons aller au canal vert et amener le canal vert sur le canal rouge. Comme vous pouvez le voir maintenant, seul le bleu est manquant. Si nous apportons le bleu au même niveau que le reste, nous obtenons à nouveau une image naturelle, et c'est exactement la même chose que nous faisons en ce moment comme simplement déplacer la courbe Luma vers le haut. Maintenant, où cela pourrait-il être utile ? Eh bien, laissez-moi vous montrer une astuce très simple pour faire éclater votre mannequin un peu plus. Je vais me diriger vers le canal rouge parce que d'ici, je vais réduire les ombres en petits morceaux. Je vais enlever le rouge de l'ombre. Ensuite, pour les faits saillants, qui est le modèle, je vais ramener ces rouges et peut-être même pousser un peu plus loin que la normale. Regarde ça. Si nous vérifions l'avant et après, nous pouvons également activer et désactiver les courbes seulement, nous pouvons voir ce que nous venons de faire. Avec une astuce super simple, nous avons rendu le vert plus bleu en enlevant le rouge de cela et cela rend le modèle plus vivant en ajoutant un peu plus de rouge. Rouge que nous pouvions trouver aussi dans les tons de peau. Une astuce super simple pour faire éclater vos photos beaucoup plus. Maintenant, laissez-moi réinitialiser cela parce qu'il y a une autre chose très cool que nous pouvons faire, que j'appelle les effets de filtre Instagram. Je vais créer à nouveau une courbe S pour le rouge, mais cette fois vous pouvez l'exagérer un peu plus, donc un peu plus grande courbe S comme avant, comme ça. Alors pour le vert, je vais faire exactement la même chose, aussi une courbe en S, mais il n'a pas besoin d'être la même forme que le rouge. C' est sympa s'ils ne sont pas exactement les mêmes. C' est ça. On va laisser le canal bleu où il est. Parce que comme vous pouvez le voir ici, nous avons tiré vers le bas rouge et vert dans l'ombre, bleu sera plus important, que nous pouvons également voir se produire dans l'ombre ou dans les zones plus sombres. Quant aux points forts, qui est le modèle et bien sûr [inaudible] proche, nous avons un rouge et vert plus proéminents, qui combinés est en fait plus d'une teinte jaune. Nous pouvons aussi voir que revenir ici dans notre forme d'onde RVB, bleu n'est pas aussi important que le reste. cette raison, elle a une teinte plus chaude. En tant qu'humains, nous sommes attirés par les couleurs chaudes telles que le jaune, l'orange et le rouge, et ceci est violet et rouge. Mais pourquoi c'est ça ? Et les couleurs froides comme le bleu ? Quelle est la différence entre ces choses ? Eh bien, c'est pour la prochaine leçon où nous allons apprendre sur la couleur, température et la teinte, et sa psychologie derrière elle. 5. Balance des blancs et teinte: Tu es de retour. Ouais, écoutez. J' ai ce problème. Tu sais que le portrait sur lequel je travaillais, j'ai utilisé la mauvaise couleur. Tu es vert en ce moment, et j'essaie de changer la couleur, mais je ne sais pas encore comment. Je sais que même un maître artiste peut faire des erreurs. C' est pourquoi vous pouvez toujours apprendre de nouvelles choses. Espérons que je puisse essayer de comprendre, comment nous pouvons changer la couleur verte à autre chose en utilisant le lumetri. Jusque-là, continuons avec la classe. Jetons un coup d'oeil à cette roue de couleur ici, que nous allons voir plus souvent tout au long de cette classe. D' un côté, nous pouvons trouver des couleurs orange, jaune, rougeâtre, orange et de l'autre côté, nous pouvons trouver la couleur bleue, les carreaux, la science. Cette plage ici est appelée la température de couleur. Nous pouvons également trouver la température de couleur dans notre appareil photo où nous devons définir la température de couleur dans une valeur kelvin. Maintenant, je ne vais pas trop plonger dans les réglages de ces caméras parce qu'ils ont un cours différent sur la vidéographie. Mais ce que je veux que vous sachiez, c'est que la lumière a une couleur spécifique. Lorsque vous sortez pendant une soirée où le soleil est très bas, nous obtenons des couleurs très orange à partir d'un coucher de soleil. Mais quand il fait un jour nuageux ou pendant les nuits, on parle des couleurs bleues. Lorsque vous regardez une cheminée qui a également des couleurs très orange, et quand vous parlez de ces lumières orange, nous parlons des couleurs chaudes. Sur les côtés opposés, nous parlons des couleurs du rhume et c'est d'où vient la température du nom. Là, nous avons déjà une certaine philosophie derrière les différentes couleurs. La température de couleur est une gamme de couleurs naturelles, mais nous avons également une gamme de couleurs artificielles, qui est principalement appelée les teintes. D' un côté, nous pouvons trouver les couleurs vertes et de l'autre côté sont à magentas. Le vert est quelque chose d'artificiel comme des lampes fluorescentes, comme un laboratoire. Ce sont des couleurs que nous ne voyons généralement pas revenir à moins qu'il n'y ait une très bonne raison à cela. À l'intérieur de lumetri et nous avons vu qu'avant sous l'onglet de correction de base, nous pouvons également trouver que le contrôle de curseur de température et de teinte. Quand un tir est par exemple trop chaud comme celui-ci, nous pouvons toujours vivre avec ça ou quand il fait trop froid, nous pouvons toujours l'accepter. Mais laissez-moi juste réinitialiser cette valeur. Quand un tir commence à paraître vert, il commence à paraître moche. C' est parce que c'est une couleur artificielle. Ce n'est pas naturel, et la même chose vaut pour le magenta, c'est certainement quelque chose que nous aimerions éviter. Maintenant, quand vous avez tourné quelque chose avec une mauvaise couleur ou la température, nous pouvons corriger ça ici avec ces contrôles, nous pouvons faire un tir plus chaud, par exemple. Quand le tir était trop froid ou quand il est trop vert, on peut y ajouter un peu de magenta. Chaque caméra a ça, nous tournons ce cours ici sur la caméra numérique rouge et ce capteur, pour une raison quelconque, est trop vert. Avec chaque tournage que nous faisons, nous devons y ajouter un peu de magenta. Pour faciliter les choses, nous avons également un sélecteur de balance des blancs. La balance des blancs signifie que nous allons choisir un point qui devrait être le blanc absolu. Aucune autre teinte de couleur ne devrait être sur cet avion. Laisse-moi juste dire ce sélecteur de couleur, et je vais sélectionner le pull blanc de cette fille, cliquez et c'est tout. Comme vous pouvez le voir, Lumetri a automatiquement réparé mes coups. Nous avons maintenant un peu plus de bleu dans le plan et aussi un peu de magenta, ce que je m'attendais. Maintenant, personnellement, je ne suis pas un grand fan d'un coup aussi propre. Vous pouvez aussi voir que dans mes tableaux, j'y ajoute toujours une touche personnelle. C' est aussi pour ça que je suis un maître artiste. J' aime un peu chaud à mon tir, donc je vais juste augmenter ma température un peu plus comme ça, mais c'est un bon début. Si vous n'êtes pas sûr de quoi faire, vous pouvez commencer avec le sélecteur de balance des blancs et il va déjà corriger la teinte pour vous et après cela, vous pouvez diriger un peu plus avec le contrôle de la balance des blancs. Tu pourrais faire monter la température comme ça. Mais cela créera un nouveau problème. Comme vous pouvez le voir, cette couleur orange chaude se trouve maintenant dans tous les tons des plans, elle se trouve dans l'ombre, dans les tons moyens, les reflets, c'est partout. Ça fait que ton tir a l'air plat et bon marché. Ce que vous voulez vous assurer, c'est toujours que votre noir semblait être noir et que votre blanc semblait être blanc. C' est l'une des principales différences entre un coloriste professionnel et quelqu'un qui vient de commencer avec des cours d'art. Je vais réinitialiser cette valeur ici, et je vais aller aux roues de couleur et faire correspondre le robinet. Cet outil ici est le plus utilisé pour créer un certain look, comme le look d'action ou le look romantique. Romantisme, vous pouvez voir que derrière beaucoup de mes peintures ou peut-être que vous voulez aller pour le look de science-fiction. Vous pouvez le faire tout avec cet outil ici, les roues de couleur et match. Mais que mes chers élèves sont pour la prochaine leçon. 6. Les roues chromatiques: Tu sais, je donne des cours d'art depuis plus de 500 ans maintenant. J' ai eu des gens dans ma classe comme Pablo Picasso. Leonardo Da Vinci était aussi un de mes étudiants, et Van Gogh, tu me manques. Regarde ce qui est devenu de ces gens. Ils sont maîtres de Lumetri. Grâce à mes leçons. Maintenant, tu es dans ma classe, réfléchis à ça. Nous travaillons à nouveau sur le plan des deux belles filles et notre idée est de rendre ce coup plus chaud. Dans la leçon précédente, nous avons vu que nous pouvons le faire à partir de l'onglet Correction de base et ensuite simplement augmenter la température comme ça. Mais comme vous pouvez le voir, tout a maintenant cette teinte orange. Donc, je vais réinitialiser ceci et aller à Color Wheels & Match. À partir de là, nous pouvons également pousser une certaine couleur dans les plans, mais nous avons aussi le choix où nous aimerions le pousser, comme les Ombres, les Tons moyens ou les Points forts. Le ton moyen est un excellent moyen de commencer si vous voulez obtenir une teinte de couleur globale sur vos photos. Alors rendons ce plus chaud en utilisant la roue de couleur. Alors poussons dans la teinte orange. Quelque chose comme ça ferait. Maintenant, déjà notre tir va avoir un look différent que même quand nous utilisions le curseur de température, et nous pouvons comparer cela avec le deuxième plan que j'ai eu dans ma chronologie ici, partir duquel nous avons changé à la température de couleur. On l'a pompé. Maintenant, regardez le pull que la fille porte, qui devrait être blanc. Avec la température de couleur augmentée, cette chemise est maintenant aussi orange, mais avec la température de couleur augmentée à l'aide des roues de couleur, sa chemise est toujours une sorte de blanc, ce qui est parce que nous avons seulement ajouté de l'orange à partir du tons moyens. Maintenant, à mon avis, les Midtones agissent trop sur l'image globale. Donc, ce que vous pouvez toujours faire est d'ajouter la couleur opposée, qui est bleue, dans les ombres. Pas trop, un tout petit morceau. Gardez un œil sur les ombres ou les objets noirs tels que le pull que porte la deuxième fille. Nous ne visons pas à rendre ce noir pur noir. On veut faire croire qu'il est noir. La même chose vaut pour les faits saillants. Si vous croyez que son pull devrait être encore plus blanc, alors ajoutez aussi la couleur opposée là, qui est bleu cyan, comme ceci. Maintenant, lorsque nous comparons ces deux chemises l'une à côté de l'autre, vous pouvez voir très bien la grande différence entre elles. Ici, ces deux chemises sont toutes les deux très orange. Alors que dans les premiers clichés, ces deux semblent être plus naturels, tandis que l'aspect général de l'image est encore chaud. Donc, la morale de l'histoire, n'utilisez le curseur de température que si vous voulez faire des ajustements mineurs. Pour des ajustements extrêmes comme nous le faisons ici, essayez d'utiliser les roues de couleur pour cela car vous pouvez orienter beaucoup plus dans les ombres, les tons moyens et mettre en surbrillance séparément. D' accord, je vais réinitialiser tous les effets Lumetri ici en haut et commence à partir d'une page blanche. Je veux vous montrer la technique de classement des couleurs la plus populaire qui s'appelle le look Sarcelle et Orange. Il a été utilisé dans de nombreux films d'action tels que The Transformers et beaucoup d'autres films hollywoodiens parce qu'il fonctionne juste. De votre leçon précédente, nous avons appris que les couleurs chaudes et orange sont quelque chose qui nous attire, et les couleurs froides et bleues, pas tant. Nous pensons à l'obscurité avec des couleurs bleues, les nuits , le noir, les ombres, et quand nous regardons les roues de couleur, nous avons aussi ces ombres ici. Donc, ce que nous allons faire maintenant, c'est pousser un peu de bleu ou de sarcelle dans l'ombre. Faisons ça. Ne vous inquiétez pas de l'image globale pour l'instant. Concentrez-vous seulement sur la chemise de la fille sur le côté gauche. Poussez un peu de sarcelle là-dedans, comme ça. Maintenant, pour les Midtones, nous allons faire le contraire. On va pousser cette teinte orange chaude là-dedans. Comme je l'ai déjà mentionné, sont généralement les tons de peau. Pendant que nous faisons cela, vous pouvez voir que nous sommes en train de tirer l'image droite,. Ce n'est plus si bleu, c'est de plus en plus naturel. Mais j'ai aussi remarqué que mon bleu est maintenant parti. Donc je vais pousser un peu plus de bleu ou de sarcelle dans l'ombre. Avec le classement des couleurs, vous devrez toujours aller en arrière et en avant pour ajuster une chose, puis vous ajuster l'autre chose et regarder votre image et voir ce qu'elle fait. Quelque chose comme ça ferait. Enfin, je vais ajouter un peu plus de contraste dans mes chemises, ce que je peux faire avec ces curseurs. Mais avant que je le fasse, ouvrons à nouveau aux portées lumétriques. Aujourd'hui, je peux voir combien de contraste que je peux ajouter dans mes chemises. Je vais tirer les ombres de ce Slider juste ici. Cela rend mes ombres beaucoup plus profondes. Maintenant fondamentalement, c'est ici le même contrôle que nous pouvons trouver dans l'onglet Correction de base. Cependant, celui des Color Wheels, ce Slider ici, est plus les ombres et les noirs combinés. Donc, même si c'est le même contrôle et oui, il fait la même chose, il est parfois plus rapide de tirer sur ce curseur parce que cela fonctionne juste un peu différent et la même chose vaut pour vos points forts dans le Roues de couleur. Tirer celui-ci va augmenter un peu plus les blancs et les faits saillants ensemble. On y va. Ce que nous finissons avec en ce moment est en fait une image de contraste très riche. C' est parce que nous avons ajouté du bleu dans les ombres et de l'orange dans les tons moyens, qui sont à la fois des couleurs opposées, mais aussi deux couleurs en contraste. Faisons une comparaison rapide. Je vais aller à mes Effets Controls et localiser Lumetri Color, qui est les effets de gradation des couleurs que nous venons de créer ici à partir du panneau Lumetri. Je vais copier ceci en cliquant avec le bouton droit de la souris et dire « Copier ». Vous pouvez également utiliser une touche courte suggère CTRL ou COMMANDER C pour copier cet effet. Ensuite, je vais passer à mon deuxième clip ici dans la timeline, et à partir de celui-ci, je vais supprimer les effets de couleur Lumetri, et je vais coller l'effet Lumetri que je viens de créer précédemment. Donc maintenant, nous finissons avec deux des mêmes coups de feu. Cependant, à partir de son second, je vais réinitialiser les roues de couleur, pour les ombres et pour les tons moyens. Donc, cela signifie qu'ils ont exactement le même contraste parce que je ne l'ai pas réinitialisé à l'exposition pour les Ombres et les Faits saillants, et même si c'est un beau coup naturel, maintenant en regardant le plan précédent, celui-ci semble juste avoir plus de contraste parce que nous avons ajouté le contraire ou les couleurs de contraste là-dedans. Maintenant, voici un petit conseil bonus que j'ai pour vous, étudiants. Si vous allez à la barre d'outils des moniteurs de programme ici avec tous les boutons, nous pouvons trouver un bouton qui dit « Comparaison View ». Cliquer sur cela vous donne réellement un outil pour comparer deux clips l'un à côté de l'autre. Il existe différentes façons de comparer cela. Par exemple, il suffit de les avoir côte à côte, nous pouvons avoir un écran divisé vertical ou un écran divisé horizontal. Mettons-les côte à côte un instant. Ici, à gauche, nous avons un chapeaux de jeu pour contrôler l'image que nous voulons voir sur le côté gauche, et avec juste vos chapeaux de jeu normaux et la chronologie, nous pouvons frotter plus loin à quelle image ou quelles photos nous voulons voir sur le côté droit . Ici, vous pouvez voir une belle différence entre les deux prises de vue corrigées de couleur. Donc, même s'ils ont exactement le même contraste, celui-ci se sent plus riche en contraste parce qu'il y a beaucoup plus de différence de couleur qui se passe dans ce plan. Le bleu et les ombres et l'orange teintes chaudes dans les tons de peau ou les tons moyens. Nous pouvons aussi le définir sur écran partagé pour voir ici ce que nous faisons, et nous y allons. Vous venez de créer un chef-d'œuvre, quelque chose que vous aimeriez mettre contre votre mur dans votre propre petite galerie d'art et vous pensez probablement maintenant  : « Jordy, comment se fait-il que toutes vos peintures soient si belles ? » Eh bien, c'est parce qu'un jour, dans un été de 1879, j'ai fait un si grand chef-d'œuvre, et j'ai été assez intelligent pour le sauvegarder comme un préréglage afin que je puisse utiliser mon chef-d'œuvre comme modèle pour tout à venir. C' est quelque chose que je vais vous enseigner dans la prochaine leçon. 7. LUTs et apparences: Une fois que vous avez nettoyé vos crayons, vos couleurs ont disparu. Heureusement, avec la technologie de nos jours, comme Adobe Premiere Pro et Lumetri, nous pouvons sauvegarder nos couleurs pour une utilisation ultérieure. Il y a deux façons de le faire. Nous avons déjà vu que chaque fois que nous ajustons quelque chose à partir de la fenêtre de couleur Lumetri, un effet de couleur Lumetri sera appliqué au clip. Maintenant, c'est un effet. Cela signifie que nous pouvons faire un clic droit dessus et dire « Enregistrer le préréglage ». On peut lui donner un nom. Par exemple, My Awesome Graading. Appuyez sur « OK ». Ensuite, nous pouvons trouver ce préréglage dans notre bibliothèque Effects. Préréglages. Juste là, c'est. Permettez-moi de supprimer mes effets Lumetri du clip numéro un. Maintenant, lorsque je vais faire glisser mon préréglage sur ce clip, même effet Lumetri sera désormais appliqué à ce clip. C' est une façon de sauvegarder votre look spécifique, mais il y a une autre façon. On appelle ça le sauver comme un LUT. Depuis le panneau Lumetri en haut, vous pouvez cliquer sur ces trois lignes, qui est juste le menu du panneau Lumetri et à partir de là, nous pouvons exporter ceci sous forme de .cube. Nous pouvons également choisir de l'exporter en tant que .look, mais .look est très spécifique à Lumetri, ce qui signifie qu'il n'est pas universel, et cela ne fonctionnera pas partout, donc nous allons toujours choisir pour l'exportation vers un fichier .cube. Faisons ça. Accédez au dossier dans lequel vous souhaitez enregistrer ce fichier cube. J' ai en fait ici dans mes fichiers de projet un dossier appelé LUT. Je vais juste sauver ça là-dedans. Comme vous pouvez le voir, j'ai déjà deux fichiers cubes, que nous allons entrer dans un instant. Donnons un nom à ça. Parce que c'est un aspect sarcelle et orange comme nous l'avons vu dans la leçon précédente, appelons-le aussi de cette façon, Sarcelle et Orange. Ensuite, appuyez sur « Enregistrer ». Nous venons de créer notre propre LUT. Si vous avez parcouru Internet, vous verrez partout où les gens donnent leurs packs de LUT ou vous pouvez acheter des packs de LUT. Eh bien, c'est fondamentalement ce qu'est un LUT. Ces personnes ont créé un style spécifique et sont maintenant en train de les partager avec le monde en ligne. Parce que nous l'avons enregistré, je vais supprimer mon effet Couleur Lumetri de ce clip. Il y a deux endroits où nous pouvons insérer un LUT dans Lumetri. Le premier provient de l'onglet Correction de base. On a Input LUT juste ici. Le second provient de l'onglet Creative où nous avons une entrée Look. Dans un instant, nous allons voir la différence entre ces deux-là. Pour l'instant, je veux juste montrer mon LUT en action. Allons ici, à partir de l'onglet Création, ouvrez dans le menu déroulant et dites « Parcourir ». De là, nous pouvons parcourir notre LUT personnalisé, qui est ici dans le dossier LUT, Sarcelle et Orange.Cube. Sélectionnez-le et appuyez sur « Ouvrir ». On y va. même look que nous avons créé avant est maintenant ajouté à partir de ce petit menu déroulant juste ici. Le LUT ne changera aucun paramètre car si nous allons à la Color Wheels & Match, vous verrez qu'ils sont toujours à la valeur par défaut. Tout est basé sur ce petit fichier ici, qui s'appelle notre LUT Teal and Orange. Il existe deux types de LUT différents. D' un côté, nous pouvons trouver le LUT créatif comme nous avons créé en ce moment, le look sarcelle et orange, qui est un look spécifique et une tonalité de couleur spécifique. l'autre côté, nous pouvons trouver les LUT les plus techniques. Ceux-ci sont généralement spécifiques à la caméra. Dans ma chronologie ici, j'ai Clip numéro quatre, qui est encore une belle fille. Mais vous pouvez voir que ce plan semble très différent de ce que nous avions l'habitude de travailler. C' est super plat. C' est ici qu'on appelle une image de journal, qui est essentiellement juste une image très plate. Vous obtenez presque pas de couleurs et presque pas de contraste. Mais cela a un très grand avantage parce que cela signifie que nous avons aussi beaucoup de détails. Ici, dans l'ombre en bas, parce qu'il est si plat, nous avons des détails là-dedans. La même chose vaut pour le ciel derrière la fille, qui est très lumineux. Mais parce que c'est si plat, nous avons encore des détails dedans. Chaque marque d'appareil photo a sa propre petite saveur de bûches. Les caméras Sony ont leur célèbre S-Log. On a S-Log2, S-Log3. caméras Panasonic ont quelque chose appelé V-Log. Les caméras Canon ont C-Log. Ce que je travaille ici, c'est une caméra de cinéma RED. Ce RED a un journal rouge. Nous pourrions commencer à vider à partir de zéro sur cette image très plate, mais nous pourrions aussi choisir de commencer à travailler avec un LUT technique, un LUT spécialement conçu pour ces clichés. Ces LUT techniques sont toujours disponibles sur le site officiel. Juste à titre d'exemple, sur Google, j'ai cherché le Sony S-Log pour rec 709 LUT. Je suis venu sur le site officiel et ici en bas, vous pouvez voir que nous avons réellement le S-Log2 et S-Log3 Rec. 709 LUT, que nous pouvons télécharger ici gratuitement. Je ne veux pas aller trop loin dans ce truc technique. La seule chose dont tu dois te souvenir c'est que Rec. 709 est un espace colorimétrique très couramment utilisé. Revenons à Premiere Pro. Cette fois, allons simplement dans l'onglet Correction de base et choisissez le LUT d'entrée. Cliquez sur le menu déroulant et choisissez « [Personnalisé] » ou « Parcourir ». Ça n'a pas vraiment d'importance. De là, je vais localiser mon dossier LUT. Ce que j'ai ici, c'est un Rec. 709 LUT. Celui-ci ici est très spécifique à cette prise de vue de mon appareil photo, qui est la caméra de cinéma numérique RED. Sélectionnez cela et appuyez sur « Ouvrir ». On y va. Ce que ce LUT va faire est juste tirer le contraste et les couleurs à ce Rec. 709 espace colorimétrique, ce qui fait apparaître le plan comme un plan normal. n'y a pas de regard spécifique, il va juste s'assurer que nous obtenons un tir aussi naturel que possible. Maintenant que nous comprenons la différence entre un Rec. 709 LUT et un look créatif, quelle est la différence entre le LUT d'entrée en ce moment et l'onglet Look créatif. Essentiellement, ils font exactement la même chose. Mais pourquoi y a-t-il deux réglages ? Laisse-moi te montrer. Chaque onglet ici est assis dans un ordre spécifique et il y a une très bonne raison à cela. Lorsque j'ajoute mon LUT dans l'onglet Correction de base, mon LUT a été appliqué en premier. Ensuite, après cela, nous pouvons changer les paramètres de tonalité. Vous pouvez également modifier d'abord les paramètres Tone, puis appliquer le LUT dans l'onglet Création. Pour mieux montrer ce qui se passe ici, je vais revenir à mon premier clip ici dans la chronologie. Laisse-moi juste réinitialiser ici sur le dessus de l'effet Lumetri pour qu'on puisse commencer à zéro. Je vais accéder à mon onglet Correction de base. À partir de la fenêtre d'entrée LUT, je vais aller à Parcourir. Cette fois, je vais prendre ce fichier Cube ici, qui est un Hard Contrast LUT. En passant, les gars, si vous n'avez pas encore lu la description de la classe, ce que vous devriez toujours faire avant de commencer la classe, vous pouvez en fait télécharger tous ces LUT et tous les clips vidéo et le fichier du projet et tout à partir du projet ou quelque chose ici sur Skillshare. De là, vous pouvez trouver un bouton de téléchargement. Laissez-moi simplement sélectionner le Hard contraste.Cube et appuyez sur « Ouvrir ». Nous avons un contraste énorme en ce moment, mais c'est juste pour un exemple. Comme vous pouvez le voir, le chemisier de la fille et aussi dans son visage est complètement soufflé. C' est surexposé. Mais en réalité, le clip original n'est pas surexposé. Cela signifie que l'information est toujours là. Cela signifie que nous pourrions en fait tirer les faits saillants. Essayons de faire ça. Ça ne fait pas grand-chose. Essayons d'abattre les blancs aussi. Essayons de réduire l'exposition. On dirait qu'on ne peut plus vraiment arranger ça. Regarde ce qui arrive à sa peau ici. Parce que nous avons appliqué ce Hard Contrast LUT, d'abord, nous ne pouvons vraiment rien récupérer de la source parce que le Hard Contrast a changé sa source. Alors faisons le contraire maintenant. Je vais réinitialiser Lumetri à nouveau. Cette fois, je vais accéder à mon onglet Créatif. Allez dans mon Look, dites « [Personnalisé] » et sélectionnez « Contraste dur ». Ça va faire exactement la même chose, mais regarde ça. Je vais aller à mon onglet Correction de base et cette fois diminuer l'exposition. Je peux également diminuer les faits saillants. Regarde ça. Je récupère complètement les faits saillants. En effet, même si les LUT de l'onglet Creative coupent l'exposition, elles ne sont pas sous source. Je peux toujours travailler avant le LUT sur la source et récupérer l'image. C' est ce que la grande différence est entre ces deux champs d'entrée, juste l'ordre où vous allez appliquer votre LUT. Plus tard dans cette classe, nous allons également résoudre certains problèmes de classement des couleurs. Là, vous verrez aussi que l'ordre va être très important. Donc nous allons le voir plus souvent tout au long de cette classe. Cela signifie-t-il que nous ne devrions jamais utiliser le LUT d'entrée de l'onglet Correction de base ? Essentiellement, oui, du moins à mon avis. J' utilise à peine le LUT d'entrée pour cette raison exacte. Cependant, lorsque vous souhaitez appliquer deux LUT à un élément, ce qui se produira dans un classement des couleurs plus avancé, vous devez soit appliquer aux effets de couleur Lumetri, que nous aborderons plus tard, soit utiliser le Entrez LUT et utilisez en même temps le Look de l'onglet Creative. Je vais réinitialiser ma couleur Lumetri ici à nouveau et aller dans mon onglet Correction de base. Dans mon UT d'entrée ici, vous pouvez voir que j'ai installé quelques LUT personnalisées. Laissons ces LUT faire quelque chose de très mineur. Par exemple, celui-ci juste ici. Comme vous pouvez le voir, il vient de rendre le tir un peu plus plat. Ça va faire un ajustement très mineur. cette raison, je sais que mon tir ne sera jamais sous ou surexposée. Il va juste faire un ajustement mineur, comme ajouter un peu plus de roll-off ou peut-être changer la teinte de la Rec. un petit peu, et c'est tout. Une dernière chose que je veux vous montrer est sous l'onglet Créatif, chaque fois que vous allez choisir un look spécifique, et en passant, vous pouvez les trouver partout sur Internet. Si vous deviez rechercher des LUT en téléchargement gratuit ou quelque chose, vous trouverez des LUT spécifiques. Vous pouvez voir tout aussi bien que j'ai également téléchargé quelques-uns ici. Il suffit de choisir quelque chose comme CineSpace, que nous avons tous par défaut dans l'installation de Premiere, il va ajouter un aspect spécifique à nos plans. En bas à droite, nous pouvons trouver un curseur d'intensité, ce qui signifie que nous pouvons rendre l'intensité de ce LUT plus difficile ou plus douce, quelque chose que nous n'obtenons pas non plus sous l'onglet Correction de base. Nous pouvons également permuter les différentes LUT que nous avons installées en cliquant ici dans la fenêtre d'aperçu et voir ce que nous obtenons. Par exemple, j'aime beaucoup celui-ci, alors je peux juste cliquer dessus et il sera appliqué. Je peux augmenter l'intensité de ce LUT ou le diminuer encore. Vous pouvez voir que nous obtenons beaucoup plus de flexibilité. En bas, nous avons même d'autres options comme l'ajout de film fané, qui va rendre les ombres un peu laiteuses, ce film typique. Nous obtenons aussi Sharpen. Si vous voulez ajouter plus de netteté, à votre tir, vous pouvez le faire à partir d'ici. Ensuite, nous avons aussi un contrôle Vibrance et Saturation. Mais que mes chers élèves sont pour la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 8. Saturation vs Vibrance: Il y a une chose qui me dérange toujours pendant que je peins. C' est la saturation des couleurs. Ils me rendent toujours dingue. C' est pourquoi, dans cette leçon, je veux jeter un oeil sur la vibrance et la saturation et comment nous pouvons manipuler cela. Dans lumetri, nous avons quelques curseurs de saturation, comme ici dans l'onglet de correction de base. Vous en avez aussi un ici dans l'onglet de création, mais aussi un curseur de vibration. Nous avons également vu précédemment dans cette leçon, chaque fois que nous allons ajouter un peu plus de contraste dans nos plans, aussi, les couleurs seront plus saturées, mais comment saturées sont dans ces couleurs et que pouvons-nous faire avec la saturation ? Jusqu' où est trop de saturation ? Qu' est-ce qui est trop moins de situation ? Eh bien, pour cela, nous allons encore travailler avec un outil de mesure, cette fois, le vectorscope. Cliquez avec le bouton droit de la souris dans la fenêtre « Lumetri Scopes » et choisissez « Vectorscope ». Il existe deux types de portées de vecteurs, le HLS et le YUV. Nous allons toujours travailler avec le YUV est que comme le plus largement utilisé et il a également quelques options supplémentaires, alors sélectionnez celui-là. Pour l'instant, je vais également désactiver la forme d'onde ici, car nous n'avons pas besoin de cela. Ceci représente juste la roue de couleur, comme nous l'avons vu précédemment. Pour mettre en surbrillance au milieu représente les couleurs. Plus le pic de jour à une certaine valeur de couleur comme celle-ci ici aux rouges, plus cette couleur est saturée. Les rouges se retrouvent dans les tons de peau à travers ses lèvres, mais certainement aussi ici dans ses jupes. Non, pourquoi avons-nous augmenté le curseur de saturation, vous verrez également que les points forts seront plus poussés vers l'extérieur. Les couleurs seront trop saturées si elles vont passer sur ces lignes juste ici. En d'autres termes, votre saturation est idéale pour la diffusion, pour la télévision. Pour la plupart d'entre nous, ce ne sera probablement pas le cas car nous ne travaillons pas pour la télévision. Cependant, il est toujours bon de suivre cette règle car après tout, les couleurs trop saturées ne sont pas vraiment belles à moins que vous ayez une très bonne raison à cela. Réinitialisons la valeur de saturation. Nous voyons que les couleurs sont maintenant plus poussées vers le rouge, l'orange, le jaune. Mais si nous allons déplacer les courbes, par exemple, avec un curseur de température, vous verrez également que les surlignements seront poussés de l'autre côté. La même chose va avec une teinte. Pousser vers le magenta poussera tous mettre en évidence plus ici sur les sites magenta et aussi avec le vert. Jusqu' à présent, nous avons regardé toute l'image. Mais disons maintenant que nous voulons avoir à regarder sa blouse, quel point sa blouse est blanche ? Eh bien, pour ce faire, je vais me diriger vers les « Effets Controls » et pour ma propriété « Opacité » ici, prenez l'outil stylo, cliquez dessus, et je vais dessiner un masque autour de sa blouse, comme ça. Puis retournez à mes « Lumetri Scopes », et maintenant je vois que votre blouse est un peu trop jaune. Bien sûr, trop, ça dépend. Auparavant, dans cette classe ont également parlé de ce que je n'aime pas vraiment les images qui semblent trop propres. Si je voulais prendre le sélecteur de balance des blancs et choisir son chemisier ici pour être blanc pur. Vous pouvez voir ici dans un vectorscope au point culminant est poussé à l'intérieur. Cela signifie que lumetri va essayer de rendre automatiquement son chemisier blanc pur, ce qui en théorie est correct. À mon avis, c'est un peu trop propre. Retournez à vos « Contrôles d'effets » et désactivez simplement l'opacité pendant un instant. Vous pouvez également désactiver votre masque et ainsi vous pouvez voir les photos entières. Ou bien sûr, après, vous pouvez supprimer votre masque. Créer de tels masques est quelque chose que je fais très souvent cette façon je comprends mieux quelle saturation, quelle couleur, quel niveau une certaine zone a dans mes photos. Encore une fois, quelque chose que nous allons voir plus tout au long de cette classe. Revenons aux « Lumetri Scopes » parce que si nous descendons ici dans notre onglet « Créatif », vous trouverez également un curseur dynamique. À première vue, le vibrant semble faire la même chose que la saturation. Son augmente la saturation de la couleur, donc nous sommes diminue cela. Eh bien, voici comment la vibration et la saturation sont différentes. Ce que la saturation fera, c'est toujours pousser toutes les couleurs plus ou les sature moins, avec de la vibrance, il va essayer de niveler les différentes couleurs. Si le ton bleu n'est pas saturé car le ton rouge dans cet exemple va essayer de pousser le ton bleu d'abord, puis aussi commencer à pousser le ton rouge pour répartir uniformément la saturation et apporter la saturation des différentes couleurs plus rapprochés. Laisse-moi te montrer ça. Comme j'augmente la saturation ici, vous pouvez voir que la forme de ces mises en évidence reste la même. C' est repousser les couleurs, mais maintenant laissez-moi juste réinitialiser la saturation et laissez-moi juste augmenter la vibration. Comme vous pouvez le voir ici maintenant, la forme est en train de changer. Nous obtenons plus de points forts vers les sites bleus, rouges et jaunes et tout est aussi plus saturé, mais pas autant que le bleu. Très souvent, quand vous pensez que certaines couleurs sont déjà assez saturées, vous pouvez alors augmenter la vibrance. Par exemple, je pense que sa jupe est déjà assez saturée, mais je le fais, aimerait ajouter des couleurs pour se démarquer un peu plus que je peux simplement augmenter la vibration comme ça. Parfois, vous pouvez utiliser les deux en tirant vers le bas la saturation globale de toutes les couleurs même temps, puis en augmentant la vibration pour les ramener ensemble comme ça. Ils regardent l'avant et l'après. On voit que l'ombre est beaucoup plus vivante. C' est plus vif, mais je faisais que le rouge canalisé soit sursaturé, ou en tirant plus sur les autres couleurs. Que mes chers étudiants est la différence entre saturation et vibrance. Vous travailleriez maintenant avec le vectorscope plus tard dans cette classe, nous allons créer des masques plus dans nos plans afin que nous puissions mettre en évidence zones spécifiques et dans les prises de vue et manipuler ces couleurs à quelque chose que nous voulons spécifiquement à. C' était juste une phrase très compliquée. Mais les choses vont être claires. Non, les choses vont être claires. Oh mon garçon, les choses vont être effacées. En outre, tout au long de cette classe, merci de regarder. 9. Correction des couleurs vs étalonnage des couleurs: En tant qu'artiste, il est super important de toujours rester hydraté. Commençons. Dans cette leçon, je vais vous montrer la différence entre la correction des couleurs et le classement des couleurs. Ce que j'ai ici, c'est sous une belle photo d'une belle fille. Mais le tir lui-même n'est pas si beau. Il doit d'abord être corrigé, c'est ce que signifie la correction des couleurs. Faisons-le rapidement parce que nous savons maintenant comment le faire. En regardant la forme d'onde dans les champs de laboratoire, on sait que cette photo est un peu trop surexposée. Je vais diminuer l'exposition comme ça. Maintenant, parce que les faits saillants et les blancs sont mélangés ensemble, que je peux aussi voir ici, je vais les séparer un peu plus, créant un peu plus de contraste entre eux. C' est pour ça que je vais me baigner ici sur les Blancs comme ça, juste les sortir comme ça. Ensuite, je vais aussi diminuer les ombres, ajouter un peu plus de contraste global et voir qu'ils ont encore de la place ici en bas avec mes ombres. Je vais aussi abattre les Noirs. Vous n'avez pas toujours à prendre toute la gamme allant de 0 à 100, parce que si vous le faites alors vous perdez les détails. Je vais m'en tenir à juste au-dessous de 10 pour cent et juste ici juste au-dessus du 90 pour cent, puis vient à la température de couleur. On peut dire tout de suite que ce tir est trop froid. Il y a trop de bleu dans ce plan. Comme nous l'avons vu précédemment, nous ne toucherons pas le curseur de température parce que si nous le faisons, vous verrez que nous poussons simplement l'orange dans les plans globaux. Le curseur de température est bon pour les ajustements mineurs, mais pas pour les ajustements extrêmes comme celui-ci. Laisse-moi juste réinitialiser ça à nouveau et on va sauter sur les roues de couleur ici. Parce qu'ici, nous ne pouvons ajouter que de l'orange dans le ton médian. Faisons ça. Poussons un peu d'orange dans les tons moyens et essayons de regarder le tir pendant que nous faisons cela pour le rendre plus chaud comme ça. Pendant que je fais cela, je découvre aussi que mon ombre semble être un peu à réchauffer aussi. Je vais pousser dans la couleur opposée, le bleu, ce qui est un peu comme ça et c'est tout que nous avons maintenant la couleur corrigée cette photo. En regardant l'avant et après ici, il semble beaucoup mieux, bien sûr. Avec la correction des couleurs, vous n'allez pas ajouter une émotion ou une tonalité de couleur spécifique à vos photos. Maintenant, vous allez juste le corriger pour qu'il semble naturel, une certaine base à partir de laquelle vous pouvez commencer. Parfois, vous voulez seulement avoir cela, une correction de couleur, où tout semble naturel, généralement des articles de nouvelles et des trucs comme ça ont juste une correction de couleur. Mais quand vous allez faire du film, vous ajouteriez une émotion spécifique, un certain sentiment dans vos couleurs et ensuite nous parlons d'un classement des couleurs. Maintenant, il y a deux façons d'ajouter une nuance de couleur à vos photos. Le premier est de continuer à travailler en géométrique. Nous avons fait notre correction de couleur en ce moment et maintenant je choisis de revenir à mon onglet de direction de base, parce que pour mon classement des couleurs, je voudrais peut-être avoir un tir plus dels. Je vais diminuer l'exposition encore plus comme ça et j'aime avoir un plus grand contraste comme ça. Pour mes roues de couleur, je vais choisir d'ajouter un peu de vert dans l' ombre parce que peut-être je suis en train de créer ce film d'horreur. Voici maintenant mon classement des couleurs. C' est ma saveur personnelle que j'ai ajoutée aux photos. Mais ce que j'ai fait maintenant, c'est que j'ai cassé ma correction de couleur parce que j'ai travaillé plus loin sur ma correction. C' est toujours une mauvaise chose. C' est une façon de travailler, mais sachez que vous brisez votre correction. Voilà ce que je vais faire. Je vais appuyer sur Control Z quelques fois pour annuler mon action et revenir à mes photos corrigées en couleur. Dans le panneau de commandes des effets, vous pouvez voir qu' un effet de couleur métrique jaune a été ajouté à cet élément. En haut à droite, nous avons un menu déroulant. Si vous cliquez dessus, nous avons quelques options. Nous pouvons dire ajouter un nouvel effet de couleur métrique, renommer ou supprimer, effacer en d'autres termes. Pour commencer, je vais renommer l'occurrence des effets de couleur métriques et je vais le nommer, correction de couleur, appuyez sur OK. Vous pouvez également voir ici dans vos contrôles d'effets que ce nom a été ajouté à ces effets et maintenant je vais le voir à partir de ce même menu déroulant aux effets de couleur métriques bleus. Comme vous pouvez le voir ici dans vos contrôles d'impact, une nouvelle couleur de métrique a été ajoutée. Aussi cela, je vais renommer d'abord avant que je star. Assurez-vous toujours que vous disposez d'un espace de travail organisé. Ce sera ici pour le classement des couleurs. Comme nous l'avons vu précédemment avec les lots d'entrée et de regarder ici, l'ordre des effets est très important. La même chose se passe ici. Nous allons d'abord appliquer la correction des couleurs, puis nous allons appliquer le classement des couleurs. À tout moment, vous pouvez basculer entre ces deux dans le menu déroulant ici en haut, puis sélectionner la correction des couleurs ou le classement des couleurs. Dans cet effet de classement des couleurs, nous pouvons recommencer à zéro, comme vous pouvez le voir, tous les contrôles ici ont été réinitialisés. Maintenant, créons un certain look. Revenons pour ce vert dans l'ombre, peut-être rendre ces ombres un peu plus profondes comme ça. Je vais ajouter un peu le magenta du site opposé et aux tons de peau, juste pour les garder naturels. La lumière du jour est entrer dans le robinet de courbes, peut-être décaler le canal rouge et les ombres comme ça. Mais je vais les ajouter à nouveau dans les faits saillants. Je crée ce look cool pour que tu puisses faire ce que tu veux ici. Peut-être diminuer la saturation, mais ensuite élever le vibrant, juste un petit peu plus, là nous allons. C' est quelque chose que j'aime. C' est ma touche personnelle à elle et quand je joue le tissu mes couleurs prennent vie encore plus. Maintenant, la grande chose à propos de ce flux de travail, avoir votre correction de couleur et votre salutation savant séparément est que nous pouvons revenir aux contrôles d'effets et désactiver le classement des couleurs pendant un moment, revenir à la correction des couleurs ici pour le menu déroulant comme ça, et modifiez cela un peu plus loin si nécessaire. Nous pouvons toujours revenir en arrière et faire des changements. Quelque chose que nous ne pouvons pas faire si nous allons faire pour la correction des couleurs et le classement des couleurs et en haut ou à l'intérieur, en dehors du bavardage. Une autre grande utilité est quand vous allez travailler avec plusieurs clips comme vous le faites probablement. Ici, j'ai le clip numéro un aussi, je vais le faire glisser dans ma chronologie comme ça. Maintenant, ce clip a déjà l'air naturel. Je n'ai pas à faire une autre correction de couleur dessus. Je peux simplement aller au clip numéro huit, mon précédent. Prenez l'effet de gradation des couleurs, appuyez sur Contrôle C ou Commande C pour que les utilisateurs Mac puissent copier ces effets. Ensuite, allez dans le clip numéro un ici et collez-le dans les contrôles d'effets. On y va. Maintenant, nous obtenons également la même note sur mon deuxième plan et que mes chers élèves sont une différence entre la correction des couleurs et le classement des couleurs et aussi, nous avons vu un peu de flux de travail maintenant. Dans la leçon suivante, nous allons jeter un oeil sur la psychologie des couleurs et les émotions derrière chaque couleur différente. Ça va être vraiment intéressant. Restez hydraté. 10. La philosophie derrière l'étalonnage des couleurs: Parfois, j'aime juste marcher dans ma galerie, et penser à quel point je suis grand d'artiste. Chaque peinture a une certaine émotion, un certain regard et un sentiment. Regardez ces poulets, par exemple. C'est magnifique. Ce sont mes notes de couleur. Mais comment choisir le type de classement des couleurs que vous ajoutez à vos vidéos ? Quelle émotion dois-tu aller ? C' est quelque chose qu'on appelle la philosophie des couleurs, ou la psychologie des couleurs, comme d'autres le nomment. Quoi qu'il en soit, quel genre de couleurs on mélange ? Comment fait-on un classement ? Voyons comment on peut faire ça, n'est-ce pas ? J' ai deux clips différents dans ma chronologie. L' une d'entre elles est ces belles filles qui marchent dans un champ, très rêveuses, et puis ces photos ici, qui vient plus d'un film d'action. C' est un chasseur et il a maintenant trouvé son ennemi, qui va se battre. Revenons à ce premier clip. Une fois que j'ai ajouté un classement de couleur à ces photos, cela correspond juste à la prise de vue, qui raconte aussi une histoire. Parce que c'est ce qu'est le classement des couleurs. Un certain ton, un mouvement de certitude qui ajoute à votre histoire. Maintenant, ce que j'aime faire, c'est commencer décrire soit ce plan, soit le film sur lequel je travaille. Donc ici, nous avons juste deux belles filles qui marchent dans un champ. Vous avez un coucher de soleil et c'est très rêveur. Ils portent des vêtements brillants. C' est très chaud, c'est invitant. J' aime rester dans l'herbe juste ici et voir ces filles passer. Une très belle journée d'été. Donc ce que je vais faire, c'est aller directement à mes roues de couleur et correspondre. partir des tons moyens, je vais juste pomper dans beaucoup d'orange. La raison pour laquelle je fais cela est parce que l'orange est de couleur chaude. Quelque chose que nous nous sentons attirés comme nous l'avons vu auparavant dans cette classe. Il va également améliorer ce coucher de soleil beaucoup plus dans les arrière-plans. Quant aux ombres, je vais ajouter un peu le contraire dans la roue, petit peu de bleu. Pas trop, juste un petit peu. Et la raison en est que je veux neutraliser un peu plus ces ombres. Je veux ajouter un peu de différence entre les ombres et les tons moyens. Je ne veux pas que tout soit orange. Un bon coloriste s'assurera toujours qu'il y a de la dynamique dans les prises de vue. Maintenant, je ne veux pas que les ombres apparaissent bleues. Absolument pas. Ils peuvent être très chauds, aussi, parce que c'est un ton que je veux faire, mais pas autant que les tons moyens, qui sont les filles et les champs. En regardant ici ma portée Lumetri, je ne veux pas non plus aller au-dessous de 10 pour cent. Je vois que j'ai un petit peu d'espace, donc je pourrais vouloir aller dans l'onglet de correction de base, et peut-être juste augmenter ce contraste un peu, comme ça. Mais je ne veux pas aller au-dessous des 10 pour cent, parce que je veux garder ça un peu délavé. C' est un peu plus rêveur. Quant à la saturation, je vais tirer ça parce que je ne veux pas que ces couleurs crient autant. Je veux que ce soit doux, doux, chaud, quelque chose qui nous attire. Je veux rester dans ce domaine en ce moment si je regarde ces couleurs. Donc, ce que j'ai fait en ce moment est une classification de couleur très basique qui correspond réellement à cette scène. C' est quelque chose avec lequel nous pourrions travailler. Ça va. En regardant l'avant et l'après, vous pouvez voir quelle énorme différence nous avons eu. Jetons un coup d'oeil au deuxième coup de notre chronologie, où ce gars ici va combattre son ennemi. À titre d'exemple, je vais sélectionner mon clip précédent ici, et à partir des contrôles d'effets, copiez cet effet Lumetri et collez-le sur cette photo ici. Donc maintenant, nous avons la même notation, mais à mon avis, ça ne va pas du tout. Nous créons un regard romantique, chaleureux et rêveur sur quelque chose qui devrait être difficile, l'action. Ça devrait être un peu plus sale. Il suffit de réinitialiser cet effet Lumetri et de décrire votre scène. De quoi s'agit-il ? Il fait vraiment froid. Ils vont se battre. Il va y avoir du sang et ça va être très dur, quelque chose que nous ne nous sentons pas attirés. Alors commençons le classement des couleurs dès maintenant. Laissons d'abord les lunettes Lumetri, et je vais plonger dans les roues de couleur et faire correspondre. Pour les tons moyens, cette fois, je vais mettre un peu de bleu là-dedans. Je vais rendre la scène générale très froide. Ensuite, pour ses ombres, on pourrait aussi y mettre du bleu. Mais comme je l'ai mentionné précédemment, un bon coloriste s'assurera toujours d'ajouter plus de dynamisme dans les clichés en ayant des tons de couleur différents. Donc si je pouvais faire ce bleu aussi, alors tout va commencer à devenir bleu et vous obtenez juste un ton de couleur. Donc je vais faire quelque chose de différent. Je ne veux pas que les ombres soient chaudes. Absolument pas. Donc, je ne vais pas tirer dans la couleur opposée, mais je vais travailler avec certaines des couleurs artificielles, magenta ou vert. Cette fois, le vert s'adapterait beaucoup mieux. Le vert s'assied plus dans ce look de science-fiction. C' est très moche. Le vert est moche. C'est artificiel. Alors, tirez un peu de vert dans l'ombre. La prochaine étape vient au contraste. Je veux que ce soit dur. Un contraste difficile parce que cela va être une scène difficile, aussi. Donc, cette fois, je pourrais vouloir aller beaucoup plus loin que 10 pour cent ici et peut-être me pencher un peu plus vers le zéro pour cent. Donc, je vais aller à mon onglet de correction de base et juste augmenter le contraste pour commencer comme ça. Les noirs absolus peuvent être beaucoup plus profonds, alors nous allons aussi le faire descendre. La même chose vaut pour les Blancs ici. J' ai encore de la place, donc je vais augmenter ça aussi, jusqu'à 100 pour cent. Enfin, je vais revenir à mes roues de couleur et correspondre et aussi tirer vers le bas les ombres d'ici. Ce curseur ici va prendre une plus grande portée. Donc ça va réduire un peu plus l'exposition de la photo entière, rendre ça plus sombre. Cela commence donc à ressembler à un film d'action en ce moment. Puis enfin, je veux que la saturation crie un peu plus, rend un peu plus vivante. Alors allez dans votre onglet créatif, et au lieu d'ajouter de la saturation parce que nous voyons déjà que nous avons beaucoup de ça dans les tons rouges , le ton jaune, etc. C'est pourquoi je vais augmenter la vibrance, et ajouter un peu plus de saturation dans ces tons bleus et verts. Alors on y va. C' est quelque chose qui pourrait vraiment fonctionner. Cela pourrait être une gradation de couleur pour un film d'action. Jetons un coup d'oeil à l'avant et à l'après. Regarde. Quelle grande différence. Maintenant, avec la correction des couleurs, nous pouvons dire plus si quelque chose a été bien corrigé ou pas si bon. Avec le classement des couleurs, ça va être plus difficile. Le classement est un processus très artistique. C' est quelque chose de très personnel. C' est pourquoi c'est très difficile de vous dire, les gars, c'est comme ça que votre notation devrait être faite. Parce que chaque plan, chaque projet, chaque film est différent et l'opinion de chacun est également différente sur les arts de la gradation des couleurs. Mais avec cette technique simple en décrivant simplement votre plan, ce qui se passe, quel genre de sentiment vous obtenez avec les plans ou avec votre film, et ensuite apporter cela à votre évaluation ici est quelque chose qui pourrait aider créer votre propre philosophie de couleur. Le classement des couleurs est tout au sujet de l'expérience. Au début, je veux que vous expérimentiez. Fais juste quelque chose. Essayez de jouer avec ces couleurs. Voyez ce que vous pouvez faire avec Lumetri. Et après avoir acquis plus d'expérience, ce qui pourrait prendre des années de pratique, vous découvrirez quels tons de couleur fonctionnent mieux que d'autres. L' une des plus grandes erreurs que je vois souvent revenir est que le classement des couleurs ne correspond tout simplement pas à la scène, où les gens vont ajouter une action ou un classement des couleurs d'horreur à un tir comme celui-ci. Bien sûr, c'est faux. Alors pensez au sentiment qui se passe, ou à l'émotion dans vos clichés, puis appliquez une notation de couleur à cela, qui correspond à cela. Nous avons appris pour les couleurs froides. Nous avons appris les couleurs chaudes. Nous avons appris le contraste profond, le contraste doux, et ce que cela fait. Aussi à propos de la saturation, combien la saturation doit être ? Plus de saturation signifie que votre tir va crier plus, moins de saturation signifie que votre tir va être un peu plus calme. Alors essayez de décrire votre projet, aussi, juste comme ça et pratiquez-vous beaucoup et vous serez un bel artiste comme moi, un jour, de nombreuses années de pratique. Parce que je suis un maître. J' ai 500 ans d'expérience. 11. Animer les couleurs et les tons: Jusqu' à présent, votre peinture de portrait se passe très bien. Il n'y a qu'un seul problème, il semble un peu vert. Mais pas de problème, je peux réparer ça, mais pas maintenant. J' essaie toujours de comprendre comment. D' ici là, jetons un coup d'oeil à un autre problème que nous abordons ici. Nous allons devoir animer notre correction de couleur. Ici, j'ai ce clip dans ma chronologie que nous avons classé dans la leçon précédente, et bien que le classement des couleurs soit superbe à cause de la lumière du soleil, nous obtenons une fusée dans la caméra, et c'est en train de soulever les ombres. Mais quand cette personne est derrière l'arbre, nous n'avons pas cette fusée, et bien sûr, cette personne est maintenant aussi sous-exposée. Nous obtenons donc deux niveaux d'exposition différents en un seul coup, ce qui signifie que nous devons également animer notre correction de couleur. Nous pouvons aussi voir que dans notre forme de vague, que nous avons beaucoup d'informations ici coller sur le fond. C' est ici tout sous-exposé, qui est clairement cette rue ici et aussi l'acteur. Dans notre vectorscope, nous pouvions aussi voir une différence. Quand l'ombre est sous-exposée, on a beaucoup d'informations sur le côté bleu cyan. Mais dans la deuxième partie des prises de vue, vous pouvez voir qu'une plus grande partie du point culminant se penche maintenant vers les côtés rouge, jaune et vert. Pour que ces premières parties correspondent mieux à la deuxième partie des prises de vue, nous allons devoir animer à la fois les niveaux d'exposition, ainsi que les couleurs. Passons aux droits de contrôle des effets ici. Maintenant, si vous êtes déjà familier avec Adobe Premiere Pro , toute réunion sera très facile pour vous car essentiellement, c'est la même chose qu'avec tous les autres effets. Je vais aller à mon contrôle d'effets afin de localiser cet effet de couleur lumetri. A partir de là, je vais ouvrir les Color Wheels & Match, mais aussi la correction de base. Parce que dans ces deux paramètres, nous avons fait quelques changements, et ici nous pouvons trouver tous les mêmes contrôles que nous obtenons également avec un panneau élémentaire. Vous pouvez également choisir de faire votre classement des couleurs à partir d'ici si vous le souhaitez. Comme vous pouvez le voir, chaque propriété ici a le chronomètre, ce qui signifie que nous pouvons animer cette valeur. D'accord. Développez la vue Montage pour ce clip, que vous pouvez faire en cliquant ici sur ce petit triangle en haut, voilà. Nous allons faire un peu plus de place comme ça, et ce que je veux toujours avoir ce sont mes Lumetri Scopes pendant que je vais animer. Allons à Lumetri Scopes ici. Je vais juste faire glisser cette fenêtre un instant ici à mon panneau de projet comme ça. Maintenant, nous devrions avoir une belle vue de tous les outils dont nous avons besoin. Localisons ici, dans la chronologie des clips, où se déroule la deuxième partie du plan, qui est juste ici. À ce stade, je vais créer des cadres clés pour le poste actuel et réfléchir aux contrôles que nous allons devoir modifier. Les noirs sont très profonds, donc je vais créer un chronomètre pour le contraste, ainsi que pour les noirs juste ici. Je vais faire défiler vers le bas et aussi créer un cadre clé pour mes roues de couleur. On y va, ici sur le dessus. Alors revenons dans le temps, comme le soleil est derrière un arbre. Maintenant, nous pouvons simplement changer notre classement des couleurs, mais assurez-vous que vous ne modifiez que les valeurs pour lesquelles nous avons libéré à cette image clé. Maintenant, si vous n'êtes pas sûr de certaines valeurs, vous pouvez toujours revenir ici et créer plusieurs points de départ d'images clés comme ça. Vous n'avez pas à les utiliser bien sûr. Revenons maintenant à l'endroit où la lumière du soleil est derrière l'arbre, comme ça. Ce que je vais faire ici, c'est pour commencer, augmenter les Noirs, et nous récupérons des détails dans l'ombre, ce qui est génial. Je jette aussi un coup d'oeil ici à ma forme d'onde. Pendant que je fais ça, je vais faire défiler vers le bas parce que je sais que j'ai aussi pompé mes ombres d'ici. Apportons ça un peu plus haut et retiens-le de ce zéro pour cent. Je voudrais peut-être ramener mes Noirs, on peut atteindre le zéro pour cent. On veut juste s'assurer que ça ne colle pas, quelque chose comme ça ferait. Nous devons comprendre que les acteurs sont assis dans l'ombre, sorte que l'acteur doit être sombre. Nous ne pouvons pas le rendre très brillant. Si quelque chose se trouve dans l'ombre, il devrait faire sombre. Cela commence déjà à paraître mieux en termes d'exposition. La prochaine chose que je veux changer, c'est de se débarrasser d'un peu de bleu dans l'ombre. Donc, à partir du contrôle des ombres ici, de la Color Wheels & Match, je vais juste pousser un peu plus vers le côté rouge, et la même chose va ici pour le ton médian. Ce qui est un peu de bleu en dehors de ce plan, comme ça. Maintenant, jetons un coup d'oeil. Lecture du clip et voyons comment fonctionne l'animation. N' est-ce pas génial ? On ne remarque même pas qu'il y a l'animation en cours. Mais il y a, il y a une énorme différence. Voici la première partie de ce clip. Laissez-moi simplement augmenter le moniteur du programme pour que nous puissions voir cela mieux, puis nous animons notre classement des couleurs à la deuxième partie lorsque l'éclat arrive. C' est aussi facile que ça. Cette astuce est également utilisé très souvent lorsque vous marchez avec la caméra d'une scène extérieure à une scène intérieure, où vous allez réellement de la lumière du jour à l'éclairage de tungstène chaud en vue, et votre appareil photo n'a pas que blanc automatique réglage de l'équilibre. Si votre appareil photo a été réglé sur une balance extérieure ou des blancs , vos photos seront beaucoup trop orange lorsque vous arriverez à l'intérieur. Donc vous allez devoir mettre un peu de bleu pendant que votre homme de caméra marche à l'intérieur. Toute autre propriété dans l'effet élémentaire a un tel chronomètre, ce qui signifie que nous pouvons l'animer. Nous avons déjà vu beaucoup de contrôles du panneau élémentaire, comme l' onglet de correction de base, le Color Wheels & Match, même l'onglet de création. Mais il y a encore beaucoup de fonctions dans le panneau élémentaire que nous n'avons pas encore touchées. Dans la prochaine leçon, nous allons jeter un oeil aux courbes U et de saturation. 12. Les courbes de teinte/saturation: Ecoute, je l'ai fait ! J' ai enfin compris comment je peux changer la couleur verte. Vérifie ça. Tu vois, c'est plus comme ça, ça te ressemble beaucoup plus. Tu n'es pas vert ? Non, tu es bleu. D' accord. Il y a encore du travail à faire, mais nous approchons. C'est une bonne chose. Permettez-moi de vous montrer maintenant à l'intérieur d'Adobe Premiere Pro et bien sûr, à l'intérieur de lumetri, comment nous pouvons modifier et modifier les couleurs comme mon portrait, qui sont des clips sélectionnés dans la chronologie. Je vais me diriger vers le personnel des courbes. Nous avons été ici avant quand nous avons regardé les courbes RVB, mais maintenant je vais juste réduire cela et étendre les courbes de saturation de la teinte. Avec ces courbes, nous pouvons à chaque fois sélectionner une teinte spécifique ou une certaine valeur de luma, que nous obtiendrons plus tard. Pour l'instant, concentrons-nous sur la teinte. Nous allons sélectionner une teinte ou une couleur, puis pour cette teinte nous allons changer sa saturation. À titre d'exemple, prenons ce sélecteur de couleurs ici sur le côté droit et sélectionnez la jupe de la fille. Voilà, le rouge a été sélectionné. On a trois points. Le milieu est la sélection, ce qui signifie que nous pouvons maintenant changer sa saturation. On peut le remonter et augmenter la saturation de cette chemise. Vous pouvez voir qu'il devient beaucoup plus vif. Ici aussi, dans la portée du vecteur, vous pouvez voir que le canal rouge parle plus mais vous pouvez aussi diminuer cela, même en le rendant tout le chemin noir et blanc, en enlevant complètement la couleur et c'est en fait très intéressant de savoir. Permettez-moi d'annuler mon action parce que nous pouvons également prendre les points absolus ici et tirer cette saturation tout le chemin vers le bas qui nous laisse avec seulement le canal rouge. Pour ceux d'entre vous ont vu le film Sin City, c'est ce qu'ils ont fait. C' est un film complètement noir et blanc seulement pour la couleur rouge, qui était encore proéminente. À tout moment, vous pouvez également double-cliquer pour réinitialiser cela, bien sûr, et vous pouvez également traiter les sélections manuelles si vous le souhaitez. Par exemple, je vais créer un point ici et un point juste là et tout ce qui est entre les deux de cette teinte, je peux tirer vers le haut ou je peux tirer vers le bas, le rendre moins saturé. Je peux également créer plusieurs points là-dedans et créer une courbe comme moi une fois. Laisse-moi juste aller réinitialiser ça. Jetons un coup d'oeil à la suivante, qui est la teinte contre la teinte. Nous allons d'abord sélectionner une teinte ou une couleur spécifique. Reprenons cette jupe et maintenant on peut changer la couleur de cette jupe. Prenez le point médian et déplacez-le vers le haut. Par exemple, donnez à cette fille maintenant une jupe violette. Maintenant, le rouge est quelque chose qui vient très près des tons de peau et des lèvres, par exemple soyez prudent en faisant des ajustements exagérés là-dedans. Laisse-moi juste zoomer ici, 150 pour cent sur le visage de la fille ici. Tu peux voir ce que ça fait à ses lèvres. Si je veux changer la teinte de ça. Il devient aussi vert et magenta que j'ai changé de teinte. C' est pourquoi vous pouvez également diriger votre point central un peu plus vers la gauche ou vers la droite. Comme vous pouvez le voir, le déplacer vers le côté gauche ne sélectionnera plus vos lèvres. Mais le rouge sera toujours sélectionné ici à partir de sa jupe, qui est maintenant joliment pourpre. D' accord, réinitialisons ça à nouveau et regardons le réglage suivant, qui est maintenant teinte par rapport à luma, ce qui signifie que nous allons sélectionner une teinte et ensuite en changer la luma. Encore une fois, prenez le sélecteur de couleurs ou vous pouvez également faire une sélection manuelle si vous le souhaitez. Choisissons sa jupe à nouveau et maintenant à partir d'ici, nous pouvons augmenter la luminosité de sa jupe ou peut-être diminuer la luminosité. C' est en fait une technique pour rendre certaines couleurs un peu plus profondes. Par exemple, c'est en fait beaucoup mieux maintenant avec sa jupe étant un peu plus profond regarder rouge avant et après. Je pense que l'après a l'air un peu mieux. Un autre outil très intéressant et sont enfin les deux derniers. Ici, nous ne allons pas sélectionner une couleur, mais nous allons sélectionner, tout d' abord, une luma. Sur le côté droit de cette courbe, nous pouvons trouver les zones les plus claires et sur le côté gauche sont les zones les plus sombres. Soit nous diminuons la saturation à partir du point médian comme celui-ci, nous sélectionnons tout de notre forme d'onde au-dessus des 50 pour cent. On dit juste diminuer cette saturation. Bien sûr, cela n'a pas l'air si bon et nous pouvons réellement voir plus tard dans cette classe une très bonne utilisation de la courbe luma par rapport à la courbe de saturation. Très bien, je vais juste réinitialiser ça et regardons le dernier qui est la saturation par rapport à la saturation. Sur le côté gauche, nous pouvons trouver les zones les moins saturées et sur le côté droit, les zones les plus saturées. À titre d'exemple, je vais descendre dans les zones moins saturées et regarder cela dans notre portée vectorielle. Vous pouvez voir magnifiquement le cercle juste ici, que nous avons enlevé. Ce sont les zones les moins saturées. faisant le contraire, nous allons enlever les zones les plus saturées. Maintenant, nous obtenons également ce beau cercle ici dans la portée vectorielle parce que nous savons que plus ce point culminant atteint vers l'extérieur, plus ces zones sont saturées. Maintenant, c'est un excellent moyen de rapprocher tous vos niveaux de saturation comme nous pouvons le voir dans la portée vectorielle. De cette façon, nous n'avons pas de couleurs qui culminent vraiment et c'est en fait une bonne chose à faire quand vous voulez obtenir ce sentiment de monotone dans vos clichés. Peut-être que vous faites ce film psychologique où les gens sont envoyés un camp et tous ces gens doivent porter des tenues grises et tout le monde est pareil. Personne ne peut avoir d'émotions ou il ne peut pas y avoir de couleurs et alors que vous voulez toujours photographier en couleur, ce genre de rassemble les niveaux de saturation. On est tous pareils dans le groupe. Maintenant, réfléchissez à la leçon de philosophie de la couleur. Expliquez simplement votre film, le projet sur lequel vous travaillez et voyez comment vous pouvez utiliser ces outils techniques pour dire votre émotion, votre sentiment et ce sont les courbes de teinte et de saturation et comment nous pouvons les utiliser à l'intérieur de la métrique. Dans la prochaine leçon, nous allons revenir aux choses plus techniques et nous allons corriger un mauvais coup et noter que, nous l'avons déjà fait, mais nous allons passer au niveau suivant. Je vais vous montrer plus d'outils dans le système métrique et comment nous pouvons vraiment rendre un mauvais coup parfait. 13. Correction des couleurs d'une mauvaise vidéo: Pendant ce cours, vous avez déjà vu comment réparer un mauvais coup. Dans cette leçon, nous allons aller un peu plus loin et pendant que nous allons corriger un mauvais plan, nous allons faire attention aux tons de peau. Ce que j'ai ici, c'est encore une fois, un tir qui n'a pas l'air bon à l'arrière, on sait qu'il y a beaucoup trop de vert là-dedans. Qu' est-ce que nous avons pu faire est d'aller dans notre onglet de correction de base et d'ajouter un peu plus de magenta dans ce plan pour le neutraliser. C' est déjà mieux car nous pouvons voir les faits saillants ont tendance à devenir magenta aussi et nous avons ces taches bizarres dans le visage de cette fille. Nous devons ajouter beaucoup trop de magenta dans notre plan. Il y a une meilleure façon de le faire. Entrant dans les roues de couleur et match. Pendant que nous ajoutons du magenta au plan, nous pouvons deviner combien de magenta nous devrions ajouter et aussi quel type de magenta nous voulons y ajouter. Ou nous pouvons aussi solo sur les tons de peau et pour traiter la correction spécifiquement sur cela, laissez-moi juste réinitialiser ceci ici. Je vais aller à mes contrôles d'effets et à partir de l'opacité, je vais prendre mon outil de stylo. Nous avons vu comme avant aussi. De là, je vais juste dessiner une forme sur son front comme ça. Nous sélectionnons un morceau de teint de peau. Laisse-moi aller à mes champs élémentaires. Comme on peut le voir dans la portée vectorielle, les couleurs des tons de peau sont beaucoup trop penchées vers le jaune et même un peu vers les côtés verts. Les tons de peau devraient toujours reposer sur cette ligne juste ici. Encore une fois, à moins que nous ayons une très bonne raison de ne pas le faire. Allons à la roue de couleur pour les tons moyens et commençons à pousser le magenta là-dedans. Comme vous pouvez le voir, cette ligne se déplace en ce moment. C' est trop de magenta. C' est parfait ici. Nous sommes sur cette ligne en ce moment. Revenez à vos contrôles d'effets et désactivez l'opacité pendant un instant. Regarde ça. On a un teint parfait. Comme nous l'avons vu précédemment dans cette classe, vous devriez toujours reculer un peu dans votre ombre. Ajoutez un peu de vert à l'intérieur. C' est parce que nous ne voulons pas que le plan global ait les mêmes teintes. Là, nous allons, en regardant l'avant et après maintenant ce coup a l'air génial. C' est la couleur est corrigée parfaitement. Même si vous n'avez pas un bon moniteur calibré utilisant les étendues élémentaires, vous pouvez toujours vous assurer que vos teintes de peau sont en bonne place. Bon, jetons un coup d'oeil au deuxième coup que j'ai dans ma chronologie ici aussi. Par défaut, je vais juste désactiver les effets de couleur élémentaires pour un instant. Ce tir est naturel, c'est bon. Il était bien exposé. La balance des blancs est bonne, tout est correct. Mais j'ai créé cette nuance de couleur sarcelle et orange sur elle, que nous pouvons voir ici revenir et les roues de couleur et correspondre à leur encore bleu dans l'ombre et beaucoup d'orange dans les tons moyens. Pendant que vous faites un tel classement des couleurs, vous décalez ou changez les couleurs. Ici aussi, assurez-vous d'aller à vos contrôles d'effets à partir de l'opacité prenez l'outil de stylo et sélectionnez un morceau de teint de peau. Après cela, revenez à votre portée élémentaire et vérifiez où sont ces tons de peau. Actuellement, ils sont à droite. A partir des tons moyens, je vais revenir un peu sur le côté vert, le côté jaune et m'assurer que ma peau est posée sur cette ligne juste ici. Maintenant, nous pouvons désactiver l'opacité de retour et le teint de la peau devrait être parfait. heure actuelle, nous avons un classement des couleurs qui décalent les couleurs mais nous nous assurons également de conserver ces teintes naturelles de la peau. Super Important gars et que mes chers étudiants est comment nous pouvons réparer les mauvais coups, mais aussi les problèmes de classement des couleurs. Dans la leçon suivante, nous allons construire un peu plus loin sur ces problèmes de classement des couleurs et voir comment nous pouvons travailler avec une correction des couleurs secondaire. 14. Corrections secondaires: Salut, tu es de retour. Bienvenue dans la classe. J' ai laissé tomber mon pinceau. Quoi qu'il en soit, continuons ici. Ce que j'ai obtenu sur ma chronologie est une photo de nouveau, la belle fille, parce que je suis beaucoup dans le romantisme et j'ai créé ce look sarcelle et orange sur le bord. Vous pouvez voir que ici dans ma couleur révèle et match. Mais quelque chose que je vous ai dit aussi, c'est que vous devriez vous assurer que vos noirs sont toujours noirs et que vos blancs sont toujours blancs. C' est pourquoi je veux revenir à mes courbes et pour mes courbes de teinte et de saturation, je vais faire défiler jusqu'au bas. Parce que juste ici, j'ai en fait un outil à partir duquel je peux sélectionner les ombres et dessiner toutes les couleurs à partir de là rendant les noirs à nouveau et non bleus. Ils peuvent être bleus dans l'ombre, mais pas dans les noirs. Maintenant, ce que je vais faire ici est de sélectionner les 5 derniers pour cent ou quelque chose comme ça. Vous remarquerez que rien ne se passe vraiment et c'est cause de l'ordre des effets comme nous l'avons vu précédemment. Nous enlevons d'abord la saturation des Noirs , puis nous allons ajouter du bleu là-dedans. C'est vraiment bien. Nous devons d'abord ajouter du bleu aux ombres et aux noirs, puis en enlever les couleurs. Je vais revenir à mes courbes ici et juste réinitialiser ce que je viens de faire, parce que ce que je dois faire est maintenant de créer un second effet de couleur lumetri, à partir du menu déroulant ici en haut. Je vais renommer ce second effet en Blue Fix, appuyez sur « OK ». Dans mon contrôle d'effets, donc vous pouvez maintenant voir que nous avons deux effets de lumetri. Le premier, c'est mon classement orange sarcelle, et le second, qui est appliqué en plus de cela est le correctif bleu. À partir d'ici maintenant, je peux aller à mes courbes, luma contre saturation, sélectionner ici les sombres et tirer ça comme ça. Assurez-vous d'avoir toujours un peu de gradation entre cela et en ce moment, cela fonctionne. Juste pour le montrer mieux, je vais zoomer sur sa veste ici et voir juste avant et après. Nous restons encore ce bleu dans l'ombre que le regard sarcelle et orange, mais les noirs absolus certainement, vous pouvez voir que ici bien dans ses bottes ici, qui sont noir absolu. Nous enlevons cette lueur bleuâtre laide, qui ne devrait pas être dans les Noirs. Gardez cela à l'esprit chaque fois que vous allez pousser une certaine couleur ou teinte dans les ombres. Maintenant, il existe également une deuxième façon de résoudre ce problème, et c'est par une correction secondaire HSL. Pour cela, nous n'avons pas besoin de deux effets de lumetri. Je vais juste supprimer le second et revenir à mon premier effet de couleur lumetri. Je vais juste effondrer ici les courbes de teinte et de saturation, parce que je veux voir l'onglet secondaire HSL juste ici. Il y a deux étapes ici. Tout d'abord, nous allons devoir sélectionner quelque chose et il y a trois choses que nous pouvons sélectionner ; la teinte, qui est la couleur, la saturation, combien quelque chose est saturé ou non, et enfin, la légèreté ou luminosité de la zone que vous souhaitez sélectionner. Par exemple, nous ne pouvons travailler que sur la légèreté et vous faites simplement glisser la sélection un peu ouverte comme ça. La partie supérieure augmentera ou diminuera la zone de sélection et la partie inférieure s' assurera que nous mettons en drapeau notre sélection pour avoir un peu plus de gradation dans notre sélection. Ensuite, je vais déplacer ça le côté gauche pour m'assurer qu'on sélectionne les noirs, les noirs comme ça. Peut-être diminuer un peu plus cette sélection, mais assurez-vous que nous les mettons assez en plumes comme ça. Nous allons maintenant dire à partir d'ici, sélectionner tous les noirs, les vrais noirs. Mais quels noirs ? C' est quelque chose que nous n'avons pas encore défini. Nous devons également définir les deux autres valeurs. Eh bien dans ce cas, nous pouvons dire toute la saturation et toutes les couleurs et regarder cela, moment nous voyons en fait une sélection. Chaque fois que vous changez quelque chose ici, nous ne voyons pas notre masque. Vous pouvez également activer vos masques à partir d'ici et de cette façon vous pouvez seulement voir à quoi ressemble votre sélection et à partir d'ici, j'ai effectivement remarqué que ma sélection de légèreté peut être un peu moins comme ça. Mais peut-être que je veux augmenter ma plume un peu plus. air bien. Une fois votre sélection en place, nous pouvons accéder à l'onglet Affiner. Ici, on peut dénoter notre sélection. Vous pouvez voir que nous avons eu beaucoup de pixels individuels ici en augmentant ce curseur denoise. Vous pouvez voir qu'il fusionne plus ensemble, et la même chose vaut pour le flou. Vous pouvez également augmenter cela pour vraiment se débarrasser de ces pixels. Une fois que vous êtes satisfait de votre sélection, nous pouvons désélectionner à nouveau le masque, bien sûr. Nous avons fait notre sélection, nous pouvons maintenant examiner la correction et ce sont des contrôles que nous connaissons tous. La température, la teinte, le contraste, la netteté, la saturation, etc. Nous pouvons également choisir de travailler sur trois roues de couleur pour les ombres, les tons moyens et les reflets. Encore une fois, quelque chose avec lequel nous savons travailler. Mais pour l'instant, ce ne sera pas nécessaire. Nous ne sommes intéressés que par le curseur de saturation. Nous pouvons simplement diminuer la saturation d'ici, en rendant ces ombres ou celles noires, noires à nouveau, mais restons toujours cette teinte bleue dans l'ombre. A tout moment, vous pouvez bien sûr changer votre sélection même après avoir fait votre correction. Peut-être sélectionner un peu moins des ombres comme ça et regarder avant et après maintenant, vous pouvez voir qu'il semble beaucoup mieux. Les Noirs ne sont plus lavés. Une autre technique que vous auriez pu faire est en fait de pousser la couleur opposée dans les noirs. Je vais juste vous montrer que, je vais réinitialiser la valeur de saturation et pour ma roue de couleur, juste pousser le contraire, qui est orange dans les noirs, juste comme ça. De cette façon, ils semblent aussi paraître plus noirs, mais c'est bien sûr, beaucoup plus difficile à faire, mais cela neutralisera aussi ces ombres, avant et après. Regarde ça. La raison pour laquelle cette technique fonctionne sur le même effet lumetri est que le secondaire HSL vient après les roues de couleur et match. Si cela venait avant, cela ne fonctionnerait pas non plus. C' est pourquoi j'aime résoudre ces problèmes de classement des couleurs plus avec HSL secondaire. Dans ma chronologie, j'ai un deuxième clip parce que je veux te montrer autre chose. Je vais revenir à mon secondaire HSL et ce que je veux faire est de sélectionner les tons de peau de cette fille pour que je puisse la faire un peu plus pop. Je veux aussi ajouter de la netteté à cette vidéo, mais je ne veux pas ajouter de netteté à l'arrière-plan des blondes, seulement à son visage parce que nous regardons son visage. Cela devrait être aigu, qui devrait apparaître et il devrait faire chaud. A partir de mon secondaire HSL, nous allons faire notre sélection en premier. Ce que vous pouvez également faire est de prendre à nouveau le sélecteur de couleur, pour sélectionner les tons de peau et vous commencez à partir de là. Comme vous pouvez le voir, il va automatiquement créer une sélection. La teinte, c'est la couleur des tons de peau, le niveau de saturation. C' est ainsi que la peau est saturée et c'est là que le niveau de légèreté est atteint pour ses teintes de peau. Je vais activer mon masque ici pour voir à quoi ressemble ma sélection. Je peux voir que je peux augmenter un peu plus ces valeurs. Ce que je vais faire, c'est juste mélanger ma teinte à gauche et à droite et voir si je peux faire une meilleure sélection. Peut-être que la teinte est déjà bonne. Essayons maintenant avec la saturation. C' est ça, plutôt bien aussi. Peut-être que je peux augmenter ça juste un peu plus. On y va. Puis enfin, jetons un coup d'oeil à la légèreté. Ici, je vois que la sélection aurait pu être mieux faite. Je vais juste augmenter cela plus et essayer d' obtenir autant que possible des tons de peau. Maintenant, parce qu'elle a aussi des blondes ici qui seront également sélectionnées partiellement. On ne peut jamais vraiment contourner ça. Vous essayez juste d'obtenir autant de teint ici que possible. Essayons peut-être de changer un peu la teinte. Regarde ça. De cette façon, nous sélectionnons moins de ses cheveux et plus de ses teintes de peau, ce qui est superbe. Comme toujours, assurez-vous de débruiter un petit peu et brouiller votre sélection. Une fois que vous avez terminé, désélectionnez le masque. ce moment, nous pouvons aller de l'avant et lui faire le jarret, ce qui est assez drôle mais verbalement quelque chose avec lequel vous ne voulez pas travailler. Laisse-moi juste réinitialiser ça. Une chose que je disais, c'est que j'aimerais lui ajouter plus de netteté. Laisse-moi juste augmenter ça. Aussi, je vais ajouter un peu plus de contraste à son visage, ce qui va la faire pop un peu mieux. Je le verrai avant et après. Regardez ça, peut-être rendre son visage un peu plus chaud en faisant simplement glisser sur ce curseur de température et ce que nous pouvons aussi faire est d'aller dans les roues de couleur à trois sens, et à partir de là diminuer les ombres encore plus pour ajouter des noirs plus profonds dans son visage. Certainement, ses yeux vont sortir beaucoup plus à cause de ça. Nous pouvons affiner ça encore plus si vous le souhaitez. Peut-être augmenter la luminosité des faits saillants un peu plus et jetons un coup d'oeil à l'avant et à l'après. Comme vous pouvez le voir avant, ses tons de peau semblent assez saletés, mais à cause de ce changement, elle est maintenant beaucoup plus saturée, beaucoup plus vivante. Rejouons ça et voyons à quoi ça ressemble. Magnifique. La morale de cette histoire, les filles arrêtent d'utiliser le maquillage, utilisent le lumetri, c'est beaucoup mieux pour votre peau. Crois-moi. Je suis un professionnel. 15. Masquage et suivi: Je t'ai dit à quel point je suis fier ? Regardez-le, nous sommes presque à travers toute la classe. Vous avez appris toute la base sur la correction des couleurs, le classement des couleurs, et tous les outils techniques de Lumetri. Oh, sauf une chose. Je n'ai pas vraiment parlé de vignettes en bas. Tu sais quoi ? C' est du matériel d'auto-apprentissage là-bas. Expérimentez avec la vignette et voyez ce que cela fait. Vraiment, ce n'est pas si compliqué. Je vais l'expliquer rapidement. Regarde ça. Il crée une vignette. Ce que je veux faire avec ce plan, c'est améliorer le ciel, et nous pourrions le faire avec le HSL Secondary en créant une sélection du ciel. Mais je crains que ça ne soit vraiment difficile à faire parce que nous avons beaucoup de blanc [inaudible] ici, nous avons un tout petit peu de bleu saturé, et c'est tout. Beaucoup de ces couleurs reviennent aussi dans cet étang, la même chose pour ces arbres. On va le faire avec une technique différente. On va le faire avec un masque. Passons aux contrôles d'effets, et d'ici vous pouvez voir que j'ai déjà un effet de couleur Lumetri appliqué, c'est parce que j'ai fait quelques corrections de base dessus. Je vais créer un second effet Lumetri, comme celui-ci, et je vais le renommer en Sky Enhancements. Appuyez sur « OK ». Dans les contrôles d'effets, nous pouvons maintenant voir les deux effets de Lumetri. De celui en bas, l' amélioration du ciel couleur Lumetri, je vais cliquer ici sur l'outil de stylo. Vous pouvez également prendre l'un des préréglages de rectangle ou de cercle si vous le souhaitez, donc j'aime généralement travailler avec l'outil de plume. Avec ça, je vais juste rendre mon point de vue un peu plus petit, 25 pour cent. Je vais juste dessiner une forme très rugueuse, un masque sur le ciel comme ça. Fondamentalement, ce que nous faisons avec ceci est de créer un masque dans cet effet Lumetri. Tout changement que nous allons faire maintenant avec cette amélioration Lumetri au ciel, ne sera appliqué qu'à l'intérieur de ce champ, comme vous pouvez le voir. Bien sûr, nous ne voulons pas nous assurer que le masque sera visible, et c'est pourquoi nous allons aussi en plume un tas. De cette façon, les couleurs vont déborder dans le reste. Réinitialisons maintenant ça ici parce qu'un ciel vert n'est pas quelque chose que nous aimons. Un ciel devrait être bleu, c'est pourquoi je voudrais ajouter un peu plus de contraste dans ce ciel, rendre plus vivant, ou même augmenter la saturation. Regarde comme ce ciel est en train de devenir beau. Voyant l'avant et l'après, le ciel est beaucoup plus vivant cependant, le reste du plan semble toujours naturel, comme il l'était. En utilisant cette technique de masquage, nous pouvons identifier certaines zones et ne faire qu'une correction de couleur sur cette zone. Mais si nous avons quelque chose qui bouge, comme cette fille ici, par exemple. Je veux dessiner un masque autour de son visage et ne faire qu'une correction de couleur sur son visage. J' ai essayé d'utiliser le secondaire HSL, mais il est tellement difficile de ne sélectionner que ses tons de peau. Le HSL sélectionne également d'autres parties du plan. Je vais devoir créer un masque autour de son visage. Pour le moment, je n'ai pas encore d'effet Lumetri appliqué sur ce clip, donc je vais faire n'importe quoi dans Lumetri. Vous pouvez toujours le réinitialiser par la suite, ce qui lui appliquera automatiquement l'effet de couleur Lumetri. moment, je vais choisir de prendre ce préréglage de masque d'ellipse, et je vais le glisser sur le visage de la fille. Je voudrais peut-être rétrécir ça un peu pour qu'il tienne autour de son visage. J'ai l'air bien. Bien sûr, par défaut, le masque ne la suivra pas. Il reste juste au même point. Ce qu'on va faire, c'est suivre ce masque sur ses mouvements. Il y a un outil automatique qui peut être trouvé sous le masque, propriétés ici les chemins de masque. On peut juste commencer à jouer le masque en avant. Mais avant de le faire, assurez-vous d'abord de cliquer sur les méthodes de suivi, et assurez-vous que votre, c'est l'aperçu est activé. Lorsque cela est activé, et que vous allez frapper en jeu, vous verrez en temps réel, quel point le masque est bon ou pas si bon. Si vous remarquez que le masque devient sauvage, appuyez sur stop, et ajustez votre masque, puis appuyez à nouveau sur Play. Vous voulez toujours vous assurer que votre masque continue à suivre vos sujets. Mais d'habitude, les choses comme les visages se passent plutôt bien, et c'est fait. Comme vous pouvez le voir, le chemin du masque a été automatiquement animé à l'aide d'images-clés, et le masque suit magnifiquement la belle fille. C' est maintenant, comme avant, on peut commencer à faire des changements maintenant à son visage. Peut-être que nous voulons qu'elle apparaisse un peu plus, une exposition accrue, ajoutant un peu plus de contraste dans son visage, ce qui augmentera automatiquement la saturation, comme nous l'avons vu au début de cette classe. Ça va rendre ses yeux un peu plus profonds, ce qui a l'air génial. Bien sûr, lorsque vous cliquez pour ne pas voir le chemin du masque, nous pouvons clairement voir qu'il y a un masque en cours. C' est pourquoi encore une fois, nous allons plumer cela à partir des propriétés de masque de tas, quelque chose comme ça ferait. moment, on ne peut pas voir qu'il y a un masque sur son visage, mais quand on joue ça , on voit qu'elle sort bien, et que sa peau est tellement plus vive. Jetons un coup d'oeil à l'avant et à l'après. Avant, après. Maintenant, quand vous allez augmenter la plume de votre masque, il va se rétrécir vers l'intérieur. Si vous pensez que votre masque aurait dû être plus grand, vous pouvez toujours augmenter l'expansion du masque. On y va. Maintenant, ça prend un peu plus de la zone autour de ce masque. Si vous le souhaitez, vous pouvez continuer à créer des masques comme ceux-ci. Laissez-moi ajouter un autre effet Lumetri ici, et je vais le renommer en The Sky. Je vais effondrer l'effet Lumetri précédent, et à partir d'ici, créer un masque pour un effet de couleur Lumetri ciel et juste aller et créer ce triangle ici, mais d'abord, zoomer un peu mon clip. On y va. Pour ce coin, je vais juste rendre ça un peu plus sombre. De cette façon, le spectateur est plus attiré par le sujet plus brillant au milieu. Aussi, déplacez pour ajouter un peu de bleu dedans. Ça a l'air parfait. Bien sûr, comme toujours, augmentez cette plume, un peu plus dramatique de cette façon. Laisse-moi juste remettre ça en forme, et jouer le clip. Regarde à quel point ce plan est génial. Avec les masques, nous pouvons sélectionner une zone spécifique et changer les couleurs et les niveaux d'exposition à l'intérieur. Nous pouvons aussi le laisser bouger avec le talent ou tout autre objet en mouvement, et faire sortir ce sujet. Merci beaucoup d'avoir regardé. On a tout traversé maintenant. C' est la base, la base de l'évaluation des couleurs et de la correction des couleurs dans Adobe Premiere Pro. Mais il y a probablement une autre question qui vous reste, et c'est, Jordy, comment traitons-nous tout un projet ? Comment pouvons-nous colorier ça ? Vous avez travaillé jusqu'à présent uniquement sur des clips individuels. Eh bien, pas de soucis. Je l'ai également couvert dans ma dernière leçon où je vais parler de la correction des couleurs et du flux de travail de notation des couleurs sur l'ensemble d'un projet. 16. Correction des couleurs/étalonnage du flux de travail: Jetez un oeil à ce tableau, c'est un excellent exemple. Je n'ai pas commencé avec les arbres ou cette petite maison ici, non, en fait j'ai commencé sur ce tableau avec le ciel bleu. Je sais que vous ne l'avez probablement pas vu venir, mais c'est mon flux de travail. C' est un flux de travail qui a donné vie à cette peinture. C' est quelque chose que je souhaite vous enseigner aujourd'hui dans cette leçon, The Workflow. J' ai un tas de clips ici dans ma chronologie, tous différents plans, même un plan de verrouillage là-dedans, aussi un plan très verdoyant. Chaque tir va avoir besoin d'un traitement différent. Bien que, je veux aussi créer un classement et amener tout à un même look et sentiment. Maintenant, un flux de travail est quelque chose de très personnel, il n'y a pas un flux de travail pour tous les gouverner. Ce que je vais faire, c'est juste te montrer un exemple de ma façon de travailler. Il y a aussi un flux de travail qui, je crois, est très efficace et rapide, cependant, au fil du temps, vous développerez probablement votre propre flux de travail. Prenons ceci comme un exemple, l' un des dizaines de workflows que vous pourriez utiliser. La première chose que je vais faire est une correction de couleur comme nous l'avons vu précédemment dans cette classe aussi. Commencez par le premier tir et laissez-moi ouvrir la portée du lumetri. Vous voulez toujours que cela soit ouvert pendant que vous corrigez les couleurs ou que vous évaluez les couleurs. Je vais juste faire quelque chose de très rapide ici avec un contraste comme celui-ci, et essayons de ne pas dépasser les 90 pour cent ici. Je veux augmenter mes points forts un tout petit peu, mais je ne vais pas dépasser les 90 pour cent. C' est une règle avec laquelle je vais travailler à partir de maintenant. l'air bien, passons à la suivante. Maintenant, ce clip ici a été utilisé trois fois dans nos modifications. C' est la même photo que vous pouvez voir ici. Clip 5. Écoutez aussi Clip 5, Clip 5, mais nous venons de prendre différentes parties du Clip 5. Il y a maintenant deux approches. Un serait là où nous allons corriger cette photo. Faisons rapidement quelque chose qui est à un certain contraste, je vais descendre aux contrôles d'effets et copier mes effets de couleur lumetri et le coller ici sur les deux autres, comme ça et comme ça. Mais chaque fois que je veux faire un ajustement maintenant je dois revenir à l'un de ces clips, faire mon ajustement et une correction de couleur. Copiez ensuite ce même effet de couleur lumetri. Encore une fois, allez à la suivante ici, supprimez les anciens effets de couleur lumetri basés sur le nouveau, allez au dernier, supprimez cela et collez un nouveau dedans aussi. C' est une tonne de travail et il y a un flux de travail qui pourrait rendre cela beaucoup plus facile. Je vais juste supprimer tous les effets Lumetri de ces trois clips. Chaque fois que nous allons effectuer une correction de couleur, l'effet lumetri sera appliqué sur le clip Nous en parlons au niveau de l'élément, mais nous pouvons également l'appliquer au niveau de la source. En d'autres termes, nous allons travailler sur le maître et nous pouvons basculer entre le clip et le maître avec un clic ici en haut, en cliquant ici sur Master, nous sommes maintenant sur la source du clip. Assurez-vous d'abord de cliquer sur Master, puis nous allons effectuer notre correction des couleurs, et comme vous pouvez le voir, l'effet de couleur lumetri a maintenant été appliqué au clip principal. Dans la chronologie, et nous pouvons trouver cette petite ligne rouge juste ici sous le bouton Fix, ce qui indique que nous avons des effets appliqués sur le maître. cette raison et les autres clips, aussi ce même effet lumetri est maintenant difficile comme vous pouvez le voir. l'instant, peu importe le clip que vous travaillez parce que nous travaillons sur le maître. Faisons en outre l'exactitude des couleurs. Je vais aller à mes lunettes de lumetri en attendant aussi, diminuer l'exposition car nous ne voulons pas dépasser les 90 pour cent, je vais augmenter les ombres, petits morceaux. Parce que le sujet est un peu sous-exposé. Une restriction est que chaque fois que vous allez changer une certaine valeur, vous ne verrez pas que la vie se passe dans votre moniteur de programme. Vous devez laisser aller votre souris et ensuite il mettra à jour afin qu'il ne soit pas aussi facile de couleur que sur le niveau coupé, bien sûr. Je suis content de ça. Continuons maintenant au prochain clip ici. C' est un tir de verrouillage et nous allons devoir appliquer ce LUT 709 direct. Comme il s'agit d'un LUT technique, nous pourrions l'ajouter à l'entrée à partir du robinet de correction de base. Mais comme vous l'avez vu précédemment, il est toujours préférable d'ajouter. C' est vraiment un robinet créatif. Faisons-le à partir d'ici, naviguons , sélectionnons LUT, et ici nous avons directement 709 LUT, revenant à mes longueurs lumetri, je vais juste vérifier si tout se trouve ici sous les 90 pour cent. Revenons au robinet de correction de base, diminution de l'exposition un tout petit peu, et peut-être aussi ramener aux noirs. On y va. Le suivant est une vieille couleur prête corrigée à partir du maître. Passons au prochain, le plan vert, et nous savons ce qu'il faut faire ici. Entrer dans les roues de couleur et correspondre, je vais ajouter un peu de magenta dans ce coup, le contraire du vert et parce que nous voulons nous assurer que mes tons de peau sont corrects à partir des contrôles d'effets, je vais prendre l'outil Plume sous l'opacité et pour dessiner un masque sur son front, et maintenant nous pouvons voir ici dans les portées lumetri, nous devrions viser la correction Midtones. Un peu plus de magenta là-dedans. Ça a l'air super. Je sais déjà que pour les ombres, je peux ajouter un peu de sac vert là-dedans, peut-être reculer un peu avec les tons moyens pour que les faits saillants restent ici sur cette ligne, et je pense que cela va a l'air bien. Maintenant, nous allons nous concentrer sur les niveaux aller dans le robinet de correction de base. Ou nous pourrions aussi travailler peut-être avec les contrôles de niveau des roues de couleur. Allons tirer les ombres vers le bas un petit peu et aussi les points forts pour ne pas dépasser les 90 pour cent. Ça a l'air bien. Le suivant est également classé sur le maître, et puis finalement celui-ci ici, et puis finalement celui-ci ici, aussi à partir de la correction de base appuyez sur commencer en poussant un peu vers le bas l'exposition, ajouter un peu plus de contraste là-dedans. Peut-être que c'était trop d'exposition que j'ai décroché. Ça a l'air bien. Un peu plus de contraste avec les ombres et peu plus de contraste avec les noirs que nous atteignons ce zéro pour cent, ce que nous pouvons faire, mais nous ne allons pas franchir les 90 pour cent. En ce moment, tous ces coups devraient être corrigés maintenant et ils devraient avoir le même look. Celui-ci semble avoir un peu trop de saturation à mon avis. Nous pouvons aussi voir que revenir ici dans la portée vectorielle, il parle beaucoup plus vers l'extérieur comme avec les plans absolus. La même chose se passe avec celui-ci. Commençons par le premier. Juste réduit la saturation un peu. Ça a l'air bien. Celle-ci ici aussi. Un petit peu en arrière. Maintenant, ces coups devraient correspondre beaucoup mieux. Bien sûr, je vais vite sur ça parce que nous avons déjà vu ça tout au long de cette classe. Vous pouvez aller plus en détail avec chaque clip en changeant des couleurs spécifiques avec les courbes ou avec le secondaire HLS, etc. Mais ce n'est pas de cela qu'est cette classe. Il s'agit de flux de travail. Nous avons maintenant fait la correction des couleurs. Maintenant, voyons comment nous pouvons appliquer à la classification des couleurs sur cela. Le classement des couleurs n'a pas pu se faire de deux façons. Ou nous pouvons ajouter de nouveaux effets lumetri à chaque clip. Nous pourrions également aller dans le panneau du projet juste ici, cliquez sur le bouton nouvel élément en bas, et à partir de là choisissez Calque d'ajustement, cliquez dessus, une boîte pop-up apparaîtra, appuyez simplement sur OK, et cela ajoutera un nouveau clip dans votre panneau de projet. Faites glisser ce Calque d'ajustement au-dessus de vos modifications et coupez cet élément de sorte que ce calque, tant que vos modifications, il y a un calque d'ajustement ne soit pas un calque de rien. Il ne fera rien, il ne montrera rien, mais nous ne pouvons pas y appliquer d'effets. Avec cette couche d'ajustement sélectionnée, je peux maintenant aller dans le lumetri, et disons que je veux tout plus sombre, ce que je peux alors simplement faire est juste de diminuer l'exposition. Non seulement mon premier clip sera changé dans l'exposition, mais aussi tout le reste comme nous pouvons le voir. C' est parfait. Laisse-moi juste réinitialiser ton exposition. Allons dans Creative tap, et à partir du Look ici, je vais cliquer sur Parcourir et je vais sélectionner mon LUT bleu sarcelle et orange que nous avons créé précédemment dans cette classe, sélectionnez-le et appuyez sur Ouvrir. moment, ce look sarcelle et orange est appliqué à tout dans une chronologie, et notez que nous obtenons est très difficile contraste. Ce que je vais faire ici est d'aller dans mon robinet de correction de base et peut-être augmenter les noirs un peu ou à des ombres pour ramener ces détails de la façon dont j'aime la couleur correcte ou la note, c'est toujours pour m'assurer que je peux aller facilement revenir à ma notation ou correction et ajuster ce dont j'ai besoin. Si je dois commencer à copier, coller et supprimer des effets lumetri, cela signifie que je ne travaille pas dans un flux de travail efficace, un flux de travail efficace pour moi est l'endroit où je peux revenir en arrière et changer les choses facilement. Travailler avec ce calque d'ajustement, signifie que je peux également noter rapidement. J' ai appliqué un nivellement de couleur sur l'ensemble de mon édition super rapide. Cela signifie que nous avons les mêmes paramètres pour chaque clip. Cela signifie que ce clip peut avoir l'air bien alors qu'un autre clip peut ne pas avoir l'air de marchandises. Ma prochaine étape que je vais faire est de retourner dans chaque clip individuel et juste vérifier ce que je peux faire sur ce clip lui-même pour le faire correspondre mieux avec le reste en fonction de ce classement que nous avons en ce moment. Le premier semble bien, passons à la suivante et ici je trouve que ce tir est un peu trop froid. Il y a beaucoup trop de bleu dans ce plan, et c'est parce qu'on a juste plus d'ombres parce que ces filles ici sont dans ce côté de l'ombre. On a les lumières derrière eux. Tout d'abord, allons voir le Maître. Les contrôles des effets maîtrisent parce que nous avons notre classement en cours ici. Au fait, les gars, un petit pourboire bonus là-bas. Si vous voulez préciser quels clips sont classés par master ? clic droit sur eux, allez à l'étiquette, et choisissez simplement n'importe quelle autre couleur ici, par exemple, magenta. En ce moment, ces clips ici sont mis en surbrillance avec cette couleur, et donc je peux voir plus facilement ceux qui sont classés maîtres. Retournons à Maître, et puis je vais aller à mon match de roues de couleur et juste pousser un peu plus orange dans les tirs, quelque chose comme ça ferait bien paraître. Le suivant, il y a un peu trop de contraste. Ce que je vais faire ici, c'est aller à mon robinet de correction de base et juste augmenter ces ombres ou vraiment vouloir rester le contraste, peut-être augmenter les noirs un tout petit peu. Je veux garder le contraste là-bas, donc je vais seulement soulever les ombres, mais garder mes noirs vers le bas. De cette façon, j'ajoute également plus de luminosité à la prise de vue, particulier les sombres à contraste dur, qui semblent mieux. La prochaine ici, je vais aller ici dans ma Color Wheels & Match parce que je trouve qu'il y a un peu trop de bleu qui se passe ici dans l'ombre. Peut-être ajouter un peu plus du contraire comme ça. Mais dans l'ensemble, le tir est plutôt bon. Le dernier est assez similaire à la première et correspond assez bien, et nous y allons. Nous avons maintenant corrigé la couleur et la couleur a gradé l'ensemble de notre projet. Ce flux de travail contient la première couleur correcte tous vos clichés, certains clichés pourraient être plus faciles à corriger sur le maître, ils allaient appliquer un calque d'ajustement au-dessus de tout, faire notre reclassement sur le calque d'ajustement , puis revenez dans chaque clip individuel et ajustez le cas échéant, car chaque clip va agir différemment sur ce classement. Sauvegardons le projet et exportons-le pour que nous puissions l'envoyer aux clients ou à YouTube ou tout autre travail que vous faites. La dernière chose ou astuce bonus que je veux donner, c'est que peu importe ce que vous allez faire des présentations où vous avez un appareil photo assis là pendant une heure entière, et après vous allez couper cette prise de vue en plusieurs clips, etc Aussi là, vous voulez certainement faire une correction de couleur sur le maître. Si vous allez corriger la couleur, chaque clip va être un gros gâchis et vous allez perdre beaucoup de temps. Veillez à utiliser cette nuance de couleur principale chaque fois qu' un élément revient plusieurs fois dans votre montage, et c'est tout. Félicitations. Vous avez maintenant parcouru toute la base de la correction des couleurs et de l'évaluation des couleurs Premier Pro. C' était la dernière et dernière leçon de cette classe. J' espère vraiment que ça vous a plu, mais restez à l'écoute. Il y a une autre vidéo à venir après ça, qui est la vidéo de conclusion. Mais là-dedans, j'ai aussi des missions pour vous aider sur votre chemin un peu plus loin. Assurez-vous de regarder cela aussi. 17. Conclusion et projet: [ MUSIQUE] Bienvenue à la dernière leçon ou conclusion de ce cours et comme je l'ai promis, si vous faisiez du bon travail, j'accrocherais votre portrait au mur. Eh bien, le clou est déjà dans le mur et aussi vous êtes portrait est enfin fait. Jetons un coup d'oeil. C' est toi. J'ai pensé que tu tiendrais probablement cet énorme crayon parce que c'est un cours d'art après tout. Tu prends probablement des notes avec un énorme crayon, donc c'est probablement toi. Je sais que vous pourriez penser que ce n'est pas un vrai tableau. Eh bien c'est, je veux dire à l'hyper-réalisme, même peint comme la bande ici dans les coins aussi. Tout cela est réel. Tu as fait un super étudiant. C' est vraiment quelque chose de s'asseoir dans toute une classe et j'espère que vous avez aussi pratiqué pendant cette classe, aussi. Vous avez vu tout le fondement du classement des couleurs et de la correction des couleurs dans Adobe Premiere Pro à l'aide de Lumetri en ce moment. C' est un grand pas en avant. Laisse-moi te mettre au mur tout de suite. Ça va avoir l'air super ici, dans mon studio. Regarde ça. Oh, en fait, ça va très bien avec les autres tableaux. Vraiment gentil, vraiment sympa. En plus de vous faire du bon travail, j'ai une dernière mission pour vous. Vous trouverez sous l'onglet votre projet ou quelque chose ici sur Skillshare, un bouton de téléchargement. De là, vous pouvez télécharger tous les éléments que j'ai utilisés dans cette classe, tous les clips, tous les LUT, les images, les fichiers du projet, et tout, pour que vous puissiez vous entraîner, mais aussi pour faire votre propre projet. Ce que je veux que vous fassiez, c'est utiliser tous les clips à travers nos 12 clips au total, faire un montage vidéo avec ça. Peu importe de quoi il s'agit. Vous pouvez ajouter des transitions entre eux, vous pouvez ajouter de la musique à eux, peu importe. Ce qui m'intéresse, c'est de voir comment vous êtes les couleurs et les niveaux finiront par ressembler. Essayez de faire correspondre les tons de peau, les tons de couleur, les niveaux de tous les 12 coups. Ensuite, vous pouvez ajouter votre propre nuance de couleur. Rendez-le et publiez-le ici sur Skillshare, pour que je puisse jeter un coup d'oeil et vous donner des commentaires. Bien sûr, comme je l'ai dit dans l'introduction aussi, si vous avez d'autres questions, faites-le moi savoir dans la discussion ci-dessous, je serai heureux de vous aider davantage. Merci beaucoup d'avoir regardé et j'espère vraiment que vous avez appris quelque chose de nouveau qui peut vous aider à poursuivre votre aventure créative. Finissons la classe maintenant c'est quelque chose que je dis toujours à la fin de mes tutoriels vidéos sur YouTube, « Restez créatif ».