Photojournalisme : Créer des essais photo et des histoires

1. Introduction: En tant que photographe de zone de conflit, j'ai été blessé auparavant, j'ai été victime de nombreux attentats à la bombe, j'ai été frappé, j'ai été explosé, j'ai été poignardé. J' ai été frappé par une voiture, ai certainement eu le gambit de blessures et j'ai été dans une situation assez poilue. m'appelle Benjamin Lowy, je suis un photographe basé à New York, je photographie une variété de choses que ce soit dans les zones de conflit, les fonctionnalités, le sport, pour moi il s'agit de faire des images et de raconter histoires parce qu'il y a toujours un nouvelle façon de voir le monde. Il y a toujours quelque chose que vous n'avez pas vu. C'est aussi dans votre propre vie, dans ma propre maison, il y a toujours une façon que je n'ai pas photographié quelque chose, quelque chose que je n'ai pas vu jusqu'à ce moment-là. C' est ce qu'est la vie, c'est l'expérience des choses. La photographie n'est que l'enregistrement de ces expériences, chaque jour est quelque chose de nouveau. Donc, aujourd'hui, nous allons parler de certains de l'équipement que vous pouvez utiliser, certains des choix sur la raison pour laquelle vous utiliseriez certains de l'équipement plutôt que d'autres équipements, mais en fin de compte, nous parlons de compensation et approche lorsque vous commencez à prendre une image et vous commencez esquisser et vous commencez à la construire pour ne pas prendre l'image, vous faites l'image. Je suis entré dans la photographie en fait parce que j'étais un très mauvais illustrateur, je suis allé à l'école pour être illustrateur et en fait j'ai commencé à faire de la photographie pour pouvoir retracer ce que j'ai photographié dans mes dessins et je a fini par vouloir être un meilleur photographe à cause de cela et j'ai découvert le photojournalisme. travers ça et une librairie d'arc et une sorte de changé ma vie et j'ai pris un peu de temps pour m' enseigner le photojournalisme et c'est tout en un mot. Ce cours vise à être une expérience d'apprentissage, je ne veux pas que vous pensiez que vous devez créer un spectacle de galerie, votre prochain projet de livre, ou c'est ce que vous allez aller dans un éditeur de photos pour obtenir votre grand travail provoqué. C' est une expérience d'apprentissage où vous poussez l'enveloppe de ce que vous avez fait auparavant et faites quelque chose de nouveau et apprenez un peu cela par vous-même sur votre approche de la photographie et votre approche des gens avec qui vous êtes à l'aise. Tu sais que chaque jour je vois la lumière d'une manière différente, parce qu'elle me semble toujours fraîche. J' ai toujours l'impression de découvrir quelque chose et de faire quelque chose et c'est finalement la chose la plus importante. 2. Votre projet: La plupart de la photographie fonctionne vraiment bien sur le cliché. Vous voulez montrer aux gens quelque chose qu'ils ont vu auparavant, puis vous voulez y introduire quelque chose de nouveau. C' est ainsi que vous commencez à développer vos styles, c'est en vous introduisant, mais en fin de compte la photographie fonctionne, c'est superficiel en général. Parce que c'est ce qui est devant vous, c'est ce que c'est. Tu ne deviens pas plus profond que ça. Alors, comment montrez-vous aux gens ce qu'ils attendent de voir ? Quelque chose qu'ils peuvent facilement digérer, ce n'est pas super complexe, mais qui leur montre d'une manière nouvelle. Parfois c'est un angle, parfois c'est une composition, parfois c'est une illusion d'optique, des réflexions quoi que ce soit. Elles sont toutes différentes façons de photographier. Au lieu de photographier un bâtiment, vous photographiez le reflet du bâtiment. C' est comme comment peut-on présenter le monde d'une manière que les gens puissent le comprendre, mais aussi qui met en valeur votre propre cœur ? Parce que c'est la partie la plus importante, et c'est à peu près la différence entre prendre une photo et faire une photo, parce que quand on prend une photo, on la prend juste. C'est juste là devant vous. Lorsque vous faites une photo, vous la construisez et vous mettez un peu de vous-même dans la forme artistique. Mettre un peu de votre âme et c'est une grande différence entre les deux, entre ce à quoi vous pensez réellement quand vous commencez à faire de la photographie. Quand tu essaies de l'amener à un autre niveau, « Oh, je ne fais que photographier mes enfants. » Parce que même je photographie mes enfants ou est-ce, « J'essaie de photographier mes enfants d'une manière que personne ne les avait vus auparavant ». Je pense que quand vous avez le contrôle créatif, vous pouvez obtenir le flou des gens qui montent et sortent d'un train, il y a beaucoup de choses différentes. Je pense que ce n'est pas que tu vas créer un magnum du soleil à New York. Cela a déjà été fait par beaucoup de gens comme Bruce Davidson, Christo Claude, ont fait un très bon travail dans les métros. Qui ont passé des années à le faire et qui encore je dis est idéalement, vous voulez descendre à l'idée grincheuse comme entre un essai, un essai photo et un reportage photo. Une histoire photo, est le point A à B. Bob va au travail, a déjeuner, rentre à la maison, va à la salle de gym, va au lit. Une journée dans la vie de Bob. C' est l'histoire photo, c'est très linéaire, et l'essai photo est un peu plus ésotérique. Un peu plus de voyage, c'est tout ce que l'utilisation d'une flèche pour créer un mouvement, n'a pas besoin d'être cloué par le point A au point B ou par le temps. Donc, si vous allez faire une journée dans la vie du métro du médecin qualifié pendant qu'il se lève et passe toute la journée jusqu'à ce que ça se termine, c'est une photo. Si vous parlez de ça, c'est le métro de New York, peu importe si la première photo que vous avez prise montre moins ou si vous l'avez prise pendant quelques mois et il n'y a aucun sujet, sauf quand vous modifiez les photos et vous les mettez ensemble, vous créez un récit qui est évocateur travers la composition des images en raison du fait que nous avons joué les uns les autres à travers, lumière, l'obscurité et la composition, sont tout un moyen que vous pouvez créer des images. Alors avez-vous un total et le détail, plan du milieu. Vous comprenez comment ils créent une résonance émotionnelle qui va tout au long du récit et qui est plus essayiste. Quand je monte dans le métro à l'heure de pointe et qu'ils sont comme 10 mains sur le bar, il a été tiré avant un million de fois, mais pour moi, c'est incroyablement évocateur. C' est écrit une foule dans une voiture de métro. Certaines choses sont cliché pour une raison parce qu'elles fonctionnent. [ inaudible] comment allons-nous le dire autrement. Oui, c'est la vérité, mais donc ? J'adorerais ça. Si je pouvais juste faire une série de photos de ces mains sur des trous de métro à travers le monde, je le ferais. Donc, ici, ce sont les gars pour cette mission particulière, vous allez vous enfermer dans un endroit comme la voiture de métro de New York, ou toute autre voiture de métro ou chambre, et essayer de trouver une variété d'images différentes qui raconte une histoire de cet endroit. 3. La composition: Parfois, ça pourrait être un espace. Donc, je suis un grand fan de l'espace négatif, donc je vois peut-être que c'est juste l'ascenseur ou un mur. Alors, comme ici, disons dans le métro, vous avez les puits où les employés des services publics peuvent se tenir là-dedans. Est-ce que je veux que sa tête soit dans la moitié ou est-ce qu'on la veut dans tout ça ? Donc, c'est plus comme parfois je vais commencer par l'espace lui-même et ensuite j'attendrai que les gens emménagent dans l'espace. Ou parfois je vois une personne, puis j'attendrai de voir ce qu'elle fait, comment elle bouge, et où elle se trouve. Alors j'essaierai de faire cette photo. Donc, il y a vraiment deux approches pour composer avec l'espace ou attendre que les gens [inaudibles] dans l'espace. Je pense que mon style change. Je pense que c'est ma carte de visite, c'est que, moins au niveau professionnel, j'adapte ma vision pour travailler avec n'importe quelle histoire que je couvre, et je pense que c'est très important. Si je fais constamment la même chose encore et encore, alors c'est répétitif, les gens s'ennuient si elle. Mais si j'essaie de laisser chaque chose que je couvre me parler une certaine manière et de changer mes visuels à cause de cela et de m'y adapter, je pense que c'est plus là où je veux aller, c'est plus approprié. Donc, beaucoup de choses que j'essaie parfois de faire sont de trouver différentes façons de composer une image. Encadrements de fenêtres. Une fois que vous êtes prêt, je suis dans cet espace que je veux photographier, mais vous pouvez dire  : « Comment puis-je le voir différemment de la façon dont je le vois en ce moment ? Donc, je le vois là-dedans et au début j'ai dessiné. J' ai commencé à lui tirer dessus, puis j'ai réalisé que je pouvais aussi obtenir le reflet du métro dans le verre et le ciel derrière moi. Donc, je tire mon bras et j'utilise ce faisceau transversal pour bloquer la réflexion de moi-même et je change l'ouverture plus haut parce que je veux plus de mise au point. Alors, je suis allé à F5. Je garde le point de mire sur lui, mais maintenant je sais que je vais obtenir plus de l'arrière-plan, puis j'ajuste mon exposition et j'essaie de me rendre plus petit et j' utilise ce faisceau transversal pour bloquer mon reflet. Alors je peux faire passer le train et les gens et ce gars là-bas. Quand j'étais à la fac, je vivais dans un refuge pour sans-abri et ma thèse était de vivre dans ce refuge pour sans-abri et de photographier la vie à l'intérieur, et j'ai une scène de ces trois gars qui font leur lessive. C' est cette trinité parfaite, pour moi, cette composition qui a fonctionné. Mon rédacteur en chef à l'époque, mon mentor, était cette photographe du journal Saint Louis et elle a dit  : « C'est une image horrible parce que tu as un arbre qui pousse à l'arrière de la tête de ce gars et que tu as un interrupteur d'éclairage à côté de l'épaule de ce gars, et ce n'est pas seulement composé. » C' était comme : « Comment voyez-vous toutes ces choses dans la caméra quand vous filmez ? » Elle dit : « Ça viendra. À un moment donné, vous verrez chaque élément à l'intérieur du cadre lorsque vous tirez. » Quinze ans plus tard, je me dis  : « C'est mon truc. » Je compose analement. Je n'utiliserai pas d'images si elles ne sont pas composées, si quelqu'un n'est pas parfaitement dans l'espace que j'ai besoin d'elles. Vous pouvez commencer par les lignes et les grilles et garder les gens à l'intérieur des lignes et des grilles. Donc, ici, j'ai commencé un peu plus haut et j'ai coupé certaines lignes, et puis je bouge juste mon point de vue un peu plus bas et j'essaie de garder les choses dans les frameworks. Donc, vous pouvez le faire comme une forme de grille où vous gardez les choses, vous avez le rectangle d'or et la règle des tiers de la façon dont les gens composent les images. Des carrés. Donc, si vous pensez à Instagram. Instagram a vraiment été un succès, et l'iPhone en général, mais il change le langage visuel à bien des égards parce que nous étions habitués à toujours, avance, les magazines que nous regardons comme ça, le même rapport de nos yeux, un rectangle. Maintenant, nous avons ceci et quand nous le tenons confortablement de cette façon, seul un carré fonctionne. Donc, maintenant, les gens voient dans plus carré. Était dans le passé, composait pour un carré qu'on n'avait pas fait. Je ne me souviens pas de ce que le philosophe l'a dit, mais comme Voltaire ou quelqu'un l'a dit, « La symétrie est un refuge pour l'esprit simple », ou quelque chose comme ça. Mais maintenant, c'est beaucoup de ce qu'on fait. Les gens voient sur place plus que jamais et ça fait un retour. Pendant longtemps, les gens ne l'ont pas vu parce qu'il n'a pas été publié et la grande différence est que j'ai commencé avec la photo, j'ai la place, j'ai le gars là-dedans et puis je vois le panneau d'urgence derrière moi et il a juste dit emer-. Il coupait le reste, donc je me déplaçais légèrement. Donc, une des grandes raisons pour lesquelles je dis que les gens n'utilisent pas de caméras zoom. Utilisez un objectif et au lieu de zoomer sur l'appareil photo, vous devriez utiliser vos propres deux pieds et bouger. Donc, certaines personnes ont une lentille de 50 mm ou une lentille de 35 mm et la grande différence entre les deux est comme trois étapes. Évidemment, il y a plus que ça. Les images se sentent un peu différentes lorsque vous photographiez entre les deux et que c'est vraiment la profondeur de champ, mais pour la plupart, vous n'avez besoin que d'un seul objectif. Si j'étais sur une île déserte, j'aurais un appareil photo, un objectif avec un objectif de 35 millimètres. C'est tout ce dont j'ai vraiment besoin. Je pense que la plupart de mes images que j'ai jamais faites sont avec un objectif de 35 millimètres. Je regarde à travers, je me dis : « D'accord. Est-ce que cela marche ? » , et je prends la photo parce que je suis définitivement l'état d'esprit de genre, « Prenez la photo même si elle n'est pas au point, prenez simplement parce que cela pourrait ne plus se reproduire. » Mais je vais prendre cette première photo et me dire : « Ça ne marche pas. Je peux mettre sa tête dans le carré supérieur et l'autre gars dans le carré inférieur ? » Alors je vais travailler. Je vais bouger légèrement, puis je vais changer un peu mon objectif. Donc, maintenant, au début, je me suis concentré sur lui derrière et ensuite j'ai changé le plan de ma concentration. Alors, je l'ai mis devant, lui à l'arrière ? Il s'agit de changer différentes choses et de voir ce qui fonctionne. Je suis un grand fan, l'une des grandes influences de mon travail est Alex Webb, Jill Perez et David Alan Harvey juste dans le sens - et je suppose Steve McCurry - dans la façon dont ils composent et comment ils se superposer. La superposition est très importante pour moi en termes de construction de l'image et d'avoir des perspectives différentes des gens. L' élément clé de la façon dont je photographie est que j'aime avoir des éléments de composition distincts. Ce sont mes couches. Donc, le premier plan, le milieu, l'arrière-plan, les gens étant des éléments de composition autour d'autres personnes, ce qui implique le mouvement. La grande chose à propos de la photographie de rue, photographie non configurée, je dirais, est que vous essayez de capturer la sérénité de la vie qui se passe en un instant et sans l'arrêter. Si vous pouvez tout aligner parfaitement où vous voulez, alors c'est là que vous le sentez dans votre cœur et votre âme. C' est comme si j'avais réussi à capturer la vie d'une manière, pour moi d'une manière bien structurée, sans rien faire, sans la changer, sans interrompre son flux, et je suis fier de cela. C' est pour ça que je m'entraîne. 4. Séance photo: Donc, deux bonnes choses là-bas. La première est quand vous voyez quelque chose le prendre, et ensuite, « Oh, je peux me rapprocher un peu ? Est-ce que je peux continuer ? » Parce qu'on recommence toujours plus loin. Et deuxièmement, je suis toujours comme ça, parce que tu es dans le métro et si tu n'es pas sûr d'où tu es, tu pourrais te faire tuer. Donc, je suis là, et je vois ça, et je me dis : « Où est ma tête. Où est tout ce qui se passe là ? » Donc, voici une façon de penser à la composition, vous avez cet espace négatif du ciel. Je dis toujours, « Alors quoi ? » Quand tu n'as rien d'autre à faire. Mais encore laisser est un bon moyen d'en apprendre davantage sur la superposition. Donc, vous avez tous ces poteaux, et toutes ces barres transversales. Toutes ces choses de maths. Donc c'est plutôt comme, « Ok, si je suis là... » Évidemment, voyez par vous-même, non ? Je suis comme d'accord, il y a quelqu'un là-bas, il y a quelqu'un ici, il y a un premier plan et un arrière-plan et je peux commencer à organiser un plan, basé sur la composition sur la structure elle-même, c'est là que vous commencez la différence entre prendre un et faire une photo, alors que je ne l'attrapais pas. Ce n'est pas un accident de voiture qui vient de se produire en bas, je sors mon téléphone et je le prends. Non, je pense à, j'essaie de construire, mais je ne l'interrompt pas. Je ne change pas la sérénité de la vie, je veux la capturer, mais maintenant je veux construire l'image. Donc c'est là que je dessine, donc je commence, ok, je regarde ça. Jusqu' à présent, c'est tout et je le vois, et je me concentre sur l'arrière-plan. Je veux changer un peu mon exposition parce que je veux flouter l'arrière-plan pour me cacher dans une silhouette. Alors je vais passer à côté parce que peut-être je ne vais pas amener les gens dans le bon cadre. Oui. Peut-être que je dois faire un pas de cette façon, mais ensuite j'ai coupé une femme en deux avec une des barres transversales et maintenant je dois y retourner. Il s'agit de voir l'espace et de trouver comment faire une image. Parfois, cela nécessite juste de rester là, si cela vaut la peine pour vous, et c'est là que vous devez définir quel est votre objectif en faisant tout cela. Cela vaut-il la peine pour vous de vous démarquer dans le froid, la pluie ou la chaleur, et d'essayer de capturer cette image que vous avez vue sur le dos de votre tête ? Alors c'est parfait. Je me souviens que j'étais en tournage pour ESPN pour couvrir dernier match de Brett Favre à Lambeau Field, dans les Green Bay Packers. Et la plupart de mes caméras actionnent la mise au point automatique en appuyant sur un bouton à l'arrière. Quelque part autour du troisième quart, il faisait 12 degrés. Quelque part autour du troisième trimestre, rien n'était au centre. Je me disais, qu'est-ce qui se passe ? J' ai regardé mon pouce vers le bas, il était en fait bleu. Parce que je me tenais à cet endroit en essayant de faire des photos, et mon pouce a gelé sur mon appareil photo. Je lui disais d'appuyer sur le bouton mais ça ne faisait rien. Donc, ça dépend juste, quel est ton objectif ? Vous êtes sur le chemin du travail ? Alors, tu fais ça pour t'amuser, donc ça n'a pas d'importance. Pour moi, c'est comme, ok, je veux m'assurer que cette image fonctionne. J' ai passé assez de temps mettre en place dans mon esprit, est-ce que ça va être parfait ? Rien ne l'est jamais. Je voudrais assimiler la technologie du téléphone mobile à bien des égards est une sorte d'être comme un holga numérique. Holga est cet appareil photo en plastique de 20$ que vous n'obtenez jamais vraiment quelque chose de totalement précis ou exact ce qui en est sorti. Vous auriez une image, c'était un peu intéressant et beaucoup de gens l'utilisaient. J' ai un bon ami à moi, un photographe, David Burnett, qui l'a utilisé à la Maison Blanche. Dans le bureau ovale et a montré cette caméra. Donc, quand vous avez une caméra plus robuste, n'importe laquelle de ces caméras ; ces DSR, quoi que ce soit inversé. J' ai mon obturateur, j'ai mon ouverture, j'ai mon ISO. Maintenant, tous les trois que je peux combiner et être comme, d'accord, j'aimerais qu'une personne reste immobile, et un flou d'humanité passe par là. Eh bien, alors je dois avoir une vitesse d'obturation lente. Je peux compenser en abaissant mon ISO ou en changeant mon ouverture. Tu n'as pas cette option, vraiment, avec ça. Je veux dire qu'il y a des choses que tu fais sur un téléphone plus récent. Nous avons quelques options sur certains des téléphones Android, vous avez ces options dans Windows Media. Mais c'est la qualité de l'image. Mais même cela, pour être honnête, il n'y a pas beaucoup de différence entre les deux à ce stade en termes de technologie. Il est plus sur la qualité réelle et l'image, j'ai imprimé des images de l'iPhone facilement 40 pouces par 40 pouces. Je viens d'imprimer sur un papier aquarelle, quelque chose avec une texture. Pour qu'il le tienne un peu ensemble, et à mesure que vous vous rapprochez, il finit par ressembler à un Monet ou à George Seurat, et ça commence à devenir inutile. Mais je pense que lorsque vous utilisez une caméra qui a des éléments en verre et un super précis, puis testé, et a des ISOs élevés et des valeurs de vitesse d'obturation élevées. Si vous êtes au courant de tout ce qu'il peut faire, et que vous avez les techniques en bas, vous pouvez avoir plus de contrôle créatif parce que vous pouvez pré-planifier à l'avance, comme, c'est le type d'image que je veux faire. Plutôt que d'être surpris par ce que vous obtenez. Cela dépend juste de votre objectif final. Donc, si vous regardez à l'intérieur de cet objectif très sale, vous verrez qu'il y a un iris, si vous regardez à l'intérieur de cet objectif qui s'ouvre et se ferme, et c'est l'ouverture. Plus le trou est petit, plus le nombre est grand. Je ne sais pas pourquoi ils ont trouvé ça, plus c'est en profondeur. Un obturateur est la vitesse à laquelle le rideau se déplace devant le film réel joué. Donc, en ce moment, je suis à 2.500e de seconde. Tu vois, les volets bougent très vite, si je le change, ça fait un quart de seconde. C' est à peu près la quantité de lumière que l'appareil photo laisse entrer sur le clip. Donc, lorsque vous avez combiné l'obturateur et une ouverture, vous essayez de faire une exposition correcte à la lumière. n'y a pas de bonne chose, donc si vous regardez ici et que vous soyez comme, oh l'exposition ici. Une ISO est la vitesse du film, donc tous ceux qui sont aussi ils créent la sensibilité et autres. Donc, si vous filmez à 400 ISO dans cette pièce à F4 à 60e de seconde. Vous pouvez également tirer un bidirectionnel à 125e de seconde. Ce sera la même exposition exacte sauf que vous auriez une profondeur de champ différente parce que l'ouverture est légèrement ouverte. Si je tire F56 à une trentième de seconde, ce qui est la même exposition, alors je pourrais commencer à obtenir un ce qui est la même exposition, flou de mouvement même si la qualité de la lumière est la même. Donc, ce pilier va être le même, mais il n'y a aucun risque de flou de gens qui passent, alors qu'à 125e de seconde, il gelerait le mouvement. Ou je pourrais simplement changer mon ISO, si je commençais à une ISO vraiment plus faible, caméra n'est pas aussi sensible à la lumière, donc il faut plus de lumière pour faire une exposition. Donc je devrais ouvrir mon ouverture ou ralentir ma vitesse d'obturation pour obtenir plus de lumière. Où si je vais à 2.000 ISO , maintenant je peux probablement filmer ici à 500ème de seconde à F4. À 2 000 ISO, ce qui est assez rapide pour ralentir un match de basket. Donc tous ces éléments jouent dans la façon dont vous voulez faire votre exposition. Évidemment, au fur et à mesure que vous montez un ISO, la chute est sombre. Vous commencez à devenir de plus en plus sombre dans l'image. Quand on s'est rencontrés, je plaisante, quand je n'ai pas mon appareil photo, je plaisante et je suis un blagueur. Mais je me sens très visible quand j'ai cette chose autour de mon cou et parfois j'aime juste me mêler et disparaître, et j'aime capturer une photo sans vraiment être là. Parce que comment peux-tu être témoin de la vie ? Comment pouvez-vous l'enregistrer si vous l'affectez ? Vous pouvez faire toutes sortes d'arguments, de la même manière, comme la loi de l'observation qui, si vous regardez quelque chose comme ça se passe, ce n'est pas vraiment le cas sans que vous le regardiez. Ce qui est comme un théorème scientifique ou un fait. Évidemment, si je suis là et que les gens marchent autour de moi, j'affecte le flux. Littéralement. Mais je ne demande pas aux gens de « Hey ! Dites-moi votre secret le plus profond et le plus sombre. » Je ne les empêche pas de flirter, j'essaie essentiellement dans les meilleurs cas, mon idée est de dire que c'est une tranche de vie qui se passe en ce moment et que je veux la capturer. Donc, c'est ce que j'essaie de faire et je fais ça dans le métro ou dans la rue. 5. L'éclairage: Maintenant, faites attention à cela. La photographie consiste essentiellement à peindre avec de la lumière comme si vous compreniez comment la lumière rebondit sur les choses et comment elle est enregistrée. Je veux dire que cela entre en jeu avec la composition et en fonction de la façon dont vous vous déplacez comme des lumières fluorescentes flare en vert et vous avez cette lumière qui est bleue et son sac est rouge. Il y a tellement de façons différentes comme : « Oh, tu sais. » Donc, la photo d'elle à cause de la façon dont la lumière est, même si sa veste est beige, elle va sortir jaune dans le cadre, parce que vous êtes dehors, vous avez un éclairage mixte, vous avez une lumière normale, fluorescente la lumière et le rouge. Ils rebondissent tous autour d'elle et nous pouvons tout corriger par la suite, mais c'est juste comprendre la lumière et comment elle tombe sur les gens. Donc, si je tire ici, disons que vos yeux vont tout équilibrer. Votre cerveau voit tous ces trucs et équilibre tout pour vous. Mais, vous devez être capable de comprendre comment contrôler de manière créative la caméra et être comme, ok, et si je l'expose pour ça comme. Donc, si je dois juste appeler et dire, « Oh, je vais juste exposer pour ce point culminant. » Eh bien et puis, ça devient quelque chose de différent. Alors vous l'utilisez juste comme une lumière pour mettre en évidence gens qui alors disons que ce gars parce qu'il porte sa chemise blanche et qu'elle porte des chemises noires. Donc ses visages vont sortir beaucoup plus clairs, ses lumières rebondissent aussi sur sa chemise, d'accord. Donc, ça va être un type de tir bien différent, si je lui tire contre si je lui tire dessus. Et c'est juste une sorte de compréhension, mais c'est pour ça que j'expose. 6. Réflexions finales: Donc, quand je regarde les photos, je cherche des photos de variété, je cherche des histoires, je cherche du contenu émotionnel, je cherche de la composition. Chacun de nous apporte ses propres petites idées de ce qu'une bonne photo comme il se doit. Je suis certainement plus du côté de la composition, certaines personnes pourraient aller plus du côté du contenu, mais c'est certainement que vous voulez avoir quelque chose de cohésif et d'évocateur, et c'est ce que nous recherchons, quelque chose d'intéressant. L' idée est que lorsque vous regardez votre travail, vous voulez dire : « Est-ce que je fais une image que personne n'a vu auparavant ? » « Est-ce que j'essaie de présenter quelque chose qui... » nous savons tous à quoi ressemble le métro de New York. Alors, « Est-ce que j'essaie de montrer quelque chose que tout le monde sait à quoi ça ressemble et d'essayer de le montrer d'une manière différente ? Est-ce que je réussis à faire cela ? » C' est la clé de ce projet. 7. Explorez des cours photo sur Skillshare: