Peinture numérique 2 - Peindre spontanément vers un objectif défini

1. DigitalPaintingII part000of13: Bonjour, tout le monde. m'appelle Mark Obuchi et je tiens à vous remercier de m'avoir rejoint pour la peinture numérique dans cette classe. Mon objectif est de vous montrer une approche très complète de l'illustration. Vous pourriez appeler ça convivial pour le client. Nous allons trouver un croquis conceptuel, puis affiner chaque partie avec des personnages et de la composition avant de terminer la peinture finie. Alors commençons. 2. DigitalPaintingII part01of13: Ok, donc pour commencer cette illustration, j'ai des photos de références que j'ai prises plus tôt dans la semaine et l'une d'entre elles était dans région viticole. C' est une sorte de chariot de tournée en bas. Et l'autre, c'est des citrouilles. Évidemment, c'est la période de l'année pour cela. C' est octobre que j'enregistre ça, et j'adore ce genre de sujet. Donc, ce que j'ai décidé de faire ici, c'était d'apporter ces deux références et de voir ce qui se passe quand je commence à peindre. Vous verrez que je vais essentiellement les combiner en une idée à laquelle j'ajouterai quelques personnages. Vous verrez que je vais essentiellement les combiner en une idée à laquelle j'ajouterai quelques Et ce n'est pas vraiment un sketch ah en soi. C' est plutôt, Ah, un regard complet sur la peinture de finition. C' est un peu plus qu'un croquis. C' est quelque part entre une touche de couleur et, disons, un morceau d'art conceptuel. Donc, une clé de couleur serait un très petit croquis de couleur. C' est juste une sorte de détermine l'apparence et l'humeur de la couleur. Euh, alors qu'un concept art, c'est peut-être un peu plus un travail terminé. C' est quelque chose entre les deux, tu sais, ça va être un peu plus fini, mais encore une fois, ça va être très rapide. Je ne vais passer qu'environ 40 45 minutes là-dessus. Et l'idée est que je vais essayer de capturer quelque chose de brut, énergique et émotionnel. Et toutes ces choses semblaient arriver quand la peinture ou le croquis va vite, du moins pour moi. Hum, pour moi, le processus est capturé quelque chose de rapide qui est brut. Et puis essayez de maintenir cette émotion tout au long du processus. Tu sais, si je commence à calculer maintenant, le résultat fini finit par paraître trop calculé et la vie a disparu. Et ce n'est généralement pas amusant pour moi. Teoh dessiné de la peinture si je suis trop calculé. Donc je n'ai pas fait de planification autre que les deux photos que vous voyez là-bas. Pas de planification. Et je vais juste y aller. Donc je bouge méthodiquement. Je sais que je veux que j'ai vraiment aimé cet auvent sur la photo du bas. C' est l'une des raisons pour lesquelles j'ai pris cette photo. Tout comme j'aime les couleurs. Il a ma paire de couleurs complémentaires préférée, qui est vous savez partout dans le bleu et n'importe où dans les jaunes et les oranges. C' est juste que tu sais, j'ai toujours été attirée par ça. Je pense qu'il est très naturellement être attiré par ce jumelage parce que cela arrive dans la vraie vie avec une lumière chaude du soleil contre des ombres fraîches , par exemple, vous verrez ce type d'harmonie des couleurs arriver beaucoup. Alors j'ai commencé avec l'auvent parce que c'est une des choses que j'aimais vraiment. Et comme vous pouvez le voir, ce que je viens de faire là-bas, j'ai déplacé la toile vers le bas ou déplacer l'illustration vers le bas et étirer le ciel vers le haut. Juste un Vous savez, c'est numérique. Profitons du médium et utilisons-le pour ses forces. Et l'une de ces choses que vous pouvez faire est de transformer la chose autour Comme vous allez, je vais souvent faire pivoter le cheval de toile de 90 degrés afin qu'il tourne de la verticale à l'horizontale. En fait, je l'ai déjà fait plus tôt dans la peinture. Hum, ça va finir pour ah vertical sans autre raison. Alors ça semble convenir à l'idée. Et encore une fois, travailler sans planification est quelque chose que je vous conseille de faire parce que cela aide avec votre confiance. Si vous essayez quelque chose qui est trop planifié, vous pourriez être un peu plus enclin à la déception. Et vous pourriez être provisoire avec votre idée. Voici des choses plus émouvantes. J' utilise juste l'outil lasso pour le découper et juste bouger. Je ne travaille que sur une seule couche. Donc derrière cette couche, il y a juste de la transparence, vous pouvez voir que je ressens ça avec un peu plus de ciel. C' est toute la composition trouver quelque chose qui fonctionne eso retour à ce que je disais avant cette tangente, euh, la confiance si vous pouviez être un peu plus enclin à l'échec et à l'appréhension. Peut-être que si vous ne l'êtes pas, si vous n'êtes pas à l'aise de plonger dans quelque chose de cru et de voir ce qui sort de vous, euh , vous savez, souvent les meilleurs coups sont les meilleurs. Les idées sont des choses qui se produisent spontanément et dans le moment, euh, et puis l'art vient vraiment dans un avoir les compétences pour le faire. Mais aussi comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas et ajuster à la volée. Donc ça va être un personnage qui sera le personnage de monstre vert. Il y a des yeux qui viennent d'être dessinés, j'utilise un de mes pinceaux aquarelle pour ça. Le pinceau aquarelle rond. Je vais changer cette brosse. Finalement. Je vais utiliser toutes sortes de pinceaux, mais pour ça, j'utilise le « Vous savez, ce pinceau aquarelle ». J' aime les marques qui le font garder un look frais. Um, juste avec ces bords humides imprévisibles et, vous savez, d'autres types de bords ondulés que j'aime vraiment utiliser et les laisser faire un peu de travail pour moi. Donc je bloque juste le personnage. Une chose avec ce type d'approche de la peinture est que je ne suis pas concerné, vraiment, par le dessin dans le sens plus fin. Comme si je me fichais de la pose de ce personnage en ce moment. C' est trop à penser. Je suis vraiment plus préoccupé par le grand concept global que posent les personnages. J' aurai l'occasion de l'évaluer plus tard et de le modifier plus tard, et ce sera la prochaine étape du processus. Ceci est à nouveau préoccupé par la composition de l'humeur et le vraiment c'est tout. L' humeur englobe la couleur et la composition lumineuse et l'humeur. C' est ce que c'est. Hum, je pose la moitié inférieure va être si vous regardez la photo du haut, voyez comment les citrouilles air sur ça, comme l'étape de l'escalier et l'étagère. C' est ce qui va arriver avec celui-ci. Hum, donc je bloque ça en ne faisant pas trop attention. Je ne sais pas vraiment comment tout va marcher encore, et je vais juste avec le flux. Finalement, nous y mettrons des citrouilles parce que ce serait un élément de composition important juste pour voir comment le I coule. Et les citrouilles pourraient être un bon dispositif pour aider à conduire dans l'œil. Donc je pense que je le ferai très bientôt. En outre, ce qui doit être fait, c'est l'autre personnage. Il va y avoir un personnage enfant là-dedans, et je pense que quand on a affaire à une composition, un de vos plus grands outils, on peut l'utiliser comme un peu de prévoyance en termes de ce qui va être dans le image. Vous savez, parfois vous ne savez pas quand vous allez complètement brut, mais cette fois, comme vous pouvez le voir, j'ai fait de la place à droite pour qu'un autre personnage soit là, et je devrais probablement obtenir ça bientôt. En ce moment, j'ai l'air d'être plus préoccupé par un peu d'un patron en haut. Et encore une fois, la raison pour cela est juste de rompre la monotonie. La monotonie est un tueur de l'art, et tu veux le contraste. monotonie est un tueur de l'art, Vous voulez que les choses soient constamment intéressantes, mais aussi orchestrées. Donc, l'intérêt n'est pas partout également. Mais, euh, tu sais, ça te guide. L' intérêt est une forme de contraste qui peut aider à guider votre I. Donc je vais voir ce que je peux faire pour l'utiliser à mon avantage. Je pense que mettre certains de ces modèles là-haut, qui, comme vous pouvez le voir, n' est pas sur la photo. Je ne suis pas marié à cette photo. J' utilise juste ces photos. Inspiration, Hum, certaines choses dans les photos seront prises plus littéralement que d'autres choses. Tu sais, le fait qu'il n'y a pas d'auvent et qu'il y a des citrouilles sur un pas ces trucs de littoral aérien . Mais la composition est complètement ma propre changé. C' est un arbre dans lequel je bloque. Je veux jouer avec cette idée d'une lumière tapissée à travers l'image. Et cet arbre va me donner une excuse pour jouer ça. L' arbre n'a pas besoin d'être à l'intérieur, mais l'arbre aidera également à briser la forme de l'auvent. Comme vous pouvez le voir, ce moment, je laisse cet arbre chevaucher la forme de l'auvent. Et c'est un moyen simple d'obtenir de la profondeur, surtout dans une scène comme celle-ci, où il n'y a pas beaucoup de profondeur naturelle. Comme si je ne regardais pas des kilomètres dans un paysage. Je regarde, vous savez, tout ça se passe sur un avion très similaire. Tous ces personnages et les citrouilles. Et vous savez, tout ce qui se passe ici est, vous savez, peut-être à 20 mètres de la caméra, 20 mètres du spectateur. Donc tu joues la profondeur d'une autre façon, et l'arbre qui se chevauche va être l'une des façons dont il va y avoir une autre façon. Là où je vais le faire, c'était ingrédient léger, et c'est quelque chose qui est dans mon esprit à ce stade. Mais je ne vais pas l'établir avant plus tard dans le processus, quand viendra le temps de le faire . Donc, comme vous pouvez le voir, le personnage est bloqué, et tout comme avec le personnage monstre. Je suis plus préoccupé par la composition du personnage plutôt que par sa pose. Il y a donc une différence clé là. Si vous pensez à un personnage que vous pourriez sauter, ce que je pense est la partie secondaire qui pose le personnage, vous savez ? Elle est heureuse ? Triste. Est-ce qu'elle s'appuie sur une citrouille ou elle présente une citrouille ou peut-être juste à la recherche. Qu' est-ce qu'elle fait ? Eh bien, en fait, pour moi, secondaire. La principale chose qui me préoccupe est le placement des éléments. Vous pensez à ça comme si je ne sais pas, attaquant quelqu'un dans un jeu d'échecs. Vous voulez que vos pièces soient placées stratégiquement sur la planche afin que vous puissiez mener à bien cette attaque. Et dans ce cas de l'attaque, métaphore fait référence à la façon dont votre œil va se déplacer à travers cette chose et comment cela va affecter le spectateur. Euh, vous êtes des pièces. Je place mes décors, tu sais, comme si c'était un tableau, et tout doit être placé juste et souvent fois le niveau auquel il est maintenant, où les personnages en ce moment, qui est complètement inachevé. Cela suffit pour m'inspirer et m'aider à voir et à évaluer où cela va. Je n'ai pas besoin de finir quoi que ce soit. Je ai pas besoin de finir quoi que ce soit avant autre chose, mais cette illustration que je sais dans ma tête va être inachevée. Et c'est un énorme soulagement. Mentalement, je pense que les gens peuvent tomber sur le désir de finir quelque chose, et souvent, ce sera un détriment pour vous d'aller dans une peinture avec l'espoir que vous allez trouver une peinture finie, essayer de ne pas le faire. Va dans un tableau et dis-toi, Ok, je vais juste explorer ça pourrait ne pas marcher. Et si ça ne marche pas, devinez quoi ? Je n'ai perdu que 30 minutes de ma vie. Et vraiment, tu ne l'as pas perdu parce que tu as appris. Mais, vous savez, j'ai beaucoup, beaucoup de fois où les peintures ne marchent pas. Ça m'arrive tout le temps. Euh, celui-là, je l'enregistre après l'avoir peint parce que ça m'aide à mieux raconter mes pensées quand je ne peins pas et ne parle pas en même temps. Celui-ci fonctionne bien, mais vous savez qu'il n'arrive pas toujours. Eso va travailler avec l'expert sans aucune attente, tu sais, euh, euh, épargne-toi. Ça pourrait ne pas marcher. Et devinez quoi ? Si ce n'est pas le cas, je serai aussi heureux et je vais passer à autre chose et peut-être que ça ne marchera pas, mais quelque chose a fonctionné. Et puis vous pouvez l'utiliser dans le prochain dans la prochaine exploration de cette idée, ou peut-être, vous savez, appliquer entièrement dans une autre idée. Dans ce cas, ce que je fais maintenant, c'est que je suis préoccupé par la lumière. Retour au début, j'ai mentionné que je veux que ce soit, avoir de l'humeur et établi l'humeur de la paix et de l'humeur. Du moins pour moi. La façon dont je travaille est très important d'avoir une bonne lumière et une bonne lumière conçue, mon avis conçu la lumière. Je veux dire la lumière, c'est-à-dire l'histoire, grenier ou quelque chose qui va indiquer l'émotion plus que le réalisme. Alors j'ai jeté de l'ombre sur le monstre. Je suis bloqué parce que je pense qu'avoir le monstre soit coupé en deux, pas littéralement en deux comme ça, mais, vous savez, avoir un jeu entre la lumière et l'ombre va aider l'intérêt. Maintenant, ici dans l'auvent, je joue avec des ombres et de la lumière qui vont jouer là-haut. Donc j'ai établi cette idée réaliste de lumière tamponnée, ce qui, qui, vous savez que vous arrivez chaque fois qu'il y a de la lumière du soleil dans les arbres. Mais je l'utilise aussi comme une pièce dirigée par l'art pour aider avec le contraste d'intérêt, la composition, l'humeur, toutes ces choses artistiques dont la nature ne se soucie pas vraiment. Quand je peins de la nature, j'essaie juste de capturer ce qui est en réalité devant moi. Que se passe-t-il ? Je n'essaie pas vraiment d'éditer autre que je vais le composer sur la page, Mais je n'essaie pas vraiment d'éditer la lumière, alors que ici je suis vraiment en train d'éditer la lumière. Je suis en train d'éditer ce que je sais ou j'utilise sur la voix faisant autorité d'un artiste, Teoh dirige ce que j'ai appris de la nature. Et tu sais, c'est un truc classique chaud contre cool. Nous sommes juste pour parler, comme la température, la couleur, la température pour un peu, j'ai pensé, c'est là. Évidemment, il y a de la lumière du soleil dans cette scène. La lumière du soleil est chaude. C' est cette lueur jaune orangé que nous connaissons tous du soleil. Ça va frapper un auvent jaune pendant que ce jaune va être multiplié. Ce jaune de l'auvent, plus le jaune du soleil, va se multiplier composé et vraiment obtenir une belle orange brillante et jaune, l'orange. Je ne suis pas encore là. Je ne le frappe pas encore sur la tête. Je vais m'accumuler. C' est une autre chose que je fais quand je peins comme je construis à ces couleurs. Mais encore une fois, la touche de couleur. Je ne suis pas préoccupé par la perfection. Je suis juste préoccupé par l'humeur, et ensuite j'ai fini parce que je vais repeindre ça dans une dernière droite. Ce n'est qu'un regard complet. Je vais le peindre en finale, donc je ne vais pas passer autant de temps à le masser que je le ferai à l'avenir quand j' irai peindre ce truc. Je vais le peindre en finale, donc je ne vais pas passer autant de temps à le masser que je le ferai à l'avenir quand j' Si tu regardes la vidéo quand j'ai fait cette nouvelle toile sur la toile, elle est assez petite. Si tu regardes la vidéo quand j'ai fait cette nouvelle toile sur la toile, C' est ah, je ne me souviens pas exactement, mais il peut être 600 pixels de haut par 400 de large ou quelque chose là-dedans. Ce n'est pas imprimable. C' est à peine à base de plantes Internet. C' est juste une miniature. C' est tout ce dont vous avez besoin, cependant, sur la belle partie sur les vignettes lorsque vous travaillez numériquement, en particulier, est vos brosses notre foudre rapide. Même l'ordinateur le plus lent peut gérer une petite toile sur une seule couche. Je n'utilise pas de couches. Ah, et tu pourrais juste te mettre au travail. Et, tu sais, c'est ce que je fais maintenant, c'est un peu de massage. Je ne peux pas séparer le métier du ah, le brosseur. Le pinceau étant l'artisanat de l'idée. Les deux choses étaient la main franche. Si j'ai une idée pour une photo Oh, il y a un monstre et une fille dans un stand de citrouille. Ok, c'est l'idée pour la photo. Le contenu. Ensuite, vous avez la couche d'artisanat, c'est comment je vais mettre ces coups de pinceau pour qu'ils soient beaux. Donc, sur un plan abstrait, les gens peuvent être engagés et contraints par la peinture. Pourtant, même si vous n'aimez pas les monstres et que vous n'aimez pas les personnages de filles, euh, la peinture peut toujours marcher. Ah, c'est l'artisanat. Et même dans cette clé de composition, euh, croquis préliminaire, je suis toujours un peu préoccupé par l'artisanat. Parfois, j'entre dans un peu plus que ce que je voudrais. Et puis je dois me rappeler que tu sais, Marco, tu dois repeindre ça et ne pas mettre la barre trop haut, parce que parfois ce que tu captes dans un petit croquis est littéralement impossible à récupérer. Parce que quand je peins comme ça, capturer de la foudre dans une bouteille, je n'ai pas de plan, non ? Donc tous ces petits coups que j'ai mis en bas sont vraiment irrépétables. Donc, comme vous le voyez quand je le veux, quand je peindrai la finition, je récupérerai l'effet. Mais peut-être d'une manière différente, peut-être que je vais changer quelque chose qui est la semaine. Ou peut-être que je ne capterai pas quelque chose d'aussi fort. C' est une des choses que vous devez aussi comprendre quand vous faites ces flics, c'est que vous créez de l'art ici, et c'est mieux à l'endroit. Le niveau de votre succès, si cela a du sens à un tel niveau, où vous pouvez sauter dessus plus tard est comme un bar. Placez le BART quelque part. Vous pouvez sauter par-dessus parce que parfois je fais ça parfois pour moi-même. Je me peins dans un coin où je ne peux pas faire mieux que le calme parce que la comp a l'air si belle et si spontanée et émotionnelle, puis je vais peindre la finale. Il a l'air travaillé, donc je vais essayer de retenir certains des éléments de l'artisanat et juste obtenir l'essentiel des os nus là-dedans. Les fondamentaux, cette valeur qui va derrière eux est là pour aider à partir juste tandis que deux choses un fournir une certaine profondeur. Ça va être comme des arbres de fond ou des buissons, quelque chose que je ne sais pas en ce moment. Ils ressemblent à des buissons. Pour moi, ça va aider celui de l'endroit. Cela va aussi aider à désactiver les personnages. Contraste sage. Alors maintenant les valeurs des monstres, il a deux valeurs. Valeur d'ombre dans la valeur de lumière. Ils sont tous les deux plus légers que l'arrière-plan. Avant cela, l'ombre est plus sombre et les lumières étaient plus claires, ce qui est très bien, mais je trouve en fait que vous pouvez aider à orchestrer vos valeurs et aider les points focaux à venir avant quand vous avez même les ombres plus léger que l'arrière-plan, sorte que vous pouvez voir que je joue les sombres autour du monstre afin que ses ombres soient claires. Sont plus légers que l'arrière-plan. Ensuite, bien sûr, les lumières ou même plus léger et ça aide à dire à l'œil où ces choses sont situées à nouveau dans l'espace. C' est très artistique dirigé, parfois dans la nature. Tu trouves ça, mais tu dois avoir de la chance. Voici quelques idées structurelles littérales. Comment est assis cet auvent ? Il y a des sondages, et je l'obtiens de la référence en bas à gauche. Là, je vois ces sondages qui sont juste attacher l'auvent au chariot, mettre une partie de cela dans, et c'est comme ça que j'aime utiliser la référence est juste pour avis d'information. Je ne copie pas une palette de couleurs. En fait, la photo de fond est complètement dans une situation d'éclairage différente qui était couvert. Vous pouvez voir les nuages dans le ciel. Le ciel était complètement couvert quand j'ai pris cette photo, et vous pouvez voir que l'éclairage est différent sur cette photo que sur ma peinture. L' auvent à la lumière de la photo est en fait assez froid. C' est blanc orteil plus proche. Ce jaune grisâtre était dans ma peinture. C' est plus orange vif et orange plus saturé pour capturer la lumière du soleil. Donc encore une fois, photos de référence peuvent être prises littéralement en parties et peuvent prendre une suggestion en parties et ne peuvent pas être considérées du tout dans les parties une chose que je n'aime pas à propos de ma photo de référence en bas est que les buissons air donc vert derrière la voiture. Je n'aime pas cette remarque dans ma peinture, j'ai rendu l'arbre de premier plan vert, mais les buissons de fond air cette couleur monotone bleuâtre à nouveau. C' est pour attirer l'attention. L' intérêt attire l'attention, et l'intérêt prend de nombreuses formes. Il vient en textures. Il vient dans les lumières et les ombres, les motifs et les valeurs et tout. Tout ce que vous faites crée de l'intérêt car il crée un contraste. Contraste rencontrer quelque chose qui n'est pas la même chose que quelque chose d'autre. Et vous voulez revenir sur ce point. Vous voulez orchestrer ces contrastes et ces intérêts à votre avantage, comme l'artiste, dans les images avantage pour donner la meilleure lecture possible au public. Maintenant, voici des citrouilles. Ce genre d'attente a attendu un peu trop longtemps. Peut-être pour mettre ces citrouilles dedans, et je pense que je finis avec quelque chose qui n'est pas assez fort comme je le voudrais. Voyez que ces trois citrouilles sont bloquées. Je n'aime pas comment ils sont juste bang bang bang 123 comme ça. Ce n'est pas tout à fait créer un chemin intéressant pour moi et moi avons plus de citrouilles qui aident , mais je pense que c'est quelque chose et je ne répare pas ces trois citrouilles. Je pense que ce genre de séjour où ils sont. Ah, c'est quelque chose que je veux Teoh. Regardez plus tard parce qu'une fois de plus, je suis en train d'enregistrer ma narration pour ce tableau une fois la peinture terminée, qui m'aide à y réfléchir et à vous donner plus d'informations du point de vue artistique de l'artiste . Quand je parle et que je peins en même temps, je ne suis pas pleinement engagé dans l'une ou l'autre, et je trouve que je trouve que les deux choses souffrent. Alors qu'il est possible de le faire, je trouve que c'est le plus pour l'argent. Quand je sépare les processus, il y a une lumière tachetée ou une lumière tamponnée sur le personnage du monstre. Juste quelques suggestions sur la façon dont je peux porter la lumière tapissée de l'arbre sur l'auvent au monstre, ce qui n'a presque pas trop de sens, comme si l'arbre serait bloqué par cet auvent. Mais encore une fois, ça a l'air sympa. Et hé, peut-être que ce scénario dans la vraie vie où ce genre de chose peut être retiré, qui sait ? Le public ne contestera pas cela. Vous pouvez filmer les lumières du jour de, ah deux photos. C' est pourquoi j'aime d art que j'aime trois D art. Mais j'ai choisi d'être un artiste à deux, parce que, ah, eh bien, beaucoup de raisons. Mais une des choses que j'aime, c'est que vous pouvez tricher, et, hum, hum, vous pouvez faire tout ce dont l'image a besoin pour obtenir une lisibilité maximale. Je mets des couleurs plus chaudes derrière les personnages très semblables aux buissons. C' est pour déclencher les couleurs plus froides. Les personnages sont principalement dans l'ombre, donc ils vont avoir des couleurs plus fraîches sur eux. Et le monstre et l'ombre en ce moment est très littéralement soufflé avec du magenta est et des rouges train d'être travaillés dans ce bleu, des rouges plus froids étant dans la gamme magenta. Hum, et le personnage de fille, est pour moi. Ce refroidisseur d'air réchauffe donc sa peau. Je ne veux pas que sa peau soit bleue, bien qu'il y ait des taches de bleu sur sa peau que je peux voir reflétant le ciel comme le haut de son front a un joli coup de pinceau bleu là-bas. Je peux garder ça, mais le reste de sa peau il y a encore du sang qui traverse un être humain, donc vous devez utiliser des couleurs chaudes pour les teintes de peau. Ah, mais elle est dans l'ombre, donc j'ai un problème. J' ai la peau chaude dans une ombre fraîche. Hum, donc j'utilise juste des rouges et des oranges en duvet. Grade vers le bas magenta comme et qui aide une couleur chaude devenir plus frais si vous génial vers le bas. Et ça te permet aussi, euh, parce que c'est gris, tu es plus capable de sauter de, disons, rouge au bleu parce qu'un gris ce n'est pas aussi dur. Si vous avez un gris saturé sautant au bleu saturé, c'est une sorte de changement sévère, très difficile de le retirer, pas beaucoup d'occasions de le faire. Mais si vous restez dans les gris, vous pouvez toujours intégrer dans les réchauffements ou les refroidissements. Et c'est quelque chose que j'aime faire. Même avec des couleurs saturées comme l'auvent, je vais commencer grisâtre et bouger plus, mettre plus de couleur en elle au fur et à mesure que je vais. Donc juste mettre un visage générique sur la fille. Ce n'est pas la conception finale. Pour ne pas dire que ce n'est pas bon. Je veux dire, tu voudras peut-être un visage générique comme ça. , Dans mon cas, cependant, cependant, je pense que je veux quelque chose d'un peu plus intéressant. Un peu plus. Ah, vous savez, juste quelque chose de plus, quelque chose d'unique et ce n'est pas unique. Les deux personnages ont la même expression, qui est, vous savez, si je dessine des personnages qui sont heureux, je vais toujours les bloquer avec le sourire par défaut comme ça. Il a une certaine émotion dans un personnage sans avoir à dessiner beaucoup. Donc c'est mon bonheur par défaut. Tu sais, c'est juste un pas de plus que le visage heureux d'un enfant avec un cercle en deux points et un toi pour une bouche. Pas trop avancé que ça. Mais je le ferai. Ah, c'est un bon bloc. C' est un bon bloc. Tu verras. La prochaine étape est que je vais vraiment m'éloigner de la peinture, aller dans les lignes et concevoir des choses avec des lignes. Donc, à la fin de l'illustration, il aura traversé ses pas de lignes Teoh couleur flics comme ça et puis Teoh la peinture de finition. Voici un peu de lumière sur les citrouilles. Les citrouilles ne sont pas dans l'ombre, moins pas dans ma tête et ma tête. L' auvent est derrière les citrouilles, et les citrouilles sortent du spectateur comme dans la photo référence. J' aime cette étape d'escalier dans la photo référence cette étagère à plusieurs niveaux faite de planches de bois, certaines je vais l'utiliser pour l'instant et voir comment ça marche. Donc, à ce stade, je suis préoccupé par le dessin dans le vous savez, le réalisme de ce que les trois d de celui-ci. Je fais ces formes en blocs. Je déteste que je déteste les lignes en termes d'avoir des lignes apparaissant dans les tableaux. J' aime dessiner avec des lignes, mais quand je fais un tableau, je fais de mon mieux pour éviter de laisser des lignes. Donc, je vais dessiner avec plusieurs dessiner une ligne avec plusieurs lignes sont tout il ya une ligne avec plusieurs boîtes et, vous savez, juste faire la marque faisant partie du processus créatif, ce qui est vraiment pas que la raison pour laquelle vous avez mal à vous ? Tu veux t'amuser. C' est l'une des plus belles choses de l'art. Je pense qu'on aime le faire. Quand on était enfants, on était on étaitassez jeunes pour étaler de la peinture sur un mur. Nous aimons le faire parce que c'était juste amusant de faire des marques et je pense, vous savez, tant qu'adultes, nous devenons plus pragmatiques, et nous oublions ce qui est amusant et la valeur de s'amuser. Et je trouve qu'il y a beaucoup de plaisir à avoir dans la création de marques. Cela revient à un point plus tôt dans ce tableau où j'ai mentionné que je ne veux pas avoir trop de plaisir dans celui-ci parce qu'alors je dois le faire. Je me charge alors de recréer ce fonds. Et comme dans la vraie vie, essayer de recréer un moment est très difficile. Euh, genre, essayer d'imaginer essayer de recréer le plaisir que vous avez eu lors de vos premières vacances dans les Caraïbes ou quelque chose comme ça. Ça va être très dur. Est-ce que ça cause les nouveautés disparues. Donc, dans ce cas, dans un tableau, je ne veux pas faire trop d'exploration dans la fabrication de marques et les textures parce que là encore, je vais devoir remonter et je vais inévitablement tomber en deçà de celui-ci. Ce testament. Cette image représente ici une sorte d'effort maximum que je vais mettre dans une chose préliminaire de comp . partie parce que je voulais être clair avec vous juste pour vous montrer, vous savez comment je pense que c'est à ce stade quoi ? Ce que j'ai besoin d'avoir dans ma tête. Tu sais, il y a des moments où je vais juste sauter dans un tableau fini. Je ne ferai même pas ça. Mais plus je sais, plus je reçois d'expérience. Plus je trouve que quand je saute dans un tableau fini, je perds. Je ne tire peut-être pas le meilleur parti de tout. Il y a toujours d'autres choses à éliminer que je ne comprends pas si je ne prévois pas . Donc un peu de planification fait beaucoup de chemin pour vous jeter un cliché. Retourner le campus horizontalement comme ça aide juste à garder un regard neuf. On est presque 30 minutes dans le tableau en ce moment, donc il y a un peu de, hum, le I. Mes yeux commencent à être un peu gâchés en regardant ça. Je suis habitué à ça maintenant, donc retourner le campus est un de vos outils pour vous aider à combattre que ce n'est que du système, vous savez,un travail de raffinement sur ces formes. Je suis habitué à ça maintenant, donc retourner le campus est un de vos outils pour vous aider à combattre que ce n'est que du système, vous savez, Vraiment, ce que je devrais faire, c'est aller à ces citrouilles parce que ces citrouilles sont des histoires. C' est pour ça que les personnages sont là aussi. Tu sais, avoir leur petit stand de citrouille fait maison. Pensez à ça comme un stand de limonade. Mais avec les citrouilles, c'est l'idée. Euh, qui, tu sais, au niveau des idées. J' essaie toujours de trouver des choses dans mes photos qui sont instantanément familières. Ah, mais je le fais d'une manière qui, tu sais, a un sens pour moi. Donc si c'est, ah, un stand de limonade. Eh bien, peut-être qu'un stand de limonade est un peu attendu. Pas que vous. Non pas que ça ne puisse pas être mignon. 11 sable pourrait être génial. Laisse-moi tenir cette pensée. Regarde ce que je fais maintenant. Je mets la lumière tapissée sur les marches et ce qui me préoccupe de sa composition. Je veux juste que ces marques aident à guider le Je sais quelque chose qui dessine comme cette sorte de chemin diagonale avec, euh, avec la lumière. C' est intentionnel. C' est l'art, la direction et le design. D' accord. Et je pourrais en gâcher une partie par accident, mais je le remarque maintenant, et c'est plutôt cool de voir mon voir moi-même peindre ce qui n'est pas quelque chose que je vois habituellement. Je peux voir où sont mes succès en cours de route parce que parfois tu vas gâcher ça. Euh, donc je suis juste que c'est juste un ajustement de couleur. Vibration. Ceci est une image de juste vibrance image à nouveau. Ajustez la vibration et vous pouvez composer une certaine saturation. Et la boutique de photos a un joli curseur de vibrance, ce qui donne un peu de couleur en arrière. Et, ah, c'est un retournement vertical, que vous savez que vous remarquerez. Ce que je vais faire maintenant est en fait peindre avec elle à l'envers, et la raison en est ce qui se passe quand je retourné verticalement, c'est moi ai presque un coup d'oeil à la peinture d'une manière abstraite. Ce n'est plus un stand de limonade. C' est notre stand de citrouille. C' est une peinture abstraite avec des couleurs, des formes et des trucs qui doit être belle seule , comme si vous imaginiez, comme un extraterrestre qui n'a jamais vu de citrouille. Stan, je veux que quelqu'un comme ce Teoh puisse encore profiter de la marque de cette peinture et du flux global de la couleur, alors retourner votre peinture verticalement aide ça. Quoi qu'il en soit, revenir à toute la génération d'idées juste montrer quelque chose d'un souvenir que nous avons tous, ou même un cliché qui a été bien foulé dans le passé en mettant un peu de spin sur elle est un bon endroit pour commencer, et ce l'un, c'est vraiment cela. C' est un stand de limonade, mais avec des citrouilles et des personnages amusants, aussi. Et, ah, tu sais, j' espère que je vais mettre un panneau à vendre ou quelque chose comme ça. Je ne suis pas sûr de ce que le panneau dira. Je vais essayer de penser à quelque chose de mignon quelque chose qu'un enfant ferait. Droit ? Euh, je suis en train d'ajouter des citrouilles et ah, vous savez, je trouve que mes meilleures idées sont celles qui communiquent clairement et elles s' je suis en train d'ajouter des citrouilles et ah, vous savez, je trouve que mes meilleures idées sont celles qui communiquent clairement et elles s'accordent avec le public où la personne regarde et dit, Oh, ouais, je faisais ça à notre je comprends totalement cela déjà, et ensuite ils peuvent postuler. Et puis vous peignez peut prendre cette compréhension comme point de départ, puis extrapoler dessus et dire, Eh bien, nous allons regarder ça. Regardez-le de cette façon ou voici comment je le vois comme un peintre. C' est vraiment là que la peinture est puissante, vous savez, tout comme l'écriture est puissante. Si vous lisez un article puissant ou un essai de quelqu'un qui voit les choses différemment, peinture peut être que même si c'est un stupide, vous savez, la douleur des livres pour enfants. Je devrais dire idiot que je ne veux pas dire que je veux dire amusant. C' est censé être amusant. Je n'essaie pas. Teoh, éclaire n'importe qui avec ce tableau. Mais j'essaie de faire la même chose. J' essaie de transmettre l'émotion et l'émotion est très humaine, et peu importe si le sujet est intellectuel ou non. émotion est l'émotion, et vous pouvez frapper quelqu'un juste où ils vivent avec quelque chose d'aussi simple qu'un gamin vendant des citrouille , duo de monstres. Et ah, peut-être que l'un des plus grands compliments que je reçois sur mon art est quand les adultes réagissent émotionnellement à elle et ils, vous savez, ils me font savoir que ça les a bouleversés ou fait leur journée ou quelque chose comme ça. Et ça vient d'un adulte regardant Vous savez ce qui est une photo judicieusement enfantine ? Notre peinture photo ? Je n'arrive pas à croire que j'ai fait ça. Je déteste quand les gens appellent des tableaux. Des photos ? Um, j'ai juste jusqu'au contraste et j'ai frappé l'outil de fondu, le changement de contrôle F et j'ai juste composé le montant que je voulais ce point. On s'approche très près. Je peux m'arrêter maintenant, mais une chose est que ce n'est pas fait. Les citrouilles ne sont pas encore tout à fait faites. Vous remarquerez que je n'utilise pas un million de citrouilles. Je ne suis pas, tu sais, dans la photo en haut, gauche là. Quoi ? 10 citrouilles, leur bras ou quelque chose comme ça ? 12 citrouilles. Je ne les utilise pas parce que c'est très ennuyeux comme ils sont tous alignés dans une rangée. Je veux que les citrouilles aident à conduire l'œil vers les personnages parce que les citrouilles vont devenir plus grandes à mesure qu'elles viennent vers la caméra et elles attireront l'attention. Donc, nous allons utiliser ce que je viens de faire là, je suis allé à l'image, ajuster les variables ou sont des variations. Je choisis quelque chose qui était plus jaune. Et puis maintenant je l'ai sur une couche. J' ai créé un masque de calque. Maintenant, je vais dans ce masque de couche. Je l'ai inversé de sorte que le masque de couche ne montre rien à travers que de peindre avec du blanc dans le masque de couche. Je peux révéler cet ajustement. Vous voyez que comme je peins blanc, je révèle cette nouvelle couche eso Maintenant ce que je vais faire Et là c'est que si vous peignez blanc dans le masque de couche, vous révéler l'effet. Ah, et ensuite tu pourras peindre Teoh blanc, tu sais, mettre là où tu le veux. Je vais faire beaucoup plus à ce sujet dans l'illustration finale et la touche couleur. Je l'ai juste compris. Je l'utilise juste pour ajouter un peu plus de lumière chaude sur les marches sur les étagères. Um, encore. Mais comme je disais, les citrouilles doivent être un outil de composition. Tout dans l'image doit être un outil de composition. Si vous perdez de vue, alors vous laissez tomber les jetons là où ils peuvent, et ce n'est jamais la meilleure façon de créer un tableau. C' est génial si tu es juste dehors à faire des croquis. Tu sais, si tu es dehors à faire des croquis, tu peux te détendre un peu sur la composition. Je pense que si tu ne parles pas, mais tu peux juste, tu sais, si tu dessines une maison cool, mais tu peux juste, tu sais, si tu dessines une maison cool, tu peux te concentrer sur la capture de cette maison peu importe où tu la mets sur ta page. Mais ce n'est pas ça. C' est moi qui dis, 3. DigitalPaintingII part02of13: Ok, donc je voulais juste parler de composition pour un peu, euh, sorte d'explorer ce que je vais faire dans ce morceau. Hum, donc je vais juste faire quelques miniatures maintenant. Assez drôle, vous pouvez réellement faire ce processus à l'envers. En fait, parfois vous devriez le faire à l'envers. Faites d'abord ces explorations miniatures, puis allez dans votre clé de couleur et, vous savez, dessin et peinture. Pour moi, ces processus sont interchangeables, mais il est important pour moi de ralentir la production d'une paix et de comprendre ce que je fais. Pour moi, ces processus sont interchangeables, mais il est important pour moi de ralentir la production d'une paix et de comprendre Dans ce cas, ce que je fais, c'est que je dessine des miniatures. Pas tant pour le design linéaire. Bien que pas du tout pour le design linéaire, j'essaie de comprendre mon schéma de valeurs, ma présentation de mes valeurs. Ma peinture, bien sûr, avait des valeurs. Comprenez-le, mais pas dans Parfois, lorsque vous peignez d'abord, vous avez tendance à compliquer vos valeurs, et vous utilisez trop de valeurs. Donc, ce que sont mes miniatures est un processus de simplification de mes valeurs et de déterminer exactement où j'utilise la valeur et aussi de comprendre les valeurs finales de composition air partie de la composition. Mais il y a aussi des choses comme le chemin visuel ou je vais suivre, et cela a à voir avec la valeur dans la forme et tout ce genre de choses. Donc je ne suis qu'un croquis dans ce dont je me souviens de ma peinture, et vous remarquerez que je n'ai pas ma peinture devant moi quand je fais ça parce que je n' essaie pas . Teoh se souvient exactement de ce qu'il y avait dans le tableau. J' essaie de comprendre en essayant d'aller mentalement et de comprendre comment je peux peut-être l'améliorer. Donc, dans cette première miniature, je suis en fait, je n'arrive pas à une conclusion ici. C' est une sorte de première esquisse, et je rencontre un problème avec cette idée où il y a trop d'opportunités pour des formes disparates qui se produisent sur tout le canevas. J' ai le monstre, le gamin et ces citrouilles. Ce que je fais ici, en passant, c'est de trouver plus de cette voie visuelle avec les citrouilles dessinant une forme zée. Vous pouvez voir les citrouilles sorte de faire Ceci est ed forme qui se terminent là où le gamin et le monstre sont. Je comprends ça ici, mais là où je me trompe un peu, c'est que j'utilise trop de valeurs. Les citrouilles sont ces valeurs sombres, les caractères de ce gris moyen. L' arbre est sombre, euh, et ah, il y en a trop comme des îles de valeur. Tu vois ce que je veux dire ? Comment il n'y a rien qui les relie vraiment. Ce que je fais maintenant, c'est que je les connecte un peu avec les ombres de l'arbre, ces ombres tapissées qui aideront à relier les valeurs sombres et encore penser, penser à la composition dans l'abstrait. Je connecte des valeurs sombres donc je ne surcharge pas le j'entends que j'ai juste une sorte de vous montrer le chemin, ce genre de chemin zed ou s, qui va à la composition et à l'arbre et découvrir cet arbre pourrait être un bon moyen de ramène le I vers le bas. Et donc vous obtenez ce truc circulaire répétitif. Ok, essayons. Essayons encore. Voyons voir si je peux arriver à inégale, meilleure solution et c'est Ceci est intéressant parce que j'ai compris les touches de couleur faites parce que j'ai cela à l'esprit. Je suis en fait extrapolant composition à partir de ce que je suis en train de trouver OK, qu' est-ce que je peux vraiment traire de cette composition et vous verrez que j'arrive à une conclusion assez simple avec un peu plus de ces quelques ongles dans celui-ci. Je veux simplifier un peu plus les valeurs et voir si je peux utiliser ces quelques valeurs de manière plus économique. Voyons ce qui se passe ici. Donc ilbloquedans le bloque tableau tel qu'on s'en souvient. Et j'essaie de m'allonger. Je travaille sur gris pour que je puisse aller une lettre plus sombre. Et maintenant j'essaie de réduire cette valeur sombre, et j'essaie de voir où je peux la répéter. Donc, en utilisant aussi peu de valeurs que possible, parce que moins de valeurs qui ont utilisé, plus il est digestible pour le spectateur. Tu sais, tu veux que tes photos soient instantanément lisibles et, hum, hum, comme un petit poème ou quelque chose comme ça. Ah, et vous savez, utiliser ces quelques valeurs que possible est l'une des façons dont vous pouvez l'économie avec ça. Donc l'arbre va avoir cette valeur sombre. Les personnages l'ont compris. Ce sont deux choses distinctes en ce moment, mais comment pouvons-nous les réunir ? Une des choses que nous pouvons faire est d'utiliser l'ombre que l'arbre jette sur l'auvent. Mais d'abord, j'ajoute potentiellement un autre arbre sur la gauche, ce qui, eh bien, ça le fait. Ça ferme en quelque sorte le dessus de la peinture. Il laisse toujours le ciel là-bas, mais il se ferme sur le dessus pour ne pas se perdre là-haut. On ne veut pas perdre l'œil. Et n'importe quel bord de la peinture, et parfois un ciel blanc peut vraiment être un accélérateur pour perdre le I. Mais je suis là, posant une ombre sur l'auvent et vous remarquerez que ces ombres saignent directement dans cet arbre. Et cela pourrait être un moyen d'aider à connecter certaines de ces valeurs. Les citrouilles vont probablement avoir la même valeur sombre. Je suis juste rude dans le succès de la première esquisse était que Zed chemin de ce chemin de s. J' aime ça. Je vais garder ça. Tu sais quoi ? J' essaie de séparer l'espacement des citrouilles, donc c'est un peu comme un. Et puis il y en a. Ces deux sont proches de la 3ème 1 Le 4ème 1 est un peu plus loin, presque toucher le personnage qui est encore une fois un choix de composition pour essayer de maximiser l'utilité de ces citrouilles ce sont des citrouilles, mais ils sont aussi des véhicules pour votre œil. Tout est un véhicule pour votre œil. D' accord ? Remarquez la valeur sombre de l'escalier entre les deux. Les étapes ci-dessous permettent de relier ces valeurs sombres. Et maintenant, j'ai un chemin plus clair dans cette miniature d'un chemin sombre connecté plus clair de valeur pour votre œil qui n'est pas tellement comme des formes d'île. Les formes de l'île sont quelque chose que vous voulez vraiment éviter et je vous montrerai la prochaine fois . Maintenant, je vais le faire intentionnellement mal et je vais vous montrer ce que je veux dire. Mais quand vous avez un tas de formes d'île, donc dans celui-ci, je suis juste un peu, vous savez, je pourrais probablement m'arrêter ici, mais j'ajoute en fait la lumière tamponnée sur les marches, qui est un autre véhicule pour m'aider à connecter la valeur comme vous voulez faire fondre ces valeurs ensemble. Et ah, vignette est vraiment utile parce que, vous savez, il n'y a pas de détail, juste des formes, et vous pouvez comprendre de manière très simplifiée ce que vos valeurs mettent juste dans fond sorte de forme de buisson comme une sorte de valeur moyenne moyenne. Donc, cette image, dans ce cas pourrait avoir, comme quatre valeurs dedans. Je me rends compte que la lumière de l'auvent sera peut-être l'une des seules choses qui vraiment, vraiment légères dans cette image qui peuvent vraiment apparaître en avant. Et parce que c'est la seule chose légère, la seule chose vraiment légère qui pourrait être une idée. Bien que je Ce que je n'ai pas fait dans cette composition était d'avoir les monstres allument cette lumière qui râle sur lui. Cela pourrait être un autre outil utile pour avoir peut-être deux choses qui frappent. Donc dans cette miniature, je veux vous montrer quelque chose qui ne marche pas. Et je veux juste extrapoler un peu ces formes d'île et vous montrer ce que je veux dire. Ceci encore une fois, c'est ce que ne pas dio. Donc je bloque juste et supporte juste avec moi pendant que je bloque dans la photo. Il met cet arbre là. La raison pour laquelle vous verrez que les formes de l'île ne fonctionnent pas, c'est parce qu'elles donnent tropde choses à la fois. La raison pour laquelle vous verrez que les formes de l'île ne fonctionnent pas, c'est parce qu'elles donnent trop Regardez les orteils quand vous avez des formes qui ne sont pas connectées, c'est presque comme si elles réclamaient toutes l'attention et, vous savez, comme une pièce pleine de voix fortes que vous ne savez pas laquelle écouter. Alors, ici. Donc c'est de ça que je parle. Je fais aussi quelque chose de mal en termes de conception faisant un mauvais choix de conception non seulement dans les îles de valeur, mais aussi je les fais très régulièrement espacés. Ceux qui ont des ombres sur l'auvent. Voyez à quel point ils sont régulièrement espacés. Ils n'ont presque plus de lecteurs. Des ombres là. On dirait des pois. Um, c'est une tendance très humaine à espacer les choses tout aussi comme je l'ai dit au début euh V Il y a là que nous espacons ces motifs de lumière sur le personnage. Et je suis en train de créer trop de formes qui sont séparées et donc je suis en train de rompre l' unité de la paix. Vous pourriez penser à l'unité. n'y a pas de définitions réelles pour ces choses, mais vous pourriez penser à l'unité comme, ah façon cohésive pour vous de regarder cette image. Le, vous savez, est-ce que votre je bouge d'une manière agréable d'une manière organisée. C' est comme si tu l'étais. Votre composition est comme le conservateur de votre photo, vous savez, comme le conservateur d'un musée vous montre où aller et vous dit ce qui est important dans ce que vous regardez. C' est ce qu'est la composition et les compositions les plus puissantes sont à la fois simples et très claires. Et ces deux choses viennent souvent de pair. Simple ouvre la voie à la clarté. , Dans ce cas, remarquez comment toutes ces formes sombres regardent toutes ces citrouilles. Toutes ces ombres sont toutes séparées, et par conséquent, je ne le suis pas. J' enlève vraiment la puissance de cette composition pour que vous puissiez voir que la même idée visuelle peut être ruinée par une mauvaise composition. Ça n'a pas l'air amusant de le regarder. Ça ressemble plus à un sapin de Noël ou quelque chose avec toutes ces lumières partout ou, dans ce cas, des sombres. Alors mettez un X sur celui-là. Ce n'est pas bon. Essayons un autre. Mettez une coche là parce que c'était peut-être le 1er 1 où quelque chose a commencé à se produire. C' était bien, mais je ne suis pas encore tout à fait satisfait, alors faisons un autre et celui-ci. Mon objectif est encore une fois l'économie de valeur. Comment simplifier encore plus les valeurs pour qu'elles fondent encore plus ensemble ? Tu sais, si tu pouvais faire une photo en deux valeurs, fais-le. travailliez C' est dur à faire souvent à moins que vous netravailliezstrictement avec deux valeurs. Mais dans ce cas, je fais une peinture complète, donc j'utiliserai plus de deux valeurs. Mais je dis juste que moins vous avez besoin d'outils, généralement mieux c'est. Donc, dans celui-ci, je joue avec l'idée de ce store juste être, vous savez, vraiment brillant, qui a été inspiré de la deuxième miniature, où je viens de griffonner dans ce blanc Allons recommencez avec une forme audacieuse. Boulder est généralement mieux, plus clair, mieux égal plus clair. Maintenant, bloquons. J' utilise donc plus de formes, l'ensemble de valeurs des lignes. Maintenant, ma confiance augmente un peu. Bloquons cette valeur. Il y a donc trois valeurs dans cette image en ce moment. J' ajoute 1/4 de valeur maintenant cet arbre et je ne veux plus utiliser de valeurs dans cela. Donc, vous savez, si quatre valeurs est encore très, très peu de valeurs l'arbre très clairement maintenant séparant devant l'auvent quelque chose que vous voyez combien il est beaucoup plus clair dans ces grandes formes passives, alors que dans la deuxième vignette, c'est clair. Mais c'est toujours parce que tout est rayé. Ce n'est pas aussi clair. Voici l'auvent, l'ombre est jetée sur l'auvent, étant semblable à la valeur du regard des marches d'escalier où seront les citrouilles. Voici l'auvent, l' ombre est jetée sur l'auvent, étant semblable à la valeur du regard des marches d'escalier où seront les Je réutilise cette valeur. Ok, donc cette valeur fait déjà partie de la famille de cette image, qui est quelque chose que j'aime faire quand vous pouvez avoir une valeur d'ombre. Être le même est comme une valeur de lumière ailleurs. J' aime faire ça. Donc, les citrouilles, ce que je veux faire est de les dessiner dans des formes plus sombres, faisons fondre dans les étapes plus judicieuses et choisissez simplement leur forme avec la valeur de lumière de l' auvent. Donc encore une fois, j'utilise toujours quatre valeurs. Maintenant, j'amène un peu l'obscurité de l'arbre dans les citrouilles. Encore quatre valeurs et les utiliser un peu plus judicieusement pour mélanger ces citrouilles. Et il y a l'ombre jetée sur le personnage. Et maintenant j'ai ah, beaucoup plus cohésive lecture. C' est une lecture très simple. Il a toujours la voie visuelle des citrouilles, euh, et encore une fois j'ai joué avec les emplacements de ces citrouilles a encore tout cela, mais avec un meilleur, plus simple schéma de valeur va essayer un de plus, juste faire de la place pour un autre. Je vais dupliquer celui-là et commencer par là parce que celui-là fonctionne. Je suis heureux qu'avec ça, commençons. Voyons ce que je peux faire pour le rendre encore meilleur. Ou peut-être ou, tu sais, peut-être que je ne peux pas faire mieux. La première chose que je vais faire est de mettre le blanc du caractère de la lumière. Je vais faire écho à la valeur de l'auvent, peut-être le faire tomber un peu. Ce qui donne, vous savez, parce que j'ai l'habitude d'une telle valeur de lumière dans l'auvent et nulle part ailleurs. Ce qui donne, vous savez, Peut-être qu'il peut être sur le personnage et maintenir encore une certaine unité là-bas. Je l'essaye sur le personnage de fille pour Ah, vous savez, quelques lumières Dapple maintenant, Congar Oh, dans lesquelles je veux faire Je pense que je veux aller dans cette direction, avoir les lumières tamponnées allumées le caractère ainsi que l'auvent. C' est juste qu'il donne juste à l'image entière genre de ce thème visuel. Comme quand tu regardes cette image, tu penses à la lumière tamponnée. Et voici une lumière tamponnée sur l'étagère de l'escalier. Avis. Je n'utilise pas la valeur lumineuse de l'auvent et du monstre. J' utilise cette valeur moyenne. J' utilise presque quelque chose de très proche de la valeur de l'ombre en haut et de l'auvent. La raison en est que je ne veux pas créer trop de formes d'île. formes de l'île, si vous devez les faire dans une lumière tamponnée, est l'une des choses où vous devez souvent prendre ces décisions pour séparer formes avec une lumière tamponnée. Vous pouvez faire un meilleur travail en rapprochant vos valeurs, sorte qu'elles ne sont pas aussi contrastées. E. Donc, je joue le contraste dans le bas, le laissant haut où se trouvent les personnages. Et, tu sais, je pense que c'est comme ça qu'on va aller avec ça. Alors finissons cette étude de composition et continuons à partir d'ici 4. DigitalPaintingII part03of13: Le processus créatif pour moi est un peu comme l'excavation. La première étape, qui était mon croquis en couleur, était une sorte de prospection de la zone. Je savais où était la région. Je savais où j'allais. Et maintenant ce que je fais, c'est que je creuse. Je cherche ce que je trouve, vraiment, vraiment, tu ne sais jamais vraiment ce que tu vas trouver. C' est tout le but de passer par le processus créatif. Ce que je fais maintenant, c'est que j'explore davantage le personnage de fille, et je le fais avec un autre médium. J' utilise des lignes dessinant la première fois en utilisant des lignes dans tout ce processus, et je commence par mes esquisses une inspiration. Mais je suis, vous savez, juste faire baisser les ennuis et commencer à creuser. Et je vais faire quelques dessins sur la même page pour moi, faisant partie de processus importants pour vous inspirer. Donc, pour moi, cela signifie dessiner beaucoup de dessins sur la même page, et ce dessin particulier sur lequel je travaille en ce moment est vraiment juste de rester avec mon analogie de pelle . Juste le premier creuser dans la terre et un Z. Vous pouvez peut-être dire que ce n'est pas très créatif. C' est, tu sais, tu sais, peut-être que ce n'est pas du dessin, mais ce n'est pas si loin de mon croquis original. Um, et c'est généralement le cas pour moi avec le design de personnages. Je ne suis pas vraiment un créateur de personnages dans mon sang. Je suis plus peintre. Et donc pour moi, creuser des personnages prend quelques essais, et ce n'est pas une exception ici. Donc, Donc, c'est pas mal, mais c'est générique et trop proche de ce que j'ai commencé, donc je vais passer à autre chose. J' aime certaines de ces sources de cheveux qui poussent. J' utilise peut-être une partie de ça ou l'idée de ça, mais passons à autre chose. Gardez ces croquis rapidement. Évidemment, ce temps d'Israël pas accélérer ou quoi que ce soit. Donc peut-être quelques minutes par dessin deux ou trois minutes pour le dessin. Je suis juste en train d'explorer ici. Donc il y a ces brins de cheveux qui ont fait son chemin dans ce dessin et, ah, vous savez, ont décidé cette fois-ci nous allons changer. Inclinons la tête, que vous connaissez automatiquement. Je commence par un sentiment différent. Je change de forme. Je vais toujours avec cette forme de football allongée, qui pour moi, est souvent un point de départ pour les enfants. J' aime les ballons de football allongés. C' est une sorte d'habitude que je dois faire attention à un peu, tu sais, peut-être quelques fossettes sur celle-ci. C' est une sorte d'habitude que je dois faire attention à un peu, tu sais, Je travaille juste dans certaines des fonctionnalités. J' ai trouvé les proportions. Je vois un grand sourire sur celui qui descend jusqu'à son menton, que je crois que je finis par effacer. Mais, euh , j'aime que c'est cool dans celui-ci, tu sais, Jouons avec des cheveux. Euh, tu sais, peut-être qu'elle a les cheveux longs qui tombent sous la base de sa tête. Il y a ce sourire qui se frotte un peu près du nez. Joue bien avec les taches de rousseur. C' est mignon. Un peu intéressant. Un peu plus intéressant que la 1ère 1 Un peu moins générique que la 1ère 1 Et, hum, je ne vais pas passer trop longtemps là-dessus. Je vais probablement lui donner un corps de plus. Parce que même si dans l'illustration, elle est coupée de déchets, j'aimerais quand même le savoir. Tu sais, à quoi ressemble son corps ? Et puis je peux le peindre plus fidèlement. Et celui-ci, vous le savez, lui donnant un peu plus de bras opposés ouverts. Peut-être qu'elle, tu sais, engage le client ou qui sait, juste bouger le corps un peu. Beaucoup de cela est éclairé par le dessin de la vie. Je vais beaucoup dessiner la vie. J' enseignais le dessin de la vie, donc je puisais tout le temps dans la vie. Et quand je dis de la vie, je veux dire le modèle vivant, fermé ou nu, tous les deux font beaucoup de ça. Et si vous ne l'avez pas fait avant, vraiment, vraiment, c'est la meilleure façon de commencer à comprendre le geste, l'émotion et l'attente et toutes ces choses d'équilibre et d'anatomie, toutes ces choses qui vont dans le dessin de quelque chose avec sentiment. Je comprends cela de la vie dessin, et ce personnage est assez amusant, et je l'aime bien mieux que le 1er 1 qui était le 1er 1 par rapport à ce 1er 1 semble un peu maladroit, comme les formes ne sont pas tout à fait adaptées ou qui coule. Tu sais que ce n'est pas un mauvais dessin. Techniquement, c'est juste un design qui n'est pas tout à fait attrayant. Ah, et c'est ce que tu cherches. Appel. Ah, un appel est comme un vieux terme d'animation rendu populaire par les vieux animateurs Disney. Vraiment, ce que signifie l'appel, c'est que tu veux le regarder. Il vous invite à le regarder. Et tout comme la composition, attrait est tout dérivé de la simplicité. Plus vous pouvez garder un dessin simple, généralement, généralement, plus il a de chances d'être attrayant parce que simple est juste plus facile à digérer. Voilà quelque chose que j'essaie. Je change cette forme. Je change la forme de la tête. n'est plus un football allongé, c'est maintenant une sorte de triangle inversé avec un haut rond et gardant les caractéristiques haut sur cette forme. Et déjà, j'ai une impression différente pour ce personnage, et c'est important. Tu sais, je suis en train de creuser, non ? J' essaie de trouver ce personnage dans la saleté ici, et je mets ma pelle à un endroit différent pour celui-là, et voyons ce qui se passe. Jouer avec ce sourire, très, très écrasé horizontalement, sourire, tandis que les autres sont très allongés horizontalement. Celle-là, c'est changer ça, hum, tu sais, peut-être jouer avec un style de cheveux différent dans celui-ci, et j'ai effacé ça. Ça ne marche pas. Ça ressemble trop à un garçon. Je pense que la fille va être folle. Ah, c'est juste que cette illustration semble vouloir aller dans cette direction. Je pense comme, tu sais, tu sais, genre de fille de la campagne de Tomboy. Ah, c'est intéressant. J' ai pensé que ce serait une idée pour une bonne idée d'avoir des formes de citrouille dans le personnage. Donc, si vous voyez les petites tresses, elles sont comme des petites citrouilles. Et c'est une idée que j'ai découverte avec ce dessin qui, pour moi, est comme trouver mes premiers os de dinosaures dans ce processus d'excavation que cela, pour moi, est une bonne idée. Et c'est quelque chose que vous savez que je n'aurais probablement pas pensé si je n'avais pas traversé cette phase de conception de personnages. Alors dessinons la tenant une citrouille. Peut-être que dans l'illustration finale, elle tiendra une citrouille. Je ne suis pas encore sûr, mais dessinons ça et voyons ce que ça ressent. On dirait qu'elle montre avec confiance cette citrouille à, tu sais, tu sais, un passeur ou quelque chose comme ça. Même si ce n'est pas la pose finale de ce personnage, ce n'est pas le but. C' est le design, tu sais. A quoi ressemble ce personnage ? Ah, ses formes suggèrent un certain type de pose, vous savez, pour que ses formes suggèrent ce genre d'attitude ou d'histoire derrière elle. C' est le genre de choses que nous explorons ici et essayons vraiment d'obtenir le maximum d'informations à chaque étape du chemin, quelque chose qui est vraiment difficile à faire si vous venez de plonger dans une finale. Tu sais, j'aime travailler par étapes. Bien sûr, lorsque vous travaillez pour des clients, vous devez généralement travailler par étapes parce qu'un client a besoin d'aide pour les orteils. Tu dois signer ce truc avec un client. Habituellement, il est très rare que vous trouviez un client qui dit juste, allez-y et, vous savez, peignez. Habituellement, ils veulent voir tous ces trucs de design de personnage. Et j'aime travailler avec des clients parce que quand je fais tous ces croquis, je n'ai pas le fardeau de trouver lequel est le meilleur. Je pourrais juste l'envoyer à un client, et ils peuvent me dire ce qu'ils aiment. Ah, où est dans ce cas ? C' est juste moi, donc je dois réévaluer. Je revisite. Le premier dessin est en train de changer la forme que je ne sais pas pourquoi je pensais que ça pourrait paraître mieux avec le nez crochet. Dessinons quelques bras. Peut-être qu'elle explique quelque chose ou exagère quelque chose que je n'aime pas. J' ai trouvé une citrouille si grosse ou quelque chose comme ça. Tu le sais. C' est la beauté du dessin sur une page. Tu retournes juste en arrière. Et c'est ce processus créatif organique itératif qui se sent toujours sous votre contrôle et rien n'a jamais fini. Et j'adore ce sentiment de pouvoir toujours y retourner parce que ce n'est pas le cas. Rien n'a jamais fini, et c'est un peu une proposition dangereuse parce que tout rien n'a jamais fini chose. Nous devons finir cette illustration. À un moment donné, nous devons décider. On doit dire, OK, je vais à gauche. Je ne vais pas bien, mais c'est plus tard. Retardons cette décision aussi longtemps que possible. Et, vous savez, découvrons quelques joyaux en cours de route. Probablement en 1/4 de dessin maintenant. Et celui-là. Je pense, je pense à moi-même, Jouons vraiment le truc en forme de citrouille. Au lieu de faire les tresses citrouilles, faisons de sa tête entière une forme de citrouille afin que vous puissiez voir que j'ai pris la forme de queue de cochon, et maintenant c'est toute la tête, et cela témoigne du processus créatif au travail. Je n'aurais jamais trouvé ça si je n'avais pas traversé. Mets-moi à travers ces pas. C' est vraiment un beau processus, tout ce qui découvre ce qu'il y a en toi. Et c' est un processus que si vous n'êtes pas au courant de ce qui se passe dans les coulisses du travail d'un artiste, vous prenez cela pour acquis. Toute cette phase d'exploration et tous les artistes que je connais passent par là. Et si vous avez déjà collaboré avec des artistes, je pense que vous serez d'accord pour que les meilleures idées sortent, vous savez, après qu'elles aient mijoté pendant un moment. Vous commencez à parler avec d'autres personnes, ou dans ce cas, vraiment, ce que je fais c'est que j'ai une conversation avec moi-même visuellement et aussi littéralement, parce que je m'enregistre dans une pièce vide en ce moment, hum, jouer avec, dans ce cas, jouer avec ce genre de sourire bizarre, euh, toujours morne. J' aime toujours le truc du garçon. , Tu sais, juste croire que cette coiffure n'a pas marché avec Tom Boy. C' était pour la princesse E. Donc peut-être plus de ah, vite fait. Tu sais, chignon à l'arrière de la queue de cheval ou quelque chose comme ça. Ah, course que j'ai effacé les choses tout le temps. Le numérique est idéal pour cela. Dans ce cas, jouons avec ceux-ci. J' aime toujours tout le truc de la queue de cochon, mais peut-être que dans ce cas ils sont moins de citrouille parce que je fais ça avec les têtes. Ne me répétons pas, mais faisons-le. Faisons toujours ces tresses parce qu'elles sont plutôt mignonnes. Il aide le personnage regarder féminin, aussi, aussi, en particulier avec les garçons les défis qu'ils ressemblent à des garçons. Je veux toujours que ça ressemble à une fille. Hum, en ce moment, pendant que je dessine la forme suggère un tablier, auquel je n'avais pas pensé avant. Si vous regardez les trois autres dessins, elle est juste en chemise. Maintenant je pense à tablier et ce qui est logique parce que, tu sais, peut-être qu'elle devrait tailler une citrouille dans ce stand de limonade. Ou peut-être qu'elle aurait voulu que Teoh, tu sais, salir ses vêtements. Vous savez, les citrouilles ont de la saleté sur elles. Peut-être qu'elle devrait porter un tablier. Cela aide comme le récit micro cosmique, qui n'est pas un terme réel. J' ai inventé ça. Mettons une citrouille sur son tablier, ce qui est assez mignon, et on explore juste ici. Mettons une citrouille sur son tablier, ce qui est assez mignon, et on explore juste ici. Mettons une citrouille sur son tablier, ce qui est assez mignon, Mettez un peu de valeur vers le bas. C' est là que mon marqueur se brosse à portée de main. Vous pouvez simplement poser dans de gros blocs de valeur, ce qui pour moi est plus utile qu'un crayon à pointe fine. Là où c'est plus difficile de le faire, vous devez faire éclore vos valeurs. Où est ça ? Je pourrais juste fixer de grandes valeurs. Changer mon crayon en un pinceau avec le ST dans le même pinceau sans avoir à aller à ma liste de pinceaux permet simplement de garder le processus plus rapide. Si nous faisons cela traditionnellement sur le papier, je serais juste utiliser comme un crayon six b ou quelque chose comme ça. Donc celui-ci est comme cette pose intéressante, formes intéressantes, vous savez, unique. Je pourrais aller avec ça. Remettez le campus, vous aide simplement à le voir d'un point de vue différent, vous aide à repérer les erreurs ou les formes qui ne sont pas tout à fait adaptées. Pieds sur le campus beaucoup. Et sur celui-ci, j'aime vraiment l'idée de citrouille. Alors je vais le refaire. Mais explorons plus, tu sais, tu sais, si ma pelle je creuse ma pelle dans la même zone maintenant, mais j'essaie juste de creuser plus profondément, aller voir ce qu'il y a d'autre ici. Donc j'aime toujours la tête de citrouille et je joue avec le sourire en jouant avec le mettre le nez haut En général, j'aime le poids des orteils. Les formes orteil taille unique, donc il est que je ne mets pas les caractéristiques juste au milieu de la tête. Je vais les mettre en haut ou en bas. Vous remarquerez dans mon croquis de couleur à quel point ces caractéristiques sont génériques. Et c'est bien pour la composition des couleurs, pour un concept. Mais ce n'est pas bien pour le design fini. C' est trop ennuyeux dans ce croquis couleur, et j'espère que vous serez d'accord. J' espère que vous serez d'accord que ces croquis air plus intéressant pour le personnage sur celui-ci . Jouons avec les pousses de cheveux droites et celle-là. Faisons comme la flamme d'allumette ou la forme de citrouille dans les cheveux et en fait faire écho à la tête juste pour l'essayer. C' est bon d'essayer des choses qui pourraient ne pas fonctionner. C' est là le but. Hum, à la fin, tu décides. Alors voilà que je mets ses cheveux sous ses épaules, ce qui n'a vraiment pas de sens, mais encore une fois, j'essaie. Je n'ai jamais vraiment vu une coiffure comme ça, ce qui est peut-être un peu cool. Je pourrais être sur quelque chose ici qui sait. Vous pouvez toujours l'effacer ou vous pouvez toujours, vous savez, ah, combiner des idées. Et c'est l'autre chose, c'est qu'en le faisant par étapes comme celle-ci, vous pouvez regarder toutes ces choses à la fois. Vous les étalez sur votre moniteur ou les imprimez et les mettez tous devant vous et regardez simplement. Reculez et regardez ce que vous avez fait et voyez ce qui fonctionne. Voyez ce qui ne fonctionne pas et choisissez, puis allez de l'avant. Et vous arrivez toujours à un choix plus confiant. De cette façon, quand vous avez exploré et que vous avez fait la diligence raisonnable que vous vous devez vraiment en tant qu' artiste pour obtenir le meilleur de vous. Et j'aime vraiment ce dessin. Je n'avais pas vraiment vendu sur les cheveux tombant sous sa tête, mais j'aime bien la forme de la tête. , Encore une fois, c'est mignon, toujours girly. Je ne suis pas sûr que ça ait la même saveur de Tomboys que celle du bas à droite, mais il y a quelque chose que j'aime et voyons, tu sais, je ne sais pas où je vais aller encore, mais il y a certainement quelque chose là. Nous ferons encore quelques croquis. Tu sais, il y a encore des espaces blancs sur la page. Je veux juste montrer au journal qui est le patron ? Remplissez-le. C' est génial, Philip, un bout de papier et vous savez, vous avez fait un vide vide vide d' espace blanc et, vous savez, mettre de l'art dedans. Il y a juste quelque chose de si satisfaisant que, tu sais, je n'arrive nulle part ailleurs. J' aime juste l'acte de créer quelque chose, et ah, même j'aime l'acte presque plus que la satisfaction que vous obtenez à l'arrivée. Vous savez, avoir un tableau fini que vous pouvez montrer aux gens est génial, et j'aime alors mesurer les réactions au travail fini. Mais il y a quelque chose dans ce processus créatif, et, vous savez, je sais que personne ne verra ces croquis. Hum, tu sais, le fait que je fais la vidéo est différent, mais en général personne ne verra tous les croquis qui vont dans un tableau. Ils verront la finale. Mais vous savez, la finale devrait avoir plus d'énergie parce que vous avez traversé ça. Je vais juste réduire ce dessin pour me donner un peu plus de place pour dessiner à nouveau sur le côté gauche de la page. Dieu merci pour le numérique, non ? croquis que je viens de faire, au fait, est juste remarqué. J' ai utilisé un pinceau différent pour le changer. Je ne pense pas qu'il y ait vraiment quelque chose. C' est un dessin amusant, mais je pense que j'ai fait mieux dans les précédents. Mais essayons un de plus et voyons ce qui se passe dans celui-ci. Je veux faire plus de, Ah, Ah, m'opposer. J' ai posé ce personnage un peu, mais je veux faire quelque chose de moins dépendant de son debout comme toutes ces affiches ont été debout poses, et je pense que j'ai été trop dogmatique avec mon croquis sur la garder debout. J' ai laissé le croquis, vous savez, trop engager les dessins ou trop informer les dessins. Dans celui-là. Permet de changer le poste. Allons-en plus. Je ne connais pas la télé. C' est un mot, mais rendons ça plus amusant. Peut-être qu'elle embrasse une citrouille ou met son poids sur une citrouille comme si elle s'y appuyait. On dirait peut-être qu'elle pose pour une photo attendent que les clients viennent à travers ou quelque chose comme ça. Je remarque que je vais toujours avec la tête en forme de citrouille. J' aime vraiment ça. Et j'ai plutôt choisi de m'engager dans cette idée. J' aime vraiment ça. Et une fois que j'ai choisi de m'engager, j'ai tendance à ne pas regarder en arrière. Et une fois que j'ai choisi de m'engager, J' ai eu tendance à croire en la force de ma prise de décision et j'y vais. Et si à la fin, ça ne s'avère pas être une bonne décision, eh bien, vous savez, vous avez appris quelque chose alors et vous avez appris quelque chose sur votre propre processus décisionnel , et c'est vraiment important. C' est l' une des raisons pour lesquelles c'est génial de travailler à la fois pour vous et pour les clients, c'est parce que, vous savez, vous devez forer à la fois agréable à un client,leur permettant de prendre des décisions. C' est l' une des raisons pour lesquelles c'est génial de travailler à la fois pour vous et pour les clients, c'est parce que, vous savez, vous devez forer à la fois agréable à un client, . Mais aussi de l'autre côté de cette pièce, vous permettant de prendre des décisions, aussi. Euh et oui, juste comme ça, je suis sur le prochain croquis. J' aime vraiment cette pose. Peut-être qu'il y a quelque chose que je peux utiliser. Je ne suis pas sûr de ce dernier, comme je le dessine et dessine vraiment petit, j'ai l'impression d'avoir exploré ce personnage assez pour aller de l'avant. Um, ce dernier dessin, je suis en quelque sorte re terrain de course et à la seconde où je suis re terrain de course. Je sais, Tom, note à soi-même. Je suis comme, OK, j'ai déjà été là avant. Je creuse ce voyage au même endroit. Probablement rien de différent à ce stade en faisant ça. Alors finissons ce dessin juste pour le plaisir, pour ma propre édification. Et puis nous appellerons ça une pellicule. Mais l'Etat est très important. Et j'espère que vous pouvez voir pourquoi je viens de jeter une toute nouvelle palette d'idées pour ce personnage. Et, euh, nous verrons avec lequel je vais quand je commencerai à peindre la finale 5. DigitalPaintingII part04of13: Donc, une fois toute notre planification terminée, allons de l'avant et commençons l'illustration finale en commençant une toile ici. Celles des dimensions là-bas. 1400 par 9 1900 Ce n'est pas quelque chose que j'utilise tout le temps, mais c'est dans le ballpark. Vous savez que quelque chose dans environ 2000 pixels dans la dimension la plus large est généralement où je vais commencer pour quelque chose qui est l'intention. Excusez-moi, destiné à imprimer. C' est juste parce que c'est une bonne résolution pour, ah, petits caractères. C' est juste parce que c'est une bonne résolution pour, ah, Disons, un huit sur dix. Vous pouvez sortir de cela, et puis ce que vous pouvez faire est et comme vous le verrez, ce que je fais est que je monte prez comme je vais eso je vais commencer autour de ça comme ma résolution la plus basse. Et alors que je commence à peindre et à comprendre la composition et, vous savez, à bloquer, à éclairer et à tout ça, je suis encore si légèrement, peut-être en augmentant la toile par, disons, 300 pixels à chaque fois jusqu'à ce que je gagne, vous savez, peut-être 1000 pixels ou plus. À la fin. C' est une bonne façon de travailler parce que la nature de la peinture numérique, surtout lorsque vous utilisez des pinceaux personnalisés comme celui-ci, cela ralentira. Plus votre toile est grande, vos brosses sont lentes. Et aussi, vos pinceaux ont une limite sur la résolution. Vous ne pouvez pas simplement en grand pinceau texturé à la taille que vous voulez. Il sera pixélisé. Tout comme un peu Map sera pixellisé quand vous faites cela. Donc, garder votre campus un peu plus bas sera souvent une chose utile pour toutes ces raisons. , Ce que je fais ici,c'est vraiment la même chose que j'ai faite dans ma composition de couleurs. Les premières étapes, c'est de se débarrasser du blanc de la toile, juste de mettre un peu de texture là, que je vais peindre. Comme vous pouvez le voir en ce moment, je commence déjà, euh, le truc de l'auvent qui sera en haut. Ah, je me sens bien à ce stade parce que je suis je sais que j'ai une photo qui fonctionne au moins sur un niveau de base dans mon esquisse conceptuelle. Cela ne veut pas dire que je ne changerai rien. En fait, je tiens à changer les choses quand je travaille de l'esquisse à la finale. Parce que si vous pensez juste, Oh, je dois juste dupliquer le croquis, mais plus grand vous vous fixez une limite qui, je pense, est un peu destructrice parce que vraiment, vous dites, Oh, je dois juste répéter un succès passé. C' est pour moi. Ça ne se sent jamais bien parce que j'ai l'impression que je ne peux jamais m'améliorer. Je veux améliorer cela sur cette esquisse conceptuelle. Et c'est quelque chose dans mon travail personnel que je me laisse vraiment beaucoup de marge de manœuvre pour amélioration constante sur le croquis. Juste pour que je me sente bien avec moi. Alors que, vous savez, quand vous travaillez pour des clients, parfois le client sera assez strict et rigoureux avec le croquis est totalement proche de l'arrivée. Et vous savez pas beaucoup de place de torsion là-bas. Alors quoi ? Je travaille tout seul. Je veux me donner beaucoup de liberté et est beaucoup de latitude pour se sentir bien que possible. Eso C'est pourquoi vous savez, je vais changer et et maintenant vous avez vu la pièce finie sur le vous savez, la carte de titre qui a joué juste avant cela. Alors, tu sais quoi ? J' ai changé. Mais ah, vous savez dans cette illustration de 4,5 heures, voyons, vous savez, vous savez, le processus que je traverse parce que quand je peins ça, je ne sais pas ce que je vais changer. Tu sais, mon état d'esprit est que Hey, les croquis de couleur. Bien. Comme, nous allons peut-être changer l'emplacement des citrouilles comme nous l'avons discuté dans le segment de composition . Mais à part ça, je suis assez vendu sur ce croquis en ce moment, et je ne sais pas ce qui va changer. Comme vous le voyez, ce que je fais maintenant, c'est juste parler un peu du processus que je travaille sur cet arbre. Et je sais que cet arbre va changer parce que juste un peu de philosophie, je suppose que tu ne peux pas. Vous ne devriez pas essayer de finir une chose trop tôt parce que le problème est le finnois est un terme relatif. Et si je dis que je vais finir cet arbre de premier plan comme, j'ai l'air de dépenser beaucoup d'efforts sur cet arbre et je te dirai pourquoi dans une seconde. Mais je n'essaie pas de le finir, parce que si je me dis, je vais finir cet arbre de premier plan. Eh bien, c'est impossible parce que tout le reste de l'image est inachevé. C' est presque une mesure aveugle d'appeler quelque chose fini alors qu'il n'y a rien d' autre, d' accord ? Je veux dire, cet arbre a l'air fini en ce moment comparé à l'abstraction à côté. Mais ça ne veut pas dire que cet arbre va être fini. Quand j'ai tout le reste dans ce que je fais avec ces arbres, j'essaie juste d'obtenir un niveau de représentation. Comme le réalisme, je suppose, sur le réalisme de la toile de ce monde dans lequel je peins. J' essaie d'obtenir un niveau de réalisme sur la toile qui va juste commencer à propulser d'autres choses et les faire démarrer. Donc cet arbre est assez hideux. Je veux dire, il n'y a rien de bien dans la façon dont les arbres ont peint. Je veux dire, certaines couleurs peuvent être OK, mais tu sais, c'est sans forme. C' est qu'il n'y a vraiment pas de caractère. Ça ne me rend pas heureux du tout. Mais ça me donne Ah, début de composition quand il s'agit de la façon dont l'arbre croise le, euh, l'auvent. J' ai perdu ce mot une seconde. Comment l'arbre intersexe bâillant. C' est une sorte de base de composition que je veux commencer à frapper tôt, et ça me donne le point de départ. Et en parlant de point de départ, c'est une bonne préoccupation pour euh, pour votre processus, quel est le meilleur domaine pour commencer ? Et je ne peux pas te dire la réponse. Je veux dire que vous avez vu où j'ai commencé avec cette pièce et je vous ai dit, je vous ai dit pourquoi j'ai commencé là-bas parce que cela me donne une raison de composition pour commencer, et je trouve que la composition est toujours un bon endroit pour commencer. Tu ne peux presque pas te tromper parce que c'est un si important, fondamental. Donc mettre quelque chose au bon endroit, euh, qui, vous savez, ne va probablement pas changer même si je le change plus tard, euh, est un bon endroit pour commencer et encore, C' est pourquoi avoir un concept esquisse. Super. Parce que vous pouvez dire un peu l'avenir. Votre concept esquisse comme une jolie petite feuille de route qui ne vous mène pas vraiment à votre destination finale . Mais ça t'emmène dans la ville où tu essayes d'aller. , Tu sais,c' est là que la planification paie des dividendes. Je travaille à une couleur de base et vous remarquerez que je n'essaie pas d'aller à lasaturation totale que l'auvent va avoir. Je travaille à une couleur de base et vous remarquerez que je n'essaie pas d'aller à la Finalement, je la garde assez grise en ce moment, la peinture semble avoir, comme, une sorte de film de gris dessus, et c'est exprès. C' est une sorte d'effet de couleur réservée où j'aime construire la couleur sur le dessus du gris. Et quand je dis gris, je ne veux pas dire simplement gris saturé. Je veux dire, des versions abaissées de l'endroit où je vais réellement aller, et ce que vous trouverez, c'est que si vous travaillez de cette façon, certaines de ces couleurs pâturent que je peins en ce moment vont réellement montrer à travers le finale E. Je ne peux pas prédire lesquels, mais ils vont montrer à travers. C' est comme ce truc sous peinture que j'ai. Et, euh, ce que ça fait, c'est ce qui semble jaune maintenant comme cet auvent semble plutôt jaune en ce moment parce que c'est contre les bleus neutres à l'arrière. Mais ces jaunes auront l'air froid plus tard quand je commencerai à poser vraiment chaud, comme des couleurs légitimement chaudes sur le dessus d'eux, et il va juste créer un jeu qu'il me donnera comme peindre gratuitement. Ça me donnera comme des notes de couleur qui seraient trop onéreuses pour peindre complètement à la main, donc obtenir un peu de ah, croquis de couleur. Désolé sous la peinture, ça te donne juste une certaine liberté. Si vous avez regardé la peinture Ah sketchbook peinture vidéo qui fait partie de ma classe . Vous verrez comment, dans les deuxième et troisième tableaux, je fais l'orange ou l'orange, mais le lavage chaud et terreux en dessous c'est la même chose que je fais ici. C' est juste que je le fais un peu plus avec un peu plus de dessin intact ou est dans le carnet de croquis. J' ai juste mis un lavage. Vous pouvez le faire, vous savez, ils servent tous les deux le même but. Ils vous donnent une sorte de température qui va créer un jeu chaud et cool jeu avec ce qui va au-dessus de lui. Ce n'est pas comme si je prédisais quoi que ce soit comme si je ne disais pas, Oh, je vais aller chercher ces notes de couleur exactes plus tard. Ça ne fait pas partie de mon processus. Mon processus, c'est vraiment de laisser autant de choses au hasard que possible. C' est tout à fait le contraire du contrôle parce que je veux avoir la chance de jouer le rôle de pinceaux séréndipites et charismatiques, hum, quelque chose qui est si difficile à faire par hasard que nous vous donnerons ça. pinceaux séréndipites et charismatiques, hum, C' est pour ça que j'aime les médias. Parce que tant de choses ont laissé une chance. Alors qu' est-ce que je fais là ? Je suis juste en train de saisir mon concept de personnage et c'est en quelque sorte myopique mettre directement dedans. Il suffit de transplanter un des croquis dans la peinture. Ce n'est pas la chose la plus intelligente, parce que je n'ai pas dessiné ces croquis. Je ne l'ai pas fait. Ces croquis n'ont jamais été conçus pour être l'illustration du personnage fini. C' était juste pour avoir une idée de qui elle est. Je le remets comme point de départ. Ce n'est pas ce que je fais toujours. Je ne fais pas toujours une chose dans ce cas. J' avais ces croquis, alors pourquoi ne pas les utiliser ? J' aime la pose de la fille en haut à gauche, mais j'aime la tête et une sorte de tablier idée de cette fille. Alors combinons-nous les, vous savez, nous allons juste les écraser ensemble et voir ce qui se passe. Donc, vous savez, vous obtenez la bonne taille, vous pouvez la retourner et, vous savez, faire toute cette boutique photo. Aree, tu pourrais faire ça dans la vraie vie pour retracer des dessins et des trucs. Donc, ce n'est pas un truc numérique ou un secret ou quoi que ce soit, mais mettez-les au bon endroit, réduisez-le. Et puis, euh, vous savez, effacer ce dont vous n'avez pas besoin, et maintenant ça ressemble à la pose avec étreindre la citrouille, mais avec l'autre visage et instantanément, vous savez, Je suis en train de le juger comme je le pose et de voir quel est son potentiel, peut-être. Et je ne le suis pas. Ce que je n'aime pas, c'est que la fille n'est engagée dans rien. Elle regarde vers la gauche, apparemment rien comme, est-ce qu'elle regarde une personne là-bas ? Ce n'est pas clair. Je suis en train d'embrouiller la narration. Mais à ce stade, je veux dire, je ne suis que quelques minutes dans ce tableau en ce moment. Mais à ce stade, je veux dire, 10 minutes dans. Ce n'est pas encore le stade de l'évaluation de l'histoire. Je veux dire, l'histoire est définie dans le croquis couleur. J' ai une histoire de base. Il y avait une histoire. Je veux dire, des choses à lire, comme, vous savez, nous le spectateur, condescendons cette boutique de citrouille. C' est organisé par, vous savez, vous savez, qui est dirigé par deux personnes, le monstre et la fille, et ils nous regardent en arrière, quelque sorte en réponse à notre présence. C' est mon histoire. Je m'éloigne de ça avec mon croquis parce qu'elle regarde maintenant à gauche, apparemment à rien. Je le rends moins intéressant, mais je m'en fiche encore. A za tant que j'ai ce genre de mentalement enregistré, je vais le revoir plus tard. En ce moment, je voulais juste mettre une forme leur souvent, je ne le ferai pas. Parfois, je vais juste commencer comme si je faisais le monstre que je vais juste bloquer en couleur. Donc j'ai pensé que dans cette vidéo serait une bonne idée de vous montrer deux méthodes différentes construire le personnage. Et comme vous le savez déjà, probablement ce personnage de fille a un changement radical, fois dans sa pose et dans son visage. Mais je m'accroche à la tête en forme de citrouille parce que je pense que c'était le genre de minéral dont nous avons extrait. La phase d'esquisse du personnage était la tête de citrouille. J' adore la tête de citrouille que je garde. Je garde ça, mais tu verras que je passe par un autre regard de ce personnage de fille au fur et à mesure que ce tableau progresse. Et même avec le monstre, les monstres un peu plus facile à dessiner. C' est juste un ballon poilu avec deux yeux et une bouche. n'y a pas grand-chose pour lui. Euh quoi ? Ce qui m'incombe, car le monstre est Ah, obtenir les formes comme la relation entre les yeux et la bouche, non ? Comment ils sont proches ensemble et comment ils sont dans le tiers supérieur de son visage. Donc tu vois, ici j'essaie de trouver ça et tout ce que tu vois me défaire à chaque fois ? Ah, je défais plus que ce que je garde et c'est juste que je suis toujours en mode croquis, et c'est une autre chose importante à garder à l'esprit. J' essaie de toujours être en mode croquis, comme si cette peinture n'était jamais terminée. Je suis toujours dans ce bloc de mentalité, et vous verrez jusqu'à la toute fin de ce morceau. Je bouge les choses, mets de gros coups de pinceau vers le bas. Je ne vais pas zoomer. Je ne deviendrai jamais trop précieux à ce sujet. Je pense que la préciosité peut être un tueur d'art, et c'est quelque chose qui est tellement gravé dans la nature humaine pour devenir précieux avec ce que vous créez. Je veux dire, je me souviens quand j'étais plus jeune comme le lycée, j'essayais de dessiner, et je l'ai sucé à dessiner. Mais j'essayais de faire un dessin. Et si je croyais avoir réussi un dessin, j'aurais tellement peur de faire un autre dessin parce que je suis comme, Oh, Oh, j'ai juste fait un bon dessin. Je ne veux pas faire un autre dessin et, comme, que ma dernière tentative soit un échec comme ceci est la préciosité à laquelle nous tous, je pense que nous avons tout ce que nous pouvons tous nous rapporter. Nous nous sommes tous arrivés. Une partie de ma croissance en tant qu'artiste est d'apprendre à lâcher ça comme une goutte comme si c' était une maladie. Hum, tu dois te soigner de l'idée que tout ce que tu as de la peine d'accrocher. J' ai fait ça dans ma classe. J' avais l'habitude d'enseigner le dessin de la vie physique dans une université locale ici et j'ai eu beaucoup de plaisir avec ça. Et une des choses que j'ai dit à mes élèves de faire était à la fin de la classe, nous avions tous 20 dessins, 30 dessins, 30 dessins, et j'ai dit à tout le monde de prendre leur meilleur dessin de la journée et de le mettre en place, vous savez, amener à l'avant, posé sur le podium et évaluons-les. Et, vous savez, tout le monde était comme un petit spectacle et dire que tout le monde était vraiment fier de son meilleur dessin. Et ils l'ont soulevée. Et, en je tant que professeur, ai regardé et je leur ai dit que c'était ce que je pensais être bon chez eux et peut-être qu'est-ce qui pourrait être amélioré ? Et ah, j'ai dit à tout le monde de prendre leur choix de dessin, de prendre leur dessin tenir, et maintenant de le déchirer en deux et j'aime le gaz obtenu de tout le monde comme je leur ai ordonné de déchirer leur dessin en deux. Certains d'entre eux ne le feraient pas. Certains étudiants ne le faisaient pas et d'autres l'ont fait. Et, euh, c'était juste moi qui essayais d'inculquer ce sens de, tu sais, rien que tu fais n'est précieux en tant qu'artiste. Et si vous pouvez faire un bon dessin aujourd'hui, vous pouvez faire un bon dessin demain et le lendemain, et, vous savez, pour le reste de votre vie. Et, euh, l'art n'est pas quelque chose que tu devrais retenir. Ah, je veux dire, les pièces que vous créez, et ça se rapporte à mon processus. Tu sais, revenir à la façon dont tout pour moi est un bloc quand je peins. Il n'est jamais aussi détaillé que je, vous savez, je me sens mal de faire un gros coup de pinceau sur quoi que ce soit. Et ce que cela contribue, c'est aussi un style. Un style de peinture qui, moi, pour moi,est assez amusant à poursuivre, euh, et amusant à regarder la fin. J' aime bien regarder certaines de mes vieilles peintures, pas tellement pour le sujet, mais j'aime voir comme si le pinceau finissait avec parce que encore une fois, beaucoup de choses sont comme, accessoire. C' est dans le moment. J' improvise comme, regarde ces camions et pose maintenant avec cet outil. Je ne peux pas, tu ne peux pas planifier ça. C' est que je ne peux pas t'apprendre comment je fais ça. Tout ce que je peux vous dire, c'est que j'utilise l'outil anti-taches au-dessus d'un pinceau texturé. C' est tout ce que je peux vous dire. Je ne peux pas te dire pourquoi, et mettre des coups dans n'importe quelle direction. Comme si j'avais juste une mémoire musculaire que j'ai programmée dans mes muscles au cours des 10 dernières années ou quelque chose qui me fait bouger de cette façon et vous aurez votre propre mouvement. Et si vous êtes plus débutant, vous ne l'avez peut-être pas encore, mais vous le développez. Vous savez, à l'insu même de vous-même, vous développez une méthode de mouvement qui deviendra votre signature. que j'ai pu obtenir sur mon travail, Un des meilleurs complimentsque j'ai pu obtenir sur mon travail,c'est quand les gens disent qu'ils connaissent toujours peinture de Mark Obuchi quand ils le voient, juste à cause de cette marque qui fait le genre de coups de pinceau qui sont sur la toile et que, pour moi, est la plus haute louange que je reçois parce que cela signifie que j'ai trouvé quelque chose de personnel, c' est-à-dire, c'est moi. Et c'est la raison pour laquelle nous le faisons. L' art, aussi, exprimez ce que vous ressentez de quelque chose. Et même si cette peinture est une œuvre de fiction est, c'est un enfant dans son ami monstre vendant des citrouilles. Je peux interjeter mes sentiments éditoriaux à ce sujet non pas tant dans ce qui est dans l'image, mais dans la façon dont elle est présentée. Vous savez, vous pouvez regarder des portraitistes et vous pouvez aimer certains portraitistes plutôt que d'autres à cause de leur brossage est pourquoi tant d'artistes de portrait aiment John Singer Sargent parce qu'il était capable d'exprimer tant avec son pinceau et bien sûr, est le dessin et tout était excellent aussi bien. Mais ce que les gens aiment chez lui, c'est son sens de la brièveté comme son Ah, pinceau économique est juste de l'audace, choses que personne ne peut peindre comme le sergent. Il est seul. Et c'est quelque chose qui soit stupide ou pas, j'essaie d'y aller. Je veux dire, je n'essaie pas d'être comparée au sergent, mais j'essaie de faire ce qu'il a fait, trouver quelque chose qui est totalement personnel et de le mettre dans la peinture. Mettez-le dans chaque tableau et ça ne devient jamais ennuyeux parce que je n' y pense pas quand je suis en train de peindre ça. Je ne pense pas, Oh, je dois mettre des coups de pinceau de cette façon parce que c'est ce que j'ai fait la dernière fois. C' est juste que c'est ce que j'aime, tu sais, c'est comme attacher tes chaussures. Est-ce que vous dites probablement à vos chaussures de la même façon tous les jours parce que c'est comme ça que vous le faites. C' est ce que vous, c'est vous. Et cette peinture doit devenir comme ça, comme le type de brossage que vous utilisez finit par arriver au point où c'est comme attacher vos chaussures ou simplement le faire. Et ah, c'est une poursuite que vous savez, chaque artiste a, vous le sachiez ou non, vous poursuivez ça. Et, ah, plus vous en êtes conscient, plus vous pouvez peut-être aider à le diriger. Mais essayez de ne pas trop le diriger parce que, euh, tu sais, là, je crois qu'il y a un certain regard que tout le monde peut avoir dans son art qui est si personnel que tu dois juste te laisser le découvrir naturellement. Au fil du temps, vous ne savez peut-être pas ce que c'est. Vous pourriez penser que la chose que vous êtes vous pourriez penser que vous savez où vous allez ou ce que vous voulez. Mais ce n'est peut-être pas ça, tu sais. Quand j' ai commencé à peindre, je n'avais aucune idée de tout ça. Je viens de peindre et j'ai essayé de copier mes artistes préférés. J' ai fait beaucoup de copies et cependant, et cela a aidé ceux qui ont informé mon travail de pinceau. Mais vraiment, à la fin de la journée, je, euh, euh, je me souviens quand j'ai commencé à remarquer comment je peins. Et c'était l'une des premières fois où j'ai réalisé que je faisais quelque chose que je n'ai jamais appris à l'école ou que je n'ai jamais appris de quelqu'un d'autre. C' est comme ça que j'aime bouger le pinceau. Et je me souviens quand j'ai commencé à remarquer que je pensais que c'était cool. J' avais l'impression d'avoir fait des progrès. Et c'est drôle que ça n'ait vraiment rien à voir avec l'éducation ou quelque chose comme ça . C' est juste une expérience pure et de l'expérience dans la peinture, mais aussi une expérience de voir les gens réagir à vos peintures. Et c'est aussi quelque chose que vous devez faire attention à la façon dont les gens réagissent émotionnellement ? Um, pas tellement comme les compliments qui vous donnent sont ou les critiques à vous donner. Je ne parle pas de ça. Je veux dire, vous pouvez le voir. Si vous montrez quelqu'un que vous peignez, vous le verrez, ou vous sentirez leur réaction. Et s'ils réagissent émotionnellement, vous serez palpable. Vous le sentirez, ou s'il y a un manque d'émotion, vous le sentirez aussi, aussi, et vous vous adapterez donc à la peinture actuelle, euh, je mets. Voici peut-être mon premier changement par rapport au croquis. J' essaie de mettre des nuages, et la raison pour laquelle je fais ça c'est que je veux voir si je peux utiliser les nuages comme un moyen de devenir un peu sombre sur la lumière. Lisez pour cet auvent, le nuage étant léger, l'auvent étant sombre. Et ça marche en ce moment, j'apprécie cette silhouette que l'auvent crée un bus devant ce nuage. Bien sûr, ce nuage est très stratégiquement placé pour cette raison exacte. Les orteils ont la silhouette de l'auvent devant lui, et, hum, je finis par me débarrasser de ça. Les orteils ont la silhouette de l'auvent devant lui, et, hum, Mais c'est une sorte de chose classique. Teoh pour aller dans l'obscurité sur la lumière où vos quatre autour des choses près de la caméra ou près du spectateur. Je dis toujours caméra. Pour une raison quelconque, les choses proches du spectateur sont plus sombres et les choses derrière elle ou plus légères sont une chose classique. Je veux dire, c'est comme ça que la nature fonctionne. Si vous regardez au loin, vous voyez, vous savez que les choses deviennent plus légères. Mais aussi cool que cette idée soit, et pendant que ça marche maintenant, tu verras qu'à un moment donné je m'en débarrasse et on parlera. Mais aussi cool que cette idée soit, et pendant que ça marche maintenant, tu verras qu'à un moment donné je m'en débarrasse et on parlera Parlons de pourquoi plus tard, comme je le fais, même si je sais comment ce tableau s'avère, j'enregistre évidemment cette narration après avoir terminé le tableau. Je veux rester dans le moment et revivre mes propres pensées en peignant ça. Ce que je fais maintenant, c'est que je donne une idée de cet horizon plus chaud qui est dans le croquis de couleur , et tu le remarqueras. Aussi, je ne suis pas vraiment échantillonné à partir de l'esquisse de couleur autant que je vais le faire parfois. Mais, euh, je peins toujours comme la main libre, et j'utilise le croquis en couleur simplement comme référence visuelle. Euh, échantillon. L' outil d'échantillonnage est difficile, car si j'ai échantillonné la couleur que l'esquisse de couleur conserve, vous devez garder à l'esprit. J' utilise une tablette sensible à la pression. Donc mes coups, disons que j'ai échantillonné comme le bleu du ciel, non ? disons que j'ai échantillonné comme le bleu du ciel, Les Aiken les plus purs. Si j'ai poussé 100% de pression sur cette tablette, je reçois cette couleur que j'ai échantillonnée, mais les chances sont que je ne vais pas être pousser 100% sur la tablette. Donc je suis si j'ai échantillonné le ciel et pousser 50% sur la tablette. Je ne reçois que 50 % de la couleur que j'ai échantillonnée. Donc, en fait, je n'ai pas la couleur que je crois avoir. Est-ce que ça a du sens ? Donc, ce que j'essaie de faire, c'est si j'échantillonne à partir de l'esquisse de couleur, je dois garder à l'esprit que je ne vais probablement pas obtenir l'effet complet de la couleur que j'échantillonne. Donc, je choisis la plupart du temps de ne pas échantillonner le croquis, et au lieu de cela, je l'utilise purement comme référence visuelle. Donc j'ai juste échantillonné là si tu l'as attrapé. Mais dans ce cas, et je ne me soucie pas vraiment de la couleur réelle et de la mise bas, je l'ai échantillonné plus pour la valeur. Je vais l'utiliser comme référence visuelle sur Lee. Et ça augmente aussi le sentiment que je ne copie pas mon croquis. Je n'essaie pas de le recréer comme dogmatiquement. J' essaie de l'utiliser comme inspiration et vous verrez plus tard dans la peinture. Une fois que j'en aurai une sorte de compréhension ferme, je le ferai. Je vais me débarrasser de ce croquis de couleur. Je ne l'aurai plus sur l'écran parce que tout comme quand je peignais de la vie à nouveau, si vous revenez à mon carnet de croquis vidéo, le sujet que je peignais de la vie devient une distraction plutôt qu'un atout chez un point, parce que votre croquis prend sa propre vie et vous devez commencer à écouter votre croquis et Et ce que vous peignez les uns plutôt que ce que le sujet vous dit sur votre sujet plutôt que ce que le sujet vous dit sur le la réalité de celui-ci. OK, donc tu es de l'art. La peinture des doigts doit se tenir seule, et vous devez avoir la foi pour lui permettre de vous dire ce dont elle a besoin. Même si je le suis même si vous copiez un croquis que vous avez fait. Le dessin que vous faites maintenant est différent de ce que vous copiez et vous n'êtes pas un robot. Vous ne serez pas en mesure de le recréer parfaitement. , Tu dois commencer Teoh, découvrir les moments où tu dois laisser la peinture te dire ce dont elle a besoin, pas laisser la référence te dire ce qu'elle a besoin en ce moment. J' adhère toujours toujours à la référence, et j'apprécie ce visage de monstre. J' aime les proportions de lui en ce moment. Il a l'air sympa. J' avais l'air mignon. Il a l'air enfantin et innocent. Tu verras. Je passe par quelques itérations. Je finis par changer ça pour m'y opposer. Ça ne marche pas aussi bien. Et puis je finis par le changer à nouveau. Bloc constant dans. J' aime ce processus. Je ne me suis jamais cru moi-même. Quand je fais quelque chose de bien la première fois, tu peux voir que je le change déjà. Je l'ai ou j'engage la fille à partir de mon croquis, à partir d'une idée que je trouve bonne et je finis par revenir. Teoh. Mais ce faisant, je suis en train de changer le poste comme ça. Ce que je fais vraiment, c'est que je teste mes idées. Je dis Ok, eh bien, je pensais avoir une bonne idée avant, mais essayons-la. Voyons voir s'il n'y a pas quelque chose de mieux, et souvent il y a quelque chose de mieux dans ce cas particulier. Je finis par penser que c'est plus faible. Je crois que j'ai affaibli le tableau. On fait ça, donc je vais y retourner. Mais je pense que vous tester comme tester la force de vos idées est quelque chose qui vous garde honnête. Alors je suis là. J' ouvre la bouche du monstre un peu comme s'il faisait, tu sais, sorte d'exclamation. Mais, ah, je vais jouer avec. Tu sais, je vais me consacrer à cette idée. Mais, euh est l'outil de distorsion, c'est Ah, j'ai fait une sélection. J' ai bien cliqué et j'ai dit, Warp, donne-moi ce genre de base de fil, Aiken distorsion autour de petit truc numérique amusant. C' est tout à fait un tour. Et tu ne peux pas faire ça. Traditionnellement, , ça donnait juste au monstre un peu plus d'inclinaison à sa tête, ce que j'ai trouvé assez mignon. Donc c'est une découverte cool. Vous pouvez voir. Je n'aurais peut-être pas fait cette découverte si je venais d'y aller avec mon premier bloc. Donc, cette découverte va filtrer dans les itérations ultérieures de ce monstre. Mais, vous savez, je suis juste, ah, ah, adhère à mon idée de voir comment ça se passe. À ce stade, je ne sais pas si ça fonctionnera mieux ou pas. Je fais tout simplement comme le travail de route qui doit être fait pour le peindre et ensuite je vais m'asseoir et l'évaluer. Habituellement, je fais habituellement séparer ces deux processus. La peinture de quelque chose par rapport à son évaluation pour moi s'est produite à deux moments différents. J' ai besoin de le peindre et quand je peins, je pense aux principes fondamentaux de la peinture comme les lumières, la forme et la composition. Et quand il s'agit de son effet artistique, comme son impact émotionnel, c' est une sorte de processus distinct qui doit se poursuivre quand je peux en quelque sorte poser le pinceau un peu. Ou laissez-le faire quelque chose de peu important pendant que j'évalue, hum, souvent je le ferai. Je vais passer quelques jours sur un morceau comme ce tableau en particulier, même si vous pouvez le regarder en un, assis en quatre heures, ça a pris. Je vais passer quelques jours sur un morceau comme ce tableau en particulier, même si vous pouvez le regarder en un, J' ai fait ce tableau pendant trois jours, et, euh, vous savez, me réveiller le matin et regarder la peinture, ça vous donne presque l'effet d'être un nouveau spectateur de vos propres œuvres d'art. Et toi, tu sais, quand tu vas dormir et te réveiller, tu ne te souviens pas exactement à quoi ça ressemble, euh, et ça te donne juste ce look frais et j'essaie de recréer cette sensation comme autant que possible en retournant la toile par, vous savez, vous savez, en prenant des pauses. Ou si j'ai la chance de l'appeler une nuit et de me réveiller le lendemain matin, je vais certainement prendre ça. Si je travaille pour des clients, il est très rare que je le ferai, sauf si j'ai une date limite est très rare que je vais soumettre quelque chose le même jour que je peins toujours. Si je peux me permettre une nuit de dormir dessus et puis y revenir et presque sans faute,il faute, y a quelque chose que je vois que je veux revenir en arrière et changer quelque chose. Ce n'est pas clair quand je pensais que c'était clair maintenant parce que nous avons tous vécu cela, nous nous habituons aux choses que nous créons. Je ne sais pas ce que c'est que nous sommes. Les cerveaux ne peuvent pas voir les choses objectivement comme nous les créons. C' est ce malheureux truc de nature humaine, que j'aimerais ne pas être là. C' est pourquoi nous avons toutes ces astuces de, vous savez, retourner le campus horizontalement, juste tromper notre cerveau en pensant que c'est le voir comme là, penser, voir pour le premier temps et remarquez quand j'ai retourné ça. Ce que je vois, c'est que ce monstre est vraiment biaisé à gauche et je change ça maintenant. Je change de forme. Je ne l'ai pas vu quand je le peignais, et tu sais, pourquoi je ne l'ai pas vu ? Je ne sais pas. J' aimerais pouvoir voir plus de choses au fur et à mesure qu'elles sont créées. Mais ce n'est pas comme ça que ça marche pour moi. Peut-être que c'est peut-être juste moi, comme si certaines personnes étaient meilleures à ça. Peut-être que certaines personnes peuvent réellement voir plus objectivement qu'elles créent. Je l'ai toujours été. J' ai toujours lutté avec ça. J' ai toujours eu besoin de repos ou d'un nouveau regard pour voir les choses plus objectivement, et je pense que c'est une chose courante, mais je ne sais pas. Je veux dire, certainement personne n'a une première prise parfaitement objective sur les choses, mais peut-être que certaines personnes sont meilleures que d'autres. 6. DigitalPaintingII part05of13: Nous devons ralentir une seconde et parler de la couleur et de la lumière, de la façon dont les deux sont mêlés et de la façon dont ils travaillent ensemble. Donc je veux faire quelque chose de vraiment simple. Je veux que Teoh utilise toutes les compétences de dessin d'une maternelle et explique ce concept parce que c'est vraiment une chose assez simple. Commençons par des lignes et je vais dessiner un arbre. Voici mon arbre. OK, c'est sur l'herbe. Voici mon herbe. Ok, maintenant l'arbre est éclairé par le soleil. Alors voici le soleil. C' est M. Son et c'est notre scène. Ok, belle. Parlons maintenant de la couleur Avant de parler de la lumière. Parlons de la couleur. Ok, quelle couleur est un arbre ? Eh bien, les feuilles sont vertes. Alors choisissons le vert et nous allons peindre notre arbre vert. Ok, quelle couleur est le ciel ? C' est bleu. Alors choisissons la couleur bleue dans le ciel. Peut-être un peu plus léger. C' est la couleur du bleu ciel. Ok, bien. Maintenant, de quelle couleur est le soleil ? C' est jaune. Donc on colore notre fils en jaune et on garde les rayons du soleil parce que je les aime et Oh, oui, l'arbre. De quelle couleur sont les troncs d'arbre brun, donc nous le colorions brun. Et puis, enfin, quelle couleur est l'herbe verte ? Donc, prenons le même vert est l'arbre parce que dans notre boîte à couronne Crayola, il n'y a qu'un vert et nous colorions l'herbe verte. Ok, incroyable. Nous venons de faire ce qu'un enfant de la maternelle peut dio. Ok, parfait. C' est la première étape. Croyez-le ou non, vous savez peindre depuis que vous avez quatre ans, probablement même plus jeune que ça. Hum, super. Ça ressemble au dessin de votre enfant. Donc à partir d'ici, appliquons un peu de théorie des couleurs, ce qui est vraiment aussi la théorie de la lumière, selon moi, parce qu'ils sont tellement liés. Appliquons un peu cela et voyons ce que nous pouvons faire pour rendre cette image un peu plus réaliste. Pas en termes de dessin, mais en termes de traitement de la couleur et de la lumière. Hum, ça se résume vraiment à deux familles. Lumière contre ombre. Nous avons notre fils, qui est la source de lumière. D' accord. Et en ce moment, cette image est dépourvue de lumière. n'y a pas de lumière dans cette scène. Ce que j'ai ici est appelé couleur locale,couleur locale, couleur locale, ce qui signifie la couleur inhérente de l'objet. Donc, vous savez, les feuilles sont vertes, nous choisissons vertes. Nous n'avons pas pensé à ce que vert. goûte Si jegoûtece vert, je n' ai pas vraiment pensé à ce que c'est vert. Je n'avais pas d'importance pour moi qu'il était plus proche du bleu que de l'orange que ce n'était pas un facteur dans mon esprit. Une affaire comme un enfant de maternelle ne penserait jamais à ce genre de chose. Mais maintenant, nous devons faire cette chose où nous devons commencer à penser à quelque chose qu'on appelle la couleur , la température et la température de couleur. Ce que cela signifie, c'est ramener ma température de couleur de sélecteur de couleur fait référence à ce genre de est une carte de la façon dont cool ou chaud est quelque chose en comparaison. Donc nous avons ce vert ce vert, qui est que j'ai échantillonné. L' arbre est plus proche de la famille bleue dans la roue de couleur qu'il ne l'est de la famille orange et Reds. Donc j'appellerais ça vert. Dans ce contexte, c'est un vert plus frais. C' est plus frais. Alors il fait plus chaud, non ? Pourriez-vous être d'accord avec moi ? , Le tronc d'arbre,c'est qu'on a dit marron, mais il n'y a vraiment aucune utilité pour les noms de couleur. Vous avez très rapidement réalisé que les noms de couleurs sont trop larges parce que brun vous pouvez avoir l'une de ces couleurs et il aurait l'air brun ce vert. Tu regardes combien de verts il y a, et on les appellerait toujours verts. Ok, c'est pour ça qu'on ne peut pas utiliser le vert, le rouge brun. On ne peut pas utiliser de noms de couleurs. Nous devons les laisser derrière nous et nous devons le faire. Ensuite, au lieu de cela, nous devons remplacer ceux par chaud et frais. Et c'est, Ah, une idée abstraite. C' est un vert chaud ou vert frais, et tout tourne autour du contexte. OK, maintenant mettons-le en pratique, et j'arrêterai d'être tout théorique. Ok, commençons à appliquer des températures de couleur pour penser à la lumière. Dans ce cas, c'est très entraînement de coupe. Le soleil est éclairant, on voit. Le soleil est cette lumière orangée jaunie. Donc quand ça frappe quoi que ce soit, quand la lumière du soleil frappe quoi que ce soit, ça va pousser ces couleurs. Ça va pousser la couleur locale dans la direction de la lumière en termes de couleur. Ok, ça va pousser ce brun dans la direction de l'orange, donc je vais l'amener ici. Ça va aussi le rendre plus léger parce qu'il est léger. Ok, ça devrait être explicatif. Et la version légère de cette couleur pourrait ressembler à ceci. Ok, je viens d'appliquer une théorie des couleurs à ce point de départ de base. Ok, maintenant restons dans la lumière. D' accord ? Regardons cet arbre. Même chose. Le soleil frappe l'arbre. Le soleil est ici sur le sélecteur de couleurs. Les arbres ici. Le soleil va rapprocher ces couleurs. Ça ne va pas le rendre complètement jaune. Il ne va pas correspondre à sa couleur parce que la couleur locale a un peu d'attrait. A une certaine influence sur certains pourrait couleur, mais la couleur de la lumière du soleil gagne. La source de lumière est plus forte que la couleur locale. Donc nous choisissons notre couleur et nous la peignons. D' accord. , Bien sûr, je n'essaie pas de faire de bonnes formes en ce moment. Je vais pour la brièveté ici en termes de technique. Eso je peins cet arbre à la lumière. D' accord, tout d'un coup, je commence à avoir un sens très rudimentaire de la lumière. D' accord ? Mais je n'ai pas encore fini. Regardons peindre l'herbe à la lumière. Parce que, bien sûr, l'herbe que j'ai choisi la même couleur que l'arbre. Donc je vais rester avec cette couleur vert jaunâtre ce vert chaud. Ok, écoute, je peux aller plus chaud et y mettre ça. C' est approprié parce que je suis dans le monde des couleurs chaudes. Je dessine juste quelques formes de lumière ici. Un d'un certain degré de présentation. Ok, euh super. Ça traite de nos lumières. Maintenant, regardons les ombres. Shadows est vraiment là où la plupart de la théorie des couleurs existe, parce que dans la lumière, c'est un calcul très simple. Quelle est la couleur de votre lumière ? Ah, alors dirigez toutes vos couleurs locales dans cette sphère d'influence. Ok, Um, comme on vient de le faire maintenant avec les ombres, c'est un peu différent. Des ombres. Vous devez faire face à quelque chose qu'on appelle la lumière ambiante. Vous pourriez aussi entendre ce qu'on appelle la lumière rebondie. Ils veulent vraiment dire la même chose. La lumière ambiante ou la lumière rebondissante est essentiellement la lumière venant de toutes les directions autres que la source lumineuse. Laisse-moi juste ah, laisse-moi dessiner un petit diagramme pour vous les gars. Il va choisir cette couleur vive, la lumière du soleil, la source de lumière principale, pas le soleil va entrer comme ça et frapper tout ce qu'il peut, non ? C' est frapper toutes ces choses qui sont directement en face. Le soleil ne peut pas frapper ici. La lumière ne se plie pas bien. Le soleil ne peut pas faire ça. Donc cette zone est ombre. Tout ça, c'est de l'ombre. C' est de l'ombre. Ok, laisse-moi juste défaire ça pour que je ne puisse pas tout gâcher. Lumière et ombre. Que se passe-t-il dans l'ombre ? Débarrassez-vous de mes marques là-bas. Ce qui se passe dans l'ombre, c'est que les ombres sont allumées. Ils ont de la lumière. On ne voit pas des ombres parfaitement noires comme dans l'espace où il n'y a pas de lumière rebondissante. Vous savez, ici sur cette planète, nous avons rebondir la lumière si la lumière Qu'est-ce qui arrive est qu'il se détache du soleil, soleil, frappe le sol et rebondit vers le haut de l'herbe Il vient du ciel Le ciel est une énorme sphère de lumière La lumière vient du ciel frappant toutes ces choses Ok, le sujet de la joie La lumière ambiante frappe tout ça aussi. Mais le problème est que la lumière ambiante est plus faible que la lumière directe. Le soleil dominera la lumière ambiante, c'est pourquoi dans la lumière dans la lumière ici, nous ne considérons pas vraiment la lumière ambiante parce que la lumière du soleil la suralimente dans l'ombre est là où vous devez considérer la lumière ambiante. Et c'est là que la plupart des calculs de couleur ont lieu. Du moins pour moi. C' est là que vous jouez avec les couleurs dans l'ombre. Regardez ce que nous avons. On a un ciel bleu, on a de l'herbe verte. En réalité, vous pourriez avoir des fleurs jaunes, des fleurs rouges et l'herbe. Vous avez de la saleté, qui est comme un plus peut-être plus vert grisâtre ou violet e quelque chose Chaque fois qu'il y a tellement de couleurs dans la vraie vie et ils sont tous rebondissant autour comme fou dans l'ombre. Donc ce qu'on a, alors je vais chercher l'outil pour ça. C' est pourquoi, comme cet outil tant, regardons ce ciel bleu. Ce ciel bleu va faire la même chose que la lumière du soleil a encore échantillonné l'arbre . Rappelez-vous, la lumière du soleil nous a attirés ici. Eh bien, devine quoi ? Le ciel bleu va nous attirer ici et ce ne sera pas aussi fort. Donc c'est un sondage moindre, mais ça va nous permettre de nous choisir une couleur légèrement plus forte que ça. Il va nous permettre d'avoir un peu de bleu dans le pouce de l'arbre dans l'ombre. Devine quoi ? Il va aussi apparaître dans le coffre, mais ce ne sera pas le même bleu, parce que regarde comme il est déjà chaud ce tronc d'arbre est dans l'ombre. Il va le tirer vers ici, mais il ne peut pas y arriver entièrement, parce que encore une fois, lumière ambiante n'est pas si forte. Donc ce que tu pourrais faire, c'est que tu pourrais aller ici et que tu deviennes un peu grise. Er gris est un bon moyen de se rafraîchir en couleur qu'il avait. Si j'applique ça, on dirait presque qu'il y a une influence du ciel bleu. Mais c'est fait un peu plus avec goût avec du gris, un peu moins brusquement ou moins d'un affront à son apparence. Je pourrais peut-être aller un peu plus blues, tirer un peu plus de blues. Ça ne marche pas. Il ne travaille pas ici. Cette couleur ne fonctionne pas dans l'arbre car c'est pour le tronc de l'arbre. Tu devrais peut-être le faire. C' est à dessein pour l'arbre, donc parce que c'est trop à la zone rouge. Si j'ai tiré vers le vert, je peux. Je peux jouer avec toutes sortes de différents types de couleurs fraîches. Et quand je dis la couleur fraîche, je veux dire que la température pas l'argot se refroidit des températures de couleur. Je pourrais aller en ville avec ça, et je vais en ville dans mes propres peintures avec la température de couleur, et tu me verras le faire quand je peindrai la finale. Combien de temps je vais prendre pour orchestrer toutes ces petites taches de couleur et m' assurer qu'elles sont de bon goût et, vous savez, pas exagéré, pas sous-fait. Tout est un goût personnel, vraiment. À ce stade, je prends la théorie que je vous montre maintenant, et je l'applique avec goût personnel. Ok, euh, l'arbre doit jeter un peu d'ombre. Donc, tu sais, pour une ombre encore. Ombre fraîche. Peut-être un peu évident, un peu plus sombre. Alors mettons dans cette ombre d'arbre plus fraîche. Vous pourriez avoir un peu de lumière certaines de ces lumières chaudes. À ce stade, je peux commencer à échantillonner, parce que j'ai toutes ces couleurs peinture en ligne déjà. Vous pourriez avoir un peu de lumière chaude, vous savez, faire des trucs tapissés, qui est ce que je fais. Dans l'illustration réelle. Retourne à mon avis d'ombre froide. Je peins avec un peu plus turquoise, la couleur qui est appropriée dans le domaine de la fraîcheur. La seule chose qui rendrait cela inapproprié serait le goût personnel. Je pourrais dire que ça couvre un peu, aussi, aussi, tu sais, livre pour enfants, livre de coloriage ou autre chose. Tu sais, une autre réaction personnelle que je pourrais avoir. Et c'est là que l'art est personnel en termes d'utilisation des couleurs. C' est l'un des nombreux domaines personnels de l'artiste et, vous savez,la couleur utilise un grand. C' est l'un des nombreux domaines personnels de l'artiste et, vous savez, Maintenant, j'ai aussi mentionné la lumière rebondissante de l'herbe. Eh bien, devine et si j'ai rebondi la lumière de l'herbe qui monte dans le tronc de l'arbre, quelle couleur est-ce que ce rebond va être ? Eh bien, ça va. Il va adopter le vert de l'herbe pour que je prenne une couleur qui est là, peut-être l'apporter plus dans les verts. Ils vont toujours être verts parce que je suis dans l'ombre. Je ne veux pas me réchauffer. C' est le territoire de la lumière chaude du soleil. Je veux devenir vert frais, et je veux peut-être frapper quelques notes vertes de couleur ici. Et si c'était une vraie peinture, je serais très attentif à créer de belles formes. Je me fiche des formes en ce moment. Je me soucie juste de sortir cet exemple. Mais, euh, les formes font toujours partie du processus de peinture, ce qui fait de bonnes formes. Une bonne couleur de dessin peut exister sans bon dessin. Ok, vous pouvez faire une peinture abstraite qui est totalement réaliste dans sa représentation du fonctionnement de la lumière . Et en fait, une grande partie de ma peinture est abstraite. Je me soucie de dessiner là où j'en ai besoin, et je serai abstraite partout ailleurs. Jetons un oeil à ce tableau. Je pense que ce tableau est un bon exemple de prendre cette idée et de la convertir en ce que personne ne pourrait considérer comme un dessin de jardin d'enfants. Parce que tout ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai pris exactement cette pensée, mais que j'ai appliqué le dessin et la composition à elle. Mais regardons seulement pour son utilisation de couleur. Ok, allons dans le sélecteur de couleurs, et cette scène est allumée exactement comme notre scène précédente, qui est juste la lumière du soleil de base. Ok, euh, et nous avons une lumière soudaine créant des familles de lumière et d'ombres. Alors regardons la lumière. Regardons le personnage de monstre parce qu'il est, vous savez, le sujet de notre peinture aujourd'hui, et c'est un bon exemple de la façon dont il est laissé entrer dans cette scène. En fait, je réutilise l'idée de cette barre oblique de lumière pour que le monstre ait vert pour ok, donc tu pourrais, si tu regardais vert comme notre arbre. C' est vous connaissez cette zone, mais remarquez à quel point la lumière du soleil est verte, combien plus jaune ? J' ai vraiment exagéré ce jaune à la lumière du soleil. Il y en a vraiment. Non, il n'y a pas de verts dans ma zone lumineuse, et ça ressemble toujours à un monstre vert à cause de l'ombre. Mais en parlant de lumière et regardez combien je l'ai poussé dans ces oranges et jaunes. Il y en a. Il y a des rouges ici. Rapprochez ça. Alors que je goûte autour de la lumière, il y a des rouges, des oranges et des jaunes. Ces air sont tous acceptables parce qu'ils sont tous dans la famille chaude du soleil. Ok, si le soleil est, disons cette température de couleur ici, je peux jouer dans ce domaine et être complètement sûr parce que tout est dans la sphère de la couleur chaude . Regardez les ombres maintenant, hum, évidemment, évidemment, du point de vue de la valeur, nous avons une grosse baisse de valeur pour créer une ombre, une ombre sombre. Mais en termes de couleur, regardez où ces couleurs sont là. Ils jouent sur une gamme beaucoup plus large. Regarde ça. Regardez ce sélecteur de couleurs qui saute autour, essentiellement aller toute cette gamme de couleurs. Où est la lumière ? C' est la lumière. Regarde à quel point il saute. C' est comme notre théorie avec cette image, où à la lumière il doit se conformer au soleil. La température du soleil était à l'ombre. Il a toutes ces influences. Le ciel, l'herbe. Tu sais, s'il y avait quelqu'un ici avec une chemise rouge, tu aurais une influence rouge. Tout comme sur cette image, le sol est assez chaud. Le sol est ce désert de sable. J' ai ce sable très orange pour que l'orange frappe le sable. Tu viens de te faire attraper encore mon marqueur rouge. Ça va venir du soleil, qui vient d'ici. Il va frapper le sable comme ça, et il va rebondir dans l'ombre du monstre et me laisser défaire tout ça pour voir et regarder la couleur sous le monstre. Il est toujours dans l'ombre ici, mais regarde comme je pousse ces ombres à cause de la lumière rebondissante du sable. Et parce qu'il est si proche, le ventre du monstre est si proche du sable que je laisse vraiment passer ces rouges du sable. Ce n'est pas tout à fait la même orange que le sable. C' est un peu plus dans les rouges pourpres de Lee. Et c'est parce que, dans mon esprit , les rouges sont un peu plus frais en température que ces oranges. Juste comment mon esprit pense de la température de couleur. Alors que regarde les autres couleurs de l'ombre du monstre. Regardez ces bleus ici pendant que je goûte le dessus de son ventre. Regarde ces bleus. Pourquoi ils ont explosé ? Eh bien, parce qu'est-ce qu'on a ici ? On a le ciel. Le ciel frappe cette zone. Le ciel est que le ciel ne frappe pas. Cette zone ne peut pas descendre. La lumière ne peut pas se plier. La lumière ne peut pas se plier en dessous. La lumière se déplace droit, non ? C' est la plus grande bénédiction que nous ayons, c'est que la lumière voyage droit ? C' est prévisible. Bleu bleu. Tout ce truc est peut être influencé par le bleu. Regardez le mur de la grotte, qui est complètement dans les bleus bleus d'ombre, bleus, violets. Tu sais que j'utilise des violets aussi, aussi, parce qu'à mon avis, les violets sont toujours dans le domaine légal des cools, non ? Je peux toujours utiliser ces violets si je viens d'en échantillonner certains. Il y a du ventre du monstre ici. C' est une sorte de violet bleuâtre, non ? Je peux vraiment jouer avec ça maintenant, dans des zones où c'est plus neutre comme, disons, cette zone ici je deviens, vous savez, plus vert, plus comme la couleur Crayola vert, Et c'est juste pour aider le C'est la couleur locale qui vient à travers un peu plus donc dans cette zone ici, il est plus influencé par le ciel dans cette zone. Ici est plus influencé par le sable dans d'autres zones. Je laisse un peu plus la couleur locale arriver pour que vous puissiez vraiment voir comment ce que j'ai toujours appelé une tapisserie de couleurs est arrivé. Ce n'est pas aléatoire. , Ce qui le rend peut-être aléatoire et expressif,c'est le pinceau, comme la façon dont j'utilise la brosse, , mais la pensée derrière elle est très prévisible, et vraiment il n'y a rien d'artistique à propos de cette partie. La partie artistique vient dans la composition et le dessin. Tu sais cette idée que j'avais à propos d'un monstre se cachant dans une grotte ? C' est là que se trouve l'art. La théorie des couleurs n'est vraiment pas la partie artistique. C' est juste quelque chose qui est presque mathématique, vraiment. Et j'espère que cette démonstration simplifiée, peut-être un jette certaines de vos craintes sur la théorie des couleurs parce que, vraiment, ce n'est pas si effrayant. Vous avez beaucoup de place pour jouer, tant que vous savez si vous êtes dans des familles chaudes, fraîches, chaudes ou cool. Vous avez beaucoup de place pour jouer, tant que vous savez si vous êtes dans des familles chaudes, fraîches, Vous pouvez vraiment avoir un degré considérable de liberté en termes de combien vous pouvez jouer avec couleur. Donc avec ça fait, revenons à la peinture et utilisons des couleurs librement, accord ? 7. DigitalPaintingII part06of13: Donc, à ce stade, je suis toujours préoccupé par la mise en place de ces personnages. Et vraiment, je pense que la pensée derrière ça ressemble à ce que j'ai fait avec l'arbre au premier plan est ce qu'il faut pour vous aider à progresser au mieux. Et l'arbre était la première chose parce que, comme je l'ai déjà expliqué de façon compositionnelle, j'avais besoin de quelque chose à détacher. Et maintenant, c'est vraiment la viande de l'image, qui sont les personnages. Je veux dire, les personnages sont ce que vous allez orteils. Regarde-moi au moins ce que je veux que tu regardes quand je veux te montrer l'illustration. Donc, les personnages deviennent rapidement le centre de mon effort. Et, ah, tu sais, c'était juste que j'ai fait une solution rapide sur le monstre. J' ai commencé à les attendre encore un peu et à peu près à ce point que j'ai rencontré. Je suis ce genre de point important dans ce tableau où je peux maintenant, parce que j'ai des choses en quelque sorte posées. Je peux maintenant commencer à sauter et à faire tout ça parce que c'est une autre façon que je travaille. Et je l'ai mentionné tout à l'heure. Je n'aime jamais finir une chose avant quoi que ce soit d'autre. C' est une façon totalement valide de travailler les orteils, au fait de finir une chose et ensuite de se branche dans Branch off. Et j'ai fait des peintures de cette façon. Ça marche très bien, quand vous travaillez à partir de référence, je trouve que quand vous avez quelque chose que vous essayez de suivre, comme un portrait, disons que vous avez une photo du sujet, Ça marche très bien, quand vous travaillez à partir de référence, je trouve que quand vous avez quelque chose que vous essayez de suivre, comme un portrait, disons que vous avez une photo du sujet, alors, oui, je peux peut-être me sentir confiant dans la finition des yeux et ensuite aller de l'avant parce que j'ai référence à adhérer à. Mais parce que je n'ai rien pour me guider ici. Même mon je suis mon croquis de couleur. Mais ce n'est pas définitif. Je n'essaie pas de recréer ça, euh, j'ai tendance à sauter d'un endroit à l'autre et à mettre tout ça en même temps. Donc, tu sais, je travaillais juste sur le ciel. Maintenant, je travaille soudainement sur le visage de la fille. Alors je changerai de Teoh. Tu sais qui sait ce que je ferai ensuite comme je ne le sais même pas. Ah, ce sera juste cette conscience constante que toute la peinture doit apparaître à la fois, et c'est un peu comme dessiner une métaphore comme ces gars du carnaval qui passent les assiettes. Ils ont cinq plaques qui tournent, et c'est leur travail de garder toutes ces plaques tourner en même temps. Et tu sais, si tu laisses quelqu'un arrêter de tourner, ça va renverser et casser. C' est ce que j'ai l'impression de faire ici. J' essaie. Teoh garder tout en mouvement et donc rien de stagnant. Et ce que cela fait, c'est qu'il donne à l'ensemble du tableau une cohésion. En fin de compte, cela est construit ensemble et vous savez, c'est une exigence très spécifique que j'ai de ma technique, vraiment dans mes peintures, comme le regard, ça se rapporte à la chose d'abstraction que J'ai, comme où les pinceaux, le travail de brosse lui-même est amusant à regarder et inspiré et, vous savez, vous savez, a de l'énergie et un design intéressant et toutes ces choses. C' est des termes très abstraits. Euh, mais on y va. Je pense à la composition. Maintenant, je mets cette citrouille inférieure. Et comme vous l'avez peut-être remarqué lorsque vous avez vu l'illustration finale dans la carte de titre, combien cette partie inférieure change ? Je découvre quelque chose plus tard dans le tableau dont je ne parlerai pas encore. J' attendrai que je le découvre. En fait, quand je peins ici en temps réel , quelque chose qui modifie radicalement l'emplacement du tableau. Je suppose que ça ne modifie pas radicalement la composition comme vous le verrez plus tard. Je veux toujours adhérer à mon genre de s sinueux composition chemin de citrouille chose. Mes lumières étant reléguées à l'endroit où se trouvent les personnages, tout va rester intact. Mais, euh, cette partie inférieure de la peinture subit vraiment un changement radical qui à ce point de la peinture, je n'ai pas découvert Voici un changement majeur que je commence juste à dio j'ai ah, sorte de fatigué de cet arbre de premier plan étant la seule sorte de végétation dans la peinture. Je pensais que ce serait plus amusant si nous définissons un peu plus l'emplacement autour des personnages et donnons l'illustration. Il y a ce nuage. Donnez aux illustrations un peu plus de sensation d'automne en ajoutant plus d'arbres. J' étais en fait dehors, probablement entre le début de ce tableau et l'endroit où je suis maintenant. Et je remarquais juste certains de ces oiseaux arbres et ils avaient ces beaux troncs minces avec un peu de texture dessus. Et ces belles feuilles jaunes qui sortaient d'elles. Et nous y voilà. Je commence déjà à modifier l'arbre de premier plan en plus d'un bouleau, et finalement, finalement, je vais vraiment me débarrasser de ce tout pour Rowntree complètement et plus et le mettre plus en arrière-plan. Donc j'essaye juste ça. Je ne sais pas si ça va marcher, mais j'avais l'impression que cette illustration ressemble un peu à elle. C' était trop centré sur le truc de la citrouille, et l'arrière-plan était juste un peu vide, comme si je jetais des couleurs aléatoires là-bas. Je voulais donner un peu plus, Je suppose, emplacement, emplacement, atmosphère ou quelque chose, Quelque chose d'un sens de la place à la peinture. J' ajoute donc ces arbres d'oiseaux, ce qui me donnera des occasions amusantes pour le feuillage tout autour du sommet. Je veux toujours attendre le feuillage à droite parce que je veux que les ombres tapissées sur l' auvent soient attendues à droite. Je ne veux pas que je ne tombe pas dans cet écueil de composition où c'est juste. Je ne veux pas faire ça. Donc, cet arbre à droite va toujours être l'arbre dominant. Mais pour équilibrer un peu la composition, je veux mettre dans ces petits arbres. Il y a ce type de composition appelée la composition Steelyard, et vous pouvez le rechercher sur Google. Ce n'est pas quelque chose que je voudrais ici aussi, aussi, mais il a un principe qui est assez intéressant. Fondamentalement, ce qu'il dit est, si vous avez un élément vraiment dominant d'un côté de la peinture, comme cet arbre sur l'arbre de premier plan droit et qu'il est grand, vous pouvez l'équilibrer avec deux plus petits à l'opposé troisième de la peinture. Donc tu vois mes deux petits oiseaux. Les arbres sont, en quelque sorte, équilibrer le Big Four Roundtree sans être symétrique. J' ai donc un calque ici l'une des premières fois que j'ai utilisé des calques dans cette illustration, et ce que je fais, c'est que je teste mes bouleaux sur la couche. Donc toute cette nouvelle peinture que je fais avec les bouleaux parce qu'elle s'écarte tellement du croquis. Je le mets juste sur une couche. n'y a pas de trucs dans les trucs de couche du tout. C' est juste l'essayer sur une couche pour que je puisse basculer sa visibilité et voir. Est-ce mieux avant ou mieux après ? Et si c'est mieux après, je vais l'aplatir et prendre cette décision. Je ne veux pas me blesser avec l'indécision, et, ah, ah, couches sont un bon moyen de, ah au tribunal que si vous avez trop de couches tout d'un coup, vous commencez à évaluer trop , Tu sais, et ça t'a encore enlisé. Les couches ont leur place. Lorsque vous traitez avec des clients, vous serez généralement sage d'utiliser des couches car vous obtiendrez des révisions. Euh, mais ah, dans ce cas, tu sais, si je veux bouger quelque chose plus tard et qu'il est aplati, je m'en fous vraiment. Je vais juste le sélectionner et le déplacer et vous verrez que ça arrive. Même dans les derniers stades de la peinture. Tu me verras faire ça. Il y a quelque chose qui garde la peinture fraîche. Si vous devez constamment improviser sur une couche, il y a juste quelque chose à ce sujet. Peut-être que c'est peut-être que je suis lié à mes rehausses traditionnelles, mais, euh, tu sais, dans les médias traditionnels, il n'y a pas de couches, non ? Si quelque chose doit bouger, il faut le déplacer à la main, comme en le repeignant. Et j'aime ça. Donc tu sais, cette étape de la peinture est juste ah, juste pour essayer de comprendre que je mets comme une terre à l'arrière. J' essaye de voir si c'est peut-être le terrain que vous pouvez voir reculer dans la forêt. Ça n'a peut-être pas l'air d'un terrain en ce moment, mais c'est ce que j'essaie de faire. Mais ensuite, tout aussi vite, je reviens aux étagères où les citrouilles sont juste pour rien d'autre que faire bouger tout ça. C' est un peu comme cet instinct que j'ai développé là où je n'y pense pas. , L' instinct,c'est que quand j'ai travaillé sur une partie, je, je, tout d'un coup comme, deviens allergique et je m'en éloigne, et je pense que c'est une habitude saine que j'ai développée au fil du temps. Je ne peux pas dire que je le fais consciemment de temps en temps. Je vais consciemment, vous savez, sauter d'une chose à l'autre, surtout si c'est comme un élément de composition qui doit jouer un autre élément de composition. Je pourrais ping-pong entre ces deux choses. Ça ne se passe pas vraiment cette fois, mais dans celui-ci, c'est très aléatoire, comme si je regardais le ciel maintenant, et une chose que je fais avec ce ciel, je diminue la valeur. Je rends la valeur plus sombre dans le ciel, donc je lui donne un vraiment. Si vous regardez ce bleu, il n'y a rien de lumière dans ce bleu. C' est une valeur très moyenne, et ce que cela va me permettre de faire est de retourner le script sur quelque chose qui se passe généralement dans la vie. Et qu'est-ce que c'est que le feuillage de l'arbre est plus sombre que le ciel ? C' est comme une chose courante pour le feuillage des arbres pour être la chose la plus sombre de votre peinture. Même le feuillage des arbres et la lumière sont plus sombres que le ciel, généralement, mais à l'automne, cela devient inversé lorsque les feuilles tournent de couleur et deviennent jaunes et orange, puis ils sont frappés par le soleil. Les feuilles deviennent en fait plus brillantes que le ciel, et c'est ce truc d'automne intéressant. Ça n'arrive qu'à l'automne. Et parce que c'est une peinture sur le thème de l'automne, je voulais vraiment y aller. Donc, au lieu de rendre mes jaunes des arbres plus légers que j'en ai besoin, allez dans le sens inverse et faites le ciel plus sombre. Donc, vous évoquez une chose en l'inversant sur l'autre chose qui fonctionne avec réchauffe et refroidit aussi bien. Si vous voulez que vos réchauffes apparaissent dans une peinture, augmentez vos refroidissements. N' augmentez pas vos échauffements. Souvent une sorte de caractéristique de peut-être une palette de couleurs amateur est quand la personne veut obtenir vraiment chaud. Ils deviennent littéralement trop chauds avec leurs couleurs chaudes, comme les rouges, ou pour lire. Tout est trop chaud, alors que vous pouvez contrôler un peu tempéré en faisant fonctionner vos refroidissements et les refroidisseurs peuvent orchestrer les réchauffeurs. Ici Eso. Qu' est-ce que je fais ici ? J' attrape une autre tête de ma conception de personnage, et je remarque juste que la façon dont va la fille, j'ai réalisé que la pose que j'ai prise auparavant ne fonctionnait pas. Donc celui-ci semble plus approprié, et j'ai vraiment aimé la forme de la tête sur celle-ci, et tout d'un coup ça commence à fonctionner un peu mieux. Donc je vais aller avec ça, c'est sur une couche. Il ne voit pas encore la boîte de couches, mais c'est sur une couche, évidemment, et je la glisse juste autour. C' est en mode multiplicateur, sorte que le blanc devient transparent. Juste les Noirs montrent à travers et, , une fois je suis content de cette couche aplatir leur il y a. Donc, maintenant tout est à plat à nouveau. Donc j'ai cette fille aplatie, et je vais, vous savez, peindre d'ici. J' essaie juste de savoir où est son autre bras. Tu sais, je suis toujours sur le truc de pose d'étreinte, ce qui, comme tu le sais probablement, j'ai changé ça. Mais dans ma tête en ce moment, je veux toujours qu'elle embrasse la citrouille. Et même si je le change plus tard, je pense toujours que c'est une idée mignonne. Je veux dire, elle a l'air assez mignonne en ce moment. Je l'aime bien son petit corps. Je veux dire, je peux voir ses mains dans le croquis, mais elles ne sont en aucun cas peintes en même temps qu'elles travaillent sur certains de ces arbres de fond. Les arbres de fond doivent devenir plus rouges. Je n'y suis pas encore arrivé. Lorsque vous lorsque la lumière recule à distance, elle devient plus rouge, elle devient plus sombre et plus lu. La raison en est le jaune est la première couleur à tomber dans la distance. Tu ne verras jamais les jaunes au loin. Nature, Notre atmosphère filtre juste jaune sur. Nos yeux ne voient pas le jaune au loin. Eso Ce que cela laisse est si vous avez une couleur chaude dans le fond que ce serait jaune si elle était de près, cette couleur devient en fait teinté rouge comme rouge teinté. Hum, donc maintenant, mes couleurs dans le fond lointain sont un peu trop jaunes pour être là, là, là, hors de propos. C' est une chose subtile que je reprends. Je vais le changer plus tard à ce stade où je suis ce que je pense maintenant est que je suis sur quelque chose avec ces bouleaux. J' aime où je vais, mais j'en ai besoin. J' ai besoin de comprendre de façon compositionnelle comment le traiter. Je ne le suis pas. Tu sais, j'ai les inklings d'une idée, mais ce que je n'ai pas c'est comme un plan solide, et c'est un peu effrayant parce que je pars du script ici. Je suis hors de mes croquis maintenant, plus valide dans ce domaine, et vous devez faire attention à la composition parce que dès que vous changez quelque chose compositionnel qui a le potentiel de jeter les bases de tout. Dans ce cas, c'est OK. C' est un changement gérable est une sorte de changement local. Je peux changer les arbres et ne pas vraiment affecter l'ensemble de l'illustration. Mais parce que je commence à me concentrer sur cette zone supérieure ici, je suis en train de choisir. J' ai choisi le truc. C' est la teinte de couleur, la saturation. J' augmente un peu la saturation et la légèreté en essayant d'obtenir de la valeur. C' est des niveaux maintenant. Désolé, je pense que j'ai annulé la saturation de la teinte élevée des niveaux. J' essaie d'obtenir une valeur sur cet auvent pour le faire sortir du ciel parce que remarquez comment , combien de temps et de noir que Skye est maintenant que ça me donne tellement de place pour que l' auvent puisse sortir. Et c'est dans le croquis. Tu sais, c'est ce que j'ai fait dans mon croquis couleur. J' essaie d'être fidèle à ça, et j'étais encore, tu sais, il y a encore beaucoup de peinture à faire dans cet auvent. Ce n'est pas fini. Hum, ça commence à être fidèle à l'endroit où il doit s'asseoir. rapport à la valeur, cependant, c'est l'un de mes critères de peinture est, bien sûr, prenons les valeurs, non ? Tu sais, prenons les lumières et les sombres, accord. Tu sais, j'en ai parlé dans ma composition. Tu sais, Parlez un peu de la façon dont ça va être, genre, l' une des valeurs les plus légères du tableau. L' auvent est le deuxième plus léger étant le corps du monstre. Euh, en fait, peut-être égal selon l'endroit où je finis. Mais c'est donc la première étape, c'est en quelque sorte obtenir la valeur. Et puis tout le temps, j'évalue la qualité de l'abstraction et l'apparence de ma brosse. Donc en essayant de séparer ces pensées, euh, dans ma tête, au moins je pourrais les peindre ensemble. Mais je vais séparer la discussion de valeur d'une discussion texturale, par exemple, c'est pourquoi dans ma vidéo de composition, la petite chose rapide que nous avons faite sur la composition. Je travaillais juste dans les couleurs de drapeau noir et blanc. C' était juste de la valeur, vous savez, seulement de la valeur. Ah, valeur dans la forme, je suppose. Et puis, tu sais, maintenant c'est que je le peins. Je sais où la valeur doit être. Donc je m'assure d'être là, mais ah, juste, vous savez, endémique du processus de peinture est aussi une discussion sur la texture et ah, pinceau. Certains jouant avec les monstres posent, peut-être les amener à, comme faire comme un hooray de type bras levés. Il a des petits bras trapus, que je représente avec une sorte de blocage noir juste là. Et tu sais, c'est mignon. C' est mignon. Je finis par le changer, parceque maintenant tu sais quelle est la dynamique que j'ai avec les personnages maintenant. Je finis par le changer, parce , parce La fille nous engage, mais le monstre engage la fille, ce qui est intéressant. J' aime ça. Je pourrais aller avec ça. Je finis par ne pas y aller. Mais, tu sais, mon idée originale l'emporte à la fin, comment je veux qu'ils nous engagent tous les deux, le spectateur. Donc ici, j'essaie de bloquer dans un peu de lumière. Je vais juste voir si Light fonctionne sur le visage de la fille. Rappelez-vous, dans mon croquis en couleur, je mentionnais comment le visage de la fille est un peu sombre. C' est un peu pour le rétracter, en essayant de le modifier en mettant un peu de lumière sur son visage, et je l'ai fait avec la fonction Dodge linéaire. J' ai un aérographe pour toi. Retourne un peu en arrière. Mon aérographe est en mode esquive linéaire et ce qui vous permet de faire est une sorte de peinture avec de la lumière pour éclaircir les pixels qui sont déjà là. C' est un super mode de peinture. Trick numérique total. Vous ne pouvez pas le faire traditionnellement, Linda, ce mode d'esquive linéaire le plus proche analogue serait d'utiliser un aérographe, un aérographe traditionnel avec une peinture aux couleurs très vives sur quelque chose. Et même ce n'est pas tout à fait la même chose. Mais vous pouvez voir ici. Tu sais, je me taille dans la tête juste parce que j'ai ce dessin. Ils se rappellent qu'il était aplati, donc quand je peins, je peins dessus. C' est une bonne façon de travailler. Je pense encore, le truc d'une couche. Tu sais combien d'entre nous mettraient ce dessin sur une couche séparée et ne peignaient qu'en dessous  ? Eh bien, vous pouvez le faire. Mais le problème avec cela, c'est que ce n'est plus vraiment un tableau. C' est un peu comme une coloration. Si vous peignez sous vos lignes, je trouve que c'est plus comme une technique de coloration. Ensuite, plutôt qu'une technique de peinture, la différence étant que si vous coloriez à l'intérieur des lignes, vos lignes dominent le dessin. Vous avez fait un dessin au trait et vous ajoutez juste de la couleur en dessous, alors que je ne fais pas ça. Je ne veux pas qu'il y ait de lignes dans ce morceau. Je veux que ce soit une peinture pure. Donc, si j'ai des lignes comme le croquis de la fille qui les aplatit, ça veut juste dire que je vais les peindre dessus. Parce que dans ce style particulier, accord, je découpe le monstre, re le dimensionnement un peu dans ce style particulier, les lignes ne sont vraiment pas belles. Ils ont l'air hors de propos, résumé de l'échelonner, ce qui va me donner quelques problèmes. Dans une seconde avec l'auvent, je dois repeindre, repeindre un peu l'auvent, et je vais essayer de faire chevaucher le monstre un peu dans mon croquis couleur que je remarque. C' est très proche d'être une tangente. Il y avait le sommet de la tête du monstre. Si vous regardez l'esquisse de couleur sur la droite, le haut de la tête du monstre touche presque le bas de l'auvent qu'on appelle une tangente et les tangentes se glissent dans votre travail, peu importe votre professionnalisme. Les tangentes viennent juste de se produire, non ? ce moment, même dans mon tableau final, Ence moment, même dans mon tableau final,avoir une tangente plus méchante où la tête du monstre est en deux D est littéralement toucher ça. L' auvent, c'est, Ah, une grande tangente là-bas, et je ne pense pas l'avoir remarqué. Et croyez-le ou non, c'est si évident pour moi maintenant, vous savez, être un peu un observateur de 1/3 personne ici pendant que j'enregistre cette narration. Mais à l'époque, je suis tellement embrouillé dans le processus de peinture que des tangentes comme ça, vous savez, même si elles sont juste sous mon nez, elles peuvent s'échapper. Mais vous savez, vous les remarquez. C' est là qu'intervient une nuit de repos. Ou, ah, retourner la toile ou quoi que ce soit comme ça. Et voilà, retournez le campus et je commencerai à remarquer des choses qui fonctionnent encore sur la silhouette des personnages que vous pouvez voir. J' ai remarqué cette tangente au moins un peu et essayer de chevaucher peut-être l'auvent sur sa tête. Vous vous déplacez simplement dans le pinceau, ne faites pas beaucoup de peinture pour le moment. On y va. Parfois, je dois m'asseoir et y réfléchir. 8. DigitalPaintingII part07of13: juste sur un côté personnel. Notez-le. C' est drôle, euh, me regarder peindre ces trucs. Évidemment, ce n'est pas quelque chose que je reçois habituellement à regarder après le fait et souvent je souhaite que j'ai sauvé plus d'étapes de la peinture, ne pas regarder en arrière, mais parce que parfois vous avez mieux idées au début, ou vous arrivez à des déclarations plus simples au début. Et puis, comme vous peignez sur et sur, peu comme obstinément commencer à peindre parce que vous insistez pour aller mieux au fur . Parfois, vous perdez des idées simplistes qui fonctionnent si bien au début, mais vous ne pouvez pas dire qu'elles fonctionnent au début parce que le reste de la peinture n'est pas fini. Donc, quand je regarde ce truc en arrière, je vois des choses qui sont emportées plus tard, en fait, quelque chose qui a déjà été emporté. J' ai aimé l'expression initiale du monstre. En parlant du monstre, voici quelques globes oculaires, et instantanément quand j'ai les yeux dans cet air qui nous regardent directement. En parlant du monstre, voici quelques globes oculaires, Tout d' un coup, ça lui donne du caractère. Il y a quelque chose à ce sujet, comme s'il avait une conscience. Maintenant, il y a quelque chose dans les yeux que si vous pouvez les obtenir correctement, arrachez ces yeux. Tout le reste tombe un peu en place. Les yeux, on dit souvent, ou les fenêtres dans l'âme. C' est vrai aussi pour les dessins animés. Vous devez avoir les yeux droit et quelque chose d'aussi simple, c'est que ce personnage vous regarde directement. Le spectateur qui doit être quelque chose que vous devez passer du temps. Et j'ai utilisé Teoh. J' avais l'habitude de me tromper tout le temps. Obtenir un personnage pour vous regarder n'est pas aussi simple que de mettre le globe oculaire ou l'iris juste au milieu des yeux. En fait, si vous regardez le monstre ceux que je désolée iris ne sont pas seulement directement plopped au milieu du globe oculaire. Celui à droite est légèrement à gauche. Vous voyez cela et celui sur la gauche est plus ou moins genre de dans le milieu inférieur qu'ils occupent en raison de différents espaces parce que les yeux sont physiquement séparés. Tu dois ah, c'est un bon domaine d'étude ou un domaine à observer dans la vraie vie, c'est quand quelqu'un te regarde ou quelque chose remarqué. Là, je fais la ligne et qu'est-ce qui fait que leurs yeux ressemblent à ce qu'ils regardent ? Et puis vous pouvez rendre vos illustrations beaucoup plus puissantes. Je veux dire, ça vaut pour n'importe quoi. Peindre et observer de la vie est vraiment la voie à suivre. C' est la façon d'apprendre parce que ce que vous faites alors c'est que vous absorbez les informations brutes et que vous les traitez en regardant. Tu sais, même cette vidéo me regardant peindre, c'est bien, mais ce que je ne peux pas enseigner et je ne peux pas vraiment montrer, même si je te montre physiquement une démo en ce moment, ce que je peux te dire c'est ce que je veux, ce que je peux te dire mes émotions font et ce que ma mémoire musculaire, comment ça se traduit en mémoire musculaire et pourquoi j'utilise cette brosse pour les arbres . Je n'ai pas de réponses à ça. C' est l'intuition, et ah, la matière première qui anime l'intuition provient de la vie, pas de la peinture à partir de photos ou pas de s'asseoir à un ordinateur qui peint numériquement toute la journée . Bien que la façon dont ces choses aident, je vous encourage à sortir, c'est pourquoi j'ai également publié un cours sur la peinture de carnet de croquis, et j'espère que vous vérifiez cela parce que cela montre le processus brut de sortir et peinture. Et ah, c'est ce genre de peinture pour moi qui est exaltante. Et, vous savez, parlant de peindre à l'extérieur quand je peins ces arbres ici et cet environnement extérieur , je puise complètement mon expérience, peignant des sujets similaires à l'extérieur. Il n'y a vraiment rien dans cette illustration qui me soit étranger parce que j'ai abordé tout ça à l'extérieur, et j'ai tout vu de la vie de première main. Tu sais, je n'avais pas à lire sur la peinture d'arbres dans un livre. Je l'ai peint de la vie. J' y suis allé et j'ai fait ça. Et je continue d'y aller et de le faire. Ah, pour garder mes compétences aiguës pour continuer à progresser et, ah, vous savez, la progression. Et l'art est aussi une sorte de quelque chose qui vient par étapes, je pense que l'étaient est au début. Si vous êtes un artiste débutant, votre progression pourrait ressembler votre progression pourrait ressembleràune équation mathématique, comme d'accord, je vais en classe, j'apprends à dessiner une perspective, une équation mathématique, comme d'accord, comme d'accord, je vais en classe, j'apprends à dessiner une perspective, puis je peux dessiner une perspective. Et maintenant, la prochaine classe, j'apprends à dessiner un nez. Oh oui, maintenant je peux dessiner un nez et la prochaine classe Apprenons à dessiner. Bon, maintenant je peux m'approcher. C' est à quoi ressemble le progrès lorsque vous êtes débutant et que nous traversons tous ces étapes. Mais quand ce qui se passe quand vous savez comment approcher et vous savez comment dessiner une perspective et vous savez toutes ces choses fondamentales. Que se passe-t-il alors ? Votre apprentissage s'arrête-t-il ? Non, vous apprenez alors devient plus abstrait et plus basé sur l'expérience. C' est là que l'expérience a vraiment du poids. Euh, et tu as Teoh continuer cette expérience pour aller mieux en tant qu'artiste, si tu es complaisant, tu cesseras de grandir. Et ce n'est pas ça, tu sais, c'est un peu drôle. Ce n'est pas que tu as besoin de cours tout le temps. Vous avez juste besoin de trouver des moyens d'acquérir cette expérience en obtenant, vous savez, vous savez, comme faire de l'exercice ou quelque chose comme ça. Continuez simplement. Juste vous savez, l'entraînement est une bonne analogie juste parce que vous avez soulevé des poids pendant un an dans votre vie. Ça veut dire que tu peux arrêter ? On saura. Si vous arrêtez, vous perdrez le muscle que vous avez construit et ah, art est la même chose, vous savez ? Assez drôle, soulever des poids et peindre sorte de ah sont très similaires. Tu sais, soulever un premier besoin de quelqu'un pour te montrer la bonne forme en tenant le poids et en s'assurant que tu ne te blesses pas. Et une fois que tu as ça, tu pars. Et puis à partir de là, vous explorez différents exercices, différents poids, différents types de représentants. Et c'est comme peindre. Lorsqu' une fois que vous savez quels sont les outils et que vous les développez, il devient une question de devoir y aller, d'exercer ces outils et ces compétences et de les construire. Ok, donc assez de philosophie. Regardons ce que je fais ici. Je peins ces arbres et j'ai remarqué que je suis intéressé maintenant et un peu plus précis Mark faire. Je n'utilise pas d'énormes pinceaux dispersants qui laissent tomber les coups là où ils peuvent. Je suis un peu en train de composer avec une combinaison de pinceaux texturés, pinceaux ronds. Ah, tu sais tout sous le soleil pour obtenir des notes intéressantes. Et dans l'ensemble, bien que je sois préoccupé par la forme. Alors, qu'entendez-vous par forme ? Je dis souvent aux étudiants d'imaginer, euh, avoir une paire de ciseaux et découper des formes. L' auvent est donc un excellent exemple. Cet auvent est une forme très facile à découper avec des ciseaux. Si je donnais ça à un jeune de deux ans et disais, découpez cette forme de store jaune avec des ciseaux, ils pourraient probablement le faire. Ce n'est pas si difficile à voir parce qu'il est grand et il est clair qu'il a une belle silhouette. Tout est là, non ? Cette force de forme doit être partout. Dans ces petites formes et les grandes formes de l'image entière, vous avez besoin de ces formes claires. Donc, quand je fais un arbre, je suis conscient de la forme que je crée avec toutes ces petites marques. Que font ces formes ? Et quelle est la forme négative que je laisse derrière eux, est-ce qu'ils en ont un peu parlé dans la vidéo de composition ? Ils sont trop stagnants ? Sont-ils similaires ? Ils bougent le I ? Combien de bords ont-ils comme, est-ce pas ? Est-ce une forme qui ressemble à une feuille de route, Dans ce cas, ce n'est pas bon, parce que c'est trop, trop est trop sur les yeux tout simplement pas assez simples. La forme était la forme simple n'a pas une identité claire. Et ce n'est pas comme quand je dis forme. Je veux dire un carré ou un triangle. Je veux dire des formes, des carrés d' air et des triangles, mais je parle juste d'une forme abstraite, comme la tête de la fille que les filles avaient lu. La raison pour laquelle elle n'a pas de traits en ce moment est parce que je suis ou intéressé par sa forme et surtout sa forme par rapport à la citrouille qu'elle tient là. J' essaie de jouer des formes les unes contre les autres, et en ce moment, si j'avais une critique de ma propre peinture, c'est que la tête de la fille et la citrouille sont en fait deux similaires, euh, et ils sont tellement rapprochés, ça ressemble presque à un bonhomme de neige orange, et je ne veux pas ça quand je le renverrai. Je veux dire, c'est toujours comme si je n'avais jamais dit le truc du bonhomme de neige. Je peux voir un bonhomme de neige orange là-bas, et c'est quelque chose que je ne veux pas dans ce tableau en finale. Donc ce sont tous des problèmes de forme, accord, donc c'est un domaine de peinture qui devrait occuper une grande partie de votre pensée, c'est que vous savez quelles sont les formes que je fais parce que dans la peinture, nous avons mis des milliers sur des milliers de coups de pinceau. Hum, et sachez qu'avec chacun de ces coups, vous faites ou contribuez à la conception de la forme de votre image. Bref, je regarde les yeux du monstre en ce moment, et je fais ce truc que je fais toujours avec les yeux où je construis les yeux au fil du temps. Tout comme tout le reste sur je n'est pas aussi facile qu'une couleur blanche avec des iris bruns ou noirs. Je mets toute une gamme de couleurs là-dedans. Vous pourriez voir votre Je suis je joue avec la partie pas la pupille mais l'iris comme où les lentilles. Je fais un vert et je vais rendre certaines zones plus vertes. Ici, je mets un contour autour de l'iris, ce qui aide parfois avec plus de déclarations de bande dessinée. Ça lui donne un peu de caractère, et, vous savez, une fois que je zoomerai dessus, vous le verrez encore plus clairement. Et puis le globe oculaire lui-même, les blancs je les pense comme des billes blanches et si vous savez quoi que ce soit, si vous regardez un marbre blanc. Il reflète la couleur de son environnement. Ce n'est pas seulement blanc. Je veux dire, il n'y a vraiment pas de blanc. Le blanc est une chose contextuelle. Quelque chose aura l'air blanc dans différents contextes, et le blanc est un grand réflecteur d'autres couleurs, donc il va ramasser comme un œil. Blanc comme ça va ramasser les couleurs de la lumière indirecte. Si je repense à ma lumière en couleur. Exemple, cette vidéo de la barre latérale que nous avons fait où je parle de la lumière du ciel mais aussi de la lumière rebondie venant de l'auvent. Cet auvent est ou est orange jaune-orange, est-ce pas ? Donc ça va refléter beaucoup de lumière orange jaunie, et ça va créer un défi intéressant dans mon ombre. la Aveclafille dans le monstre. Ce personnage de monstre , par exemple, va être, euh, va obtenir de la lumière du ciel, créant une sorte de teinte bleuâtre dans ses cheveux et aussi une chose jaune nous chaud jaune rougeâtre de l'auvent, lui donnant plus d'un ton chaud. Et je vais devoir être créatif et comment je les disperse. Je n'ai pas le droit de référence. Évidemment, il n'y a pas de référence pour ça. Donc je dois inventer cela et les blancs des yeux bras ou encore plus pur parce que le blanc obtient sa couleur de son environnement. Donc en ce moment j'ai un joli laïc, et je pense que le fond des yeux blancs deviennent plus du ton orange, peut-être réfléchissant de la table qui est en dessous. Et puis le sommet devient plus bleu, potentiellement du ciel. C' est comme ça que je l'ai fait bouillir. Et ces yeux, je pense que c'est l'une des premières choses que j'ai faites qui restera vraiment dans ces personnages. Je pense que ces yeux commencent à regarder. Ils commencent à avoir la vie, tu sais ? Je vois la vie là-bas, et , euh, ici, nous mettons des ombres tachetées, et c'est vraiment une de mes faiblesses. Et je pense que je ne suis pas seul ici. Créer l'imiter la variété de la nature est vraiment difficile. En fait, regardez ce que je viens de faire. Je viens de le défaire. Mais j'ai mis quatre points identiques tous d'affilée. Si tu rembobines un peu, tu le verras, et j'ai été assez intelligent pour le remarquer. Je ne suis pas intelligent. J' étais assez perspicace pour le remarquer. Parce que je connais mes tendances. Je le sais. Je n'arrive pas à obtenir ma main pour mettre des coups aléatoires comme si c'était juste quelque chose qui n'est pas dans ma compétence. Je suppose que je dois mettre quelque chose dans une course, pour créer du hasard. Peut-être, comme, tu sais, peut-être que parfois je ferme littéralement les yeux et que je peins les yeux fermés pour essayer d'obtenir une forme aléatoire qui fonctionne parfois avec des ombres tachetées. Essayez de fermer les yeux et de mettre quelques points vers le bas. C' est un truc du cerveau maintenant. Je souligne juste une partie de la couleur de l'auvent. Il devenait un peu trop calcaire, un peu trop délavé. Alors amenons certains de ces rouges, ce qui aide. Tu sais, ça aide à pointer un peu cette zone vers l'avant. C' est toujours le jaune. La force de ce jaune clair maintient encore cette forme d'auvent. Il le maintient ensemble que le rouge est un peu un bon coup de poing de valeur. Je n'ai toujours pas encore trouvé la chose principale que je suis. Peut-être que je le trouve maintenant, on verra. Peut-être pas. Bien que je n'ai pas encore trouvé la chose qui rend cette peinture possible. À mon avis, le problème auquel je suis confronté, vous pouvez voir que je suis en train de ralentir. Je ne sais pas ce que je fais. Je le suis. Je jouais avec des ajustements de couleur. Les couleurs automatiques sont un contraste automatique, mais pour sauvegarder pendant une seconde, Um, Um, ce quelque chose me dérangeait à propos de cette composition, c'est qu'il semble s'ouvrir sur le fond. Je ne suis pas convaincu que les citrouilles seules vont le faire. Ça ne semble pas assez intéressant. Je veux dire, certains d'entre vous pourraient être en désaccord avec moi, et certainement ce tableau dans des mains différentes pourrait être possible avec juste des citrouilles. Mais il y a quelque chose pour moi à propos de l'idée de citrouille qui a besoin de plus. Il y a quelque chose dedans et, tu sais, on verra quand je l'aurai. Eh bien, la première chose est, au lieu de juste les citrouilles assis sur le bois, pourquoi ne pas les mettre dans un panier ? C' est un objet familier, dont un puits, la familiarité est bonne, parce que les gens vont s'attendre à voir ce genre de chose. Cela ajoute à l'ensemble de la nature ish garçon de la fille. Il met un peu ces personnages dans un contexte. Cela implique une histoire comme ils ont pu se procurer ce panier quelque part. Peut-être qu'ils vivent dans une ferme. Tu sais, peut-être qu'ils sont dans, tu sais, pays agricole quelque part. C' est un bon dispositif de narration visuelle, ce petit panier. Donc, je suis content d'avoir trébuché sur ça, et sans aucun doute. Je veux dire, je n'ai pas beaucoup de paniers comme ça. Donc, sans doute, j'ai googlé le panier et j' ai vu comment les tissages fonctionnent et puis j'ai essayé de le mémoriser et de le peindre, donc c' est bien. Mais ce n'est toujours pas ce que je découvre, mais ça en fait partie. Ici, je suis soulèvement. Je préfère l'élargissement. Si vous voyez que j'ai choisi le mieux pour l'agrandissement du fond, et je le soulève partout entre 3 à 500 pixels est une bonne étape pour le soulèvement dans des peintures comme celle-ci, Photo shop fait un très bon travail d'interprétation. Vous ne perdez pas vraiment beaucoup comme si vous deviez supérieur comme une photo de 500 pixels. Vous allez certainement commencer à voir quelques photos exaltation, parce que Photoshopped doit faire beaucoup de travail dans deviner les pixels qui ajoute droit, mais dans une peinture, parce que les formes air si aplatis, coloré Photoshopped n'est pas vraiment bon travail de garder croustillant. Et, euh, comme vous verrez ce que je fais quand les choses commencent à devenir un peu mous, j'appliquerai un filtre plus net, et juste un simple est qu'il va le réparer tout de suite. Donc travailler sur le visage de la fille, euh, lui donner la bouche que le monstre avait avant le truc légèrement ouvert. Je crois que je fais ça juste pour qu'ils n'aient pas la même expression et qu'on verra si ça marche. Je crois que je fais ça juste pour qu'ils n'aient pas la même expression et qu'on verra si ça On découvrira que c'est dans ce mode où vous remarquez que je suis déjà passé du visage de la fille . C' est le même genre d'idée où j'ai mis quelques formes. Ça suffit sur le visage de la fille en ce moment. C' est assez pour mesurer ma réaction plus tard. C' est assez pour susciter une réaction de ma part plus tard, donc je suis juste, vous savez, vous savez, bouger autour du tableau. Et dans quelques minutes, je regarderai le visage de la fille et verrai ce que j'en pense et vous savez, sans aucun doute, je vais changer quelque chose. Je change toujours les choses, parfois pour le pire, habitude pour le mieux, mais il y a beaucoup de travail. Par exemple, ce moment, je vais mettre des notes de couleur dans les lèvres et les yeux essaient d'obtenir un peu de chaleur dedans. Leur part est comme l'anatomie de l'œil. J' essaie de penser que les canaux lacrymaux du monstre sont plus rouges et plus noirs comme, tu sais, tu sais, comme on s'attendrait dans la vraie vie. Mais j' essaie aussi de deréchauffer ce champ d'ombre fraîche. Les ombres, évidemment bloquées, sont cool. Si vous pensez à ma vidéo de lumière et d'ombre, ma lumière vidéo couleur en vidéo couleur. Hum, comment le refroidisseur d'air Shadows parce que nous sommes dans une position de lumière du soleil chaud. Donc, les ombres de vous savez, causées par la lumière ambiante du ciel, et telles seront plus fraîches. Mais à cause de l'auvent donnant aux ombres une certaine influence de la lumière rebondissante chaude, j'ai besoin de les trouver. Et c'était, ah, essayer d'obtenir des lumières chaudes là-dedans. Et tout est un équilibre, vous savez, parce que c'est un style très pictural. Iln' y a pas de ligne d'arrivée Riel qu'il n'y a pas de règle qui dit OK, une fois que je suis là, c'est fini. n' y a pas de ligne d'arrivée Riel qu'il n'y a pas de règle qui dit OK, une fois que je suis là, Alors que si c'était comme un rendu littéral, euh, vous avez une sorte de route facile à suivre, ce qui dit, ce qui dit, une fois que ça semble vraiment que vous avez fini, comme une fois que vous l'avez rendu, c' est fait. Mais dans ce cas, je suis en train de rendre dans le sens que je montre de la forme et de la lumière. Mais je n'adhère à aucune norme de réalisme. Je veux que ça soit hyper réel. Je veux que ça ressemble à ce qu'il puisse exister, mais c'est clairement une peinture. Je veux que ce soit un tableau. Je suis là. J' essaie de ramener ce nuage. Je n'ai pas encore lâché cette idée. Je vais me débarrasser de ce est trop. Cela me ramène à une leçon que j'ai apprise d'un de mes mentors, Scott Christenson, qui est un peintre paysagiste fabuleux. Ah, tu devrais le regarder. Scott Christenson, il a été vu, j'ai pris un atelier avec lui, et l'une des choses qui m'a collé de cet atelier, c'est qu'il a parlé de cette chose. Ce concept d'analyse de ce que la peinture pourrait supporter eso mettre dans ce nuage, par exemple, je surcharge la peinture. À mon avis, c'est trop à supporter. Cela rend ce côté supérieur droit vraiment lourd et beaucoup trop lourd pour que ce tableau puisse supporter . Et, euh, c'est une bonne façon d'analyser ce que vous faites à ce sujet comme ça comme si ça avait moins à voir avec. Est-ce que ce nuage a l'air bien ? Comme en soi ? Que ce nuage puisse sembler OK, semble plutôt amusant a des blocs de couleur cool. Mais dans tout le tableau, veut-on regarder en haut à droite ? Non, on veut regarder les personnages. Alors pourquoi aurais-je envie de surcharger ma zone en haut à droite ? C' est Ah, c'est une erreur créative. Je me sens si je vais m'en débarrasser. Je ne suis pas venu. Je ne suis pas encore arrivé à cette conclusion parce que j'ai besoin de temps, non ? Besoin de temps. Mais une fois que je suis arrivé à cette conclusion est parti. Je vais me débarrasser de cette chose. Je vais le laisser tomber comme un sac de citrouilles et c'est ah, ça va disparaître. Et je pense, oui, j'ai mis ça sur une couche. Voilà ma fenêtre de couche. Je crois que j'ai mis ce nuage sur la couche parce que je savais que ce serait risqué. J' avais la prévoyance de savoir que ce serait risqué, donc c'est bien. Je n'ai pas toujours cette prévoyance, mais puis quoi ? Ce que je fais souvent et ce que je fais maintenant me rattraper ici, c'est que je fais une couche pour le nuage. Et puis, bien sûr, j'oublie. J' ai fait ce calque, et je peins tout le reste sur ce même calque, donc je suis le calque devient presque inutile. Mais , au moins, la couche tient le nuage, et il y a ce ciel bleu derrière, donc je pourrai revenir le moment venu. Tu sais, je trouve que Ah, le bon art l'est vraiment. Has est Maura sur le pouvoir de votre prise de décision plutôt que de la technique. Presque là. Tant de techniques que vous pouvez. Chaque peintre peint différemment ou dessine différemment vos dessins différemment. C' est plus sur la prise de décision, comme pouvez-vous prendre de bonnes décisions ? Et combien de bonnes décisions pouvez-vous remettre en arrière ? Parce que dans un tableau comme celui-ci, vous savez qu'il y a d'innombrables décisions, comme, en ce moment, je prends la décision de mettre cette forme jaune sur l'orteil droit, pas de mettre une ombre ici pour y mettre une ombre. Je travaille sans référence, non ? Tout ça sort de ma tête. Donc je suis tout ce que je contrôle. Et c'est à la fois effrayant et exaltant parce qu'il y a beaucoup plus de potentiels, vous savez,réalités potentielles vous savez, pour le désastre. Donc peindre comme ça n'est certainement pas pour les faibles de cœur, mais encore une fois, revenir à la peinture de la vie. Plus vous avez de la vie, il y a cette couche qui l'évalue, plus vous avez de la peinture de la vie, plus l'instinctif mawr, et plus vous êtes, vous pouvez faire confiance à vos instincts quand il s'agit de une bonne prise de décision. Voilà ce nuage. J' ai pris la décision, heureusement, avait sur une couche. Donc tout mon travail sur l'arbre n'est pas annulé. Tu sais, tout est là, et ça va, et j'ai aplati mes couches aussi, c'est pourquoi chaque fois que tu ne vois pas la fenêtre des couches, ça veut dire que je suis juste peinture sur une couche. Donc c'est sympa. J' ai fait des valeurs plus sombres dans l'auvent pour l'avion qui fait face loin de la lumière et qui aide la forme. Il donne à cet auvent un aspect plus dimensionnel que plat. Voici la brosse de superposition Ah avec la couleur jaune vif ou orange vif sélectionnée, et il donne juste un peu d'éclat. Euh, imitant beaucoup de lumière rebondissant. Tu me verras défaire alors que je viens de brosser ces trucs dans un grand aérographe. C' est un grand aérographe, vrais bords souples. Si vous exagérez cela, il semble numérique. Mais, vous savez, mettez quelques coups vers le bas et ça a l'air juste. Et j'essaie juste de voir quel genre de départ je peux me donner en mettant de la couleur là-dedans , pas de la couleur. Obtenir une sorte de lumière rebondissant ambiante entrant, obtenir de la chaleur. Je veux vraiment que ce fils soit agréable et chaleureux dans une couleurs chaleureuses invitantes pour moi. Juste l'air invitant. Et j'aime penser que c'est la chose universelle. Je ne suis pas sûr, mais je pense que c'est parce que le soleil, tu sais, je pense que nous voyons tous le soleil est la même chose. Les couleurs que le soleil produit. On aime tous ça. Tu sais, on est tout ce qu'on désire tous. Chaleur. On n'est pas de sang froid ou quoi que ce soit, , donc quand on associe les couleurs du soleil, je pense aux émotions et aux émotions positives. Et ah, tu sais, plus je peux te rappeler celles de ces couleurs et de ces sentiments. Ou je devrais dire, plus je peux vous rappeler ces sentiments avec la couleur. Ah, en utilisant la couleur, je peux vous savoir que j'aurai finalement plus de succès dans ma peinture. C' est un truc émotionnel que je vais chercher. J' essaie d'aller droit pour tes émotions, juste pour ton cœur avec ça et la couleur est l'une des armes principales que tu as. Et, euh, j'aime la dispersion des arbres. Il y a encore un joli motif. C' est aussi quelque chose qui est très facile à gâcher. Il est très facile de faire en sorte que les arbres ressemblent à des poteaux de but ou à des obstacles, vous savez, ils sont tous des pas. Ils sont tous espacés uniformément. J' ai des groupes d'arbres décents. Ça a l'air aléatoire. Essayez d'obtenir plus de couleurs dans des couleurs violettes. Comme je l'ai dit, c'est la chute en ce moment que j'enregistre ça. Donc je vois toutes ces belles feuilles violettes et vraiment cette incroyable palette de couleurs à l'extérieur. Alors essayons d'obtenir ceux dans ce haletant comme je viens de dire que j'essaie de vous rappeler ces couleurs et j'espère stimuler l'émotion positive, réponse émotionnelle de vous, et la seule orientation que j'ai pour c'est ce qui crée en moi une positivité émotionnelle. Et ce sont ces couleurs. Et c'est pour ça que j'aime tant l'art. C' est pourquoi beaucoup d'art défie l'enseignement. C'est parce que je compte, pas sur les informations académiques. Je compte sur des informations émotionnelles et les combine avec les trucs académiques. Et honnêtement, les trucs académiques sont faciles, comme apprendre à dessiner est assez facile. Vous pouvez apprendre que vous pouvez vous apprendre si vous êtes un débutant en ce moment alors que vous regardez ceci et que vous pourriez regarder ce dicton, je ne pourrai jamais le faire. J' y étais aussi. Je le pensais aussi. Et j'ai trouvé que vous savez, vous pouvez vous rendre à un niveau de dessin compétent, compétent si vous avez travaillé très dur en un an en un an, vous pouvez apprendre à dessiner Ah, et vous pouvez impressionner les gens avec votre dessin. Mais c'est là que commence le vrai travail, car une fois que vous avez le dessin, alors il devient une question de Hey, que voulez-vous dessiner ? Et une fois que vous aurez répondu, vous devez dire , , comment je vais le dessiner ? Comme comment ? Quels outils ? Plus vous avez d'outils à votre disposition, plus vous avez d'options en termes d'expression. Et ma peinture ici est vous savez, il peut aussi être vu comme, ah, ah, toute la vie de cette vie, mais beaucoup d'années de chemins que j'ai pris et de décisions que j'ai prises et vous connaissez mon la personnalité est là-dedans. C' est juste pour ça que j'aime ne sont pas tellement. C' est une chose tellement biographique que vous pouvez en dire autant sur un artiste par son travail. Et c'est la même chose avec toutes les formes d'art avec la musique, avec l'écriture avec, vous savez, l'architecture. Donc ce que je fais maintenant, c'est que j'essaie juste de voir que c'est une meilleure option de couleur que ce rouge. Donc je les sélectionne. Pas de technique spéciale. J' ai juste tracé ces formes, et c'est ah hue saturation. Et j'essaie juste de voir s'il y a un meilleur choix de couleur. Donc il suffit de le glisser jusqu'à ce que je trouve quelque chose que je ne trouve peut-être pas quelque chose. Je pense que j'arrive à cela comme ah version magenta de rouge. C' est un rouge plus frais, à mon avis. Magenta pour moi est une lecture froide parce que c'est plus proche du bleu. Et ce que fait cette lecture froide, est-ce qu'elle donne ? Je ne sais pas. Ça donne une sorte d'intérêt qui n'était pas là avant. Souviens-toi tout à l'heure, je parlais d'avoir trop de réchauffements dans ta peinture. C' est quelque chose à surveiller à nouveau pour toi. Juste pour ne pas belabor ce point, mais pour faire vos réchauffements que vous avez vraiment lu. Assurez-vous qu'ils sont complétés par des refroidissements. Et je ne veux pas dire comme une explosion de tout un tas de bleus dans votre tableau. Mais tu sais, avoir toute une gamme de refroidissements comme ça. Ce rouge magenta est un rouge plus frais, ce qui aide juste à l'orchestration de mes couleurs plus fraîches dans ce tableau. Je suis toujours là, je travaille toujours sur le motif d'ombre de l'auvent. Je travaillerai sur ce motif jusqu'à ce que ce tableau soit fini. En fait, je pense que je suis à la fin de la partie, comme je suis toujours en train de peaufiner que c'est juste un point de Ah, frustration que j'ai avec mon propre art, qui sont ces formes, comme éclaboussé, ombres dispersées des feuilles est tout simplement difficile. Dur pour moi de peindre. Je pense que les films de Studio Ghibli ou Ghibli sont que ce peintre est, ou ceux que ce groupe de peintres ou tout simplement maîtres à cela. Ceux qu'ils aiment aimer leurs affaires avec ces ombres tapissées portent toujours sur ces peintures et s'émerveillent des formes aléatoires sont capables de faire. Il y a encore une chose dont je n'ai pas vraiment parlé. Comme la composition de Faras va. Au moins, je n'en ai pas assez parlé, et c'est le point focal. Le point focal est vraiment la raison pour laquelle vous peignez. Richard Schmid a dit. C' est mieux, dit-il. Si la peinture est une conversation, le point focal est la chose dont vous parlez. Et si la première étape consiste à identifier le point focal de la peinture dans celle-ci, c'est tout simplement simple. Ce sont les personnages, euh, vous en fait, vous pouvez aussi considérer l'auvent comme faisant partie de cela parce qu'ils sont tellement attachés ensemble dans éclairage et aussi dans l'espace que l'air, toute cette zone pourrait être la point focal de cette peinture. Mais certainement les personnages sont et compositionnellement. Tout le point de conduire votre œil autour est que vous voulez le conduire au point focal. Quoi qu' il en soit, c'est vraiment à saisir. Tu sais, il n'y a pas de règles de composition tant qu'il se passe quelque chose de compositionnel que tes yeux déplacent d'une manière ou d'une autre. Hum, c'est le but. Donc, dans ce cas, , je voulais juste m'étendre un peu sur ça. Comment finira par construire un chemin presque. Je vais toujours rester avec cette forme, euh, pour nous amener aux personnages et à l'auvent. Eh bien, vous savez, fournit un peu de Ramsès deux, l'arbre sur la droite, ce qui pourrait peut-être nous amener là-bas. Il y a des voies pour l'œil à suivre, c'est ce que j'essaie de dire et ils ne sont pas encore là . Bien sûr, moment, en ce moment, compositionnellement si nous devions appeler ça fini en ce moment, n'est pas fait dans la composition des personnages. Je veux dire, ils n'ont pas fini non plus, mais si vous regardez le monstre, au moins il arrive à un point où c'est possible. Ah, la fille a juste besoin de détails dans le visage et, ah, dans les bras. Mais le jour, regardez bien, mais le problème est qu'il n'y a pas de construction en place pour nous y rendre comme l'infrastructure n'est pas une infrastructure dans le tableau pour que nous puissions trouver les personnages. , C' est une façon de composer,c'est de faire une sorte de chemin. L' autre façon de composer est une sorte de simplement utiliser la valeur. Contraste. Éclaircir l'obscurité pour frapper le spectateur sur la tête avec votre idée, en mettant quelque chose dans la lumière et tout le reste dans l'obscurité, et c'est assez efficace. Je veux dire, beaucoup de films d'horreur font ça. En fait, beaucoup de films d'horreur font cela pour le Bélier inverse, et ils le font pour cacher les choses. Combien de fois avez-vous vu un film d'horreur où vous savez qu'une créature effrayante est cachée, vous savez, dans la zone d'ombre où vous ne regardez pas ? Combien de fois avez-vous vu un film d'horreur où vous savez qu'une créature effrayante est cachée, vous savez, C' est donc un autre outil de composition qui utilise le contraste. Je n'utilise pas ça comme un outil principal. Ici. J' utilise le contraste, bien sûr, mais pas comme un moyen de vraiment diriger l'œil. J' y vais. Je vais utiliser une sorte d'objets et de valeurs subtiles, une façon za de construire un chemin à travers cette peinture. Et je pense que construire un chemin est un peu plus difficile que simplement utiliser le contraste, parce que si vous utilisez juste le contraste, vous pouvez littéralement avoir parce que si vous utilisez juste le contraste, vous pouvez littéralement avoir quelque chose de vraiment clair sur quelque chose de vraiment sombre et évidemment être digne. J' y vais. Mais le problème avec ce genre de composition, c'est qu'il n'y a pas toujours, ah, marge de manœuvre pour l'œil. Il piège en quelque sorte l'œil où se trouve le contraste, ce qui est bien, mais la méthode du chemin. C' est parfois un peu plus amusant quand ça marche de toute façon, donc c'est une chose importante à considérer sur celui-ci. Et je ferai de mon mieux pour réfléchir à l'endroit où je mets ces objets. Bien sûr, étant numérique, j'ai plein, vous savez, vous savez, marge de manœuvre totale en termes de techniques. Je peux, vous savez, couper les choses, calmer l'homme, les déplacer comme je l'ai déjà fait plusieurs fois dans ce processus. Donc je travaille toujours sur ce seau. Le panier. Je découpe juste quelques formes. temps en temps. Cette technique brushy que j'utilise devient un peu douce pour moi. Ah, les bords deviennent un peu trop mous. Donc, en utilisant l'outil de sélection comme je viens de le faire, puis juste entrer dans une saturation de teinte et, vous savez, faire ces formes sombres sur le panier. Ça me donne ces bords tranchants qui, euh, bien sûr, notre look numérique. Mais dans, euh, bien utilisé, je suppose, ou vous avec parcimonie. En fait, ils ajoutent un peu plus de variété de bords à votre peinture, ce qui est quelque chose qui est bon. variété de bords à votre peinture, Donc aussi, ce que je fais en ce moment, c'est que j'ai un pinceau superposé. En fait, c'est juste un aérographe ordinaire. Et je suis juste aérographe Cem bleu plus foncé a probablement changé cette brosse à un meilleur mode de mélange très bientôt parce que je laisse derrière moi des halos de bleu plus clair dans cette méthode Probablement passé à un pinceau superposé. Oui, on y va. Ah, donc le brossage superposé. Tu vois, je peux juste passer en revue et y mettre un très riche bleu marin. Hum, et la raison en est que je veux que les feuilles d'arbre et l'auvent aient juste un maximum de coups de poing . Vous seriez vraiment étonné de voir à quel point le ciel est sombre ? Un test comment sombre il peut obtenir sur un brillant sur une belle journée d'été. Vous pourriez penser que c'est contre-intuitif, comme le ciel sombre, mais c'est en fait la lumière du soleil qui rend la chose brillante. Je prends des valeurs ici pour voir à quel point cet auvent sort du ciel et des personnages et tout ce genre de choses. Il suffit de voir si les ombres et les lumières sont, vous savez, lire comme des ombres et des lumières et quand vous passez à l'échelle de gris est la meilleure façon de le faire . Bref, revenons à ce que je disais, le ciel est le plus léger de l'horizon. Um, il devient plus léger verdâtre. Bluth Gray. Je ne sais pas. Quoi que vous puissiez voir, mon ciel devient un peu plus turquoise, 9. DigitalPaintingII part08of13: bords pendant que je suis sur le sujet sont une sorte d'idée avancée sur avancé, sorte de sujet de la peinture. Je n'ai même pas vraiment eu d'idée sur les bords avant des années dans mes aventures de peinture. Juste une note de côté. J' ajoute des échauffements dans l'ombre. Voir que pour obtenir un peu de lumière réfléchie rebondissant autour de l'auvent, essayant d'obtenir que chaud là-dedans, mélangeant avec les refroidissements afin que les bords un bord se réfère bien à bien, c'est un simple fait référence au bord du bord du bord de n'importe quoi. Le bord des arbres, le bord de l'auvent, le bord de la lumière et l'ombre le bord de chaque coup de pinceau Les bords sont des bords. Imperméabilisez votre peinture. Chaque fois que vous posez un coup de pinceau, vous laissez derrière vous quatre bords pour les quatre côtés de votre coup de pinceau. Les bords sont partout. Ils sont omniprésents dans votre peinture, et vous devez les contrôler comme vous devez contrôler les valeurs, la couleur et tout reste. Il est très difficile de contrôler les bords, car il y a tellement de gens là-bas. Vous combattez une armée bien plus grande que vous. Quand il s'agit de bords. Um, ils vont descendre. Comme je l'ai dit, chaque coup de pinceau laisse derrière quatre bords. Vous devez trouver des moyens de les rassembler en groupes et de les simplifier comme tout le reste. Simplifiez les bords durs, les bords souples , les bords perdus et , vous savez, peut-être comme votre rasoir bords tranchants durs et doux. Er, aussi variable. Vous connaissez leur comparatif. Donc je vais comme rasoir tranchant, dur, doux perdu, et juste au cas où vous n'auriez jamais entendu le terme perdu EJ. Ce qu'un EJ perdu fait référence, c'est un bord que vous n'avez pas. Vous ne pouvez pas définir où il commence ou se termine. Ça se fond dans quelque chose. Donc cette ombre que je viens de peindre en ce moment je considère que c'est une ombre aux bords doux. J' ai utilisé un aérographe. Ça va créer un bord doux. Um, hard edge serait comme membre et moi dernier. Vous avez outillé ces ombres et les planches là-bas, la première et la deuxième planche la plus proche des personnages. Ce sont des bords durs. Hum, je n'ai pas de rasoir tranchants dans le tableau. Le plus proche que je viens, c'est que les ombres sur ces planches sur le bord supérieur d'eux. C' est presque un rasoir tranchant, parce que j'ai utilisé l'outil de découpe numérique, mais je ne suis pas vraiment allé à 100% de capacité, donc je ne crée pas encore de bords durs numériques, et je ne pense pas que je le fasse jamais. Parce que dans cette technique picturale, rasoir tranchant vraiment, se distingue vraiment comme étant hors de place. Mais les bords sont abstraits, et ce que je veux dire par là, c'est que vous voulez que vos bords contribuent au caractère de votre marque . Mais les bords sont abstraits, et ce que je veux dire par là, c'est que vous voulez que vos bords contribuent au caractère de votre marque C' est pourquoi j'ai tant de types différents de pinceaux. Et je suis très catégorique sur le fait que peu importe les brosses que j'utilise. Peu importe que vous n'ayez pas les mêmes pinceaux qu'Ideo. Vous pouvez télécharger certains d'entre eux. Ce n'est pas que c'est la variété. Je pense que vous avez besoin d'une variété de brosses juste pour vous donner des options dans le département des bords. Vous n'avez pas besoin d'une tonne de pinceaux de texture comme Look, je modifie le bord de la forme de l'ombre en ce moment,en le séparant de, vous savez, en utilisant un peu doux, en utilisant un peu dur. Vous n'avez pas besoin d'une tonne de pinceaux de texture comme Look, je modifie le bord de la forme de l'ombre en ce moment, en le séparant de, vous savez, vous savez, en utilisant un peu doux, Tu n'as pas besoin de tous les pinceaux que j'ai, tu sais ? Tu n'as pas besoin de tous les pinceaux que j'ai, Donc beaucoup de peintres aiment regarder le travail de Craig Mullins. Ah, beaucoup de ça. Il aime comme le pinceau rond, et il est tellement doué pour créer différents effets avec lui qu'il pourrait s'en sortir . Nous ne le sommes pas. Nous ne sommes pas tous à ce niveau, mais, ah, bonne façon de peindre son orteil, avoir différents types de pinceaux à votre disposition. Et je ferai la même chose quand je peins, traditionnellement à la fois dans mon carnet de croquis et aussi quand je suis en studio, d'autant plus quand je suis en studio parce que j'ai plus de temps et vous savez donc plus de choses à ma disposition. J' aurai un aérographe comme si j'avais un aérographe physique. J' ai toutes sortes de brosses à poils différents et brosses à cheveux en sable. J' ai ces brosses en caoutchouc bizarres. J' ai des couteaux à palette. J' ai le bout des doigts. Tu sais, tant de choses. J' ai des conseils Q en studio. J' ai des couronnes au crayon. J' ai des couronnes de cire. J' ai tellement de choses dans le studio. Mon studio traditionnel qui m'a aidé, tu sais, imiter ce que je fais numériquement. C' est vraiment la même poursuite que je cherche. C' est pourquoi j'aime cet outil de taches, en passant, parce que l'outil de taches, si vous posez un coup et puis maintenez votre tablette à stylet vers le bas, vous créez tellement de variétés de bords juste avec un coup de pinceau causer commence dur ish. Et quand la peinture se rétrécit sur le pinceau, vous savez, vous obtenez ce truc de bord doux qui se passe. Donc, vous allez trop dur, trop doux en un coup de pinceau. Et si votre tempérament est comme le mien et que vous pouvez apprendre à contrôler ça, que c'est beaucoup d'outil vaut vraiment son poids en or quand il s'agit de ah, marquer et que je l'utilise en ce moment, vous verrez que J'utilise probablement cet outil pour au moins 50% de ma peinture. Tu sais, si on était en moyenne sur le temps que j'étais et qu'on faisait un diagramme à secteurs ou quelque chose, je dirais que c'est beaucoup trop Will représente probablement 50% de ce tableau. Et bien sûr, j'allume l'option de peinture des doigts en haut. Vous pouvez le voir cliqué dessus. Cela signifie que la couleur que j'ai sélectionnée sur ma palette Ah, mon sélecteur de couleurs sera déposé par l'outil de taches. Si la peinture des doigts n'est pas activée, elle ne fait que tache les pixels qui sont là, ce qui est également utile. Mais je ne l'utilise pas tellement. Essaie les deux. Donc vous savez, entrer dans une petite marque. Et ce n'est pas ça qui veut dire que je suis sur le point de finir. Je suis vous savez, ce tableau prend environ cinq ou six heures. Je ne suis pas proche, mais je vais ralentir les orteils affiner certaines formes. C' est juste un contraste 00. Je triche parfois, et je monte à, ah, ah, ajustement de l'image, contraste automatique ou couleur automatique. Et ce qu'il fait, c'est Photoshopped prend juste sa meilleure idée de ce que vous essayez de faire. Comme si je ne savais même pas quelle photo montrait. Je pense que la boutique photo essaie juste d'utiliser plus de tout le spectre des valeurs. Et quand vous choisissez le contraste automatique et souvent il me donne un peu d'un coup de poing que parfois je manque et ah oui, vous avez vu utilisé l'outil de fondu est généralement boutique photo va écraser le sang, les sombres au noir, et je ne veux jamais ça. Je veux toujours de la marge de manœuvre là-bas et aussi aller orteil blanc aussi, donc je recule toujours un peu. C' est le mode ah, brosse ronde sur multiplier et comme vous vous en souvenez du mode multiplier vidéo de pinceau prend simplement une couleur et assombrit ce qui est là, mais il l'assombrit avec cette couleur. Donc, il le teint vers la couleur de votre palais et l'assombrit. Et c'est vraiment utile parce qu'il vous donne encore un autre type de marque. Il a cet effet aquarelle. Je veux dire, c'est ce qu'est la peinture à l'aquarelle. La peinture à l'aquarelle est comme, Ah, mode multiplier photoshoppé. Il peut seulement rendre votre peinture plus sombre parce que vous peignez des aquarelles sur un morceau de papier et que vous mettez du pigment transparent sur du papier. Donc tu le rends juste plus sombre, vraiment. Et, ah, vous savez, couleur de l'eau est dans un autre médium que je peins exclusivement dans lequel j'aime utiliser. Ah, je veux dire, vous avez vu l'aquarelle dans ma démo de carnet de croquis, mais parfois quand je sors, j'utilise juste l'aquarelle et j'utilise une page légèrement plus grande et un chevalet plus grand et l'aquarelle est juste une tonne de plaisir . Donc ce que je fais ici, j'ai ma brosse d'esquive linéaire, et je suis oui, je le rends plus léger, mais remarquez comment je laisse aussi ce bord saigner. Je laisse ce jaune influencer les bords extérieurs. Voyez ce que je fais là. Je le fais briller dans l'ombre. Je le fais aussi briller dans la lumière. Je crée cette sorte d'effet de fleur. C' est un terme numérique cette lumière Pensez à ah, pensez à, ah,photo haute exposition. C' est un terme numérique cette lumière Pensez à ah, pensez à, ah, Cette lumière va briller, tu sais ? Et ce que fait la lueur, il faut une surface légère dedans. Ça disperse juste un peu la lumière autour. C' est vous qui obtenez ce nous et l'aérographe sur Dodge linéaire. L' humeur est une façon parfaite de capturer ça. Et ce que cela fait, c'est qu'il souligne la force de la lumière, surtout dans l'ombre. Si vous regardez l'auvent dans l'ombre sur la gauche, remarquez comment il est plus riche, plus rouge et plus léger, Um, plus près du bord jaune, c'est une chose classique qui se passe dans l'ombre quand Il y a beaucoup de lumière rebondit autour. Vous obtenez ces ombres vraiment brillantes et, , pendant que je parlais, j'ai peint un peu plus de formes d'ombre dans l'auvent juste pour l'affiner. Je vais rester avec ce rouge ou je suis désolé, Magenta comme rouge pour les rayures ah. Alors j'ai décidé d'aller avec elle sur la petite forme e frazzle soudain avec son manteau sur l'auvent. C' est juste qu'il sort du ciel un peu plus que ça, alors qu'y avait-il avant ? Tu le remarqueras quand j'utiliserai des pinceaux. Je ne colorierai pas. Je ne suis pas comme colorier dans les lignes. Je ne suis pas super propre. Les formes d'auvent que je viens de peindre sont un bon exemple où vous pouvez encore voir la sous-peinture qui était là autour des bords. Et cela vous donne juste cette qualité imprévisible, cette chose charismatique que je pense pictural qui est, eso endémique à l'aspect pictural. C' est pour ça que je l'aime tellement. C' est mystérieux, vous savez, vous ne compactez jamais le type de marque que vous allez utiliser. Et quand on regarde un autre tableau pictural que quelqu'un d'autre a fait, on peut juste se réjouir, tu sais, de la joie des éclaboussures de couleurs et de bords et de toutes ces choses qui, tu sais, ils n'ont pas vraiment créé exprès. Mais ils ont un processus qui facilite ça, et j'adore ce regard, je suis obsédé par ça. C' est ce que je poursuis dans mon art personnel et maintenant dans mon art professionnel. Une fois que j'ai commencé à faire du freelance que l'une des choses que je me suis dit était, je vais essayer de viser des projets qui me permettent de peindre comme j'aime peindre, vous savez, vous savez, parce que j'ai travaillé pour des studios pendant des années. Et quand vous travaillez pour le studio, vous devez peindre dans le style du projet, est-ce pas ? Et je vais te dire une chose. Il est très peu et loin de trouver un projet qui vous permet de peindre comme ça. Peut-être que dans le département du concept, vous pouvez obtenir de la peinture, mais dès que vous renirez même la production, ce sera surtout à la télé. Ça va être beaucoup de lasso numérique, découpé des formes. Tu sais, ces papiers pointus comme des graphiques que je viens de faire à mort. Je faisais ça pendant des années, et ça m'a donné un beau respect pour les graphismes. Je veux dire, j'ai beaucoup appris sur les formes graphiques qui font ça, mais c'est arrivé à un moment dans ma carrière professionnelle. J' avais l'impression de stagner, et, euh, j'étais et, euh, euh, aussi presque de perdre un peu de passion et peut-être même de s'aggraver à l'art parce que tout ce que j'ai fait, c'est que je me présentais au travail pendant huit heures et que je peignais de cette façon que je ne faisais rien. ne voulait pas peindre. Et quand je suis rentré à la maison, j'ai juste senti que la vapeur avait disparu. Tu sais, j'essayerais de peindre à la maison, mais c'était plus dur, comme si j'avais toujours eu un bon niveau d'énergie quand il s'agissait de peindre. J' ai toujours été quelqu'un qui pouvait rentrer à la maison et peindre, même si je viens de peindre de 9 à 5 ans au travail. Mais mes peintures à la maison comme si je ne pouvais pas sortir du mode de forme graphique, la chose numérique et, euh, je, vous savez, éloignais de plus en plus de cette méthode picturale. Et je suis heureux d'être de retour maintenant que maintenant que je travaille en freelance depuis environ trois ans maintenant et ça va de plus en plus bien, je me lance enfin sur des projets qui me permettent de peindre de la manière que j'aime peindre. Donc, tu sais, on était à Jing ici. J' espère que c'est excitant pour vous. Parfois, regarder des peintres est ah mieux que des somnifères parce que le plaisir dans le processus de création m'appartient. Tu sais, c' moi qui m'amuse à peindre, euh, et ensuite le spectateur. Une fois la peinture terminée, le spectateur obtient de s'amuser à regarder, je pense que regarder le processus de création. Ah, mec, ça pourrait être dur. J' admire vos patients là-bas. J' espère que je le fais Je veux dire, je fais certainement de mon mieux pour faire, tu sais, remplir cette chose avec des informations et j'essaie de ne rien retenir ici. Je travaille juste sur ces arbres. Formes des formes de membre de l'arborescence. Ah, le laïc est rarement bon. Dans tous les cas, dans tous les domaines. Une partie de la pose de ces arbres était grande. Mais, vous savez, sur les arbres sur la gauche a dû être largement retravaillé. Ah, et c'est pour la forme. La forme est dessinée par la façon dont la forme est interchangeable. Se retirer. Quand je dis forme, je veux dire dessin. Et quand je dis dessin, je ne veux pas dire avec des lignes. Je veux dire avec des formes. Je veux dire, je pose des coups de pinceau qui adhèrent à certaines formes, et c'est identique à ce que tu fais quand tu dessines avec un crayon. Lorsque vous dessinez une ligne avec un crayon, vous délimitez une forme en définissant ses bordures. Lorsque vous peignez, les bordures sont invisibles. Vous mettez la valeur que vous aimez remplir la forme avec de la couleur, donc c'est un dans la même. Ça vient juste de deux façons différentes. Un autre sujet intéressant que Teoh évoque est une sorte de ce qui vous motive à peindre un tableau, Hum, et qui est séparé de l'étude. Ce qui motive l'étude est juste le désir d'améliorer le désir d'améliorer votre métier et d'augmenter le vous savez, la quantité d'outils dans votre boîte à outils. C' est ce que l'étude est et vous pouvez dépenser. Tu peux rester coincé là. Tu sais. Vous pouvez passer beaucoup de temps à penser que vous avez juste besoin d'éducation mawr ou plus d'études pour compléter vos compétences, plus d'outils, toutes ces choses. Et vous savez, tout cela contribue à ce sentiment de, vous savez, qu'il n'est pas encore prêt. Mais l'autre, le contraire est une fois que vous plongez dans l'illustration, c'est-à-dire, vous savez, quelque chose comme ça, est-ce qui vous motive à faire une photo ? Tu sais, qu'est-ce qui m'a attiré sur ce sujet ? Et c'est encore une fois, cette sorte d'idée abstraite de l'endroit où se trouve l'art et où votre personnalité entre en jeu, vous ne connaissez personne. n'y a pas de manuel qui dit, Tu sais, une fois que tu as les compétences, tu devrais faire une photo à ce sujet. C' est tout ce dont il a besoin pour venir de l'intérieur de vous. Donc, le mieux que je puisse faire est de parler personnellement. Ce qui me motive, c'est de me souvenir d'une époque où, où, avant d'être adulte, j'ai de bons souvenirs de mon enfance. Et ce dont je me souviens tant, ce n'est pas, tu sais, choses exactes que j'ai faites. Je veux dire, j'en ai quelques souvenirs, mais c'est plus que le sentiment que j'avais quand j'allais jouer dehors, il y avait quelque chose comme illimité dans l'énergie que j'avais et, vous savez, en effet l'énergie que vous voyez dans Enfants et il juste juste cette belle chose que nous perdons quand nous grandissons. Et vous pouvez, j'aimerais penser que vous pouvez contrôler le montant de ce que vous perdez. Ou du moins je pense qu'il est inévitable que tu perdes quelque chose. Je veux dire, tu ne peux pas grandir en croyant que le Père Noël est vraiment ta vie entière. Ça fait de toi un fou. Mais tu te souviens de ce que c'était quand tu pensais que le Père Noël était Riel et que les monstres étaient Riel. Et tu te souviens de quoi ces émotions t'ont amené à agir. Et une chose qui, hum, hum, qui me motive, c'est que je me souviens de ces sentiments Riel. Eh bien, comme je me souviens, ah, beaucoup d'imagination. Comme, faire croire des trucs qu'on a aimés. Je me souviens avoir pensé qu'une lampe pilote dans mon four était une chose maléfique et qu'on jouait Ghostbusters. On doit aller piéger, comme si je me souviens avoir pensé comme savoir même quand j'étais si jeune que la lumière du pilote dans le feu du four n'était pas un démon maléfique. Mais je me souviens que ça n'avait pas d'importance si je pouvais me convaincre en ce moment que c'était Riel et que c'est quelque chose qui est encore un adulte. Tu perds ça et des orteils atteignent le but ici. Mon illustration. Habituellement, quand je suis à mon meilleur, je pense, c'est quand je canalise ce genre de mémoire en moi-même, et je le mets sur le campus et il peut venir sous n'importe quelle forme et comme si vous regardez n'importe quel tableau que j'ai jamais fait avec ce personnage de monstre vert. Il est une sorte de métaphore pour cette période de nos vies où tout était crédible. Um, juste les réglages. Je peux mettre ce personnage et il semble pouvoir me prendre en tant qu'artiste. Il semble être capable de m'emmener sur ces chemins de mémoire qui, ah, sont plus difficiles à troter autrement, donc c'est juste un peu qui me pousse. Et c'est une autre chose fascinante dans l'art, c'est que chaque artiste est différent. Tout le monde a une personnalité qui est différente et qui est un est comme un conteneur. Pour ça. C' est loin. C' est plus vraiment un vaisseau pour ça. C' est une façon de le laisser sortir et de dire aux gens Orly montrer aux gens comment vous pensez des choses ou comment vous voyez les choses. C' est pourquoi je suis tellement obsédée par ça, parce que non seulement je peux vous montrer un beau rendu de lumière, de couleur et de choses dont j'ai déjà parlé, mais je peux montrer aux gens, vous savez, je peux Rappelle-leur peut-être, de quelque chose à laquelle je pense et que je qui est important pour moi, et il est important pour moi je trouve un peu triste quand un nouvel enfant imaginatif grandit et perd que je ne pense pas grandir est triste qu'un tel Justin dans sa vie, c'est inévitable. Hum, on doit grandir, mais je pense que si tu perds, tu sais toutes ces choses qui faisaient chez tes enfants. Si vous perdez la mémoire de ça comme si facile à dio, moins dans lescultures occidentales, cultures occidentales, je pense que c'est une tragédie. Et, euh, tu sais, ma peinture. Au moins, une partie de cela est un désir de se souvenir de ces trucs. Donc c'est un peu ce qui, vous savez, canalise beaucoup de ces photos. Et c'est quelque chose dont je ne parle pas trop souvent. Je laisse les photos parler pour moi. Bien sûr, c'est tout le point de l'art est que l'art parle pour vous. Euh, mais parce que je suis dans une partie de cette illustration où il n'y a pas grand-chose, je suis juste en train d'arracher certaines choses. Je croyais que j'avais un peu expliqué ça. Donc, en parlant de l'illustration, maintenant ce que je fais quand je viens de dire que je me moque de petites choses. J' en ai assez pour mâcher. Et, euh, j'ai besoin de faire monter les choses au niveau de la peinture. Alors rappelez-vous comment j'ai dit plus tôt que je veux toujours être dans le bloc en phase ? Eh bien, c'est toujours vrai, mais le bloc en phase évolue et grandit au fur et à mesure que la peinture grandit. Donc c'est une sorte de chose que vous suivez à travers toute la peinture et vous ne perdez jamais de vue le bloc en phase. Mais, vous savez, les coups qui importaient au début sont maintenant trop simples pour les coups dont j'ai besoin Maintenant, vous savez, Maintenant, je dois regarder des formes plus petites comme ces lumières tapissées sur le citrouilles. Je dois commencer à penser à ces petites formes. Pas parce que ce sont des détails. Ils ne sont pas détaillés. Ecoute, je suis encore en train de zoomer. Je ne le suis pas. Je n'ai jamais dit que je n'allais jamais zoomer aussi près, peut-être une ou deux fois, mais , euh, je suis toujours supposé, donc je ne considère pas que ce détail fonctionne. C' est juste que les formes deviennent un peu plus petites, peu plus concentrées, un peu plus réfléchies, et vous pouvez voir que je défais beaucoup. Je suppose que c'est un autre outil que j'utilise et, vous savez, Dieu merci pour le numérique pour le bouton Annuler. Je travaille traditionnellement tout le temps, et personne ne le fait. Mais quand je suis en numérique, Aiken fait vraiment appel et être spécifique à mes exigences sur les coups de pinceau qui descendent. Donc, tu sais, tout défaire. J' ai indûment mappé au stylet de tablette wakame. Pour ceux d'entre vous qui possèdent le calme, vous savez que le stylo doit aimer un interrupteur à bascule. Vous pouvez le pousser vers l'avant ou le pousser vers l'arrière pour deux boutons différents. J' ai indu réglé sur l'interrupteur à bascule avant. Donc, quand je maintiens le stylo, mon index est juste automatiquement sur ce bouton avant. Donc, le défaire ça arrive juste naturel pour moi. Je peux juste, tu sais, pousser mon doigt vers l'avant. dit J' aiditque tu sais, je n'étais pas très content de cette citrouille au premier plan. Et je ne cesse de faire allusion à cette chose que j'ai encore à découvrir dans cette illustration, et honnêtement je ne me souviens pas quand je la découvre. Ça pourrait être dans le coin maintenant. On dirait que mon cerveau pense à quelque chose et voyons. Voyons si c'est maintenant que vous savez probablement ce que c'est. Je veux dire, tu as vu la finale maintenant. Vous le savez probablement. Je pense que c'est ça. Je commence à penser à ce premier plan, et je commence à penser comme, hé, hé, peut-être qu'il y a un peu d'espace perdu ou peut-être pas de gaspillage d'espace. Peut-être qu'il y a une occasion manquée à ce premier plan. Ils l'ont remarqué. Je m'arrête beaucoup. Vous pouvez voir mon pinceau s'arrêter littéralement pendant que je pense que je m'arrête pour penser et, vous savez, je vais me classique. Je retourne à d'autres domaines du tableau quand je pense et je vais juste, ah, je vais ah, laisser l'énergie circuler à travers le pinceau et, vous savez, apporter toutes les contributions et les coups de pinceau à la peinture. Mais ce que je fais vraiment dans les coulisses, je pense à ce qui peut se passer au premier plan ? Qu' est-ce qui a besoin de Teoh ? Vous savez que je peux le faire pour maximiser l'espace dans cette illustration, parce que sinon je vais juste le recadrer si je gaspille de l'espace, je vais juste découper ça. Et cette illustration ne traverse pas beaucoup de cultures. Au tout début de l'esquisse en couleur, il est passé d'un horizontal à un vertical et généralement certains. Pas d'habitude, mais parfois cela arrive souvent. Tu sais que je vais passer de l'horizontale à la verticale. recadrage est trois ou quatre fois dans la même peinture. Ce n' est pas inhabituel. Alors on y va. J' ai décidé quoi faire de ce premier plan. Au lieu d'avoir les étagères où sont descendues les citrouilles, j'ai décidé de rendre la perspective un peu plus large. Et rendons le sol. Cela ressemble à une idée simple, et c'est le cas, mais cela ouvre vraiment cette illustration. Ça me donne beaucoup plus de choses à faire que de peindre des citrouilles. Il donne également le sens de l'espace plus si vous regardez ce que je fais maintenant dans cette image, par rapport à l'esquisse de couleur sur la droite, remarquez comment les croquis de couleur presque un peu trop plat, comme c'est Tout est trop dans ton visage, alors que celui-là, j'ai un peu de profondeur. Si nous avons une perspective honnête à Dieu ici, Um, juste en Um, ajoutant ce plan au sol, je peux qu' il invite, Meteo, j'ai presque l'impression de pouvoir entrer dans cette photo. Je me sens vraiment maintenant, comme si je me tenais devant ces deux personnages et je les regardais. Voici ma première idée. S' il y a un avion au sol, qu'est-ce qu'il y a au sol ? S' il y a un avion au sol, qu'est-ce qu'il y a au sol ? S' il y a un avion au sol, Et je pense immédiatement à la marelle d'un enfant. Je vis que mes voisins sont trop jeunes, jeunes filles, et ils dessinent toujours à la craie ces trucs de marelle dans le jardin. Et c'est tellement génial de voir que j'aime quand la craie reste là pendant des jours. Donc, tu sais, je ne l'ai jamais fait. C' est un gamin parce que pendant que je n'ai jamais joué à la marelle et j'ai besoin d'une référence donc je l'ai googlé . Et vous savez, j'ai probablement enregistré une ou deux de ces photos basées sur celles que j'aimais, et je les mettrai. Je vais le mettre. Je vais peindre ça parce que je pense qu'avoir un truc de marelle sur le sol c'est celui que j' aime le plus. Je pense qu'avoir un truc de marelle sur le sol, ça raconte une histoire sur qui sont ces personnages. Donc non seulement cette photo sur ce qu'ils font en ce moment, vous savez, par exemple, vendre des citrouilles, mais c'est le truc de marelle sur le sol qui vous donne une idée de ce qu'ils aiment faire et cela vous donne des idées sur qui ils sont. En dehors de cette image, il ouvre tout un monde potentiel qui est devenu crédible. Et c'est une histoire. C' est une narration visuelle. Pour ceux d'entre vous qui ont déjà étudié la critique cinématographique ou la recherche cinématographique ou, vous savez,l' étude du film,la narration visuelle est un terme couramment utilisé dans le cinéma. Pour ceux d'entre vous qui ont déjà étudié la critique cinématographique ou la recherche cinématographique ou, vous savez, l' étude du film, Et ce que ça veut dire, c'est , c' que tu le sais déjà. C' est raconter une histoire juste avec des visuels seuls sans mots. Donc, vous voyez quelque chose et vous êtes immédiatement dans votre cerveau commence à comprendre juste cause d'un signal visuel rapide, et c'est une chose vraiment forte. Donc, dans un tableau, il n'y a pas de contexte comme un film est un beau médium parce que vous pouvez créer des films contextuels comme deux heures de long pour que vous puissiez créer. Vous pouvez aimer, avoir comme un wagon rouge et créer un sens dans ce wagon rouge. Et à la fin du film, tout ce que vous avez à faire est de montrer au public une photo d'un wagon rouge, et ils sentiront bien toutes ces choses. Dans un tableau. Tu n'as pas ce luxe. On n'a pas deux heures de vidéo. On te montre juste que je te montre une photo. Donc, pour moi, narration visuelle peut se produire dans des objets qui sont identifiables, comme la marelle au sol. On l'a tous vu, tu sais, on ne l'est peut-être pas tous. Nous n'avons peut-être pas tous de filles. Je veux dire, je n'ai pas de fille, mais j'ai vu des petites filles jouer et des garçons. Andi, je sais que c'est ce que les enfants aiment dio, et je sais que je tire juste des conclusions émotionnelles. Quand je vois un truc de marelle sur le sol, j'ai immédiatement non, c'est un enfant qui a fait ça. J' adore l'écriture de l'enfant. Si vous regardez l'image de référence là-bas, j'adore comment c'est clairement un gamin qui a fait ces boîtes et écrit ces chiffres. Hum et, euh, c'est juste amusant. C' est quelque chose que je veux apporter à mes personnages ici. Je peux juste les imaginer jouer à la marelle et ensuite peut-être s'ennuyer après quelques heures de jeu et décider qu'ils veulent ouvrir un stand de citrouille et ensuite courir à l'intérieur et demander leur mère la permission et le réglage, vous savez, Peut-être que leur père aide à s'installer. Ah, cet auvent et tu sais qu'ils ont des citrouilles. Ils ont acheté des entreprises au dépanneur en bas de la rue. C' est l'histoire qui commence à se jouer dans ma tête. Et une fois que ça commence à jouer hors de ma tête, je sais que j'ai quelque chose qui vaut la peine d'être gardé, alors qu'avant je savais que j'aimais la photo avant. Mais je veux dire, j'ai dit autant de la fin de la clé de couleur, mais il y a quelque chose à ce sujet. Alors que j'ai commencé à peindre la finale au fur et à mesure que j'ai commencé à investir des heures dans le processus, il y avait quelque chose qui manquait. Et encore une fois, je suis contente de faire cette narration après le fait, parce que pendant que je peignais, n' est pas le cas. Ce n'est pas comme si je pouvais. Ce n'est pas comme si je pouvais exprimer ces pensées. Ce n'est pas comme si je peignais je pensais , qu'il manque quelque chose, mais c'était un sentiment. C' était juste ce sentiment bizarre et vide que je manquais une opportunité pour quelque chose, et ça remonte à l'intuition, dont j'ai parlé auparavant. Et l'intuition est quelque chose que vous ne pouvez pas enseigner. Tu ne peux pas. Vous ne pouvez pas aller à l'école pour l'intuition intuition a tout à voir avec l'expérience et l' action dans les situations dans lesquelles vous allez vous mettre. Donc, vous savez, j'ai traversé des milliers de tableaux. Je sais ce que ça fait à chaque étape et quand quelque chose ne va pas. Tu sais, à mes débuts, je n'ai peut-être pas été capable de comprendre ça. Mais maintenant, quand quelque chose ne va pas, je sais juste parce que c'est un sentiment que je peux identifier. Donc, l'expérience obtenir vous-même de l'expérience si vous êtes un débutant. Ah, si vous êtes nouveau en peinture, ma suggestion est de commencer à peindre. Ne vous inquiétez pas de lire des choses dans les livres. Hum, allez dehors et peignez et vous commencerez à construire ce répertoire de sentiments et vous serez en mesure de savoir ce qu'ils signifient. Donc je mets cette mise plus en détail ici sur le personnage de fille, hum, hum, quelque sorte décider d'avoir ses bras enroulés autour de la citrouille là-bas et juste jouer avec un peu de lumière. La lumière frappe son bras, comme la lumière frappe le personnage du monstre. Donc sa tête jette une ombre sur ses épaules, puis le reste de son avant-bras est en lumière, donc je délimite ces ombres et ces formes de lumière . Je décide ce que je fais ici. C' est Ah Oh, aiguiser. Ce sont les outils d'affûtage, l'outil d'affûtage intelligent. En fait, si vous jouez avec intelligent aiguisé, il vous donne cette boîte de dialogue, et vous pouvez simplement composer un degré d'affûtage de base. Jouez avec ces deux-là. Ah, des curseurs. Juste développer une partie du monstre un peu plus entrer dans un peu de raffinement. J' hésite à utiliser le mot cause de détail pour moi détail. Quand je dis détail de peinture, il semble invoquer des images d'images comme zoomer et peindre comme de petits poils un à la fois. Eh bien, j'essaie de ne jamais faire ça. Au lieu de cela, j'ai un pinceau que j'appelle la brosse à cheveux , assez bien , et c' , vous savez, est, vous savez,il y a trois ou quatre petits poils de pinceau sur eux, et quand je peindre avec elle, il me donne l'effet des poils, et cela fonctionne très bien, surtout quand vous le combinez avec Ah, vous savez, vous savez, direction de votre tablette. Vous pouvez définir la direction à changer avec votre brosse. Alors on y va. Je viens de recadrer le campus. J' ai ajouté plus d'espace alors que ce que je vais faire est que je vais sélectionner les pixels inférieurs et juste les transformer et les faire glisser vers le bas. J' ai juste besoin de plus d'espace au sol pour cette idée de marelle. J' aime aussi avoir plus de terrain. C' est juste que ça t'aide à t'attirer. Aide à attirer votre regard dans la peinture plus. Euh, mais bien sûr, parce que j'ai étiré ces pixels, j'ai besoin que Teoh modifie ça. Donc, je viens juste d'avoir une petite brosse de petite taille brosse et juste de remplir quelques lacunes. Juste un peu ici, un peu de texture qui descend. Beaucoup de défaites, non ? Juste, euh, développer le palais en cueillant des refroidissements et des réchauffements. Remarquez que le sol est agréable car il est déjà obtenu quelques harmonies de couleurs en cours avec un pâturage subtil. Réglez les gris bleutés à côté d'un pâturage plus chaud orangé. Ici, je peins avec un gris verdâtre sont en fait une sorte d'ultra principale, ultra marine, gris bleuâtre. Je trouve des utilisations potentielles pour beaucoup de différents types de gris, et puis quand la bonne chose est à nouveau, je l'ai dit avant, Mais quand vous travaillez à partir de gris, vous trouverez que vous avez beaucoup de place pour ajouter tous les types de couleur plus saturée. Je peux ajouter plus de blues. Je peux avoir plus de violets comme avait plus d'oranges ou de rouges. Et parce qu'ils sont basés sur une base de pâturage, ils commencent tous à paraître appropriés, comme si vous pouvez les tisser un peu plus facilement parce que le dénominateur commun est les gris dans lesquels ils fondent tous. Alors que si je commençais ce tableau avec de l'orange dur, il serait très difficile de mettre un bleu là-dedans parce que le bleu aurait l'air si contrasté à côté des oranges, ou c'est quand vous commencez à partir de gris, vous pouvez aller n'importe où parce que le gris est proche de tout, donc c'est une bonne technique. , c' Le danger de commencer Gray, c'est que tu ne t'étends jamais assez loin, donc je vais m'assurer d'utiliser toutes sortes de trucs. Je veux dire, une partie de ça est juste de regarder à nouveau essayer d'avoir de nouveaux yeux sur la peinture. Mais vous pouvez aussi, hum, faire des tours photoshopped, et vous me verrez faire quelque chose où je vais dans l'image, ajuster les variations et vous me verrez choisir des variétés Photoshopped de différentes couleurs et tu me verras. Vous verrez comment je les appelle. J' en parlerai plus quand tu me verras le faire. Donc si c'est un trottoir, dessinons peut-être des lignes de perspective pour le trottoir. trottoirs sont parfaits parce qu'ils ont ces dalles de béton. Et entre chaque dalle. Une petite ligne aide à établir une perspective. Je joue juste avec l'idée de, ah, ligne horizontale et vous savez, vous verrez cette zone aride subir beaucoup de changements aussi, comme tout le reste. moment, je développe juste ce que je pense que le dessin pose juste quelques textures de En cemoment, je développe juste ce que je pense que le dessin pose juste quelques textures de différents types de couleurs sur le trottoir parce que rien dans la vraie vie n'est jamais plat. différents types de couleurs sur le trottoir parce que rien dans la vraie vie n'est jamais Si vous regardez la référence, imaginez ce trottoir dans la référence, regardez toutes les différentes teintes. Je veux dire, je vois dans cette référence que je vois des verts gris vers le bas. Je vois de grandes oranges vers le bas, et c'est très similaire à ce que je peins. Dans ma version, je peins dans certains des, euh en fait quoi ? Ce ne sont pas des lumières. Ils ressemblent à des lumières en ce moment, mais ce seront des feuilles. Pendant que je marche dehors, je peins ça. Je veux dire, vous savez, entre je n'ai pas peint ça en un seul coup. Comme je l'ai dit, entre tableaux. Vous savez, je vais faire un jogging en allant dans un dépanneur pour acheter du pain ou quelque chose, et je vois beaucoup de feuilles sur le sol, et j'ai remarqué comment elles s'accumulent près des bords du trottoir parce que je suppose que c'est des gens marcher. Ils les ont balayés. Donc je veux mettre ce réalisme dans ce tableau. C' est quelque chose que j'aurais probablement pensé si je ne sortais pas pour l'observer de la vie. Vous seriez étonné par la quantité 10. DigitalPaintingII part09of13: une chose que je pense qu'il est important de répéter. Et je sais que je l'ai déjà dit en termes différents, c'est que vous voulez garder une qualité de l' inconnu dans votre travail parce qu'il garde vos idées fraîches. Je pense que j'en ai parlé surtout quand j'ai commencé. Comment je disais que même si j'ai fait le croquis couleur, vous voulez toujours laisser place à l'amélioration ? Je veux juste dire, je ne vais pas développer un peu cette idée. L' amélioration vient de l'inconnu. Si vous savez exactement ce que vous êtes censé faire dio, alors le meilleur que vous pouvez éventuellement dio est de répondre à vos attentes. Mais si vous venez plus, plus aveugle, il n'est même pas vraiment ouvert est juste plus aveugle. Vraiment. Vous venez avec, genre, une ouverture pour embrasser des choses que vous ne savez pas vont arriver. Donc, cela m'a conduit dans ce cas juste pour citer un exemple spécifique, cela m'a conduit à découvrir le panier sur lequel je travaille en ce moment, ou le terrain, Ou que vous savez quelle composition ajustée récit. Tu sais, le sol m'a amené à découvrir l' , idée de marelle,c'est tout ce qui n'était pas dans le croquis. Et si j'avais copié dogmatiquement le croquis, ils ne seraient pas en finale. Mais, je veux dire, je dirais, et j'espère que vous conviendrez que la finale est beaucoup plus convaincante que le croquis. Je pense que la finale a tout ce qui était bon dans le sketch. Il a pris l'essence de l'horaire. Tout ce qui travaillait dans l'humeur du croquis, c'est le cas. Mais elle a aussi profité du processus d'exploration de l'inconnu. Et je pense, comme quand tu dis, comme explorer l'inconnu, ça peut sembler un peu trop Ah, vag un ésotérique. Mais, euh, j' espère que je vous ai donné un exemple réel de ce que ça veut dire. Dans ce cas, je suis allé à gauche certaines choses inconnues, même si j'ai prévu. Mais je n'ai pas planifié, et c'est quelque chose dont tu as vraiment besoin. Votre travail personnel à garder. Votre travail personnel est un havre de paix pour cette raison, parce que lorsque vous travaillez pour un client, vous ne pouvez probablement pas le faire. , Parce qu'un client,un client, vous savez, ils vous payent leur argent, qu'ils ont besoin de savoir de mon expérience. Et j'ai travaillé pour des studios petits et grands. Ils ont besoin de savoir que ce qu'ils payent va marcher parce qu'ils l'ont fait. Ils ont des investisseurs, ils ont tout ce qu'ils ont des projections et des dates d'échéance. Et qui sait quoi d'autre, n'est-ce pas ? Prédictions du marché. Je n'ai plus d'homme d'affaires. Donc, euh, ils ont toutes ces choses et ils vous ont engagé pour être une arme à feu, et vous devez tirer cette arme et vous devez être sur la cible. Donc, tu sais, embrasser l'inconnu. Personne n'a le temps pour ça dans le monde des affaires. Donc, euh, encore une fois, encore une fois, tu as besoin de ton travail personnel comme ah, j'ai appelé ça un havre de paix. Certains l'appellent une aire de jeux. Vous savez, insérez votre propre métaphore préférée ici, mais c'est pour ça que c'est si important. Et je vais vous dire par expérience personnelle que le meilleur travail que j'ai jamais fait n'est pas mon travail commercial. C' est mon travail personnel. Je veux dire « mieux ». Je veux dire, j'essaie toujours de peindre au même niveau de qualité. Ce n'est pas comme si ma qualité augmentait ou diminuait lorsque je passais de clients à non clients, mais c'est l'esprit d'exploration que je trouve si frais dans mon travail personnel qui manque parfois dans mon travail commercial. Juste pour ces raisons où l'environnement et le travail commercial ne sont pas créés égaux comme, ah, il n'est pas créé le même, je devrais dire comme ah dans votre travail personnel, parce que ici dans ce croquis je peux échouer, et c'est tout à fait bien. En fait, c'est probablement une bonne chose si j'échoue parce que ça veut dire que ça renforce le fait que je n'ai encore rien maîtrisé, et que tu ne maîtrises jamais rien. Si vous savez, si jamais vous pensez avoir quelque chose maîtrisé, c'est une preuve assez concluante que vous ne le faites pas, euh, euh, parce qu'il y a toujours des façons différentes de faire les choses, toujours des idées différentes pour explorer. Tu ne seras jamais à court. Donc, vous savez, j'espère que la raison pour laquelle je passe tant de temps sur ce genre de discours plutôt que de vous dire quelles couleurs je choisis, c'est parce que c'est vraiment ce qui galvanise l'œuvre d'art. Ce n'est pas le fait que je peins avec la couleur orange. C' est juste accessoire, qu'il y a des trucs personnels. Je vais parler. Je veux dire, il y a certainement beaucoup de sections de cette classe qui parlent de couleur, et vous savez, les barres latérales que nous faisons. Et si tu regardes mes autres vidéos, elles parlent aussi de couleur. Mais je pense qu'il est plus important de comprendre, comme, l'élan derrière. Mais pourquoi faites-vous ça ? Tu sais pourquoi ? Pourquoi je m'asseyais et peignais ça ? Et plus important, ou peut-être aussi important que ça, c'est ce qui me fait avancer ? Je veux dire, ce tableau dure six heures, qui, dans le grand plan des choses, n' est pas si long. Je veux dire, six heures plus. Je l'ai fait. J' ai fait cette illustration pendant, je crois, trois jours. Donc, vous savez, deux heures par jour, peut-être, peut-être, hum, pas tant que ça. Parfois, je le fais dans deux jours. Parfois, je vais faire une illustration de six heures en une journée. Je vais juste prendre une pause déjeuner entre les deux. Sur les illustrations parfois air plus court. Mais tu sais, qu'est-ce qui te fait traverser ça ? Parce qu'à ce stade, je suis à un moment dans cette illustration où beaucoup de gens peuvent juste s'ennuyer et abandonner. Euh, peut-être pas. Peut-être qu'ils s'ennuient avec l'idée ou là ils s'ennuient avec le processus de rendu ou ils s'ennuient avec qui sait quoi. Peut-être qu'à ce stade, les échecs dans l'illustration commencent à s'accumuler. Alors que j'essaie de cultiver des succès, je peux aussi cultiver accidentellement, vous savez, les échecs, échecs, sens, sens, comme parce que j'ai toutes ces formes sur le en ce moment. Il y a tant de décisions. Tu connais la décision de ce à quoi ressemble le monstre, quoi le gamin est en forme. Tu sais, la composition, ces choses que je pourrais chercher en numérique. Je peux le changer n'importe quand. Mais tu sais, ça étourdit le processus. Quand vous devez retourner au sol zéro et le changer, c' est dur. J' essaie de ne pas faire ça. Que c'est cela qui entrave mon éthique personnelle de travail. Mais toutes ces décisions qui ont été prises peuvent commencer à céder. Ah, tu sais, déception. Peut-être que s'il y a si vous prenez beaucoup de décisions qui ne plaisent pas vraiment, vous savez ? Et euh, je pense qu'une partie de votre intuition et de votre évaluation de votre travail, vous devez être capable de commencer à remarquer l'impact de toutes ces décisions que vous prenez sur formes, les couleurs, les lumières et la composition. Tu sais, toutes les choses dont on parle. Je parle de tout cet air, de toutes les décisions que vous prenez. Droit. Hum, tu dois être capable de les regarder et de les évaluer. Et, si vous êtes si leur vous décevait, alors vous savez que vous êtes dans un endroit. Je n'appellerais pas ça des ennuis, mais tu es dans un endroit où tu dois dire, accord. D' accord. Je peux le réparer ? Je peux, tu sais, droit à ce train et remettre ça sur les rails ? Ou est-ce que c'est parti trop loin ? Je peux juste jeter la serviette et, tu sais, appeler ça un échec. Et n'ayez pas peur d'utiliser le mot échec. C' est bon. Tu es un artiste. Tu es censé échouer. n'y a pas de bon artiste qui n'échoue jamais. Ah, ça s'appelle la médiocrité. Si vous n'échouez pas ou si vous avez peur d'échouer. Vous savez, je pense que l'un des locataires d'être un bon artiste est que l'échec est que vous devez relier le terme échec à ne pas être négatif. L' échec n'est pas une chose négative. C' est en fait une chose positive parce que c'est tant que vous en apprendrez. Je veux dire, c'est classique ce que les trucs d'entraide. Mais, tu sais, échec est quelque chose qu'ils sont Teoh t'aider à t'analyser et c'est un miroir qui te montre et tu bouges de là. Vous savez, si vous réussissez tout le temps, c'est juste une entreprise impossible à commencer. Personne, tu ne peux pas faire ça. Hum, donc ça finit mon Harang là-dessus. Retour à la peinture. Je suis lâche. Je regarde, mais je n'ai pas vraiment regardé moi-même. Alors que je faisais ce discours, je regardais loin de l'écran. Hum, donc je pense que ce que je fais ici, c'est je suis dans les petites formes. Je masque quelque chose. Je ne suis pas sûr de ce que je fais. Probablement des ombres. Je suis je l'ai remarqué que quand je suis allé sur ce discours là pour le dernier quoi, 10 minutes. J' ai fait beaucoup de travail sur le pinceau et, comme l'ombre tachetée, certains de ces coups de pinceau, bien que je sais ce que je fais. J' essaie de trouver un modèle pour le voudrait du bois vert, tu vois ? Donc je ne fais que composer dans l'obscurité. Il y a juste pour le faire allusion. Mais alors je n'aime pas tous les bords durs que j'ai créés, donc je vais revenir avec, um C'est peut-être un outil ou peut-être un pinceau. On dirait que j'ai une brosse à cheveux. Et j'essaie juste de briser ces bords. Il y a ? C' est beaucoup jusqu'à ce que, bien sûr, mon préféré. Allez à J'aime cet outil beaucoup Si vous ne l'avez pas déjà compris, et je vais vraiment décaler Juste décaler ces bords. L' outil de tache est idéal pour le contrôle EJ car il peut encore créer des arêtes dures, puis il se rétrécit à des bords souples. Vous savez, si vous travaillez juste la même zone comme poser votre stylo et frotter la même zone, cela créera un bord doux là-bas. Donc, vous pouvez aimer adoucir les bords vraiment efficacement. Et je trouve ça juste sur les bords. Désolé que tu vois ce que je fais ici. Donc, ce sont des ajustements d'image, des variations. C' était hors écran. Je m'excuse. Image ajuster les variations et il vous donne cette fenêtre et il vous donne juste différentes options de couleur comme plus lire plus vert, plus magenta, peu importe. J' ai choisi plus de jaune que je ne vais le frapper. D' accord ? Et puis ce que je fais, c'est que j'ai la couche, ça. C' est un masque de couche. Si vous inversez ce contrôle, j'essaie de le trouver dans le menu, ce qui est futile parce que je ne connais pas les menus. Um, ouais, je cherche l'inversion. J' ai trouvé que c'est oh, inversé. Ce qui signifie que j'ai tourné le masque de calque noir, ce qui signifie que rien ne s'affiche. Maintenant, je vais chercher un aérographe et peindre dans le masque de couche. Je peins du blanc. Vous remarquez que là où je peins en blanc, il révèle le jaune jaune là-bas. C' est mon chat mewing. Tu pourras peut-être l'entendre. , Ce que je fais,c'est que je vais aérographe là où je veux cette variante jaune, et je choisis, tu sais, je vais faire l'intuition ici. Je le choisis autour du monstre. Fondamentalement, j'ai remarqué que je le fais autour de la zone de composition comme où la forme de demande est, euh, c'est là que je choisis de mettre ces tons jaunes. Et c'est juste dans l'intérêt d'éloigner cette chose du monochrome. Juste une de mes tendances. Quand je travaille numériquement, j'ai tendance à garder l'espace colorimétrique trop rapproché. Casillas. J' éteins et sur ce calque lorsque je bascule ce calque, vous pouvez voir qu'il ajoute juste un peu de richesse au palais comme un peu de punch, comme l'illustration était déjà là. Vous pouvez voir ce que fait mon masque de calque. L' illustration était déjà en cours. Cette direction est juste que l'ajustement m'a aidé dans l'illustration traditionnelle. Je vais combien de fois il suffit de charger mon aérographe avec une couleur vraiment saturée, comme une orange ou quelque chose, et juste commencer à pulvériser dans les zones où je veux le faire juste pour renforcer une couleur forte et traditionnelle. Donc je pense que vous savez que la plupart des techniques que j'ai utilisées numériquement sont analogues à des trucs analogiques. Donc, vous savez, juste ajuster les formes et remarquer. Le campus a été renversé, ce qui est quelque chose que je continue à faire tout le temps. Il est possible de s'habituer à l'état inversé, alors ne le faites pas trop souvent. Vous savez, tout ce que je veux dire, il n'y a pas de règle, évidemment , mais vous savez, toutes les 5 10 minutes, retournez la toile, peut-être plus pour moins. Il suffit de composer la peinture dans certaines , j' textures subtiles dans les arbres, j'en ai perdu quelques-unes. Ces marques obscures qui éclatent les arbres viennent de les rétablir. Ils se sont perdus quelque part le long de la ligne. Et c' est une autre chose avec laquelle tu dois être à l'aise. Et la méthode picturale est  : Ah,  : Ah, les choses se perdront. Les choses que vous faites au début, vous le ferez, euh ils seront emportés à mesure que plus de brosses descendent. Et, vous savez, je déplore une partie de cela alors que j'ai lavé cette peinture évoluer, il y en a quelques-uns. Il y avait quelques zones, comme, en fait, la zone en peinture en ce moment. Ces petits pompons, ils étaient vraiment forts au début. Ils avaient un peu comme ce cool, jaune sous la peinture qui montrait à travers qui est perdu maintenant. Et ah, c'est quelque chose que je n'ai pas remarqué pendant que je travaillais. Et j'aurais aimé que je l'aie conservé un peu plus. Euh, il y avait une marque très sympa, comme , accidentelle, , accidentelle,qui faisait leur que j'ai peint. Tu sais que ça arrive, et tu dois être au courant. Tu sais, tu ne peux pas tout suivre, mais tu commences à ah, non. En fonction de vos propres tendances, vous commencez à savoir ce que vous risquez de ruiner au fil du temps. Et Ah, donc ce que je fais ici, c'est que je te montre quoi ? Je ne veux pas faire de dio là-bas. Tu ne veux pas faire ça. Je ne veux pas créer de lignes. Je veux être plus intelligent avec la façon dont je montre les textures de citrouille. Je veux créer l'effet de ces lignes que nous sommes tout ce que nous attendons tous à voir dans une citrouille, ces vallées rayonnantes que les citrouilles ont. Euh et, euh, je fais juste une petite façon de faire ça en ce moment. Ce n'est pas encore bon, mais parfois , vous savez, vous vous souvenez que vous pouvez travailler dans ce tableau. Parfois, il aide à le poser trop fort, puis à y travailler et à l'adoucir. Et c'est ce que je fais ici. C' est un peu trop fort en ce moment. La chose que j'ai contre les lignes et la chose que j'ai contre ce qu'il y a maintenant sur la citrouille du milieu il y a ? C' est trop semblable à ennuyeux. Ces lignes sont toutes les mêmes. Le même bord se produit dans les quatre lignes, et ils sont toutes les quatre lignes sont uniformément placées, et cela crée vraiment une zone ennuyeuse et parce que c'est répétitif. Il attire l'attention sur lui-même parce que la répétition de cette citrouille crée un contraste avec le nôtre répétitif de l'ONU des autres choses. Donc, vos yeux ont dessiné un contraste. Donc, si elle voit une forme répétitive parmi ah, champ de formes non répétitives, elle va aller à la forme répétitive. Ça va aller au contraste pour que la citrouille échoue en ce moment. Mais, euh, je suis au courant. Je suis certainement au courant. Je saute juste autour de la peinture comme si tu le remarqueras toujours. Je pense que l'une de mes forces est que je ne suis jamais réparé. Et c'est quelque chose que je fais Naturellement, je ne suis jamais réparé. J' ai appris à le faire naturellement. Je ne me fixe jamais sur une partie du tableau. Certains d'entre vous pourraient être frustrés à ce sujet étaient comme, pouvez-vous commencer à vous concentrer sur un domaine ? Mais non, je suis désolé. Je ne me concentre jamais sur un seul domaine. Ici, j'élargis encore le campus, donnant plus de place aux pieds, hum, récolte. C' était un peu comme si j'en avais besoin pour le prochain truc de marelle. Je regarde celui-ci maintenant, et j'aime les différentes couleurs, donc je pense que je vais essayer. Je le mets sur une nouvelle couche parce que c'est risqué. J' aime vraiment la peinture du trottoir. Comme si j'aimais la texture bâtie. Je n'ai pas de trucs. Donc, ce que je fais est que je suis juste modifié mon pinceau à craie pour avoir une texture plus granulaire et choisir une couleur forte. Et je vais essayer d'y aller. C' est sur une couche, donc il n'y a pas de risque. Tu sais, le seul risque, c'est le temps. Et c'est très bien. Parce que, tu sais, c'est mon travail personnel. J' ai tout le temps que je veux, euh, essayer de peindre ce truc. Je pense que c'est la première fois que je peins. Ah, planche de marelle. Alors j'essaie de comprendre comment un enfant le dessinerait. J' essaie de préserver ça, tu sais, le dessin de Kilter faussé. Droit ? Tu sais, les boîtes ne sont pas tout à fait des boîtes. Ce sont plus de polygones qui essaient de préserver cette idée. Et bien sûr que je l'ai fait. Ah, euh, je suis passé à ou autre chose d'aussi classique. Comment je pense, tu sais, maintenant je suis de retour au bureau Koch. C' est incroyable. Je me vois travailler comme ça On dirait qu'un schizophrène travaille sur ce tableau. Mettre des notes de couleur. Je pense à colorier dans les boîtes avec du blanc. Je pense que cela aidera les choses à se démarquer. Si je fais ça, c'est ce que je pense à nouveau. Merci pour les couches. Ah, je m'appelle Mawr. Je suis moins avertie au risque quand je l'ai sur la couche. Tu sais quelque chose comme ça. Comme, si cela ne fonctionne pas et indique une alerte spoiler, cela ne fonctionne pas. Ceserait très douloureux si j'avais ça si je n'avais pas ça sur une couche parce que, tu sais, regarde à quel point je peins sur mon trottoir que j'aime tant, et alors ça pourrait être un échec d'approche. serait très douloureux si j'avais ça si je n'avais pas ça sur une couche parce que, tu sais, regarde à quel point je peins sur mon trottoir que j'aime tant, Mais honnêtement, c'est numérique. On a des couches, tu sais. Utilisons-les. Parfois, je ne suis pas opposé à l'utilisation du numérique pour ses forces. Je me sens tellement coupable parfois que j'utilise des techniques qui ne sont pas disponibles pour moi. Ah, sur un espace analogique que j'ai parfois l'impression de devenir mou si j'avais utilisé trop de couches. Mais dans ce cas, c'est je pense, la seule fois où je suppose que quand j'ai peint ce nuage, j'ai utilisé une couche. Mais, euh, c'est l'une des seules fois où j'utilise une couche pour des raisons prudentes. Et c'est ma façon préférée d'utiliser des couches dans mon travail personnel est pour des choses comme ça qui pourraient ne pas fonctionner. Et en fait, celui-là me bouscule pendant un moment. Comme vous le verrez ici l'outil de taches juste briser certains de ces bords numériques. Ces marques de pinceau numériques, je dois dire, pinceaux numériques un répétitif, Rappelez-vous, ce ne sont que des timbres. Donc, si vous utilisez le même pinceau, il commencera à mettre vers le bas nous répétitif. C' est quelque chose que vous devez constamment vous battre en numérique. Quoi qu'il en soit, cette idée de marelle me bouscule car elle me fait allusion pendant un moment. Parce que pendant que j'ai quelque chose d'assez cool en ce moment, je ne vais pas gâcher ça. Je veux que tu penses pourquoi ça ne marche pas. Si vous revenez à la vous connaissez l'illustration finale. Si vous regardez la finale, vous remarquerez que ce n'est pas le cas. Ce n'est pas celle-là. Et, euh, ça reste dans le tableau peut-être une heure après ça, une heure après ça, mais je veux que tu essaies de penser, qu'est-ce que ça ne marche pas ? Nous vous laisserons cette question et nous y reviendrons plus tard. Mais de toute façon, en gardant le moment ici, j'aime les chiffres. J' aime la note. J' essaie d'être un peu fastidieux avec le dessin de ceux que j'essaie d'imiter la main d'un enfant. Tu sais ce que j'aurais dû faire ? J' aurais dû le dessiner avec ma main gauche. Je le fais tout le temps, en fait, parce que j'illustre beaucoup de livres pour enfants. Une chose qui arrive beaucoup et les livres pour enfants est le dessin d'enfant sur papier et vous en tant qu' illustrateur, vous devez dessiner des enfants dessin. Donc, ce que je fais, je viens de passer à ma main gauche. Quand je fais ça, je ne l'ai pas fait ici. Je ne sais pas pourquoi j'aurais dû. Mais, euh, passer à votre autre main avec laquelle vous ne dessinez pas, naturellement, est le moyen parfait d'imiter le manque de contrôle qu'un enfant a, et vous pouvez réellement découvrir comment un enfant obtient comment les enfants obtiennent leur genre de marque intrinsèque. C' est à cause d'un manque de contrôle. C' est drôle, même si c'est encore très difficile d'imiter la liberté mentale, juste l'élasticité de l'esprit d'un enfant. Je veux dire, c'est une belle chose. L' esprit d'un enfant. Rappelez-vous Ed Catmull racontait une histoire dans son livre Creativity Inc. À propos de laquelle je recommande à tout le monde, au fait, euh, qu'il était allé à une exposition d'art et que c'était l'exposition d'art de sa fille de sa fille. Et c'était, je pense, jardins d'enfants à la cinquième année ou quelque chose comme ça, une période d'âges, certains quelque part dans cette gamme. Et il a dit que, ironiquement, les jeunes enfants dessins comme autour de la première année, deuxième année, leurs dessins étaient en fait mawr expressif et plus intéressant que les enfants plus âgés, parce que par quand les enfants ont grandi, ils sont devenus assez vieux pour dire que ce qu'ils dessinaient n'était pas assez réaliste, comme s'il s'agissait d'une sorte d'objectif déclaré. Donc ils hésitaient à être créatifs, et ils essayaient de faire des choses qui, comme ils pouvaient faire, tu sais, où sont les jeunes enfants ? Ils étaient tout simplement sans entrave. Ils l'ont laissé lâcher, et nous sommes extrêmement créatifs, et j'ai pensé que c'était une étude de cas intéressante de l'esprit et vous savez ce que cela signifie d'être créatif. Donc voici un zoom arrière zoom arrière aperçu de, ah, du tableau de marelle. Maintenant ce nom que je vais nommer la couche juste pour que je sache ne pas peindre dessus sait que je l'ai verrouillé aussi. Donc, je ne veux pas faire l'erreur de peindre trop là-dedans. Lera. Je veux que cette couche reste sacrée, et je la bougerai comme ça. Peut-être le mettre au milieu. Peut-être incliner la couche plus tard. Je ne sais pas pour l'instant, ce que c'est, et il y a quelque chose qui ne va pas. Et encore une fois, la question qui vous impose est ce qui ne va pas. Qu' est-ce que c'est ? C' est faux. Et la réponse n'est pas la visite. Seulement quatre carrés. Je me suis arrêté exprès parce que je savais que quelque chose était éteint. Je vais le garder pendant un moment, remarqué. Tu sais que c'est sur la couche, mais je sais ce que ça veut dire. En fait, il ne sait pas. Mais j'ai l'impression que ce n'est pas bien assis. Ça ne fait pas ce que je pensais faire, et je ne pense pas que ce soit un échec de l'idée d'un tableau de marelle. C' est un échec de la façon dont je l'ai fait. Comment ont exécuté sur elle ? Donc, je passe aux feuilles. J' ai mon pinceau à feuilles, ce qui m'aide à obtenir des formes libres. Remarquez à quel point ils sont répétitifs, mais c'est OK, parce qu'avec la puissance de l'outil de salissure et d'autres brosses, je vais , vous savez, déréglementer ces formes et les changer mating ici, je suis comme ajouter quelques notes de couleur à elle . Certaines tiges que vous connaissez ont bien fonctionné, et je vais, vous savez, assurer que ces feuilles ont leur propre caractère aléatoire. Ces feuilles courent le risque du problème de la citrouille, qui est les formes répétitives. Je pense que s'il y a une lacune intrinsèque du cerveau humain quand il s'agit de créer de l'art, est-ce que notre tendance dans notre juste désir inhérent de créer de l'ordre ? Je veux dire, c'est que je ne suis pas philosophique. Je suis déjà devenu philosophique. Qui je plaisante ? Mais, euh je veux dire, c'est que je peux voir à quel point c'est un instinct de survie de créer de l'ordre dans le chaos. Mais quand il s'agit de créer un tableau qui fonctionne vraiment contre vous, vous le savez, partie de votre compétence en tant qu'observateur en tant que peintre est celle d'un observateur d'un éditeur passionné . Vous modifiez constamment votre travail, et, et, hum, c'est ce qui revient à l'idée de l'échec. Vous ne pouvez pas proclamer quelque chose comme un échec à tôt, parce que tant que vous n'avez pas donné un coup juste pour être un succès, pour devenir un succès, vous ne devriez pas le juger. Je veux dire, par définition, mes tableaux ont tous les échecs de la porte parce qu'ils ne sont pas, vous savez, je n'ai pas encore résolu tous les problèmes, et c'est vraiment facile. Je pense que vous avez tous été entendu, le terme « étape laide ». Vous avez entendu ça, comme quand les gens disent, Oh, vous savez que vos peintures passeront par une scène laide. Je pense que c'est vraiment une chose, et c'est un peu comme les étapes de l'échec. C' est la partie de la peinture où vous pourriez être le plus susceptible d'abandonner parce que vous pourriez assimiler la scène laide à l'échec artistique et vous abandonnerez et encore. n'y a rien de mal à renoncer à jeter dans la serviette et à commencer sur une peinture différente . J' en ai fait des centaines ou peut-être des milliers de bien sûr, euh, mais la seule chose que tu devrais faire c'est avoir la force de le voir pour voir l'idée. Donnez-lui une bonne secousse. Donnez à cette idée une chance de passer d' un vilain canard à un cygne. Et, euh, tu sais ce tableau, tu peux atténuer ça un peu avec la planification, comme je l'ai fait dans ce processus où tu sais, j'ai fait la clé de couverture et tout ça. Ça aide un peu. Ça me donne la tu sais, connaissance quetu sais, je suis, j'ai une bonne idée, mais encore une fois, une bonne idée entre de mauvaises mains ou même dans la bonne. Et parfois une bonne idée peut devenir ennuyeuse si vous n'exécutez pas bien et encore une fois, l'exécution de cette image finale n'est pas liée à l'exécution de la vignette. Ce sont deux bêtes différentes. C' est une peinture à haute altitude, Finn ça va être fini dans le sens où tout va être arrangé . Et le croquis de couverture était tout simplement inachevé. Personne ne voulait regarder ce croquis et dire : Oui, Oui, c'est un tableau fini. Et personne n'est censé voir ce croquis. C' est juste pour l'artiste. C' est juste pour nous. Tu sais, si je n'enregistrais pas ça, tu ne le verrais jamais. Et je ne le fais pas, même si je ne fais pas ces croquis tout le temps. Je l'ai fait pour vous ici à cause de ma peinture numérique. Une autre vidéo de peinture numérique. Je ne fais pas de croquis. Je viens juste d'aller tout droit avec, euh, explorer sur un plus haut comme explorant le tableau final. Et je travaille à la peinture de la même manière, mais sans le filet de sécurité de savoir ce que je fais. Et c'est aussi une chose effrayant. Mais tout cela fait partie intégrante du processus artistique jusque dans des générations d'un même processus. Vraiment ? On dirait qu'on ralentit un peu, ce qui veut dire que je pense à quelque chose. Probablement en regardant ce truc de maquereau, pour être honnête. Ouais, ouais. On y va. cacher, le déplacer, le mettre à l'échelle Il peut être un pro. Je pense que j'essaie de le biaiser ici. Je ne suis pas sûr, mais quelque chose n'est pas assis avec moi parce que vous savez que je vous ai montré dans le passé ici que si j'ai une fois, j'ai une couche et je fais quelque chose à elle et j'aime ça. Je vais aplatir cette couche et commettre correctement, je vais m'y engager. Donc ici, j'ai fait un ah, une couche au-dessus, et je lui ai donné un masque de coupe. Si vous faites un clic droit et dites créer un masque d'écrêtage. Il accroche ce calque à celui qui est en dessous. Ce qui signifie simplement que tout ce que je fais n'affecte que le calque en dessous. Donc je peins ces ombres. C' est seulement peindre des ombres sur le plateau de marelle et pas sur le trottoir. C' est ce qu'on appelle un masque de coupure. Vous, Ah, berceau air, clic droit et dites créer un masque d'écrêtage et il dessine cette petite flèche. Et tu sais, j'essaie de comprendre ça. J' essaye de lutter contre le travail des orteils de marelle. Alors je mets. Je suis genre, peut-être qu'il a juste besoin d'ombres tachetées pour que ça marche, et ça ne le fait pas pour moi. Ça aide. Je veux dire, ça aide à l'intégrer. Une partie de la raison. Je pense que ça ne marche peut-être pas, et je ne vais pas encore donner la réponse, mais je pense que sur une note stratégique, je peux être intégré trop tard dans le processus. J' avais quelque chose qui fonctionnait sans ça, et puis j'ai essayé de lutter contre les orteils là-dedans et, euh, je pourrais essayer d'insérer une cheville circulaire dans un trou carré ou quelle que soit cette expression. Um, avec ce truc de marelle. Bien que je le fasse, à la fin trouver un moyen que je pense fonctionne. Ce n'est pas cette année. Je suis Ce que je fais maintenant, c'est que je crée juste un peu d'effet de vignette. Je vais multiplier, multiplier, aérographe, et je crée juste des bords plus foncés autour des coins. Comme vous pouvez le voir, j'en ai trop fait, mais c'est un classique. Euh, presque. Je pense que les photographes dans la chambre sombre sont venus avec ça où ils avaient une vignette vignette sur les bords de leurs photos et ce qu'il fait juste ça dissuade le I d'y aller. Il vous amène dans le tableau dans le plan de l'image. Ok, ça crée un contraste. Vraiment. Il rend le milieu de la peinture plus léger et les extérieurs plus foncés. Euh, j'ai mon pinceau préféré appelé vieux bois, et c'est ah, donne-moi ces très gentils, comme au hasard, comme au hasard, vraiment la chose la plus proche que j'ai d'un pinceau aléatoire. C' est vraiment difficile de prédire les marques que la brosse va baisser. Bien que si vous peignez en grande partie avec elle. Peindre de grandes couches avec elle est très répétée. Mais si vous peignez des petites marques comme ça, c'est vraiment assez aléatoire. Donc je l'utilise juste pour, Ah, créer un peu juste, vous savez, ramener un peu de texture parce que encore, ramener un peu de texture parce que encore, comme je l'ai dit tout à l'heure, vous perdrez de la texture pendant que vous travaillez. C' est normal. Tu vas perdre ça. Tu perdras de la texture. Vous perdez de la valeur. Non, tu vas juste peindre des choses et perdre ce qui aurait pu être bon avant. Mais je trouve que lorsque vous faites ça quand vous peignez quelque chose qui était bon avant et vous le ramenez, il peut parfois être plus fort parce que vous l'avez fait en couches. Vous l'avez approché en couches. Donc encore à évaluer, évaluer que vous tolérez. J' espère que vous pourrez lire mes pensées ici. Quand tu regardes la vidéo, tu peux me voir penser à ce truc stupide de maquereau, et je n'ai pas de solution pour ça. Et je pense que ce que j'essaie de faire, c'est d'essayer de me convaincre que c'est bon. Ça met quelques faits saillants sur le matériel de vol là-bas. Si l' un d'entre vous a porté ces paniers avant, vous savez qu'ils ont ces horribles poignées en acier qui mangent dans vos doigts. Ah, et l'acier a une propriété ah, vraiment brillante dans le point culminant. Et pour créer cet effet de lueur. C' est juste, ah, l'aérographe sur esquive linéaire. Si vous revenez en arrière, vous verrez l'aérographe linéaire esquive utilisé là vraiment agréable pour créer des lueurs comme ça. Donc ici, en découpant l'auvent, je pense que ce que je vais faire remarquer que je coupe dans les ombres. J' ai oublié cette zone d'ombre il a créé une couche en mode écran, qui est un moteur de foudre Vous pouvez juste voir. Je l'ai rempli avec un seau de peinture. Hum, changer le mode de couleur. C' est une lumière douce. C' est assez doux maintenant, ouais, juste changer la couleur avec laquelle il est rempli. J' essaie juste de créer plus de, comme une lueur effusive ou une suffuse de lueur sur. Ça, puis même tour. Faire un masque de calque, le rendre noir afin que rien ne s'affiche à travers. Ensuite, prenez un pinceau n'importe quel pinceau que vous voulez et peignez des blancs dans le masque de couche, et il révèle que l'ajustement révèle la couche. Vraiment amusant. Une façon de travailler à nouveau. Totalement un truc numérique. Techniques visuelles, pas un truc. Je veux dire, vous utilisez toujours l'œil d'un peintre et l'artisanat. Ce n'est pas comme je dirais, un truc c'est quand Photoshopped fait mieux pour toi. C' est tout à fait l'artiste. Euh, l'outil des artistes. La seule fois où j'ai utilisé une boutique photo comme un truc , c'est parfois que j'irai à , Carey. Je vérifie juste les valeurs. Vous pourriez voir le problème ici avec le tableau de marelle. Hum, le seul problème avec, euh désolé. La seule chose que je fais avec Photoshopped avec tromperie est parfois que je vais à la couleur automatique ou au contraste automatique , et je vais juste utiliser c'est comme un freebie pour Photoshopped. Teoh, donne-moi plus de couleur ou quelque chose comme ça. Ah, surtout dans les premiers stades. De toute façon, jouer avec ce stupide truc de marelle, peut-être l'assombrir. Quand je suis passé à Gray Scale, j'ai remarqué que sa valeur était comme consommée avec le monstre et l'auvent. Il a créé trop de formes d'île, donc j'essaie de l'ajuster. Cela fait partie du problème majeur avec Ce n'est pas toute l'histoire, mais ça en fait partie. Donc vous remarquez que j'essaie juste de faire tomber. J' ai fait un masque de calque et je peins en noir dans le masque de calque pour en cacher des parties maintenant. Donc, le contraire de ce que je faisais avec les autres trucs de couche essayant de le cacher. Je pense que le blanc auquel les blocs blancs sont remplis contribue à trop d' éclairs de valeur. Certains remarquent que je peins à l'intérieur des blocs, mais maintenant ça a l'air moche, comme si ça ne voulait pas travailler comme ça. Ces chiffres ont l'air vraiment bien quand ils sont au-dessus de la craie blanche. Donc c'est toujours ça me dérange encore vraiment. Je suppose que c'est pour ça que cette vidéo, je pense que la chose dont je suis le plus fier, c'est que vous voyez les erreurs qui sortent les erreurs. Voyez-vous les parties 11. DigitalPaintingII part10of13: habituellement quand je peins, hum, mettre de la musique ou ah, podcast ou un livre audio ou quelque chose comme ça. Et quand je me suis assis pour enregistrer ce tableau, la première chose que j'ai fait en fait, c'est que j'ai essayé de le raconter en direct. Je n'avais jamais vraiment essayé ça avant, part de simples démos, comme j'avais l'habitude d'enseigner dans une université locale ici, et j'ai fait beaucoup de démonstrations de peinture en direct devant la classe, tu sais, c'était un cours physique. Et les démos que je faisais là étaient, vous savez, choses très simples, comme je rendais ou je souffrais de la composition d'objets géométriques ou quelque chose pour démontrer des principes fondamentaux et des choses. Je n'ai jamais essayé une illustration comme celle-ci. Je n'ai jamais prolongé ça en direct parce que,comme vous pouvez le voir, c'est un tableau de six heures. Je n'ai jamais prolongé ça en direct parce que, comme vous pouvez le voir, c' C' est un peu compliqué pour un cours, non. Euh, mais je pensais que je pourrais juste, vous savez, prendre l'expérience que j'ai eue à l'école, un professeur montrant des peintures simples et peindre en direct, vous savez, frapper un record et faire tout ça vivre la peinture et parler en même temps. Et ah, c'était un désastre. Je ne pouvais pas faire l'un ou l'autre correctement. La peinture le méandait. C' était une idée totalement différente de celle-ci. Hum, la peinture était sinueuse comme si rien n'était ensemble. Hum, les choses n'étaient pas saines sur le plan de la composition. Tu sais, juste le dessin n'était pas bon. Les formes n'étaient pas bonnes. Tout était comme un pas inférieur à mon standard habituel de qualité. Et en plus, le discours que je faisais était qu'il y avait beaucoup de pauses ? Il y avait beaucoup, genre , indécis, vous savez, mots et des phrases qui doivent revisiter les choses. J' ai beaucoup dit juste pour les corriger. Et j'ai aussi remarqué que je mettrais beaucoup de temps en pause parce que je veux que nous nous concentrions sur ce que je dis. A cause de ce que je dis est très important pour moi. Je veux parler clairement. Et, vous savez, je ferais beaucoup de pause, et puis ce n'était pas bon, parce que la peinture traînait encore et encore. Je suis arrivé au point où j'étais dans trois heures, et je dois juste tirer la prise dessus. Et c'était une sorte de révélation de soi intéressante que, tu sais, je ne savais pas que je ne pouvais pas faire ça. Je pensais que je pouvais. J' ai vraiment pensé que je pouvais le faire parce que je l'ai fait, Ah, version réduite de ça dans mes cours physiques. Donc je veux dire, je n'ai vraiment aucun intérêt à partager l'histoire autre que, tu sais, juste, ah, enseigner. Préparer ce matériel m'a appris quelque chose sur moi-même, et c'est ça. Tu sais, je dois compartimenter mon esprit quand je fais ça, même s'il s'agit d'écouter des podcasts et autres choses. Je pense que beaucoup d'entre vous, quand vous avez dessiné de la peinture, vous aimez probablement l'audio ou la vidéo sur le côté, juste quelque chose à nourrir dans le côté vide de votre cerveau. C' est juste en dormant pendant que vous peignez. Est-ce le bon côté qui est engagé pendant que vous peignez ? Et puis tu as besoin que je pense que tu as besoin de quelque chose. Tu sais. Le côté gauche est totalement ouvert pour que vous puissiez le nourrir avec d'autres informations, et je pense que c'est vraiment cool. J' ai beaucoup d'amis qui sont, vous savez, vous savez, écrivain ou de musicien ou ah, vous savez, ils ont des emplois créatifs comme moi, mais là où j'ai un avantage, c'est que je peux le faire. Je peux mettre du matériel supplémentaire et prendre des informations, des histoires ou quoi que ce soit pendant que je travaille. Alors que si tu es écrivain , , tu ne peux pas vraiment faire ça. Tu ne peux pas mettre un film et essayer ça. C' est probablement impossible. Donc je pense que si vous êtes peintre, vous avez une bonne affaire où vous pouvez tuer deux oiseaux avec une pierre. Comme je l'ai dit, jetrouve toujours intéressant ce que les gens font pendant qu'ils peignent. , Comme je l'ai dit, je Pour moi, c'est Voyons voir, je dis Podcast Pour la première chose que je dirais si je devais faire un graphique à secteurs, 70% seraient des podcasts et ils vont de toutes sortes de Teoh, vous savez, comme des trucs comme cette vie américaine ou quelque chose comme ça. Podcast philosophique de Teoh, podcasts d'arts martiaux trop mixtes. Je suis aussi un grand fan de ce sport . Podcasts de films de tout et de toutes choses. , Tu sais, j'étais obsédé par les céréales quand c'était à son apogée l'an dernier, et j'écoutais juste. Mettez-le et peignez. Et j'adore que je passe par des podcasts, tu sais, je viens de les engloutir. Les films sont une seconde chose avec les films, c'est que je ne peux pas vraiment regarder un film parce que, tu sais, mes yeux sont sur le tableau. Mes yeux sont physiquement collés ailleurs. Donc, mais ce que je fais est que si vous mettez sur un film que vous savez déjà, vous pouvez, vous pouvez trouver que vous pouvez le regarder à nouveau et gagner un type différent d'appréciation pour ce film juste parce que vous êtes expérience expérience. C' est juste du point de vue audio, et toi, ton cerveau connaît déjà les visuels. Si vous connaissez bien le film, il est assez intéressant d'avoir une perspective différente sur certains de vos films préférés. Et, euh, je pense que ce que j'aime dans tout ça, c'est que tu puisses nourrir ton cerveau sous tous les angles. Tu sais, peinture est un angle, et ça prend la moitié de ton cerveau. Mais alors vous pouvez toujours le nourrir avec d'autres choses. Et je pense que les histoires, les chansons et ah, les informations de podcast Toutes ces choses jouent dans ce qui sort de votre pinceau. Vraiment. Je veux dire, je ne suis pas de façon directe, mais c'est juste, vous savez, si un tableau signifie la personne que vous êtes et je crois vraiment que c'est le cas. Je pense que vous pouvez apprendre beaucoup sur le tempérament et la personnalité de quelqu'un et aime et n' aime pas juste par leurs peintures. Vous savez, ce que vous remplissez votre cerveau est vraiment une chose importante. Et, euh, je suis un grand partisan de la lecture. Je fais beaucoup de lecture quand je ne peins pas. Hum, j'adore les orteils. En général, je lis aussi des livres audio, mais j'ai lu beaucoup plus que ce que j'ai réellement écouté. Livres audio. Je n'écoute que des livres audio dans la voiture ou si je peins, mais à part ça, je lirai des livres physiques tout le temps. Il y a quelque chose à propos de ça un moyen d'expression que j'aime. J' aime le métier des mots et la façon dont les mots ensemble, je les conçois comme des peintures. Hum, et je suis je travaille à écrire moi-même. Je ne l'ai pas. Je ne sais pas que je ne partagerais aucune de mes écrits, mais je travaille sur des idées de livres pour enfants avec, en fait, avec ce personnage de monstre. Je vais à nos conventions, et beaucoup de gens sont beaucoup de gens comme ce gars, et ils m'ont demandé. On me demande tout le temps. Plusieurs fois par jour, quand j'ai rencontré nos conventions , est-ce que j'ai un livre pour enfants avec ce personnage ? Et jusqu'à maintenant, j'ai toujours dû dire non. Mais ça m'a frappé une idée assez évidente. Combinons mon désir d'écrire avec, vous savez, avec ce personnage que je peux déjà peindre. Alors combinons les deux et faisons un livre pour enfants et je travaille dans l'industrie. Donc c'est incroyable qu'il m'ait fallu autant de temps pour penser à cette idée. Mais c'est incroyable que tu ne vois pas ce qui est juste en face de toi. Donc, ouais, c' est ce sur quoi je travaille en ce moment, c'est que j'écris un livre, un livre d'images pour enfants avec ce personnage que j'ai vraiment été Do I'ai réellement été à venir avec des idées et des histoires potentielles pour plus un an maintenant, pour être honnête, et la chose que la chose qui est intéressant avec l'écriture de ne pas aller trop grand d'une tangente ici, mais il est tout lié à la peinture. Je crois que j'ai déjà dit ça. J' essaie de communiquer les émotions ici, non ? J' essaie de te dire ce qui se passe sur cette photo. J' essaie de vous parler de ce personnage de fille, ce personnage de monstre, essayant de vous faire sentir l'atmosphère de ce jour vous rappeler ce que vous aimez à l'automne. J' essaie de communiquer avec toi émotionnellement, et à travers ça tu peux apprendre qui je suis. écriture est la même que vous savez que vous voulez quand vous lisez ou quand vous écrivez, vous voulez prendre cela. Vous savez, vous pouvez en apprendre beaucoup sur l'auteur par le type de livres qu'ils écrivent et le type de mots qu'ils utilisent et comment ils assemblent tout. Donc, quand j'écris un livre pour enfants ou que j'écris quoi , que ce soit,c'est le combat en montée qui est de trouver qui je suis sur la page. Il m'a fallu des années pour comprendre qui je suis sur la toile et comment le laisser sortir droit pour me débarrasser de toute tentativité que j'ai et dans la peinture et, vous savez, faire tout un truc cohésif qui semble être collé ensemble et convaincant, euh, alors que sur la page, c'est tout. Vous devez le faire aussi. Mais ce n'est pas parce que tu peux le peindre que tu peux écrire. Et, euh, je connais quelques écrivains, et j'ai un peu ri quand j'avais l'habitude de penser ça. J' avais l'habitude de penser que l'écriture était quelque chose que vous pouvez facilement faire. Quand j'étais un peu plus jeune et que j'apprenais à peindre et tout ça, j'ai pensé, oui, tu sais quand les gens disaient, jamais pensé à écrire un livre pour enfants ? Je suis genre, oui, un jour, ce ne sera pas un problème. Vous savez, j'ai littéralement pensé qu'un jour je pourrais aller à la bibliothèque publique et y passer deux heures et écrire un livre pour enfants que je pensais vraiment et je suis allé à cette bibliothèque et suis sorti avec des ordures, Juste des ordures. Et c'était, Ah, c'était un moment d'humilité pour moi, et je suis content que personne n'ait été là pour en témoigner. Tu sais, ça ne me dérange pas de le partager, parce que je pense que c'est important que l'écriture, euh, engage une toute autre partie de ton cerveau. Mais quand vous lisez beaucoup, vous trouverez des similitudes avec la peinture. Et je pense que tous les arts que vous connaissez, il y a un thème à ma tangente ici est que tous les arts sont connectés et si vous lisez beaucoup de choses qui viendront dans vos peintures. Quelque chose à ce sujet ? Je ne sais pas. C' est évidemment une chose indirecte. Mais quelque chose sur la lecture d'un livre influencera votre façon de penser. Et vous savez ce que vous pensez est finalement ce qui sort quand vous peignez. Donc, je dirais mon conseil à vous si, si vous avez demandé, il est remplissant. Remplissez votre cerveau avec autant d'informations disparates que possible. Vous savez que vous pouvez vous en tenir à votre intérêt, mais essayez de l'obtenir de différentes sources. Tu sais, je pense que c'est dommage que les gens ne lisent pas parce que c'est le monde entier auquel tu es fermé. Tu sais, si tu aimes les films d'horreur , queje que regarde des films d'horreur. Mais pourquoi ne pas ramasser, prendre un Clive Barker, prendre un Shirley Jackson et lire et, euh, et voir ce qui est offert dans un autre médium documentaire ? J' ai oublié de mentionner ces énormes que vous savez, Netflix est à quelques clics, et j'ai un abonnement à cela. Quoi qu'il en soit, je vais descendre de ma boîte à savon maintenant revenons à l'illustration. Je n'ai pas été vous savez, la raison pour laquelle j'ai choisi maintenant pour ma tangente là-bas parce que je ne fais pas vraiment autre chose que perfectionner les formes et je ne voulais pas d'habitude si c'était, ah, ah, quelque chose que j'allais essayer et condenser à, comme une vidéo de longueur raisonnable, je réduirais ça. Tout cela serait coupé parce que je ne pense pas que je fais quelque chose de particulièrement intéressant. Mais ce que je fais, , c'est plutôt ironique parce que ce que vous faites ici quand vous ralentissez et commencez à regarder vos formes sur une sorte d'échelle de sketch zoomé, pas que je zoome et physiquement, mais je les regarde de plus près. Qu' est-ce que tu fais ici ? Les petits changements que vous apportez feront une différence de jour et de nuit dans le type de lecture que vous obtenez. Donc, si vous regardez en arrière Donc quand j'ai commencé ce tableau il y a 3 heures, regardez l'arbre. J' ai commencé avec l'arbre droit, qui n'est complètement plus là ou Lauritz a changé. Je devrais dire qu'une friandise est toujours là. Mais, euh, remarquez à quel point Aly cet arbre a été peint et remarquez comment il est en ce moment, ça commence à devenir intéressant. Il y a comme rimer les choses qui riment visuellement, la forme qu'ils font l'écho, hum, sans être répétitif, ou du moins sans être trop répétitif. J' arrive à des déclarations intéressantes, alors que lorsque j'ai peint cet arbre dans les 5 premières minutes de cette vidéo, remarquez comment, à quel point cela manquait, il n'y avait aucune rime ou raison à cela. C' était juste un peu comme une sorte de chasseur vomi la toile avec quelques brosses et mon explication de la raison pour laquelle j'ai commencé comme ça, j'étais toujours sain. C' est toujours une bonne chose pour commencer. Mais remarquez comment maintenant je suis intéressé par la façon dont toutes ces petites formes se réunissent pour dire arbre, c'est un arbre. Non seulement c'est un arbre, mais c'est comme ça que je conçois cet arbre et le design. C' est quelque chose qui est un mot que je n'ai probablement pas assez mentionné. Le design est tout. Tout est englobant. Le design ne se réfère pas seulement à la conception du personnage. C' est un aspect, mais la conception de ce qui est le langage visuel, comme où les types de formes qui existent dans ce monde comme remarquer comment l'auvent que j'ai gardé ce genre de nous bizarre, comment il est juste une sorte de jute sur la gauche. C' est un choix de design. J' aurais pu juste faire un auvent parfaitement réaliste et le garder similaire à ma référence photo que j'avais sur mon fait le croquis couleur. Mais pour moi, c'était ennuyeux. C' est ça à s'attendre. Alors j'ai fait, euh, remarqué. Je me débarrasse du truc maintenant. Je fais des tonnes de choix de design. Le type de brossage, l' apparence des feuilles lorsqu'elles sont sur les arbres et l'apparence des feuilles lorsqu'elles sont sur le sol, vous remarquez deux types de feuilles différents. Le design, c'est vraiment tout. Et c'est quelque chose qui, quand je fais ces petits coups de pinceau maintenant sont les plus importants. Je pense au design, et je ralentit, en concevant quelque chose que vous devez ralentir et vraiment contempler quand vous esquissez miniatures, vous n'êtes pas si inquiet pour le design. Et quand j'ai tenu ce croquis en couleur, je n'étais pas si inquiet pour le design. Mais maintenant je suis C'est primordial parce que je dois m'assurer que quand quelqu'un regarde cette image, tout comme sa propre déclaration graphique ressemble à une pièce cohésive. Ok, donc c'est pour ça que j'ai choisi de ne pas éditer cette section parce que je veux que vous voyiez une sorte de minutia qui va dans le design. Je déteste le mot granulaire, mais c'est un peu granulaire. Donc j'ai coupé ce truc de marelle, et je suis toujours tombée, aussi amoureuse de ça. Je ne me suis pas avoué que c'est la conception de ce tableau qui ne marche pas . J' essaie de le mettre en ordre, ce qui est dès que je l'ai senti, ce qui va probablement être très bientôt. Dès que je sens que je lutte trop avec ça. C' est le moment où tu devrais juste admettre que tu sais que ça ne marche pas. Tu dois trouver une solution différente, et cette autre solution pourrait être Hey, peut-être que cette peinture ne peut pas supporter l'idée de marelle. J' ai parlé à bateau tout le concept de ce que peut supporter la peinture plus tôt dans cette vidéo ? Peut-être que tu ne peux pas supporter ça. Je suis réticent à croire que, bien que je pense que ce que la peinture ne peut pas supporter et que j'ai fait allusion à cela plus tôt, ce sont les valeurs de lumière que mon tableau actuel crée, et c'est encore pire maintenant parce que je l'ai mis à gauche à moins avant, était au milieu, où il était en quelque sorte de ne pas peser la peinture d'un côté. Maintenant, le tableau est totalement échancré à l'échelle des viscères gauche. Ce tableau serait lourd à gauche, et ce tableau de marelle est complètement à l'origine de ça, et encore une fois, c'est juste sous mon nez. Mais je ne vois pas ça parce que je suis trop impliqué dans le processus. Le processus créatif est drôle, drôle, imprévisible, capricieux et vous savez que vous devez courir avec des choses, mais je cours avec mon tableau actuel, mais je vais le faire. Je vais le changer. Et encore une fois, le problème est que la peinture ne peut tout simplement pas supporter cette valeur de lumière en bas parce que ce que cette valeur de lumière fait lorsque vous convertissez en niveaux de gris, ce qui est juste les valeurs que vous verrez, j'ai créé que sorte d'effet même espacé où j'ai une valeur de lumière en bas que la valeur de lumière des monstres. Et puis l'auvent est la valeur de la lumière, et il semble que j'ai juste trois valeurs de lumière en parfait ordre dans un mauvais ordre. Et ce n'est pas quelque chose qui favorise une bonne image. Donc, j'espère enfin que je pense que je le fais. Maintenant, je me débarrasse enfin de ce tableau et je concède la défaite pour l'instant. Il a peut-être gagné la bataille, mais il ne va pas gagner la guerre. Je vais juste sauver ça. Les deux. C' est une version deux que je sauve juste parce que je suis toujours je ne suis pas convaincu que ce que je vais faire ensuite sera mieux que ça. Bien sûr, je finis par rester avec elle, mais donc économiser l'aversion pour toujours utile de sauvegarder vos inversions de trucs. Et de cette façon, ce que vous pouvez faire, c'est si vous dites que ce sont vos inversions de trucs, vous pouvez en fait revenir aux étapes précédentes et regarder ce que vous avez fait auparavant, comme ce que je fais avec cette vidéo. Bien que, comme vous l'avez vu, je ne sauve pas vraiment une tonne de scènes comme je pense avoir un V 3 à la fin de ce tableau. Mais quand je travaillais pour des clients, parfois tout ce que vous savez a cinq ou six versions. Maintenant, si je soumets du travail comme je vais avec un client, chaque soumission reçoit un numéro de version. ça s'ils parce que les clients sont notoires pour revenir aux anciennes versions, euh et vous ne pouvez pas les blâmer. Tu sais, quand je dis clients, j'espère que je ne rencontrerai pas de connotation négative. Leurs clients sont eux. Ils sont humains, comme vous et moi, et parfois vous travaillez pour des clients qui ne sont pas des artistes et qui ne sont pas familiers avec le processus créatif, et eux et ces clients, surtout vous doivent en quelque sorte les martiaux à travers elle. Vous devez les guider, et vous devez être prêt. Vous devez savoir que si quelqu'un ne connaît pas le processus créatif et qu'il vous a engagé pour faire de l'art pour lui, ce n'est pas sa faute. S' ils ne savent pas ce qu'ils veulent, parce que le processus créatif n'est pas comme les affaires, ce n'est pas le cas. Vous ne pouvez pas faire de plan pour un bâtiment et exécuter ces plans exactement comme ils sont sur la page. Tu ne peux pas faire ça. C' est un chemin vers la médiocrité. Hum, tu ne peux pas faire ça. Donc, quand vous savez avec le client, vous devez vraiment être conscient de votre propre processus et enregistrer des versions importantes. Parce que si un client demande de revenir à la version deux dans votre propre version huit, cela craint. Si vous n'avez plus la version 2, je veux dire I. Et donc même quand vous voulez un client connaît le processus créatif, cela arrivera parce que, encore une fois, vous savez, je suis familier avec le créatif processus. Mais j'ai peint ce tableau de marelle, puis je l'ai effacé ou je l'ai déplacé, puis je l'ai effacé. Disons que j'étais un client de moi-même. Je me serais demandé à Hey, tableau de marelle de peinture. Alors je l'aurais peint alors. Tu peux déplacer cette planche de marelle vers la gauche et je l'aurais fait alors. Hé, tu peux essayer de faire sombre dans le tableau de marelle et ensuite je l'aurais obscurci. Et puis je veux dire, Hey, pouvez-vous juste supprimer ce tableau de marelle et revenir à ce qu'il était avant ? Donc vous pouvez voir comme, si j'étais mon propre client, je me détesterais, mais il a juste eu un refrain que vous ne pouvez pas Ah, ne vous mettez pas sur le processus quand les clients demandent des révisions parce que sachez juste que quand Tu fais ton propre travail, tu ne vas pas mieux. Ah, et vous devriez faire des révisions sur votre travail. Je reçois vraiment, euh, je suis dans un mode d'incrédulité quand j'essaie de bien arranger les choses la première fois. Alors, qu'est-ce que je fais ici ? J' ai parlé de l'ancienne illustration. Je l'ai collé. Je suis juste un être d'avant en arrière, va prendre la décision finale sur cette, cette idée de marelle. Et bien sûr, je dis, oui, c'est mieux sans ça. Ou du moins c'est Essayons une approche différente. J' ai donc validé ma version. Deux est maintenant celle avec laquelle je vais, et je ne retourne jamais à la version 1. Voici encore des variations et, euh, voyez quand je sélectionne, je ne me souviens plus de ce que vous voulez faire,en quelque sorte de pause pour regarder, j'ai fait un plus léger, Voici encore des variations et, euh, voyez quand je sélectionne, je ne me souviens plus de ce que vous voulez faire, quelque sorte de pause pour regarder, j'ai fait un plus léger, peut-être avec un peu plus jaune, comme un peu plus léger. Et même technique où je crée un masque de couche, Um, inversé, qui est la coupe courte est le contrôle I. C'est eux qui font impressionnant contrôle I Et puis juste avec mon aérographe peinture blanche dans le , assurez-vous que vous peignez dans le masque de calque et non dans le calque réel tout pour cela. Il vous suffit de sélectionner le calque. Il suffit de cliquer sur le masque de calque et vous allez peindre, vous verrez photo shop met une petite bordure autour du masque de calque lorsque vous cliquez dessus et juste éclaircir les choses. Un autre piège du numérique, moins pour moi, n'est-ce pas ? Pour une raison quelconque, il est facile de peindre des peintures trop sombres. C' est probablement juste un sous-produit de mon processus personnel. Mais j'ai toujours eu ce problème. Les peintures deviennent trop sombres sur moi, donc je l'allume subtilement. Et puis, bien sûr, émergé les couches, comme je le fais toujours. Et je pense que je vais essayer une autre version du truc de marelle. J' ai sorti ma brosse à craie. J' aime toujours l'idée de l'aire de jeu dessinée à la craie, mais je vais essayer de le faire d'une manière qui est moins insistante. Je veux orchestrer mes points focaux. Souviens-toi, j'ai parlé des points focaux. Je ne veux pas que ce tableau soit le point focal. Je ne veux pas du spectateur. Je veux que le spectateur regarde ce tableau et dise, Oh, Oh, ces personnages faisaient un patch de citrouille, unevente de citrouille, vente de citrouille stand de limonade avec des citrouilles. C' est ce que je veux que le spectateur, Teoh obtiennent instantanément, et la tendance quand vous faites un tableau, parce que chaque petite partie nécessite toute votre attention. La tendance est de de dépenser trop d'efforts sur chaque section. J' ai supprimé ma première tentative, au fait, et je recommence. J' essaye juste de rendre les formes moins prévisibles. Et je regarde ma référence à ce stade, que vous ne pouvez pas voir. Mais je l'ai montré plus tôt. C' est hors écran, et j'ai juste aimé comment juste mal dessiné les formes étaient. Donc j'essaie d'imiter ça, comme si une des boîtes ressemblait plus à un diamant ou à un octogone. Et ah, vous savez, les boîtes n'air nulle part dans votre carré et elles sont toutes folles et leur crétin comme l' auvent est bizarre, tout comme les planches ou merveilles, tout comme les citrouilles ou le genre de Wonky. Peut-être que le panier devrait être un peu plus bizarre, , et je ne l'attrape pas vraiment, mais c'est bon. Ce panier a l'air bien. Ce n'est pas parfait. Je veux dire, ce n'est pas parfaitement dessiné ou quoi que ce soit, mais avec le point focal, je me suis rappelé que le point focal n'est pas ceci. C' est la marelle. Cette peinture n'est pas sur le fait que la conversation de cette peinture n'est pas du tout la zone du trottoir . Ce sont les personnages, et le 2e 2e, c'est l'auvent. Je veux que l'auvent attire votre attention avec les personnages que c'est là que je veux que votre oeil aille en premier. Et cette citrouille, ces trucs de citrouille menaient votre idée qui a déclenché notre regard. L' idée de chemin de citrouille conduit votre œil jusqu'au point focal de sorte que la chose ah marelle doit être réduite pour être minimisée. Donc, il existe comme un point focal tertiaire, comme il est hors au loin en termes de point focal et sur l'idée que je viens avec un peu plus tard pour aider à maîtriser la marelle est que je vais mettre des feuilles dessus avant que j'aie raison. Maintenant, je mets des ombres et avant que je mettais des ombres et c'est bon. Mais pourquoi ne pas mettre des feuilles dessus ? J' ai ce dispositif parfait de feuilles ah sur le trottoir. Pourquoi ne pas couvrir la planche avec des feuilles, ce qui peut alors créer une sorte de surprise ? Cette illustration ? Vous pouvez avoir, genre, un peu de nous surprendre quand peut-être quelqu'un ne le verra même pas tout de suite. Et puis ils sont comme, Hey, il y a une planche de marelle sur le sol qui est cool. Je fais juste que je ne sais même pas ce que je fais. J' essaie Teoh, ai un peu de punch plus graphique. Je suis allé dans le style Teoh. Je filtre stylisé trouver des bords qui est dans le travail, orteil certains vont aiguiser, juste essayer d'aiguiser la qualité texturale de ces coups de pinceau craies que j'ai utilisé pour peindre le tableau Thea Hopscotch . J' en ai marre de dire le mot marelle en ce moment, juste en essayant de l'aiguiser, juste pour améliorer la texture que juste pour améliorer le genre de l'idée que cela a été dessiné à la craie et n'est pas un mois de saison. Je n'essaie pas. Teoh peint avec un pinceau. J' essaie de faire croire que ce gamin l'a dessiné à la craie. Donc, cependant, je peux obtenir la chose la plus choquante. Maintenant, c'est cool. J' ai dupliqué toute la peinture, et je suis allé filtrer les bords de recherche stylisés. Vous pouvez voir quand je l'ai mis et éteint. Trouvez les bords pendant qu'il dessine des lignes autour de ce que Photoshopped pense. Les arêtes sont les arêtes des formes. Maintenant, je suis juste de les régler de couleur pour être chaud. Je veux qu'ils soient tous chauds, donc j'ai activé l'augmentation de la couleur, comme vous pouvez le voir que je balaie à travers la roue de couleur là-bas, il suffit de le faire. Tu sais, différentes couleurs. Je vais frapper. Ok, j'ai cette orange. Il s'agit probablement d'une ligne orange, les couches se multiplient, sorte que le blanc est transparent. Et ce qu'on fera, c'est comme je le fais toujours. Avec ces nouveaux calques, je vais créer un masque de calque. , D' abord, je vais alléger un peu les lignes. Il y avait un peu trop sombre pour voir quand je l'allume et l'éteins. C' est beaucoup trop autoritaire au total, mais je vais créer ce masque de couche, inversé à nouveau, obtenir ma peinture aérographe blanche et juste révéler subtilement les zones. Excusez-moi soudainement révélé les domaines où je pense que la peinture peut bénéficier de ce genre d'effet. Si c'était traditionnel, évidemment, vous ne pouviez pas appliquer un calque comme celui-ci. Mais c'est très traditionnel, et je le fais parfois. Prenez juste un pinceau fin et commencez à décrire certaines choses. Il suffit de mettre quelques contours dans votre tableau. Parfois, ça aide vraiment à déclencher les choses. Maintenant, plus tôt, j'ai dit que je ne voulais pas utiliser de lignes dans ce tableau. Maintenant ce que je fais maintenant, je ne pense pas vraiment à ce que je fais maintenant. Ajout de lignes, parce que je les brossais si subtilement. J' ajoute juste, j'ajoute des valeurs, omettant vraiment les valeurs sombres qui sont conformes aux formes. Tu sais, personne ne voulait regarder ça et dire, Oh, Oh, il y a des lignes là-dedans maintenant tu ne dirais pas ça. J' ajoute juste un peu de punch, ce qui contribue à la conception, la conception du mot magique. Alors maintenant, en me , cachant, en cachant cette couche, vous pouvez voir ce qu'elle ajoute. C' est une chose très subtile. Si je ne parlais pas avec un calque comme ça, tu ne penses même pas qu'il y ait quelque chose. Mais vous pouvez voir, cependant, que l'effet est assez additif, et, euh, ça change vraiment le look. Donc, encore une fois, c'est dupliqué la peinture sur un nouveau calque. Je suis allé à filtrer les yeux de style trouver des bords. Ensuite, j'ai mis ce calque pour se multiplier. Ensuite, je suis allé dans les niveaux et l'ai allégé un peu que je suis allé dans la saturation de la teinte et cliquez sur le bouton colorisé et trouvé une couleur pour cela. Et puis j'ai fait un masque de couche, inversé et je l'ai brossé à l'aérographe. Voici quelque chose que je n'ai pas découvert avant. Le bord sur le ventre du monstre, la forme légère sur les lancements, Bali. Le bord était trop cohérent. C' était trop pareil. Donc je commence juste le sale tout. Je commence à le faire varier. Obtenez des bords durs, bords souples, vous savez. Eh bien, c'est vraiment ça. Différences entre les bords durs et souples sur une même forme, la forme est encore identifiable comme une forme légère. Je remarque comment je suis aussi je modifie la forme en l'abaissant. La lumière avant était en quelque sorte de couper le monstre et 1/2 ce qui n'est généralement pas la meilleure idée de conception. Tu vois, il est là avant et après la moitié est ennuyeux. moitiés sont ennuyeuses. Là à s'y attendre. La moitié est ce que l'esprit humain veut à nouveau dio. L' art est si souvent contre-e art, tant doit renverser cela. Donc je suis vous savez, j'ai abaissé la forme donc c'est maintenant plus de 1/3 Maintenant. Le troisième du monstre est en lumière, ce qui est juste plus intéressant, et j'ai aussi varié cette forme, donc ce n'est pas la même chose. Désolé. Je fais varier le bord de la forme, donc ce n'est pas le même bord. Je pense donc que ces deux choses sont fondamentales. Je n'ai rien fait de fou, mais j'ai fait une lecture si agréable à la photo. Je pense qu'en faisant cela et quelque chose que j'aime dans la peinture, c'est que ce n'est pas vraiment à quel point tu es bon . Vraiment. C' est à propos de comment, hum, comment dites-vous ça ? Il s'agit de la façon dont vous pouvez gérer les fondamentaux à mesure qu'ils se composent au fil du temps et qu'ils se compliquent en complexité. Ah, comme vous peignez votre ajout de plus en plus de formes, vous savez , amore, amore bords de plus en plus de design, et donc les fondamentaux deviennent de plus en plus difficiles à maintenir avec tous ces des choses. Tu sais, tu as tellement d'assiettes qui tournent, ça va être dur de les garder à tourner. C' est là qu'un professionnel, vous savez, vous savez, que c'est ce qui sépare un artiste professionnel d'un artiste amateur, c'est la capacité, vous savez, pas peindre une scène complexe et de garder tout sous contrôle. Vous savez, vous pouvez avoir un artiste amateur dans un artiste professionnel. Les deux rendent magnifiquement une sphère. C' est bon, mais essayez de garder toutes ces choses à l'esprit quand vous êtes en train de rendre, vous savez avoir l'air comme ça quand tout est là pour réclamer l'attention et vous devez être la seule, la seule voix de la raison qui dit que tu es là. Tu es là. , Tu sais, comme une bande d'enfants indisciplinés ou quelque chose qui est l'art du peintre. Et c'est pour ça que je cherche, tu sais, quand je regarde des tableaux, tu sais, je ne peux accepter aucun sujet. Je me fiche qu'un peintre peint des vases avec des fleurs ou des monstres ou des scènes spatiales. Affiches de film SciFi. Je me fiche de ce que l'artiste peint. Je cherche du design, et je cherche à savoir à quel point l'artiste est capable de contrôler toutes ces choses. C' est vraiment ça. Vous savez, le rendu seul ne m'impressionne pas, alors que je pense que le rendu est quelque chose de super impressionnant pour un débutant. Tu regardes quelque chose comme, Oh, qui ressemble vraiment à une photo. J' en suis venu à détester ce complément. Ce n'est pas un compliment. Ce n'est pas un commentaire que vous devriez chercher quand quelqu'un vous dit qui ressemble à une photo Cela signifie que vous ne vous êtes pas exprimé en tant qu'artiste parce que vous pourriez aussi bien prendre une photo. Personne ne pourrait jamais regarder ce tableau et dire que ça ressemble à une photo. Non, ils vont y aller, Teoh. Je ne leur donne pas d'autre choix que de répondre émotionnellement parce qu'il est si séparé de tout ce que vous attendez dans la vraie vie, la photographie ou autre chose du genre. C' est tellement dans le domaine de l'imagination que je vous oblige, le spectateur, le spectateur, à répondre en la matière, utiliser votre imagination pour répondre. Euh, et c'est ce qui est beau dans la peinture pour moi, Art en général, c'est que si tu peux diriger quelqu'un comme ça, tu sais, ce tableau a le pouvoir de transformer et les adultes en enfant juste pour une seconde. Juste quand ils regardent cela, ils ont vécu la joie que j'ai, espérons-le, mis dedans. est pour ça que je peins et ah, tu sais, c'est peut-être ta raison de peindre aussi, et , tu sais, arriver à un niveau où tu es compétent, ça prend juste du temps. Tu sais, regarder des vidéos comme ça aide certainement, euh, aller à l'extérieur pour peindre comme je l'ai fait dans mon carnet de croquis vidéo qui est une méthode super importante de peinture et ce que je fais ici. Si vous avez vu cette vidéo, ce que je fais ici n'est pas différent de ce que j'ai fait dehors. C' est juste pour prendre plus de temps avec ça, et je conçois ma propre photo. Mais la façon dont je regarde le sujet extérieur et la façon dont j'ai traduit sur le papier est exactement la même chose que je fais ici. J' utilise le plus gros pinceaux que je peux, et je pose des marques aussi hardiment et, vous savez, grandes que je peux. J' essaie d'être très décisif avec tout. J' essaie de créer de bonnes compositions. C' est juste la pression supplémentaire et le défi supplémentaire de vous savez, c'est aussi vous qui venez avec l'image réelle que vous ne regardez pas, vous savez, un pont à High Park ou une scène de rue ou autre chose, mais peindre à l'extérieur pour mon argent et je suis professeur d'art. J' ai enseigné dans les écoles d'art Call. J' ai enseigné de nombreux cours en ligne. J' ai traité avec des centaines, voire des milliers, d'étudiants au cours des sept ou huit dernières années. Le meilleur prof n'est pas un humain. Le meilleur enseignant est la nature que vous allez à l'extérieur et la peinture de la vie ou aller au studio de dessin de la vie et peindre à partir du modèle en direct ou peindre des vies mortes Vous pouvez peindre des vies encore numériquement si vous voulez. Je suis un grand partisan de la peinture avec les médias traditionnels, mais si vous êtes vraiment obsédé par le numérique et que vous ne vous souciez pas d'aller acheter, vous connaissez les médias traditionnels, hum, configurez une nature morte près de votre tablette wakame près de votre ordinateur ou obtenez un iPad, obtenez un iPad et faites une sieste. Obtenir un alias calendrier pro obtenir des pinceaux vous faire savoir, peu importe. Ah, 12. DigitalPaintingII part11of13: et à ce stade, je vais vraiment vouloir commencer à penser à ce qui est inachevé. Vous savez, nous sommes presque quatre heures dans ce tableau et une de mes méthodes de travail. Je suppose que les philosophies est de méthodes de travail est jamais laisser quelque chose être. Ne laissez jamais quelque chose traîné derrière trop loin. J' aborde tout à la fois, c'est pourquoi je suis si 80 d avec la façon dont je saute sur le campus, c'est en fait pas vraiment huit D. C'est juste que je veux que tout évolue en même temps. Et de cette façon, tout atteint la ligne d'arrivée ensemble maintenant pour ne pas dire que tout est également rendu. C' est juste le contraire. Tout est orchestré. Tu sais, le fond sur lequel je travaille maintenant est moins fini que le premier plan. C' est totalement exprès. Je remplis juste une partie de cette couleur bleue à l'arrière. Mais j'ai remarqué que c'était juste un peu me rappeler que j'ai essayé l'idée de terrain. Je me suis débarrassé de ça, hum , il n'a pas lu, et c'est si peu important là-bas, au bord des bords gauche et droit de cette image que nous allons juste faire exploser des silhouettes. Il aide à apporter la chaleur en avant du truc de premier plan. travaille encore sur la fille, juste essayer d'obtenir la bonne forme. Tu sais, quand tu as moins de notes aussi. Dicter une forme. Comme quoi ? Le visage de cette fille. Je n'ai que quelques marques. J' ai la bouche et quelques formes aux yeux. Quand vous avez moins de formes comme ça, vous devez vraiment les mettre au bon endroit et je vais aller et venir plusieurs fois. Teoh trouve ça, et le bouton Annuler est mon meilleur ami dans ce processus. Quelque chose à propos du retour au bleu en arrière-plan. Um, une façon d'augmenter vos réchauffements. Je crois que je l'ai mentionné plus tôt, est en fait pas d'augmenter vos réchauffeurs, mais d'élever vos refroidissements. Donc, Donc, si vous regardez ça, regardez l'arrière-plan que Blue est que je viens d'échantillonner, vous voyez où il est et le peignez. ce moment. C' est assez saturé. C' est certainement sur l'échelle supérieure des valeurs de saturation utilisées dans ce tableau, et ce que ça va faire, c'est que ce n'est pas vraiment faire ce look bleu donc le bleu va donner l'effet de rendre les réchauffeurs plus chauds parce que les réchauffeurs plus loin de ce droit bleu ? J' ai créé un environnement où, où il y a une relation entre mes réchauffeurs et mes refroidissements et que je cultive cela tout au long de ce processus, je suis toujours intéressé à le maintenir et à le construire. Je veux dire, pour moi, c'est l'attrait de la peinture. La lumière surveille New York se réchauffe et se refroidit et s'assure qu'ils s'adaptent à leur place. Et, euh, vous pouvez vraiment vous donner beaucoup de place en augmentant vos refroidisseurs. J' ai appris cette technique de Scott Christenson, où il aurait euh, il peint de la vie. C' est à peu près ce qu'il fait. Il peint la nature pour, vous savez, directement de la vie. Et il m'a appris cette astuce où quand on regarde une scène, c'est en fait comme ce que je regarde numériquement la scène à l'envers, donc littéralement tourner la tête à l'envers quand on est dehors et regarder une scène à l'envers . Ne vous inquiétez pas d'avoir l'air ridicule. Ça n'a pas d'importance. Ce que tu trouveras quand tu regardes au loin quand tu regardes une scène. Imaginons que nous regardions cette scène dans la vraie vie où, là où les arbres sont derrière eux, comme un kilomètre derrière eux sont ces arbres lointains et lointains. Si vous regardez cette scène à l'envers, vous remarquerez à quel point ces bleus deviennent bleus, parce que quand vous êtes à l'envers, il devient abstrait. Ton cerveau est tout d'un coup trompé. Il semble qu'il ne reconnaisse pas vraiment ce qu'il voit, et donc vous verrez réellement les couleurs plus comme elles sont réellement, plutôt que ce que vous pensez qu'elles devraient être. Et l'une des choses que vous remarquerez est que les bleus sont beaucoup plus bleus que vous ne pensez. Et ce que vous savez, comme je l'ai dit, Qu'est-ce que ça vous donne juste, vous donne beaucoup de place pour utiliser des réchauffeurs pas si chauds. Pour une raison quelconque, les réchauffements saturés commencent vraiment à paraître faux. Ils commencent à regarder, vous savez, juste ils commencent juste à regarder mal et livre de coloriage E ou quelque chose comme ça. Je ne sais pas quel mot est un peu malhonnête, comme s'ils vous mentaient. Vous pensez que mettre plus de chaleur fera votre peinture plus chaude, mais en fait, il y a un point de basculement et vous remarquerez que les réchauffements que j'ai dans ce tableau et c'est, vous savez, que nous arrivons à déclarations finales ici dans ce tableau. Hum, le vraiment pas si chaud. J' ai des trucs très chauds dans les citrouilles. Ce sont des oranges plutôt chaudes que j'ai là, mais le conseil est qu'ils sont assis là, vous savez, assez. Grade bas, et il y a beaucoup de différents types de gris. Ils sont tous chauds, broutent leur vert. Il y a plus d'orange que de rouge. Peut-être qu'il y a un pâturage plus frais là-dedans pour leur donner l'équilibre, mais il semble toujours chaud dans le concours. Le contexte de l'image parce que mes bleus en arrière-plan aident vraiment à lui donner le contexte. En outre, mes ombres regardent combien de bleu et de violet et quelles que soient les couleurs que j'utilise dans mes couleurs fraîches . Je dis juste que j'utilise dans mon ombre qui contribue à la différence entre chaud et frais aussi. Alors pensez-y comme vous peignez. Donc je mets le personnage de monstre. Je travaille dans ses ombres plus fraîches, hum, hum, avec des tons plus chauds, et encore une fois c'est cet auvent qui réfléchit la lumière sur le monstre reflète une lumière chaude avec des tons plus chauds, et encore une fois c'est cet auvent qui réfléchit la lumière sur le monstre reflète une lumière chaude et orangée. Mais c'est dans l'ombre, non ? Donc je ne peux pas juste mettre quelque chose. Un fort est la citrouille. Je vais être plus cool que ça, mais plus chaud par rapport à ses couleurs d'ombre existantes, qui sont, vous savez, principalement dans les verts plus frais et les verts plus bleus, surtout le haut de sa tête. Il y a beaucoup de verts plus bleus et peut-être même de vrais bleus là-dedans, là-dedans, vous savez, pour que vous soyez, je joue juste le tissage de la couleur qui va dans cette ombre. Retour en arrière et vérifier la lumière et la couleur juste courte démonstration à nouveau. Je veux juste renforcer ses ombres. La lumière. Le jeu de couleurs existe dans l'ombre à la lumière. La couleur est très prévisible. Si c'est un soleil chaud, ça laisse ta scène. Tu n'as pas le choix dans la lumière. Tu vas être coincé avec des oranges et des rouges chauds dans la lumière que tu ne peux pas. Tu sais qu'il y a certainement beaucoup, une salle de jeux, mais tu vas l'être. Le soleil est comme un petit tyran. Ça va te forcer à choisir certaines couleurs ou aussi ne ressemblera pas à la lumière du soleil, est-ce pas ? Mais dans l'ombre, c'est encore une fois. C' est là que toutes les lumières qui ne sont pas le soleil peuvent jouer. Ah, et on peut le voir. Donc tu connais toute la couleur locale basse comme ça le rouge dans la joue. Je viens de mettre dans ma pensée que c'est la couleur locale comme si c'était le sang dans ses joues, comme on le voit sur les humains que je fais sur la fille en ce moment. Le sang dans ses joues provoque ce rouge, mais il est dans l'ombre. Donc, c'est un droit rouge plus frais. Si c'était au soleil, je ne serais pas dans les violets. Je serais plus dans les oranges, , et ensuite le bleu sur l'ombre des monstres. Ce bleu est la lucarne qui le frappe. Les verts varient énormément. Il y a des verts orange, des verts bleus. Il y a des verts grisâtres. Toutes ces choses sont juste des couleurs qui rebondissent dans cette scène. Cette scène a tellement de couleurs différentes qui rebondissent autour d'elle. Alors regarde ça. Je fais un zoom avant pour peut-être le quoi ? La deuxième ou la troisième fois, et je dois travailler sur cette fille. J' ai besoin que je ne puisse pas la laisser derrière la peinture sage parce que le reste de cette peinture évolue . Et elle n'est pas Eso. J' ai dû mordre la balle. Je pense que j'ai zoomé juste pour que je ne sois pas juste un corral mon attention pour ne pas le donner ailleurs. Tu sais comment je me d' lève toutd'un coup et je pars et je peins autre chose ? Je crois que j'ai zoomé pour ne pas faire ça comme un tour de soi. Et j'essaie juste. J' essaie de comprendre ce que j'essaie de faire ici. Quelles sont les formes sur sa tête ? J' aime bien. J' aime comment ça se forme en ce moment comme ça commence. Donc je vais travailler là-dedans. J' ai l'impression d'avoir trouvé un point de départ pour elle. Autrement dit, ça me semble juste. Tu sais, parfois j'allais et retours avec des formes. J' ai habituellement des formes de tête ou des formes de main. Je vais aller et retours avec des coups de pinceau encore et encore jusqu'à ce que j' ai l'impression d'avoir, vous savez, un point de départ prometteur. Pour moi, il ne sert à rien d'essayer de combattre quelque chose dans l'existence. Si j'ai l'impression de me battre avec ça, je vais généralement tirer le bouchon. Donc tu sais, je commence à regarder dans ce nez. C' est la première fois que je lui donne un vrai savoir géométrique. Ça commence à lui donner du caractère. Je travaille sur les reflets bleus du haut de sa tête. Ses yeux en quelque sorte obtenir ce même traitement bleu parce que c'est encore l'été blanc i aux yeux du monstre. Ils vont obtenir beaucoup de leur couleur de tout le reste pour remarquer à quel point l'orange du fond dans ses yeux. C' est la lumière rebondissant de citrouille de la citrouille. Maintenant, mettons-nous quelques élèves ou mettons-nous quelques iris. Et encore une fois, j'essaie vraiment d'obtenir qu'elle nous regarde directement et je sais que j'ai défait ça deux ou trois fois pour obtenir ça. Et remarquez encore une fois comment ses élèves désolé iris ne sont pas les deux au milieu de ses yeux. Celle-ci est sur l'œil gauche. Son œil droit l'iris est vers la droite parce qu'il a besoin. Il doit aller plus loin pour nous regarder directement, ou comme son œil gauche est plus central. Donc est de travailler sur les cheveux, obtenir ces brins de cheveux que j'ai aimé dans la conception de personnage de rétablir la ah, la forme de chignon en haut en utilisant cet outil de taches pour cela encore, encoreune fois, encore peinture des doigts a allumé . Donc, c'est génial pour les cheveux parce que les cheveux sont, vous savez, généralement faits de bords souples pour la plupart. la seconde où tu mets un bord dur dans les cheveux, tu dois être prudent. Tu dois dire que tu ne peux jamais le faire. Mais, hum, il faut juste faire attention. Tout d'un coup, ça pourrait commencer à ressembler à une porcelaine ou, vous savez, quelque chose comme ça et pas à des cheveux, ce qui est parfois une chose très désirable. Vous pouvez parfois obtenir vraiment comme des cheveux sculptés avec des bords durs. Mais dans ce tableau, elle n'a tout simplement pas assez de cheveux visibles pour les bords durs. Ah, dur bord doit gagner son donjon. Et ah, si la forme est trop petite, il y a des chances que je ne mette pas un bord dur là, lui donnant encore des taches de rousseur. Mon concept, l'art. J' avais des taches de rousseur là-dedans et ça m'a plu. Alors ramenons-le. Même si ce design particulier sur lequel je travaille maintenant ne ressemble pas à un seul design que j'ai fait dans les croquis de personnage. C' est ça suit l'esprit de ceux-là. Tu sais, je ne serais probablement pas arrivé à cette fille si je n'avais pas fait ces croquis rapides. Et cela, pour moi, signifie que ma phase de conception n'a pas été gaspillée. Même si je n'utilise aucun design, c'est une bonne chose. Encore une fois, j'essaie de laisser place à l'amélioration, mais aussi, je suis plus préoccupé par cette image. Vous savez, je ne suis pas juste parce que j'ai fait ces dessins de personnages et qu'un ou deux de ces dessins étaient OK , je suis ça ne veut pas dire qu'ils ont tout d'un coup libre dans cette illustration. Vous savez, ils avaient l'air bien hors contexte sur un morceau de papier blanc. Cette peinture est dans son contexte. Elle a besoin de lire, Vraiment, c'est une petite forme dans le grand plan des choses. Elle est mon point focal , c'est pourquoi je me laisse zoomer pour ce long préavis. C' est de loin le plus long que j'ai jamais zoomé, est-ce pas. Mais elle le mérite parce qu'elle est notre point focal. Elle doit être tout à fait intéressante. Elle doit être plus intéressante que tout le reste sauf pour peut-être le monstre lui-même. Ces deux-là doivent être les choses les plus intéressantes. Et le monstre était plus facile à peindre à mon avis, parce qu'il est juste une plus grande forme ronde comme lui. n'y a pas grand-chose pour lui, mais elle a des formes plus complexes. Tu sais, elle est basée sur un crâne humain. est la caricature, bien sûr, mais elle est basée sur les plans que vous trouverez réellement chez une personne, donc je dois zoomer et donner à ce traitement le respect dont il a besoin. Donc j'essaie de jouer avec l'offre de lumière plus fraîche du fond. Maintenant, je joue avec une lumière plus chaude. C' est la lumière rebondie de la citrouille. Si l'un d'entre vous a vu le portrait de Lady Agnew de John Singer Sargent, je suis totalement en train d'appréhender quelque chose qu'il a fait pour cette lumière réfléchie du fond. Lady Agnew a cette belle lumière orange réfléchie sous son menton ou sous sa mâchoire. Mâchoire inférieure, en fait. Et ah, c'est juste dans ce portrait. C' est comme rebondir de sa peau. Dans ce tableau, c'est de la lumière qui rebondit de la citrouille. Mais je pensais totalement aux sergents tardifs, Lady Agnew est que j'ai peint cette lumière réfléchie. Donc, euh, vous savez, donc je me demande quel sergent penserait s'il était tout à coup transplanté dans l'environnement de peinture numérique d' aujourd'hui. Je pense qu'il aimerait. Je ne sais pas. J' aimerais penser que le sergent deviendrait un peintre numérique génial. Je le voyais dehors avec son iPad. Ok, mettre quelques faits saillants. Tu sais, je veux les faire sortir les yeux. Comme les formes sphériques, remarquez comment dans son œil gauche sont à droite. Je lui ai donné deux faits saillants. Et vraiment, ce que j'essaie de faire, c'est que j'essaie de séparer l'un de l'autre. Ah, pense, Richard Schmid a dit dans une de ses vidéos. Un. Je devrais toujours être dominant dans une peinture, même si elle n'est pas dominante dans la vraie vie. Dans un tableau, vous devriez toujours privilégier un œil et donner un moi un peu plus créatif que l'autre. Et, ah, ça aide juste le personnage ou le portrait à devenir plus vivant. J' ai donc utilisé cette philosophie dans mes tableaux pour même le personnage de monstre . Vous pouvez voir de légères différences dans les traitements des yeux. Ses yeux sont un peu plus semblables, mais je vois un léger traitement, des différences différentes dans ses yeux aussi. Il est totalement une chose subtile est juste ce sont les choses qui contribuent à la sensation que vous obtenez quand vous regardez une peinture. Pas tant la vraie réaction physique, tu sais, la réaction. Tu l'auras. Tu sais, je ne veux pas que personne le remarque. C' est ce que j'essaie de dire. Certains évaluent cela est un bon moment pour y aller. Va prendre un déjeuner ou prendre un café ou quelque chose et reviens parce que maintenant que la fille est là et qu'elle n'a pas complètement fini de le remarquer, je travaille toujours sur elle. Je travaille sur elle maintenant à partir d'un zoom arrière parce que quand tu fais un zoom avant, tu as une petite vision du tunnel, non ? Donc, je fais un zoom arrière. J' ai le pinceau superposé. J' essaie juste. J' ai remarqué qu'elle avait l'air un peu morte un peu plate. Mes oranges n'étaient pas aussi fortes que je le pensais en les élevant un peu. Et remarquez que maintenant, ma Dame Agnew, lumière réfléchie commence vraiment à briller tout en restant dans l'ombre. Je lui mets un peu de vert sur la gauche, là où elle est la plus proche du monstre. Je mets un peu de vert là parce que ce serait la lumière réfléchie verte venant des monstres pour fait sens, dit son visage. Maintenant, dans ce court laps de temps, qu' est-ce que je travaillais sur elle ? Elle est devenue un peu sophistiqué de peinture. Euh, bien sûr, je l'ai piégée depuis quatre heures, donc ce n'est pas comme si je pouvais le faire tout de suite, et c'est la première fois à ce stade que nous avons juste peur de quatre heures dans ce tableau . Je pense que ça peut passer est fini. Ce n'est pas encore fini. Il y en a plus. Il y a d'autres choses que j'aimerais faire, mais si quelqu'un m'éloignait de mon poste de travail en ce moment, je pourrais montrer ça à quelqu'un comme un tableau fini. Vous vous souvenez dans ma vidéo de croquis couleur, j'ai parlé de la façon dont ce n'était pas fini. Eh bien, celui-là que je considère qu'il est à un niveau où il peut passer est fini. Et à partir d'ici, tu sais, pourquoi est-ce que je travaille encore dessus ? Eh bien, regarde ça. Voici un grand changement. Tu peux toujours le changer à nouveau. Ne laissez jamais votre bloc dans la mentalité. Toujours être le bloc de la mentalité. J' ai complètement ouvert un trou béant dans ce tableau, et je dois le remplir avec, euh, c'est assez facile. Il n'y en a pas. J' ai juste rempli l'arrière-plan là-bas, et maintenant, tu sais, commence à peindre dans les lacunes. Mieux, mieux peindre sur une couleur sombre que de peindre sur une grille Photoshopped transparente. Et ça va donner. Je me suis senti compositionnellement. J' ai senti que le panier allait se rapprocher de la hauteur de cette prochaine citrouille. Il était trop similaire à placé de la même manière sur un plan à deux D en termes de hauteur, créant une sorte de version bizarre d'une tangente. Notez que maintenant la lumière réfléchie. Je n'ai pas encore eu beaucoup de lumière réfléchie dans ces citrouilles et j'ai attrapé du rouge Kulish ce rouge violant, qui va être motivé par le bleu du ciel, mélangeant avec la citrouille orange et lui donnant ce plus frais, ton chaud à nouveau. Ce n'est pas comme si la couleur était la bonne couleur. n'y a pas une telle chose est la bonne couleur. n'y a que la couleur appropriée, vous savez, si votre peinture à la lumière chaude bien, tout ce qui est dans la famille chaude sera approprié pour cette zone. Où est dans les refroidissements, vous devez être correctement dans les refroidissements et une fois de plus, avec des ombres fraîches. Vous avez beaucoup plus de jeu parce qu'il y a beaucoup plus de couleurs plus fraîches. Ensuite, il y a des couleurs chaudes dans le contexte de cette situation d'éclairage qui n'est pas une règle rapide difficile , en fait, serait juste le contraire. Si je peignais une lumière fraîche, par exemple, comme une journée nuageuse ou quelque chose, ou comme une lumière fluorescente comme Walmart utilise ou quelque chose, il y aurait plus de possibilités de couleurs chaudes dans l'ombre dans cette situation. Mais c'est une lumière plus fraîche. Désolé, c'est une lumière plus chaude. Tout cela devient plus simple lorsque vous peignez de l'extérieur. Honnêtement, si vous ne payez pas de l'extérieur, je peux comprendre comment beaucoup de discours de couleur peuvent se sentir comme abstraits. , Mais quand tu es dehors et que tu le vois,que ça marche, ça devient digeste, compréhensible et prévisible, et la couleur d'un coup n'est pas la source d'un mystère. Vous le démystifiez vous-même quand vous êtes dehors à le peindre. Et pour moi, quand j'ai commencé à m'intéresser à peindre la couleur était le mystère que je ne faisais pas. J' avais peur de la couleur. Je l'ai fait. Euh, vous savez, la plupart de mes jours de dessin étaient juste noir et blanc. De toute évidence, on dessinait avec du charbon de bois ou des crayons, des stylos ou des marqueurs, mais je ne m'attaquais à la couleur que quelques années après ma formation de dessinateur. Et ah, je me souviens littéralement avoir eu peur d'utiliser la couleur. Je ne voulais pas plonger dans les couleurs. Je ne pensais pas pouvoir le faire. C' était écrasant, comme quelles couleurs je choisis et l'une des choses qui m'a vraiment aidé avec qui est juste le principe, j'ai dit. Là où ce n'est pas, il n'y a pas de bonne couleur. C' est la couleur appropriée. Ok, je ne me répète pas trop, mais c'est un concept qui peut changer votre façon de penser à la couleur et vous faire moins peur de l'utiliser. Donc je travaille sur ces feuilles. J' aime vraiment les feuilles comme un peu de détail, avoir un se pencher contre le panier. Toutes ces petites choses que vous pouvez mettre en place à ce stade de la peinture ne peuvent vraiment se produire qu'à ce stade, mais elles contribuent tellement à la vie que sa qualité naturelle. Je me souviens qui a dit ça, mais quelqu'un a dit que, euh les marques que vous mettez à la fin d'un tableau sont les premières que les gens remarqueront parce que ce sont eux qui collent à la fin. Droit ? Tout ce que j'ai fait au début de la peinture a presque été peint . Personne ne saura jamais que j'ai commencé avec cet arbre qui a disparu. Mais les marques sur la mise en bas maintenant quatre heures après que j'ai eu quatre heures de prise de décision maintenant sont maintenant ce qui est désolé. Maintenant, je suis en train de poser les marques que les gens verront. Et juste la nature de la consommation d'art est que les gens vont supposer que j'ai eu ces réponses tout le long. C' est un peu le mystère de ah, de la peinture ou de la magie de celui-ci. C' est peut-être mieux. Est-ce que quand quelqu'un voit un tableau, l'illusion est que les artistes ont toujours eu les réponses. C' est à ça qu'est la bonne production. C' est ce que tu veux. Tu veux que ton orteil ressemble à ce que tu t'es levé un jour et que tu l'as peint . Et tu sais, tu n'as pas à dire à personne que tu sais que tu as ça. C' est une grosse affaire. Toutes ces décisions devaient y aller. Ouais, c' est pour ça que tu sais, la plupart d'entre nous adorent regarder les coulisses de, ah film, surtout des films d'animation pour moi parce que même si je connais cette industrie à l'intérieur et à l' extérieur, Je travaille dans cette industrie depuis sept ans ou plus. Cela m'étonne quand je vois les coulisses d'un film sur lequel je n'ai pas travaillé, juste combien de chèvre y est allé. Et vraiment, qui s'est mal passé, c'est ce que j'aime toujours, c'est ce qui s'est mal passé et comment l'avez-vous réparé  ? J' adore quand j'entends les coulisses d'un film Pixar, tu sais, Pixar. Ils sont connus pour raconter des histoires magistrales dans leurs films et grand Greg, grand art à, bien sûr. Et quand tu entends que tu sais tout ce qui va mal et que les virages de gauche qu'ils ont fait sur la façon dont ils ont corrigé ça, ce truc est toujours fascinant, même si rien de tout ça ne me surprend plus. C' est juste que tu ne vois jamais tout à fait ce qui peut mal tourner tant que tu n'y es pas. Et c'est quelque chose que je pense endémique du processus créatif, c'est que tu ne sais vraiment pas quels seront tes problèmes tant que tu n'y vas pas, tu y vas avec les plus grands espoirs. Tu sais, j'ai fait mon croquis de couleur. Je pensais avoir une photo cool. Même si je l'ai déjà fait. Beaucoup de fois, j'ai pensé que j'avais une photo vraiment cool que j'étais C'était une victoire sûre du feu. Mais quand j'ai commencé à peindre ça, j'ai réalisé, Oh , attends, le premier plan est faux. Les personnages ont besoin de modifications. Toutes ces choses que je ne prévoyais pas pourraient être un problème. Et le processus créatif consiste à embrasser cela, embrasser cette réalité, savoir que vous allez être confronté à des dilemmes. Et, hum, partie du travail d'artiste est de trouver des solutions et de trouver de bonnes solutions. Et devine ce que tu sais. C' est une peinture. C' est votre peinture personnelle. Vous pouvez prendre votre temps. Si vous n'avez pas de solution un jour, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. Il suffit de sauvegarder le fichier et de le ranger jusqu'à demain. Va travailler sur autre chose et revenons-y. Si vous avez ce luxe avec le travail client, parfois vous n'avez pas ce luxe. Mais avec un travail comme celui-ci, vous avez absolument ce luxe. Comme je l'ai dit, j'ai peint ça sur une période de trois jours. Ça aurait pu être quatre jours. Pour être honnête, je ne me souviens pas. Mais disons juste trois jours. C' est, tu sais, que c'est long pour moi de réfléchir aux décisions que j'ai prises à ce sujet et ensuite, tu sais, tu sais, exécuter en fonction de ce que je ressens. Et maintenant, c'est que j'enregistre cette narration environ une semaine après que j'ai fini le tableau. C' est amusant pour moi de voir les fruits du processus, et tu dois faire confiance à ce processus et comprendre que tu n'auras pas toutes les réponses tout de suite. C' est amusant pour moi de voir les fruits du processus, et tu dois faire confiance à ce processus et comprendre que tu n'auras pas toutes les Et si vous le faites , vos idées ne sont pas très uniques ou pas uniques du tout. Parce que c'est juste que je n'ai jamais rencontré quelqu'un qui a toutes les réponses tout de suite. Vous devez les trouver, et lorsque vous êtes exposé à ce processus, le processus de découverte. Ensuite, vous pouvez conclure que vous étiez en train de créer quelque chose de cool, créatif, parce que ces solutions viennent de vous et non de vous savez, le dernier film que vous avez vu ou comment un autre artiste a résolu le problème. C' est un classique et quelque chose dans lequel je tombe toujours. Parfois, je vais regarder comment d'autres artistes peignent des citrouilles ou comment un autre artiste peint quoi que ce soit. Et j'ai demandé à Teoh d'arrêter de faire ça. Je regarde toujours d'autres artistes, bien sûr, mais j'essaie de ne pas regarder d'autres artistes pour résoudre un problème que j'ai. Je veux que le problème résolu vienne de moi et que les assureurs que le travail est intrinsèquement mien, comme il me ressemble. Et si vous continuez à faire preuve de diligence dans cette arène, votre travail commencera à avoir un surnom personnel dessus. C' est toi. Et bien sûr, c'est ce que tu veux. C' est le but, non ? C' est pourquoi je suppose que vous commencez l'art en premier lieu parce que vous voulez vous exprimer. C' est pour ça qu'on revient aux dessins du gamin. C' est pour ça que j'adore regarder l'art des enfants parce qu'ils ne savent pas. Ils n'ont pas encore réalisé qu'il y a des artistes professionnels qui peuvent techniquement mieux peindre qu'eux. Ils se foutent de ces trucs. Un enfant ramasse juste une couronne et trouve des solutions. Instantanément, j'ai entendu un discours de Ted. Je ne me souviens plus du nom du gars maintenant, mais il parlait de comment ah ah ah ah ah ah ah jeune fille essayait de dessiner une image que le professeur lui a demandé, tu sais ce que tu dessines ? Et elle a dit, je dessine une photo de Dieu et la prof a dit : je dessine une photo de Dieu et la prof a dit : Tu ne peux pas le faire parce que personne ne semble pas savoir à quoi Dieu ressemble et puis elle a dit, ils le feront dans une minute. Tu ne peux pas le faire parce que personne ne semble pas savoir à quoi Dieu ressemble et puis elle a dit, Et c'est que c'est pour cela que nous devons nous efforcer. Ce qui est venu à cette petite fille si naturellement et ce qui est indubitablement tirer a le risque de perdre comme elle grandit comme nous tous. Tu dois t'accrocher à ça. Cette idée que vos solutions ont de la valeur et non seulement ont de la valeur, mais que vos solutions sont les seules. Vous étiez le seul à pouvoir arriver à votre solution particulière, alors essayez de ne pas trop regarder les autres artistes. Certainement, ils sont géniaux. D' autres artistes sont excellents pour simplement s'inspirer. Et, vous savez, je suis ami avec beaucoup d'artistes dont je respecte le travail et, vous savez, vous regardez leurs œuvres et dites, Wow, j'adore la façon dont vous avez fait ça là-dedans. Mais quand il s'agit de ma propre peinture, tu sais, j'essaie et j'essaie d'être moi-même. Ça ne veut pas dire que je ne viens pas. Cela signifie que si je trouve une solution que quelqu'un d'autre a déjà trouvée. Mais si ça vient encore de moi, alors allez-y, puis allez-y. C' est très bien. Je veux dire, tant que vous ne plagiez personne, mais, mais, euh encore, même encore, y a des chances que si vous venez avec vos propres solutions, vous serez juste légèrement différent de tout le monde ou étaient très différents dans certains cas . Donc je raffine juste des petites marques ici, tu sais, quand tu serres une zone comme ces feuilles, j'ai passé beaucoup de temps à resserrer ces feuilles là-bas. En resserrant, je me rendrai compte que vous savez que le trottoir a besoin d'un peu de serrage pour l'assortir, pour amener tout à la ligne d'arrivée ensemble. J' ai besoin que cette zone reflète maintenant les mises à jour que j'ai faites à ce sujet, puis cela affecte cela. Et cela affecte cela et c'est ce Ah, ce chemin torturé. Donc, vous savez, je mets quelques notes de couleur ici et là, puis j'évalue et puis je mets quelques notes de couleur ici et là et j'évalue sauter jusqu'au monstre à nouveau. Et juste pour, vous savez, je suis conscient que je suis proche de la fin ici, même si je pense qu'il me reste encore plus d'une heure. Mais certaines formes approchent de la fin. J' ai l'impression que, euh, il y a, je sens juste qu'il n'y a pas beaucoup plus que je puisse faire à certaines formes et, comme le monstre et l'ombre pourraient être à ce point où c'est que tu dois être prêt à laisser ça être le truc. que vous faites cela, que ce soit la déclaration. C' est un peu dur et voir non, entendu dire que Teoh regardait vos enfants grandir ou quelque chose comme ça. Je veux dire, c'est loin d'être aussi important, mais , euh , tu sais, laisser passer la porte, c'est parfois un appel difficile à faire là où tu sais, je te vois toujours comme Tous ces coups de pinceau bizarres qui ne sont pas attachés. Mais tu dois jeter un coup d'oeil et dire, oui, ok, ok, que c'est le monstre de ce tableau, surtout les nerfs, travaillant dans ce style commercial quand tu sais quand vous savez que votre travail va être vu par, vous savez qui sait combien de personnes dans un livre ou quelque chose où vous devez alors être vraiment , vraiment sûr de vous-même que la déclaration que vous laissez sur le campus est celle que vous voulez , vous savez que c'est le cas. Je pense que c'est beaucoup plus difficile de peindre de cette façon à cet égard, parce qu'il n'y a pas de bien ou de mal. Il n'y a pas oui ou non. C' est juste comme, Eh bien, je pense que c'est plutôt bon. Je pense que c'est bien. Pas juste assez bien, mais je pense que c'est vous savez qu'il montre la forme des personnages. C' est intéressant, il a du caractère en soi. Vous savez, toutes ces petites cases à cocher doivent être cochées, alors que si vous êtes comme une machine de rendu, alors tout ce que vous avez à faire, nous vous disons, bien, est-ce que j'ai rendu tout le truc ? Oui, d'accord, c'est fait. Mais dans ce cas, dans ce cas, le rendu n'est qu'un des nombreux éléments fluctuants qui font partie de la solution. Donc, vous n'avez pas beaucoup à dire. n'y a rien que vous sachiez le reste de cette illustration. En fait, tu sais quoi ? Il y a une chose importante qui change encore. Si vous retournez en arrière et regardez le tableau J réel de la finale ou de la carte de titre ou quelque chose, vous verrez ce que c'est. Et c'est C'est le seul domaine que je n'ai pas encore vraiment exploré. Je regarde ce morceau maintenant, et je pense que j'ai presque touché tous les domaines avec un oeil critique, sauf pour une zone . Et c'est douloureusement évident pour moi maintenant que j'y pense, je regarde ça douloureusement évident où c'est parce que c'est juste qu'il y a quelque chose dans ce tableau qui ne regarde pas, n'a pas encore l'air résolu, et toutes ces petites notes du point de vue du processus, elles peuvent en fait être simplement des méthodes pour vous faire gagner du temps jusqu'à ce que vous remarquiez ces choses. Tu sais, je suis juste, tu sais, juste peindre ici et là, juste regarder ces surfaces ici et là jusqu'à Bam. Une chose saute vraiment. Et encore une fois, cela est facilité en prenant des pauses, retournant la toile. Bien que le campus Flips à ce stade, j'ai un peu brûlé sur ça parce que je suis tellement habitué à la vue inverse que le campus flip ne fait vraiment pas beaucoup pour moi à ce stade. Mais c'est bon, parce que c'est fait. C' est du travail. C' est ça m'a aidé à arriver ici. Et là est une paix assez élaborée. Tu sais, tu pourrais mettre ça comme une affiche ou, tu sais, tu sais, si je pouvais imaginer, genre, genre, le titre d'un livre A en bas. Je peux imaginer que c'est comme une couverture de livre ou quelque chose comme ça. Bien sûr, si vous illustrez pour des livres, alors vous voulez être au courant du texte comme, où le texte va aller ? Je n'ai pas vraiment laissé de place pour du texte propre dans cette image, mais c'est vous savez que c'est bon. Ça ne faisait pas partie du projet. Bref pour ça. C' est une peinture autonome. livres pour enfants sont vraiment amusants, et j'adore que je travaille maintenant dans cette industrie, mais la chose avec laquelle je me bat le plus avec les livres pour enfants est d'avoir ce texte là-dedans sans, je veux dire, vous devez avoir l'impression qu'il appartient, mais en même temps, vous devez avoir l'impression que l'illustration est seule sans le texte. Et je déteste que je ne supporte pas quand les gens font l'affaire où ils ont juste mis ah patch allégé d'aérographe derrière le texte. C' est, pour moi, pour moi,la solution la plus paresseuse du livre, littéralement. Et euh, c'est à éviter, vous savez, je veux trouver plus, vous savez, ingéniosité des façons d' incorporer du texte. Mais encore une fois, on ne met pas de texte sur celui-là, donc je suis libre de devenir sauvage dans tous les domaines. Bien sûr, je dois encore orchestrer tous les domaines. Vous voulez toujours de la simplicité en jouant contre des choses plus complexes, et cette peinture est en fait assez complexe en termes d'affaires. Il y a beaucoup de zones occupées dans ce tableau qui est en train de faire qui a causé des problèmes pour moi, I Il a rendu plus difficile pour moi d'arriver à la solution parce que tout a potentiellement la capacité de réclamer l'attention tous ceux feuilles, toutes ces citrouilles et toutes ces feuilles en haut, puis en bas. Donc ma solution. Espérons que c'est simple. Je viens de donner les plus grandes formes au point focal. Au lieu des plus petites formes, j'ai donné la plus grande forme. Donc l'auvent, c'est une grande forme. Le monstre est essentiellement deux grandes formes ou une grande forme au total. Son personnage est une grande forme mais brisé en lumière et ombre droit à de grandes formes, et la fille est un peu plus petites formes. Mais j'ai accordé plus d'attention aux détails sur le visage de la fille et sur le monstre aussi. Vous êtes donc attirés sur plusieurs comptes. Voici quelque chose d'important que je fais. Je découpe un espace négatif, ce qui m'a échappé pendant un moment, mais c'est absolument nécessaire. Il aide à donner du caractère aux planches de bois qui aide à donner une nouvelle illusion de détail. Cela aide à donner de la profondeur. Tant de choses ont été créées par ces quelques formes négatives là-bas, donc je joue encore. Je pense que Mark j'ai fait une feuille tout en transformant ça en feuille. Je pense que je suis juste juste une sorte de logique de s'assurer que les feuilles ne sont pas seulement d' un côté , bien que ce que cela fait sens comment leur lourd sur la droite. Je suis totalement conscient que leur lourd sur la droite, mais cela a du sens parce que regardez le Lee regarder comment j'ai arrangé les arbres en haut comme les arbres air plus lourd sur la droite afin que ces feuilles tombent et soient lourdes d'un côté . C' était une décision consciente dont je ne 13. DigitalPaintingII part12of13: Donc, à ce stade, nous approchons de la fin. Mais je ne suis toujours pas satisfait de l'une des parties les plus importantes de la peinture. Et c'est le personnage, l'un des personnages. , Ce que je dois faire,c'est de mordre sur l'embout buccal et d'y aller et faire une opération. La première étape quand vous n'êtes pas satisfait de quelque chose, au moins à ce stade, quand vous n'êtes pas satisfait de quelque chose à ce stade et que vous l'avez laissé aller jusqu'ici, c' est un peu un problème de flux de travail, ou peut-être juste un ah, un peu de, ah, mésaventure que j'ai faite. J' ai été un peu négligent dans ce processus où j'aurais dû l'identifier plus tôt et l'intégrer dans le processus en conséquence. Mais je ne l'ai pas fait. Donc je dois faire une opération et je dois identifier ce que je n'aime pas chez la fille . Et pour moi, c'était la pose. Ce que j'aime, j'aime la tête et j'aime la citrouille. Je n'aime pas la pose. Il ne l'a pas lu. Elle ne s'est pas trop mélangée en arrière-plan ? Hum, il n'avait pas l'air de maximiser cette fête. L' illustration, Hum et c'est vraiment une chose importante que vous avez vraiment à voir avec vos points focaux , c'est que vous devez en tirer beaucoup autant que possible. Donc, je règle la pose. Je me suis dit qu'essayons de l'asseoir sur la citrouille. Quoi ? Cela La raison pour laquelle je pense que cela fonctionnera est parce qu'il mettra en valeur plus de son corps. Je pense que c'est un design mignon, et je pense que mettre son corps mawr dans la photo va juste renforcer ce mignon nous. Et je pense que la faire s'asseoir dans la citrouille est aussi aigu ou juste idée comme si c'était quelque chose que j' imagine qu'un gamin ferait dio um, alors je suis juste en train de fourrer avec quelques couches ici, avoir ses bras sur une couche juste pour que je puisse les déplacer. C' est une sorte de mode de désespoir ici, vraiment. J' essaie chaque tour. Je ne peux pas faire travailler son orteil sans avoir à tout repeindre, parce qu'à ce stade, si je devais tout repeindre , je pourrais le faire. Mais, euh, ça vaut la peine d'essayer de s'accrocher aux choses qui fonctionnent et de contourner ça C'est une sorte de chose classique que tu pourrais faire avec. Le processus créatif consiste à trouver ce qui fonctionne, puis à jeter ce qui ne fonctionne pas. Donc, d'une certaine façon, c'est ce que je fais ici. Donc je me dis qu'elle porterait ce tablier, qui est une idée que j'avais à l'étape du concept. Si vous vous souvenez, le tablier était une idée cool. Donc je suis genre, Prenons le tablier et elle sera assise sur une citrouille,Bien sûr, Bien sûr, que se passe-t-il maintenant ? Et il est très clair pour moi maintenant que je regarde en arrière, c'est que son corps a l'air un peu de Frankenstein est allé à la tête ou que sa tête ressemble à Frank signé sous son corps. Les choses qu'ils ne travaillent pas de manière cohérente, il n'y a pas de synergie là-bas. Alors je le ferai. Je vais découvrir cela dans quelques minutes, et je vais corriger ça. Mais en ce moment, je prends juste le premier coup de couteau dans ce que je pense qu'il sera là. Donc il y a l'outil de distorsion qui la déforme. Ça aide un peu, vraiment. Le problème, c'est sa tête semble trop loin à gauche. J' aime juste que je pense que j'ai juste défait ce que j'avais fait avec l'outil de distorsion. positionner est là où les couches aident. Mais je pense que sa tête est trop loin à gauche, et c'est quelque chose que je vais aborder est bien. Et je pense qu'une fois que j'ai remarqué que les choses commencent à se mettre en place, donc je ne suis pas vraiment frustré ici. Mon état d'esprit n'est pas de la frustration. C' est juste que, euh c'est juste, je suppose, un peu de coups de pied pour l'avoir laissé aller aussi loin sans avoir réparé ça là. Je répare la tête en raison de la fixation du torse dans la poitrine. Ses bras ont l'air un peu Donkey Kong. Isha va bien, mais c'est juste parce que je l'ai découpé en couches et que je suis, vous savez, littéralement le regrouper 11 pièces du temps. Voilà la tête, essayant de la mettre au bon endroit. C' est là que ah, tu sais, illustration n'est pas une sorte de, tu sais, quelque chose de magique. Vous devez frapper la tête contre le mur parfois pour que les choses fonctionnent. Et Photoshopped facilite vraiment ce processus où vous pouvez couper une tête vers le haut et la déplacer . Ce serait très difficile à faire dans traditionnel. Cela nécessiterait un redessinement la plupart du temps. Mais revenons à utiliser vos points focaux, le personnage monstre et l'auvent. Je pense que les deux ont fait du bon travail en utilisant, vous savez, le plus utilisé d'eux. Le monstre a une expression faciale très invitante. J' aime vraiment la façon dont il regarde directement le spectateur qui fonctionne vraiment. Et le visage de la fille, Teoh. Je n'ai pas changé le visage de la fille. Elle regarde directement le spectateur, donc il y a beaucoup de choses dans le point focal qui sont engageantes, et je suppose que c'est un bon mot à utiliser. Le point focal doit engager le spectateur. Donc c'est une décision émotionnelle, vraiment, que vous prenez quand il s'agit de la finition de peinture. Tu sais, ce point focal est vraiment bon ? Parce qu'avant il n'y a rien de mal techniquement avec la fille. Avant que je la change, c'était juste une décision Nim Ocean comme si elle ne l'était pas vraiment. Je ne l'utilise pas au maximum de son potentiel dans ce tableau. Et puis le correctif pour ça, c'était ma nouvelle réaction émotionnelle. J' ai pensé que j'aurais besoin de son cadre Maurin, tu sais, mettrons son corps plus en valeur. Mettons-la sur la citrouille. Une pose plus mignonne, c'est tout ce que tu sais. n'y a pas de bien et de mal. C' est juste ma solution au problème. L' important est de savoir quel est le problème, et ensuite, vous savez, c'est juste de découvrir vos propres façons de le résoudre. Parce que vous devriez apprendre à compter sur vous, ce sont vos émotions. Tu devrais. Vous devez être conscient que votre contexte émotionnel joue un rôle énorme dans la façon dont vous allez sur votre peinture, et vous devez faire confiance que vous prendrez de bonnes décisions si vous faites simplement confiance à vos émotions. Vraiment, bien sûr, c'est secondaire à votre compétence. La compétence doit être là pour exécuter les commandes, est-ce pas ? Comme si je ne sais pas peindre, , alors je ne devrais même pas vouloir être capable de le faire. Bien sûr que tu dois étudier. Je parle de je suppose en quelque sorte que vous venez dans une illustration comme celle-ci avec, vous savez, avoir fait des devoirs dans une étude dans le passé, et vous cherchez à voir ce que vous pouvez retirer de votre l'imagination. À ce stade, vos émotions jouent un rôle crucial. Lorsque vous étudiez en classe, vous devriez essayer de laisser vos émotions hors de lui. Vous devriez essayer de ne pas créer d'art de citation sans citation dans la salle de classe. À mon avis, dans la salle de classe n'est pas l'endroit pour créer sont vous devriez juste être là pour étudier comme si vous étiez un bodybuilder dans la salle de gym, travailler sur la construction de vos bras Ou, vous savez, faire votre les épaules soient aussi grandes que vos bras ou quelque chose comme ça. Vous devriez, euh, essayer de comprendre où sont vos faiblesses quand vous êtes en classe et que vous travaillez dessus . Ah, j'ai mentionné dans mon autre vidéo que la peinture numérique une. C' est récemment que j'avais fait tout un tas de dessin à la main et la raison pour laquelle j'ai dessiné beaucoup de mains yeux, parce que je pense que je suis faible. Je suis plus faible avec les mains qu'avec, disons,des disons, têtes ou des corps ou quelque chose comme ça. Les mains sont toujours les mains sont notoirement difficiles, et pour moi, ils ont toujours été un point de résistance. Pour une raison ou une dispute, je ne sais pas, mais je ne sais pas pourquoi, mais pour une raison quelconque, mais pour une raison quelconque main a toujours été difficile, comme si je pouvais tirer la main, mais j'ai vraiment un orteil. Je trouve que c'est toujours une lutte. J' ai dessiné beaucoup de mains ces derniers temps, et quand je dessine mes mains, je ne les montre à personne. Je ne les sauve même pas, vraiment. Je les dessine et, vous savez, les supprime. Je veux que l'information entre dans mon cerveau. Je me fiche de ce que je mets sur le journal. Je veuxqueles résultats soient bons, mais bien sûr, maisje m'en fiche, tu sais, montrer ça fait partie de mon répertoire artistique, n'importe quoi. que Je veuxqueles résultats soient bons, mais bien sûr, mais je m'en fiche, tu sais, tu sais, montrer ça fait partie de mon répertoire artistique, Je veux juste que cette information soit dans ma tête. Donc, quand je fais une illustration comme celle-ci, je peux dessiner une main qui n'a pas l'air d'un cliché ou une main qui semble appartenir au personnage sur lequel je la dessine. Donc ah, tout le fait est que quand vous êtes en classe, essayez d'étudier, essayez d'étudier, travaillez sur ce que vous êtes faible, et quand vous illustrez comme ça, vous serez capable de tirer sur ces outils sur lesquels vous avez travaillé et les faire exprimer à leur plus haut potentiel, et c'est là que vous apportez votre émotion et que vous créez de l'art. D' accord ? L' art est comme si je ne savais pas quelle est la définition de l'art, mais les compétences avec des émotions attachées, je dois y travailler. Mais, tu sais, c'est comme ça que je pense à ces choses. La dernière chose que je veux faire quand je peins une illustration quand j'illustre est la dernière chose que je veux faire est de me demander si oui ou non j'ai les côtelettes pour le faire. Je veux supposer que je peux, vous savez, je veux le supposer. Mais je veux aussi savoir qu' , fois cette illustration terminée, il n'y a pas de honte et retourner en mode étude et dire, Ok, Ok, ce qui a fonctionné et ce qui n'a pas fonctionné et nous allons ah, vous savez, étudions-les en conséquence. Prenons ce qui n'a pas fonctionné et, tu sais, décomposer un peu et étudier un peu. Et prenons ce qui a fonctionné et rappelons-nous qu'ils ont fonctionné et, vous savez, j'espère que ça marche à nouveau. La prochaine fois que j'essayerai un autre poste pour son bras ici. Je pense à une vague que j'avais le bras étendu comme si tu agissais. Je l'efface. Je n'ai même pas pris la peine d'essayer de le faire jusqu'à la fin, mais je ne pense pas que ça a fonctionné. Ça a juste étouffé cette partie du paiement trop. Une chose que j'aime qui fonctionne. Ici, il est l'espace négatif fait entre la fille et le monstre. Il y a aussi un tronc d'arbre dans cet espace négatif, qui fonctionne aussi. Je pense que c'est rompre l'espace négatif d'une manière qui n'est plus autoritaire. Rappelez-vous, que peut supporter la peinture ? Et que cette question peut filtrer jusqu'aux plus petits espaces, comme l'espace négatif entre la fille et le monstre. est tout ce dont un illustrateur a besoin pour faire l'inventaire de ces petits espaces négatifs , de ces formes positives et peu de décisions posant. Toutes ces choses que le spectateur prendra pour acquis, même un autre artiste regardant cela prendra cela pour acquis. La plupart du temps, ce n'est qu'un esprit analytique qui plongera dans un tableau et remarquera vraiment chaque petite chose et l'appréciera. Appréciez le point de savoir que l'artiste a dû prendre une décision sur le fait qu' il est très rare pour quelqu'un de plonger dans un tableau à ce niveau de profondeur, même un autre artiste. Bien sûr, un non-artiste ne saura même pas que cette couche existe, donc ils le prendront pour acquis. Et c'est très bien. Totalement très bien. Vous voulez que les gens prennent pour acquis que, bien sûr, c'est l'image que vous avez inventée, et si vous vouliez faire croire que c'est arrivé, vous savez, comme si c'était arrivé. Hum, vous savez, la réalité est pourquoi les vidéos comme celle-ci et d'autres artistes sont utiles parce que ça vous montre et, vous savez, quand je regarde d'autres vidéos d'artistes, ça montre moi combien il y a dedans et quels sont les pièges, ce sur quoi cet artiste doit se concentrer. Et, vous savez, les choses qui ont été éditées et les choses qui ont été ramenées. C' est tout ce qui est utile pour un artiste de savoir dans les coulisses. Et c'est là que je pense que des vidéos comme celle-ci sont vraiment, vraiment bénéfiques, c'est que vous voyez, le processus est mis à nu devant vous, et c'est vraiment ce que j'essaie de mieux vous montrer ici. Bien sûr, enregistrer toute la peinture comme ça aide vraiment, vraiment. Et dans mon commentaire, j'essaie de l'expliquer. Donc voici quelque chose que je pense est mignon petits pieds minuscules. Je pense que c'était ce qui manquait auparavant. Une fois que je découvre que tout d'un coup il semble plus mignon et donc mieux dans ce tableau. On dirait que si cette fille se levait, sa tête voudrait peser son corps. On dirait que si cette fille se levait, Mais je pense d'une manière mignonne, pas irréaliste. C' est comme une sorte de déclaration de caricature que je reçois enfin après 4,5 heures qui commence enfin à ressembler à quelque chose que je serais bon d'aller en finale avec quelque chose que je serais OK pour montrer quelqu'un d'autre et dire C'est mon idée et c'est ça me rend heureux . Quand j'ai enfin frappé cette scène et que j'ai vu ce que j'ai fait, j'ai passé aux citrouilles. J' ai déménagé dans une autre zone parce que je sais que j'ai ça dans le sac. J' ai cette fille dans un endroit où je pense que ça va marcher. Non pas que j'en ai fini avec elle. Tu verras. Bientôt, je le ferai. Je dois ajouter son autre main,bien sûr, bien sûr, essayant d'obtenir ses doigts pour toucher subtilement son autre main quand les mains touchent les mains. C' est toujours une pose très, euh, très portante. C' est la narration. Ça amène quelqu'un à ressentir de l'émotion. C' est une chose difficile à dessiner, la main touche une autre main. Mais même le toucher subtil comme quand un personnage touche comme ça. J' aime faire ça autant que je peux. Et encore une fois, une main touchant l'autre main est une bonne chose pour ça, parce quenous le faisons tout le temps dans la vie quotidienne. Et encore une fois, une main touchant l'autre main est une bonne chose pour ça, parce que Vous savez, essayez d'essayer et, ah, sortez un peu de vous-même et regardez-le ou regardez d'autres personnes regardant les autres sur la fréquence de leurs mains touchent et vous verrez que c'est vraiment un aperçu leur caractère et leur état émotionnel. Il peut indiquer la timidité, il peut indiquer une sorte d'intériorité ou de pensée. C' est un outil incroyable que vous pouvez utiliser. Donc avec cette fille, je pense que je l'ai fait instinctivement. Mais ce que je pense que ça m'amène à penser, c'est que cette fille posait pour une photo comme si sa mère était là ou son père ou quelque chose comme ça, prenant une photo d'elle et de son ami, le monstre à leur stand de citrouille. Et c'est, tu sais comment elle pose. Elle est un peu nerveuse, mais heureuse et encore, tu sais, encore un peu courageuse, assez courageuse pour s'asseoir sur cette citrouille. Mais la main vous montre un peu de ce qui se passe dans sa tête, et j'aime ça. Alors essayez de vous accrocher à ces choses que vous connaissez, travaillez, Ah, dessinez des mains en touchant d'autres mains et vous remarquerez que dans ma peinture, ce n'est pas très compliqué, mais dans ma tête je l'ai ajouté. Toutes les choses qui sont compliquées, parce que je veux que ces mains soient simples là très petites pour qu'elles ne donnent pas beaucoup de détails. Donc j'ai dû éditer ça. Ce n'est pas que peindre des choses simples est plus facile. En fait, c'est plus difficile parce qu'il faut savoir ce qu'il y a vraiment là que de l'enlever. Ou bien si vous si parfois vous pouvez vous en sortir avec quelques coups de pinceau chanceux. Mais si vous ne savez pas ce qu'il y a là, cela se montrera tout au long de votre peinture. Certainement il le fera. Tu peux peut-être, tu sais, sortir avec elle. Les doigts sont comme des petits blobs en ce moment. Vous pouvez voir