Peinture avec des médias à base d'eau : acrylique, aquarelle et Gouache

1. Aperçu du cours: Bienvenue à la peinture avec des supports à base d'eau, acrylique, de l'aquarelle et de la gouache. Je suis Nina Wise. Dans ce cours, je vais vous apprendre à travailler avec des supports à base d'eau, y compris l'acrylique ou l'aquarelle, gouache et les crayons de couleur à base d'eau découvrirez en quoi ces médiums diffèrent les uns des autres, découvriront leurs propriétés uniques et apprendront à les utiliser de nouvelles manières passionnantes. Je peins et dessine depuis l'âge de 11 ans et je n'ai pas arrêté depuis. Je suis basé à Chicago, dans l'Illinois, et j'enseigne dans mon studio. Mais j'enseigne également dans des universités et des stages artistiques à travers le pays et je me suis rendue en Europe avec des étudiants chaque été. Je suis un artiste professionnel, tout comme les peintures et les dessins se trouvent dans des galeries et des collections d'entreprises à travers les États-Unis. Nous allons commencer par quelques notions de base que vous devez connaître sur les supports à base d'eau en général Je vais vous montrer pourquoi la gouache est l'un de mes médiums préférés avec sa polyvalence et sa finition veloutée, vous verrez comment utiliser l'aquarelle pour obtenir un look nuancé et délicat. Ensuite, nous utilisons des crayons aquarelle pour créer un magnifique paysage. Enfin, je vais vous montrer comment travailler avec une palette limitée de six couleurs et de la peinture acrylique blanche pour créer des œuvres d'art riches et vivantes. Très bien, allons-y. 2. Introduction: Je suis tellement heureuse que tu aies choisi de commencer à peindre. Et je suis là pour rendre les choses aussi faciles et enrichissantes que possible en vous fournissant des informations et en éliminant les obstacles sur votre chemin. Dans cette leçon, je vais donc vous présenter rapidement les différents médias. Je vais vous aider à configurer votre espace de travail pour optimiser votre réussite. Nous allons passer en revue quelques notions de base sur la théorie des couleurs. Un peu plus sur moi. Tout au long de ma carrière, j'ai utilisé de nombreux médiums différents. J'ai commencé comme peintre à l'huile, puis je suis passé au pastel. J'ai fait des crayons de couleur. J'ai travaillé avec de l' acrylique et de l'aquarelle. Et je tiens à vous dire que vous n'êtes pas obligé de choisir un seul média comme spécialité. En tant qu'étudiant, vous devriez vous sentir libre d'expérimenter et renseigner sur les différents médias qui s'offrent à vous. Donc, les types de supports que nous allons utiliser dans ce cours, à savoir notre aquarelle, nos crayons de couleur , notre peinture à la gouache, peinture aquarelle et notre peinture acrylique. N'oubliez pas que vous n'êtes pas obligé d'en choisir un seul. Permettez-moi donc de vous parler de ce qui se cache derrière les médias et de leurs différences les uns des autres. Nous allons commencer par la peinture acrylique. Donc, en général, lorsque vous avez un support de peinture, vous avez trois éléments. Vous avez un liant, un pigment et un agent de remplissage. Et ce qui différencie vraiment supports à base d'eau les uns des autres, c'est le liant. Les fluides à base d'eau sont donc considérés comme de la tempera ou, en italien, pour falsifier. Vous utilisiez de la tempera quand vous étiez à l'école primaire, c'était ce pigment sec, le produit que vous ajoutiez de l'eau au pigment. Nous avons de l'acrylique pigmenté, mais le liant est un polymère, ce qui rend l' acrylique brillant. Ensuite, nous avons l'aquarelle. L'aquarelle, encore une fois, un médium à base d'eau, un pigment. Votre cartable est un peu de gomme arabique. Et le pigment est broyé un peu plus finement parce que nous voulons de la transparence. Puis avec ta gouache. Encore une fois, le pigment, le matériau de remplissage qui différencie vraiment la gouache. C'est une craie blanche qui contribue à l'opacité. Alors que l'aquarelle peut être utilisée et est généralement utilisée de manière transparente, la gouache est utilisée en couche opaque et encore une fois, un peu de gomme arabique. Enfin, voici mes crayons de couleur aquarelle, qui sont des objets merveilleux parce que c'est un outil de dessin qui agit également comme un support de peinture, car nous pouvons toucher les crayons de couleur avec de l'eau et créer des lavis, ou nous pouvons les utiliser comme trait. Donc, si vous pensez à l'utilisation de la peinture à l'eau dans l'histoire, les toutes premières peintures que nous connaissons étaient des peintures rupestres. Les pigments étaient des objets que l'on trouve généralement dans une grotte. Nous avions la pierre, le carbone provenant du feu. Nous avions un costume blanc à cause du feu. Et comment appliquer la peinture sur le mur ? Nous le mélangeons avec de l'eau. Nous pouvons également parler de fresques anciennes, miniatures persanes et de manuscrits enluminés, plutôt que de vous montrer tous les échantillons. Ce serait le moment idéal pour jeter un coup d'œil au matériel pédagogique. Eh bien, je vais vous donner une liste pour que vous puissiez faire des recherches, regarder quelques exemples fabuleux et vous pourrez voir aussi loin que les peintures rupestres et les fresques. Nous avons tous utilisé des peintures à base d'eau. OK, alors souvenez-vous que j'ai parlé de suppression des obstacles à votre pratique de la peinture. L'un des plus importants est votre espace de travail. Parlons de l' aménagement de votre espace de travail. Alors tu es gaucher ou droitier ? Nous pourrions utiliser le mot ergonomique ici. Des étudiants gauchers ont placé leur palais sur le côté droit et vice versa. J'ai eu des étudiants qui ont mis leur palais à fond, alors ils ont dû faire du jogging , puis revenir en arrière. Vous voulez donc vous faciliter la tâche ? Je suis droitier sur ma palette, mes pinceaux, ma source d'eau, mes peintures, mes références, tout est à portée de main. Parfois, un obstacle peut être la présence de cheveux dans les yeux. Je vais donc mettre le mien en place. D'accord. Donc, lorsque nous parlons de l' aménagement de votre studio, nous devons parler de la manière dont vous allez réellement peindre sur votre toile. Je garde mon support en place au lieu de le placer complètement à plat. Lorsque votre toile est complètement plate, vous pouvez rencontrer un problème de raccourcissement, c' est-à-dire lorsque l'image semble condensée. De cette façon, je peux voir mon travail sans aucune distorsion. Mais si je travaille plus de huit sur dix, il se peut que je passe sur mon chevalet et que je travaille verticalement afin d'éviter toute distorsion. Toutefois, si vous travaillez à l'aquarelle, à moins que vous n'aimiez l'effet goutte à goutte, vous ne devez pas travailler à la verticale, car vous ne devez pas travailler à la verticale, car l'eau suivra la gravité et s'écoulera partout. Je l'ai donc un tout petit peu préparé. Vous aurez sûrement quelque chose dans votre studio que vous pourrez glisser sous la toile et travailler avec lui de cette façon. Très bien, parlons des palettes. Je sais que c'est très romantique de vouloir rester là avec cette palette ronde classique avec le pouce dans le trou. Et vous pouvez l'utiliser lorsque vous peignez à l'extérieur, car la distance jusqu'au sol est longue, mais je n'ai pas besoin de tenir ma palette en studio. Mes besoins sont un peu différents. Ce que je veux, c'est une salle de mixage adéquate. Je veux des puits pour ma peinture. J'ai une zone de mixage supplémentaire la pochette et je l'utilise lorsque j'en ai fini avec mon travail en studio Je vais manquer la peinture masquée et je suis prête à partir pour le lendemain. Et c'est un avantage si vous pouvez trouver un espace dans votre maison pour installer votre studio sans avoir à le démonter à la fin de chaque nuit, vous n'aurez aucune excuse lorsque vous vous réveillerez le lendemain matin, vous êtes prêt à partir. Parlons des pinceaux. Vous remarquerez que j'ai une variété de pinceaux et un certain nombre de pinceaux. Et nous avons quelques différences fondamentales que j' aimerais vous expliquer. Vous remarquerez que j'ai des pinceaux à manche court. J'ai des pinceaux à manche long. J'ai ce qu'on appelle un pinceau plat. C'est une variété d'un brillant à un plus court. Un appartement est un appartement plus long. J'aime utiliser les lumières pour plus de contrôle. La ronde arrive à un point qui est très, très utile. J'aime utiliser des pinceaux à manche court pour le contrôle. J'aime utiliser des pinceaux à manche long pour plus de gestes. Ce sont des pinceaux synthétiques. Vous n'êtes pas obligé d' utiliser des brosses à poils. Elles sont plus douces. Ils ne laissent pas de traces. Ils sont facilement clivables et un peu plus économiques. Cela ne nous dérange donc pas d'avoir plusieurs pinceaux, car je ne veux pas en choisir un et devoir le nettoyer continuellement. En général, je me retrouve avec cinq ou six pinceaux dans une main et je peins de l'autre comme ça. Vous n'avez pas besoin d' autant de pinceaux. Nous avons une bonne variété de produits. Une autre chose dont j' aimerais parler est le fait que je suis debout. Pourquoi ne suis-je pas assis ? J'ai donc mentionné l'utilisation d'un pinceau à long manche pour les gestes. Lorsque vous êtes assis, vous avez tendance à saisir votre pinceau et à saisir ce que j'aime appeler la poignée mortelle. Et vous faites un tout petit geste lorsque vous vous tenez debout, vous avez tendance à déplacer votre main de votre épaule et vous recevez le geste de tout votre bras. Vous pouvez également prendre du recul par rapport à votre travail et voir les choses. Cela me donne donc plus de variété et plus de gestes. Et tu peux t'asseoir si tu es fatiguée. Mais en ce qui concerne le travail, je préfère toujours parler de peinture. Nous devons parler de la théorie de base des couleurs. Vous remarquerez que je n'ai que sept tubes de peinture ici. Vous vous demandez peut-être pourquoi. Laisse-moi t'expliquer. Il existe trois couleurs primaires dans les pigments de peinture, le rouge, le jaune et le bleu. Cependant, j'ai un bleu chaud et un jaune frais. J'ai lu avec ces six couleurs plus le blanc, je peux absolument tout mélanger. Cependant, si j'essayais de créer une violette en utilisant mon rouge chaud et mon bleu froid, j'obtiendrais probablement de la boue, comme beaucoup d'entre vous en ont peut-être fait l'expérience. Permettez-moi de vous expliquer les couleurs chaudes et froides. Si vous regardez une roue chromatique, vous remarquerez qu'une partie de la roue chromatique semble se déplacer vers la lumière. Et c'est ce que nous appelons les couleurs chaudes. Celles-ci allaient de la lecture au jaune. Ensuite, nous avons une gamme de couleurs sur la roue chromatique que nous appelons couleurs froides. Ils semblent se déplacer dans l'ombre. Ce sont des fourchettes un peu plus petites. Ils passent du bleu-violet à peut-être au bleu-vert. Nous avons des couleurs vives, ce que j'appelle des couleurs relatives ou oscillantes, qui peuvent être conçues pour donner un aspect chaud ou froid. Mais pour ce qui est de nos besoins, ce que je veux que vous voyiez, c'est que je retire le bouchon de mes tubes de peinture et que vous pouvez les regarder ensemble. Vous remarquerez que l'un d'entre eux semble avoir un peu de bleu à l'intérieur. On pourrait même dire qu'il fait plus sombre. C'est ton rouge cool. C'est la quinacridone. Le pourpre ou l'outremer, excusez-moi, le pourpre Alizarin. Et ton chaud sera ton père, Red. Nous avons donc une recette pour mélanger vos produits secondaires à vos produits primaires, qui sont chauds et ceux qui sont froids. Et je les aurai tous listés pour vous afin que vous puissiez mélanger avec précision vos secondaires. Donc, si vous regardez la roue chromatique, vous remarquerez qu' entre le rouge et le jaune, devinez quoi ? Orange. Et entre les deux. Et le bleu, nous avons le vert. Et entre les deux. Le bleu et le rouge sont ton violet. Ce sont vos appareils secondaires. C'est aussi simple que cela. Ensuite, entre vos écoles primaires et secondaires, nous avons vos tertiaires. Rouge, orange, jaune, orange, bleu vert, jaune vert, bleu, violet, rouge, violet. Et voici votre roue chromatique. Je peux mélanger absolument toutes les couleurs ici. Je peux mélanger mes bruns. Un brun est en fait un complément neutralisé. Que sont les compléments ? Encore une fois, regardons la roue chromatique. Lorsque vous regardez une lecture, si vous passez directement par la roue chromatique, vous verrez que son opposé est le vert. Si vous avez déjà regardé quelque chose de rouge trop longtemps, disons trente secondes, détournez le regard, vous voyez du vert. Ce qui s'est passé, c'est que les cônes de votre œil se sont fatigués. Pour soulager cette fatigue. Vous voyez à quel point ils se complètent. Ils se neutralisent mutuellement. Ainsi, lorsque nous mélangeons du rouge au vert en passant par le centre de la roue chromatique, si vous pouviez imaginer un grand N pour le neutre , ce sont vos bruns. Nous ne voulons pas toujours mélanger un brun. Parfois, on a juste envie de doubler un rouge. Nous mélangeons un peu de vert. Donc, de cette façon, j'ai mélangé Brown, neutres, secondaires, tertiaires, et je modifie la valeur. Donc j'ai du blanc. Les couleurs pures sont donc appelées couleurs à valeur spectrale. Ils sont là. On peut également dire que ces couleurs sont intenses ou saturées pour saturer une couleur. Je veux changer la valeur, je vais ajouter du blanc. Vous remarquerez également que je n'ai pas de noir ici. Parce que nous peignons avec de la couleur. Nous n'utilisons pas de noir. Le noir est l'absence de couleur. Comment créer un pigment foncé ? La couleur est réductrice et vous en avez probablement fait l'expérience lorsque vous étiez à l'école primaire. Que s'est-il passé ? Quand tu mélanges trop de peinture ? Tu as de la boue. Ainsi, plus vous mettez de couleur, moins la lumière peut sortir. Donc, ces couleurs sombres et noirâtres ne sont que des couches primaires superposées. Donc, si vous pouvez le voir dans votre nature morte, dans votre paysage, ce n'est pas du noir, c'est une couleur qui inclut vos ombres. Ainsi, avec mes sept tubes de peinture, je peux mélanger absolument toutes les couleurs que je veux. L'exception, cependant, sera lorsque nous aurons accès à nos crayons de couleur, car nous ne mélangeons pas physiquement les crayons de couleur ensemble. Nous les superposons. Nous avons en fait besoin d'un ensemble plus grand avec des couleurs différentes qui réduisent l'intensité chromatique. Encore une fois, cela signifie des couleurs blanc est déjà mélangé. Très bien, donc nous sommes prêts. Assemblons votre studio. N'oubliez pas qu'il est très bénéfique d'essayer de trouver un endroit où vous n'aurez pas à nettoyer à chaque fois. Bien, rassemblons votre peinture et préparez-vous à partir. Dans notre prochaine leçon, nous allons commencer à peindre dans ce qui s'appelle 3. gouache: Cette leçon concerne le lavage. Vous pensez probablement à la gouache. C'est un mot amusant à dire. Alors GRU et CHA. C'est le médium à base d'eau qui ressemble le plus à la tempera. Il contient un cartable légèrement en gomme arabique, et il vous semblera très familier à celui et il vous semblera très familier à que vous avez peut-être utilisé à l'école primaire. Cela ressemble beaucoup à la tempera medium. J'adore utiliser la gouache. Il sèche, velouté, vous obtenez une couleur très subtile et profonde. C'est l'un de mes médiums préférés raison de sa texture veloutée, il ne réfléchit pas la lumière, il l'absorbe, ce qui donne cette texture veloutée. Dans cette leçon, nous allons donc travailler à la préparation d' une planche à peindre à la gouache. Nous allons parler de la manière d'obtenir une surface plane et uniforme pour un aspect plus graphique avec la gouache. Nous allons également créer une variété de textures en utilisant des lignes plus fines et une technique appelée scumbling. Encore une fois, la gouache est comme une température plus sophistiquée. Cela vous donnera des couleurs plus profondes. Vous pouvez le superposer car il s'agit d'une couche opaque. Le mastic à la craie blanche est ce qui permet d' utiliser la gouache en couche opaque. Et encore une fois, il y a un classeur qui ne se trouve pas dans votre classe scolaire, peinture à la détrempe, c'est de la gomme arabique. Il est soluble dans l'eau et généralement utilisé pour une couverture opaque à un stade précoce Il peut être dilué avec de l'eau pour être utilisé comme produit de lavage. Mais il faut faire attention à la gouache, car si vous en déposez une couche et que vous faites ce que j'appelle un gommage d'avant en arrière avec votre pinceau. La surface de travail ne sera pas étanche et vous ferez remonter autres couches, ce qui créera de la boue. Rappelez-vous donc que la gouache est toujours perméable à l'eau. Cela signifie que lorsque vous travaillez avec, vous devez faire attention à vos coups de pinceau. Et lorsque vous souhaitez encadrer votre beau projet fini, vous devez le protéger. Vous devriez le mettre sous un verre ou sous du plexi pour éviter de jeter une tasse de café dessus. Vous pouvez peindre à la gouache sur papier. J'utilise l'ennui parce que si votre papier n'est pas assez épais, il ondulera dès que vous commencerez à toucher cette planche. Excusez-moi, ce papier rempli d'eau ondulera. Nous allons parler de la façon de préparer cette planche pour y utiliser de la gouache avec Jess. Donc, la première chose dont nous devons vraiment parler est d'obtenir une planche de cette taille. Vous pouvez donc acheter une planche qui mesure généralement 18 x 24. Tu vas devoir le couper. J'ai choisi une planche plus épaisse pour éviter cette ondulation et qui possède une surface magnifique. C'est très agréable à peindre, mais c'est un peu difficile à découper. Nous allons donc en parler. Ce qui est vraiment très important, c'est que vous utilisiez une belle lame utilitaire lourde, non un couteau Exacto fin. La lame vacillera et vous n' obtiendrez pas une coupe droite. Le secret réside donc dans les patients, vous devez couper à l'aide d'une règle en métal et répéter très lentement votre ligne. J'aime me coucher sur le sol parce que je peux mettre tout mon poids à la fois sur la planche la règle, et répéter cette coupe plusieurs fois. Ne vous impatientez pas et ne vous déchirez pas, vous aurez un avantage irrégulier. Donc, si vous voulez obtenir un bord net, une règle, un poids, une lame neuve, une belle lame utilitaire lourde. Et maintenant, nous allons aborder le plateau avec un peu de Jess. Alors laisse-moi t'expliquer ce que Jéricho représente pour toi. Voici donc ma planche nue. Si je peins dessus directement à la gouache, la planche trempera dans l'eau et ma peinture sera vraiment dure. Le gesso est donc utilisé pour créer une barrière qui permet à la peinture d'adhérer non pas à la planche mais à la Jess. Oh, c'est donc une barrière entre ta peinture et le tableau. J'ai donc un petit pot de Jeff. Donc, ici, vous n'avez pas besoin de mélanger cela avec de l'eau. La consistance est absolument parfaite telle qu'elle est. J'ai un pinceau Gesso spécial, plus grand et plat. n'est pas nécessaire que ce soit une brosse très coûteuse, mais il est important qu'elle soit plus grande et plus plate et que les poils ne soient pas vraiment raides, car nous ne voulons pas laisser de très grandes marques sur la planche. Et le moyen d'éviter de laisser ces grandes marques est d'en faire deux en une couche, car je vais en faire trop en une seule couche pour aller dans une seule direction. Continuez simplement à charger votre brosse. Tu peux voir que quand je n'en ai plus, ça devient un peu chahuté. Encore une fois, nous avons une astuce pour empêcher cette planche de déformer dès que vous mouillez un côté, elle commence à se recroqueviller. Donc, quand j'en aurai fini avec ça, je vais créer un X bâclé sur le dos de ma planche. D'accord ? Je vais donc arranger les choses et aller dans une seule direction. C'est fabuleux. Et je vais faire un x humide au dos de la planche. Voici donc mon seau à eau. X marque l'endroit, ce qui le maintiendra ou neutralisera en quelque sorte sa tendance naturelle à se déformer, puis je dois le laisser sécher. OK, j'ai donc changé de planche sur U pour vous montrer une planche parfaitement sèche et lisse sur laquelle j'ai fait une deuxième couche. Maintenant, j'ai des étudiants qui aiment utiliser un tableau parfaitement lisse. Ils peuvent donc faire une couche , puis poncer et ensuite faire une deuxième couche. Mais en fait, l'astuce pour le rendre assez fluide aller dans un sens, comme je l'ai fait en deuxième couche, dans l' autre sens. Voici ma planche, parfaitement plate. Je suis prêt à partir. Nous allons commencer à peindre quelques échantillons k. L'astuce pour obtenir des couleurs plates, belles et uniformes est, comme je l'ai dit, faire couler votre gouache votre pinceau comme de la mayonnaise par une chaude journée d'été. D'accord. Cela signifie que je suis toujours en train de m'embêter avec l'eau. Je ne vais pas peindre directement à partir du tube. Comme vous le voyez, je vais commencer à mélanger couleurs qui finiront par ressembler un peu à ceci. OK, nous avons donc échantillon chaud avec un coup de pinceau froid dessus. Nous avons besoin de contraste, sinon vous ne pouvez pas voir ce que nous faisons. Nous avons donc du chaud, du frais, du chaud, de l' obscurité, de la lumière et de la lumière, de l'obscurité. Et puis nous avons quelques lignes de travail complémentaires. Le dessin au trait doit être opaque et vous voulez que votre échantillon soit également opaque. Commençons donc à mixer. Donc, comme je l'ai dit, nous voulons toujours utiliser un peu d'eau. J'ai extrait ma palette pour pouvoir retirer la peinture et ne pas contaminer la majeure partie de la tache. Et j'utilise un jaune vif et un peu de rouge. Un autre truc, c'est un M. J'ai deux messieurs ici. C'est ma méthode éprouvée. voyagé partout avec moi, Monsieur Et c'est juste un flacon de laque à cheveux usagé, propre et vide. Vous pouvez également acheter un beau Monsieur parfaitement propre dans le magasin d'art qui ressemble beaucoup à celui-ci. D'accord. Et c'est un très bon moyen de faire couler de l'eau sur votre palette sans avoir à tremper continuellement votre pinceau. Une autre astuce est d'utiliser suffisamment de peinture. Si vous n'utilisez pas suffisamment de peinture, votre couverture ne sera ni opaque ni uniforme. Il ne s'agit donc pas seulement de mettre la peinture sur le tableau, mais aussi de la façon dont vous obtenez la peinture sur le tableau. Le mixage est très important. Je veux que le mixage se fasse sur ma palette, pas sur mon tableau. Tu dois faire attention aux surprises, ce que j'appelle des surprises sur ton pinceau. Essaie donc de nettoyer un peu ces bords. Et je vais accéder au tableau. Moins il y a de coups, mieux c'est. Mais tant qu'il fait encore humide, je peux travailler dessus. Je vais juste commencer à poser cette peinture, voir comment elle coule si bien. Maintenant, vous remarquerez que je fais de longs coups et que je peux aussi essayer de toucher mes bords d' un beau coup long, de cette façon, pour nettoyer ce bord. Une autre chose qui contribue à opacité est de mélanger un tout petit peu de blanc à votre peinture. Même si je ne veux pas une valeur plus claire, le blanc est juste une partie de ce produit de remplissage à la craie qui contribue à l'opacité. Je pourrais donc l' obtenir avec un peu de ce produit. Voici donc mon échantillon de rouge chaud et d'orange, et je vais rincer mon pinceau. L'avantage des fluides à base d'eau est que le nettoyage est très facile. Et cela signifie également que je peux garder mon pinceau assez propre assez facilement qu' avec un grand seau d' eau ici. Et maintenant, je vais mélanger une couleur cool pour mon échantillon cool. Commençons donc par le bleu primaire ou excusez-moi, bleu outremer, un peu d'eau. Et faisons en sorte que ce soit un peu bleu-violet. Alors maintenant, je vais opter pour mon rouge cool, c'est l'Alizarin. Et vous savez quoi, dans celui-ci, je vais vous montrer le blanc parce que le violet a tendance à être très foncé, donc un peu de blanc. Et nous augmentons cette valeur. Et je n'ai pas assez de douleur ici. Je vais prendre un peu plus de mélange, un peu plus de bleu, un peu plus de blanc. Je pense que nous allons bien. Il y a cette magnifique égalité en velours. Nous parlons d' un peu plus d'eau. Comme il s'agit d'un support à base d'eau, dès que vous commencez à le presser, il commence à sécher. Et c'est, encore une fois, le fait de toujours avoir affaire à l'eau. Nous y voilà donc avec de jolis traits uniformes. Et encore une fois, assurez-vous d'avoir suffisamment de peinture. Et nous y obtenons une belle couverture uniforme. Et ce qui est vraiment important pour garder vos couleurs propres, c'est d'attendre que la peinture sèche avant de la recouvrir. Vous voulez donc travailler humide à sec. Sinon, vous aurez de la boue. C'est ça. Je vais le laisser sécher un moment. C'est une encre à base d'eau qui sèche très rapidement. Ensuite, je peux travailler sur la ligne, travailler dessus. Je peux faire des éclosions. Vous me verrez faire des travaux curvilignes et des travaux de grattage, c'est-à-dire utiliser un séchoir, une brosse et moins d'eau. C'est presque comme si les pinceaux bégayaient sur la surface et vous permettaient de voir cette autre couleur. Mais attendez que votre travail essaie. D'accord, nous allons commencer à travailler sur les lignes. J'ai fait une remarque humoristique : n'oubliez pas qu' il existe plusieurs manières de créer du contraste. Nous allons faire un travail chaud avec un travail froid dessus, un travail cool avec un travail chaud. Je suis rusé sur ces deux-là, puis je vais faire du clair, foncé, et je vais aussi créer des contrastes complémentaires. Commençons donc à mixer pour un travail au trait. Nous allons faire du bon travail sur celui-ci. N'oubliez pas que vous souhaitez utiliser suffisamment de peinture pour que la ligne soit opaque. Et parfois je dois me battre avec mes aquarelles parce que l'aquarelle veut être transparente. Quand tu passes à la gouache. Si vous travaillez avec de la gouache, plupart du temps, vous voulez être opaque. Je leur dis donc toujours d'utiliser plus de peinture. Utilisez donc plus de peinture. Et je vais me calmer, mais aussi être un peu plus légère. N'oubliez pas que le blanc contribue vraiment à l'opacité. Cela réduit également légèrement la valeur. Nous avons donc une lumière au-dessus de l'obscurité. Maintenant, beaucoup d' étudiants pensent que s'ils s'accrochent très fermement et très prudemment , nous trouverons la ligne parfaite. Mais la vérité, c'est que si je suis debout et que je peux utiliser des gestes, si je déplace ma main plus rapidement à partir d'ici, j'obtiendrai une ligne plus uniforme et plus fluide. Il s'agit d'un pinceau rond, petit, fin avec une pointe. Si j'appuie fort, je vais m'évader. Je veux donc garder mon toucher léger et en mouvement et j' obtiendrai une ligne plus fine. C'est également un bon pinceau synthétique. Vous ne voulez pas utiliser. Les brosses à poils sont des brosses à poils d'écureuil car elles ne sont pas pointues. Tu seras très frustré. Très bien, donc je vais faire en ma ligne fasse bouger cette main. Je peux faire des hachures croisées. Je peux faire un travail curviligne lâche comme ça. Ensuite, je vais rincer mon pinceau. Nous allons mettre une lumière chaude sur le violet. C'est que la violette est plutôt cool. Faisons donc une carte rouge à chaud dessus. Et nous allons toujours phosphater l'eau. C'est trop collant dès la sortie du tube. Souvenez-vous de cette mayonnaise une chaude journée d'été, peut-être en août. Et encore une fois, bien mélangé sur la palette. Vous ne voulez pas de surprises sur votre pinceau. C'est aussi une bonne idée de ne pas trop étendre votre blob. Il est difficile de ramasser votre peinture. Cela vous donne l'impression d'avoir moins de peinture avec laquelle travailler que vous n'en avez. Je pense que je vais être un peu plus léger ici. Mélange, mélange mixte. Vous devez apprécier le processus de mixage. Pas de traces et nous sommes prêts à repartir. Je vais donc faire quelques hachures et ça peut être un peu plus léger. Tuons-les si les Blancs se produisent dans leur petite valeur plus légère aidera également à nouveau, l'aide dans le passé aujourd'hui. Et faisons un travail curviligne à ce sujet. Peut-être quelques points fantaisistes. La gouache va sécher un peu plus foncé. Vous pouvez donc penser que vous avez une valeur très claire et qu'en séchant, elle s'assombrit un peu. Vous pouvez donc opter pour des couleurs un peu plus claires que vous ne le pensiez au départ. Faites-en un peu plus avec un rose parce que c'est amusant. Ensuite, nous passerons à autre chose. OK, nous avons donc un vert clair, le complément du vert. Oh, regardez, c'est rose, mais nous avons de la lumière. Faisons donc une lecture sur le green. Encore une fois. Je tire ma couleur du coin de la rue. Et les gens se demandent souvent comment c'est de travailler avec ces petits tubes. J'ai réalisé de grandes peintures uniquement avec de petits tubes parce que vous mélangez beaucoup et que vous ajoutez du blanc. Ils durent donc très longtemps. Et aussi parce que vous y mélangez toujours un peu d' eau pour ajouter un peu de blanc. Très bien, nous allons donc travailler sur l'échantillon vert clair ici. Et j'ai cette trappe transversale. Ça se voit vraiment. Tu vois, plus je bouge ma main vite, plus je peux faire ces mouvements. Si vous regardez les premières fresques, vous constaterez qu'elles sont toutes ces œuvres au trait et ces hachures. Et faisons des trucs curvilignes amusants. Des trucs amusants, je ne sais pas, peut-être des points. Vous pouvez donc voir que nous avons un joli contraste de rouge foncé sur le vert, froid sur la lumière chaude et sur l'obscurité. Ici, j'ai un bleu cool. Le complément du bleu est orange, c'est donc une couleur secondaire. Nous devons mélanger un secondaire. Nous allons donc commencer par le jaune chaud parce qu'il se dirige vers le chaud C'est le jaune de votre voiture et votre rouge chaud. Maintenant, lorsque vous mélangez vos ingrédients secondaires, vous devez toujours commencer par couleur la plus claire et ajouter la couleur la plus foncée. Il faudrait peut-être un tube entier de jaune pour changer le rouge. Il suffit d'une goutte de rouge pour changer le jaune. Je pense que nous allons également y ajouter un peu de blanc , afin de ne pas avoir de saturation foncée par rapport à une saturation foncée. Encore une fois, j'aime toujours ajouter un peu de blanc car cela contribue à l'opacité. Un peu d'eau. Nous y voilà. Donc, nous sommes en train de faire quelques éclosions. Oh, sympa. C'est un peu plus jaune, orange. Et rendons ça un peu plus orangé. Et des trucs amusants. Plus aucune éclosion. Hum, vous pouvez, une fois que c'est sec, continuer à superposer. Je pourrais prendre cette orange et rentrer ici. Agréable. J'adore donc superposer des couches et faire interagir les couleurs. Tu peux simplement continuer. Les accidents sont plutôt géniaux pour ça. La seule chose que nous allons faire en dernier lieu, c'est vous montrer ce qu'est la scumbling. C'est un mot amusant, non ? D'accord. Scumbling est donc une brosse à sécher qui fraie un chemin sur votre surface pour que vous puissiez voir à travers les autres couleurs. Faisons un peu de bruit sur le green avec un peu de bleu clair. Où l'utiliseriez-vous ? Eh bien, tu pourrais utiliser ça, peut-être dans ton ciel. Peut-être une, vous voulez obtenir un mélange optique de deux couleurs. Vous remarquerez que lorsque je ne mélange pas les couleurs sur la surface, je ne mélange pas ici. Tout le mixage se fait ici. Vous n'avez vraiment pas envie de travailler mouillé sur mouillé. Je n'ai pas non plus de bords mélangés. Pour les échantillons. Nous faisons en sorte que tout reste plat et graphique. Il y a du bleu qui se passe ici. Et comme je l'ai dit, je dois garder mon pinceau sec pour pouvoir travailler avec une serviette dans une main. C'est un pinceau plus gros. Je suis revenu à un pinceau plus gros. Et je vais commencer à faire en sorte que ce ne soit pas assez sec. On va le sécher, appliquer la peinture, et ça devrait commencer à bégayer. Ça y va. C'est ça. Vous avez donc une texture qui vous permet de voir à travers la peinture située en dessous, créant une sorte de mélange optique et qui s'effrite. Bien, maintenant que vous avez compris les bases, dans la prochaine leçon, dans la prochaine leçon, nous utiliserons ce que nous savons pour peindre un citron avec notre gouache. 4. Un citron à Gouache: Nous sommes maintenant prêts à travailler avec notre gouache pour peindre la nature morte d'un citron. Dans cette leçon, nous allons créer de la profondeur en superposant des couleurs. Nous allons créer une forme réaliste en réfléchissant au marquage directionnel. Nous allons mettre l'accent sur la valeur plutôt que sur la couleur locale. Je commence ici par une planche qui a été posée deux fois et qui est recouverte d'un flou. Je vous ai donc demandé de travailler avec une couche opaque à la gouache. Cependant, le sol que l'on appelle le sol a été utilisé un peu plus lavable. Je ne voulais pas qu'elle soit très épaisse parce que je ne voulais pas que la peinture remonte. Nous avons donc fait un bon lavage fin. Vous remarquerez que c' est une couleur violette parce que je veux qu'elle contraste et se mette en valeur au fur et à mesure que nous arrivons au citron jaunâtre. Voici donc ma photo de référence. Vous en avez un dans votre matériel de cours. Nous avons deux photos de citrons. Nous en avons un avec trois et moi, aujourd'hui, nous allons peindre pour vous le citron, une section coupée en deux. Alors on va y aller. La première chose que je vais faire est essentiellement de dessiner avec ma peinture. J'ai un pinceau fin et rond avec une pointe. Et vous remarquerez que je ne prends pas de crayon pour dessiner mon citron. Je dis à mes élèves que toutes les marques qu'ils font font partie du tableau, y compris les marques que vous utilisez pour le dessiner. Je ne vais donc pas être timide et utiliser une couleur que je peux cacher ou utiliser avec laquelle je peux me tromper. Je vais utiliser une couleur. Je vois que si vous faites une erreur, vous pouvez simplement la laver avec une brosse plus grande. y a donc vraiment aucune erreur car nous travaillons par couches. Tout ce que tu veux cacher, tu peux le faire. Je vais donc établir un format. Vous remarquerez que je ne remplis pas l'espace de ce tableau. La planche est découpée à une taille aléatoire. Mais pour ma composition, je pense que je veux travailler dans un carré. Encore une fois, j'ai mélangé une couleur que je peux réellement voir. Et peu m'importe si mes lignes sont droites. Je n'ai pas utilisé de règle et elles ne sont pas trop mal. C'est donc une composition très simple, mais elle peut être un peu trompeuse. Je vais donc conserver mes documents de référence. Notez également que la photo est montée. Vous pouvez monter la photo sur une feuille de carton, découper un carton pour l' empêcher de flotter. Cela empêche mes doigts de toucher la photo. Et je vais commencer par extraire mon citron. Voilà mon dessin. Encore une fois, les corrections se font facilement. Si je faisais une erreur, je prendrais un pinceau plus gros l'eau et je l'essuyais. Il aurait disparu. Ce que nous allons faire pour peindre ce citron, c'est que le travail de fin à épais ressemblera davantage à un lavage. L'épaisseur remontera vers le haut. Et vous remarquerez que je ne vais pas utiliser de jaune dans ma sous-peinture. C'est un citron. Le jaune est la couleur locale. En fait, il faut très peu de jaune pour comprendre qu'il s'agit d'un citron. Ce qui est un peu plus important, c'est que j'interprète cet objet lorsqu'il est dans la lumière, lorsqu'il passe de l'obscurité à la lumière. Et nous allons interpréter les ténèbres, les ombres comme de la fraîcheur. Souvenez-vous que nous avons parlé de la chaleur et de la fraîcheur et des lumières. Même s'il fait chaud, mon appareil le plus léger se retrouvera sur le dessus. Tout ce support sera donc un peu plus saturé. Je n'essaie pas de faire une copie conforme de la photo. Je veux que tu comprennes que c'est un citron posé dans l'espace avec de la lumière qui tombe dessus. Mais le chaud et le frais, l'obscurité et la lumière seront plus importants que de le toucher avec beaucoup de jaune. En fait, si je frappais avec une tonne de jaune, ce serait plat. Alors allons-y. Je vais donc mélanger violet froid avec mes ombres les plus foncées, qui se trouvent sous le citron. Et je vais juste les déposer dedans. Je ne veux pas frotter d'avant en arrière, car cela fera ressortir la peinture précédente. Et vous savez, en regardant cela, je constate que j'ai créé un très bon point d'apprentissage pédagogique. Je voudrais corriger quelque chose. Je n'aime donc pas la position de mon citron. Je vois trop d'espace négatif. Je vais donc faire une correction dans une couleur légèrement plus foncée pour pouvoir voir mes nouvelles lignes. Et souvenez-vous de cela avec la gouache, car nous superposons des couches et c'est opaque. corrections que vous apporterez seront simplement absorbées par votre peinture et personne ne le saura jamais. Vous. Et je sais que je suis en train de rendre ce citron un peu plus gros, pour qu'il se chevauche un peu plus. Et vous pouvez voir les nouvelles lignes rouges de ma nouvelle pièce. Pas de problème. Et nous y voilà. Maintenant, j'ai un quartier de citron plus gros. D'accord. J'ai donc mélangé du violet pour mes zones d'ombre, les zones les plus sombres qui se trouvent en dessous. OK, souviens-toi qu' ils sont un peu sales. Et puis je vais passer au citron. N'oubliez pas que j'utilise un pinceau plus gros, j'aime utiliser le mot pinceau tacheté. C'est une petite chaise bleue. Et je pense que je vais utiliser juste un bleu direct pour certaines des zones d'ombre les plus sombres. N'oubliez pas que nous allons simplement les inonder. Maintenant, lorsque vous regardez les ombres, vous remarquerez qu'elles ne se terminent pas de manière géométrique. Ils emménagent en quelque sorte l'un dans l'autre. Je n'ai donc pas d'avantage. Je recherche des zones sombres, claires et contrastées. Donc, les ombres les plus sombres se cachent derrière le citron, un peu là-dedans. Et maintenant, je vais peut-être passer à un bleu chaud pour ma prochaine zone d'ombre. Voyez à quel point c'est différent. Il y a le frais, il y a le chaud. Et c'est un peu mon domaine de valeur intérimaire. Ça doit être un peu inondé là-dedans. Et si je vois une valeur similaire ailleurs, je peux en quelque sorte l'ajouter, en quelque sorte ici également. Je n'utilise donc pas de petit pinceau. Je ne suis pas très détaillé, ne suis pas vraiment exact. Ce que je fais, c'est créer une forme avec la couleur. Et vous remarquerez que je n'ai pas encore utilisé de jaune. Ce sont donc mes couleurs sombres. Je voudrais passer à certaines valeurs intermédiaires. Je vais revenir à ce rouge. Le nettoyage de votre brosse était aussi simple que Swish, Swish, Swish. J'utilise toujours une serviette en papier pour m'essuyer. Et voici ma valeur intermédiaire. Un peu et ils n'ont toujours pas utilisé de jaune Je pense qu'à partir de ma valeur la plus légère, je vais mélanger une orange secondaire. N'oubliez pas que je veux commencer par le jaune, le plus clair, déposer un peu de rouge sur leur membre, en le gardant assez liquide et nous allons en quelque sorte l'inonder. Je regarde donc toujours ma référence. Et où cela devrait-il aller d'autre ? Que diriez-vous d'ici ? Un tout petit peu là. Bien, maintenant, je n'ai encore utilisé aucune couleur locale. N'oubliez pas que la couleur locale est la couleur générale. Amusons-nous avec l'arrière-plan et le premier plan. C'est un endroit pour s'amuser. Qu'est-ce que tu en penses ? Que diriez-vous d'un green ? Inondons un peu de verdure. Et encore une fois, je commence par ma couleur plus claire, qui est le jaune. Et utilisons un peu de ce bleu chaud pour obtenir un beau vert. Je vais aussi mélanger un peu de blanc ici. Si votre palais semble trop encombré, vous pouvez le nettoyer. Je peux déjà le faire. Il est très important que vous utilisiez suffisamment de peinture pour atteindre le bord de votre objet. Ne le laissez pas comme une auréole parce que vous avez peur de le percuter. Je préfèrerais donc presque faire double emploi plutôt que Mrs. Spot. Voici donc mon parcours. Ensuite, je vais choisir une couleur pour le premier plan. Je pense que je vais opter pour le rouge chaud avec un peu de blanc dedans. Nous voulons donc que le premier plan avance, les couleurs chaudes avancent et que l' arrière-plan recule. Et nous y parviendrons en faisant une valeur très légère. Si votre palais commence à se dessécher et que vous souhaitez réutiliser une couleur, vous pouvez le faire. C'est à ce moment-là que je vais utiliser mon Mr Missed It Down. De plus, vos peintures peuvent commencer à devenir un peu dures et croustillantes. Pour éviter cela, il suffit les frapper avec un peu de brume. Il est important de trouver un M. qui manque vraiment, pas comme globes, afin de contrôler ce qui en sort. Faisons donc le rouge rosé pour le premier plan. Je vais m'étendre là-dessus. Vous remarquerez donc que je n'ai pas vraiment utilisé de couleurs opaques jusqu'à présent. Les citrons sont fabriqués avec des touches d'obscurité et de lumière, ce qui les rend légers. Et ce que vous voyez est une peinture de niche en forme de citron. Le formulaire est là. Ils ne sont pas de la bonne couleur. Nous allons y arriver, mais nous devons le laisser sécher car il est à base d'eau, il va sécher assez rapidement. Si vous avez accès à l'extérieur, vous pouvez l'exposer au soleil. Vous pouvez également utiliser un sèche-cheveux, ou vous pouvez simplement aller prendre une tasse de café et revenir, revenir. Alors c'est ça. Je vais le laisser sécher pendant une minute. Bon, maintenant que ma première couche lavable est sèche, je vais continuer à peindre certaines choses à garder à l'esprit. Je vais utiliser une peinture plus épaisse. Je vais utiliser mes traits de manière directionnelle pour capter le mouvement de ce citron, lui donner un aspect rond. Je vais garder quelques ombres froides, mais je dois les réchauffer un peu. Je vais commencer à mélanger un peu de blanc à mes couleurs et laisser transparaître cette sous-couche. Je vais donc changer de brosse. Vous remarquerez que j'ai déposé mon grand rond tacheté et que j'ai choisi des appartements plus petits. Je vais donc travailler avec ceux-là. Je vais commencer à utiliser une peinture plus opaque et à travailler sur les couches, sans frotter, sans faire ressortir la couche précédente. Et finalement, nous arriverons à un travail en ligne amusant qui va de pair. Bon, comme vous pouvez le voir, j'ai commencé à utiliser de la peinture plus épaisse. Je déplace ma peinture dans le sens du citron. Et je peux continuer à apporter des modifications, car n'oubliez pas que vous pouvez relire la gouache. Encore une fois. Vous ne voulez pas vous frotter d'avant en arrière. Ce que je veux changer maintenant, c'est le contraste entre le citron et le premier plan. Je dois faire un peu plus léger et peut-être que nous pourrons vraiment débrouiller. Je vais donc modifier la valeur et voir à quel point il est simple créer une couche et de modifier dans ce cas la valeur. Ensuite, vous pouvez mieux voir le citron. Maintenant, parce que nous pouvons continuer à superposer avec la gouache. Jusqu'où voulez-vous aller ? Le réalisme dépend entièrement de vous. Vous pouvez continuer à travailler avec la couleur jusqu'à ce que vous commenciez à vous rapprocher de la couleur locale. Ce que je vais faire maintenant, c'est promouvoir les valeurs. Les valeurs sont très importantes pour donner à cette chose un aspect vivant et rond. Mais je suis également passé à un pinceau plus fin. Je vais donc faire un peu de travail au trait maintenant, ce qui est vraiment amusant. N'oubliez pas que nous avons parlé de ce pinceau plus fin qui permet de maintenir la pointe et de garder la peinture opaque. Et je vais peut-être clarifier certains points. Je ne veux pas tracer un plan complet qui aplatira mon objet. Je peux même légèrement éclore sous certaines marques. Ce sont mes marques les plus sombres là où se trouvent les ombres. Et cela aide à poser le citron sur la table. Encore une fois, il s'agit de clarifier un avantage qui fonctionne. Et je vais mélanger de la peinture plus claire. Une chose amusante à propos du citron est sa texture. La texture peut être réalisée avec des tons foncés et clairs ou avec votre marque. Donc, dans ce cas, nous avons un pointillé qui se produit dans le citron. Je vais donc mélanger un jaune plus clair pour les zones plus claires du citron. Et essayez d'opter pour cette texture citronnée. Et vous voyez à quel point le blanc et les valeurs les plus claires veulent être superbement placés. OK, je vais donc ajouter quelques points supplémentaires. Vous pouvez aller aussi loin que vous le souhaitez avec les détails. N'oubliez pas que cela dépend vraiment de vous. Une chose que vous devez garder à l'esprit, c'est que le nettoyant ne se prête pas vraiment à se mélanger sur le support. C'est pourquoi j'ai un peu un coup de pinceau cassé qui te permet de commencer. Mixer visuellement. Il est également très important de savoir quand arrêter. ce que je vais faire et nous allons parler de nettoyage. Nettoyer à l'eau est très facile, mais vous devez prendre soin de votre investissement, à savoir vos pinceaux. Donc, ce que j'aime faire c'est enlever la majeure partie de la peinture dans l'eau. Peut-être essuyer mes pinceaux , puis aller dans l'évier et utiliser du vieux savon et de l'eau. Mais ce qui est vraiment important, c'est de ne pas les laisser face contre terre dans votre source d'eau pendant la nuit. Ou vraiment, pendant un certain temps, vous allez perdre ces beaux points et vos chaussures plates, vos couleurs vives, nous allons commencer à nous débrouiller. Donc, une fois que vous les avez nettoyés, j'aime reformuler le point. Ensuite, nous allons ranger le pinceau comme ça, afin qu' il soit prêt et frais pour que nous puissions l'utiliser la prochaine fois. Et voici ma peinture à base d'eau à la gouache au citron. 5. Aquarelle: Très bien, parlons maintenant de l'aquarelle. C'est probablement le support que vous identifiez le plus aux milieux à base d'eau. Beaucoup de gens ont l'impression que aquarelle peut être très facile, mais en réalité, une bonne aquarelle peut présenter des défis. Et la raison pour laquelle c'est difficile, c'est parce que l'aquarelle est transparente. Ainsi, lorsque nous travaillons des supports opaques pour dissimuler des choses, nous pouvons apporter des corrections. Cependant, lorsque vous souhaitez travailler à l'aquarelle, les erreurs deviennent vraiment évidentes. Ce que vous notez est ce que vous obtenez, mais nous allons apprendre à travailler avec cela pour ne pas être frustrant. Ça va ? Nous allons donc parler aujourd'hui de la sélection du pinceau le mieux adapté à votre tâche. Nous allons travailler sur une surface personnalisée en étirant du papier sur une planche à dessin à l'aide de ruban adhésif travaillerons également avec un bloc d'aquarelle. Nous explorerons une variété de coups de pinceau pour comprendre les différents comportements du milieu humide à humide, du humide au sec. Nous allons jouer un peu avec eux. Ainsi, en général, l'aquarelle se distingue de tous nos autres médiums car le pigment de l'aquarelle est doux pour être suspendu plus finement et utilise une lumière transparente. De plus, l'aquarelle ne scelle pas. Donc, si vous voulez faire des allers-retours, vous allez faire apparaître les couches précédentes. Le type de coup de pinceau est donc très important. Les couches apparaîtront à nouveau car elles sont transparentes. L'aquarelle, vous pouvez encore une fois, comme je le disais, faire sur du papier étiré, vous pouvez la faire sur un bloc d'eau. Nous verrons quand utiliser chacun d'entre eux. Et encore une fois, n'oubliez pas que l'aquarelle se distingue des autres médiums en raison de sa transparence, nous devons préserver les lumières. Sur d'autres supports. Nous pouvons travailler du saturé au clair ou du foncé au clair. Mais dans l'aquarelle, on peut mettre des lumières par-dessus. Nous devons préserver les lumières. Je vous conseille donc l'aquarelle, comme la plupart des autres médiums. Avec les meilleures aquarelles possibles. Je sais que c'est vraiment tentant d' utiliser quelque chose de vraiment joli et coloré. Vous le trouverez peut-être dans votre magasin Five and Dime ou votre pharmacie locale. Je vous demande de ne pas acheter vos fournitures artistiques à la pharmacie. Et la raison en est qu' ils sont peu coûteux car ils ne contiennent pas de pigments. Nous n'allons donc pas utiliser les aquarelles de la poêle. Il y en a d'autres de meilleure qualité. Je préfère utiliser des tubes de peinture aquarelle de bonne qualité. Mais la bonne nouvelle, c'est que vous n'avez pas besoin d'autant de tubes. Nous avons à nouveau une température et une fraîcheur de chaque primaire, donc six ou sept tubes et votre intestin. Bien, commençons maintenant à parler de vos soutiens. Donc, si vous travaillez plus que votre bloc d'aquarelle, disons que vous voulez travailler sur une planche, il sera très important d' empêcher le papier de onduler. Et la façon dont nous le faisons, c'est de l'enregistrer. Cependant, d'abord, je vais vous apprendre un moyen très simple et efficace de couper ou de réduire votre papier sans utiliser de rasoir ou de ciseaux Il est parfois très difficile de tracer une ligne parfaitement droite avec des ciseaux. Il s'agit donc d'un moyen infaillible qui vous donnera également un avantage en matière de décodage. Donc, ce que je vais faire, c'est plier soigneusement mon papier en deux. Et il s'agit de marquer et de décomposer les fibres de votre papier. J'ai donc appuyé dans un sens. Je vais le retourner. Et maintenant, je vais me procurer un outil. C'est juste ma spatule à peindre. Et je vais vraiment faire preuve d'agressivité en cassant les bords, en décomposant les fibres du papier. Retournez-le encore une fois. Fais-le encore. Ce papier pèse 140 livres, ce qui est un très bon grammage. Si tu vas plus fort, tu auras du mal à marquer et à déchirer. En gros, cela vous craquera dessus. Donc, un poids de 140 livres est vraiment votre point idéal. C'est là que je suis. OK, donnons-lui encore un coup de pouce agressif et nous allons nous déchirer. Maintenant, lorsque vous déchirez, vous voulez garder le dos en haut en bas. Et comme un petit tag nous avons un RIP presque parfait. Donc, plus vite vous ferez cette déchirure dans la ligne droite, sinon plus vous marquerez de manière agressive, mieux ce sera. Nous avons quelques petites choses ici. Cela n'aura pas d'importance, car lorsque j'utiliserai mon ruban, cela créera une bordure. Ces petites choses seront donc à la frontière. Donc, la prochaine chose que je veux faire avant de commencer à gâcher mon eau est de couper mon papier gommé. Il s'agit donc de papier kraft brun avec une gomme adhésive sur un côté. Et la raison pour laquelle je veux commencer à m'y intéresser avant. Avant de commencer par l'eau, c'est parce qu'elle collera à tout. Faisons-le donc pendant que la surface est encore sèche et qu'il n'est pas nécessaire que ce soit exact, elle doit juste être assez grande pour couvrir chaque côté. Vous pouvez acheter le papier brun dans un magasin d'artisanat ou dans n'importe quel endroit vendant des fournitures pour aquarelles. Encore une fois, je ne suis pas exact. Assurez-vous simplement qu'il est assez grand pour être couvert et qu'il est possible qu'il y ait des chevauchements au fur et à mesure. L'autre chose que j'ai sur la table, ce sont des éponges, des aquarelles, des éponges. Je vais dédier l'un au ruban adhésif et l'autre pour lisser le papier et je n'ai vraiment pas envie de mélanger les deux. Je vais donc les éliminer. Et vous pouvez mouiller votre papier de différentes manières. Si vous avez un récipient suffisamment grand, vous pouvez le faire tremper dans ce papier. Vous voulez utiliser de l'eau chaude, mais pas trop chaude. Ce qui peut arriver, c'est que le papier est encollé avec un produit chimique. Si vous le faites tremper trop longtemps dans de l'eau chaude, vous réduisez la taille. Au lieu de le tremper. Nous allons encore prendre un M., voici mon MR préféré Et nous allons juste pulvériser les deux côtés du papier. Et nous allons le mouiller de cette façon. Je vais aussi le transformer. Il y aura un côté droit sur le mauvais côté de votre papier pour aquarelle. Le côté droit a un peu plus de texture. Encore une fois, c'est votre pression à froid. Vous pouvez voir que dès que je mouille un côté, il a envie de s' enrouler dans l'autre sens, mais si je le mouille des deux côtés, ce n'est pas le cas. Donc, pour les mariages, je décompose les fibres juste assez pour qu'une fois sèche, elles se recroquevillent et soient serrées comme un tambour. Et lorsque vous peignez dessus, cela ne se répand pas. Maintenant, pour mouiller mes bandelettes, c'est un processus un peu différent. Un peu d'eau sur ton éponge. Pas trop. Et je vais juste le retirer de la bande de papier. Tu ne veux pas qu'il soit trempé. Tu veux juste être un peu ringard. Et je vais juste le poser. C'est un processus plutôt amusant. Et si j'ai l'impression que mon papier se déforme un peu, tu peux prendre ton autre éponge ou une éponge propre tu peux prendre ton autre éponge ou une éponge propre et la passer sur le papier. Maintenant, il ne nous reste plus qu'à le laisser sécher et il se resserre. Votre autre option pour votre soutien est le bloc d'aquarelle. Et ils sont un peu plus faciles à utiliser et vous n'avez évidemment pas à étirer le papier. Ils sont portables, mais leur taille a tendance à être limitée. Encore une fois, si je voulais travailler plus gros, j'ai la possibilité de créer une taille personnalisée payante ou de m'étirer. Très bien, maintenant, voici l'astuce. Tout d'abord, vous voulez retirer la pièce noire et vous voulez rechercher une encoche. Donc, si vous voyez, j' ai une petite interruption dans le bord gommé. C'est là que je veux prendre un objet pointu mais pas trop pointu. Il s'agit d'un couteau à palette. Vous pouvez utiliser un couteau à beurre, mais pas une lame de rasoir. Vous pourriez finir par couper vos pages. Et je vais juste le passer doucement le long du bord. Encore une fois, vous devez commencer à votre rythme. Si vous ne connaissez pas le secret de l'encoche, vous aurez du mal à le faire. Mais une fois que vous le savez, c'est assez facile. Nous ne faisons que transmettre tout cela et nous allons le révéler. Et en fait, maintenant je peux juste déchirer. Voici ma première feuille de papier magnifiquement étirée et prête à l'emploi. Ça pèse 140 livres et c'est pressé à froid. Donc, ce que j'aime dire à propos de la différence entre la presse à froid presse à chaud, c'est que la presse à froid présente bosses et que lorsqu'on a froid, on a la chair de poule. Ce papier a donc la chair de poule et vous voulez avoir des bosses parce qu' il retient l'eau, il retient la peinture. Vous pouvez obtenir du papier encore plus pressé à froid. Mais je pense que vous vous retrouvez alors avec des collines et des vallées et que vous pourriez avoir du mal à faire descendre la peinture dans les collines. Je pense donc que c'est une belle surface sur laquelle travailler, nous sommes donc prêts à peindre. Je n'ai rien d'autre à ajouter à ce document. Il est parfaitement plat. Ça ne va pas se déchirer. N'allons nulle part. Je suis prêt à partir. OK, parlons des techniques d'aquarelle. Et nous allons faire face à toutes les différentes variables. Mais il y a une astuce très importante que vous devez connaître tout de suite et vous y pensez probablement déjà. Et c'est ainsi que je préserve mes blancs ? Eh bien, parfois, c'est facile, vous pouvez simplement peindre autour des objets si vous le souhaitez, comme un bord plus doux. Mais parfois, il existe de nombreuses petites zones. Il y a des reflets ou des reflets que vous devez préserver, et il est tout simplement trop difficile de peindre autour d'eux. Nous utilisons donc ce que l' on appelle poitrine de bœuf, un mot amusant. Et la poitrine, c'est un peu comme le ciment à base de caoutchouc que vous utilisiez quand vous étiez petit. Nous le peignions à l'aide d'un tout petit pinceau. Ensuite, pendant qu'il sèche, on peut le peindre juste dessus. Nous n'avons plus à nous inquiéter à ce sujet. Lorsque la peinture est terminée, vous pouvez soit utiliser votre doigt une gomme spéciale pour la saisir. Il existe également ce que l' on appelle un stylo à poitrine, qui vous donnera des lignes encore plus fines si vous le souhaitez. Et c'est vraiment une bouée de sauvetage pour préserver vos blancs. Nous allons l'utiliser lorsque nous arriverons à notre démo de paysage. Alors pense à la poitrine de bœuf. Très bien, commençons par examiner certaines des variables. Et les variables concernent en grande partie le papier humide, papier sec et les types de pinceaux que vous utilisez. Ce qui est vraiment important, c'est de penser à un dégradé à l'aquarelle, car nous n'ajoutons pas de blanc. Nous pouvons utiliser le dégradé pour laisser transparaître le blanc du papier. Disons que nous avions un ciel que nous voulions faire passer de l'obscurité à la lumière. C'est un bon endroit pour utiliser un dégradé. L'aquarelle est donc une question d'eau. La quantité d'eau sur votre brosse, quelle quantité et quelle quantité d'eau votre brosse peut contenir ? Et aussi, mettez-vous de l'eau sur votre sol ou non ? Commençons donc par un dégradé sec. Et je vais choisir un beau bleu cool. C'est ton bleu outremer. La bouche est, encore une fois, chaude et fraîche, mais regardez le peu de peinture que j'ai à utiliser. Et je perçois cette explosion de couleurs. Nous n'avons pas à charger le pinceau pigment comme nous l'avons fait avec la gouache. Ici, tout tourne vraiment autour de l'eau. Donc, je vais juste faire un trait de haut en bas et vous allez voir ce dégradé. Sympa, hein ? OK, donc c'était mouillé à sec. Maintenant, je vais d'abord mouiller le papier et vous allez voir l'effet légèrement adouci du dégradé sur le papier mouillé. Je vais donc d'abord mouiller le papier. S'il s'agissait d'une surface plus grande, je pourrais prendre mon flacon et le vaporiser. Voici la différence. Vous remarquerez également que je travaille à plat. Si je soulève cette question, cette goutte à goutte sera vraiment une goutte à goutte et elle s' écoulera sous l'effet de la gravité. Vous voulez donc travailler à plat pour cela. Et voici mon gradient mouillé vers humide. Et c'est juste un champ beaucoup plus doux, plus délicat, brumeux ou une sorte de champ. Nous avons de nombreuses options. Ce sont des traits distincts. Parlons des arêtes. Nous pouvons faire un papier mouillé avec du mouillé dans du mouillé. Cela va se mélanger et devenir vraiment tacheté. Splotchy n'est pas un mot, mais je pense qu'il fonctionne très bien ici. Mouillons donc le papier et nous allons travailler mouillé sur mouillé avec des bords mouillés. C'est donc à ce moment que vous voulez ce mélange progressif. Vous n'avez pas besoin d'un avantage. Nous allons à nouveau nous en tenir au bleu. Très peu de pigment suffit. Vous pouvez maintenant laisser les aquarelles dans votre palette. Vous n' avez même pas à les manquer. Vous pouvez simplement les fermer et les mouiller à nouveau le lendemain et vous êtes prêt à partir. Voici donc une jolie couleur tachetée, très effrayante. Passons maintenant à la lecture et voyons ce qu' il advient de cet avantage lorsque nous commençons à mixer. Et nous avons aussi des surprises, car vous remarquerez que le pigment suit l'eau. Donc, si j'avais une sorte de gouttes d'eau et qu'elles commençaient à saigner l' une dans l'autre. Une autre façon de procéder est saigner les bords humides que je vais appliquer sur les bords secs, mais en mélangeant les deux presque à dessein. J'obtiens donc cette fusion très progressive. Regardez ce qui se passe ici, qui se passe toujours. Ainsi, lorsque l'eau coule, le pigment s'écoule avec elle. Et tu pourrais en tirer parti dans tes peintures. J'ai donc du rouge sur mon pinceau. Continuons la lecture. Les papiers sèchent. Regarde à quel point ça agit différemment. reste un peu là où je l'ai mis. Mais je peux faire une superposition et obtenir un avantage. Et ce petit chevauchement se produit. Et il se fond très bien, mais c'est très différent du mouillé dans le mouillé. La prochaine chose que je vais vous montrer est, disons que vous voulez être précis. Tu veux un avantage. Comment puis-je m'y prendre ? Tu dois travailler. Bords mouillés, mouillés, durs, ne mélangez pas. Vous voulez donc avoir un peu de contrôle sur votre pinceau. Je vais m'en tenir au bleu. Mettons-y un peu plus de pigment. Et nous allons faire face à cette difficulté. OK, on y va. Donc je disais qu'il s' agit de charger votre brosse. Vous devez charger votre pinceau s' n'y avait pas assez de peinture. Donc je vais chercher un peu plus de peinture ici, un peu plus d'eau. C'est mieux. Et maintenant, nous allons opter pour Hard Edge Five pour faire un peu plus attention à mon accident vasculaire cérébral. Et nous allons juste y aller sans nous mêler. J'espère. Nous y voilà. Il y a un petit mélange qui se produit. Parlons de quelques autres façons d' utiliser l'aquarelle. J'ai quelques échantillons ici. Et lorsque vous achetez vos peintures à l' aquarelle, vous devez faire attention non seulement à la couleur, mais aussi à d'autres propriétés qui peuvent devenir un peu compliquées. Nous n'allons pas trop nous en occuper, mais il y a deux choses principales auxquelles vous devez faire attention. Je vous montre ici une peinture qui a une qualité de teinture. Cela signifie donc qu'en général, lorsque vous travaillez avec de l' aquarelle, vous pouvez soulever des objets. Et soulever signifie que j'ai déposé trop de pigments. Je peux prendre une éponge ou une serviette en papier et je peux effectivement enlever cette couleur, mais cette couleur, qui est étiquetée sur le tube , ne se détache pas, elle est un peu plus saturée et nous pouvons obtenir de beaux effets. à vous de décider si vous le voulez ou non. L'autre option serait une couleur granuleuse. J'ai ici une couleur qui est une ombre, le violet. Et vous allez vouloir lire le tube ou faire des recherches pour savoir quelles couleurs granulent ou non. Ce n'est pas l'effet que vous souhaitez. Vous serez déçue, mais cela vous donne un peu de texture, un peu de bosselure, et c'est un bel effet si c'est ce que vous voulez. Nous avons donc des taches qui ne disparaissent pas. Nous avons la granulation qui donne de la texture. Ces échantillons montrent la superposition et la transparence d'un élément dont nous avons déjà parlé les compléments neutralisants. Donc, un échantillon de violet avec une large touche de jaune dans cette zone de transparence, vous pouvez voir que c'est terne, le violet. Même chose avec le rouge et le vert. Si vous regardez cette zone, nous avons un rouge terne, un orange et un bleu primaire. Neutralisation gratuite. Même chose, mais les effets des transparences peuvent être absolument magnifiques. Tu dois apprendre à les contrôler. Et une chose qui vous aidera à le faire est avoir toujours une feuille d' échantillons à portée de main. Vous pouvez donc dire, oh oui, c' est à cela que ressemble cette couleur. Voici à quoi ressemble la couleur en plus de cela, les aquarelles peuvent créer de beaux effets. Vous obtiendrez un meilleur résultat si vous faites quelques essais avant de participer à l'événement principal. Notre événement principal aura lieu très bientôt, Notre événement principal aura car nous travaillerons sur un paysage complet à l'aquarelle, vous pouvez en voir un terminé derrière moi. Nous apprendrons également comment utiliser la première coupe pour préserver le blanc du côlon. 6. Un paysage aquarelle: Vous êtes maintenant prêt à commencer à peindre à l'aquarelle. Nous allons commencer par le paysage. Ainsi, dans cette leçon, vous allez apprendre à créer une atmosphère avec des lavages. Nous parviendrons à masquer ces nuages à l'aide de gants pour qu'ils restent beaux et blancs et moelleux. Nous vous donnerons l'avantage que vous souhaitez au fur et à mesure que nous adopterons certaines de ces formes plus difficiles présentes dans le feuillage. La première chose à laquelle nous voulons penser est donc notre photo de référence. J'ai monté une partie de la photo que j'ai recadrée sur un tableau. Et ce que je vais faire, c'est l'esquisser très légèrement. J'ai utilisé un crayon dur, ça fait cinq heures. Et si j'utilise une mine aussi dure, c'est parce que je voulais déposer le moins de graphite possible. Du graphite épais transparaîtra. Parfois, vous pouvez l'effacer, parfois non, vous ne voulez pas que le graphite s'infiltre dans votre peinture. OK, donc j'ai déjà esquissé tout cela et nous sommes prêts à partir. temps, je vais travailler avec la fouille. Il est donc également soluble dans l'eau, donc je n'ai pas vraiment besoin de changer pinceau tant que je le mets immédiatement dans l'eau, je vais bien. Je vais donc masquer les nuages que j'ai dessinés ici. Je commence par le haut parce que je vais commencer à peindre par le bas pour qu'ils n'interfèrent pas. Vous remarquerez que c'est une couleur différente, ce qui est génial. Je sais donc où je suis allée et je n'ai pas à trop le charger. Il va très bien sécher. N'oubliez pas que nous le retirerons plus tard à l'aide d'une gomme. Cela ne fait que annuler la radiation. C'est ça. J'ai travaillé avec ma poitrine. Nous allons commencer à travailler sur l'eau ici. Et comme nous en avons parlé dans nos échantillons de couleurs, je vais d' abord mouiller le papier parce que je veux que l'eau du foncé au clair et soit un peu atmosphérique. Je vais donc mouiller mon papier avec mon plus gros pinceau. Et je vais ensuite charger le pinceau avec de la peinture. Si vous regardez attentivement l'eau, vous verrez qu'elle est à la fois chaude et fraîche, plus foncée vers le bas et un peu rosée à mesure que nous montons vers le haut. Je vais donc commencer par un bleu. Et je ne veux pas me contenter d'un bleu primaire pur et simple. Je vais mettre un peu d'Alizarin Crimson, qui est votre rouge cool. Et n'oubliez pas qu' avec les aquarelles, il ne s'agit pas tant de charger le pinceau de peinture contrôler la quantité d'eau sur votre pinceau. Il fait donc beaucoup plus sombre vers le bas. Et c'est là que je vais commencer maintenant avec l'aquarelle. N'oubliez pas que vous pouvez toujours l'assombrir. C'est un peu plus difficile de l'alléger. Il sera donc plus facile d'assombrir la zone que de l' éclaircir plutôt assombrir trop rapidement. J'ai donc fait un lavage de bas en haut et je vais continuer à assombrir le bas. Et je vais aussi passer à quelques points roses. Et je vais changer de pinceau. Je vais m'éloigner de ce très grand modèle. Je suis passé à un pinceau plat de taille moyenne. Et je vais introduire une partie de cette alizarine connue sur n'importe quel autre support pour élargir mon rose . Mais n'oubliez pas que le blanc est notre papier. Donc, si je veux un petit lavage, je vais le faire très légèrement. Et ça marche très bien ici, en bas de l'échelle. Et pendant que je travaille, ma poitrine sèche. Je veux également suivre le mouvement strié de l'eau. Je vais donc ajouter du bleu vers le bas. Je travaille avec mon bleu cool. C'est mon chaud une fois que je travaille avec le bleu froid. Et encore une fois, vous pouvez voir quel point l'accumulation des ténèbres est vraiment efficace. Vous remarquerez que de nombreux paysages sont pondérés en bas. Cette eau noire va donc fonctionner à merveille pour nous maintenant que je travaille humide à humide, ce qui est bien parce qu' elle coule vraiment. Et je tourne mon pinceau et je l'utilise à plat et sur les côtés. Et je voudrais attendre que ça sèche avant de continuer. Maintenant, je peux passer d'autres domaines et vous devez vraiment planifier les domaines dans lesquels vous travaillez , car je ne veux pas que mon eau s'infiltre dans mes terres. Une bonne chose à faire en fonction de l'endroit où vous vous trouvez est créer des zones sombres et plus grandes. Je vais donc continuer à travailler et à mélanger d'autres couleurs. Alors que je continue à travailler sur la peinture, souvenez-vous que je peux assombrir mes tons foncés, mais qu'une fois que je les ai posés, je ne peux pas les éclaircir. Vous devez donc aborder vos ténèbres avec beaucoup de prudence. Vous pouvez soulever des objets, mais une fois qu'il est sec, il est là. J'ai donc deux liquides différents. Souvenez-vous que j'ai mon bleu froid, mon bleu outremer et mon bleu chaud, qui est le cyan ou civil. Alors que j'étais dans l'eau que je travaillais avec le bleu froid , puis que je passais dans l' herbe, qui est très chaude, je suis passée à mon bleu chaud. Rappelez-vous donc que toute cette peinture ne peut pas être réalisée avec un seul pinceau. Tu dois changer de brosse. Donc, pour une surface plus grande et plus plate, brosse plus grande et plus plate, des zones plus petites, je pourrais passer à une brosse ronde. Pensez donc non seulement à appliquer la peinture, mais aussi à la façon dont vous la mettez et à vos outils. Parfois, avec la peinture à l'aquarelle, il faut être patient et laisser les choses sécher. Vous pouvez partir à pied, vous pouvez prendre un sèche-cheveux. Mais si vous voulez avoir une ligne dure bord à bord, vous devez vraiment attendre que les couleurs prennent le dessus. N'oubliez donc pas que si vous ne pouvez pas éclaircir une zone, vous pouvez la combattre en assombrir une autre. Ainsi, en revanche, la zone la plus sombre donnera à vos lumières un aspect plus clair. OK, jetons un œil à ce que j'ai obtenu jusqu'à présent. Nous avons classé l'eau du foncé au rose plus clair. J'ai travaillé sur certains détails du paysage, en faisant très attention à ce que l'obscurité s'accumule lentement et que notre poitrine soit sèche. Nous pouvons donc nous amuser maintenant en mettant des couches pour le ciel. Je ne vais donc pas monter directement dans le ciel. Pour moi, ça a l'air plutôt petit. Je vais donc appliquer une très, très, très légère couche de bleu. Donc, quand je dis lumière, je veux dire que je ne vais pas utiliser beaucoup de peinture. Je le garde juste très, très liquide. Mais ce qui est amusant, c'est que je peux simplement ignorer ces nuages, les traverser et obtenir un lavage très léger. Et je n'ai pas à me soucier de préserver le blanc de mes nuages. Ce travail sera fait pour moi. C'est donc très léger si j'ai l' impression d'avoir accumulé trop de pigments alors qu'il est encore humide. Je peux prendre mon chiffon humide, mon essuie-tout mouillé, et je peux soulever. Et vous pouvez également obtenir de jolis effets de cette façon. Le ciel est donc beau et léger. Et maintenant, j'ai envie de le laver légèrement à l'alizarine pourpre. N'oubliez pas que l'alizarine pourpre est votre rouge froid. Encore une fois, très peu de pigment sur le pinceau. Et nous allons t'offrir un ciel rose. Alors on y va. Dans un beau ciel rose. Maintenant, je peux toujours y retourner et réparer d'autres zones si j'ai l' impression que certaines choses sont trop sombres, je suis un peu coulée. Mais si j'ai l'impression que les choses sont trop claires, je peux certainement les assombrir. Une fois que cette couleur est sèche, elle est à peu près sèche. Je peux peut-être introduire un peu de travail au trait si je ressens le besoin de définir une limite. C'est donc à vous de décider si vous voulez le rendre très brumeux et blobby et vous croiser. Ou si vous souhaitez définir des contours et travailler au trait, c'est à vous de décider du degré de réalisme ou de détail que vous souhaitez rechercher. J'attends que le ciel sèche, puis nous nous amuserons à ramasser la poitrine et à révéler nos nuages blancs. Très bien, alors on l'a mis dans le ciel, on a fait du travail au trait. Tout est sec pour les sketchs, le ciel sec est sec. Maintenant vient la partie amusante, la grande révélation. Nous y voilà. Oui, écoute, ça va arriver. Cela vous donnera donc en quelque sorte ces petites choses noueuses. Vous pouvez simplement les brosser si vous ne voulez pas utiliser votre main. Prenez une brosse propre et sèche, pas une brosse humide. Et vous pouvez simplement les emporter. Nous en arrivons à notre prochain. Et encore une fois, cela ressemble beaucoup ciment à base de caoutchouc que vous utilisiez quand vous étiez petit. Mais cela nous laisse exactement ce sur quoi nous avons peint pour nos nuages. N'oubliez pas que vous pouvez obtenir plus détails avec un stylo de première découpe. Mais pour l'instant, il nous reste des nuages blancs. Voici donc mon paysage à l'aquarelle terminé. Une partie importante de votre processus consistera à recul pour voir ce que vous avez fait. Et j'ai hâte de voir ce que tu as fait, mais n'oublie pas de prendre un moment pour vraiment y réfléchir. 7. Crayons colorés à base d'eau: J'aime donc toujours dire qu' une bonne peinture repose sur un bon dessin. Les crayons de couleur à base d'eau allient les deux disciplines, car nous dessinons et redessinons en couleur. Dans cette leçon, nous allons donc vous apprendre à créer une unité dans votre travail en utilisant des crayons de couleur. Nous allons apprendre à mélanger les couleurs sans nécessairement utiliser des couleurs locales. Mais au lieu de cela, nous allons créer des mélanges optiques. Nous allons gagner en contrôle et en créativité grâce à notre utilisation des couleurs. Et une autre chose que j'aime dire, souvenez-vous, ce n'est jamais une solution monochrome. Nous allons donc vous aider à vous familiariser avec ces matériaux. Et l'avantage des crayons de couleur c'est qu'ils sont faciles à utiliser à la volée, sur place, lors de vos voyages. OK, alors parlons simplement de crayons de couleur. Le médium lui-même est un peu différent des médiums de peinture nous avons parlé. Nous avons un liant à gomme qui lie le pigment. Il y a un enduit d'argile. Mais ce qui est si fabuleux avec les crayons, les crayons aquarelle peuvent être utilisés de deux manières. Nous pouvons les arroser avec de l'eau pour créer des lavages transparents. Et nous pouvons les utiliser comme un crayon ordinaire pour créer des dessins linéaires et des mélanges optiques en couches. Rappelez-vous cependant que, comme tous nos supports d'aquarelle, à l' exception de l'acrylique, votre surface ne se scellera pas. Il reste toujours soluble dans l'eau. Vous allez donc vouloir mettre vos dessins finis sous verre ou en plexiglas. Nous allons dessiner sur du papier. Il s'agit d'un papier plus épais et nous parlerons un peu plus différents types de papier que vous pouvez utiliser. C'est comme l'aquarelle dans la mesure où nous devons préserver nos blancs. Nous ne pouvons pas utiliser un crayon blanc sur le dessus pour allumer nos lumières. Nous devons les sauver. Et comme nous ne pouvons pas mélanger physiquement les couleurs, nous ne pouvons pas mélanger le blanc comme nous le ferions avec de la douleur. C'est vraiment bénéfique, si vous le pouvez, de vous lancer pour le plus grand set possible. Et cela vous donnera une gamme de couleurs avec des saturations réduites. En d'autres termes, des couleurs avec blanc déjà mélangées. Et lorsque vous aurez obtenu votre set, vous voudrez peut-être examiner les couleurs primaires et secondaires et les faire examiner les couleurs primaires et secondaires et correspondre à votre roue chromatique afin de savoir que si vous superposez un rouge primaire et un jaune primaire, vous allez créer votre secondaire. Ensuite, jetez également un œil à certains crayons ayant une valeur réductrice, c' est-à-dire qu'ils contiennent du blanc mélangé au lieu d'une couleur saturée. Nous avons donc ici une violette saturée et une violette mélangée à du blanc. est donc toujours conseillé de choisir le plus grand set possible Je vais juste me lancer et commencer à vous montrer les principales différences entre les manières dont nous pouvons utiliser nos crayons de couleur. Je vais utiliser le mot tonal et linéaire. Donc, dans une utilisation tonale du crayon, je ne vous montre aucune ligne. C'est juste un voile de couleur continu, d'une manière qui est une utilisation tonale au lieu de regarder, je tiens même le crayon différemment. Une utilisation linéaire, que nous allons faire un peu car j'adore travailler de manière linéaire en tant que ligne. Maintenant, voici la magie. Montre. Que se passe-t-il lorsque je touche à la fois le ton et le linéaire avec de l'eau ? Juste un mot à propos de ma source d'eau. Il s'agit du plus petit contenant Tupperware au monde. C'est vraiment bon pour voyager. Il est parfaitement étanche et ne fuit jamais. Cela a donc fait le tour du monde avec moi. Regarde quand je touche ça avec de l'eau. Waouh. Il devient donc un peu brillant et saturé et les lignes disparaissent complètement. Mais lorsque je touche le linéaire avec de l'eau, je n' utilise pas complètement les lignes. Et vous aurez peut-être envie de retrouver ce genre d'effet, si tonal et linéaire, en un clin d'œil. La prochaine chose que nous allons faire est de parler création de systèmes secondaires et de leur neutralisation. Parlons donc de l'orange. Vous savez que l'orange est un mélange de jaune et de rouge. Nous allons donc déposer un bloc jaune ici et ici. Mais nous allons les soigner. Faisons trois échantillons et je vais vous montrer trois méthodes différentes. Nous allons les traiter différemment. Donc, le premier échantillon, je vais le plonger dans de l' eau et je vais me procurer cette magnifique tasse de toilette ton sur ton, non ? Ça va, d'accord. Je vais également aborder le second, et je vais laisser le troisième de côté. Nous attendons donc que les deux premiers soient secs. Je vais légèrement éclore au-dessus du rouge. Et j'espère que ce qui commence à se produire, c'est que vous obtenez un mélange optique de rouge et de jaune pour créer une orange. Maintenant, sur ces deux échantillons, je vais faire deux choses différentes. Je vais prendre le rouge. Et encore une fois, s'il fait humide, c'est sympa . Il y a encore ce mot, une ligne tachetée, j'adore ce mot. Et je vais les arroser avec de l'eau. Cela va donc se mélanger efficacement à une orange. Mais sur cet échantillon, je vais à nouveau éclore le bout de lecture et ne pas le toucher avec de l'eau. Donc, trois manières différentes et de nombreuses façons de créer une ligne. Ce gars est toujours mouillé. Regarde ce qui se passe. Hé, tu sais quoi ? Je vais y tremper mon crayon, ça le rend encore plus gros. Regarde cette magnifique ligne de graisse. Je peux utiliser les crayons aquarelle de différentes manières. Ils sont vraiment polyvalents. Très bien, parlons de neutralisation. Donc, vous savez que les compliments se font face sur la roue chromatique, n'est-ce pas ? Et ils sont utilisés de deux manières différentes. Ils se font paraître plus brillants l'un l'autre. Si vous les placez l'un à côté de l'autre, voici votre rouge et votre vert. Ainsi, lorsqu'ils se croisent, ils paraissent plus brillants. Mais la façon dont nous allons les utiliser principalement est de les neutraliser. Déposons un échantillon de vert. Je vais faire deux échantillons de vert. Nous allons les neutraliser. Premièrement, je vais y mettre de l'eau. Je ne le ferai pas. En fait, encore une fois, allons-y pour trois. Je vais vous montrer trois méthodes différentes. Bon, nous allons donc attaquer le premier avec de l'eau. Voyez à quel point il devient brillant lorsque vous le frappez avec l'eau, beau et brillant. Et je vais aussi arroser le second avec de l'eau, mais pas le troisième. Le pinceau que j'utilise est un peu plus petit et a un manche plus court que celui que j' utiliserais pour peindre. Et j'aime ce pinceau parce que je voyage avec lui et que vous n' avez pas besoin d'un gros pinceau. Vous voulez qu'il redevienne un poil synthétique plus doux. Bon, maintenant je vais neutraliser le vert par du rouge ici. En mixant physiquement. Maintenant, un mot sur le mixage. Nous avons parlé de la couleur , de la réduction de la pigmentation, ce qui signifie que plus vous mettez de couleurs, moins de lumière sort. Donc, même si je peux toucher les deux couleurs avec de l'eau, je ne dessinerais pas pour ensuite le tout avec de l'eau, car je vous garantis que vous vous retrouverez avec de la boue. Maintenant, j'ai doublé le vert et le rouge et je les ai mélangés pour obtenir un brun neutralisé dans celui-ci, que nous avons mélangé avec de l'eau. Nous avons donc un champ tonal. Je vais juste faire éclore mon bout rouge. Et vous pouvez voir cette lassitude commencer à se manifester. Ce n'est donc pas comme si j'avais créé une nouvelle couleur, je neutralisais le vert. Cela peut être utilisé lorsque vous avez l'arbre vert au loin. Je ne veux pas qu'il soit vert vif car il va apparaître. Je pourrais utiliser du rouge ou même du rose par-dessus. Dans ce dernier cas, je ne vais pas du tout y aller avec de l'eau. Et vous pouvez vraiment voir la neutralisation. Rappelez-vous donc que vos paires complémentaires neutralisées sont au nombre de trois, rouge, vert, orange, bleu, violet, jaune. Et vous pouvez jouer et faire ces exercices avec chacun d'entre eux et faire des expériences amusantes trempant votre stylo ou votre crayon. Et une autre chose à laquelle il faut penser c'est que votre geste et votre ligne quand je suis au téléphone, je griffonne et je prends le risque. Vous pouvez donc également expérimenter la création de vos marques. Nous allons vraiment nous y intéresser ensuite et créer un paysage. Je vais utiliser toutes ces différentes techniques, les lavages, le trait et le mélange pour créer un paysage au crayon de couleur, au crayon aquarelle. 8. Paysage de crayon coloré à base d'eau: Commençons par notre paysage. Dans cette leçon, nous allons donc apprendre à fusionner les tunnels que nous avons effectués dans nos échantillons. Le ton se mêle à l'œuvre linéaire. Nous allons apprendre à créer mélanges de couleurs optiques en superposant des lignes, comme nous l'avons fait dans nos échantillons. Et nous allons également parler de la création d'une forme à l'aide de cette ligne en implémentant un marquage directionnel. Avant de commencer à dessiner, parlons un peu des considérations relatives au papier. Je travaille donc sur un carnet de croquis que vous voyez derrière moi. Et il y a une petite dent qui est pressée à froid. Je dois terminer les dessins ici. Si vous regardez celui sur ma gauche, vous verrez qu'il a un aspect quelque peu moucheté. Et celui de droite semble un peu plus lisse. Donc, si le papier est pressé à très froid, il aura ces collines et ces vallées. Et le crayon de couleur ne descend pas vraiment dans les vallées et c'est ce qui lui donne ce livre moucheté. En fait, je préfère travailler avec les couleurs plutôt sur le côté droit, le papier. C'est un peu plus fluide. Parlons de notre dessin. La première étape est donc celle que j'ai commencée pour vous. Vous remarquerez que je dessine à nouveau avec du rouge, ce n'est pas une couleur que je veux masquer car le dessin fait partie de l'ensemble de votre dessin. Encore une fois, si vous pensez avoir commis une erreur, ces marques seront simplement absorbées par votre dessin. J'ai donc dessiné gestuellement ma composition. Voici mon sujet. C'est un magnifique paysage néo-zélandais que j'ai recadré et que je suis prête à utiliser. Ce que nous allons faire, c'est commencer par les lavages. N'oubliez pas que nous ne traitons pas cela comme un livre de coloriage que je dois maintenant colorier. Mais nous allons l'aborder au fur et à mesure que nous créons des couleurs. Et une bonne façon de le faire est de commencer par des couleurs froides dans les ombres. Avant de commencer, je voudrais également parler un peu de mes crayons. Je pense que vous allez remarquer quelques espaces vides ici. J'ai sorti quelques crayons. J'ai retiré les noirs, les gris et les bruns. Nous allons donc parler un peu de création des ténèbres et des raisons pour lesquelles j'ai retiré les noirs et les gris. N'oubliez donc pas que notre première couche sera lavable. Je vais donc utiliser des couleurs pour les ombres. Je choisis donc ces couleurs froides, le violet et le bleu. Maintenant, comme pour les aquarelles, nous ne pourrons pas mettre de blanc sur le dessus. Je dois donc vraiment réfléchir à mes valeurs les plus faibles. Je ne pense pas avoir zones d'un blanc pur à conserver, mais je vais vouloir que certaines zones soient beaucoup plus claires, par exemple, ici dans le ciel. Je dois donc y déposer beaucoup moins de pigments, commençant par les ombres et regardant les marques directionnelles. Je vais juste commencer à mettre de la couleur ici. Mes marques sont donc gestuelles et suivent en quelque sorte la forme de l'arbre. Et je vais déplacer ma main de manière pouvoir regarder toutes les zones de la photo en même temps. C'est donc un geste lâche. Souvenez-vous que lorsque nous heurtons des objets avec de l'eau, cette couleur apparaît. Encore une fois, ce mot indique que c'est vraiment le cas. Je n'ai donc pas besoin de mettre autant de couleurs que vous ne le pensez. Et au fur et à mesure que je me déplace vers l'avant, je vais utiliser un bleu plus chaud pour ces ombres et changer de direction. C'est le reflet. Je n'ai donc pas besoin de mettre une tonne de couleurs pour le moment. Ça se répand par ici. Voyons voir. Je pense que je vais revenir à mon bleu outremer sur le devant. Nous voulons pondérer la couleur afin que les couleurs plus épaisses puissent être placées sur le devant. Et certaines des couleurs que je choisis peut-être un peu surprenantes parce que je n'aime pas le vert. Souvenez-vous que nous avons dit que nous créions de la couleur. déplaçant ma main en direction de la masse continentale, j'ai une couleur orangée en dessous. Et chaque fois que je vois certaines de ces couleurs plus claires, je vais les ajouter. Et continuez simplement à regarder la photo et à les ajouter. La couleur que je vais utiliser pour l'eau ne sera pas le bleu. N'oubliez pas que nous voulons augmenter les couleurs. Je vais donc apporter une correction au dessin et vous pouvez le faire à tout moment. J'en ai envie Laisse les espaces où se trouveront mes nuages. Ce sera le reflet du nuage dans l'eau. Il doit être juste un peu plus léger. Je ne l'ai pas encore mis. Donc, en reprenant le dessin, voici mes fesses, et j'ai quelques points noirs. La partie amusante viendra quand je commencerai à m'y intéresser avec de l'eau. Nous le ferons dans une minute. Maintenant que j'ai un peu une première couche de couleur partout, nous allons faire en sorte que la magie opère. Nous allons y aller avec de l'eau. Vous remarquerez que dans certaines zones, j'ai plus d'une couleur dans ce sous-lavage. Et si je l'ai fait, c'est parce que je sais que ces zones vont être très sombres. Donc, pour créer des zones sombres, vous allez simplement superposer des couleurs primaires. Il y a donc des bleus et des rouges dans certaines régions. Encore une fois, j'utilise mon pinceau plus petit, mais je pense toujours à créer des marques directionnelles et à essayer de ne pas trop mixer. N'oubliez pas que lorsque vous mélangez plus de deux couleurs, vous allez commencer à avoir de la boue. Et nous ne voulons pas de boue, mais regardez comment elle couvre la zone. C'est te débarrasser de ton blanc. Et cela vous donne une base idéale pour poursuivre votre travail en ligne dans des domaines où je souhaite des valeurs vraiment très légères. Je vais juste mettre de couleur dans les autres zones que je n'ai pas réellement dessinées là-bas. Ce seront les nuages plus tard. C'est donc une très belle base. Pensez également à cela dans votre dessin. Vous n'avez pas à compléter toutes les zones que vous pouvez laisser, car le ciel n' aura probablement pas beaucoup de lignes tracées et certaines zones, peut-être les zones situées devant, peuvent être plus détaillées. Et ils auront plus de lignes de travail. Au fur et à mesure que vous parcourez votre dessin, vous pouvez décider ce qui doit être sombre et lourd, avec un peu de chance, les éléments situés à l'avant et ce qui doit être plus clair et plus frais. Sûrement les objets qui se trouvent au fond de votre paysage. Par exemple, le ciel est légèrement teinté de rose. Donc, quand je le touche avec de l'eau tu peux à peine le voir. Parce que n'oubliez pas que nous ne pouvons pas éclaircir le ciel plus tard. Il faut que cela reste ainsi. Voici donc notre ciel très, très clair. Voici les ombres de l'arbre. N'oubliez pas que nous voulons réfléchir à la création de marques directionnelles. quel sens cet arbre se déplace-t-il, pousse-t-il ? Comment se trouve-t-il dans l'espace ? Et au fur et à mesure que nous remontons dans le paysage, j'ai utilisé moins de crayon pour le rendre moins saturé. C'est donc un peu plus léger avec ces crayons. Ainsi, la base se colore à nouveau, ou se réchauffe et se refroidit. J'ai fait du froid dans l' ombre et de la chaleur. Plus tard, si ces chaleurs sont trop chaudes, cela les refroidira et/ou les neutralisera. Je vais donc continuer à ajouter l'eau à toutes ces zones. Et étape importante, nous allons les laisser sécher. N'oubliez pas que si vous traversez des zones humides avec des lignes, cette ligne deviendra vraiment très épaisse. Donc, à moins que ce ne soit l' effet que vous souhaitez, vous devez vraiment être patient et laisser le travail vous guider. Semblable à l'aquarelle. Si j'ai l'impression qu'une zone est trop saturée ou trop humide, je peux toujours la ramasser une serviette en papier ou un mouchoir en papier. Vous remarquerez peut-être que lorsque vous mettez de l'eau sur votre papier , il peut commencer à se déformer légèrement, mais en séchant, il se redresse et nous en avons fini avec l'eau. N'oubliez pas que vous ne voulez pas continuer à le toucher avec de l'eau. Nous allons donc continuer à essayer de créer une certaine profondeur spatiale en chauffant et en saturant l'avant, tout en maintenant le rétroéclairage. Nous pourrions envisager de redessiner les arêtes et les lignes. Un bon endroit pour rechercher l'ombre et la lumière, la facilité et les contours. Au fur et à mesure que les buissons s'empilent, vous verrez de l' obscurité, de la lumière, du chaud, du frais, du chaud, du frais. Nous allons donc y réfléchir. Et étonnamment, une très bonne couleur pour créer une largeur plus foncée sera facile à lire, surtout lorsque vous vous situez au début de votre dessin. Et ce n'est pas que je veuille faire rougir mes herbes. C'est que c'est une couleur idéale pour créer une largeur sombre. N'oubliez pas que je peux toujours assombrir mes ténèbres, comme avec l'aquarelle. Mais on ne peut pas revenir en arrière. Nous avons donc maintenant une grande colline orangée. Donc, au lieu de laisser ce Hill orange, je vais le recouvrir d'un voile de couleur et le recouvrir de bleu. Cela neutralise l'orange. Et il va commencer à faire référence à Green Hill. Je n'ai pas choisi Green Up. Et il se peut que je ne choisisse jamais le vert sur ce dessin. Nous allons parcourir le dessin et augmenter ces couleurs. Nous avons une eau très rose. Je vais y aller, calme-toi un peu. J'ai une sorte de couleur lilas plus fraîche ici. Et nous allons refroidir un peu cette eau. Et je vais choisir un vert, pas pour donner du vert, mais c'est aussi une très bonne couleur pour créer une teinte foncée. N'oubliez pas que nous renforçons nos tons foncés en superposant des couleurs avec les crayons de couleur. Vous pouvez simplement continuer avec ces couches. Ils vont juste se superposer. Et n'oubliez pas que c'est merveilleux parce que ce n'est pas un mélange physique de la peinture. Il s'agit plutôt d'un mélange optique de toutes les différentes lignes et couleurs. Alors je me déplace dans le dessin, je crée des zones sombres. Et tu vois, je me retrouve avec une poignée de crayons. Vous remarquerez également qu' une couleur n'est pas isolée à une zone. Nous intégrons la couleur dans tout le dessin en l'utilisant à différents endroits. N'oubliez donc pas que lorsque je me déplace dans le dessin, mon objectif est de créer de la profondeur spatiale. Et la façon dont nous allons y parvenir est de mettre l' accent sur les détails de la façade. saturation de la couleur, c' est-à-dire qu'elle va devenir plus claire, plus lourde, plus foncée, la repousse en la laissant rester plus claire. J'ai donc presque terminé le dessin. Comme vous pouvez le constater, nous avons créé ici des zones d' obscurité, de lumière et de détails. Plus à l'avant. En remontant dans le paysage, nous avons gardé les choses très légères. Je pense que ce dont le dessin a besoin et ce qui est vraiment amusant à faire, c'est du dessin au trait. Et j'ai aiguisé mon crayon, je suis prêt à partir. Et ce que je veux faire, c'est simplement clarifier une forme avec quelques arêtes. Vous ne voulez pas de choses trop pointues qui les aplatiront. Mais je pense que nous avons besoin de quelques éclaircissements sur les bords et le tracé, afin de rétablir en quelque sorte la forme qui aurait pu devenir un peu floue dans votre dessin. Et nous pouvons en quelque sorte remettre cela en évidence avec de jolis tracés au trait contrastant. Et comme il s'agit d'un dessin, vous voulez voir un dessin au trait. Donc, je ne me souviens pas que nous avons parlé de tonalité et de linéaire. Ainsi, grâce à l'utilisation des tons, vous pouvez voir davantage dans le ciel. n'y a pas de ligne. C'est très calme et plat, tout comme l'eau. Mais ensuite, nous entrons dans beaucoup plus de détails et d'action au premier plan. Et je pense que je vais m'arrêter là. Et voici notre crayon de couleur terminé, l'aquarelle. 9. Acrylique: Maintenant, nous allons mélanger un peu les choses, travailler sur le chevalet et explorer l'acrylique. Dans cette leçon, vous allez donc apprendre des techniques de base telles que la superposition et le scumbling. En ce qui concerne les acryliques. Il existe certaines différences et nous allons vous les expliquer. Nous rechercherons également des mélanges de couleurs optiques et manière de travailler avec les acryliques afin d' obtenir une consistance de peinture optimale. Parlons donc des acryliques en général et de leurs caractéristiques. Donc, ce qui différencie vraiment les acryliques des autres médiums, le liant qui est l'autre médium à base d'eau dont nous avons parlé. Le liant et les acryliques sont donc un polymère et le polymère est un plastique. Et l'avantage de ce polymère, c'est qu' au fur et à mesure que l'acrylique sèche, il se scelle. Cela signifie pour nous que nous pouvons superposer des couleurs sans mélanger la couche précédente. Cela signifie également que la lumière va réagir différemment en dehors de la surface. Alors que dans une gouache, vous avez cette lumière plate dans l'acrylique, vous allez avoir plus de brillance. Il sèche un peu plus foncé que vous ne le pensez. Et ce que nous recherchons toujours, c'est plupart du temps une couverture opaque. Maintenant, il peut être dilué. Nous travaillerons veut que vous commenciez. Mais l'indice ici est que nous n' allons pas le diluer uniquement avec de l'eau. Nous allons utiliser quelque chose qui est un GAAC ou un GAAC. Je sais que c'est amusant de dire qu'il s' agit d'un autre additif polymère. Si vous ajoutez trop d'eau aux acryliques, vous perdez en quelque sorte leur capacité à adhérer et à sceller. Vous n'avez donc pas besoin d' être scientifiquement mathématique à ce sujet, mais en réalité, vous ne voulez pas diluer à plus de la moitié avec l'eau et vous ne voulez pas simplement travailler avec de l'eau. Assurez-vous d'avoir une partie de ce merveilleux GAAC. Et au fur et à mesure que la peinture sèche, vous obtenez une surface protégée et vous n'avez pas à la mettre sous verre, ce que les gens apprécient beaucoup. Très bien, parlons donc des supports. Vous pouvez travailler sur une planche, mais j'aime travailler à l' acrylique sur toile Nous allons donc travailler sur Canvas aujourd'hui. Ce sont des toiles achetées en magasin. Ils sont déjà étirés, ce qui est merveilleux. Mais je recommande toujours à mes étudiants de simplement voir la toile. Une autre, deux fois en fait. Lorsque vous achèterez la toile au magasin, ce sera juste pour que je n'aime pas la surface rugueuse de la toile. Alors je le fais encore deux fois. Et parlons de la peinture. Bien sûr, un peu plus. Encore une fois, je n'ai que six couleurs plus le blanc. J'ai une couche chaude et froide de chaque couche primaire plus le blanc. Et comme pour les autres supports, je suggère d' acheter la meilleure qualité possible. Il existe des peintures acryliques destinées aux étudiants . Ce qui vous manque dans la peinture pour étudiants, c'est un pigment, que vous ne payez pas. Le pigment va te donner la couleur. Le pigment va vous couvrir. Encore une fois, si vous le pouvez, vous devriez acheter le meilleur niveau possible, mais souvenez-vous qu' il ne s'agit que de sept tubes, donc c'est là que vous compensez. Très bien, parlons de la configuration de notre chevalet ici. Nous voulons qu'il reste ergonomique. Tu es debout. Quelques éléments à prendre en compte à propos de la hauteur du chevalet sur lequel je suis en train de le peindre. Je ne veux pas peindre vers le bas ou vers le haut. Je suis à peu près au niveau des bras de Nice Reach. Vous remarquerez que je ne suis pas juste au-dessus. Je veux faire un petit geste, et c'est un avantage énorme de me tenir debout, car mon trait sera plus souple et plus gestuel. Vous remarquerez que je n' utilise toujours pas cette palette avec tout le trou pour le pouce dedans. Ma palette est sur la table, à plat. Beaucoup de surface de mélange. En fait, j'ai la peinture dans une palette qui reste humide, ce qui me permet de disposer mes peintures, de les vaporiser, de les couvrir et d'être prête pour le lendemain. Mais ce que je ne veux pas faire, c'est salir ma zone de mixage. Si je fais cela, le plastique acrylique et le plastique à granulés fusionneront parfaitement ensemble. Et je vais avoir beaucoup de temps à essayer d'obtenir cette peinture. J'efface donc le milieu de ma palette à la fin. La peinture est pressée et prête à être utilisée partout où vous verrez que pendant que je peins, je suis toujours en train de m'embêter avec un peu d'eau. C'est un peu rigide à peindre dès la sortie du tube. D'accord. Alors, en regardant mes toiles, vous verrez que l'une est violette et que l'autre a un magnifique fond pourpre alizarine. Nous avons donc une toile sur laquelle nous posons un sol. La raison pour laquelle je le fais est que lorsque je peins, je n'ai pas à me concentrer sur le fait débarrasser de la toile blanche. C'est déjà fini parce que j'aime tellement les couleurs. Si j'ai un terrain, je réagis déjà à la couleur. Vous remarquerez que l'un est frais, l'autre chaud. Si mon sujet est généralement chaud, je veux le peindre sur un sol frais. Si j'ai un sujet plutôt cool, peut-être un paysage. Je veux l'utiliser sur un sol chaud pour poser le sol. Je vais mélanger une peinture plus aqueuse pour que la couvrance ne soit pas opaque. Vous verrez que c'est un peu plus transparent. Je vais le brosser dans un sens. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfaitement uniforme. Et n'oubliez pas que vous ne voulez pas une couverture vraiment épaisse, vous voulez juste une belle couche, presque comme une glaçure, sur votre toile blanche. Je vais utiliser un pinceau plus gros pour cela. Si vous êtes les coups de pinceau, mieux c'est. Et encore une fois, ce sont mes pinceaux synthétiques plus doux ne laissent pas beaucoup de traces de trait. Mon terrain est donc sec et je vais maintenant vous montrer quelques pinceaux pendant que nous créons des échantillons. Ensuite, vous pouvez me voir surpeindre une fois les échantillons secs. Vous remarquerez que j' attends que la peinture sèche avant d' appliquer la couche suivante. éviterez ainsi les surprises involontaires liées au mélange ou au glissement des couleurs, ou à la formation de boue là où vous ne le souhaitez pas. Donc, sur une toile violette ou froide, je vais mélanger des échantillons plus chauds. Je vais en faire une plus foncée et une plus claire. Vous remarquerez donc que j'ai trempé dans de l'eau et dans le GAAC pour ma consistance. Et encore une fois, l'astuce consiste à utiliser suffisamment de peinture pour pouvoir la faire couler. Vous ne voulez pas qu'il soit trop fin car je veux une couverture opaque. Voyons donc ce que nous avons ici. Agréable. La bonne nouvelle à propos de l'acrylique, c' est que s'il y a des stries, je peux y retourner et le corriger en appliquant une autre couche. Mais je pense que nous allons bien. Je pense qu'il y a assez de rose ici. J'ai donc choisi un beau gros pinceau plat. Tout ce que je vais faire maintenant pour mon deuxième échantillon, c'est y ajouter un peu plus de blanc. Je peux donc vous montrer un peu de contraste par rapport à la peinture. Et voilà, on y va avec des couleurs plus claires. Il est très important de bien mélanger, encore une fois, en bouche. Débarrassez-vous des surprises qui se cachent sur le dessus de votre pinceau. Vous n'obtiendrez donc pas une couleur striée alors que vous vouliez en avoir une plate. Nous y voilà. En fait, je peux me procurer un peu plus de peinture ici. OK, donc pendant que nous laissons ça sécher, je vais rincer mon pinceau et passer à la toile chaude. Et pour obtenir des échantillons contrastés, je vais mélanger des couleurs froides. Faisons un bleu chaud qui est le bleu cyan qu'il y a ici. Et encore une fois, j'utilise le GAAC. J'utilise de l'eau. Je vais mélanger un peu de blanc. Et comme pour certains de vos autres supports, un peu de blanc aide à corriger le 0, l'opacité. Et assurez-vous qu'il y a suffisamment de peinture ici. y a donc rien de pire que de penser que vous avez assez de peinture pour un échantillon et de devoir mélanger à nouveau la couleur parce que ce n'est pas le cas. Alors ne soyez pas avare avec votre peinture. Ok, j'ai eu toutes les surprises de mon pinceau. Et regardez comment ce contraste chaud et froid apparaît. C'est sympa. Cela s'est passé assez facilement. OK, maintenant nous allons également faire un échantillon plus léger. Nous sommes donc en train de modifier la valeur. Peinture, eau, GAAC. Nous y voilà. Voyons à quoi ça ressemble. N'oubliez donc pas que nous avons trois façons de créer du contraste, chaud et froid, et de valoriser les changements et de compléter ce que nous avons ici, c'est un contraste chaud et froid. Très bien, j'ai peint mes échantillons et je vais les laisser sécher. N'oubliez pas que vous voulez travailler du mouillé au sec, de cette façon, vous aurez plus de contrôle sur vos couleurs. Vous n'aurez pas de boue et vous n'aurez pas de traces. Très bien, mélangeons un peu de peinture et faisons du dessin au trait sur les échantillons. Je vais utiliser deux pinceaux différents. Je vais utiliser. L'un de mes points forts et l'une de mes cartouches. Ainsi, les ronds formeront ce genre de lignes plus fines et le plat, nous ferons un peu de travail à plat. OK, donc n'oubliez pas que nous optons pour le contraste. Je vais donc d'abord mélanger un vert pour remplacer le rose. J'ai donc mon bleu primaire et mon jaune froid, ce qui donne un joli vert. Et je vais également y mettre un peu de blanc. Cela aidera à atténuer l'opacité. N'oubliez pas que vous voulez utiliser suffisamment de peinture pour qu'elle s'écoule du pinceau. Donc, comme je l'ai dit, l'avantage de se tenir debout , c'est le geste. Remarquez donc que je ne tiens pas mon pinceau ici, que je ne me penche pas et que je me ferme et que je travaille de cette façon, mais que je suis en fait en train de prendre du recul et de tenir le pinceau en arrière. Alors je peux bouger tout mon bras et faire avancer cette ligne. J'ai l'impression de ne pas avoir mélangé assez de peinture, alors je vais recommencer. Je vais mélanger un peu plus de peinture. On peut passer en revue les choses avec de l'acrylique. Cela ne fera pas apparaître la couche précédente. L'un des grands avantages de l' acrylique est qu' il se scelle tout seul. Voyons donc si nous ne pouvons pas améliorer un peu cette ligne avec un peu plus de peinture. Et nous y voilà. Ouaip. Oui, ça marche mieux. OK, passons à un pinceau plus gros. C'est mon appartement, et continuez à mélanger de la peinture. Je dirais qu'il vaut mieux mélanger plus que moins. De cette façon, vous pouvez le contrôler et obtenir les résultats escomptés. Donc on mixe, on met le Jack dedans. J'ai légèrement changé la couleur. J'aime bien cette couleur. Utilisons-le. Nous pouvons donc travailler à plat et obtenir un certain contraste. Agréable. Par-dessus l'échantillon rouge. Je vais me rafraîchir un peu. Nettoyez donc avec vos pinceaux. C'est vraiment facile entre les deux. Je vais prendre une serviette en papier. Vous devez toujours contrôler l' eau sur votre brosse. Vous allez devoir l'essuyer lorsqu' il sortira du seau. Tu n'as aucune surprise. C'est vraiment suffisant pour les nettoyer pour la couleur suivante. C'est tout ce dont j'ai besoin. Très bien, nous allons donc faire du bon travail sur le rouge. Je pense donc que cette fois, je vais opter pour mon bleu cool. C'est ton ultramarine. Faites toujours attention à mixer dans votre GAAC. Il faudra un peu de vert pour devenir un peu bleu-vert ici. Et vous devez avoir les patients pour vraiment bien mixer sur votre palette. Vous remarquerez également que j'ai nettoyé le palais entre les deux. J'aime avoir suffisamment d'espace libre sur ma palette pour vraiment mixer et voir ce que je fais. Très bien, faisons un peu de travail ici. Je pense que ça devrait plutôt bien se passer. Oh oui, c'est sympa. Essayons également de travailler à plat là-dessus. Et encore une fois, mixez pour vous débarrasser des surprises. Et vous pouvez voir qu'au fur et à mesure que la peinture sèche, elle devient un peu plus foncée et vous serez en mesure juger si c'est l' opacité que vous souhaitez. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez opter pour renforcer ou accentuer cette couleur et obtenir un résultat parfaitement opaque. C'est ça. D'accord. Passons donc à autre chose. Encore une fois, essuyez le pinceau. J'ai donc cette serviette en papier dans ma main. Je suis toujours en train d'effacer et de gérer les couleurs. Nous allons opter pour une couleur chaude plutôt que le bleu. Mélangeons une violette. N'oubliez donc pas que le violet sera votre bleu froid. Andrew Cool Red, qui est votre nom en acrylique, une quinacridone. Les noms changent parfois fur et à mesure que vous passez d'un média à l'autre. Nous avons ici une quinacridone qui ressemble à votre Alizarine Crimson. Faisons entrer un peu de blanc ici. Parce que cet échantillon bleu est un peu foncé. Et je recommence à rouler les pinceaux pour me procurer ces surprises. De plus, je ne veux pas mélanger ma peinture avec un gros pinceau, même si je suis sur une couverture, sur une grande surface, parce que vous ne voulez pas que toute la peinture que vous essayez de que toute la peinture que vous essayez mélanger soit mangée par votre pinceau. Tu sais quoi ? Je pense que c'est possible, une valeur plus faible ne peut guère le voir par-dessus le bleu. Je vais donc attendre que ça sèche mélanger une couleur plus claire et passer en revue. Mais maintenant, je vais passer à mon échantillon de bleu plus clair sur lequel je voudrais une couleur plus foncée. En fait. Faisons quelque chose dans les tons chauds. Faisons un rouge primaire. C'est votre carte rouge. Et encore une fois, ces couleurs sont des couleurs issues de votre roue chromatique. Il s'agit du rouge primaire réel, le plus proche de votre roue chromatique. Faisons quelques éclosions. Vous savez, vous vous inquiétez toujours de la quantité d'eau, de la quantité de peinture, et ce n'est pas grave. Comme ça, tu sauras ce que tu as. Vous voyez donc que ce n'est pas tout droit sorti du tube. Agréable. Mieux couvert, non ? Ensuite, essayons un peu de travailler avec un pinceau plat avec ça. Et vous pourrez voir quand je passerai à la peinture de notre citron, où je pourrais avoir besoin d'un pinceau plat et d'un pinceau rond. Et il est bon de se rappeler qu'il ne s'agira pas d' un seul pinceau pour l' ensemble du tableau. Il ne s'agit pas seulement de mettre de la peinture sur la toile. C'est la façon dont vous mettez la peinture sur la toile. Nous allions revenir à notre violet, allons-y. Une autre chose que vous devriez peut-être faire est de manquer la peinture sur votre palette pour qu'elle ne sèche pas. Je peux aussi oublier les taches de peinture sur ma palette. Encore une fois, il est à base d'eau. Il va commencer à dessiner dès que vous l'aurez retiré. D'accord. Nous avons donc dit que ce violet était trop foncé. Nous ne pouvions pas le voir par-dessus bord. Nous allons donc modifier la valeur. Nous allons lui donner une valeur plus légère en y mélangeant plus de blanc. Et je pense que nous aurons un meilleur effet. Voyons comment cela fonctionne. C'est sympa. C'est presque comme du blanc, mais vous pouvez toujours voir le violet s'y produire. Et essayons également de travailler avec un pinceau plat avec ça. Oui, on va bien. Encore une fois, au fur et à mesure que cela sèche, si je n'ai pas l' opacité que je souhaite, je peux passer directement dessus. Alors allons-y et configurons votre station. N'oubliez pas que certaines choses vont vous faciliter le processus de peinture. Par exemple, si vous êtes droitier, placez votre palette sur le côté droit. Et si vous êtes gaucher, mettons-le sur la gauche. Nous avons déjà parlé le chevalet à la bonne hauteur, placer votre palette à plat et d'avoir tous vos matériaux, votre eau et votre GAAC à portée de main. Très bien. 10. Un citron en acrylique: Créons donc une peinture acrylique représentant un citron. Dans cette leçon, nous allons travailler de l'obscurité à la lumière, reconstruisant le corps du citron à partir de nos lumières les plus claires. Nous allons apprendre à gérer avec succès les zones de transition où le citron passe du foncé au clair. Pour aider à rendre ce citron plus réaliste, arrondi et tridimensionnel. Nous allons également essayer de créer une certaine profondeur spatiale dans la composition en faisant le premier plan passe à l' arrière-plan dans des couleurs qui nous permettront de vraiment nous concentrer sur votre événement principal, à savoir le citron. Nous allons d'abord peindre une forme à l'aide de nos lignes, puis la remplir légèrement avec une couche de peinture délavée indiquant la fraîcheur pour les ombres et la chaleur pour la lumière. Nous allons donc d'abord le dessiner avec la peinture , puis nous passerons au lavage. C'est ce que nous allons faire. N'oubliez pas que vous voulez dessiner avec une couleur que vous pouvez voir au-dessus de votre sol. Encore une fois, n'ayez pas peur de faire des erreurs avec ce média. En particulier, nous pouvons effacer toutes les erreurs que vous commettez. Alors mélangeons un peu un bleu plus clair et dessinons notre peinture avec ça. OK, on y va. J'ai donc ces trois citrons ici. Et je vais commencer par le plus gros attaquant. Et je veux continuer à examiner les relations entre les citrons. Et c'est vraiment un bon endroit pour réfléchir au geste pour obtenir cette rondeur. Et vous pouvez toujours apporter des corrections. Découvrons un peu ce corps . D'accord. Je vais indiquer où se trouvent certaines des ombres projetées. Encore une fois, inscrivez la ligne d'horizon parce que cela me permettra d'avoir un premier plan et un arrière-plan et de changer ces couleurs. Apportez quelques corrections ici. Je pense que nous sommes prêts à commencer à peindre. Alors quand je commencerai à peindre, je vais changer de pinceau. Alors je vais poser ce tout petit objet plat et le reprendre comme s'il s'agissait d'un modèle rond plus tacheté. Et n'oubliez pas que je recherche des zones sombres et claires, donc je vais changer de couleur pour ces zones. Parfois, il est très utile de plisser les yeux sur votre sujet , car vous pouvez masquer les détails et simplement voir les zones de transition entre ténèbres et les lumières dans ce citron. La zone la plus sombre se trouve au milieu. N'oubliez pas que je ne vais pas utiliser la couleur jaune locale. Le jaune ne suffit pas pour décrire les ombres et les lumières de ce citron, j'utiliserai du jaune. Finalement, les citrons sont jaunes et c'est une couleur primaire. va donc falloir que je le fasse. Mais pour l'instant, je ne vais pas m' inquiéter trop de la couleur locale ou de la couleur jaune du 11. OK, donc les zones les plus sombres. J'ai dit que c'était un peu au milieu de ce citron. Et je déplace mon pinceau en suivant la forme du citron. Je regarde les limites de l'obscurité et de la lumière. Mon obscurité la plus foncée est vraiment là, mais mes ombres sont également assez sombres. Une ombre foncée sous le citron attachera le citron au dessus de la table. Sans ces ombres, mes citrons flotteraient dans l'espace. Et partout où je pense voir l'obscurité la plus foncée, je peux aussi utiliser ce petit bout de violet. OK, donc je vais changer de pinceau. Maintenant, je vais prendre un pinceau rond et utiliser pour remplir librement les zones de valeur, en choisissant différentes couleurs pour les différentes zones de valeur, mais sans vraiment utiliser de blanc pour le moment, toutes les couleurs resteront saturées. J'ai donc terminé ma première couche. Il s'agit d'une sous-couche lavée et lâche dans laquelle j'ai indiqué les différentes zones d'ombre et de lumière. n'utilise pas réellement de couleurs claires, mais en changeant de couleur, essayant de suivre la forme du citron afin que, même s'il n'y a pas de jaune dans notre citron, il soit toujours lu comme un objet dimensionnel. J'ai ajouté de la couleur au premier plan, l'arrière-plan indiquant où se trouvent les ombres. Donc, dès que c'est sec, la prochaine chose que je vais faire est de continuer à peindre, rendant un peu plus opaque, mais en utilisant un coup de pinceau cassé et en laissant transparaître certaines de ces couleurs, je vais commencer à réchauffer les citrons. Je ne vais pas utiliser de vraie lumière pour l'instant. Je veux travailler de l' obscurité à la lumière. Ainsi, certaines zones des citrons peuvent avoir plusieurs couches. OK, nous sommes donc arrivés au stade où nous devons examiner ce que j'ai fait ici. J'ai enrichi les citrons en les marquant de manière directionnelle, en les réchauffant et en les refroidissant. Mais maintenant, je veux faire ressortir les lumières et les ténèbres, à la fois dans les citrons et en arrière-plan. Vous remarquerez donc que dans cette peinture, par opposition à la peinture derrière moi, c' la peinture finale des citrons. J'ai un fond sombre et non un fond clair. Le contraste peut donc être soit foncé contre clair, soit clair contre foncé. Pour créer cette lumière contre l'obscurité, je veux repousser les bords clairs du citron. Je veux faire ressortir quelques ombres dans le citron. Pour ce faire, je vais neutraliser le jaune avec du violet. Et n'oubliez pas que ce sont des citrons. Le jaune est une couleur primaire. Je vais devoir utiliser du jaune. Mettons-nous donc au travail là-dessus. Je pense que la première chose que je vais faire est d'éclairer les bords supérieurs des citrons avec un pinceau plat. Je vais appuyer là-dessus et sauter un peu sur ce citron également, afin que nous ayons une belle lumière dans le noir. Et il y a quelques autres zones où j'ai également ces lumières. Je peux donc les pousser. Je vois encore quelques zones. J'ai également pulvérisé ma palette parce que la peinture commencera à dessiner sur votre palette. Vous voulez donc garder votre M. Handy. Ce n'est pas une mauvaise idée. J'utilise toujours un coup de pinceau pour créer ce citron rond. Pour cette peinture, je peux utiliser à la fois le jaune chaud et le jaune froid selon l'endroit où je veux aller. Et comme je l'ai déjà dit, souvenez-vous que ce n'est jamais une solution à molaire unique. En fait, plus j'utilise de jaune, plus ce citron deviendra plat. Parce que je vais perdre mes ombres. Je ne veux pas faire ça. Je dois alléger un peu le devant de la table . Je vais donc prendre un pinceau plus grand et opter pour une couleur plus claire. Je préfère le violet, la couleur. Fais-le encore une fois. Je vais plutôt m' orienter vers un violet chaud car une couleur chaude va avancer. Je vais juste alléger un peu la valeur. J'ai donc mélangé un violet plus chaud, plus proche d'un violet rouge. Voyons comment cela fonctionne. Vous pouvez également utiliser un peu de brosse sèche. Encore une fois, il y a encore ce mot grossier, sorte que toutes les zones de ce premier plan n'ont pas besoin d'être identiques, parfaitement plates et épaisses. Je peux en quelque sorte, euh. Passez à celui qui est le plus sombre. Vous voulez que votre premier plan puisse contenir les citrons. Il doit donc y avoir de l'obscurité en dessous et les lumières du dessus le maintiendront en place. Agréable. Neutralisons quelques jaunes et apparaître d'autres ombres dans les citrons. Et une camionnette, comme une camionnette de taille moyenne. Pour la neutralisation, j' utilise le jaune froid, est-ce que le jaune primaire est mélangé à du violet ? Ça fait un peu comme du violet à 1 dollar, on pourrait dire que c'est presque un peu grisâtre. De cette façon, je peux créer des ombres là où j' en ai besoin et cela fonctionne bien. Peut manger d'autres zones de transition. Et il faut vraiment plisser les yeux pour voir où se trouve la partie la plus brillante du citron. Ce n'est pas vraiment en haut, c'est un peu plus là-haut. Je vais donc modifier légèrement ce bord arrière. Ouaip. Et dans mon contexte, il n'est pas nécessaire que ce soit une couleur plate. Vous pouvez le travailler de manière à avoir des zones plus sombres contre des zones plus claires. Pour le contraste. C'est une nuit magnifique. Nous y voilà. C'est comme ça. Ce qui se trouve devant paraît de plus en plus clair. À cause du contraste. Ils n'ont pas besoin de passer en revue l'ensemble du contexte. Juste là où je veux montrer le contraste entre le foncé et le clair. Nous sommes sur le point de terminer la peinture et de terminer cette leçon. À ce stade, je choisirais probablement de prendre un pinceau plus petit et d'y ajouter quelques points saillants et de petits détails que vous pouvez voir sur le tableau fini derrière moi.