Peinture à l'aquarelle : explorer les bordures pour la concentration et l'intérêt - Nature morte des agrumes.

1. Intro: Ce sont les bords qui peuvent aider à transformer et à faire une énorme différence dans nos peintures. Et dans ce cours, nous allons examiner certaines des bases. Salut, voilà. Je m'appelle Tanja Je suis une artiste basée au Danemark et je suis ravie de vous avoir ici. Dans ce cours, nous travaillerons ensemble sur une peinture de Clémentine, de l'esquisse initiale à la peinture finale Nous examinerons les fournitures, examinerons certaines des bases en ce qui concerne les différents types de bords. Nous allons faire un exercice qui nous aidera à nous entraîner à planifier nos limites. Ensemble, nous aborderons la peinture, des couches de base initiales à la forme du bâtiment, en passant par couches de base initiales à la forme du bâtiment les textures et les touches finales. J'espère que ce cours vous permettra de comprendre comment les bords peuvent nous aider à améliorer nos peintures en créant un point focal et en y apportant une atmosphère et un intérêt. Donc, si cela vous semble amusant, allons-y directement. 2. Matériel: Jetons un coup d' œil aux fournitures. Pour ce cours, nous allons avoir besoin d'un waterclos. À tout le moins, vous aurez besoin d' une version de vos primaires, rouge, jaune et bleu, mais vous voudrez peut-être aussi obtenir oranges ou même vos légumes verts préférés Nous en parlerons en classe. Tu auras besoin de papier. Je vais utiliser du papier coton extra blanc Fabriano Artistico, Mais vous pouvez utiliser le papier aquarelle de votre choix. Et puis vous voudrez peut-être aussi avoir des bouts de papier ou du papier à croquis, un croquis fleurs et de l'exercice Alors, collez votre papier avec du ruban adhésif et des pinceaux. J'utiliserai deux pinceaux dans le cours, celui-ci de Meten, qui sera mon pinceau principal tout au long du processus de peinture Et puis celui-ci, qui n' est qu'un pinceau bon marché que je vais utiliser pour mélanger et soulever mes peintures, un crayon et une ou deux gommes, un chiffon et du mouchoir en papier pour essuyer nos pinceaux et pour aider à soulever la peinture et un peu d'eau. Commençons. 3. Clémentine : Esquisse: Nous allons commencer par créer notre croquis. Bien que je vous encourage toujours à créer le vôtre, je vais également ajouter le mien à l'onglet Projets et ressources pour que vous puissiez l' utiliser si vous préférez. Et, bien sûr, vous pouvez également tracer pour référencer l'option dont vous aimez le son. Allez-y et faites-le . Alors voyons voir. Commençons par la Clémentine elle-même. Nous allons avoir besoin de quelque chose qui ressemble à un cercle. Dessinons-le donc juste pour avoir une idée du placement. Si nous imaginons ensuite une ligne au centre, la tige sera juste excentrée, peut-être quelque part par ici. Ensuite, nous pourrons regarder de plus près la forme de la Clémentine Nous voulons donc qu'il soit légèrement plus plat ici sur le dessus avec quelques mottes ou bosses Ensuite, ça va sortir. En bas et autour de quelque chose comme ça. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. La nourriture est très indulgente. Peu importe que nous le rendions plus rond ou plus plat par rapport à notre référence. Elle va toujours ressembler à une Clémentine. Et une fois que nous l'avons obtenu, nous pouvons rechercher des éléments ou des proportions qui peuvent nous aider à passer à l'étape suivante. Nous ne pouvons pas utiliser grand-chose, mais la tige sera plus courte que la hauteur du fruit, peut-être par ici. Ça va monter, il va y avoir un petit virage. Et puis ça va monter légèrement en biais. N'hésitez pas à placer votre crayon sur votre référence pour mesurer l'angle exact. Mais tout comme la forme de la clémentine elle-même, il n'est pas nécessaire qu'elle soit parfaite Ensuite, ça va redescendre. Et encore une fois, nous pouvons mesurer l'angle, mais nous pouvons également regarder la forme de l'espace négatif et essayer d' obtenir une forme triangulaire similaire. Je veux dire, les plantes peuvent bouger. Vous pouvez donner à votre tige l'apparence que vous voulez. Pour cette feuille principale, il faut qu'elle descende de la tige, puis qu'elle passe devant la clémentine Et il va y avoir un virage ou un pli brusque. Et si nous devions couper la clémentine en deux à l'horizontale, ce serait juste au-dessus de cette ligne Nous n'avons peut-être pas grand-chose à dire, mais il s'agit de trouver ces différentes formes et proportions qui peuvent nous aider à décomposer et à simplifier nos sujets. Nettoyons un peu les choses, allongeons le croquis et revoyons le tout, essayant de vraiment suivre les formes, les courbes et les angles que nous voyons sur la photo Comme je l'ai dit, il n'est pas nécessaire que ce soit exact. Si notre fruit est plus ovale ou si la tige est plus courte ou plus longue, il ressemblera toujours à une clémentine Et si vous voulez modifier certaines de ces proportions à dessein , allez-y et faites-le. C'est ton tableau. Tu peux faire ce que tu veux. Mais essayer de suivre et copier ce que nous voyons reste une bonne pratique. Sous-estimez souvent le pouvoir du dessin, car le plus amusant, c' est d'ajouter de la peinture Mais la pratique du dessin nous aide à améliorer la coordination œil-main, la mémoire musculaire et la précision générale, ce qui peut nous aider à améliorer nos compétences en peinture, en particulier avec un médium comme l'aquarelle, où nous pouvons toujours simplement peindre nos erreurs avec plus Ensuite, une fois que nous aurons fini de le nettoyer, nous allons le transférer sur du papier aquarelle et passer à la leçon suivante J'ai transféré le mien sur une pièce de six par six ». Vous pouvez choisir la taille que vous voulez, mais je vous recommande de ne pas choisir une taille trop petite. 4. Principes de base : Types de bords: Avant de commencer à jouer avec la peinture, nous allons examiner quelques notions de base en matière de bords. Lorsque vous entendez quelqu'un parler d'arêtes, il en existe généralement trois ou quatre types. Difficile, ce qui, à première vue, est dur ou net. Ferme, encore assez croustillant, mais un peu plus doux M. Soft, qui va avoir l' air très ferme dans cet exemple, mais idéalement, nous voulons que le ferme soit plus net et que le doux soit bien doux. En général, je me contente de m'en tenir l'équation et de dire simplement moins ou plus doucement. Savoir comment les appeler n'est pas si important, mais savoir comment ils affecteront notre peinture l'est. Enfin, nous avons perdu des arêtes. C'est là que nous n' avons plus d'avantage ou qu'il peut être difficile de voir où s'arrête un avantage et où commence le suivant. Alors, quand utilisons-nous les bords durs par rapport aux bords souples ou perdus ? Quatre des principales façons dont vous pourriez choisir de les utiliser peuvent être, d'abord, focaliser ou non. Ainsi, par exemple, lorsque vous avez deux objets dans un cadre, celui qui est le plus proche de nous sera souvent plus net, tandis que celui situé plus loin peut sembler légèrement flou, mais il se peut aussi que ce soit l'inverse Dans les deux cas, l'utilisation de bords nets ou nets permet de concentrer la mise au point sur ou vers le sujet, les bords souples permettent de réduire la concentration sur le sujet. Nous pouvons également avoir une partie d'un sujet nette et le reste du sujet doux. Même effet, nous avons maintenant pris une décision consciente qui influe sur l'endroit où le spectateur va regarder. La deuxième méthode est celle de la lumière contre l'ombre. Vous avez peut-être entendu quelqu'un parler bords durs dans la lumière et de bords souples dans l'ombre. C'est une vieille règle empirique. Je pense que la façon la plus simple d'expliquer cela est d' éteindre la lumière dans la pièce dans laquelle vous êtes assis en ce moment et d'ajouter une petite source de lumière locale quelque part. Quand quelque chose est bien éclairé, dans ce cas, les objets proches de cette lumière. Ils sont généralement plus faciles à voir clairement, alors que lorsqu'un objet est dans l'ombre, il peut être plus difficile de faire distinction entre les différentes formes et les différents objets. Tout cela s'estompe un peu. Donc, si nous devions peindre ces pommes, au lieu de simplement les peindre telles que nous les voyons, nous pourrions choisir d'adoucir les bords de la zone d'ombre afin d' ajouter simplement et efficacement plus d'intérêt à la peinture. La troisième méthode consiste à montrer la forme, et cela peut être utilisé de différentes manières, mais l' exemple le plus élémentaire serait d' imaginer un cube ou une sorte de bloc par rapport à une sphère ou à un objet de forme arrondie. Le fait de donner au cube des bords nets et des bords fermes ou souples à la sphère peut aider à souligner leur forme et, encore une fois, à rendre la peinture plus intéressante. La quatrième méthode est le goût personnel. Toutes ces règles ou directives peuvent être enfreintes. Il est important de savoir comment les choix affectent votre peinture, car certaines choses peuvent tout simplement fonctionner mieux que d'autres selon la situation. En fin de compte, l'art est subjectif, et si vous préférez avoir une certaine apparence, je ne vais pas vous dire d'arrêter. Nous allons faire un exercice pour voir comment les différents types de bords peuvent affecter notre peinture. Mais d'abord, choisissons quelques couleurs avec lesquelles travailler. 5. Choisir notre palette de couleurs: Nous allons choisir notre palette de couleurs, alors sortez vos peintures. En regardant notre référence, nous avons certainement besoin jaune et d'orange. Commençons donc par là. Pour notre jaune, si nous voulons des couleurs belles et ensoleillées, il est généralement préférable de choisir un jaune plus proche de l'orange ou du rouge sur la roue chromatique. Nous pourrions utiliser un ton froid ou un vert penché sur le jaune juste à l' endroit où se trouve le point culminant Mais pour l'instant, optons pour un jaune plus chaud. Je vais essayer la lumière jaune permanente , une couleur que vous m'avez probablement déjà vue utiliser. C'est un très beau jaune vif. Bien sûr, il nous faut de l'orange. Nous savons tous que mélanger le jaune le rouge nous donnera de l'orange, donc c'est certainement une option. Et comme pour le jaune, si nous voulons des couleurs vives et ensoleillées, nous voulons un rouge plus proche de l'orange ou du jaune sur la roue chromatique, donc un rouge chaud. Celui-ci est Scarlet Lake. Si on les mélange, on obtient une belle orange propre. Et si nous ajoutons un peu plus de rouge, nous pourrons obtenir certains de ces tons plus profonds. Elles peuvent parfaitement fonctionner pour cette peinture, mais si vous avez des oranges prémélangées dans votre palette, cela vaut peut-être la peine d'y jeter un œil L'un de mes favoris absolus est l'orange brillant. Maintenant, vous n'avez pas besoin de cette couleur spécifique. Ce n'est pas une nécessité, et beaucoup de gens préféreront le look de l'autre mix. Mais l'ajout de cette orange prémélangée comme couleur de transition signifie que nous avons désormais la version la plus propre du jaune, de l' orange et Il convient de noter que différentes couleurs donneront des résultats différents. rouges et les jaunes ne produiront pas tous les mêmes oranges, et toutes les oranges prémélangées ne se mélangeront pas bien avec tous les rouges Vous avez peut-être des couleurs dans votre palette qui fonctionneront encore mieux, alors jouez avec les couleurs dont vous disposez et choisissez celles que vous souhaitez utiliser. Ensuite, nous allons avoir besoin d' un peu de vert pour les feuilles. Si vous avez des légumes verts préfabriqués dans votre palette que vous aimez utiliser, allez-y. Je n'en ai pas dans cette palette, il me faudra donc au moins un bleu. Nous allons commencer par le jaune que nous avons déjà choisi. Si nous ajoutons un bleu plus proche du vert ou du jaune sur la roue chromatique, nous devrions théoriquement obtenir des mélanges plus propres ou plus frais Et si nous le mélangeons à un bleu plus proche du rouge, nous obtiendrons plus de ce ton olive ou un vert plus sale Mais comme nous travaillons avec un jaune plus chaud, il est également important de noter que le remplacement du jaune une version plus verte affectera également le résultat. Ces deux feuilles du haut pourraient fonctionner, et nous avons un peu de vert plus clair sur les petites feuilles du dos. Je n'utiliserais probablement pas la combinaison du bas uniquement parce qu'il s'agit plutôt d'un vert neutre. Lorsque vous avez une couleur déjà neutre, vous ne pouvez pas la mélanger pour la rendre plus lumineuse, ce qui signifie que nous ne pourrons pas nécessairement obtenir ces verts plus clairs pour les feuilles du dos. Mais vous pouvez prendre une couleur déjà vive et la rendre plus neutre. Donc, l'utilisation de l'une des combinaisons les plus lumineuses nous donnera plus d'options de couleurs. Je vais opter pour la deuxième option en utilisant une lumière jaune permanente et du bleu paon Nous aurons également besoin de quelques tons bruns pour une partie de la feuille et de la tige. Si nous associons notre cause principale, nous obtiendrons nos tons neutres, mais vous êtes également les bienvenus pour apporter des tons de terre à votre palais. Tu es le chef. Et c'est vraiment tout ce dont nous avons besoin pour ce tableau. Je vais apporter une autre couleur, mais celle-ci est facultative. Si vous me connaissez, vous savez que j'adore utiliser des aquarelles roses et magenta pour mes mélanges, alors je vais ajouter du rouge quinaquidon Cela me permettra de créer de jolies teintes violettes, car Scarlet Lake, que j'ai choisi pour mon rouge, ne pourra pas produire teintes violettes particulièrement belles Et même si nous n'avons pas besoin de violet pour la peinture, parce que le violet et le bleu sont complémentaires à l' orange et au jaune, je pense que cela pourrait ajouter une touche agréable à l'arrière-plan. 6. Exercise: Planning our Edges: Nous allons faire un exercice qui peut nous aider à planifier notre peinture. Mettons donc de la peinture sur notre palette. Ne vous inquiétez pas des couleurs exactes ou des mélanges de couleurs. Ce n'est pas important pour cet exercice, mais je vais choisir des tons de jaune, d'orange, d'orange deba et de vert Donc, si nous devions peindre cette Clémentine telle que nous la voyons, en gardant à l'esprit qu'il s' agit d'un croquis à l'aquarelle très grossier Cela pourrait ressembler à ceci. Je vais peindre la Clémentine. Ajoutez quelques nuances différentes d'orange et de jaune. On peut ajouter la tige et les feuilles. C'est une très bonne peinture de Clémentine, non ? Il suffit de hocher la tête et de dire oui. Mais ce que nous pouvons ensuite faire en introduisant bords souples ou perdus, c'est créer un point focal ou plusieurs points d'intérêt, et nous pouvons le rendre vivant et moins rigide. Par exemple, si nous maintenons les bords de la clémentine durs et que nous utilisons ensuite bords très souples ou très fins sur la feuille et la tige, nous allons obtenir quelque chose comme ça Maintenant, nous nous concentrons beaucoup sur la clémentine elle-même, mais pas nécessairement dans le bon sens moins que ce ne soit exactement ce que vous vouliez, bien sûr Et si nous faisions l' inverse, en gardant la tige et les feuilles croustillantes. Comme ça, allez l'ajouter. Et puis j'ai utilisé des bords mous ou perdus pour l'ensemble de la clémentine Et il se peut que nous en exagérions l'effet. Maintenant, toute l'attention est portée sur la feuille, et ça a juste l'air un peu stupide, plutôt cool, mais surtout stupide L'essentiel est de déterminer quelle partie vous souhaitez améliorer ou quelles parties sont les plus importantes par rapport à quelle partie vous pouvez jouer sans perdre l'intégrité ou la lisibilité du sujet En plus de créer de l'attention, considérez les arêtes comme les éléments de base les plus essentiels de votre projet, la structure de base, quelque chose qui permet au spectateur de lire ou d'identifier le sujet. Il n'y a pas de règles établies quant à l'endroit où ils doivent se trouver, mais nous voulons qu'ils soient suffisamment nombreux et soient aux bons endroits pour que nous puissions voir et comprendre ce que nous examinons. Commençons par la Clémentine elle-même. J'adore le surlignage et la texture autour de cette zone. Alors gardons les choses nettes. Nous avons le côté obscur ici. Même s'il n'est pas nécessaire de suivre l'intégralité des bords chauds dans la lumière et des bords souples dans l'ombre, cela peut être un bon endroit pour avoir des bords souples ou perdus. Mais nous voulons également préserver la lisibilité de notre sujet Et si nous gardions cette touche nette ? Ainsi que le bas ici, lui donnant un peu de poids et en lui donnant l'impression d'être ancré. Et alors nous pourrions tout simplement perdre l'avantage ici. Et si nous voulions améliorer la forme arrondie, nous pourrions adoucir légèrement le bord situé juste au-dessus. Il n'est pas nécessaire que ce soit beaucoup. J'aime bien ça, mais je pense que nous pouvons encore jouer avec. Et si nous ajoutions des arêtes souples ou perdues ici ? Ça a l'air marrant. Ce n'est qu'une estimation de la boussole visuelle, quelque chose qui peut nous guider, nous assurer que nous avons un plan avant de commencer. Mais nous pouvons toujours faire des ajustements pendant que nous travaillons sur le tableau. Jetons un coup d'œil à la tige et aux feuilles. Nous voulons nous assurer que lorsque nous regardons le tableau notre œil va parcourir tout le chemin autour du sujet, ou du moins c'est mon objectif pour celui-ci. Je veux donc que ça reste net, et ensuite je ne pense pas vouloir trop gâcher le reste de la tige. Mais nous pourrions l' adoucir un peu, peut-être avec des bords fermes ou légèrement souples. concerne la feuille principale, je pense qu'il à fait logique de garder la partie intérieure nette ou dure juste en fonction de ce point culminant, qui sera notre principal point focal. Nous voulons donc vraiment obtenir le plus de détails possible dans ce domaine. Et puis pour le reste, nous pouvons jouer avec un mélange de bords souples et durs. Peut-être des bords perdus au bas de la feuille, ici. Gardez la partie supérieure croustillante. Et ensuite, faites peut-être ces petites feuilles en utilisant des bords très mous ou perdus. Enfin, pour ces petites tiges, je ne suis pas tout à fait sûr. Nous pourrions les garder nets, mais nous pourrions aussi jouer avec des arêtes souples ou perdues. Que diriez-vous de simplement voir quand nous y arriverons, prendre les décisions finales pendant que nous peignons. Je sais que cela peut sembler confus ou désordonné, mais j'espère que cela aura plus de sens au fur et à mesure que nous avancerons dans le tableau Je vais ajouter quelques photos de référence supplémentaires que j'ai prises aux projets et aux ressources. Il s'agit d'un devoir facultatif. Mais si vous voulez jouer en planifiant des arêtes difficiles, souples et perdues, comme nous l'avons fait pour celui-ci, j'adorerais voir ce que vous allez trouver. Vous n'avez en aucun cas à lui donner un aspect sophistiqué ou raffiné . L'objectif est simplement de déterminer où vous souhaitez placer vos points focaux ou plusieurs points d' intérêt par rapport à ceux où vous souhaiterez peut-être ajouter des bords plus souples. Et le mieux, c'est que même s'il existe des directives, il n'y a pas de règles établies. Tu peux faire ce que tu veux ou ce qui te plaît. Mais pour l'instant, commençons par notre peinture. 7. Clémentine : couche de base: Nous allons commencer par la peinture, et nous allons commencer par la clémentine ou le fruit lui-même. Mais d'abord, nous allons alléger notre croquis. Je vais essayer de faire en sorte que vous puissiez toujours voir le mien, mais vous voulez l'éclaircir autant que vous vous sentez à l' aise, en particulier dans les zones où nous voulons ces bords perdus ou souples, auxquels pour faciliter les choses, je vais probablement les qualifier doux, très doux ou légèrement mous ou quelque chose de similaire nature. Nous n'avons pas besoin d'être formels à ce sujet. Selon notre plan, nous voulons garder la portion principale croustillante, puis avoir des bords souples vers le haut. Peut-être un peu de douceur lorsque nous descendons, puis nous voulons laisser le bord se dissoudre complètement ou se fondre sur le dessous, tout en conservant suffisamment de structure ou de forme de base Ensuite, nous allons ajouter de la peinture à notre palette. Nous voulons du jaune, de l'orange, des oranges plus foncées que nous pouvons en augmentant la quantité de rouge et même en ajoutant une touche de bleu pour obtenir des nuances plus neutres. Ne vous inquiétez pas pour obtenir les ratios exacts. Nous cuisinons sans recette ici. Ça va parfaitement se passer. Peu importe que votre peinture finisse être plus jaune ou plus rouge, légèrement plus claire ou plus foncée. Nous voulons juste nous amuser avec ce tableau. OK, le maître mot de cette leçon est le courage. Sois courageuse. Gardez cela à l'esprit. Pour le premier lavage, nous allons déterminer où vont les différentes couleurs et mettre en place certains de ces bords souples. Nous allons mouiller notre papier, et partout où nous voulons ces bords souples, nous allons également mouiller le papier à l'extérieur de notre croquis. Vous devrez peut-être le faire plusieurs fois pour vous assurer qu' il est bien saturé, surtout si vous travaillez sur du papier pressé à chaud comme moi. Nous voulons autant de temps de travail que possible. Ensuite, nous allons simplement commencer à introduire nos différentes couleurs, en commençant par le jaune juste autour de ce surlignage. Et si la peinture commence à pénétrer dans le surlignage lui-même, vous devez utiliser un mouchoir et tamponner la zone pour soulever le pigment Ensuite, nous pouvons passer à l'orange, et vous pouvez le faire soit en superposant une fine couche d'orange sur une base jaune, soit en mélangeant certaines de nos couleurs pour créer un ton orange plus jaune À partir de là, nous pouvons introduire un orange plus foncé, et nous allons continuer tout au long suivant les couleurs approximatives que nous voyons dans notre référence. N'ayez pas peur d'opter pour des couches de couleur saturées. C'est un fruit aux couleurs vives qui a du punch. Nous pouvons nous permettre d'être courageux. Comme vous le voyez, je ne suis pas soucieux de le rendre parfaitement lisse. Il est normal d'avoir de la texture pour ce projet. Je ne veux pas devenir fou avec les bords de la première couche, mais je veux m' assurer qu'il y a un joli bord souple sur lequel nous pouvons ensuite nous appuyer. Donc pour l'instant, je vais placer la couleur, puis je vais garder un œil sur elle au fur et à mesure qu'elle se stabilise. Ensuite, si nécessaire, nous pouvons remettre le pigment en place. Dans mon cours de dessin à l'aquarelle où nous avons peint des cerises et des pastèques, j'ai expliqué que ce type de pinceau était mon préféré pour créer Bien que ce ne soit pas un problème pour ce projet, cela signifie que mes chiffons ne coulent pas autant sur le papier que si j'avais utilisé un autre pinceau, simplement parce qu'il y a moins d'eau. cause de cela, je pourrais peut-être vous aider en ajoutant un peu d'eau. La seule chose à savoir, c'est que lorsque vous recommencez un lavage humide, vous devez éviter d'avoir plus d'eau dans votre pinceau et mélange de peinture que ce qui est présent sur la surface du papier. Parce que si vous ajoutez plus d'eau, cela provoquera un refoulement de pigments et nous finirons par fleurir Nous n'avons pas besoin de nous presser, mais nous ne voulons pas non plus que le papier commence à trop sécher car nous avons besoin qu'il soit encore assez humide pour l'étape suivante, ou du moins très humide. Nous pouvons toujours utiliser d' autres couches, sorte que nous n'avons pas besoin de mettre toutes les couleurs et toutes les nuances en place dès le premier lavage. Mais nous voulons essayer de mettre en place certaines des principales voitures. Maintenant, alors que le papier est encore humide ou peut-être même très humide, nous allons éliminer la majeure partie de l'eau de notre pinceau, y pénétrer et perturber en quelque sorte la peinture. Cela va provoquer un certain lifting, ce qui est parfaitement normal, mais notre objectif n'est pas nécessairement de soulever un tas de pigments. Nous voulons commencer à apporter une partie de la texture que nous voyons sur notre photo. Je déplace mon pinceau en petits mouvements circulaires, en imitant la texture de la référence, mais nous ne cherchons pas la perfection, et la peinture se fondra et se remettra quelque peu en place C'est très bien Nous faisons essentiellement toutes les choses que nous essayons habituellement d'éviter, mais cette fois c'est autorisé. Ici, nous avons un reflet. Voyons donc si nous pouvons faire ressortir une partie de cette texture en soulevant la peinture. Quelque chose comme ça, il n'est pas nécessaire que ce soit la forme exacte. Similaire est suffisant. Ça a l'air plutôt bien. Nous ne voulons pas devenir fous, mais nous voulons perturber la peinture et obtenir une partie de cette texture. Alors amusez-vous bien. Et si vous ne pouvez pas le dire, j'adore vraiment peindre des agrumes. Je ne veux pas en faire trop car mon papier commence à sécher et il ne s' agit que de la couche de base. Mais nous commençons à avoir une vision, n'est-ce pas ? C'est un peu difficile, cela nécessite quelques ajustements supplémentaires, mais nous arrivons à quelque chose. Laissons donc sécher complètement afin pouvoir commencer avec une texture appropriée. 8. Clémentine : Améliorer la forme: Avant de commencer avec plus de peinture, je vais voir si je peux me débarrasser de ces traits de crayon. Votre capacité à le faire peut dépendre quelques facteurs tels que le type de papier que vous utilisez et la quantité de peinture déjà présente sur la surface. Le papier en coton est assez résistant et peut supporter quelques frottements Et donc généralement, tant que la couche de peinture est assez fine, nous devrions pouvoir effacer ou au moins éclaircir le croquis ajouter de la pression, mais si vous ne l'avez jamais fait auparavant, commencez par un petit patch de test pour voir comment il réagit. Cela semble déjà beaucoup mieux. nous allons travailler à la fois sur certaines des cette leçon, nous allons travailler à la fois sur certaines des plus grandes textures et sur l' ombrage Si nous le voulions, nous pourrions procéder à un lavage de l'ensemble, mais je trouve souvent qu'il est plus facile concentrer sur de petites sections à la fois. Commençons par regarder les tons d' ombre des daka ici Nous allons mouiller le papier. Ensuite, en commençant par le bas là où nous avons le moins de détails, nous allons commencer par les tons les plus neutres, les ajouter et développer l'ombre et les valeurs. Au fur et à mesure que nous progressons et que le papier commence à sécher, nous pouvons ajouter davantage de rouge foncé et d'orange foncé. Nous voulons essayer de suivre les formes que nous voyons dans la référence, ainsi que certaines textures et certains détails entre l'ombre et la lumière réfléchie. Je n'essaie pas du tout d'être très précis. Je veux juste un look similaire, et je concentre l'essentiel de mon attention sur les différentes tonalités de couleurs. Et même si nous voulons essayer d'obtenir des couleurs similaires, les valeurs sont les plus importantes. C'est là que le formulaire apparaît vraiment. Cela commence déjà à prendre forme, et nous allons entrer encore plus en détail dans la couche suivante. Si nous voulons obtenir une partie de cette texture à partir de la lumière réfléchie, nous pouvons soulever une partie du pigment alors qu'il est encore humide. Ensuite, nous voulons laisser cela sécher, et en attendant, nous pouvons travailler sur la section suivante. La seule chose, c'est que nous voulons nous assurer de ne pas introduire plus d'eau dans la section en cours de séchage. Donc, si votre papier est déjà humide, vous pouvez le laisser sécher complètement avant de passer au suivant ou garder un œil dessus si vous touchez ces parties. Je vais voir si je peux ajouter de la peinture avec précaution sur cette première section. Je ne vais pas y aller avec beaucoup d'eau, il suffit d'appliquer légèrement la peinture sur dessus pour fusionner certains de ces tons d'ombre. Pour les gaines situées juste sous la feuille, je vais les mettre mouillées et sèches Vous pouvez l'utiliser mouillé ou mouillé, mais il est parfois plus facile de contrôler l'intensité et la valeur sur du papier sec. Je vais commencer avec un bon mélange saturé. Donc, des tons neutres se trouvent près du haut, puis je vais nettoyer et essuyer mon pinceau, laisser sécher pendant quelques secondes et estomper les bords. Je n'ai pas confondu les tons profonds, donc je vais ajouter les tons profonds dans la couche suivante Je veux que ce soit vraiment dynamique. Et un peu plus de jaune à orange le long du bord pour atténuer le tout. Enfin, nous allons faire du lifting léger. Je vais donc prendre mon autre pinceau un peu moins doux et aller là où nous voyons cette ligne descendre. Débarrasse-toi d'une partie de ça. Pas trop. Donc, ici aussi, améliorant cette texture et forme à partir de la forme du fruit. Affinez les ombres comme ça. Et le but n'est toujours pas d' essayer de copier exactement la référence. Vous pouvez si vous le souhaitez, mais ce n'est pas nécessaire pour obtenir un bon résultat. Enfin, nous pouvons regarder le reflet OA sur la droite. Et encore une fois, nous voulons affiner un peu cette forme. Ne vous inquiétez pas si la valeur de votre reflet est trop claire moins deux. Nous allons régler ce problème une fois que nous serons entrés dans les détails. Un tout petit peu là-haut aussi. Cela commence vraiment à prendre forme. Et honnêtement, pour un look d'aquarelle plus typique, vous pouvez le laisser tel quel Quoi qu'il en soit, appliquons une couche de vase sur les feuilles et la tige. 9. Feuille et tige : couche de base: Je vais inverser ma palette parce que je ne veux pas me débarrasser de ces mélanges de peinture pour l'instant, mais je ne veux pas non plus que ma palette occupe trop de place dans le cadre. Nous allons mélanger des légumes verts et des bruns. Et comme pour la Clémentine, ne vous inquiétez pas d'obtenir exactement les mêmes ratios ou mélanges de couleurs Je vais essayer de créer des légumes verts plus propres et plus frais sur la droite. Ensuite, en me dirigeant vers la gauche, je vais ajouter non seulement du bleu pour des tons plus profonds, mais aussi du rouge et de l'orange dans bleu pour des tons plus profonds, le mélange, ce qui aidera à neutraliser le vert et à nous donner une variété de nuances de brun Les couleurs exactes ne sont pas vraiment importantes. La valeur est bien plus importante que la couleur, mais essayez de créer quelques mélanges plus jaunes, autres plus bleus, de jolis tons foncés et quelques bruns Une fois que nous l'aurons ajouté à la peinture, tout finira par paraître un peu vert. Jetons un coup d' œil à notre plan. OK, donc nous voulons du net ici. Un peu molle ou peut-être devenir sauvage et ramollir, puis ici et en haut, sur ces petites feuilles, c'est là que nous voulons qu'elles soient les plus molles et qu'elles perdent complètement certaines de ces arêtes. Et pour ces petites tiges, voyons ce qui se passe. Nous allons maintenant éclairer un croquis, et je vais zoomer, essayer de m'en rapprocher un peu pour le rendre plus visible. Nous allons commencer par la tige principale. Mouillons donc notre papier. En commençant par un vert plus clair, nous allons progressivement ajouter une couleur de base. Ensuite, lorsque nous nous dirigeons vers le côté droit, ainsi que vers le haut, nous voulons ajouter des verts plus foncés, ainsi qu'une touche de brun. Il ne s'agit pas de capturer un tas de détails. Nous recherchons une version plus épurée ou simplifiée, et nous pouvons toujours ajouter plus de détails si nous pensons que cela mérite un peu plus d'intérêt une fois que nous aurons apporté ces dernières touches. Ajoutez un peu de brun. Mon papier est déjà assez sec, donc c'est parfait pour les bords durs. Pour la partie supérieure de la tige, nous pouvons commencer par une base brun clair. Mélangez les bords, introduisez certains de ces verts plus foncés et plus neutres sur le côté ombré, et réduisez-les pour qu'ils se fondent dans les parties les plus molles. Ajoutez une touche de vert plus clair et moins neutre et un tout petit peu de texture. Ça a l'air plutôt bien pour la première couche. Passons à la feuille. Et comme il s' agit d'une forme plus grande, je vais d'abord mouiller le papier dans la feuille. Comme nous voulons que les bords de droite soient chauds, cela nous permettra d'ajouter de la peinture sans avoir de bords chauds sur le côté gauche. Nous allons nous concentrer sur cette partie principale vert foncé de la feuille. Je vais commencer par un vert un peu plus clair et de couleur plus fraîche que ce que je vois sur la photo Il est beaucoup plus facile de réduire la luminosité d'une couche si nous décidons qu'elle est trop claire plutôt que d'essayer d'éclaircir une couche trop terne ou trop foncée Une fois que nous l'avons obtenu, nous pouvons intégrer certains des tons d'ombre les plus profonds. Et au fur et à mesure que les papiers sèchent, nous pouvons également essayer de nous placer dans cette ligne près du centre de la feuille. Nous voulons rechercher certains des principaux changements de couleur ou de valeur. Essayez d'obtenir des textures similaires, mais sans insister ni essayer de les rendre parfaites, il ne s'agit que d'une couche de base. Nous pouvons ajouter de l'émail à cela et approfondir les valeurs, ajuster la couleur et apporter plus de détails Nous pouvons le laisser sécher et le remettre dedans, mouiller le papier. Et puis cette fois, nous allons également mouiller le papier à l' extérieur du croquis sur le côté gauche. Et nous voulons le faire sur toute la longueur de la feuille. Lorsque vous travaillez sur les bords très mous ou perdus, nous pouvons soit laisser le watercol faire son travail, soit utiliser notre pinceau pour l'aider ou pour l'aider à le façonner s'il fait quelque chose que nous n'aimons pas Il n'y a pas de bien ou de mal. Parfois, laisser la peinture écouler et se déposer là où elle le souhaite permet d'obtenir les résultats les meilleurs et les plus magiques. Mais d'autres fois, nous pouvons avoir l'impression que cela nuit à ce que nous recherchons ou même à la composition de notre peinture. N'ayez pas peur de jouer et d'essayer les deux techniques. Tout à fait d'accord pour s' écarter du plan initial. Si vous finissez par faire quelque chose ou le pigment fait quelque chose qui n'était pas prévu, mais que vous le souhaitez peut-être, suivez littéralement le courant. Nous pouvons souvent obtenir d'excellents résultats à certaines de ces surprises imprévues le recul, avoir un bord perdu là où la feuille se tord ou se retourne la feuille se tord ou se retourne n'est peut-être pas le meilleur choix, mais voyons où cela Je vais ajouter de l'ombrage et des détails légers. Une grande partie de cette couche deviendra beaucoup plus foncée une fois que nous aurons ajouté la couche de peinture suivante Nous n'avons donc pas à passer beaucoup de temps sur détails que nous ne verrons pas au final de toute façon. Restez simple. Une fois qu'il a eu le temps de sécher, on peut mouiller le papier près des petites feuilles. Faisons en sorte que ce soit vraiment souple. Concentrez-vous simplement sur les parties les plus importantes. Enfin, pour le moment, je vais ajouter un peu de vert foncé en bas, ainsi que des tons d'ombre bruns le dessous de la feuille, simplement pour nous aider à mieux visualiser les formes Si vous avez l'habitude de rester dans les limites, pour ainsi dire, j'espère que vous pouvez voir le potentiel qu'il y a à jouer avec certains de ces différents types d'avantages. Cela apporte quelque chose de plus, quelque chose que nous ne pouvons pas capturer avec une photo et quelque chose qui apporte vraiment un autre niveau d' atmosphère et d'excitation à une peinture. Nous avons presque terminé. Passons à autre chose, apportons ces derniers ajustements aux valeurs et apportons les derniers détails. 10. Arrière-plan: Nous allons ajouter les touches finales et les détails. Mais plutôt que de commencer par les petits détails, nous allons travailler de l'extérieur vers l'intérieur. Nous allons donc d'abord nous concentrer sur les éventuels changements. peut s'agir de modifications de certaines couches et arêtes fluides, modifications de plus grande valeur des couches d' ombrage ou de couleur de l'arrière-plan Jetons d'abord un coup d'œil à l'arrière-plan. contraste est l'un des meilleurs moyens de créer un point focal, qu'il s'agisse du niveau de détail, la lumière, de la couleur, etc. Donc, si nous voulons utiliser la couleur pour mettre encore plus l'accent sur notre Clémentine, nous pouvons utiliser des couleurs complémentaires, comme le bleu ou le violet juste autour de notre sujet principal pour vraiment attirer l' attention des spectateurs sur cette zone Ensuite, pour les parties où nous voulons moins nous concentrer, nous pouvons utiliser une couleur plus similaire à cette zone, ce qui, pour la feuille, peut impliquer l'utilisation de tons neutres, verts ou même bleutés Donc, en gros, quelque chose qui n'est pas une couleur complémentaire au vert. Ajoutons un peu de bleu à notre palette. Nous pouvons mélanger une ou deux nuances de violet, une avec plus de rouge ou de rose et une avec plus de bleu. Et pour créer un effet plus neutre, nous pouvons mélanger notre bleu avec nos verts. Nous n'avons pas besoin de rendre l'arrière-plan spectaculaire, et nous pouvons également ajouter d'autres couches si nous jugeons que la première couche est trop subtile. Donc, pour ce premier lavage, je vais le garder assez léger et voir ce que j'en pense. Mouillez bien ce papier. Je vais ajouter une touche d'orange à cette bordure juste pour commencer. Ensuite, je vais apporter de subtils tons violets dans et autour de cette zone. Un peu de violet par ici. Et en apportant des tons plus neutres au reste. C'est à vous de choisir le niveau de saturation que vous souhaitez atteindre, mais le niveau de saturation est une autre forme de contraste. Ainsi, des tons atténués pour l'arrière-plan par rapport à des couleurs fortes et saturées pour le sujet peuvent également contribuer à mettre encore plus l'accent sur l'endroit souhaité Et nous voulons nous assurer de garder un œil sur les bords au cas où elle saignerait dans ou au-dessus de notre clémentine là où nous n'en voulons pas Quelques tons bleus vers le bas. Je veux que vous vous en mettiez plein, que vous le laissiez sécher, puis nous passerons au pot suivant 11. Détails finaux et projet de cours: Ensuite, nous allons ajuster et appliquer certaines valeurs. Donc, partout où nous avons besoin d' un poignard ou d'une valeur plus profonde, comme dans les tons sombres des feuilles et de la tige, nous allons utiliser les tons d' ombre et les assombrir L'un des problèmes les plus courants qui peut donner à nos peintures un aspect plat ou manquer de dimension, est la peur de faire trop sombre. Nous voulons tirer parti de toute la plage de valeurs , des lumières les plus légères aux canards les plus profonds, ce qui, comme nous l'avons indiqué dans la leçon précédente, revient également au contraste Nous voulons faire ressortir notre sujet L'une de mes méthodes préférées pour ajouter de l'ombre lorsque je travaille sur sol mouillé ou sec est de ne prélever le pigment qu'avec le bout de mon pinceau, puis de poser le pinceau sur le côté en utilisant tout le ventre lors de l' application de la peinture De cette façon, nous obtenons automatiquement ce dégradé entre la couleur et l'eau propre. je ne le fais pas avec toutes les peintures, mais pour quelque chose comme ça, c'est un excellent moyen d'ajouter ombrage et de la texture. Je vais y aller mouillés et mouillés pour ces petites feuilles. Je vais quand même le garder super souple. Comme ça. C'est tellement amusant. , je trouve que c'est un peu trop droit et trop maîtrisé ici, alors pourquoi ne pas ajouter peu plus de peinture humide et mouillée et voir ce que cela donne ? N'ayez jamais peur d'expérimenter. Si nous n'essayons pas, nous ne saurons jamais à quoi cela ressemblerait. Nous aimerions peut-être tout de même souligner quelques points saillants de la feuille principale, mais pour l'instant, revenons à la Clémentine Il va certainement falloir que je mélange un peu plus de peinture, y compris des tons d'ombre profonds , juste sous la feuille. Une façon de créer des tons d' ombre pour orange consiste à ajouter du rouge ou du rose, et une façon de créer des tons d' ombre pour rouge consiste simplement à ajouter du bleu aussi besoin d'un peu plus d'orange, d'autres de rouge et d'autres de jaune, mais nous cuisinons toujours sans recette. Ne vous inquiétez pas pour les couleurs exactes. Tout comme pour la feuille et la tige, nous voulons repousser les valeurs, car maintenant que nous avons plus de peinture, des tons plus foncés et tout le reste, y compris l'arrière-plan, nos tons d'ombre initiaux ne paraissent pas assez foncés. Nous voulons donc y aller exactement comme nous l'avons fait au début, mais cette fois, nous pouvons superposer ce que nous avons déjà en utilisant les couches précédentes comme guide. J'ai aussi l'impression que je manque de définition ici, alors ajoutons un peu plus de peinture. Quelques détails de la réflexion. Et même ici, là où nous avons ce dernier avantage, je veux apporter un peu plus d'orange, pour le rendre encore plus fort. Et une touche de vert juste là où la tige est attachée. En fait, j'aime bien ce look inachevé, donc je pense que je vais le laisser comme un contour et ne pas finir de le colorier Je pense que cela ajoute une touche amusante à la peinture, mais si vous n'êtes pas d'accord, n' hésitez pas à terminer la forme. Presque prêt pour la dernière couche de détails. Comme je n'ai pas assez d' orange aux tons jaunes, je vais rapidement en mélanger un peu plus et laisser sécher sur ma palette pendant que sécher sur ma palette pendant nous ajoutons les tons d'ombre sous la feuille Regardons quelques-uns des tons d'ombre. Ajoutez ça, et je vais entrer mouillé sur sec. Il y a assez de peinture sur le papier pour que nous n'ayons pas besoin de nous précipiter. Ainsi, même s'il sèche, nous serons toujours en mesure d' estomper ces bords. Mais regardez à quel point cela a fait une différence. Chacun de ces petits ajustements peut apporter tant de profondeur et de dimension. OK, c'est ma partie préférée de toute la peinture. Vous voyez comment, si nous examinons notre référence de près, toute la croûte est recouverte de petits pois ou de petits pois Ce que nous allons faire, c'est entrer, et nous voulons utiliser une couleur similaire à la couleur de base mais légèrement plus foncée que la couleur de base. Ensuite, nous allons simplement ajouter un tas de ces points ou points. Donc, pour la base jaune, nous voulons utiliser un ton orange jaune. Pour la base orange jaune, nous voulons utiliser une couleur orange moins jaune Pour les couches de base orange appropriées, nous voulons peut-être utiliser des oranges aux tons rouges, etc. Cela va être très répétitif, donc j'espère que vous me pardonnerez, mais je vais accélérer un peu le tournage. Il convient de noter que , comme les points sont arrondis, à mesure que nous nous rapprochons des bords, nous voulons qu'ils aient l'air écrasés, plutôt ovales, et nous ne voulons pas non plus qu'ils soient trop forts, nets ou visibles près du Il vaut donc mieux s'arrêter avant d'en arriver là. Donc, avant d'entrer dans le vif du sujet, nous voulons les laisser presque disparaître. Cela va nous donner le même type d'effet que si nous utilisions des bords souples sur une forme arrondie ou une sphère. Cela contribue à améliorer la forme. Une fois que nous aurons atteint les rouges, ce seront les tons les plus profonds. Nous ne voulons pas nous lancer dans des mélanges brun foncé. Donc, en ce qui concerne les tons d'ombre de la Clémentine, nous allons laisser les spécifications disparaître en quelque sorte dans ces ombres Ne soyez pas trop soigneux ou trop précieux à ce sujet. Ce sont des formes organiques. Ils ne sont pas fabriqués à la machine et ils ne sont pas parfaits, dans leur forme, ni dans leur motif. Et nous pouvons même permettre à certains d'entre eux de se croiser ou de s'asseoir les uns sur les autres Tout cela va ajouter une autre dimension. Une fois que vous avez terminé, si vous le souhaitez, et si vous trouvez que certains d' entre eux semblent trop nets, vous pouvez y aller avec un pinceau humide et les appliquer délicatement sur le dessus. Un seul geste, en maintenant une touche légère, juste assez pour les adoucir. Fais juste attention. Nous ne voulons pas les perdre complètement. La dernière chose que nous pouvons faire pour clémentine est d'utiliser le lifting pour faire ressortir un peu plus de reflets et de petites textures Nettoyez et essuyez votre pinceau et utilisez-le pour soulever ou faire revenir certains de ces reflets sur la feuille ou sur l'écorce, peut-être autour du surlignage ou tout autre endroit où vous à tout autre endroit où vous pensez qu'il pourrait être nécessaire de l'éclaircir Ce faisant, parlons du projet de classe. Pour ce projet, j'adore que tu peignes cette Clémentine. Jouez en utilisant à la fois les arêtes dures et souples. Il ne s'agit pas de perfection, mais d'utiliser certains de ces différents types de bords non seulement pour améliorer notre point focal, mais également pour apporter une touche d' atmosphère à notre peinture. Les bords peuvent être utilisés comme un outil puissant, il vaut donc la peine de jouer avec. Vous pouvez utiliser le même type de bords que celui que j'ai utilisé pour ma peinture, ou vous pouvez utiliser des bords différents de différentes manières sur différentes zones. Cela dépend entièrement de vous. Nous allons beaucoup plus jouer avec les arêtes dans les prochains cours. Pour le moment, j'espère que vous avez apprécié ce cours, et j'ai hâte de voir ce que vous allez créer.