Peindre une nature morte réaliste avec des crayons à l'aquarelle

1. Introduction: Comment développer un plus haut niveau de réalisme à l'aide de crayons à aquarelle ? Quelles sont les informations clés à connaître sur la façon de superposer du pigment au crayon aquarelle Et comment activer le pigment au crayon aquarelle avec de l'eau et un pinceau qui vous aidera à mieux suivre le processus et à obtenir de meilleurs résultats Comment éviter trop travailler un crayon aquarelle pour arriver à un tableau final qui soit brillant et dimensionné ? Et comment pouvez-vous utiliser de la peinture à l'aquarelle traditionnelle afin de vous simplifier le processus de peinture et d'obtenir des résultats mieux équilibrés ? m'appelle Erica et je suis une artiste des médias traditionnels qui travaille avec une variété de techniques de dessin et de peinture Et j'adore me lancer des défis avec différents types de sujets, qu'il s'agisse de natures mortes de paysages, d'animaux, etc. Ma vie quotidienne tourne autour de la vente art sur place et du mentorat d' étudiants en ligne Et je crée constamment des ressources utiles et riches en valeur destinées aux artistes débutants et intermédiaires, cherchent à améliorer leurs compétences et à trouver leur voix, que je partage via mon site Web, ma chaîne Youtube et, bien sûr, via mon site d'adhésion. J'ai plus de 15 ans d' expérience dans les domaines créatifs et artistiques. J'ai obtenu mon baccalauréat en design graphique , puis j'ai travaillé comme graphiste dans une agence de publicité pendant un certain temps, puis je suis devenue professeur d'art en chef dans un environnement scolaire où j'ai travaillé pendant sept ans. Au cours des deux dernières années où j' ai occupé mon dernier emploi régulier à temps plein, j'ai commencé à créer ma propre entreprise artistique en parallèle. J'ai commencé à vendre des œuvres d'art décoratives localement. J'ai commencé à participer à des événements artistiques locaux. Je commençais également à encadrer des étudiants de tous âges dans mon propre studio à domicile. Une fois que ma petite entreprise a atteint un certain point, j'ai pu quitter mon dernier emploi à temps plein et me consacrer pleinement à continuer à la développer et à la développer. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à intégrer ce que je faisais localement à l'espace en ligne afin de toucher un plus grand nombre de personnes. Aujourd'hui, je suis le plus heureux que j'ai jamais été. Je gagne pleinement ma vie en faisant ce que j'aime, c' est-à-dire continuer à grandir et à me développer en tant qu'artiste. Tout en encourageant les autres à poursuivre leur parcours et à les aider à développer leurs compétences et à faire entendre leur voix. crayons d'aquarelle sont un support tellement amusant et polyvalent qu'ils sont essentiellement un support de dessin et de peinture réunis en un seul qui, bien entendu, signifie également qu'il peut être particulièrement difficile pour les débutants qui commencent à utiliser le crayon aquarelle de comprendre les techniques et de savoir comment les utiliser au mieux pour obtenir commencent à utiliser le crayon aquarelle de comprendre les meilleurs résultats Dans ce cours, je partage mon processus de peinture complet pour une composition de nature morte que j'ai peinte à l'aide de crayons à aquarelle En cours de route, je partage toutes mes techniques préférées qui m'aident à atteindre plus haut niveau de réalisme tout en m'impliquant pleinement dans la pièce. Je partage toutes mes techniques préférées et ma méthode simple pour atteindre des niveaux de réalisme supérieurs avec une quantité limitée de couleurs. Je partage tout ce que je fais toujours sorte de faire lorsque j'active en sorte de faire lorsque j'active les pigments au crayon pour aquarelle et que je superpose des couches, pour obtenir des résultats éclatants et éclatants Avant de me lancer dans le processus de peinture, j'explique également comment je choisis mes couleurs afin de pouvoir développer la variété des valeurs et teintes qui conduiront à plus haut niveau de réalisme j'explique également comment je choisis mes couleurs afin de pouvoir développer la variété des valeurs et des teintes qui conduiront à un plus haut niveau de réalisme et comment je pense à l'harmonie des couleurs. Vous pourrez emporter ces conseils avec vous sur n' importe quel crayon aquarelle sur lequel vous choisirez de travailler à l'avenir. Dans l' onglet projets et ressources de Skill Share, vous trouverez mon croquis téléchargeable, que vous pourrez transférer mon croquis téléchargeable, vous pourrez transférer sur votre feuille de papier aquarelle à l' aide de papier calque ou de la méthode de transfert de votre choix D'ailleurs, j' ai un cours complet sur l' utilisation du papier calque pour effectuer votre transfert dans mon aquarelle. J'ai partagé ici un cours sur le partage des compétences, que je recommande vivement de consulter Vous allez également pouvoir trouver la photo de référence que j'utilise ainsi que , bien sûr, votre liste de fournitures. 2. Votre projet: Bonjour et bienvenue dans ce cours où je vais expliquer le projet sur lequel nous allons travailler ensemble dans le cadre de ce cours. À la fin de ce cours, vous aurez réalisé une nature morte réaliste à l'aide de crayons aquarelle. Et oui, il s'agit d'une peinture, pas d'un dessin, car nous allons activer ce pigment avec de l'eau et un pinceau. Vous pouvez voir cette œuvre comme une peinture. Maintenant, comme je l'ai mentionné dans la vidéo d'introduction, je vais utiliser de la peinture à aquarelle traditionnelle pour peindre le mur de fond. Toutefois, si vous souhaitez laisser votre arrière-plan complètement blanc sans couleur, c' est à vous de décider. Ou si vous souhaitez utiliser un autre support de peinture, comme de l'encre, de la gouache ou autre, pour peindre votre arrière-plan. C'est également parfaitement bien. Dans ce cours, j'ai organisé le processus de peinture en huit phases différentes. Chaque phase aura sa propre classe, et vous allez passer par ces huit phases pour terminer votre pièce. Tout au long de ces phases, j'expliquerai en détail comment planifier et protéger vos reflets, comment superposer et activer vos couleurs. Et je vais vous fournir des tonnes de conseils qui vous aideront à contrôler l'eau. Comment éviter de surcharger votre pièce. Comment combiner des effets picturaux et des effets d'esquisse pour obtenir des résultats plus intéressants et plus équilibrés, et bien plus encore. Si vous débutez avec des crayons aquarelle, je vous recommande d'utiliser la même photo de référence que celle que je vais la même photo de référence que celle que je vais utiliser et d'utiliser les couleurs les plus proches de celles que je vais utiliser. Mais si vous avez déjà une certaine expérience avec ce support, n'hésitez pas à utiliser votre propre photo et à suivre même processus en huit phases avec moi en utilisant votre propre image de référence. Comme pour tous les autres cours et tutoriels que je partage, mon objectif est de vous fournir une base solide de connaissances , de techniques, d'outils et de méthodes que vous pouvez emporter avec vous et appliquer à tout type d'œuvre d'art sur laquelle vous pouvez choisir de travailler. Donc, si vous avez plus d'expérience, je tiens à vous encourager à vous impliquer davantage dans cette œuvre. Utilisez vraiment votre connaissance du médium et votre esprit critique pour appliquer ces huit phases à votre manière afin peindre le sujet que vous avez choisi. Une fois que vous aurez terminé votre œuvre, prenez-la en photo et publiez-la dans l' onglet Projets et ressources de Skillshare. C'est un endroit spécial où vous pourrez facilement publier votre travail aimer et commenter les projets d'autres étudiants. C'est très facile à faire et j' adorerais voir votre travail là-bas, vous faire part de vos commentaires et répondre à toutes les questions que vous pourriez avoir pour que je publie votre travail . Vous devez également répondre à toutes les questions que vous pourriez avoir cliquer sur l'onglet Projets et ressources juste en dessous d'une vidéo de cours. Cliquez sur le bouton vert Créer un projet sur la droite. Téléchargez une image de couverture qui peut être une photo de votre pièce finie, mais il peut également s'agir d'une photo que vous avez prise de vos fournitures ou tout au long du processus. Donnez un titre à votre projet, puis ajoutez une description du projet. J'adorerais connaître votre processus, vous pensez avoir eu du mal, ce qui s'est bien passé, quels sont vos principaux points à retenir ? Toutes les questions que vous pourriez avoir, etc. Vous pouvez ensuite ajouter une autre image dans la description du projet si vous le souhaitez, en cliquant sur l'icône de l'image juste en dessous du sous-titre « Ajouter plus de contenu ». Ensuite, tout ce que vous avez à faire est d'appuyer le bouton vert Publier en haut et le tour est joué. Enfin, si vous souhaitez partager votre travail sur Instagram, faites-le. J'adore encourager les étudiants et partager leur travail sur mes histoires. Assurez-vous simplement de me taguer pour que je puisse réellement voir votre travail et vous encourager, et de taguer le compte Skillshare. Et c'est tout pour ce court cours sur le projet de cours. Dans le prochain cours, je vous expliquerai les différentes fournitures que je recommande d'avoir à portée de main au cours de ce cours. On se voit là-bas. 3. Matériel: Pour commencer, je vais utiliser une feuille d' aquarelle prête à l'emploi de huit sur dix pouces de Strathmore. C'est une presse à froid. Il mesure 140 livres d' épaisseur ou de poids et est 100 % coton. Le papier pressé à froid de Strathmore a une très faible texture. Et comme sa texture est si petite, j'aime beaucoup l' utiliser lorsque je suis allée travailler sur un crayon aquarelle. Et cela est dû au fait que la pointe du crayon ne saute pas trop sur la texture du papier. Si vous utilisez du papier aquarelle plus texturé, la pointe de vos crayons aquarelle trop omettre cette texture et de laisser trop de texture visuelle, car votre application de pigment n' est pas aussi uniforme ou uniforme. Je vais utiliser un total de neuf crayons aquarelle différents provenant mon Gold Favor Aqua Sap de Faber, en Castille. Et ces couleurs sont le jaune cadmium, que vous allez m' entendre appeler jaune au fur et à mesure que je poursuis mon processus de peinture. Jaune chrome foncé, que je vais appeler mon jaune orange, mon orange chrome foncé, que je vais appeler mon rouge, orange, rouge écarlate, que je vais appeler rouge foncé, mon bleu-violet, que je vais parfois appeler juste violet, gris chaud pour lequel je vais juste appeler gris, vert mai, ce que je vais juste être vert, ocre brûlé, que je qualifie parfois de brun plus clair. Et le brun Van ****, que j'appelle parfois brun foncé Comme dans la plupart de mes tutoriels et cours complets, vous allez me voir découper ces couleurs sur un bout de papier que j' ai sous la main pour que vous puissiez voir à quoi ressemblent ces couleurs sur le papier. Et tu peux choisir les couleurs qui ressemblent le plus à celles que je vais utiliser. Tu n'es pas obligée d'utiliser exactement les couleurs que je vais utiliser. Tant que vous utilisez quelque chose de similaire, votre pièce s'avérera excellente. Je vous expliquerai comment j'ai sélectionné mes couleurs et les tests que j'ai effectués avant de poursuivre afin un processus de peinture plus fluide et de meilleurs résultats globaux. Très bien, et comme je l'ai déjà mentionné, je vais également peindre le mur de fond avec de la peinture à l'aquarelle traditionnelle. Donc, pour cela, je vais utiliser une combinaison de bleu phtalo et de teinte neutre. Mais comme vous le verrez plus tard, lorsque je peins cette partie de la pièce, vous pouvez vraiment utiliser la couleur bleu foncé que vous préférez. Vous pouvez utiliser de l'indigo. Vous pouvez utiliser une combinaison de bleu outremer, bleu et de neutre pour le rendre plus foncé. Quel que soit le bleu ou la combinaison de couleurs permettant un bleu plus foncé, ce sera parfait. Je vais utiliser trois pinceaux différents tout au long de ce processus. L'un d'eux pour l'activation du pigment pour aquarelle, qui est mon pinceau rond taille 2. Et les deux autres, je vais utiliser lorsque je peins avec de la peinture à l'aquarelle traditionnelle. Et ces deux pinceaux sont de taille quatre, ronds et plats de trois quarts de pouce. J'ai utilisé un calque comme méthode de transfert pour obtenir mon esquisse sur ma feuille de papier aquarelle. J'ai parcouru la photo de référence, que vous pourrez trouver avec vos autres fichiers téléchargeables dans l'onglet Projets et ressources de Skillshare Vous pouvez utiliser la méthode de transfert que vous préférez. J'ai un cours complet dans lequel je vous explique étape par étape comment utiliser du papier calque pour esquisser vos dépenses sur votre feuille de papier aquarelle dans mon cours Aquarelle 101 que vous pourrez trouver ici sur Skillshare si cela vous intéresse. J'ai utilisé du ruban adhésif ordinaire de trois quarts de pouce pour coller mon papier aquarelle sur mon tapis de découpe noir C'est ce que j' utilise actuellement comme support lorsque je peins avec de l'aquarelle ou des crayons aquarelle à tout moment, mais j'utilise du ruban adhésif ou du ruban adhésif qualité artistique ou quoi que ce soit d'autre. Je m'assure toujours de passer les morceaux de ruban adhésif sur mes vêtements avant de les utiliser sur mon papier aquarelle afin adoucir cet adhésif et de réduire le risque d' endommager mon papier à la fin lorsque je le retire pour le transférer à l'aide de papier calque et aussi pour terminer et affiner mon croquis sur mon papier aquarelle. Bien sûr, j'ai utilisé quelques fournitures différentes que vous pouvez voir à l' écran en ce moment. J'ai quelques crayons à dessin de différentes qualités sous la main. L'un d'eux étant un HB et l'autre un Tooby. J'utilise mon logiciel pour appliquer la qualité d'un crayon sur mon papier calque lorsque j' effectue mon processus de transfert. Et quand il s'agit de dessiner sur ma feuille d'aquarelle, j'utilise mon crayon HB pour garder les choses belles, propres et légères. J'ai également quelques gommes différentes à portée de main. J'ai une gomme à effacer en graphite souple et j'ai une gomme malaxée. Ils ont également été utilisés pour le transfert et le raffinement de mon esquisse avant de commencer le travail en couleur. Très bien, à partir de là, j'ai quelques serviettes absorbantes Scott bleues à portée de main. C'est un type de serviette que j'aime beaucoup utiliser chaque fois que je peins à l'aquarelle, au crayon ou à la peinture traditionnelle afin de contrôler l'eau et soulever les objets nécessaires tout au long du processus de peinture. J'ai mon récipient rempli d'eau propre à portée de main, et j'ai aussi quelques morceaux de papier pour tester les couleurs avant de les utiliser dans ma pièce. Et c'est tout pour ce cours sur les fournitures. Je suis heureuse de passer à la prochaine étape, où je parlerai de ce que sont la valeur ou le ton, laquelle il est si important pour laquelle il est si important de comprendre ces conseils essentiels, fondamentaux et indispensables qui vous aideront à développer la capacité distinguer les différents domaines de valeur afin de les intégrer avec succès dans vos dessins et vos peintures. On se voit là-bas. 4. Doit connaître les informations pour réussir: OK, donc tout d'abord, je voudrais parler de la signification de la valeur. Que signifie la valeur en matière d'art ? Et si je veux parler de cela, c'est parce que vous allez m' entendre répéter ce mot encore et encore tout au long du processus de peinture. Et il est très important que si vous souhaitez développer un niveau de réalisme moyen à élevé, quel que soit le type d' œuvre d' art sur laquelle vous souhaitez travailler aujourd'hui et à l'avenir, vous deviez savoir ce que signifie la valeur. Vous devez être capable de développer un large éventail de valeurs et vous y voyez de la valeur dans vos dessins ou vos peintures. L'un est le numéro un en matière de réalisme. C'est encore plus important que l'exactitude des couleurs. Ce que je veux dire par là, c'est si vous êtes capable d' observer et de localiser réellement, mettre en évidence des zones, des zones de tons moyens et des zones sombres les une photo de référence ou quoi que ce soit d'autre que vous dessinez ou peignez à partir de l'observation directe que vous avez devant vous dans la vie réelle. Vous pouvez ainsi recréer efficacement ces différentes zones de valeur, ces lumières, ces tons moyens et ces sombres les plus sombres de vos œuvres d'art. C'est plus important que d'utiliser exactement la même teinte ou la même couleur que celle que vous observez. Parce que c'est grâce à ce large éventail de valeurs, de lumières, de tons moyens et de foncés, que nous sommes en mesure de développer une sensation crédible de profondeur, de lumière et d'ombre sur la page ou le canevas. La valeur est donc plus importante que l'exactitude des couleurs que l'obtention d'une teinte parfaite. La couleur et la valeur sont deux choses différentes. La valeur fait partie de la théorie des couleurs, mais la valeur, également connue sous le nom de tonalité, fait référence à l'échelle entre la luminosité et l'obscurité, si vous voulez, d'une seule couleur. Alors que la couleur ou la teinte ne fait référence qu' à la couleur elle-même. Ainsi, une couleur ou une teinte est le rouge, l'orange, violet, le turquoise, le bleu outremer, le vert viridien. Donc, essentiellement, la couleur ou la teinte est la couleur elle-même, le nom de la couleur. Les termes couleur et teinte signifient exactement la même chose. Mais la valeur ou la tonalité fait référence à l'échelle des tons clairs et foncés de chaque couleur de cette œuvre Sur cette photo, à une plage de valeurs ou à une échelle de valeurs pour chacune des couleurs impliquées, vous allez voir des versions très claires de la couleur. Vous allez voir des versions à tons moyens de la couleur. Vous allez voir des versions sombres de la couleur. En d'autres termes, vous allez voir différentes valeurs, une multitude de couleurs différentes afin de développer un sens crédible de la profondeur et de dimension. Des dessins ou des peintures sont essentiels pour développer une gamme complète de valeurs. Des lumières les plus claires à une large gamme de tons moyens aux plus foncés. Mais je constate souvent chez les étudiants débutants qu'ils restent dans une plage de valeurs très claires pour les différentes couleurs impliquées, soit restent dans une plage de valeurs très claires pour les différentes couleurs impliquées, parce qu'ils ont peut-être un peu peur de devenir trop foncés. Et d'autres fois, d'autres débutants optent pour des valeurs trop sombres, trop rapides, et oublient les valeurs les plus claires. Et si nous ne disposons pas d'une telle gamme de valeurs, l'œuvre d'art aura l'air plate. Ça va manquer de dimension. Ça va lui manquer. Nous devons créer ce contraste, cet équilibre entre les lumières et les ténèbres pour qu'un dessin ou une peinture soit réaliste. Cependant, en même temps, il est important de saisir ces subtilités. Dans le réalisme. n'y a pas de contours, par exemple, et nous devons être en mesure de voir où les valeurs se transforment progressivement les unes dans autres lorsque nous perdons des bords et lorsque nous avons étapes abruptes où une valeur très sombre se transforme immédiatement en une valeur claire ou vice versa. Et en développant notre motricité fine, nous serons en mesure de faire ressortir ces subtilités dans nos dessins ou nos peintures. Mais d'abord, nous devons être en mesure de les observer afin de les mettre en œuvre dans des lieux appropriés. Il est donc très important qu' au début, lorsque nous commencions à en au début, lorsque nous commencions à savoir plus sur le comportement de la lumière, nous utilisions des photos de référence que nous utilisons, des objets que nous avons devant nous dans la vie réelle et que nous apprenions à observer car la situation lumineuse doit être constante tout au long de la pièce, dans tous les éléments concernés. Si l'éclairage n' est pas uniforme sur l'ensemble de notre dessin ou de notre peinture, signifie que les reflets et certains éléments cela signifie que les reflets et certains éléments se trouvent à droite et d'autres éléments se trouvent à gauche, ou que certaines ombres projetées sous certains éléments situent à droite alors que d'autres les ont à gauche. Et les tons moyens n'ont aucun sens, ce qui arrive souvent lorsque nous dessinons ou peignons uniquement à partir de notre imagination , parce que nous inventons des choses, cette incohérence nuit au niveau de réalisme de l'œuvre. Après avoir développé des connaissances et des compétences de base sur les fondamentaux. Et vous vous êtes entraîné avec des photos de référence et des objets que vous avez devant vous. Vous serez alors capable de dessiner ou de peindre avec beaucoup plus de succès quelque chose à dessiner ou de peindre avec beaucoup plus de succès partir de votre imagination, si tel est votre objectif, car toutes les écoles d'artistes ne dessinent ou ne peignent pas à partir de l'imagination. Mais tu seras capable de le faire si tu veux plus de succès. La lumière est la raison pour laquelle nous voyons des valeurs différentes selon les objets ou les sujets . Si la lumière n'existait pas, nous ne serions pas en mesure de voir les couleurs et nous ne serions pas en mesure de voir des valeurs différentes. La lumière atteint ces structures volumineuses tridimensionnelles que nous avons devant nous depuis un certain endroit et différents plans de cet objet ou de ce sujet sont éclairés à des degrés différents, selon que ces plans sont orientés vers la lumière, éloignés de la lumière ou quelque part entre les deux. Chaque fois que vous commencez avec un nouveau dessin ou une nouvelle peinture, prenez toujours un moment pour observer cette photo de référence ou toute autre que vous avez devant vous dans la vraie vie. Et demandez-vous où se trouve la source de lumière par rapport à cet objet ou à ce sujet ? Quelles sont les zones présentant les valeurs les plus faibles ? Où sont les tons moyens, où sont les tons foncés les plus foncés ? Alors que la zone d' ombre projetée où nos structures ou éléments se chevauchent les uns sur autres et empêchent la lumière d'atteindre partie de l'objet qui derrière eux se trouve en dessous. Observez cette photo que nous allons utiliser comme référence pour notre peinture dans ce cours. D'où diriez-vous que la source de lumière frappe ces objets ? Dans ce cas, je peux dire que la source de lumière se trouve quelque part au-dessus et à droite de ces objets. Et vous pouvez le constater, surtout lorsque vous observez l'image jaune, les zones les plus claires se trouvent droite et les zones les plus sombres à gauche. Vous pouvez voir les reflets les plus brillants, en particulier dans cette section sphérique. En bas de l'image, vous pouvez voir à quel point le plus se trouve en haut à droite Les plans qui composent cette structure qui font face à la lumière sont plus sombres. Et puis remarquez où se trouvent les ombres projetées, où se trouvent les ombres créées par le tissu sur la table. Où sont les ombres créées par l'image elle-même ? Ces ombres se trouvent en bas à gauche, à l'opposé de la source lumineuse. Bien entendu, lorsque plusieurs sources de lumière éclairent l'objet depuis différents endroits, cela rend la capture de valeurs un peu plus difficile. Donc, si vous débutez, je vous recommande de toujours choisir des photos de référence et de configurer des natures mortes en utilisant une seule source de lumière. Donc, pour résumer, en tant qu'artistes, chaque fois que nous recherchons des niveaux de réalisme moyens à élevés, nous aimions dessiner ou peindre des paysages, dessiner ou peindre des animaux, dessiner ou peindre des portraits, des natures mortes ou tout autre sujet que vous aimez. Quel que soit le support de dessin ou de peinture que vous préférez. Il est essentiel de commencer à approfondir nos connaissances sur le comportement de la lumière, ce qui est fondamental. Et je sais que le comportement de la lumière peut être un sujet assez vaste, mais je vous assure que le simple fait d'approfondir vos connaissances petit à petit vous aidera à faire passer vos œuvres d'art au niveau supérieur. Enfin, je tiens à vous donner trois conseils essentiels pour réussir qui m'ont beaucoup aidés, moi et mes élèves. Et cela vous aidera non seulement à avancer dans ce projet dans le cadre de ce cours, mais également dans les prochains articles sur lesquels vous pourriez décider de travailler. Le premier conseil est de toujours utiliser photos de référence de qualité qui présentent un bon équilibre entre les lumières et les ténèbres. Des photos trop claires ou trop sombres sur toute la surface ou sous-exposées trop claires ou trop sombres sur toute la surface ou rendront le processus beaucoup plus difficile et ne donneront probablement pas les meilleurs résultats pour ce dessin ou cette peinture. Assurez-vous que vous pouvez voir les lumières, une large gamme de tons moyens, les tons plus foncés sur cette photo de référence ou tout ce que vous avez devant vous dans la vie réelle. Si vous n'êtes pas capable de voir les lumières les plus claires, si vous n'êtes pas capable de voir les tons moyens, si vous n'êtes pas capable de voir les tons les plus foncés, comment allez-vous les faire apparaître dans votre en dessinant ou en peignant, en plus de distinguer les zones claires, les tons moyens et les zones sombres, vous pouvez également observer quand les valeurs passent progressivement l'une à l'autre et où il y a des pas nets entre elles. Dans le réalisme, il y a toujours une combinaison des deux et essayez de faire ressortir ces subtilités dans vos dessins ou vos peintures. Enfin, lorsque vous commencez tout juste distinguer les différentes zones de valeur, il est extrêmement utile de vous entraîner à utiliser des photos en noir et blanc, des photos désaturées ou des photos en niveaux de gris, qui ont toutes la même signification. Parce que toutes ces échelles de valeurs différentes pour cette multitude de couleurs vont être compressées en une seule échelle, une échelle allant du blanc au noir ou du noir au blanc avec différentes valeurs de gris intermédiaires, ou du noir au blanc avec différentes valeurs de gris intermédiaires des gris plus clairs aux gris plus foncés. Et une fois que vous aurez développé votre capacité à identifier différents domaines de valeur et à les avec succès dans vos dessins ou peintures, il vous sera beaucoup plus facile de passer à des photos en couleur. Ça va suffire pour ce cours sur la valeur. Et j'ai hâte de passer au prochain cours où j'expliquerai comment je choisis les différentes couleurs que je vais intégrer au processus de peinture afin de réussir développer efficacement et de développer efficacement différentes valeurs. Hughes a eu besoin de Hughes tout au long l'œuvre pour atteindre le niveau de réalisme que je recherche. On se voit là-bas. 5. Choisir les couleurs: Chaque fois que je choisirai les couleurs que je vais utiliser pour un nouveau crayon aquarelle ou une aquarelle traditionnelle. Je m'assure toujours de penser à trois choses. La première chose à faire est de toujours m'assurer limiter la quantité de couleurs que j'apporte. Je n'apporte pas couleurs aléatoires tout au long du processus. La deuxième chose à laquelle je pense toujours , c'est que je dois me préparer à réussir afin pouvoir créer des zones de valeurs les plus claires, des zones de tons moyens et des zones les plus sombres. Pour ce faire, je dois réfléchir aux deux ou trois couleurs que je vais mélanger ou superposer pour créer mes zones de tons moyens et mes zones les plus sombres Vous devez savoir comment vous allez développer les valeurs les plus claires, une large gamme de tons moyens et de zones sombres les plus sombres. Surtout si vous recherchez un niveau de réalisme plus élevé. Parce que la valeur est primordiale, afin de créer de la dimension et de la profondeur dans une pièce, une illusion crédible d'ombre et de lumière. Vous devez donc vous préparer au succès et choisir les couleurs qui vous permettront de le faire. Et la troisième chose à laquelle je pense toujours est comment puis-je répéter les couleurs tout au long de ma pièce ? C'est important car cela donnera à la pièce un aspect plus harmonieux. À la fin, vous répétez les couleurs, et vous pouvez le faire de différentes manières. Vous pouvez choisir d'utiliser la même couleur dans différentes zones de votre pièce. Vous pouvez créer une sorte de sous-couche pour l' ensemble de la pièce en utilisant une seule couleur afin que cette couleur puisse une seule couleur afin que cette couleur puisse, sur certaines parties de votre pièce, briller et être visible à travers les couches de couleur que vous placez dessus. Une autre idée est que vous pouvez utiliser exactement la même couleur pour approfondir et assombrir les zones les plus sombres de votre pièce, ce que je vais faire aujourd'hui. Très bien, donc pour cette pièce, je vais utiliser ce set de crayons aquarelle Gold Fever Aqua de Faber, en Castille. j'ai En observant cette photo de référence, commencé à tester couleurs de mon ensemble de crayons à aquarelle en utilisant le Malone, en les superposant et en les superposant. J'en remplace certaines parce que je ne trouvais pas la bonne couleur et que je n'aimais pas façon dont elles se mélangaient. Et voici les couleurs que j'ai choisies. Je vais sélectionner ces couleurs sur cette feuille de papier supplémentaire que j'ai ici, afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent sur le papier et que vous puissiez choisir les couleurs disponibles sont les plus similaires à celles-ci. Je vais vous dire exactement lesquels je vais utiliser pour la photo. Lesquels je vais utiliser pour le tissu, lesquels je vais utiliser pour la fleur, la table. Et je vais également expliquer ce que je vais faire pour l'art mural de fond. Alors d'abord et avant tout, laissez-moi vous expliquer ce que nous allons faire pour le film. Voici les trois couleurs que j'ai sélectionnées. Vous pouvez voir comment j'ai un jaune, une orange et une orange rouge. Ces trois ne sont pas seulement des teintes ou des couleurs différentes, mais elles ont également une valeur différente. Vous pouvez voir qu'il s'agit de la couleur la plus claire. C'est le type de couleur de valeur moyenne, et c'est la couleur de valeur la plus foncée. Je sais donc qu'en préparant ces trois couleurs, non seulement je vais obtenir teintes que je souhaite sur l' ensemble de la photo, mais je vais également être en mesure de développer mais je vais également être en mesure de développer une large gamme de valeurs et, plus tard, parce que nous travaillons de valeurs plus claires vers des valeurs plus sombres. Si, à la fin du processus, je souhaite accentuer les zones les plus sombres, je peux ajouter une autre de mes couleurs que j' utiliserai pour les zones les plus sombres dans d'autres sections de ma pièce C'est là que l' idée de réutiliser même couleur dans toute ma pièce entre en jeu. C'est donc la couleur la plus claire que je vais utiliser. Et n'oubliez pas que les crayons aquarelle sont un support de dessin et de peinture, le tout réuni en un seul pigment sur du papier via un support de dessin, n'est-ce pas ? C'est un crayon. Nous appliquons donc ce pigment, cette couleur sur le papier avec une pointe pointue. Ensuite, une fois le pigment appliqué sur du papier, nous pouvons apporter de l'eau et un pinceau et créer ces effets picturaux. La pression que vous exercez sur votre crayon sera donc vous exercez sur votre crayon sera une excellente variable que vous pourrez également utiliser pour développer zones plus claires ou plus foncées sur l'ensemble de votre pièce. Entraînez-vous donc vraiment à exercer plus ou moins de pression. N'oubliez pas que, tout comme lorsque nous travaillons avec de la peinture à l' aquarelle traditionnelle, nous incorporons la blancheur la luminosité du papier sous le pigment à la pièce, en particulier dans les zones les plus claires et les zones les plus claires. La blancheur et la luminosité du papier contribuent à nos reflets C'est pourquoi nous n'avons pas besoin d' un crayon aquarelle blanc. En d'autres termes, plus la valeur est claire, plus l'application de couleur ou de pigment est fine, et plus nous voulons faire briller le papier à travers ce pigment, et plus la valeur est foncée, plus nous exerçons de pression et plus les pigments se chevauchent afin de recouvrir une plus grande partie de ce papier. Si nous entrons et appliquons du pigment sur toute la pièce de manière très épaisse. Cela risque de nous alourdir et de nous aplatir. Et à la fin, notre pièce n'aura plus le sens des dimensions et de l'éclat que nous essayons de créer. Ainsi, dans les zones les plus légères, vous voulez vraiment laisser passer une plus grande partie de ce papier. Et pour ce faire, vous devez exercer moins de pression aucune pression, avec vos crayons aquarelle afin de laisser une plus grande partie de ce papier blanc briller à travers, à découvert, pour créer une valeur plus claire pour vous. Ensuite, nous avons l'orange. Et puis enfin l'orange rouge. Je peux revenir à ma couleur moyenne si je veux travailler un peu plus sur les transitions. Et voilà. J'ai pu créer un dégradé à partir de la couleur la plus claire, la couleur moyenne et de la couleur la plus foncée. Ces couleurs sont très jolies lorsqu' se chevauchent et elles feront très bien l'affaire sur la photo. Et ici, j'applique la même idée que celle que je vais utiliser tout au long de ce processus de peinture. Ce que je veux dire, c'est que j'ai d'abord choisi la couleur la plus claire et je l'ai appliquée sur une plus grande surface. Ensuite, j'ai opté pour ma couleur moyenne et j'ai appliqué cette couleur moyenne, qui dans ce cas correspond aux zones de tons orange à moyen, et j'ai gardé la couleur plus claire exempte de cette deuxième couleur dans les zones de valeur plus claire. Ensuite, j'ai appliqué le rouge-orange, qui est ma couleur la plus foncée, sur une zone plus petite, uniquement dans la zone où je voulais appliquer les valeurs les plus foncées. Et j'ai exercé de moins en moins de pression en sortant de cette zone de valeurs les plus sombres, ainsi que de cette zone de tons vers les valeurs plus claires J'ai exercé de moins en moins de pression en remplissant cette zone afin que la pression elle-même m'aide dans la transition que je voulais créer. Voici donc les couleurs principales que je vais utiliser sur la photo. Et puis, en ce qui concerne le tissu, je vais répéter le rouge et l'orange. Je vais apporter une nouvelle couleur, qui est un rouge plus foncé. Et je vais apporter un violet. J'adore le violet pour les zones sombres et profondes. Et c'est la couleur que je vais probablement répéter souvent dans mes zones de valeurs les plus sombres tout au long de l'œuvre, même sur ma photo, si à la fin du processus je souhaite créer plus de contraste et vraiment approfondir et assombrir ces zones de valeurs les plus sombres. Je peux même entrer et faire un tout petit chevauchement uniquement dans les zones les plus sombres la photo. Mais en ce qui concerne le tissu, sont les trois couleurs principales que je vais utiliser. Ce rouge orange, que j'avais déjà utilisé pour la photo, sera ma couleur la plus claire. Ensuite, j'ai ma couleur moyenne, qui est un nouveau rouge plus foncé. Et ce sera ma couleur la plus foncée, qui est mon violet. C'est donc la même couleur que vous aviez déjà vue auparavant. Ensuite, mon rouge plus foncé exerce moins de pression en sortant de cette zone de tons moyens plus foncés et en laissant une partie de l'orange briller sans la deuxième couleur. Et puis enfin, j'apporte le violet plus foncé. Et je me couvre encore moins et j'exerce moins de pression au fur et à mesure que je passe aux tons moyens. Et n'oubliez pas que, sur toutes les zones ou formes de mon tissu , je souhaite créer une valeur très, très claire ou lorsque je souhaite passer aux zones les plus claires et ne contenir aucun pigment. Je vais m'assurer d' utiliser cette couleur avec une très, très petite pression afin de couvrir moins de papier. Très bien, ce sont donc les couleurs que je vais utiliser dans le tissu. Ensuite, pour cette section réservée à la table, je vais ajouter deux bruns différents, un brun plus clair et un brun plus foncé. Je vais faire en sorte que la table soit très simple. Voici à quoi ressemble ce brun plus clair. Et je peux même créer un brun plus clair en utilisant le même brun, mais avec moins de pression. Ensuite, chaque fois que je souhaite assombrir certaines zones de la table, je vais superposer ce brun foncé sur le brun plus clair, exerçant ainsi moins de pression lorsque je me dirige vers des zones plus claires. Et enfin, nous avons la fleur, qui est blanche. Et lorsque nous utilisons des crayons aquarelle, c'est la même chose que lorsque nous utilisons de la peinture à l' aquarelle traditionnelle. Nous incorporons la blancheur du papier à la pièce. Nous devons nous assurer protéger une grande partie de ce papier, ne pas le dissimuler car c'est ce livre blanc qui nous aidera à donner à ce sujet ou à cet objet un aspect blanc. Eh bien, nous peignons des objets blancs comme une tasse à café en céramique blanche ou même des animaux à la fourrure blanche. C'est la blancheur du papier qui va nous aider à donner à cet objet ou à ce sujet un aspect blanc. Si nous le recouvrons complètement, il ne paraîtra plus blanc. Cependant, nous devons développer des valeurs différentes pour ces pétales, dans ce cas, ou dans cette entreprise ou dans cette zone blanche en céramique. Parce que si nous ne développons aucune valeur, cela aura l'air plutôt plat. Il s'agit donc d'un équilibre entre développement de valeurs liées à cet objet ou sujet blanc, fait de faire très attention à ne pas trop couvrir ce livre blanc. Sinon, il n'aura plus l'air blanc. Donc, pour la fleur, je vais utiliser ce gris. je vais utiliser ce gris. Ce sera la valeur la plus légère que j'utiliserai pour ces pétales. Ensuite, je vais utiliser à nouveau mon violet. Le violet que j'ai répété est la couleur que je vais utiliser dans les zones où les pétales se chevauchent et créent des ombres locales les uns sur les autres. Je vais simplement superposer ce violet à ce gris dans certaines zones d'ombre pour développer ces valeurs plus profondes et plus sombres. Et au centre de la fleur, je vais ramener jaune que j'utilisais pour le pichet, en tant que couleur la plus claire et la zone la plus claire. Je vais ensuite faire apparaître l'écran parce que je vois un peu de vert dans cette zone centrale et dans la fleur. Et je vais le superposer dans les zones de tons moyens et aussi dans de petites sections ici et là pour développer un peu de texture. Enfin, si j'ai envie de pousser un peu plus les zones les plus sombres dans cette partie centrale, je vais ramener mon violet et l'ajouter par-dessus le vert. Ce violet fonctionnera parfaitement pour développer les zones d'ombre les plus profondes et les plus sombres. Tout au long de la pièce. Je pourrais même aller dans certaines parties de la table et superposer ce violet sur ce brun foncé. Je vais donc répéter cette couleur dans de nombreux domaines. Et cela va mener à une pièce bien plus harmonieuse et intégrée. À la fin, j'ai un total de neuf couleurs ici. Et c'est vraiment tout ce dont j'ai besoin pour l'ensemble de mon œuvre. J'ai même mis mon crayon aquarelle de côté. Je n'ai pas besoin d'une autre couleur. Je vais m'y tenir tout au long. La dernière chose que je voudrais expliquer avant de me lancer dans le processus de peinture, c'est ce que je vais faire pour le mur du fond. Donc, sur cette photo de référence, mur de fond est complètement noir, je veux apporter ma licence artistique. Je suppose que j'aurais pu le peindre entièrement en noir, mais j'ai décidé d'apporter un peu plus de couleur à l'œuvre et de m'intéresser à l'harmonie, bien sûr, parce que je vais utiliser une palette de couleurs un peu triade ici. Et ce que je veux dire par là, c'est que je vais déjà avoir plein de rouge et de jaune dans ma pièce. J'ai donc décidé d' un peu de bleu à mon arrière-plan afin de créer une sorte de triade. Une palette de couleurs triadique consiste utiliser trois couleurs dans votre roue chromatique pour créer un triangle équilatéral n'importe où dans la roue chromatique. Et cela va conduire à une belle harmonie de couleurs. La palette de couleurs triadique est l'une de ces différentes combinaisons de couleurs qui ont été utilisées par les artistes à travers l'histoire pour ajouter de l'intérêt en utilisant la couleur et l'harmonie dans leurs œuvres. Si vous souhaitez en savoir plus sur la théorie des couleurs et sur la façon dont les artistes ont créé ce magnifique sentiment d'harmonie à l'aide de combinaisons de couleurs. N'oubliez pas de consulter ma classe de roue chromatique primaire divisée ici sur Skillshare. Il couvre toutes les informations indispensables sur la théorie des couleurs que vous devriez connaître en tant que débutant pour commencer à peindre Holler Temperature, des exercices très utiles. Et je donne de nombreux exemples de peintures créées par des artistes dans le passé dans lesquelles tout cela est réellement démontré dans une composition visuelle finale. Ainsi, vous pouvez voir comment toutes ces connaissances sont appliquées dans le sens pratique du terme. Je vais cependant assombrir le bleu que j'utilise beaucoup. Je vais utiliser une couleur semblable à l' indigo que je crée en mélangeant une teinte neutre et un autre bleu, sorte que le mur de fond soit assez sombre. J'ai beaucoup aimé le fait qu'il fasse très sombre sur cette photo de référence, car cela crée beaucoup de contraste avec les éléments focaux plus clairs. Je veux donc m' assurer d'utiliser un fond bleu très foncé, mais nous allons le peindre avec de la peinture à l' aquarelle traditionnelle ou tout autre support de peinture que vous déciderez parce que c'est plus pratique. En utilisant peinture aquarelle traditionnelle cette forme et mon fond, je vais être capable non seulement de le peindre beaucoup plus. plus rapidement que ce que les crayons à l' aquarelle me permettraient de faire. Mais je vais également être capable de créer un bel effet d'adoucissement du flou et une variété subtile de valeurs, même sur l'ensemble de l'arrière-plan, sans créer trop de texture Il est très difficile de remplir grandes zones avec des crayons aquarelle, car encore une fois, nous appliquons du pigment sur le papier aide d'un outil de dessin pointu. Ce n'est pas comme lorsque vous entrez avec un pinceau et de l'eau où vous pouvez très facilement couvrir une grande surface avec un lavage agréable et relativement uniforme assez rapidement. Nous en avons tous terminé avec ce cours sur le choix des couleurs. J'espère que vous avez déjà pu choisir le vôtre. Dans le prochain cours, nous allons réellement commencer le processus de peinture. Ce sera la phase numéro un, au laquelle nous allons appliquer notre première couche de cours de laquelle nous allons appliquer notre première couche de couleur sur les différentes zones et éléments de cette pièce. On se voit dans le prochain. 6. Première application de la couleur: Très bien, mon ami, et bienvenue dans la première phase de ce processus de peinture. Tout notre travail de préparation est terminé. Nous avons pris le temps d'observer cette photo de référence, déterminer où se trouve la source de lumière par rapport à ces objets, nous avons remarqué les principales zones claires, les zones les plus sombres, et nous avons également présélectionné les couleurs spécifiques que nous allons afin de développer la large gamme de valeurs et de teintes dont nous avons besoin pour atteindre des niveaux de réalisme plus élevés. N'oubliez pas que l'essentiel, tout au long de ce processus, est de continuer à vous souvenir que les zones les plus légères ne contiendront qu'une très petite quantité de pigment. y aura donc que peu ou pas d' application de couleur et une superposition plus claire, si vous voulez, de la couleur sur les zones les plus claires. Les zones les plus sombres seront la couleur sur les zones les plus claires. Les zones les plus sombres Il n'y aura donc que peu ou pas d'application de couleur et une superposition plus claire, si vous voulez, de la couleur sur les zones les plus claires. Les zones les plus sombres seront celles qui seront les plus touchées, et davantage de couches seront superposées afin de couvrir une plus grande partie de ce livre blanc. Et puis les zones de tons moyens se situeront quelque part entre les deux. Ils auront une application moyenne de couleur. Il y aura une certaine quantité de papier brillant dans tons moyens plus clairs et moins de papier brillant dans les tons moyens plus foncés. Il s'agit de continuer à observer la photo de référence, d'observer la valeur présente dans la zone dans laquelle vous peignez. Appliquer de la couleur dans. Et assurez-vous que votre utilisation de la couleur va pair avec la valeur que vous essayez de développer. N'oubliez pas que la pression que vous exercez sur votre papier avec votre crayon doit également aller de pair avec la valeur que vous essayez de développer à aucun moment de ce processus. Et j'appuie si fort que je commence à brunir. brunissage est une technique de dessin appuyer si fort avec votre outil de dessin que vous commencez à créer de petites indentations ou à aplatir les dents présentes sur le papier. Je n'utilise vraiment pas la technique du brunissage, mais assurez-vous que si vous essayez développer une valeur de lumière, vous n'appliquez que peu ou pas de pression. Et vous pouvez vous permettre d'exercer de plus de pression au fur et à mesure que vous entrez dans des valeurs plus sombres. Si vous appliquez plus de pression, vous recouvrez plus de papier ce qui entraîne une valeur plus foncée. Si vous appliquez moins de pression, vous recouvrez moins de papier et vous créez une valeur plus légère. Enfin, assurez-vous de choisir la bonne couleur pour la valeur que vous essayez de créer. Si vous créez une valeur plus claire, choisissez une couleur plus claire que vous avez choisie pour la zone concernée. Si vous travaillez sur un ton moyen , assurez-vous de vous préparer avec votre couleur moyenne. Et si vous travaillez dans une zone de valeurs plus sombres, vous pouvez choisir la couleur plus foncée que vous avez choisie. Cela étant dit, allons-y et commençons par le plus gros objet ici, savoir l'image, les couleurs que j'ai choisies pour cet objet. Notre jaune, rouge, orange et rouge. Voici mon jaune cadmium, mon jaune chrome foncé et mon orange chrome foncé. Nous partons des lumières et nous nous dirigeons vers les ténèbres. Donc, ce que je vais faire d'abord avec cette couleur plus claire, sans exercer trop de pression. N'oubliez pas qu'il sera toujours plus facile d'entrer et de assombrir que d' y entrer et de s'éclaircir. Ce sera gentil et doux. votre application initiale de couleur, en particulier, j'essaie de garder cette première couche belle, douce et aussi uniforme que possible. Puis-je appliquer ce jaune l' ensemble de la photo avec une très faible pression, en particulier dans les zones les plus claires, les points forts ici. Et peut-être que je vais faire un peu de lifting avec ma gomme. Mais sur les zones les plus claires, je ne veux presque pas appliquer de couleur. Si vous n'avez pas appliqué trop de couleur et que vous n'avez pas commencé à brunir. Quel brunissage est juste un terme désignant le fait que vous appuyez fort avec un crayon, un crayon de couleur ou simplement un outil de dessin. En appuyez fort avec un crayon, un crayon couleur ou brunissant, vous commencez à endommager la dent du papier. Mais ce qui est cool, c'est si vous n'avez pas commencé à brunir et que vous n'avez pas appliqué trop de pigment sur votre papier. Et vous n'avez pas activé cette couleur avec de l'eau, vous pouvez y aller et éliminer l'excès de pigment dans les zones claires. Si vous n'aviez pas vraiment l' intention de placer cette quantité de couleur, vous y êtes. Je vais vous montrer comment procéder dans un instant. Vous remarquerez que j'ai changé la direction ou l'angle de mes traits de crayon. C'est tout à fait normal tant que vous maintenez la pression que vous exercez. Même en cours de route, Même en cours de route, vous ne devriez pas vous retrouver avec des lignes ou des marques apparentes à Stark. Sachez également que nous allons apporter de l'eau et un pinceau, et que nous allons faire de nombreuses couches de couches. Donc, une petite quantité de taches ou texture n'a pas vraiment d'importance, tant que ce n'est qu' une petite quantité, elle ne sera probablement pas visible au final. Je vais continuer à remplir l'image en entier, à l' exception des formes les plus claires. Et c'est là que je veux laisser du papier briller sans aucun pigment dessus. Juste ici, dans cette zone. Je vais donc simplement ignorer cette zone et la colorier. Vous pouvez même exercer moins de pression lorsque vous vous frayez un chemin vers ce point lumineux. Je vais apporter ma gomme souple ici, m'assurer de la nettoyer avant de l'utiliser. C'est comme si je le frottais sur mon tapis de découpe, juste pour ne pas gâcher la couleur de Mike. Et une fois que tout est bien propre, je peux procéder à l' élimination en douceur de l'excédent de pigment que j'ai déposé. Cela équivaudrait à soulever des charges. Si vous créez une aquarelle avec de la peinture traditionnelle, vous pouvez voir à quel point j'ai pu facilement éliminer la majeure partie de ce pigment, car je n'ai pas vraiment exercé beaucoup de pression. Je n'ai pas trop appliqué de couches et je n'ai pas activé ce pigment avec de l'eau. Si je l'avais fait, je n'en serais pas capable. Donc, s'il y a une zone surlignée où vous souhaitez protéger ces zones de votre papier en les protégeant avec peu ou surlignée où vous souhaitez protéger ces zones de votre papier en pas de pigments. Je recommande d'effacer ou de soulever tout ce dont vous pourriez avoir besoin avant de passer à la couleur suivante. Je vais y aller et faire un petit effort. Et peut-être ici. OK, j'en ai fini avec cette première couche de ma couleur la plus claire. Je vais passer à ma deuxième couleur. Je considérerais celui-ci comme mon orange jaune. On l'appelle jaune chrome foncé dans cet ensemble préféré de Castille. Mais quelle que soit votre couleur moyenne, c'est là que vous allez vous lancer en ce moment. Avec cette couleur moyenne, vous observez votre photo de référence et vous remarquez où se situent les tons moyens et les tons les plus foncés. Et c'est là que nous allons entrer et placer cette couleur. Commencez par vos chevauchements. La pression que j'exerce en moment est exactement la même, mais je l'exerçais auparavant avec mon jaune. Mais cette fois, je vais exercer moins de pression en sortant des zones de tons moyens ou des zones les plus sombres afin que le jaune orange puisse passer doucement au jaune plus clair. Ici, j'exerce une très petite pression afin de créer cette transition entre mes zones jaune-orange et mes zones jaunes. Cependant, vous remarquerez qu'il y a une arête vive ici créée par cette forme d'ombre. Et je n'ai pas trop à me soucier de créer une transition douce où, là où j'ai ces arêtes vives , je pense surtout à créer des transitions douces où je peux réellement voir photo de référence que cette transition est plus douce et plus floue. C'est donc là que je m'assure modifier la pression que j'exerce afin de créer une transition plus douce. Continuer à travailler sur la deuxième couche avec ma couleur moyenne tout au long de cette photo, regardant constamment la photo de référence et en remarquant où se trouvent les zones de tons moyens plus foncés et les zones les plus sombres, parce que c'est où j' applique cette couleur moyenne. Je ne cherche vraiment pas à appliquer cette couleur moyenne dans les zones les plus claires. Je veux vraiment garder les zones les plus légères avec juste mon jaune. Ensuite, je vais travailler sur les plans intérieurs de cette section du manche, en superposant une partie de ma couleur moyenne sur le jaune dans certaines sections dans lesquelles je cherche à créer des tons moyens plus foncés. Bien, passons à la partie supérieure de l'image et continuons à observer un changement de valeur sur cette photo de référence. Vous pouvez voir comment je m' y prends assez rapidement, même si j'utilise une photo de référence et que je m' assure de prendre ces informations visuelles. En ce qui concerne l'emplacement des différentes formes de valeur, l' emplacement des lumières, l' emplacement des tons moyens et celui des tons foncés les plus foncés. Je ne suis pas obsédé par l' idée de tout voir exactement comme je le vois. Je sais que les différentes formes de valeur peuvent être légèrement différentes de celles que je vois sur cette photo de référence, à condition qu'elles soient à peu près les mêmes en termes de forme, de taille et d'emplacement. Je peux le faire relativement, grossièrement, rapidement. Et je vais quand même arriver à un niveau de réalisme qui me plaît. Je n'ai pas besoin d'être super obsédée par l'idée de voir chaque petite chose de la même manière qu'elle apparaît sur chaque petite chose la photo de référence. Et je peux même faire appel à ma licence artistique pour changer les choses, c'est ce que je fais en matière de couleur. J'utilise le violet pour créer des zones d'ombre plus profondes Même si je ne vois pas nécessairement violet sur la photo de référence, j'ai remarqué que le plan latéral du manche et la lèvre supérieure de la photo ont tous deux une valeur assez claire sur cette photo de référence. Je laisse donc le premier jaune briller complètement dans ces formes très étroites. Il y a ici une forme d' ombre très foncée que nous pouvons voir sur la photo. Ces plans intérieurs de l'image sont orientés dans le sens opposé à la lumière. Pensez vraiment à la structure tridimensionnelle de l'objet dans lequel vous faites de l'ombre et, bien sûr, l'emplacement de la source lumineuse par rapport à ces structures. Je passe en revue certaines zones ici, en particulier celles où je vois des tons moyens plus foncés avec ma couleur jaune, orange ou moyenne. Si vous avez du mal à exercer plus ou moins de pression lorsque vous dessinez, faites des exercices dans un carnet de croquis. Pratiquez simplement ce genre de choses ici. Coloriez une forme complète, en exerçant de moins en moins de pression au fur et à mesure, ou de plus en plus de pression au fur et à mesure. Effectuez ce type d'exercice dans un carnet de croquis jusqu'à ce que vous puissiez contrôler votre outil de dessin plus efficacement. Et assurez-vous également de relâcher votre main, votre poignet ou votre bras. Si vous commencez à vous faire mal à la main et au poignet pendant que vous dessinez, cela ne devrait pas se produire. Continuez à vous rappeler tout au long du processus de garder votre main et votre bras détendus. Je pense que je vais bien pour le moment. Ces deux premières couleurs sont les seules que je vais utiliser pour cette première phase du processus. J'aimerais activer ma couleur une fois que ces deux premières couleurs ou la première couleur, si je n'en utilise que deux dans une zone, auront été placées. Travaillons donc sur notre première couleur ou deux premières couleurs dans les différentes zones ci-dessous. Et une fois que j'aurai appliqué ces deux premières couleurs, tout au long de ces sections que je vais peindre au crayon aquarelle, nous passerons à la phase suivante au cours de laquelle nous allons activer notre couleur. Passons donc au tissu. La première couleur du tissu sera mon orange rouge, qui est un orange chromé foncé. Ma deuxième couleur sera ce rouge, qui est le rouge écarlate. Et la troisième couleur que je vais apporter plus tard est mon violet, qui est le bleu-violet. Nous commençons donc par la couleur plus claire du bouquet, qui est le rouge, l'orange. Je prends donc juste une seconde pour observer cette photo de référence. Et d'une manière générale, notez les zones les plus claires, les zones à tons moyens et les zones les plus sombres sur l'ensemble du tissu. Je vais donc entrer et commencer à appliquer très doucement ma première couleur sur tout le tissu. Une pression très minimale ici. Et j'observe constamment la photo de référence afin ne pas appliquer accidentellement trop de pigment les zones les plus claires. Mais si je le fais, je peux y aller avec ma gomme et le soulever un peu. Je fais de mon mieux pour maintenir la pression uniforme pendant que je crée cette première couche de rouge. Je souhaite que cette première application de pigment soit la plus uniforme possible. Je me fraie un chemin avec soin autour des pétales blancs ici. Je peux appliquer ma couleur la plus claire beaucoup plus librement que ma couleur moyenne et ma couleur la plus foncée. mes couleurs s'assombrissent, plus je dois être consciente de n' appliquer les couleurs les plus foncées que là où j'en ai réellement besoin. Sans oublier que, comme nous n'avons pas encore commencé à superposer trop de couches ou à activer la couleur avec de l'eau, nous pouvons toujours utiliser une gomme et éliminer l'excès de couleur des zones les plus claires si nécessaire. Mais dès que nous commençons à trop superposer des couches ou que nous commençons à utiliser nos couleurs les plus sombres. Et nous commençons à activer notre pigment avec de l'eau. Il sera plus difficile d'essayer d'alléger des zones. OK, je suis en train de remplir toute la partie inférieure du tissu rouge avec cette première couleur. Ensuite, je vais travailler sur tous les plis du tissu à gauche de la photo et sur la fleur. Je vois beaucoup de valeurs de lumière dans ces plis complexes du tissu sur la gauche de la photo. Je vais juste essayer de les utiliser au mieux de mes capacités en remarquant où se au mieux de mes capacités en trouvent les valeurs rouges les plus claires sur la photo. Et en essayant d'éviter les petites zones ici et là qui ressemblent aux formes des valeurs plus claires que je vois sur la photo. Vous pouvez voir à quel point je n' exerce pas beaucoup de pression. Donc, gardez-le très léger dans cette première couche. N'oubliez pas d'utiliser les variations de pression pour vous aider à créer des valeurs différentes, même à ce stade. Maintenant que j'ai appliqué la couleur pour la première fois avec mon orange rouge, je vais utiliser ma gomme à effacer sur toutes les zones sur lesquelles j' ai l' impression d'avoir appliqué trop de pigment pour faire un peu de lifting. Donc, ici, par exemple, je pense que je peux peut-être me contenter d'en supprimer un peu. Je tiens vraiment à m' assurer intégrer ce papier à l'œuvre, car cela m'aidera à créer cette sensation de lueur et de dimension qui est si particulière aux supports translucides tels que l'aquarelle et l'encre, les crayons aquarelle. Donc, il suffit de ramasser un excès de pigment ici. Et ici, il y a un pli en tissu. Je sais que les plis peuvent être difficiles à plier en raison de la multitude de mouvements qui se produisent, mais essayez d'observer les courbes du tissu qui remontent vers la lumière et celles qui s' éloignent de la lumière ou s' éloignent de la lumière. Ce sont généralement les courbes les plus proches de la lumière. Ils vont capter la majeure partie de cette lumière. Et à cause de cela, il y aura une valeur plus faible. Une autre chose que vous pouvez faire si vous trouvez que les plis du tissu sont écrasants est de zoomer sur une zone spécifique de cette photo de référence. Au lieu de voir la photo en entier, zoomez sur des sections spécifiques et travaillez sur une section à la fois. Mais je tiens à vous rappeler qu'il n'est pas nécessaire d'être trop obsédé par l'idée de tout faire exactement de la même manière. J'ai l'impression d'y avoir un tout petit peu de couleur dans mes pétales blancs. Donc je vais y aller et effacer ça du mieux qu' ils peuvent avant d'aller de l'avant. Passons à la couleur suivante du tissu, qui sera le rouge écarlate. Avec celui-ci, je vais zoomer sur des sections spécifiques du tissu sur la photo de référence. Et je vais simplement appliquer cette couleur moyenne sur les zones de tons moyens plus foncés et les zones les plus sombres, en laissant la couleur plus claire précédente briller complètement à découvert dans les zones laissant la couleur plus claire précédente briller complètement à à valeurs plus claires. Je vais commencer par le bas et remonter Cette forme d'ombre que je suis en train de créer ici est en fait l'ombre projetée sur la table par le tissu. Si vous remarquez dans le coin inférieur gauche de l'image, il y a une petite partie de cette table en bois qui n'a pas été découverte par ce tissu. Et il semble rouge parce que ce tissu rouge a un impact sur la couleur de la forme de l'ombre. C'est pourquoi j'ai d'abord voulu opter pour du rouge. N'oubliez pas d'exercer moins de pression lorsque vous vous dirigez vers valeurs plus légères afin de créer des transitions douces chaque fois que cela est nécessaire. En ce qui concerne le tissu, vous allez assister à une combinaison de transitions douces et de limites entre vos valeurs. Essayez donc de le déterminer ici. Par exemple, je vois une arête plus nette. Remarquez les arêtes créées entre les différentes formes de valeur, où une valeur se transforme en une autre valeur. Parfois, ces changements seront doux et graduels. Et d'autres fois, le changement se produira comme une étape importante. Dans le réalisme, il y a toujours une combinaison des deux. Essayez donc de remarquer ces modifications sur la photo de référence et essayez de faire en sorte que cela se produise au mieux de vos capacités dans votre œuvre d'art. Alors que je travaille sur tout cela, j'essaie vraiment de rester à l' écart de la recherche. blocs d'aspect très austère ou formes solides et lourdes de toutes sortes. J'essaie également de m' éloigner de l'apparence des lignes Tout ce qui crée l'illusion d'une ligne lorsque vous voyez votre œuvre de loin va ôter le sens du réalisme de votre œuvre. Au lieu de voir les choses comme des lignes, considérez-les comme des formes allongées qui présentent des irrégularités . Ceci est important car il n'y a pas de contours ni de lignes dans le réalisme. Chaque fois qu'une ligne est présente dans une pièce plus réaliste, il y a toujours une variation d'épaisseur de ligne tout au long de cette ligne. Certaines sections de cette ligne sont plus épaisses et plus sombres, tandis d'autres sections sont plus fines et plus claires. Vous ne trouverez jamais de lignes dont le poids est constant d' une extrémité à l'autre. C'est le contraire des dessins animés et des pages de livres à colorier où tout ce que vous voyez est entouré d' un contour épais, gras et noir, et d'une épaisseur uniforme autour de tout. Dans le réalisme, nous avons des arêtes, et non des contours, des arêtes où une valeur se transforme en une autre valeur. Parfois, ces arêtes sont perdues et parfois elles sont affinées et définies. Je me dirige vers la gauche et je travaille sur les formes d'ombre créées sur le tissu par la fleur. Je vois ici une forme d'ombre avec un bord inférieur pointu. Ensuite, je vais essayer de faire en sorte que cela se produise dans mon dessin. Le bord inférieur est net et défini, tandis que le bord supérieur est un peu plus doux et plus progressif, les tons moyens se transforment progressivement en valeurs plus claires en haut de la courbe. Ensuite, au fur et à mesure que cette forme se dirige vers le bord droit du plan de l'image, ses bords en bas et en haut deviennent plus graduels et plus doux. OK, alors nous avons une petite forme d' ombre juste en dessous du pichet. Et je continue à observer cette photo de référence et à saisir ces formes d'ombre où bon me semble. Je m'assure de rester subtile et de me un chemin progressivement vers des valeurs plus sombres. Ne pas appliquer beaucoup de pression. Chaque fois que j'essaie de créer un ton moyen plus clair, peut-être un tout petit peu plus de pression lorsque je travaille sur un ton moyen plus foncé ou une zone très sombre que je vois sur cette photo de référence. Et en laissant une grande partie de cette première couche que j'ai créée avec ma couleur la plus claire. Je laisse juste cela briller dans les zones les plus légères. Si vous souhaitez assombrir encore plus une section avec cette couleur moyenne, vous pouvez créer une deuxième couche utilisant la même couleur. Continuez à comparer votre dessin avec cette photo de référence et demandez-vous si cette zone est plus sombre ou plus claire que l' autre zone ci-dessus. Et si vous remarquez que vous devez entrer et assombrir une zone vous pouvez peut-être y entrer et créer une deuxième couche, la deuxième couleur. Vous pouvez donc vous permettre de superposer davantage de pigments dans les zones les plus sombres. Et vous pouvez même appuyer sur une toute petite touche, mais plus encore, dans les zones les plus sombres Il y a un certain degré de relâchement. Même si j'utilise une photo de référence pour obtenir des indices et des informations sur les valeurs à développer. J'espère que d'ici là, étant donné que je crée déjà une plage de valeurs dans ce tissu rouge, vous pouvez voir comment mes valeurs se Même si j'utilise une photo de référence pour des indices et des informations sur les valeurs à développer J'espère que d'ici là, étant donné que je crée déjà une plage de valeurs dans ce tissu rouge, façonnent peuvent être légèrement différents de ceux de la photo de référence. Cela signifie qu'ils peuvent être légèrement plus petits ou légèrement plus grands ou légèrement plus à gauche ou à droite. Et je suis toujours en train de développer la gamme de valeurs dont j'ai besoin. Et je commence à créer ce sentiment de tridimensionnalité. Juste ici. J'ai besoin d'un ton moyen. J'entre donc et je fais un léger chevauchement avec la deuxième couleur rouge. Et j'ai remarqué cette forme très nette, presque comme une traînée en bas créée par cette forme en bas. Je vais adoucir le bord inférieur. Ça m'a vraiment sauté aux yeux et j'essaie de rester subtil. Encore une fois, si vous voyez votre œuvre et que vous remarquez des formes ou des lignes épaisses d'apparence frappante, je vous encourage à travailler dessus avant de poursuivre. Je remarque également, juste au-dessus de cette forme, que j'ai créé quelque chose qui ressemble un peu trop à une ligne selon moi. Je vais donc rendre certaines sections de cette ligne entre guillemets un peu plus épaisses et créer plus d' irrégularités afin qu'elle ressemble davantage à une forme et moins à une ligne. J'en ai fini avec cette première couche de couleur sur tout le tissu rouge. Je ne vais pas ajouter le troisième rouge, comme je l'ai fait avec la photo. J'utilise simplement les deux premières couleurs dans cette superposition initiale. Il est donc temps d'apporter ma gomme à effacer en graphite doux et je vais faire tout ce dont je pourrais avoir besoin pour améliorer et adoucir la couleur avant de continuer. Et en fait, pour ce qui est de mon levage, je ne fais que retirer un peu de cette couleur rouge du coin inférieur gauche de cette pièce, ou il y a un petit bout que retirer un peu de cette couleur rouge du coin inférieur gauche de cette pièce, de cette table en bois brun visible. Plus tard, j'ajouterai un peu de brun dans cette zone pour que cela ressemble à une table et non à du tissu. J'ai donc l'impression d'être allée un peu trop loin avec mon rouge dans cette section. Et si je gardais tout ce rouge là, il n'y aurait pas vraiment de différence entre le tissu et la table. Il est temps de passer à la table. Je vais donc sortir mes deux marrons que j'utilise pour la table. Mon brun plus clair est de l'ocre brûlé et mon brun plus foncé est du brun Van ****. Commencez donc par la couleur la plus claire des deux. Et je vais passer en revue toute cette section du tableau. Maintenant, les différentes valeurs que je vois sur cette surface de table ne sont pas tant créées par la lumière elle-même, mais par la texture du bois, qui comporte naturellement des parties plus claires et des parties plus sombres. Cependant, en ce qui concerne ce bois particulier sur cette table sur la photo, je dirais que dans l'ensemble, il est assez clair. Donc, quand j'apporte mon brun plus foncé, je ne veux pas en faire trop. Je ne vois aucune forme de surlignage très brillante dans cette section consacrée aux bois. Je ne vais donc laisser aucune partie de mon papier dans le placard. J'applique simplement une couche relativement fine avec mon brun plus clair. Il y a une toute petite forme brune ici. Ensuite, je vais appliquer une couche marron clair dans coin inférieur où se trouve le tableau ICE sur cette photo de référence, juste au-dessus du rouge que j'avais déjà appliqué. Maintenant que j'ai appliqué cette première couche de brun clair, je vais passer à mon brun plus foncé et créer des formes de brun foncé subtiles et irrégulières. Cela m'aidera à mieux décrire cette texture visuelle qui me permettra remarquer très légèrement comment je m' adapte à mon brun foncé. Je n'exerce pas beaucoup de pression. Lorsque j'applique ce brun plus foncé, je tiens à faire très attention à ne pas créer accidentellement des lignes et des marques très nettes. Si je crée des lignes, des marques ou des formes très nettes, cela va être très distrayant pour le spectateur. Il s'agit d'une zone ou d' éléments secondaires de cette composition. Et si je crée trop de contraste ou si je donne trop de poids visuel à cette zone en y ajoutant trop de détails, je peux faire en sorte que le tableau entre trop en concurrence avec les objets réels, qui sont le point central. Ajoutez un peu de ce brun plus foncé dans ce coin inférieur gauche. Je ne vais pas m'inquiéter de la toute petite forme qui se cache derrière la photo. Et il est temps de passer à l'étape suivante. Enfin, je vais me mettre au travail sur la fleur. Pour la fleur, je vais utiliser du gris pour les pétales, du vert pour la partie centrale et du violet pour les zones d'ombres foncées. Je commence donc par le gris pour mes pétales et je zoome vraiment sur la fleur pour pouvoir me concentrer sur la fleur dès maintenant. Je vais commencer par ces pétales supérieurs. Et je vais juste appliquer un gris clair très, très subtil, sans aucune pression, sur les ombre que je vois dans les pétales. particulier lorsque je vois des pédales créer des ombres les unes sur les autres à cause du chevauchement. Je ne me soucie pas vraiment des lignes visuelles, de la texture et des pétales pour le moment. Je m'en occuperai plus tard. Pour l'instant, je me concentre uniquement sur les courbes des pétales et sur la tridimensionnalité des pétales et des ombres qu'ils créent. C'est ce qui est le plus important en ce moment. Comprendre la structure des pétales, la façon dont ils empêchent la lumière de se heurter les uns autres à cause du chevauchement et de tout le reste. Et je veux m' assurer de ne pas complètement couvrir toute la largeur des pétales en gris parce que, comme je l'ai déjà mentionné, cela leur donnera un aspect gris. Et je veux que ces pétales soient blancs à la fin. Il est donc important de laisser transparaître une grande partie de ce papier blanc car il s'agit d'un objet blanc que nous peignons. Mais même avec des objets blancs, il est important de développer une gamme de valeurs à l'intérieur de ceux-ci, car si nous les laissons complètement blancs, ils auront un aspect très plat et peu réaliste. Si vous pensez ne pas être en mesure d'obtenir suffisamment d'informations sur les variations de valeur des pétales blancs sur la photo, pensez à la structure tridimensionnelle de la fleur et à ses flaques d'eau. Quelles sont les zones les plus éloignées de la lumière ? Quelles sont les sections les plus proches de la lumière où se forment nos courbes dans ces flaques d'eau, où nos ombres apparaissent à travers celles-ci. Très bien, c'est donc ma première application légère de gris. Si vous voulez faire une deuxième application légère de gris pour assombrir tons moyens avant de passer au violet, je vous recommande de faire une autre application de gris, mais cette fois en faire une autre application de gris, vous concentrant sur les formes d'ombre plus foncées entre les pétales, en les poussant un peu plus avant de passer au violet. Le violet est une couleur assez foncée. Et encore une fois, nous peignons un objet blanc. Ainsi, en créant une deuxième couche avec votre gris, vous vous accordez plus de contrôle. Vous créez une étape entre vos valeurs de gris clair et vos valeurs plus sombres qui apparaîtront ensuite avec votre violet. Très bien, donc ça suffit. J'ai plein de papier blanc qui transparaît dans les pétales blancs. Je vais maintenant y aller avec un peu de mon violet. Et je ne vais l'appliquer dans les zones d' ombre les plus sombres que je vois. Encore une fois, surtout entre les pétales. N'oubliez pas que plus vos couleurs s'assombrissent, moins vous voulez de couleur pour un endroit. Vous devez laisser transparaître une grande partie des couleurs plus claires que vous avez placées et ne les superposer qu'avec votre deuxième couleur là où vous devez vraiment les assombrir. Ne faites pas trop sombre trop vite, n'appliquez pas trop de pression. Vous pouvez créer des valeurs plus sombres ultérieurement avec les couches suivantes. Très bien, donc ça suffit pour le moment. Maintenant, je vais commencer à travailler dans partie centrale de la fleur où je vais revenir au jaune que j' utilisais initialement pour la photo. C'est mon jaune cadmium, puis je vais passer à l'application d'un peu de vert. Et c'est ce qu'on appelle le vert de mai sur ce jaune dans les zones de tons moyens avec le jaune. Et je vais utiliser des mouvements circulaires pour la partie centrale de la fleur afin de pouvoir décrire cette texture un peu plus en détail. Il est important de se rappeler que vos outils de dessin peuvent être utilisés de nombreuses manières différentes. Et vous pouvez certainement modifier le type de trait que vous utilisez afin de communiquer simultanément la couleur, la valeur et la texture. C'est mon green maintenant que je vais entrer et que j'utilise une spécialité sur les bords extérieurs, où je veux créer une valeur un peu plus foncée. De petits cercles vont m'aider à créer davantage cette texture. Et plus tard, avec les couches suivantes, nous créerons davantage de cette texture. Vous pouvez voir comment j'ai éclairci la partie la plus centrale de cette zone et assombri les bords extérieurs. Cela m'aide à créer un aspect incurvé et surélevé au centre. Très bien, j' ai maintenant ma couche de couleur initiale sur l'ensemble de ces éléments Bien entendu, en excluant l'arrière-plan que nous allons aborder à la fin de ce processus, j'ai déjà commencé à développer une large gamme de valeurs, allant des tons très clairs aux tons moyens, en passant par des tons moyens encore plus foncés et certaines sections. Nous allons donc maintenant passer à la phase numéro deux, où nous allons activer cette couche de couleurs avec de l'eau. 7. Activation de première couleur: Très bien, j'ai donc mon récipient avec de l'eau propre. J'ai ma serviette absorbante qui me permet de voir le dessus du système de contrôle de l'eau. Et j'ai aussi mon pinceau rond taille 10. C'est tout ce que je vais utiliser pour le processus d'activation. Je vais donc faire pivoter mon pinceau dans mon réservoir d'eau. Je vais éliminer l' excès d'eau parce que nous ne voulons vraiment y entrer qu'une petite quantité. Et je vais commencer par la photo. Et lorsqu'il s'agit d' activer votre couleur, vous devez vous assurer de commencer par les zones les plus claires et de vous diriger vers les zones les plus sombres, en faisant attention à la façon dont vous poussez et tirez ce pigment sur votre papier. Vous remarquerez que lorsque j'active cette couleur, j'enlève constamment ce pigment des poils de mon pinceau en le faisant pivoter dans mon contenant d'eau. Parce qu'au fur et à mesure que je continue à activer ce pigment, à repousser et à déplacer cette couleur , de plus en plus de pigments commencent à s'accumuler dans les poils de mon pinceau. Cela signifie que vous pouvez masquer accidentellement les zones surlignées sur lesquelles vous essayez de laisser papier blanc briller sans être peint. Et vous pouvez également commencer à utiliser trop de cette deuxième couleur plus foncée que vous avez utilisée jusqu'à présent pour des zones plus claires. Vous devez donc vraiment faire attention à la façon dont vous poussez et tirez ce pigment sur votre papier. Continuez donc à passer doucement sur cette couleur et continuez à rincer les poils de votre pinceau en cours de route, au besoin. Vous ne devriez vraiment pas avoir à appuyer trop fort avec les poils de votre pinceau ou quoi que ce soit d'autre. Gardez vos mouvements doux et doux. C'est la partie passionnante de la peinture avec crayons aquarelle, c'est d'activer cette couleur avec de l'eau. Souvent, la couleur sera beaucoup plus brillante et éclatante une fois activée. D'autres fois, ce sera légèrement plus sombre ou plus clair. Cela dépend de la couleur que vous avez choisie, mais il y a toujours cet élément de surprise crayons à aquarelle. Une autre chose est de ne pas trop vous inquiéter des petites textures que vous laissez lorsque vous activez cette couleur. Le plus important, c'est que vous prêtiez attention aux sections de grande valeur. Que les zones à valeur lumineuse restent claires, que vous ne consommez ces sections à valeurs plus claires et vous continuiez à prêter attention aux valeurs que vous essayez de développer. Mais de petites textures qui apparaissent en cours de route, des taches ***** et des choses mineures comme ça. Cela n'a pas vraiment d'importance, car nous allons continuer à faire plus de couches et d'activation. Et bien sûr, comme vous avez appliqué ce pigment sur du papier à l' aide d'un outil à dessin, à l'aide d'un outil pointu, vous vous retrouverez forcément avec un peu d'esquisse, si vous voulez, ce type de texture. Vous n'avez pas à essayer de tout arranger. Ne vous inquiétez donc pas trop les petites textures et les taches en nous. C'est très mineur. Vous ne le verrez probablement pas à la fin Après toutes les superpositions que nous allons faire, il est fort probable que si vous essayez débarrasser de chaque petite texture que vous créez, vous allez commencer à trop travailler et à endommager votre papier. Le papier est un support relativement fragile et lorsqu'il est mouillé, il est encore plus fragile. Nous ne voulons donc pas commencer à trop nettoyer les zones. De plus, nous devons souvent laisser sécher ce papier pour qu'il retrouve pleinement sa résistance. Si nous voulons y aller et rendre certaines petites erreurs moins visibles. Chaque fois que je vais dans mon contenant d'eau, je m'assure de retirer l'excédent d'image de la bande qui se trouve sur les poils de mon pinceau en grattant doucement la Priscilla de mon pinceau sur le dessus de mon récipient. Et parfois, je tamponne aussi le bout de mon pinceau sur ma serviette absorbante. Je veux éviter d'y entrer avec une tonne d'eau dans les poils de mon pinceau , car cela peut également créer des taches. J'en ai fini avec l' activation de la couleur sur la partie avant de l'image. Et je me rends maintenant dans les plaines intérieures. Et dans cette zone, les valeurs les plus claires se trouvent sur la gauche. Cela signifie que je commence d'abord par la gauche et que je me dirige vers la droite, où les valeurs sont les plus sombres. Encore une fois, afin de protéger ces sections de valeurs de lumière et de ne pas les ronger avec ma couleur plus foncée. Donc, après avoir fini avec ces plans intérieurs, je vais entrer et activer cette couleur sur le manche. Je commence par le haut et je descends. Après cela, il était temps de passer à l'activation de la fleur. Je veux d'abord travailler sur la fleur parce que c'est un objet blanc et que les autres couleurs, et je vais activer le rouge et le brun, sont assez foncés, moins par rapport à cet objet très clair. Donc, quand il s'agit activer la couleur de ces pétales blancs, je m'assure d'utiliser un pinceau propre et légèrement humide. Et je prends mon temps à travailler sur un pétale à la fois ou sur deux pétales à la fois. vraiment attention à la façon dont je rehausse et retire cette couleur et en m'assurant laisser transparaître une grande partie de ce papier blanc. Ce faisant, je pense à la structure tridimensionnelle de ces pétales et à la façon dont ils se chevauchent et créent de petites ombres les uns sur les autres. Si vous souhaitez passer à un pinceau plus petit afin de mieux contrôler ces formes relativement petites. Tu peux y aller et le faire. Il est encore plus difficile de maîtriser le contrôle de l'eau dans des pièces plus petites. Je fais de mon mieux pour passer des zones de couleurs les plus claires aux zones de couleurs plus foncées. Je vais donc d'abord aborder les zones qui contiennent du gris clair. Et je me dirige vers le violet, en m'assurant de garder des sections de papier blanc non peintes ou sans couleur sur le métal. Chaque fois que je me retrouve avec beaucoup trop d'eau dans les poils de mon pinceau, j'arrête immédiatement ce que je suis en train beaucoup trop d'eau dans les poils de mon pinceau, de faire et j'enlève la couleur et l'eau poils de mon pinceau et j'utilise les poils de mon pinceau comme une petite éponge absorbante pour ramasser l'excès d'eau. Je peux aussi y aller avec ma serviette absorbante pour faire un peu de tamponnage. Enfin, il est temps d'activer cette couleur dans la partie centrale de la fleur Je retire le gris et le violet des poils de mon pinceau et j'utilise un pinceau propre et légèrement humide et j'utilise petits mouvements circulaires pour activer le pigment dans cette zone. Et c'est pour commencer à communiquer la texture ici. Il est maintenant temps d'activer cette couleur dans le tissu. Lorsque j'active ma couleur et le tissu, j'observe constamment cette photo de référence pour me souvenir des zones les plus claires. Et vous pouvez voir comment j'essaie de contourner certains de ces principaux points forts. Je n'active pas la couleur dans ces sections avec mon pinceau et j'évite tout simplement de les parcourir. Si je dois activer la couleur dans ces zones ou les rendre légèrement plus sombres qu'elles ne le sont actuellement. Je pourrai le faire plus tard, mais pour l'instant, je me concentre sur l'activation de la majeure partie du tissu rouge. Et j'essaie juste de m'éloigner des sections sur les valeurs les plus légères. En me concentrant sur les aspects généraux, je peux travailler beaucoup plus rapidement. Je travaille donc d'abord sur le général. Ensuite, si des zones plus petites nécessitent plus d'attention, je peux y travailler plus lentement. La principale chose que vous devez faire lorsque vous activez votre crayon aquarelle, votre pigment, est de vous assurer contrôler l'eau et de continuer à faire attention à la façon dont vous déplacez ce pigment sur votre papier. En gardant la valeur à l'esprit. Si vous faites ces deux choses et que vous continuez à vous concentrer en cours de route, vous pourrez améliorer vos compétences assez rapidement. Très bien, je passe à activation de la couleur dans coin inférieur gauche de la pièce, où se trouve cette partie visible du tableau. Vous pouvez voir comment, au fur et à mesure de mon activation dans cette zone, le rouge et le brun ont commencé à fondre et à fusionner. Ensuite, je continue avec mon tissu rouge, en m' assurant d'avoir complètement rincé tout ce brun pour les poils de mon pinceau. C'est important, car s'il reste encore un peu de pigment brun dans les poils de mon pinceau, cela peut désaturer ou masquer les rouges vifs que je souhaite utiliser dans mon tissu. Alors que j'active ces différentes formes de valeur, je continue à les considérer comme des formes abstraites et irrégulières. Et j'utilise mon pinceau de différentes manières, parfois en appuyant un peu plus sur les poils de mon pinceau et parfois en utilisant simplement la pointe de mon pinceau, parfois en modifiant l'angle sous lequel j'utilise mon pinceau, changeant la façon dont vous utilisez votre pinceau , cela vous aidera à créer un abstrait irrégulier des formes, qui vont conduire à un plus grand réalisme. À ce stade, j'en suis à plus de la moitié de l'activation de ma première couche de pigment. Et vous pouvez voir de la texture dans toutes ces zones. De la texture sous forme de lignes ou d'esquisses créée par cet outil de dessin que nous avons utilisé pour placer le pigment sur la largeur du papier, mais aussi un petit genre de taches qui a été créé lorsque j' activais le pigment avec de l'eau et un pinceau. Mais j'espère que vous avez également remarqué à quel point je n'ai cessé de bouger. Je ne me suis pas concentré sur un domaine en particulier et je n'ai pas trop essayé de perfectionner les choses. Je travaille sur le général et j'ignore ces petites textures subtiles car je sais qu' au final, elles ne seront pas visibles. Je sais que si je devais me lancer, je recommencerais à travailler mon article et peut-être même en aplatir certaines sections et détruire complètement tout le travail que j'ai accompli pour développer les différentes valeurs dans ces domaines. Très bien, travaillez donc dans cette grande section brune située dans cette partie visible du tableau sur la droite. Et tout ce que j'ai fait jusqu'à présent pour activer ma couleur et les autres zones de cette pièce s'applique toujours ici. Cependant, au cours des prochaines phases de ce processus, je ne veux pas trop m'attarder sur ce point. Je veux laisser cette zone avec un minimum de détails car il s'agit d'une section secondaire de cette pièce. Et je ne veux pas que cette section entre trop en concurrence avec les autres éléments qui constituent le point central de la pièce. J'y vais donc et j'essaie très doucement de me débarrasser des lignes, des formes et des marques d'apparence austère. travaille sur ce tout petit triangle juste ici avec la pointe de mon pinceau. Ensuite, je continue à activer ce marron de l'autre côté de la table, continuant à activer cette couleur et en me débarrassant très doucement de toutes les formes, lignes ou marques qui pourraient être un peu trop distrayantes pour le spectateur, notamment parce que, comme je l'ai dit, je ne vais pas appliquer de nombreuses couches par-dessus. OK, donc je vais quitter la table à la batte parce que je ne veux pas commencer à endommager mon papier ou à trop travailler quoi que ce soit. Vous pouvez voir à quel point cela ressemble beaucoup plus pictural. Mais j'ai aussi pas mal de texture, petites zones tachetées et des choses comme ça. ne m'inquiète pas parce que je vais encore appliquer deux couches de couleur. Donc, une grande partie de cette texture va disparaître au fur et à mesure. Je vais tout laisser sécher complètement. Ensuite, nous allons passer à la couche numéro deux. 8. Deuxième application de la couleur: Assurez-vous que tout est complètement sec avant de passer à la prochaine étape du processus. Parce que si votre papier est mouillé, il est plus fragile. Et si vous commencez à utiliser un outil pointu et tranchant pour commencer à appliquer plus de couleur immédiatement lorsqu'il fait humide. Vous risquez d' endommager et de rayer votre papier. Vous pouvez même utiliser un sèche-cheveux pour accélérer le processus de séchage si vous le souhaitez. Dans la prochaine phase du processus, nous allons travailler à accentuer les tons moyens et les zones les plus sombres. Nous allons donc principalement utiliser notre deuxième couleur ou la couleur moyenne. La troisième couleur, qui est la couleur la plus foncée que nous ayons choisie pour la fleur et la table, va se faire un peu différemment car nous n'utilisons que deux couleurs. Je vous expliquerai comment les aborder lorsque nous les aborderons. En d'autres termes, notre objectif avec cette partie du processus est d' étendre cette plage de valeurs aux zones les plus sombres. Nous ajoutons des valeurs plus sombres. Nous voulons nous assurer protéger et de découvrir les zones les plus claires grâce à cette nouvelle superposition de couleurs, qui consiste uniquement à superposer des couches de couleur et à appliquer davantage de couleur dans les zones qui doivent être assombries couleur et à appliquer davantage de couleur . Allons-y et commençons par la photo. Voici les trois couleurs que j'utilise sur la photo. Le jaune, le jaune orange et le rouge orange. À ce stade, mes zones les plus claires ont déjà été développées avec cette couleur la plus claire, car je travaille sur les tons moyens et les tons les plus foncés Je peux supprimer la couleur la plus claire et je ne travaillerai qu' avec ma couleur moyenne et ma couleur la plus foncée. J'observe cette photo de référence et je remarque où se trouvent ces zones plus sombres. Et je commence par ma couleur moyenne, qui est mon jaune chrome foncé ou mon jaune-orange. J'ai commencé à superposer davantage de couches sur les zones de tons moyens et les zones les plus sombres, en évitant les zones les plus claires que je vois sur cette photo. N'hésitez pas à zoomer sur des zones de votre photo de référence au fur et à mesure que vous avancez dans ce processus et assurez-vous de continuer déplacer et à modifier la pression que vous exercez sur votre crayon lorsque vous vous dirigez vers une zone de valeur plus foncée, appuyant un tout petit peu plus sur la tête. Si vous vous éloignez des zones de valeurs plus sombres, vous exercez moins de pression. Dans cette partie du processus. Maintenant que nous abordons les zones plus sombres et les tons moyens, je me permets d' appuyer un tout petit peu plus, mais je ne suis pas vraiment en train je me permets d' appuyer un tout petit peu plus, de brunir. J'essaie vraiment de ne pas rayer ou endommager mon papier de quelque manière que ce soit. Comme une fois le papier rayé ou bruni, le pigment n'est tout simplement pas appliqué de la même manière, je continue à observer cette photo de référence et à remarquer les transitions graduelles entre les valeurs. Et où je vois des étapes bien définies entre différentes valeurs. Ici, en bas de l'image, par exemple, je vois une transition graduelle plus douce, un dégradé, si vous voulez. Je m'assure donc d'exercer de moins en moins de pression au fur et à mesure que je me fraie un chemin vers des sections à faible valeur ajoutée. Pour que ce changement de pression puisse m' aider à créer cette transition progressive. Ici, j'ai un bord en forme d' ombre assez visible presque au milieu de cette structure plus cylindrique sur cette photo. Et je vais essayer de créer un bord d' ombre plus défini, car c'est ce que je vois sur la photo de référence. Alors que je continue à me frayer un chemin vers des valeurs plus sombres, je continue de faire vers des valeurs plus sombres, attention à ces contours, qu'ils soient perdus, flous, plus doux avec des transitions graduelles entre mes différentes valeurs, ou que je définisse des arêtes nettes et définies. Ici, je vois clairement une valeur plus foncée sur le bord supérieur de l'image. Je fais un peu plus de superpositions me frayer un chemin vers le bas. Ensuite, je travaille sur les plans intérieurs de cette structure cylindrique supérieure sur cette image, en superposant la deuxième couleur sur environ la moitié de cette forme entière. Parce que sur cette photo, je vois tons moyens plus foncés et des valeurs sombres les dans toute cette zone. Je commence ensuite à travailler sur le manche en superposant cette deuxième couleur dans les zones les plus sombres que je vois. Et je sais que les manettes peuvent être difficiles, car il y a presque toujours cette torsion lorsque les avions changent. Mais il est vraiment utile de se souvenir la structure tridimensionnelle de de la structure tridimensionnelle de tout ce que vous utilisez dans l'ombre, observer les changements de plan sur cette poignée et de vous souvenir de l' emplacement de la source lumineuse et de la façon dont la lumière atteint ces plans. Comprenez quels plans sont orientés vers la lumière et quels plans sont orientés dans le sens opposé à la lumière. Remarquez que je laisse une grande partie de ce plan latéral du manche ainsi que de la lèvre supérieure. Cette partie supérieure, exempte de la deuxième couche. Et c'est parce que je vois une valeur très claire dans ces zones sur la photo de référence. Je fais donc de mon mieux pour ne pas appliquer plus de pigment sur ces zones. Je veux qu'ils restent beaux et légers. Et si plus tard, j'ai remarqué que j'avais créé ces formes à valeur de lumière trop grandes ou qu'elles paraissaient bien trop nettes. Je peux certainement entrer dans certaines sections et les assombrir légèrement avec ma première couleur la plus claire ou ma deuxième couleur. Très bien, j'en ai presque terminé avec ma deuxième couleur moyenne dans cette phase travaille simplement sur les transitions vers les zones les plus claires et sur les surlignements un peu plus avant de passer à mon rouge orange. assez de ma couleur moyenne pour l'instant, je vais passer à mon rouge, à mon orange. Et je ne vais appliquer cette couleur la plus foncée que dans zones les plus sombres que je vois sur cette photo de référence. Je ne vais pas faire de chevauchement avec cette troisième couleur la plus foncée par rapport aux autres couleurs. En d'autres termes, lorsque vous choisissez la première couleur la plus claire, vous passez en revue tout, sauf les zones les plus claires. Ensuite, avec votre deuxième couleur, vous passez au-dessus des zones de tons moyens et vous assombrissez ces zones sombres. Ensuite, avec votre troisième couleur la plus foncée, vous ne passez que sur les zones les plus sombres. Ainsi, plus la couleur devient foncée, plus la forme que vous coloriez est petite , car vous n'ajoutez cette couleur plus foncée qu' aux sections qui doivent être davantage assombries qui doivent être davantage accentuées. C'est ainsi que nous élargissons cette plage de valeurs en repoussant les zones les plus sombres et en ajoutant les valeurs les plus sombres. Mais nous devons faire très attention à ne pas assombrir ces zones, les tons moyens, en particulier les tons moyens les plus clairs et les plus clairs. Parce que si nous superposons cette couleur plus foncée en tons moyens et en zones claires, nous allons nous débarrasser de ces valeurs plus claires. Nous allons soustraire du large éventail de valeurs que nous essayons de créer. Et nous allons aplatir la pièce au lieu d' augmenter le réalisme de la pièce à ce stade du processus. Maintenant que nous commençons à appliquer cette couleur la plus foncée, c'est à ce moment-là que cette perception crédible de la structure de la lumière et de l' ombre commence à se faire sentir. Parce qu'à ce stade, nous avons déjà une plage de valeurs assez décente. Et nous ne ferons qu' augmenter encore davantage cette plage de valeurs ou de tons au fur et à mesure que nous avançons. Mais pour le faire efficacement, nous devons continuer à porter une attention particulière à cette nous devons continuer à porter une attention particulière à photo de référence et continuer à comparer notre peinture avec cette référence. Continuez à nous demander si cette zone est plus claire ou plus foncée que cette zone ici ? Et faire en sorte que ces formes de valeur apparaissent dans nos œuvres d'art. Je travaille dans les plans intérieurs de la photo ici, orientés à l'opposé de la lumière, poussant vraiment les sections les plus proches du bord droit de cette forme supérieure onéreuse, les valeurs les plus sombres de la photo de référence. À partir de là, je m' assure d'appliquer un peu plus de pression ou un peu moins de pression, selon le degré d'obscurité de la valeur dans cette zone. Si, après avoir appliqué certaines de vos couleurs les plus sombres dans les zones de valeurs plus sombres que vous voyez sur cette photo de référence, vous pensez devoir revenir à votre couleur moyenne pour travailler sur les transitions. Ou assombrissez légèrement certaines zones qui semblent trop claires, vous pouvez tout à fait vous sentir libre de passer d'une couleur à l'autre . Assurez-vous simplement que la couleur que vous avez en main et que vous sélectionnez va de pair avec la valeur que vous essayez de créer. Parfois, lorsque nous utilisons notre couleur la plus foncée et que nous commençons à développer les sections de valeurs les plus sombres. Les zones qui nous paraissaient plutôt sombres ou du moins ressemblaient à un ton moyen auparavant ne le sont plus aussi. En effet , le fait que nous percevions une zone comme étant claire ou sombre ou quelque part entre les deux dépendra vraiment des valeurs autour de cette zone. Nous pourrions donc avoir besoin d'utiliser cette couleur moyenne pour assombrir légèrement certaines zones, et aussi pour rendre certaines transitions entre les valeurs un peu plus graduelles, un peu plus douces. Si les choses semblent un peu trop nettes, bien sûr, si vous constatez un changement assez marqué entre les différentes valeurs de cette photo de référence, il n'est pas nécessaire de l'atténuer. Je vais maintenant passer à droite du tissu pour le tissu rouge, les trois couleurs que j' avais initialement choisies. sont le même rouge orangé que celui que j'utilisais ici, puis un rouge plus foncé et mon violet. Je ne vais donc plus utiliser celui-ci car j'ai déjà créé mes valeurs les plus légères. Je vais me concentrer sur le rouge et le violet. Donc ce rouge est mon rouge écarlate et voici mon bleu violet. donc fait la même chose avec la photo et j'ai conduit à concentrer sur les zones de tons moyens plus foncés et les zones les plus sombres. Et je vais commencer par ma couleur la plus claire des deux, qui est le rouge. Je vais commencer par l'endroit le plus sûr. Et c'est avec les ombres sombres qui se trouvent derrière l'image, à l'opposé de la source lumineuse. Je commence par ma couleur moyenne et j' observe vraiment cette photo de référence, remarquant ces formes d' ombres abstraites, en essayant d'obtenir quelque chose de similaire à ce que je vois. De forme similaire, de taille similaire et d'emplacement similaire, mais ne vous inquiétez pas trop les obtenir exactement de la même manière. Je le sais tant qu'ils ressemblent à ce que j' observe sur cette photo. En tenant compte la structure créée par ces plis du tissu, ainsi que de l'emplacement de la source lumineuse dans cet environnement, je vais obtenir quelque chose de crédible. Maintenant, je sais que lorsqu'il s'agit de plier des tissus, les choses peuvent être un peu compliquées et confuses. Il est certainement facile de perdre sa place. Encore une fois, je tiens à vous encourager à travailler section par section et à zoomer sur cette photo de référence si nécessaire. Comprenez vraiment les courbes créées par les plis du tissu. Déterminez les parties de ces tissus les plus proches de la source de lumière et les plus éloignées, ainsi que les plus proches de la source de lumière et les plus éloignées, les plis du tissu qui recouvrent les autres sections du tissu et empêchent la lumière atteindre les parties de tissu situées en dessous. Tout cela vous aidera énormément à choisir les zones trop sombres et plus encore et à zones trop sombres et plus encore et rester patient tout au long de ce processus. Nous visons ici des niveaux de réalisme plus élevés. Et plus le réalisme que vous recherchez est élevé, plus vous devez avoir de patients , car plus cela prendra du et plus cela demandera de l'observation. Si, à un moment quelconque de ce processus , vous commencez à vous sentir un peu fatigué ou incapable de vous concentrer, ou quoi que ce soit du genre, je vous recommande de faire une pause au lieu d' essayer d'aller de l'avant. Parce que dès que vous arrêtez regarder cette photo de référence et que vous arrêtez de changer consciemment entre vos couleurs au fur et à mesure, vous cessez de prêter attention à la valeur et à toutes ces choses. Tu commences à faire de plus grosses erreurs qui seront plus difficiles à corriger. Je ne mets plus votre rouge sur la partie visible du tableau en bas à gauche, je le laisse tel quel. Je me fraie un chemin et continue à assombrir les parties du tissu que je pense devoir pousser un peu plus, et je fais de mon mieux pour laisser les parties les plus claires recouvertes par la deuxième couche de couleur que je suis en train de faire en ce moment. Je sais que si je masque ces sections de valeurs plus légères, je vais me débarrasser de ces valeurs plus légères et je vais commencer à tout aplatir et tout faire paraître bien trop lourd. Vous pouvez voir le caractère esquissé ou la texture du crayon laissés par mon crayon aquarelle lorsque je remplis ces zones. C'est la texture du crayon à laquelle je faisais référence tout à l'heure. C'est vraiment bien que ce médium nous permette de créer cette combinaison, cet équilibre entre esquisser vos textures et d'autres effets picturaux que nous pourrons créer plus tard. Après avoir appliqué ce pigment sur du papier avec de l'eau sur un pinceau. J'en ai fini avec cette couleur moyenne tout mon tissu. Vous pouvez voir comment j'ai laissé de nombreuses zones plus claires avec première couche de couleur que j'ai faite lors de la première phase. Il était donc temps de passer à couleur la plus foncée que j'utilise pour le tissu , à savoir le violet. Et encore une fois, je commence par la zone la plus sûre pour commencer, qui se trouve juste derrière la photo Il y a des ombres très sombres dans cette zone où le tissu ne reçoit pas beaucoup de lumière. Donc, comme je l'ai fait avec le pichet, je ne place cette couleur la plus foncée que je ne place dans les sections qui doivent être encore plus accentuées dans les formes de tons moyens plus foncés que j'ai déjà créées avec ma couleur moyenne. Je suis donc encore plus attentive en plaçant cette couleur la plus foncée et en m' assurant de ne la superposer à ce rouge que dans les sections qui doivent être davantage accentuées. Encore une fois, vous remarquerez que les formes que je crée avec cette couleur la plus foncée sont encore plus petites que celles que je créais avec mon rouge moyen. Et les formes que j'ai créées avec mon rouge moyen étaient bien sûr beaucoup plus petites que celles que je créais avec mon rouge le plus clair. En ce qui concerne les crayons pour aquarelle, j'aime beaucoup utiliser ce que j' aime appeler une couleur d'ombre alternative. C'est une couleur que je ne vois pas réellement sur cette photo de référence. Souvent, pour moi, c'est un violet, comme dans ce cas, ou une couleur bleu et indigo, qui est un bleu très foncé, c'est quelque chose que j' aime aussi beaucoup apporter. En introduisant une couleur d'ombre alternative. Vous pouvez non seulement intégrer davantage la pièce en utilisant la même couleur dans différentes sections ou zones de votre peinture. Mais vous pouvez également donner plus d'impact à votre œuvre. Vous pouvez ajouter de la personnalité et des intérêts, et cela donne vraiment vie à la pièce. Et la couleur d'ombre alternative que je décide dépend vraiment du type de sujet que je peins, il s'agisse d'une scène naturelle et d'un objet organique, matériaux artificiels et d'objets mécaniques, d'un animal, du style que je recherche et aussi de la palette de couleurs générale que j'essaie de créer. Rappelez-vous toujours que la couleur est un élément artistique qui joue un rôle important pour donner à une composition visuelle un aspect harmonieux et cohérent. Ainsi, en choisissant un nombre limité de couleurs et en réfléchissant à la façon dont vous allez répéter une couleur tout au long l'œuvre, que ce soit dans les zones d' ombre, ou simplement en tant que couleur de base dans différentes zones de votre œuvre cela donnera à votre œuvre un aspect beaucoup plus harmonieux et bien intégré. Et en même temps, en tant qu'artistes, nous planifions et préparons notre palette de couleurs pour la pièce en question. C'est une excellente occasion d' intégrer notre licence artistique afin de nous impliquer davantage dans la composition, afin de nous l'approprier. Et communiquez vraiment l'humeur, le message, l'idée ou l'histoire que nous souhaitons communiquer. Tout comme je l'ai fait avec ma photo. Une fois que j'ai ajouté certaines de mes sections violettes, dans mes zones d'ombres les plus foncées, je reviens à ma couleur moyenne. Et c'est un ordre pour travailler un peu plus sur les transitions. Maintenant que j'ai ajouté ma couleur la plus foncée, il reste plus qu' à modifier légèrement les valeurs . Dans d'autres cas, si je trouve que je dois assombrir un peu plus les sections de valeurs plus claires. Je le fais avec cette couleur moyenne exerce pratiquement aucune pression. Je m'assure juste de ne pas masquer les sections les plus légères. Je me lance donc avec une touche très légère avec cette couleur moyenne, travaillant principalement sur les transitions. Et en exerçant de moins en moins de pression au fur et à mesure que je me fraie un chemin vers les sections les plus claires, où je veux simplement laisser la première couche de couleur briller à découvert. Vous pouvez voir qu'il y a de nombreuses sections que je n'ai couvertes avec aucune de ces deux couleurs que j'utilise en ce moment. L'ensemble de cette zone , par exemple une grande partie ici, quelques sections ici et même ici en bas, vous pouvez toujours voir cet effet pictural parce que je n' ai pas revu ces zones avec la deuxième couche. C'est juste la superposition initiale que j'ai faite lors de la première phase , à la lumière de ce nouveau placement de couleurs. Et c'est exactement ce que je veux faire. Je ne veux pas continuer à placer de la couleur dans des zones où je n'en ai pas besoin ou où je n'ai pas besoin de les approfondir et de les assombrir. Je vais travailler sur la fleur, puis sur la table. Donc, avec la fleur, je vais redonner du gris. C'est différent avec les pétales de fleurs car il s'agit d'un objet blanc. L'approche avec des objets ou des sujets blancs est certainement un peu différente des autres choses dans lesquelles vous pourriez développer vos valeurs. Donc, en ce qui concerne la fleur, j'ai utilisé le gris et le violet pour les pétales, et le jaune et le vert pour la section consacrée aux informations. Donc, la première chose que je fais est d'utiliser gris que j' utilisais déjà dans mes pétales. Ce que je fais, c'est décrire les lignes de ces pétales, la texture que je vois sur ces pétales, un tout petit peu, d'une manière très subtile et lâche. Avec ce gris, vous pouvez me voir utiliser des traits effilés vers l'extérieur en commençant par la partie la plus interne du pétale la plus proche du centre, et en sortant. J'ajoute juste quelques traits supplémentaires pour décrire un peu la texture de cette pédale. Je n'essaie pas de couvrir la totalité de ce pétale parce que je ne veux pas que cette fleur soit grise. Ce n'est qu'un indice subtil de la texture de cette flaque d'eau. Les lignes que je peux voir dans ces pétales sur la photo de référence. Après avoir ajouté quelques-unes de ces lignes. Allez-y, assombrissez certaines ombres , les zones entre les pétales qui se chevauchent avec mon gris avant de passer à couleur la plus foncée que j'utilise pour mes pétales , à savoir le violet. Après avoir poussé un peu plus les zones d'ombres avec mon gris, je passe au violet et je repousse légèrement zones les plus sombres entre les pétales qui se chevauchent avec cette couleur la plus foncée. Je parcourt toute cette section de pétales et vois vraiment tout dans son ensemble. C'est très important lorsque vous peignez des objets blancs. Vous voulez vraiment vous assurer de revenir pour tout voir dans son ensemble, à tout voir dans son ensemble, quoi tout ressemble d'un peu plus loin, car il est très facile d'aller trop loin et de continuer à ajouter et à ajouter de la couleur. Et tout d'un coup l'objet n'a plus l' air blanc. Faites donc des pauses et découvrez tout de plus loin. Et demandez-vous vraiment si davantage de couleurs, de marques ou de lignes sont vraiment nécessaires pour communiquer la texture ou les effets d'ombre et de lumière que vous souhaitez communiquer. Je ne veux pas en faire trop et commencer à faire en sorte que ces pédales ne paraissent pas blanches. Je vais donc passer aux deux couleurs que j' utilisais dans la partie centrale de la fleur. Et pour ce domaine, je passe à de minuscules mouvements circulaires ou traits afin de communiquer à fois la texture et la valeur. Après avoir placé ce jaune, je passe maintenant à mon vert, en appuyant un peu plus fort sur le mur, je crée ces cercles à l'intérieur de cette zone et j'essaie de me concentrer davantage sur la partie extérieure. Cela aidera la section la plus centrale à paraître surélevée ou incurvée. Vous pouvez voir comment j'ai laissé briller de petites sections de papier. Et cela va m'aider à créer visuellement cette texture. Maintenant, si vous sentez que vous avez mis trop de violet ou de gris dans vos pétales blancs. N'oubliez pas que vous avez toujours votre gomme à effacer, assurez-vous simplement qu'elle est belle et propre si vous voulez l'utiliser. Et si vous avez besoin de soulever des objets, vous pouvez certainement y aller et soulever une partie de cette couleur avant de procéder à votre activation. Parce qu'une fois que vous aurez activé cette couleur, vous ne pourrez plus la supprimer. Je vais ajouter un peu de violet sur ce vert. Je vais utiliser de petits traits circulaires parce que je veux m' assurer de passer à un trait ou à un type d'application qui m'aidera à créer cette texture dans la partie centrale de la fleur. Et j'ajoute surtout ce violet dans les parties extérieures de ce cercle au milieu de la fleur. Cela m'aidera à surélever un peu plus cette partie centrale en assombrissant les bords extérieurs. Juste ici. Je vais juste prendre une seconde pour assombrir davantage les petites parties situées à l'extérieur du centre de la fleur, l'extérieur de cette section jaune-verte située dans les parties les plus internes des pétales blancs, juste à côté de la partie centrale de la fleur. Enfin, il est temps de travailler sur la deuxième couche du tableau. Pour le tableau, nous n'avons vraiment sélectionné que deux couleurs différentes. Contrairement à d'autres zones où nous utilisons trois couleurs différentes, nous n'avons qu'un brun plus clair, qui dans mon cas est mon ocre brûlé, et un brun plus foncé, qui dans mon cas est mon brun Van ****. Donc, la première chose que je fais est d'utiliser mon brun plus foncé, mon brun Van ****, entrer et assombrir un peu plus certaines zones. Maintenant, si vous vous en souvenez, lors de la première phase, j'ai mentionné qu'il est très important de ne pas créer de lignes ou de formes très nettes dans le tableau qui pourraient être trop distrayantes pour le spectateur. Nous ne voulons pas trop attirer l'attention du spectateur sur les sections du tableau. Je m'assure donc d' y aller très légèrement. Je m'assure de ne pas exercer trop de pression. Je cherche simplement à assombrir certaines parties plus petites de ces formes brunes plus foncées que j' avais déjà commencé à développer. Encore un tout petit peu, relâchant cette pression au fur et à mesure que je me fraie un chemin dans des zones brunes plus claires pour créer de belles transitions douces. Ici, je suis en train d'assombrir certaines zones d'ombres les plus profondes, juste sous le tissu rouge, dans cette partie visible du tableau, dans le coin inférieur gauche de la pièce. Une fois que j'ai appliqué un peu plus de brun foncé, je reviens à mon brun plus clair, mon ocre brûlé, pour adoucir les transitions entre mes bruns foncés et mes bruns plus clairs. Tout comme dans tous les autres domaines dans lesquels j'ai développé davantage de valeurs au cours de cette phase du processus. Je veux m'assurer de laisser de nombreuses sections où la couche de couleur initiale que nous avons activée avec de l'eau est laissée de côté et transparaît complètement à découvert grâce à cette nouvelle couche de couleurs. Et c'est à peu près tout. C'est tout ce que je vais faire pour la deuxième application de couleur. Il est maintenant temps de passer à notre deuxième activation de la couleur à l'aide d'eau et d'un pinceau. 9. Activation de deuxième couleur: J'ai donc mon eau avec moi, j'ai ma serviette absorbante et j'ai ma brosse ronde taille 10. Je vais commencer par ma deuxième et dernière activation de la couleur. Les mêmes choses que nous faisions auparavant lors de notre première activation de la couleur s'appliquent toujours. Vous devez y aller avec une petite quantité d' eau et vous assurer de remarquer ce qui se passe sur votre papier lorsque vous appuyez et tirez la couleur. Concentrez-vous vraiment sur le respect et la protection des différentes formes de valeur que vous avez déjà créées. Cette deuxième activation de la couleur devrait vraiment prendre moins de temps que la première activation de la couleur que nous avons faite. Parce que nous ne faisons passer notre pinceau sur les sections sur lesquelles nous venons d'appliquer plus de couleur lors de la phase précédente. notre pinceau La première fois que nous avons activé la couleur, nous ne sommes pas en train de tout effacer avec couleur, nous ne sommes pas en train de Il y en avait d'autres à activer, mais cette fois, il y a moins de pigments à activer. Les sections auxquelles nous venons d'ajouter plus de couleur lors de la phase précédente sont plus petites. Ne commencez donc pas à passer votre pinceau sur tout sans réfléchir . Activez simplement cette couleur dans les zones auxquelles vous venez d'ajouter de la couleur lors de la phase précédente. Et si vous pensez avoir besoin de travailler un peu plus sur les zones de transition, où les valeurs les plus sombres se transforment en valeurs plus claires, assurez-vous simplement d' un pinceau propre et légèrement humide afin de ne pas avoir de pigment dans les poils de votre pinceau. Vous pouvez faire passer les poils propres et légèrement humides de votre pinceau le long du bord que vous souhaitez adoucir pour adoucir un peu plus les transitions si vous en ressentez le besoin. Mais si vous avez une quelconque quantité de pigment dans les poils de votre pinceau et que vous optez pour des sections plus légères. Vous pouvez courir le risque de les assombrir. Je fais de mon mieux pour travailler des zones plus claires vers des zones plus sombres. Et je suis également très attentive à la quantité de pigment qui commence à s' accumuler dans les poils de mes pinceaux. Si je remarque que je commence à masquer des sections que je n'avais pas l' intention d'assombrir. Ou je commence à pousser et à retirer trop de pigments. J'enlève immédiatement ce pigment des poils de mon pinceau en faisant pivoter mon pinceau dans mon récipient rempli d'eau. Éliminez l'excès d'eau pour ne pas en mettre trop en grattant doucement les poils de mon pinceau sur le dessus de mon contenant. Et je tamponne constamment le bout de mon pinceau sur la serviette absorbante que j' ai juste à ma gauche. Vous pouvez voir à quel point je me retrouve avec de petites taches pendant que j' active la couleur. Mais je ne vais pas essayer de me débarrasser de cette texture, surtout parce que je sais que nous allons tout de même appliquer plus de couleur par-dessus. Et aussi parce que je risque de surcharger mon papier. Si je le fais ici, je passe les poils propres et légèrement humides de mon pinceau sur les bords de ma forme la plus brillante, cette forme blanche que j' ai gardée protégée en cours route et qui laisse briller du papier propre non peint. Je cherche juste à adoucir les bords de cette forme aux reflets les plus brillants. Et je l'ai fait avec le pinceau le plus propre et légèrement humide , en passant doucement les poils du pinceau sur ces bords. Peut-être faire un petit gommage doux et éponger un peu avec ma serviette absorbante. Une fois cela fait, il était temps de travailler sur l'activation de la couleur dans le manche. Je veux m'assurer que, même lors de mes déplacements, je développe une variété de valeurs. Je veux donc des zones plus claires, des zones de tons moyens et des zones plus sombres. Dans ces formes de poignées. retiré toute cette couleur des poils de mon pinceau et je vais travailler sur le tissu maintenant. soulevé des gouttes d' eau que j'ai mises accidentellement sur ma pièce. Et je vais recommencer à zéro , redescendre. Et pensez à la structure tridimensionnelle créée par les plis du tissu. Au lieu de continuer comme ça. J'aborde cela par sections. Je continue d'observer cette photo de référence pour me rappeler ce qui se passe avec ces plis de tissu et je continue patiemment et soigneusement à travailler section par section, en zoomant sur différentes parties de la photo de en zoomant sur différentes parties de la photo de référence au fur et à mesure. Je ne passe pas mon pinceau sur les parties les plus claires sur lesquelles je n'ai plus appliqué de couleur la phase précédente de ce processus. Je sais que si je le fais, je risque d'assombrir ces sections et je vais supprimer les valeurs les plus claires dont j'ai vraiment besoin si je veux que cela soit réaliste. N'oubliez pas non plus que si vous masquez les zones les plus claires et que vous supprimez les reflets, vos pièces n' auront pas cette légèreté et cet effet lumineux si particuliers à l'aquarelle, qui se produisent lorsque vous intégrez la luminosité du papier à la pièce. Je fais de mon mieux pour maîtriser le contrôle de l'eau. J'accepte les petites imperfections et les petites taches qui subsistent lorsque j'active cette couleur. Je ne cherche vraiment pas à me débarrasser de cette texture créée par le crayon. Et je continue à me concentrer principalement sur la valeur, car je sais que la valeur est la première. Lorsqu'il s'agira de développer une sensation de profondeur crédible, nous allons superposer davantage de couches de couleurs afin d'approfondir et d' assombrir encore plus certaines sections au cours assombrir encore plus certaines sections de la prochaine phase du processus. Donc, la plus grande partie de ce Ness tacheté va disparaître. Une fois que vous avez appris à activer la couleur, vous pouvez le faire assez rapidement. Vous commencez activer puis à nettoyer votre pinceau y retourner et à en faire un peu plus, à activer et à nettoyer votre pinceau et à revenir en arrière. Il suffit d'un peu d' entraînement et de s'y habituer. J'ai presque terminé l' activation de la couleur dans le tissu. Et je prends note de quelques-unes de ces longues formes rouges qui moi, ressemblent un peu trop à des lignes. Et il est important de remarquer ce genre de chose ou tout ce qui pourrait nécessiter un peu de fixation ou d'adoucissement avant de passer à la phase suivante du processus. Parce que de cette façon, vous serez prêt à corriger cette erreur ou à la rendre moins perceptible lors de la prochaine phase, qui consiste à appliquer plus de couleur sur le dessus. OK, donc j'en ai fini avec le tissu. Je vais travailler sur la table et laisser la fleur s'activer uniquement pour le dernier élément simplement parce que je dois faire très attention à la fleur. J'ai donc retiré tout ce texte des poils de mon pinceau et je suis entrée en revue très rapidement et lâchement les sections où je viens de placer plus de couleur. Je veux l'activer. Et c'est tout pour cette partie supérieure de la table. Je vais procéder à une petite activation dans cette partie située dans le coin inférieur gauche. Et je vais avoir terminé. Faisons la fleur. Je vais donc enlever tout ce brun pour les poils de mon pinceau, assurer qu'ils sont bien propres. Et je vais commencer par mes pétales. Je cherche juste à activer très, très doucement l'enchère de couleur que j'ai déjà placée. Et je n' essaie pas de tout mettre sur les pétales , sinon ils n'auront plus l'air blancs. Alors remarquez à quel point je le fais rapidement, n'est-ce pas ? Et si vous avez déjà commencé à créer cette texture avec des traits linéaires sur ces pétales , faites glisser doucement la pointe de votre pinceau sur ligne que vous avez créée avec votre crayon aquarelle. Et il suffit de le parcourir une fois en faisant un mouvement de balancement vers le haut et vers l'extérieur avec votre pinceau. Et ça va aider à adoucir cette ligne, ça va l'estomper avec cette fleur blanche. Je fais encore plus attention à ne pas masquer la blancheur du papier dont j'ai encore beaucoup. Ce papier blanc transparaît dans tous ces pétales. de commencer par les sections de valeurs les plus claires et Il est très utile de commencer par les sections de valeurs les plus claires et de me diriger vers les sections de valeurs plus sombres. Et c'est tout pour les pétales. Je ne veux rien faire d'autre. Passons maintenant au centre Je vais commencer par le milieu en légers mouvements circulaires, même avec mon pinceau. Et très doucement, il suffit de toucher le bout de mon pinceau sur les zones où j'ai mis un peu plus de couleur ce qui devrait aider à faire fondre un peu plus cette couleur. J'y ai quand même laissé un peu de texture. Je ne cherche pas vraiment à me débarrasser de cette texture pour le moment. C'est tout ce que je vais faire. C'est tout pour cette deuxième activation de la couleur de la couleur. Nous n' apporterons plus d'eau ni d'autres pinceaux avant qu'il ne soit temps de peindre le mur du fond avec de la peinture à l'aquarelle traditionnelle. Pour l'instant, je vais le laisser sécher complètement une fois de plus. Et une fois que tout sera sec, nous passerons à la phase suivante de ce processus, où nous ferons notre dernière application de crayon aquarelle. 10. Troisième application de couleur: Très bien, tout est complètement sec et il est temps de travailler sur notre troisième couche de crayon aquarelle. Dans cette phase du processus, nous nous concentrons uniquement sur les zones sombres les plus profondes. Nous allons donc utiliser la couleur la plus foncée que nous ayons choisie pour chaque zone. Et nous allons probablement apporter à nouveau un peu de couleur moyenne, si nous devons travailler sur des transitions. Reprenons donc l'image, les deux couleurs que j'ai utilisées lors de la dernière phase du processus, mon jaune chrome foncé, mon jaune orange et mon orange rouge juste ici. Maintenant, si vous vous souvenez, lorsque j'ai choisi mes couleurs pour la première fois avant de me lancer dans le processus de peinture, je pensais utiliser le violet uniquement dans les zones les plus profondes et les plus sombres de l'image. Cela va être très utile car je ne peux que trop foncer avec cette couleur la plus foncée que j'ai choisie . Cela aidera également à intégrer magnifiquement ces trois éléments , car j'utilise violet ici et j' utilise du violet ici. Cependant, je veux toujours avoir ces deux sous la main, au cas où j'aurais besoin de travailler un peu plus sur les transitions. Je vais donc apporter le violet. Je n' utiliserai cette couleur maintenant que si je ressens le besoin d'adoucir les transitions. Si elles veulent vraiment démarrer, Si elles veulent vraiment démarrer, je me concentre uniquement sur les zones les plus sombres, les tons moyens les plus foncés et les zones d'ombre les plus sombres. C'est tellement bon d'y aller avec mon orange rouge. J'observe cette photo de référence et je ne vais appliquer cette troisième couche de couleur que dans les zones d'ombres les plus profondes et les plus sombres que je vois. À ce stade du processus, je cherche uniquement à approfondir les zones les plus sombres. Et si l'on laisse complètement transparaître tous les tons moyens clairs et les lumières les plus claires grâce à cette troisième application de couleur, je continue de remarquer que, sur cette photo de référence, je des transitions nettes entre des formes de valeur et des transitions plus douces et plus graduelles. Comme par exemple dans cette partie inférieure de cette structure sphérique de l'image, j'ai une transition progressive plus douce où valeurs les plus sombres se transforment progressivement en tons moyens plus clairs. Je m'assure donc d' appliquer de moins en moins de pression lorsque je quitte les zones les plus sombres pour me diriger vers les zones à valeur plus claire. Même à ce stade du processus où nous travaillons sur les valeurs les plus profondes et les plus sombres, je n'exerce toujours pas trop de pression au point de brunir mon papier. Je me permets peut-être d' appuyer un peu plus fort que lors de ma deuxième application de couleur, en particulier dans les zones les plus profondes où je cherche vraiment à couvrir la majeure partie du papier, mais je dois quand même faire attention. Je ne veux pas endommager accidentellement mon papier. Ici, j'ai une arête bien définie et cette photo de référence. Mais ici, les bords sont un peu plus doux. J'applique donc beaucoup moins de pression et je vais probablement ajouter cette couleur jaune et orange juste un peu pour adoucir un peu plus les transitions entre les tons moyens et je vais probablement ajouter cette couleur jaune et orange juste un peu pour adoucir un peu plus les transitions plus foncés et les tons moyens plus clairs. Je vais commencer à assombrir certaines sections qui doivent être assombries tout au long cette structure cylindrique sur la photo J'ai certainement des sections à valeurs plus sombres pour continuer à pousser davantage Il y a une forme de valeur foncée très visible qui occupe près de la moitié de la structure cylindrique. Et il possède un tranchant assez net que je veux m'assurer de faire ressortir dans mon œuvre. J'ai donc continué à superposer cette troisième couleur sur l'image, en continuant à comparer ma peinture avec la photo de référence et en remarquant les sections qui devaient être assombries. Je fais un peu d'assombrissement le long du bord droit de la partie cylindrique du pichet. Je fais un peu de noircissement par petites parties du manche. Ensuite, je passe à l' assombrissement de sections situées dans les plans intérieurs de l'image. Je vais superposer un peu plus ce rouge orange avant de passer au violet. Je veux m' assurer d'avoir déjà développé une belle gamme de teintes et de valeurs avant de choisir ma couleur la plus foncée, qui sera le violet. Si je me contentais de rester dans la plage des valeurs de lumière à des tons moyens et que j'utilisais mon violet. Ce violet va créer beaucoup de contraste par rapport à ces valeurs relativement plus claires. Passez donc le temps nécessaire et assurez-vous d'avoir déjà développé un certain niveau de désordre 3D avant de passer à votre violet. Enfin, je vais utiliser mon violet. Je ne vais pas appuyer trop fort car cette couleur est bien plus foncée que la couleur qui existe déjà. Je veux faire avancer les choses progressivement, étape par étape. Je vais donc recommencer ici. Et n'oubliez pas que plus votre couleur devient foncée, plus la forme est petite. Et plus vous devez être attentif à exercer encore moins de pression lorsque vous vous dirigez vers les tons moyens plus clairs. Vous pouvez voir ici que je ne vais pas me lancer avec beaucoup de pression au départ avec mon violet. Et tu peux voir que je n'entre pas et que je ne cache pas tout mon rouge. Je ne fais qu'assombrir certaines parties de ces formes sombres que j'avais déjà commencé à créer avec mon rouge. Si, après avoir fait cette première couche plus claire avec mon violet, j'ai envie d'aller plus loin et d'assombrir encore plus les sections. Je peux envisager d' utiliser une autre couche et peut-être d'appuyer un tout petit peu plus. Il s'agit vraiment de prendre les choses progressivement, étape par étape, vers des valeurs plus sombres et plus profondes. Il y a une forme d' ombre profonde ici. Et une ombre profonde se forme ici, juste en dessous de la photo. Et je vais continuer à parcourir l' ensemble de l'image, superposant ce violet dans parties les plus sombres que je vois sur cette photo de référence. commençant doucement, en n'appuyant pas trop fort, puis en me permettant d'appuyer un peu plus fort si je veux superposer davantage de couches, uniquement dans les zones d' ombres les plus sombres. Maintenant que j'ai superposé beaucoup de violet à mon rouge, vous pouvez voir que cette combinaison de couleurs est plutôt jolie. Lorsque vous allez mélanger, mélanger ou superposer deux couleurs différentes. Il est très important de tester ce mélange de couleurs sur un morceau de papier aquarelle avant d'utiliser ces deux couleurs dans votre processus de peinture. De cette façon, vous pouvez éviter Medina ou créer des couleurs que vous n'aviez pas l'intention de créer. Et si vous voulez activer ces deux couleurs ensemble, par exemple si vous placez le violet sur le rouge et que vous allez apporter de l'eau et un pinceau activer ces deux couleurs et les mélanger. Testez-le également. Parce qu'avec les crayons aquarelle, comme je l'ai déjà mentionné, lorsque vous activez cette couleur, elle peut avoir un aspect très différent de ce à quoi elle ressemblait auparavant. Dans ce cas, nous n' allons plus apporter d' eau et de pinceau pour activer ces couleurs ensemble, nous allons les laisser telles quelles. Mais vous devez éviter autant que possible de créer des couleurs indésirables. Et faire un certain travail de planification et de préparation et adopter une stratégie sera bien sûr extrêmement utile pour éviter ce genre de choses. même dix à 15 minutes vous faudra même dix à 15 minutes pour planifier les couleurs spécifiques Il vous faudra même dix à 15 minutes pour planifier les couleurs spécifiques que vous allez apporter et vous assurer de les extraire et les activer sur un bout de papier aquarelle. Si vous devez apporter de l'eau et un pinceau à votre processus , cela peut être très utile. OK, donc j'en ai fini avec le violet pour le moment. Et si, maintenant que vous avez appliqué votre couleur la plus foncée, vous souhaitez revenir à votre rouge le plus foncé ou à votre couleur moyenne afin de travailler sur les transitions entre ces nouvelles formes de valeurs les plus sombres et les tons moyens que vous aviez déjà développés. Tu peux y aller et le faire. Ici, j'utilise mon rouge le plus foncé, je passe par-dessus les bords et je crée des transitions plus douces. applique de moins en moins de pression au fur et à mesure que je me fraie un chemin vers des sections à faible valeur ajoutée. Vous pouvez me voir travailler sur des transitions ici même, sur ce côté clair du cylindre. Et aussi ici, dans cette section claire de la structure sphérique. Je vais arrondir un peu plus la partie sphérique de l'image en plaçant un peu de ce rouge sur les bords. Ajoutez rapidement un peu plus de cette couleur dans d'autres sections. Et puis je passe à ma couleur moyenne. Si vous souhaitez travailler sur les transitions entre vos tons moyens clairs et vos zones claires, vous pouvez revenir à votre couleur moyenne. Donc, pour moi, c'est ce jaune, cette orange. Vous remarquerez comment je travaille les points les plus marquants. Au fur et à mesure que je me fraie un chemin vers la zone la plus claire, je relâche complètement cette pression, laissant une partie de la couche initiale que j'ai créée, en particulier la section autour la forme la plus claire. Sans ce pigment supplémentaire, je n'ai pas besoin d' ajouter de couleur à cette zone. À ce stade du processus, si je veux ajouter un peu de couleur à ces bords, la lèvre est en haut et ce bord ici. Si je l'ai laissé au blanc, je peux certainement utiliser mon jaune, orange ou même, par sections mon orange rouge pour créer une petite plage de valeurs dans ces formes très étroites. Très bien, Hustle. J'en ai fini avec la photo et il est temps de passer au tissu. Donc, en ce qui concerne le tissu, j'ai utilisé mon orange rouge, qui est mon orange chromé foncé. J'utilisais mon rouge foncé, qui est le rouge écarlate, et j'utilisais mon bleu-violet pour les zones d'ombre les plus foncées, le rouge plus clair que je n'utiliserai plus parce que je me concentre sur les valeurs les plus sombres. Je vais donc opter mon rouge écarlate et je vais étendre un peu plus les zones d'ombre les plus sombres avec mon bleu-violet. Je n'ai pas l' intention d'assombrir quoi que ce soit , sauf les zones qui ont vraiment besoin d'être assombries. Je vais commencer par cette zone obscure. Et tout comme ce que j'ai fait lorsque je travaillais sur le tissu et toutes les phases précédentes. Je m'assure de travailler section par section, en zoomant sur ces zones de la photo de référence au fur et à mesure que je me déplace. Et je fais de mon mieux pour ne plus ajouter de couleur ou pour ne plus faire de superposition de pigments dans les sections présentant les valeurs les plus claires. Je vais continuer à descendre, en assombrissant les formes d'ombre sous la fleur. Et partout où je vois des ombres dues au tissu qui se replie sur lui-même. Je vais passer en revue toute cette forme à l' exception du bord inférieur. Et c'est parce que je vois des valeurs plus claires dans ce bord inférieur la photo de référence. Je vais donc m' éloigner de cette zone. Je n'ai jamais cessé de regarder cette photo de référence au fur et à mesure que je me déplaçais. Il est très important de s' entraîner à observer si nous recherchons des niveaux de réalisme plus élevés. Alors que je travaille sur cette couche du tissu, je me souviens de ce que je n'avais pas remarqué auparavant lors de la phase précédente savoir que certaines de ces formes ressemblent un peu trop à des lignes. Donc, ce que j'essaie de faire, c'est d' adoucir cet effet de ligne en ajoutant un peu plus de couleur le long de certains bords de ces lignes, donnant à certaines sections un aspect un peu plus épais. D'autres sections semblent un peu plus fines et prennent davantage la forme d'une forme abstraite et allongée plutôt que d'une ligne. Si vous observez attentivement cette photo de référence, il s'agit de formes abstraites non de lignes. Donc, si vous voyez quelque chose qui ressemble à une ligne dans votre travail, pensez simplement à la façon dont vous pouvez le rendre un peu plus irrégulier. Après avoir assombri d'autres petites sections ici et là, je décide d'apporter ma gomme à effacer en graphite souple. Je me suis assuré qu'il était beau et propre avant de l'utiliser afin de l' effacer un peu ou de le soulever pour adoucir parties de ces formes qui ressemblent un peu trop à des lignes selon moi. Cela contribue certainement à créer plus d'irrégularités dans ces formes longues. De cette façon, certaines sections paraissent plus claires, d'autres plus sombres et beaucoup moins. Lignes dont le poids est constant d'une extrémité à l'autre. Tant que vous n'aurez pas activé cette couleur, vous pourrez en soulever une partie. Je suis enfin prête à porter mon violet. Et encore une fois, je vais me lancer derrière la photo où je vois des formes d'ombres très sombres. Et je vais superposer du violet sur certaines parties de cette forme rouge foncé que j'avais déjà créée. À partir de là, je vais me frayer un chemin vers le bas, assombrissant davantage les autres sections et en m' assurant de ne pas abuser de la couleur la plus foncée et d'aplatir les zones qui sont vraiment des tons moyens et non les zones les plus sombres. Continuez à zoomer sur cette photo de référence si nécessaire et ne vous laissez pas submerger. Il suffit de travailler section par section, petit à petit. Observez et demandez-vous si cette section est plus sombre ou plus claire que cette section ici. Donc, si vous avez consulté l'un de mes autres cours ou tutoriels sur les crayons aquarelle, vous savez probablement déjà que j'adore utiliser crayons aquarelle au maximum de leurs capacités. C'est pourquoi j'aime activer cette couleur avec de l'eau. Et j'aime aussi intégrer la texture qu'ils laissent derrière eux dans la pièce. Si je recherchais uniquement des effets picturaux, j'opterais certainement pour la peinture à l' aquarelle traditionnelle. Et quand j'utilise des crayons aquarelle, j'aime les utiliser au maximum de leurs capacités activer la couleur et intégrer un certain nombre d' effets picturaux tout en utilisant la texture qu'ils laissent derrière eux. comme intégrer l'aspect esquissé qu'ils peuvent produire, tout en étant un support de dessin. Et en équilibrant vraiment cela avec un effet pictural. Vous pouvez donc également créer avec ce support. C'est pourquoi nous n'allons pas activer cette troisième application de couleur. Nous voulons un mélange d' sommaires et d'effets picturaux. Je vais me taire en continuant à assombrir les sections avec mon violet. OK, j'en ai fini avec mon violet sur tout le tissu. Et si je veux revenir à mon rouge pour travailler sur les transitions après avoir poussé ces sections de valeurs plus sombres, je peux certainement le faire. Si vous trouvez que vous avez des formes violettes très nettes ou si vous souhaitez rendre la transition plus douce plus progressive entre vos différentes valeurs. Vous pouvez utiliser votre rouge plus foncé pour travailler le long des bords de vos formes violettes. Très bien, donc je ne vais plus superposer des couches sur la table. Je ne pense pas que ce soit nécessaire. Il existe déjà une belle gamme de valeurs dans ce domaine. Et comme il s'agit en quelque sorte d'un élément de soutien secondaire, il n'est vraiment pas nécessaire d'ajouter il n'est vraiment pas nécessaire d'ajouter plus de détails ou de texture à cette zone. Je veux assombrir cette forme d'ombre juste ici, dans le coin inférieur gauche, là où la partie visible de la table se trouve juste en dessous du tissu, afin de pouvoir vraiment situer ces objets sur la table. Pour cela, j'utilise mon brun plus foncé, qui est mon brun Van ****. Je fais donc un peu plus de superposition avec ce brun plus foncé, en particulier dans les parties les plus proches du tissu. Ensuite, je vais passer à mon violet. Et avec mon violet, je fais encore plus de superpositions, mais maintenant uniquement sur le bord inférieur du tissu. Je n'obscurcis donc que ce qui serait la zone d'ombre de l'occlusion. Très bien, cool. Maintenant, je vais travailler un peu plus sur la fleur. Je vais donc ramener un gris, un vert et un violet. Avec mon gris. Vraiment, je vais me concentrer uniquement sur la création de ces lignes. Et je ne fais que gribouiller un tout petit peu et tracer rapidement quelques lignes, en m' assurant que les lignes assurant que les lignes ne semblent pas trop raides ou trop droites. Vous devez suivre la courbe de cette forme de pétale. Sinon, ils risquent de paraître un peu trop artificiels. Alors ça suffit. Je ne veux rien faire d'autre. Si vous souhaitez développer des formes d' ombre sur les pétales, en particulier dans la partie la plus proche du centre. Et sous les pétales, tu peux le faire. Fais juste attention à ne pas en faire trop. Enfin, au milieu, c'est ici que je veux entrer. Vous voudrez peut-être vous assurer que votre crayon aquarelle est bien aiguisé. Vous pouvez donc effectuer de petits mouvements circulaires pour développer un peu plus de texture. Ensuite, je vais y aller et signer un bail avec mon violet. Et je vais juste y faire de petits cercles pour développer des valeurs plus sombres. Et améliorez un peu plus cette texture. vais ajouter quelques zones d'ombres avec mon violet, juste en dessous des pétales de fleurs. Et j'ai terminé. Si vous avez l'impression d'être allé un peu trop loin avec le violet ou si vous voulez adoucir le violet, le violet ou si vous voulez adoucir le violet, utilisez votre gomme et soulevez légèrement le violet. Je ne veux pas que les lignes ou les marques soient trop gênantes ou que Stark regarde la fleur. en avons donc terminé avec cette phase du processus. Il est maintenant temps de peindre le mur de fond. Nous allons donc utiliser une sorte de peinture. Dans mon cas, je vais utiliser de la peinture à l'aquarelle traditionnelle. 11. Peindre un mur de fond: En ce qui concerne la peinture que vous allez utiliser pour votre mur arrière. Vraiment, vous pouvez utiliser la couleur de peinture de votre choix. Si vous avez de l'indigo, vous pouvez utiliser de l'indigo. Comme mon indigo est épuisé, je vais mélanger bleu phtalo et une teinte neutre. Je vais commencer à créer mon mélange de couleurs bleu foncé. vais utiliser mon pinceau rond taille 10 pour créer mon mélange de couleurs. Ensuite, je vais passer à un autre pinceau parce que c'est une forme assez grande dans laquelle nous allons peindre. Et je ne veux pas utiliser un pinceau trop petit. Vous devez vous assurer de toujours choisir une taille de pinceau adaptée à la zone que vous allez peindre. Sinon, vous pouvez rendre le processus de peinture bien plus difficile et frustrant qu'il ne devrait l'être. Je prends juste un peu d'eau à la fois, apporte à la couleur bleu phtalo et rose de ma palette, ressortir un peu de peinture à la fois dans cette section de ma palette que j'avais préalablement nettoyée. Et je opte pour un mélange de couleurs juteux et agréable qui a à peu près la consistance d'un café et d'un lait. Donc, environ 50 % ou 50 % d'eau, c'est ce que vous voulez. Je veux également m'assurer que j'en ai assez, car encore une fois, c'est une zone assez vaste. Nous allons créer un bon lavage dans toute cette zone. Très bien, donc je pense que cela suffit avec mon mélange de couleurs bleues. Je vais ajouter un peu de ma teinte neutre pour l'assombrir. Je vais ajouter un peu de gris ou de noir à la fois jusqu'à ce que je le trouve aussi foncé que je le souhaite. Vous pouvez utiliser le bleu de votre choix ou auquel vous avez accès. Il peut être bleu outremer. Il peut être bleu sur le trône, basculant, bleu, bleu de Prusse. Si vous voulez l'assombrir davantage, vous pouvez l'assombrir avec le gris, la teinte neutre, le noir neutre de Payne , tout ce qui fonctionnera parfaitement. Je cherche un bleu profond. C'est pourquoi j'ai ajouté un peu de teinte neutre à mon bleu. Très bien, je pense que cela suffit. Je vais tester cette couleur sur un morceau de papier aquarelle avant de l'utiliser pour m'assurer qu' elle est bien là où je veux qu'elle soit. Je veux qu'il soit bleu, mais je veux aussi qu'il soit assez foncé pour le contraste. J'y ajoute donc une teinte un peu plus neutre pour l'assombrir un peu plus. OK, on y va. Très bien, mes couleurs sont celles que je veux, et je pense que j'en ai une bonne quantité. Je vais juste ajouter un peu d'eau parce que c'est un peu épais. Je vais rincer toute cette couleur pour les poils de mon pinceau , car je ne vais plus utiliser ce pinceau. Je vais utiliser ce pinceau ici même. C'est un pinceau plat de trois quarts de pouce, et je vais le faire avant le mariage toute cette partie du mur. Je sors un peu d'eau à la fois de mon contenant et je prépare doucement toute cette partie de la pièce. Prenez vraiment votre temps pour faire ce processus de prélecture. Je ne saurais trop souligner à quel point c'est important. Vous voulez obtenir une belle brillance uniforme sur tout le mur. Je laisserai la forme négative dans le manche pour plus tard. Mais je veux pouvoir peindre tout ce pan de mur en même temps. Cela m'aidera à créer le lavis relativement uniforme que je recherche pour le mur. Je passe tout en revue au moins six à sept fois en effectuant ce processus de prélecture et en préparant notre papier avec une fine couche uniforme d'eau. Nous allons faire deux choses. Tout d'abord, nous allons pouvoir augmenter notre temps de travail en peignant sur cette partie murale. Vous voyez, lorsque nous peignons sur du papier sec, le papier a très soif et commence immédiatement à absorber cette peinture. Tout commence à sécher très rapidement. Ainsi, en alimentant le journal en eau , il n'aura plus autant soif. Et la peinture que nous appliquons dessus ne sera pas absorbée aussi rapidement. Les choses vont sécher beaucoup plus lentement. Cela augmente donc notre temps de travail, ce qui nous permet de continuer ajouter de la peinture si nécessaire ou de travailler à adoucir les petites textures que nous n'aimons pas, etc. Avant que tout ne commence à sécher sur nous, en particulier lorsque nous travaillons à l'aquarelle, nous ne devrions pas ajouter de peinture ou déplacer la peinture lorsqu'elle commence à sécher, car cela ne font que créer des arrière-plans ***** tachetés et des effets indésirables. C'est donc l'une des raisons pour lesquelles nous organisons la pré-mariage aujourd'hui. Mais une autre raison est l'eau que nous appliquons sur le papier fera moitié du travail à notre place en termes de création de ces effets doux et diffus. Vous voyez, l'aquarelle va se dilater lorsqu'elle est placée sur du papier humide. Et c'est exactement ce que nous voulons. Nous voulons de beaux défauts mous et notre expérience. Sachez bien sûr que l'environnement dans lequel vous travaillez aura un impact énorme sur la rapidité ou la lenteur avec laquelle votre peinture commence à sécher si vous travaillez dans un environnement chaud , frais, humide ou sec. Si vous avez un ventilateur sur un système de chauffage, sur une unité de climatisation, tous ces éléments auront un impact sur le déroulement de votre processus de peinture et sur votre résultat final. Quoi qu'il en soit, vous devez prendre votre temps avec ce processus de prélecture et vous assurer d'obtenir une belle brillance uniforme, une brillance uniforme sur toute surface du mur avant de commencer à peindre. Si vous le faites trop rapidement, certaines sections commenceront à dessiner rapidement sur YouTube. Rien n'est accéléré dans les vidéos de ce cours. C'est donc en fait le temps qu'il m'a fallu pour préparer mon mariage pour cette pièce. Prenez votre temps pour suivre ce processus. Passez simplement les poils de votre pinceau sur ce papier doucement, exemple pour obtenir une belle brillance uniforme toute la partie supérieure. Et je suis prêt à commencer à ajouter ma couleur bleu foncé et mon arrière-plan. Je vais passer à cette brosse ronde taille 14, assez humide. Enlevez cet excès d'eau et je vais prendre une bonne quantité de ce mélange de couleurs bleu foncé et juteux que j'ai créé une fois que j'aurai chargé mon pinceau d' une bonne quantité de cette couleur bleu foncé riche que j'ai créée. Je vais commencer à le déposer dans cette humidité que j' ai préparée avec mon papier humide. Et je vais faire très attention à la photo. L'aquarelle ne s'étendra que sur du papier humide. Donc, si je n'ai rien intégré à la forme du pichet, la couleur ne s'y étendra pas. Continuez donc à vous frayer un chemin prudemment sur la photo. Vous pouvez voir à quel point cette teneur en eau que j'ai préparée largeur de mon papier m'aident vraiment à créer de jolis effets doux et diffus. Tout est encore humide et utilisable Je peux donc prendre mon temps pour ajouter de la couleur selon les besoins jusqu'à ce que j'arrive au lavage que je recherche dans mon arrière-plan Je recherche une légère variété valeurs et une translucidité dans mon arrière-plan. Je ne vais donc pas opter pour un lavage complètement plat. Je veux que certaines sections paraissent un peu plus claires, d'autres un peu plus sombres. Et cette teneur en eau va m'aider à créer ces transitions douces entre ces zones plus sombres et ces zones plus claires. Si j'avais commencé à peindre sur du papier sec, je serais dans une course contre la montre, car tout se dessinerait très rapidement. Cela dit, je n'ai pas travaillé très, très lentement. J'essaie toujours de travailler rapidement et de continuer à avancer. J'évite aussi vraiment d' entrer et de trop mélanger. J'apprécie les effets organiques irréguliers que l'aquarelle crée. Si je recommence à mélanger et à tout recommencer, je risque de commencer à endommager mon papier ou de vraiment aplatir les choses. Je vais juste entrer et faire un léger lissage. Si je trouve que j'ai textures très visibles qui peuvent être trop gênantes, mais tout ce que j'essaie de laisser tel que vous m'avez vu faire c'est que j'ai utilisé les poils de mon pinceau comme une petite éponge absorbante pour éliminer l'excès d'eau et de peinture qui tirait trop sur une zone. Et là, comme le papier est encore assez humide et facile à travailler, je me permets d'entrer et d'ajouter de la peinture sur les sections que je cherche à assombrir le papier que nous commençons déjà à sécher. Je ne ferais pas ça. Je sais que si j'ai un arrière-plan sombre parce que la photo est de couleur claire, je pourrai vraiment faire ressortir l'image car cela créera plus de contraste. Voilà pour mon mur d'arrière-plan. Je vais nettoyer cette brosse plus grande, la mettre de côté. Et maintenant, je vais peindre dans l'espace négatif du manche du tableau dans lequel je n'ai pas peint. Pour cela, je passe à mon pinceau rond taille 10. Même dans ce petit domaine, je veux m' assurer de développer une certaine variété de valeurs. Je veux donc que certaines petites sections paraissent plus sombres et d'autres plus claires. Je veux donc m' assurer que, dans un premier temps , je crée une couche bleu relativement clair afin de pouvoir créer ces valeurs de bleu plus foncé sur cette couche bleu clair. Évitez donc d'utiliser un mélange de couleurs foncées très épais dès le départ, optez d'abord pour un mélange clair, puis diluez et pâlez, puis ajoutez un peu plus de couleur petites sections ici et là. Vous voulez assombrir afin de pouvoir développer cette petite plage de valeurs, même dans cette section, que je place dans cette deuxième couche de bleu au-dessus du premier bleu plus pâle. Je m'assure de le faire pendant que la couche initiale est encore humide , sinon je n'aurai pas ces transitions douces et diffuses . Et c'est tout ce que je vais faire avec de la peinture à l'aquarelle traditionnelle. Je vais mettre ma peinture de côté. Nous allons laisser cela sécher et nous allons passer à la dernière phase de ce processus au cours de laquelle nous allons ajouter nos derniers détails. 12. Détails finaux: Très bien, j'ai fini avec cette peinture à l' aquarelle traditionnelle et elle est complètement sèche. Et dans cette toute dernière étape de ce processus, je cherche simplement à pénétrer et à vraiment pousser les zones les plus sombres pour ajouter un contraste final. Si vous devez travailler davantage sur des textures ou même sur des transitions, vous pouvez le faire également. Nous voulons ajouter quelques sections aux valeurs les plus sombres de l'image. Je reviens donc à mon orange rouge, qui est mon orange chromé foncé, et aussi à mon bleu violet. Je vais juste me lancer et commencer à utiliser mon bleu-violet. Et je cherche simplement à repousser les formes d'ombre les plus profondes et les plus sombres que je vois sur cette photo de référence. C'est la dernière couche que nous sommes en train de réaliser. Nous voulons donc nous concentrer uniquement sur les zones les plus sombres. Continuez donc à comparer votre peinture avec cette photo de référence. Observez vraiment ces différences et les choses sur lesquelles vous devez continuer à travailler. Exercer moins de pression pour sortir des zones les plus sombres. Quel que soit le sujet sur lequel tu travailles. Que vous travailliez à approfondir et assombrir les zones les plus sombres pour plus de contraste. Ou que vous cherchiez à adoucir certaines transitions ou à ajouter un peu plus de texture, assurez-vous de changer couleur selon vos besoins, en fonction de ce que vous faites et du fait que vous déplacez et modifiez la pression que vous exercez sur votre crayon. Parce que si vous ne faites pas attention à l'outil que vous avez en main et à la pression que vous exercez. Vous pouvez finir par assombrir trop la section ou créer des formes ou des lignes bien trop distrayantes et commencer à regarder. Juste ici. Je suis en train d'assombrir cette zone d' ombre juste en dessous de la photo. Et si je veux travailler sur les transitions, je peux passer au rouge orange et travailler sur les transitions. À cette étape du processus de fabrication du verre, il est très important de continuer à faire de petites pauses et revenir pour voir la pièce dans son intégralité, la composition dans son ensemble. Évitez d'en faire trop, voyez tout à distance et demandez-vous s'il est vraiment nécessaire de faire plus. N'oubliez pas que lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, crayons et de la peinture à l'aquarelle, moins c'est souvent plus. Et si on en fait trop, on va se retrouver avec une pièce qui aura l' air plate, lourde, surchargée de travail. Et il n'y aura pas cette lueur que permettent l'aquarelle, les crayons et l'aquarelle. Et je vais juste insister un peu plus sur les zones les plus sombres du tissu. Et je vais dire que c'est terminé. Concentrez-vous uniquement sur les zones les plus sombres. Si, à ce stade du processus , vous souhaitez travailler un peu plus sur les textures à l'intérieur de la fleur , soyez mon invité. D'ailleurs, même dans cette toute dernière étape du processus, je n'insiste toujours pas trop fort. Oui, je fais preuve de plus d'insistance que je ne le faisais au tout début du processus. Mais je n' envisagerais toujours pas ce brunissage. C'est bon. Je pense que j'en ai fini avec cette nature morte. Je vais donc retirer doucement et soigneusement mon ruban de masquage pour révéler ces bords blancs et nets. Et nous en avons fini avec cette nature morte au crayon aquarelle. 13. Merci: Si vous êtes arrivé jusqu'ici , félicitations, j'espère vraiment que vous avez apprécié ce cours et que vous avez appris de nombreux trucs, outils et astuces que vous pourrez emporter avec vous pour de futurs crayons à aquarelle sur lesquels vous déciderez peut-être de travailler. N'oubliez pas de publier une photo de votre travail dans l' onglet Projets et ressources de Skillshare. J'ai hâte de voir votre travail et de vous faire part de tout commentaire dont vous pourriez avoir besoin. Et vous pouvez également vous sentir libre de poser toutes les questions que vous pourriez avoir. N'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare, car de nombreux nouveaux cours vous attendent. Enfin, n' oubliez pas de consulter toutes les ressources gratuites que je mets à disposition et que je partage chaque semaine sur ma chaîne YouTube et sur mon Instagram. J'adorerais communiquer avec vous. Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. Profitez de votre pratique artistique et à bientôt.