Peindre un portrait réaliste à l'aquarelle dans Procreate : de l'esquisse à la pièce finale

1. Introduction: Peindre un portrait réaliste est beaucoup plus que de créer un croquis bien proportionné et d'utiliser une belle palette de couleurs. Notre objectif est de capturer la ressemblance et le caractère d'un sujet. Je m'appelle Lettie. J' ai étudié l'architecture et je suis illustrateur depuis 2012. J' ai travaillé sur un large éventail de projets allant des conceptions architecturales aux jeux vidéo, aux livres pour enfants, aux sites web... Je vends mes illustrations sur des sites d'impression à la demande. Et actuellement, et je combine mon travail illustrateur avec l'enseignement de l'art numérique. Je pense que cela vaut la peine de relever de nouveaux défis et de continuer à évoluer. Et aujourd'hui, c'est une bonne journée pour un nouveau défi ! Oui, aujourd'hui, nous allons peindre un portrait réaliste à l'aquarelle dans Procreate. Je sais que ça peut être intimidant, mais je vous guènerai tout au long de mon processus. Nous allons commencer à apprendre à choisir une bonne image de référence. Nous parlerons de l'importance de l'éclairage et du contraste. Ensuite, nous utiliserons la méthode Loomis pour simplifier la tête en formes basiques. Nous allons apprendre à faire une étude de valeur de manière traditionnelle et numérique, comprendre les propriétés de la couleur, et plusieurs méthodes pour créer la palette de couleurs parfaite. Ensuite, nous allons parler des aquarelles numériques. Puisque les techniques et le processus seront les mêmes qu'avec les vraies aquarelles, vous serez en mesure de le faire numériquement ou traditionnellement, le choix est à vous. Enfin, nous commencerons à peindre notre portrait. Je vais partager avec vous des conseils sur la façon de peindre la peau, les yeux, les cheveux, les plis de tissu, la texture, et bien plus encore. J' ai inclus dans la section des ressources, images de référence, des pinceaux personnalisés, des palettes de couleurs, des fichiers de Procreate, tout ce dont vous avez besoin pour commencer à peindre votre portrait ! Alors prenez votre iPad, ouvrez Procreate, et amusez-vous. 2. Image de référence: Une bonne photo est-elle la même qu'une bonne photo de référence ? Parfois, ce n'est pas le cas, surtout si nous n'avons pas une connaissance approfondie du sujet ou si nous ne l'avons jamais dessiné auparavant. Il y a quelques choses auxquelles nous devons faire attention lorsque nous recherchons la référence parfaite. Je vais commencer par le plus important pour moi, l'éclairage. Il est beaucoup plus facile de travailler avec une photo que nous pouvons dire d'où vient la lumière, qu'avec une photo que c'est difficile à dire. Si nous sommes débutants et que nous ne savons pas grand-chose sur l'anatomie du visage, ombres bien définies peuvent nous aider à dessiner avec précision la forme et les caractéristiques de notre sujet. contraste entre la lumière et l'obscurité est ce qui donne l'illusion du volume. Le visage de la fille avec la sucette a l'air plat, non ? C' est parce qu'il n'y a pas assez de contraste. Lorsque cela se produit, les bords et les détails deviennent difficiles à percevoir. Et s'ils sont difficiles à percevoir, ils sont difficiles à dessiner, surtout lorsque nous en sommes à un stade d'apprentissage. Plus le contraste entre les zones de surbrillance et d'ombre est élevé, plus le plus facile sera de répliquer ce sujet sur notre toile. Sur la photo de gauche, on peut voir clairement le pont et le bout du nez, le philtrum, les pommettes, etc. Mais qu'en est-il de la bonne image ? Lorsque la lumière est placée devant le sujet, le contraste est minime. Si nous choisissons ce genre d'images, nous devrons travailler plus dur pour ajouter une sensation de profondeur à notre dessin. Donc, si vous voulez commencer à dessiner des portraits, je recommande de choisir une photo comme celle de gauche, dans laquelle la lumière qui vient d'un côté souligne les contours et la dimension du sujet. Comme je l'ai déjà dit, il est important de voir clairement ce que vous voulez peindre. Si vous voulez peindre une peau très détaillée, par exemple, vous devrez choisir une photo dans laquelle vous pouvez voir les pores, les petits cheveux, les veines... La texture de la peau. Si vous voulez peindre toute la tête, essayez de ne pas choisir des photos rognées ou vous devrez deviner comment dessiner les parties manquantes. Il en va de même pour les photos floues ou les photos dont certaines parties sont hors de la mise au point. Cela signifie-t-il que nous ne pouvons pas utiliser ce genre de photos comme référence ? Pas du tout mais, vous savez, il vous sera plus difficile d'obtenir un croquis précis, ajouter de la profondeur et de reproduire la texture et d'autres détails. Eh bien, à moins que vous ayez déjà peint beaucoup de portraits. Dans ce cas, vous pouvez combler ces lacunes avec votre imagination et votre expérience. Aussi, choisissez une photo qui vous captive. En raison de la palette de couleurs, de l'éclairage, du sujet... Le fait est, ne choisissez aucune photo juste pour suivre ce tutoriel. Si vous aimez la photo, vous trouverez non seulement le processus d'apprentissage plus agréable, mais aussi vous serez prêt à mettre plus d'efforts le faire correctement et n'abandonnerez pas facilement. Alors, premier pas ! Choisissez une bonne image de référence. Bien éclairé et croustillant. Et importez-le dans Procreate. Il existe de nombreuses façons d'importer une image dans Procreate, mais si nous voulons travailler avec une taille de canevas spécifique, je recommande d'abord de créer le canevas. Puis allez dans Actions> Ajouter> Insérer une photo. Depuis Procreate 5x, nous pouvons également insérer une photo privée, allant dans Actions>Ajouter et glisser vers la gauche ici et en appuyant sur Insérer une photo privée. Si vous ouvrez le panneau du calque, vous verrez que le calque a écrit « Privé » sous le nom du calque. Cela signifie que tout ce qui se trouve dans cette couche, et tout ce vous y peignez, n'apparaîtra pas dans la vidéo time-lapse. Beaucoup de gens utiliseront cet outil pour tracer des images. Nous n'allons pas nous demander si le traçage est bon ou mauvais en ce moment parce que c'est un long débat, mais cet outil peut être utilisé pour beaucoup plus que cela. Par exemple, pour écrire des notes sur les étapes que vous prenez pour peindre sur l'illustration, le processus que vous utilisez, les couleurs... Nous pouvons également essayer une combinaison de couleurs que nous ne savons pas si elle va fonctionner, mais nous ne voulons pas qu'elle apparaisse sur la vidéo time-lapse. Nous pouvons utiliser cette couche pour dessiner les grilles dont nous avons besoin pour créer nos travaux de lettrage. Fondamentalement, nous pouvons l'utiliser pour tout ce que nous n'avons pas besoin d'être enregistré dans le cadre de notre processus de peinture. Une autre façon d'importer une image depuis Procreate 5x est de l'importer en tant que référence, allant dans Actions>Canvas. Et puis Référence. Par défaut, nous verrons une capture d'écran de notre toile, mais si nous tapons sur « Image », nous pouvons importer une image. Nous pouvons déplacer ce petit écran, faire glisser du haut, zoomer et zoomer en utilisant le geste de pincement. Et aussi, si nous tapons n'importe où sur le petit écran, nous pouvons importer dans une image différente. Pour fermer cette fenêtre, appuyez simplement sur le X. Cet outil est très utile pour dessiner des détails fins. Nous n'avons plus besoin de travailler sur une vue fractionnée, copier et coller une partie de notre image de référence pour la placer plus près de la zone que nous peignons, zoomer et zoomer constamment pour voir l'ensemble de l'image, etc. photo étonnante prise par Rashid Sadykov. Vous le trouverez sur Ressources. Bien sûr, vous êtes libre d'utiliser une photo différente, mais vous profiterez au maximum de ce tutoriel étape par étape si vous utilisez la même photo que moi, au moins la première fois que vous la regardez. Maintenant que nous avons une bonne photo pour travailler, dans la prochaine vidéo, nous allons commencer à dessiner notre portrait. 3. Croquis: Grilles, formes basiques, lignes de référence... Il existe de nombreuses méthodes différentes pour créer un croquis précis, mais dans cette vidéo, nous allons utiliser la méthode Loomis. Dans son livre, M. Loomis, montrez-nous comment dessiner une tête sous n'importe quel angle. Alors choisissons notre brosse à esquisse préférée et faisons la première étape, qui est de dessiner un cercle aussi large que la tête, et un ovale pour la partie plate du crâne. Dessinez une ligne divisant le plan de la face en deux parties. Et, en utilisant l'ovale comme référence, faites des lignes parallèles. Au milieu de l'ovale, nous allons dessiner la ligne des sourcils. En haut, le front, en bas, le bas du nez. Et, à la même distance, la ligne pour le menton. À mi-chemin entre le haut de la tête et le menton, nous allons dessiner les yeux. Alors faisons une autre ligne là-bas. Maintenant que nous savons où tout doit être, les scientifiques ont commencé à esquisser les traits du visage. Mais rappelez-vous, nous faisons un croquis grossier. Il est totalement interdit de tenir le crayon près de la pointe. De cette façon, nous ne serons pas tentés d'y ajouter des détails. D' accord. Ouvrez le panneau Calques et touchez le 'N' de votre calque 'Esquisse rugueuse '. Réduisez l'opacité du calque et créez un nouveau calque sur le dessus, en appuyant sur le signe plus. Appuyez sur le calque et renommez-le. On l'appellera « Dessin au crayon ». Dans ce calque, nous allons créer une version plus polie de notre esquisse précédente. Maintenant, vous pouvez tenir votre placard à crayons à la pointe si vous le voulez. Eh bien, sauf pour dessiner les cheveux et la barbe. Parce que si vous le tenez trop près de la pointe, vous aurez des lignes raides. Je recommande étant donné cela il ya, mais vous pouvez télécharger à partir de la section Ressources, mon croquis rugueux, si vous voulez créer votre illustration aquarelle à partir de lui. Une fois que vous êtes satisfait de votre esquisse, désactivez le calque d'esquisse rugueuse. On n'en a plus besoin. À ce stade, nous pourrions commencer à ajouter de la couleur à notre illustration. Mais pour ceux d'entre vous qui ont du mal à voir où la lumière et les ombres doivent être peintes. Dans la vidéo suivante, nous allons parler brièvement des propriétés de la couleur et faire une étude de valeur. 4. Étude de valeur: Dans cette vidéo, nous allons apprendre à faire une étude de valeur. Mais avant de plonger dans cela, nous devons comprendre les propriétés de la couleur. Comme vous le savez probablement, Valley est une propriété de la couleur, et il se réfère à la façon dont est sombre ou clair et la couleur. Si nous allons aux ajustements et tapons sur la teinte, la saturation, la luminosité, nous comprendrons toutes les propriétés de la couleur à la fois. Ici, nous pouvons voir différentes teintes ou couleurs. Ici, nous pouvons passer de la couleur entièrement saturée ou couleur pure à la couleur complètement désaturée ou au gris. Ici, nous contrôlons la légèreté ou l'obscurité de la couleur. En ajoutant du blanc, nous rendons la couleur plus claire. Et ajouter en noir, nous rendons la couleur plus foncée. Facile, non ? Eh bien, le problème est que nous percevons tous les couleurs différemment. Et les couleurs semblent plus ou moins saturées ou plus ou moins lumineuses. Selon les couleurs environnantes. La couleur des yeux peut sembler plus claire lorsqu'elle est placée à côté d'une couleur plus foncée. Le jaune semble généralement plus lumineux que les autres couleurs. Et parfois, il semble plus lumineux, mais ce n'est pas le cas. C' est pourquoi la création d'illustrations réalistes nous prend beaucoup de temps et de pratique. Nous devons apprendre à voir ce que nous avons devant nous sous un autre jour. Ou comme beaucoup disent, nous devons apprendre à voir comme un artiste. Heureusement pour nous lorsque nous peignons numériquement, nous avons de nombreux outils qui peuvent nous aider avec cet outil de sélection de couleurs plus léger, qui nous permet de comparer facilement les couleurs. Les modes de fusion, ils teinte, saturation, panneau de luminosité, etc. À l'école, nous utilisons pour le vent où nous voulons dessiner, essayé de distinguer entre les délices, l' obscurité est sur les zones les plus sombres. Je bloque ces zones sur la toile. Dans Procreate things to the blend modes, nous pouvons faire une étude de valeur sans plisser nos yeux et même sans utiliser notre crayon. Mais pour apprendre à voir comme un artiste et à mieux dessiner, nous devons pouvoir déterminer d'où vient la lumière ou la lumière dominante et identifier les zones les plus sombres et les plus claires sur quoi que ce soit. Donc, nous allons le faire à l'ancienne. D' abord. Loi, nous allons créer un nouveau calque et le nommer étude des valeurs, observé la photo de référence. Vous pouvez trouver difficile de distinguer entre toutes les différentes valeurs, mais vous voyez où sont la lumière la plus claire et les zones sombres, non ? Ensuite, commencez à assombrir votre croquis et n' appliquez pas de peinture là où vous voyez que l'image est plus claire. Afoncez progressivement les zones. Gardez à l'esprit que seules quelques petites zones seront complètement noires. Ainsi évite un avion trop de pression avec votre crayon ou plusieurs couches de peinture les unes sur les autres au début. D' accord. Prenez votre temps. Regardez la photo de référence et comparez-la en continu avec votre dessin. Utilisez la gomme si nécessaire. Dessiner une ombre allégée est essentiel pour créer l'illusion du volume. Si vous avez eu du mal à obtenir l'étude de valeur faite, débarrassez-vous de la couleur. Nous pouvons facilement le faire en allant à la luminosité de saturation de teinte et en réglant la saturation à zéro. Je ne recommande pas d'apporter des modifications permanentes à notre image de référence. Donc, ce que je fais habituellement est d'utiliser des modes de fusion à la place. Créez un nouveau calque sur le dessus et remplissez-le de noir. Appuyez sur la fin pour ouvrir les modes de fusion nombreux, et changez le mode de fusion en couleur. Ce mode de fusion permet de préserver les valeurs de l'image de référence ainsi que la teinte et la saturation adoptées du calque de fusion. Comme notre calque de mélange est rempli de noir pur, le résultat est une image en échelle de gris. Si vous ne voyez toujours pas clairement où se trouvent les différentes valeurs, dupliquez l'image de référence et modifiez son mode de fusion en superposition. Ce mode de fusion permet d'alléger les zones claires et d'assombrir les zones sombres. Vous pouvez dupliquer ce calque autant de fois que nécessaire. Nous allons simplifier les valeurs de l'image et cela vous aidera à voir facilement les zones claires et sombres. Enfin, pour les faire ressembler à de l'art traditionnel, ajoutons une texture de papier dans une nouvelle couche. J' utiliserai un de mes pinceaux de texture de papier. Vous me trouverez des ressources Tom. Dans la vidéo suivante, nous allons apprendre deux méthodes différentes pour créer une palette de couleurs personnalisée. 5. La palette de couleurs: Dans cette vidéo, nous allons apprendre à créer manuellement une palette de couleurs, l'aide de l'outil de sélection de couleurs. En utilisant automatiquement une image ou un fichier de notre iPad. Diminuer l'opacité des voies d'étude de valeur et de dessin au crayon. Mettez-le assez bas. Nous allons commencer à ajouter de la couleur et nous ne voulons pas qu'ils aient l'air plus sombre qu'ils ne le sont vraiment. Nous allons utiliser l'outil de sélection de couleurs pour sélectionner à partir de l'image de référence les différentes couleurs que nous voyons. Pour invoquer ces deux éléments, appuyez simplement et maintenez votre doigt sur la toile. L' aération apparaîtra. Faites glisser votre doigt sur l'écran et voyez comment la couleur du haut de l'anneau change. Laissez votre doigt pour sélectionner la couleur actuelle. Comme vous le voyez, j'ai peint dans quelques petits cercles colorés. J' ai utilisé le pinceau monoline pour placer chaque couleur près de la zone où j'ai choisi. Il est donc plus facile de comparer si nous avons choisi la bonne couleur pour peindre cette zone dans notre illustration. Appuyez longuement sur la case à cocher Visibilité du calque de palette de couleurs pour afficher uniquement les nuanciers avec créé. Maintenant, nous sommes prêts à créer notre palette de couleurs personnalisée. Astuce. Pour créer une palette de couleurs personnalisée, procédez comme suit. Un, appuyez sur le bouton couleur, puis sur les palettes, pour taper sur le signe plus. Et puis ONE, créez une nouvelle palette. Une palette vide apparaîtra. Trois, appuyez et maintenez avec votre doigt sur la toile pour appeler le sélecteur de couleur faire pour faire glisser votre doigt sur la couleur et levé pour le sélectionner. Cinq, appuyez sur l'un des espaces vides, enregistrez juste cette couleur. Six. Répétez le processus avec le reste des couleurs. Nous choisirons seulement une des couleurs qui se ressemblent pour l'incorporer dans notre palette de couleurs. Travailler avec la palette de couleurs limitée est plus facile que d'avoir à choisir entre de nombreuses nuances similaires de bleu. C' est une palette de couleurs que j'ai créée. Comme vous le voyez, j'ai ajouté quelques couleurs que je vois sur l'image, mais je n'ai pas pu choisir avec le sélecteur de couleurs. Gardez à l'esprit que Procreate est un programme de recettes et où nous ne voyons qu'une seule couleur. Il y en a en fait beaucoup. Donc, souvent, nous aurons besoin de faire confiance à nos yeux pour choisir la bonne couleur. Je pense que la palette de couleurs devrait être plus limitée. Donc, je vais essayer de ne pas utiliser toutes les couleurs que j'ai choisies. Vous trouverez cette palette de couleurs et une plus limitée sur les ressources, mais je recommande fortement d'essayer de créer la vôtre. Maintenant, comme promis, voyons comment nous pouvons créer une palette de couleurs personnalisée en un rien de temps et sans effort sur les palettes, appuyez sur le signe plus. Et maintenant, au lieu de taper sur créer une nouvelle palette, choisissez l'une des autres options et procréer fera tout le travail pour vous. Dans ce cas, nous allons puiser sur de nouvelles photos et choisir notre image de référence et de l'eau. Ici, nous avons la nouvelle palette. Cette palette a beaucoup plus de couleurs que celle que nous avons créée beaucoup Ali, comme nous ne savons pas d'où l'AP, il est plus difficile d'appliquer la bonne couleur au bon endroit. En outre, beaucoup d'entre eux sont assez similaires à moins qu'ils ne soient limités à ceux que nous choisissons. Donc, pour peindre une illustration réaliste, je recommande de créer notre palette est dans la première méthode. Ok, image de référence, croquis par étude et palette de couleurs. Nous avons tout ce dont nous avons besoin pour commencer à ajouter des aquarelles. Donc, dans la prochaine vidéo, nous allons ouvrir la bouteille de liquide de masquage et couvrir les zones que nous ne voulons pas Pinto. 6. Fluide de masquage: Lorsque nous créons des aquarelles traditionnelles, nous utilisons généralement du liquide de masquage pour préserver le papier blanc là où nous ne voulons pas de peinture. Lorsque nous créons des aquarelles numériques, nous utilisons des masques de calques. C' est exactement ce que nous allons faire dans cette vidéo. Comme je l'ai déjà dit, modes de fusion peuvent nous aider à voir où se trouvent les reflets et les ombres en augmentant le contraste entre les couleurs claires et foncées. Si nous dupliquons notre image et modifions le mode de fusion pour graver la couleur, nous verrons facilement les zones que nous devons masquer. Cette couleur du liquide de masquage n'est pas importante aussi longtemps que le week-end le voir. Alors choisissez la couleur que vous voulez. Choisissez un pinceau. J'utiliserai ma brosse polyvalente. Vous pouvez le télécharger à partir de la section des ressources. Avant de plonger dans le masquage, Voyons comment cette brosse fonctionne pour en tirer le meilleur parti. Il est sensible à la pression et au tilde, ce qui signifie qu'il se comportera différemment en fonction de la pression que nous appliquons. L' angle du crayon. Dans ce cas, plus la pression est forte, plus la brosse est grande et plus le résultat est opaque, comme vous le voyez, le bord varie également avec la pression de doux à dur. Inclinez votre crayon de cette façon et peignez. Vous verrez que le pinceau se comporte différemment. Nous allons travailler le crayon pour obtenir une transition plus lisse et mélanger les couleurs facilement. Au début du coup, nous obtenons de la peinture comme si nous avions un pinceau humide profond dans la peinture aquarelle. Cela nous permet d'avidité lavages très légers juste en passant sur la peinture, en appliquant une basse pression. En outre, la douleur va s'accumuler chaque fois que nous avons vécu notre crayon et peindre à nouveau comme si nous gardons le pinceau dans l'appât. Cela nous permet d'avoir un meilleur contrôle lors de la peinture des détails. Nous allons utiliser ces pinceaux pour créer, disons, une sorte de fluide de masquage numérique. Nous allons non seulement l'utiliser pour préserver le blanc du papier, mais aussi pour créer ces transitions molaires autour d'elle. Nous allons appliquer progressivement du liquide de masquage, en ajoutant plus dans les zones où nous ne voulons pas de peinture. D' accord. Une fois que nous avons couvert les zones désirées, nous allons créer un nouveau calque, changer son mode de fusion en Linear Burn, sélectionner le contenu de la couche de fluide de masquage en tapant et en tenant sur elle en donnant à ceux créer un masque de calque avec cette sélection. Et enfin, appuyez sur inverser. Dites ce masque de couche de sélection Inverser. Je viens de te perdre, non ? Permettez-moi d'ajouter de la peinture à la nouvelle couche pour expliquer cela. Je vais utiliser l'outil de sélection pour accélérer cela. Notre masque de calque est un calque que nous attachons à un autre calque pour masquer des parties de celui-ci sans utiliser la gomme. Dans ce cas, les pièces que nous voulons cacher sont celles que nous venons de peindre avec notre liquide de masquage. Donc, ce que nous venons de faire, c'est de voir ces parties et de créer un masque de calque avec elles. Si nous frottons le liquide de masquage en désactivant la visibilité de la couche de fluide de masquage avec la magie. Eh bien, d'accord, ce n'est pas magique, mais c'est cool, non ? Nous pouvons ajouter plus de peinture et les zones blanches resteront blanches. Ajouter plus de liquide de masquage en peignant dans le masque de couche avec du noir. Et faites disparaître la douleur dans les zones blanches en peignant dans le masque de couche avec ce que nous avons appliqué. Masquage fluide d'abord, parce que nous imitons flux de travail des aquarelles traditionnelles. Mais comme ce sont des aquarelles numériques, week-end créer et modifier un masque de calque à tout moment. Maintenant que nous savons comment masquer dans Procreate, appliquons le fluide de masquage à travers notre esquisse. Créez un nouveau calque, nommez-le, masquant le fluide. Et peindre les zones claires en appliquant une basse pression et les reflets, en appliquant plus de pression ou en ajoutant plus de couches de peinture. Si la couche de fluide de masquage semble trop transparente, vous pouvez dupliquer le calque plusieurs fois, puis les fusionner pour rendre la peinture plus opaque. Une fois que vous avez terminé, créez un nouveau calque, nommez-le, lavez un, et attachez le masque de calque à la suite des étapes que nous avons faites auparavant, sélectionnez le contenu de la couche de liquide de masquage, appuyez sur le lavage, un calque, créez un masque, et enfin appuyez sur inverser. Une fois que nous avons fait cela, si nous désactivons la visibilité de la couche de liquide de masquage, il semble que nous n'ayons rien fait, non. Mais quand nous peignons sur la couche qui a le masque de couche attaché, nous voyons qu'ils doivent des zones autres. Donc, nous allons éclaircir cela parce que dans la prochaine vidéo, nous allons faire beaucoup de lavages pour créer un schéma réaliste à la recherche. 7. Vernissage: Ce que nous allons faire maintenant, c'est de poser plusieurs lavages d'aquarelle l'un sur l'autre. Cette technique est appelée vitrage, et dans cette vidéo, nous allons apprendre comment le faire numériquement comme nous le faisons lorsque nous utilisons des aquarelles traditionnelles, nous allons travailler de la lumière à l'obscurité. Oui, cela prendra beaucoup de temps, mais du moins comme nous allons utiliser des aquarelles numériques, nous n'aurons pas à attendre que les couches sèchent. Qu' est-ce qu'un lavage à l'aquarelle ? Comme je l'ai déjà dit, nous allons peindre de nombreux navires de guerre. Mais qu'est-ce qu'un lavage à l'aquarelle ? Le lavage à l'aquarelle est une couche de couleur semi-transparente dans laquelle aucun coup de pinceau individuel n'est visible. Il existe trois principaux types de lavages à l'aquarelle, plats, gradés et panachés. Un lavage plat a une teinte et une valeur uniformes. Un lavage gradué a une teinte uniforme, mais chaque valeur change progressivement de la lumière à l'obscurité et vice versa. Un lavage panaché a différentes clés et vallées. Ce lavage est utilisé lorsque nous avons besoin de passer de l'un à l'autre que vous utilisez combinera où ils se rencontrent. Qu' est-ce que le vitrage ? vitrage est une technique humide sur sec qui consiste à superposer des lavages. Lorsque nous peignons plusieurs lavages les uns sur les autres, en les laissant sécher complètement avant d'appliquer le prochain lavage, nous faisons du vitrage. Et comment pouvons-nous le faire numériquement ? Eh bien, en utilisant des couches. Comme nous l'avons vu dans la vidéo précédente, cette brosse à l'Espagne quand nous pressons dur et tire la peinture et ajouter pull avec une légère pression. Eh bien, il n'ajoute pas d'eau, mais ça a l'air plus agréable, non ? En utilisant ce pinceau, nous garderons le papier vers le bas tant que nous peignons dans la même couche. Donc, si nous n'ajoutons pas trop de pression et ajoutons progressivement douloureux, nous serons en mesure de le mélanger sans problème. Dès que nous créons une nouvelle couche sur le dessus et la peinture, la peinture de l'autre couche aura l'air comme si elle était complètement sèche. Et c'est ainsi que nous travaillons avec la technique de vitrage dans Procreate. Ok, mettons-nous toutes ces connaissances en pratique. Sélectionnez la couleur plus claire de votre palette de couleurs. Assurez-vous que vous avez sélectionné comme lavage de couche primaire, non comme masque de calque. Le calque primaire, également appelé calque actif, apparaît dans le panneau Calques sous la forme d'un bleu vif. Et c'est là que nos dessins apparaîtront. Nous ne pouvons avoir qu'une seule couche primaire à la fois, mais nous pouvons avoir plus d'une couche. Sélectionné. Les calques secondaires apparaîtront en bleu et seront temporairement associés au calque principal. Certaines actions telles que la transformation de la sélection, la suppression affecteront tous ces calques à la fois. Star Painting, en appliquant une légère pression. Regardez la référence de la photo et ajoutez plus de peinture en ajoutant plus de pression ou en soulevant votre crayon, puis en passant sur la même zone à plusieurs reprises. Comparez votre peinture avec le 40 en continu. Rappelez-vous que nous avons également disponible et le rasoir sur elle est beaucoup trop. Alors utilisez-les si vous en avez besoin. Et si vous n'aimez pas le résultat, il suffit de l'annuler en tapant avec deux doigts sur l'écran. Voyons voir comment peindre les rides. Eh bien, finissons les nouvelles d'abord. Ok, diminuez la taille du pinceau dans les lignes de peinture en suivant les rides profondes, mais ne faites pas de lignes bien définies. Mais les lions qui sont plus opaques au milieu et flous ou plus transparents sur les bords. Comme vous le voyez, ce que je fais est d'ajouter plus de pression en dessinant la ligne avec une pression très légère, passer cette ligne et je répète le processus encore et encore jusqu'à un léger sentiment de volume. Tenez le crayon pour faire des lignes fines sur la façon de mélanger ces lignes. Avec une légère pression. Je vais peindre aussi les zones mises en évidence. Il aura l'air mieux si vous ajoutez plus de couches de progressivement, plutôt que d'ajouter beaucoup de peinture et d'essayer de répandre sur tout le visage. Ajouter plus de peinture dans les zones à l'ombre. Nous appliquerons à plusieurs reprises de la peinture sur les mêmes zones afin de créer de la profondeur à notre peinture. Et nous allons le faire, mais des couches qui se chevauchent et plus de couches de différentes teintes. Cela signifie que nous allons construire notre peinture de bas en haut. D' abord avec de grands blocs de couleur, puis avec des blocs plus petits pour ajouter progressivement des détails. N' oubliez pas de changer le mode de fusion de vos couches d'aquarelle en gravure linéaire ou en multiplier pour améliorer la texture du papier. Quel est le changement, n'est-ce pas ? Je vais également augmenter l'opacité de l'étude de valeur afin que je puisse mieux voir les zones de l'ombre et y ajouter plus de peinture. N' ayez pas peur d'utiliser le rasoir de la même manière que nous utilisons un pinceau propre pour soulever de la peinture lors de l'utilisation d'aquarelles traditionnelles. En fait, dans ce cas, nous serons en mesure de vivre toute la douleur dont nous avons besoin même si nous l'avons peint il y a juste un jour ou une semaine. Eh bien, ce que je fais maintenant, c'est de parcourir les rides et les zones les plus sombres. Et j'ajoute plus de peinture à ces zones. Comme vous le voyez, la partie blanche des yeux de ces hommes n'est pas blanche. Je dirais qu'il a beaucoup de couleurs, mais le vent. Alors ajoutons à ces deux couches de lumière de ce bronzage rosé que nous utilisons en ce moment. Lors de la peinture. En gardant à l'esprit que si la forme change, dommages ou le vol qu'il reçoit varient aussi. Par exemple, si nous regardons ses feuilles inférieures, nous verrons plusieurs budgets. Comme la lumière vient d'en haut, la partie supérieure de ces budgets recevra plus de lumière dans la partie inférieure. Nous devons donc copier cela dans notre peinture en ajoutant plus de peinture aux zones de l'ombre. Je crée une transition douce entre eux et les zones tardives. Ce bord dur est causé par mon masque de calque. Tu peux le garder si tu l'aimes. Mais je vais utiliser dans cet outil beaucoup. Je vais continuer à travailler sur ces questions. Vous pouvez me regarder finir de peindre cette première couche ou me rejoindre dans la prochaine vidéo où nous allons commencer à peindre. Comme nous l'avons déjà dit, le blanc de l'œil n'est pas blanc. Alors ajoutons un peu de rose ici aussi. Je préfère jouer en tant que photos côte à côte parce qu'il est plus facile de voir si je fais un bon travail en termes de proportions générales, de couleurs et d'ombres. Mais n'oublie pas ça. Vous pouvez également utiliser la fenêtre d'accompagnement de référence pour éviter la cimétidine et l'extérieur en continu lorsqu'il est peint, en particulier lors de la peinture d'une zone spécifique. D' accord. Rappelez-vous à quel point le contraste est important pour recréer l'illusion du volume. Assurez-vous donc d'ajouter plus de couleur aux zones de Chatter. Combien ? Eh bien, puisque nous utilisons une couleur de base très claire et nous essayons d'ajouter la même quantité de peinture partout. Il sera difficile d'en ajouter trop. Donc, pas de pression. Encore une fois, outre le liquide de masquage que nous avons appliqué précédemment nous aidera à garder les zones mises en évidence claires. N' oubliez pas de peindre la bouche. Faire cette ombre ici est très sombre. Mais comme toujours, si nous passons de la lumière à l'obscurité, le résultat sera meilleur que si nous ajoutons seulement une couleur foncée. Il a des rides sur le front, plus soigné, plus de peinture pour les faire paraître plus profondément. Comment ça a l'air ? Notre poésie commence à prendre forme. Je vais avoir le premier lavage est fait. Maintenant, nous sommes prêts à commencer à peindre. 8. Peau âgée: Maintenant que nos premiers capteurs de chaleur de lavage et de chaleur sèche peinture sombre dans le second. Mais dans cette vidéo, nous allons non seulement peindre le deuxième lavage, nous allons également parler de couches, rides et de bananes. Allons-y. Choisissez cette couleur brunâtre. Dupliquer le lavage d'une couche, changer son nom pour laver, pour lui, appuyez sur Effacer pour se débarrasser du retard ou du contenu. De cette façon, nous n'avons pas à appliquer à nouveau le liquide de masquage sur la nouvelle couche. Il est déjà là. Lorsque nous dupliquons un calque auquel un masque de calque est attaché, nous dupliquons également le masque de calque. Peindre en utilisant plus d'une couche est génial parce que nous pouvons payer tout ce que nous voulons et cela n'affectera pas ce que nous avons dans les superpositions. Je peux faire un gribouillis et le faire disparaître en appuyant simplement sur la case à cocher de visibilité. Je peux le rendre moins opaque ou changer sa couleur sous-couche saule veulent subir les conséquences. Ce que je veux dire par toujours, c'est que je recommande de travailler avec des calques toujours. Ok, eh bien, nous allons zoomer et voir quelles zones nous avons besoin de peindre avec cette couleur. Ici, ici, en équipement. Et aussi ici, eh bien, beaucoup de domaines. Alors faisons-le. Je vais commencer ici comme je vais ajouter plus de peinture et ces tons plus foncés tout autour de la veine, nous pouvons voir comment il commence à regarder en 3D, non ? Faites attention, n'appliquez pas la même quantité de peinture partout. Comme je vous l'ai dit dans la vidéo précédente, gardez toujours à l'esprit qu'il n'a pas ferme sur une peau Smith. Mais la peau âgée. À mesure que nous vieillissons, nous perdons de l'élastine, ce qui fait que la peau s'accroche librement et se froisse. Aussi la couche superficielle de la peau. L' épiderme devient plus mince. Parce qu'il devient plus mince, ce jeu devient plus transparent. Je suis fragile. Nous perdons également de la graisse sous la peau dans les poussins, temples Nouvelles de gènes et de la région. Puisque notre peau devient plus mince, fragile et détrempée, nos veines et nos os peuvent être vus plus facilement. Il est plus facilement meurtri et ces ecchymoses peuvent prendre une éternité pour guérir. Des taches de vieillesse et des étiquettes de peau apparaissent, et cetera, et cetera, et cetera. Ouais, ça pourrait être amusant à peindre, mais ce n'est pas si amusant quand ça arrive à travers notre peau, non ? Eh bien, le fait est que nous devrons recréer tout ça en voulant que notre peinture fuisse réaliste. Si vous trouvez qu'il est difficile d'ombrager les traits du visage, essayez de les simplifier en formes de base ou en quelque chose que vous savez comment ombrager. Par exemple, la forme du bloc de graisse de l'îlot gène du bol pourrait nous rappeler cette banane. En fait, nous pouvons imaginer des bananes de différentes tailles partout dans sa phrase, nous avons juste besoin d'ombre partie inférieure et puisque la partie supérieure a reçu une petite lumière, nous allons ajouter tout laisser sans peinture. J' ai besoin d'aller au masque de couche. Utilisez cet outil beaucoup pour adoucir ces parties. Maintenant, ça a l'air mieux. Revenons donc à la deuxième couche de lavage et continuons à ajouter de l'aquarelle. Nous pouvons avoir du mal à ombrager le nez, mais nous le simplifions en deux sphères sur un cylindre, c'est beaucoup plus facile, non ? N' oubliez pas la lumière réfléchie. Si nous ajoutons la même quantité de peinture à tout, alors News aura l'air plat. Il a aussi un kyste. Bien sûr, nous pouvons nous débarrasser de cette petite bosse ronde, mais je préfère la peindre plus de détails que nous ajoutons à notre peinture, plus nous regarderons réaliste. Cet outil beaucoup pour créer une transition en douceur entre les zones de lumière et d'ombre. Comme vous l'avez vu, la perte du cartilage dans les nouvelles provoque un t nasal et l'accentuation de la structure osseuse. Ce côté du visage illuminé fait l'autre. Nous allons donc y ajouter plus de couches de peinture. En faisant cela, nous allons également SN deux structure osseuse. Si vous avez besoin d'aide avec votre ombrage, augmentez l'opacité de l'étude. Ou jetez un oeil à votre image de référence modifiée et saturée. N' ayez pas peur d'utiliser les outils de gomme quand vous en avez besoin. Mais soyez prudent avec cet outil beaucoup. Il peut être addictif et si vous l'utilisez trop, vous perdrez de la texture. Permettez-moi de finir d'ombrage là bananes du côté de la phase avant de sauter dans le front. Puisque cette partie de la phase est moins éclairée, peignons une lumière, lavez-la partout. Mon fluide de masquage numérique est trop opaque ici. Je vais utiliser l'outil de taches pour diminuer le contraste. Nous ne voulons pas que nos zones et nos ombres aient des reflets plus lumineux, les zones sous-couvertes. D' accord. Je vais répéter les mêmes étapes que j'ai faites avec la couleur précédente. Ajoutez plus de pression lors du dessin de la terre. Puis avec une légère pression, repassez encore et encore jusqu'à ce que j'atteigne un sens du volume. Nous pouvons imaginer que le front est une chaîne de montagne segmentée par lentille élevée d'un côté de la montagne est éclairée. Disons que l'un est dans l'ombre. Et c'est la montagne jette une ombre sur la vallée. Montagne. La même chose se produit avec ses rides du front. Commençons dans la bouche les uns sur les autres avec cette couleur. Comme nous l'avons déjà dit, nous allons tout assombrir progressivement. J' applique une légère pression, donc pas de précipitation. D' accord. Ce jeu pores sont tout à fait réalisable dans son front. Biosynthétique raison la taille de la brosse et en tapant sur l'écran. Augmentons ça un peu. Diminuer l'opacité. Nous allons appliquer plus de lavages certains de ces couches, souvent l'apparence des piscines. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez également utiliser cet outil beaucoup, de nombreux pores visibles. Alors, nous allons les plier aussi. Dans la prochaine vidéo, nous allons continuer à ajouter à notre portrait. Nous réaliserons que nous aurons besoin d'utiliser des couleurs comme le brun pour faire un schéma réaliste. 9. Superposer les couches: Quand on était enfants, on n'utilisait qu'une seule couleur pour peindre la peau. Il peut être rose, marron orange, noir, vert si le personnage était malade, ARN et plus plus. Donnez vos yeux épluchés. Parce que dans cette vidéo, nous allons utiliser beaucoup de couleurs différentes pour apporter l'échelle de notre centre. Il crée un nouveau calque et nommez-le, laver trois. N' oubliez pas de changer le mode de fusion en Gravure linéaire. Allez dans la palette de couleurs et sélectionnez la couleur rose. Je vois beaucoup de couleurs différentes dans de nombreuses parties différentes de son visage, mais je vois du rose partout dessus. Donc je vais couvrir tout son visage d' un lavage rose très clair. Augmentons la taille de la brosse o ceux-ci nous prendront éternellement. Il va ressembler à si nous avons appliqué un filtre rose à notre peinture. Nous devons le faire en appliquant une pression très légère et Tilton en dépend, encore une fois. Maintenant, nous allons diminuer la taille de la brosse et travailler sur les détails. Nous allons ajouter plus de peinture sur les zones à l'ombre. Nous n'avons pas attaché de masque de calque à ce calque. Maintenant, nous pouvons peindre sur les zones les plus légères. Le stock lit dans une transition graduelle de la lumière à l'ombre. Vous voyez ce que nous faisons est de répéter ce même processus encore et encore sur différentes couches avec des couleurs différentes. Et à mesure que nous ajoutons de plus en plus de couches de peinture, leur visage semble de plus en plus tridimensionnel. Peut-être pensez-vous que les couleurs que nous utilisons sont trop saturées ou pas comme vous le respectez. Ne vous inquiétez pas pour ça maintenant. Ils auront l'air différent une fois que nous ajouterons toutes les couches de peinture nécessaires pour que cela ressemble à une véritable argumentation aquarelle. Et dans tous les cas, comme nous travaillons avec de nombreux calques, nous pouvons facilement modifier l'opacité ou la couleur de chaque calque indépendamment. Ensuite, couleur, je vois quelques zones que nous devons couvrir avec ocre ici. Et par ici. Vous pouvez les voir, non ? Eh bien, peut-être que vous voyez une couleur différente il donc juste ajouté à votre palette de couleurs dans un nouveau calque, nous allons soigneusement peindre ces zones se produisent partout où nous les voyons. Les brosses que nous utilisons, la pression que nous appliquons, que nous travaillions avec une seule couche ou avec plusieurs couches. Mode de fusion, ces calques sont définis sur. Tout affecte l'apparence de notre illustration, d'accord ? Dans ce cas, puisque nous utilisons une brosse sensible à la pression, j'applique une basse pression. La peinture semble assez transparente comme un lavage léger avec beaucoup plus d'eau que de pigment. Et puisque nous utilisons une couleur de couche différente, cela ressemblera à si nous utilisions la technique humide sur sèche. Cette couleur sera différente lorsqu'elle sera ajoutée sur des zones blanches, plus sombres, des zones saturées, etc. Si nous n'utilisions qu'une seule couche pour tous les travaux d'aquarelle, les couleurs se mélangeront comme si nous peignions mouillées sur mouillé. D'accord. Je vois. D' accord. Vous pensez peut-être qu'il n'y a aucun moyen que ça finisse. Eh bien, que je crée une sorte de monstre Frankenstein avec le visage rose et des taches jaunes. Eh bien, Painting Portraits est similaire à l'ajout de maquillage. Si quelqu'un prend la photo au milieu du processus, ça n'aura pas l'air bien. Mais quand il y a la bonne quantité de produits aux bons endroits, tout est superbe. OK, ensuite la couleur. Choisissons ces orange rosé. J' ai oublié de nommer cette couche. Nous sommes ELLE pauvre, crée une nouvelle couche. Appelez le, lavez cinq. Brûlure linéaire. Ok, on est prêts pour le prochain Walsh. Je vois cette couleur de saumon sur son visage et surtout sur cette zone. Donc, je vais commencer ici comme d'habitude, crayon incliné et basse pression pour couvrir les grandes zones facilement. Ok, jetons un oeil à son front. Oui, je peux voir cette couleur ici aussi. Alors passons avec elle les vallées et les zones ombragées des montagnes de son front. Basse pression et crayon plus perpendiculaire à l'écran pour payer dans les vallées. Et aussi un crayon à basse pression mais incliné pour les zones ombragées des montagnes. Rappelez-vous que nous n'utilisons pas de liquide de masquage. Soyez donc prudent et essayez de ne pas couvrir les zones mises en évidence. Si cela arrive à ne pas vous inquiéter, vous pouvez simplement utiliser le rasoir ou même créer un masque de couche et simplement cacher ces parties comme nous l'avons fait dans les vidéos précédentes. Ok, je pense que ça a l'air bien. Maintenant, continuons à ajouter plus de volume à la banane. Des bananes. Quelles bananes ? Si tu ne sais pas de quoi je parle, tes vidéos qui s'échappent. Je connais les enjeux beaucoup de temps, mais croyez-moi, si vous suivez toutes les étapes, l'effort en vaudra la peine. Je suis juste assombrir le quai est les zones avec ces couleurs doit être plus selle ici aussi bien. Et aussi quelques petits détails comme le mot qu'il a. Celles-ci. Il est difficile de percevoir la pression que j'exerce. Donc, chaque fois que vous me regarderez tenir mon crayon assez loin du TPP, je vais surtout ajouter de la basse pression et couvrir de plus grandes surfaces. Pour ajouter des détails. Je le maintiendrai près de t. Par exemple. Maintenant, je fais des mouvements circulaires pour représenter la texture de la peau. Vous voyez, la selle, n'appliquez pas trop de pression. Nous n'avions pas besoin de libérer trop de pigment. Si les cercles sont trop visibles, vous pouvez réduire leur capacité en les surpassant, en appliquant une légère pression. Vous savez, comme vous le feriez avec des aquarelles traditionnelles. Oui, tu as raison. Nous n'avons pas besoin de rincer le laiton et d'obtenir la quantité parfaite d'eau. Mais le résultat est similaire. Ok, passons à peindre les taches de vieillesse et les zones sombres. Crée un nouveau calque. Appelez le, lavez six. Choisissez cette couleur et zoomez sur Z où nous devons utiliser ces tons foncés. N' oubliez pas de changer le mode de fusion en Gravure linéaire. Et faisons ça. Je vais commencer à peindre l'année. Puis la joue. Cette couleur est plus facile à remarquer dans l'image de référence, n'est-ce pas ? Ajoutons plus de volume à la veine. Que les couleurs sont plus difficiles à utiliser parce qu'il est facile d'aller trop sombre en un seul coup. Alors essayez de ne pas appliquer trop de pression. souvent les lignes, et si vous avez l'impression qu'il est trop sombre, vous pouvez utiliser l'outil de taches, l'outil de gomme, ou même diminuer l'opacité du calque. Nous disposons de nombreux outils qui peuvent nous aider à obtenir le résultat que nous recherchons. D' accord. Maintenant, nous allons travailler sur les rides du front. Sachez que les fabricants de rides du front est l'activité du muscle frontalis. Il envoie qu'au fil du temps, non seulement la gravité et le laxisme de la peau font que notre peau se froisse, mais aussi ils excès de mouvement. À quelle fréquence utilisez-vous votre muscle frontalis ou qu'est-ce qui est le même ? À quelle fréquence élevez-vous vos sourcils ? Bien sûr que vous faites en cours d'exécution maintenant. Je suis, je cours, je le fais continuellement. Donc mon schéma ressemblera à un Raisin Zoom. Quoi qu'il en soit, utilisons cette couleur pour ajouter de la profondeur à l'œil et à son environnement. Comme je l'ai déjà dit, lorsque vous utilisez des couleurs très sombres, nous nous inquiétons toujours de devenir trop sombre. Voyons comment on peut arrêter de s'inquiéter à ce sujet. Formes en T. Un, assombrir progressivement la zone. Ce que je veux dire, c'est essayer de ne pas finir une petite partie de votre dessin à la fois, même si vous savez que cette zone est très sombre, sombre dans la zone un peu et travailler sur les environs, assombrir un peu plus. Et encore une fois, travaillez autour de la zone sombre. Si la couleur est trop sombre, changez-la. Par exemple, ici, je dois aller à la précédente sur la couleur précédente. Encore une fois, sur ces domaines. Pouvez-vous remarquer la différence ? Maintenant, je peux continuer à travailler avec la couleur marron foncé à nouveau. Et la deuxième pointe est d'utiliser un calque différent par couleur, ou au moins utiliser trois couches. Un pour la couleur de base, un autre pour les ombres. Je suis un autre pour les faits saillants. Pourquoi ? Eh bien, parce que de cette façon, si vous êtes allé trop sombre partout, vous pouvez régler le problème en réduisant simplement l'opacité de cette couche. Et si seulement une petite partie est le problème, vous pouvez utiliser un masque de calque pour diminuer l'opacité de cette pièce. Dans les deux cas, ne sera pas affecté. Je vais juste faire paraître les rides plus profondes. Dans ce cas, j'utilise l'outil de peinture pour faire les rides, puis l'outil de taches pour les mélanger un peu. En fait, il n'y a pas de lignes pointues sur nos visages. C' est juste la façon dont nous utilisons pour simplifier ce que nous voyons. Mais dans ce tutoriel, nous apprenons à peindre un portrait réaliste. Donc, si nous tracons nos lignes, ils attireront beaucoup d'attention sur eux et briseront l'illusion de la profondeur. Puisque je vais répéter ce même processus avec tous leurs guanines anneau et je ne veux pas vous ennuyer. Allons un peu en avant. C' est toute la peinture que j'ai ajoutée avec cette couleur. Je viens d'isoler ces couches pour que tu les voies mieux. Et c'est comme ça que mon portrait a l'air jusqu'à présent. J' ai inclus mon fichier procreate sur les ressources. Donc, vous pouvez regarder de plus près toutes les couches, ok, quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo où nous allons commencer à peindre les yeux et ajouter du bleu partout. 10. Ajouter du bleu: Nous avons tendance à utiliser le noir pour peindre les canaux, mais la couleur d'une ombre dépend de la couleur de la lumière qui frappe le sujet que nous peignons. Dans notre cas, il est dehors par une journée ensoleillée. La seule lumière du soleil est bloquée de la zone d'ombre. Cependant, la zone d'ombre est éclairée par le ciel bleu et la lumière réfléchie des éléments environnants. D' où les ombres bleutées. Alors commençons à ajouter du bleu partout. Créez un nouveau calque et nommez-le lavage sept. Choisissons d'abord ce bleu clair. Nous utiliserons un ton plus sombre plus tard. Mais rappelez-vous que nous travaillons de la lumière à l' obscurité comme nous le faisons lorsque nous utilisons des aquarelles traditionnelles. Comme d'habitude, j'ai oublié de changer le mode de fusion en Linear Burn. Encore une fois. Ici, nous allons à la douleur. Les ID n'est pas une tâche facile. Nous avons souvent peint trop grand ou trop petit. Gardez à l'esprit que la glace est la moitié de la taille du globe oculaire et la pupille est le tiers de l'iris, bien qu'elle devienne plus grande dans l'obscurité pour laisser entrer plus de lumière. En outre, l'iris est seulement un cercle parfait de la vue de face et il devient un ovale. Quand nous nous tournons vers le côté. Les deux fichiers devraient regarder au même endroit. Mais nous jouons souvent les deux yeux est proche des nouvelles. Ou une jambe droite et l'autre d'un côté. Et cela fait que la personne a l'air croisé les yeux. Il existe différentes façons de mieux dessiner les yeux. Et le plus important, à mon avis, est de peindre beaucoup d'yeux et de les peindre par paires. Toutes les phases ont deux yeux. Alors pourquoi ne peignons-nous qu'un seul œil ? Bien que je vois surtout le bleu autour des yeux. Ce n'est pas la seule partie de la phase. Nous allons ajouter Bluetooth. Nous utiliserons également le bleu dans de nombreux autres endroits, non seulement parce qu'il y a du bleu partout sur l'image de référence, mais aussi parce qu'en général, couleurs des zones de l'ombre sont moins saturées et se rapprochent d'un terme bleuâtre. Dans ce cas, bleu. Et les couleurs que nous avons utilisées pour peindre la peau qui étaient rose, saumon se produisent, etc, se trouvent sur les côtés opposés de la roue de couleur. Donc, nous allons stimuler le contraste, vous voyez en bleu à côté de ces couleurs. Et nous obtiendrons des tons neutres plus naturels pour nos ombres. Mélangez du bleu avec ces pigments. Et maintenant, c'est quand vous demandez, pourquoi est-ce ainsi ? Que se passe-t-il quand on se mélange ? Les couleurs complémentaires sont des couleurs qui sont sur les côtés opposés de la roue de couleur, est qu'ils changent la teinte et atténuent la luminosité et saturent la couleur résultante. Comme vous le voyez, le résultat sera ajouter une couleur plus foncée et neutre. Mais comment le saturé dépend de la quantité de pigment que nous ajoutons au mélange. Maintenant, commençons à ajouter du bleu tout autour. Faisons la taille de cette brosse. Pour faire ces FASTA. Diminons la taille ici. C' est quoi un beau contraste, non ? Une fois que nous les avons rendus bleus partout, ensuite, continuez. Cette diode utilisera ces bleu foncé. N' oubliez pas de créer un nouveau calque. Elle 8. Et changez le mode de fusion en Gravure linéaire. Finissons les yeux. Je n'ajouterai pas beaucoup de détails aux élèves. Je vais juste mettre l'accent sur le limbus. J' ai fini. Limbus est un mot latin qui signifie Boulder. Et ça craint tristement, ce qu'ils disent est le gras entre la cornée et la sclérotique. D' accord. Je vais également utiliser ces virages plus sombres pour peindre l'ombre projetée par les îlots de l'APA. Soyez prudent, ne couvrez pas l'iris entier avec du bleu. Nous avons besoin des points forts pour rester blancs. Eh bien, je pense que ça a l'air bien. Alors jetons leur chapeau dans la peinture. Le chapeau est très sombre, mais comme toujours, nous ajouterons de plus en plus de peinture progressivement. Nous allons commencer à peindre la partie la plus sombre. La façon dont nous bougeons le crayon est très importante. Beaucoup de gens sont découragés quand ils peignent parce qu'ils déplacent toujours le crayon dans la même direction ou tout simplement au hasard. Sans penser au finnois ou à la texture que nous visons. Si nous voulons que quelque chose soit courbé, nous devons déplacer notre crayon dans cette direction. Si nous voulons que quelque chose ait l'air pointilleux, nous devrons zigzag. Nous voulons obtenir un résultat lisse sans texture ou baies texte sellé, Monsieur, Nous devrons passer sur la même zone quelques fois haut et basse pression et changer la direction de nos coups ou faire de petits mouvements circulaires. La plupart du temps, nous devons combiner différents types de coups. Dans ce cas, nous devons faire des traits incurvés pour obtenir la forme globale du chapeau inscrutable pour transmettre la texture du tissu. Il est également important de la pression et appliqué la brosse choisie sur la taille de la brosse. Comme vous le voyez, Dan même bord de ces pinceaux, aidez-nous à y arriver. Texture sans effort. Si nous devions envoyer un pinceau avec un bord uniforme, nous aurions dû faire des lignes tremblantes pour obtenir la même texture. Maintenant, je vais diminuer la taille de la brosse pour créer des fossiles, fibres brisées, et tous les petits détails. N' oubliez pas à quel point les détails juridiques sont importants. Entretien irréaliste, la main de laine est faite. Dans la prochaine vidéo, nous allons nous concentrer sur la peinture de cette veste en jean. 11. Peindre le tissu: Peindre le tissu peut sembler compliqué, mais en fait le processus est assez similaire à la peinture dans les rides. Il s'agit d'observer et de copier les faits saillants, les mètres et les ombres. Voyons quelques exemples. Est-ce que ça te rappelle quelque chose ? Cela me rappelle les rides du front que nous avons peintes dans les vidéos précédentes. La couleur et la texture sont différentes, mais ils ont mis en évidence des ombres de forme jetées, les ombres sont presque identiques, non ? Donc, nous savons déjà comment peindre les plis dans le tissu. Qu' en est-il de la texture du tissu ? Eh bien, comme nous l'avons déjà fait avec la texture de la peau, nous devons concevoir le niveau de détail que nous voulons reproduire. G12 douleur, chaque fibre, quelques lignes, ou juste la forme globale. Le choix est à vous. Mais gardez à l'esprit que tout ce que vous peignez devrait avoir le même niveau de détail, sauf si vous voulez que quelque chose soit tracé contre le reste. Comme nous l'avons dit dans les vidéos précédentes, il est important d'abord poser nos couleurs claires et de travailler vers les couleurs plus foncées. Nous avons déjà établi notre couleur de base. Alors commençons à assombrir les zones les plus sombres. Comme d'habitude, comparez ce que vous faites avec l'image de référence. S' il y a une transition progressive entre les zones éclairées et les zones de l'ombre, nous essaierons d'imiter à plat en faisant varier la pression, appliquant plusieurs couches de pigment et en utilisant cet outil beaucoup. Nous savons déjà que nous pouvons utiliser l'une de ces méthodes ou les combiner toutes. Tant qu'un résultat semble bon, ça n'a pas d'importance. Pouvez-vous voir la transition forte entre le revers et le reste de la veste. Là où nous voyons des transitions nettes, nous allons créer des arêtes plus définies. Si tout ce que vous pouvez voir est bleu foncé partout, ne vous découragez pas. Parfois, il n'est pas facile de voir ces transitions, surtout lorsque la couleur du tissu est sombre. Lorsque nous ne voyons pas clairement ce qui se passe, nous devons utiliser nos connaissances. transitions nettes sont généralement causées par des ombres lancées. Dans ce cas, le revers jette une ombre sur le devant de la veste. Cette ombre est ce qui nous a amenés à percevoir que le revers est au-dessus du reste. Il est donc important de l'ajouter à notre peinture. Mais il y a d'autres choses qui se passent ici. L' ombre est jetée sur un pli, pas sur une surface plane, sorte que nous avons non seulement besoin de peindre l'ombre coulée, mais aussi l'ombre de forme qui fait qui sera perçue comme telle. Parfois similaire se produit avec la couleur, mais dans ce cas, nous avons aussi plus de lumière réfléchie. Nous devrons donc ajouter moins de peinture. Très sombre. Nous allons donc y ajouter plus de pigment. Essayez de ne pas ajouter trop de peinture aux zones les plus légères de ces pièces. D'accord. Non. Ou seulement un grand contraste pour voir ce qui se passe ici. Jette une ombre sur trois plis. Nous allons ajouter plus de peinture à, disons, disons que les plis de montagne que nous apportons des objectifs dans les vidéos précédentes. Je ne sais pas comment grande chaussure qui va. Je vais donc terminer cette partie en ajoutant simplement un peu de détails. Ça a l'air beaucoup mieux, non ? Et nous n'avons dessiné que quelques côtes de Chris. Vous imitez cela au Texas sur quelques lignes courtes, pliez les points de suture. Ça doit être plus sombre. Je pense que je peux repérer un bouton. Peut-être que ça dit mon imagination, mais je vois quelque chose qui brille un peu ici. Je ne vois pas clairement. Donc, une fois de plus, j'ai besoin d'utiliser mes connaissances sur les boutons, ce qui n'est malheureusement pas beaucoup. Donc notre cercle suffira. Ajoutons plus de détails au revers gauche. Mais pas beaucoup. Maintenant, ajoutons du volume à ce pli. C' est plus facile à souffrir que tu ne le pensais ? À la douleur animale, le prêt est occupé. Ajoutons aussi un peu de détail au revers droit. Sa veste façon vert foncé la photo, mais je pense que je préfère SET est en ce moment EDC ici pour apprécier tout le travail que nous avons fait. Mais par tous les moyens, si vous l'aimez plus sombre, continuez à l'assombrir. Nom progressif. J' ai failli oublier de peindre la chemise. Nous ne voyons qu'un petit morceau de chemises, donc ceux-ci seront rapides à des lignes diagonales. Ces deux lignes, ombre bleue sur l'audace. J' ai besoin de quelqu'un. Eh bien, passons à la couche précédente. Et la couleur précédente. Douille simplement quelques lignes de plus. Encore une fois, le cou me tue. Afin d'enregistrer les besoins partagés plus de travail ou de regarder plus sombre. On doit d'abord travailler sur le cou. J' ai besoin d'utiliser le brun maintenant, donc je vais aller à la couche de lavage six et choisir brun. Tout ce que j'ai peint sur cette couche est brun. Donc, si j'ai besoin de changer la couleur plus tard, je peux sélectionner ce calque et le recolorer. Il y a des parties brunes qui ne fonctionnent pas. Je peux aller à ce calque et les modifier ou les effacer sans affecter le reste de la peinture. Avant que le cou ne soit peint, ce partage avait l'air inachevé, mais après l'avoir peint, je pense que les deux ont fière allure. Peinture pli jusqu'à présent, il n'est pas aussi difficile que nous le pensions, non ? Eh bien, maintenant que nous nous sentons plus confiants avec ce que nous sommes capables de peindre, Jetons dans la peinture des cheveux. 12. Peindre des cheveux: Dans cette vidéo, je vais vous montrer les étapes que je prends pour la peindre. Comme il est centré, porte un chapeau, nous allons nous concentrer sur la peinture des marques et la barbe. Nous apprendrons que la direction du trait et la variation de couleur sont vitales lorsque vous travaillez de manière réaliste. Au fait, connais-tu ce morceau de cheveux ? Jamais une seule couleur, pas même blanche elle jetons un oeil à sa barbe blanche. Tu le vois complètement blanc ? Je parie que la réponse est, pas du tout. Rideaux blancs d'une perte de melon. Mais il n'y a pas toujours une absence totale de mélanine, ce qui signifie qu'il y a encore un débat de couleur dans ce large. En plus de sa porosité, il observe des pigments provenant de produits chimiques, l'environnement, de ce que nous mangeons, etc. Le résultat est que les cheveux de nous tous ont beaucoup de nuances de différentes couleurs. Et si cela ne suffisait pas, les couleurs qu'ils ont entendues absorbent et se reflètent lorsque la lumière la frappe sont différentes, dépendantes de sa propre couleur. C' est pourquoi seulement nous a envoyé de la bière est complètement blanc. Ma prise est nécessaire. Ce que je fais maintenant, c'est de fixer les couleurs. Je vois. Ce sont principalement des ombres de différentes couleurs. Et on peut aussi voir qu'il est confronté à travers la barbe. Nous n'avons pas besoin de peindre des poils individuels pour représenter une barbe. On peut simplement le peindre comme s'il s'agissait d'un nuage. La prochaine étape sera donc totalement facultative. Mais si nous voulons peindre les poils individuels d'une barbe blanche, nous avons besoin d'un fond qui n'est pas blanc. Lean startup Jones fera les cheveux blancs se démarquer. On peut aussi voir des éclats de cheveux sortant du chapeau. Donc, nous allons aussi la peine d'ajouter quelques ombres ici. Les cheveux de la barbe sont câblés et ont tendance à être trimestriels. Donc il est signé pour activer ce mode de ligne fragile. lignes tremblantes et squiggly nous aideront à imiter la texture de sa barbe. Nous allons travailler très soigneusement sur le contour des cheveux. Nous ne ferons jamais des lignes de bord solides autour de la pyramide 10, parce que, comme nous l'avons dit dans les vidéos précédentes, cela serait instantanément aplatir et détourner notre dépeint de réalisme. Ses sourcils, elle est également câblage, mais il est courbé au lieu de actuellement. Donc, tourner de la ligne fragile déplacé et tourner sur les lignes courbes un. Beaucoup d'entre vous m'ont demandé combien de couches j'utilise pour peindre numériquement. La réponse est toujours sortie d'eux. Peut-on souffrir en utilisant une seule couche ? Absolument. Mais nous serons plus facilement frustrés chaque fois que nous devons changer quelque chose. Surtout quand nous travaillons sur des conceptions complexes. Il faut du temps pour s'habituer à ces méthodes. Il est tout à fait normal que vous oubliez de changer le calque. Ne sois pas dur avec toi-même. Vous allez créer quelques peintures désordonnées au début. Mais après cela, vous maîtriserez le travail avec des calques. Dans tous les cas, Essayons à une approche différente et ne travaillons qu'avec deux couches au lieu d'un par couleur. Créer une nouvelle couche pour peindre toutes les couleurs de sa barbe et en couches, nous allons en créer un autre pour les blancs. Peindre des individus. La sienne prend énormément de temps. Nous allons donc gagner du temps en utilisant la brosse à cheveux fins qui vient avec la procréation. Nous avons juste besoin de nous assurer que nos coups coulent dans la même direction que les cheveux. J' ai la moitié de la même longueur. Bien sûr, si les cheveux sont droits ou légèrement incurvés, utilisez des mouvements de scintillement. Et si elle les filles font des formes SMC. Déplacez votre main en mouvements rapides. Un peu au hasard. La variation de ligne est la clé pour créer des peintures intéressantes. Je pense qu'on a besoin d'un peu plus de bleu ici. En passant, vous pouvez désactiver ou jouer avec l'opacité de la couche d'étude de valeur pour ajouter plus ou moins de contraste entre les tons clairs et les ombres. Eh bien, créons un nouveau calque pour les traits blancs. Nous devons les faire dans une couche différente. Parce que si vous essayez de les peindre dans une couche avec une brûlure linéaire, vous ne pourrez pas voir quelque chose. Vous penserez que vous allez crayon soudainement arrêté de travailler. Donc nouvelle couche et normal mélangé. D' accord. Et copiez les traits que vous voyez dans votre image de référence. Rappelez-vous les mouvements de scintillement. Lancez-les légèrement. Oui, comme nous l'avons fait avant, mais avec un design blanc, il n'y a pas assez de contraste, donc nous devons aller à la couche précédente sur assombrir certaines zones de taupe appât. Je vois un brin brun foncé ici. Payons-les. Ajoutons de l'ocre ici. Je ne suis pas sûr si c'est la dysgenèse ou le faux fait que mes grands-parents se disputent toujours sur les moyens. Ma grand-mère aime vaporiser tous les cheveux de mon grand-père. Elle dit, de cette façon, il a entendu dire qu'il sent bon et qu'il se plaint toujours. Il a dit : « Ne fais pas une femme du FADH qui a tourné dans mes cheveux jaunes. C' est drôle que la même conversation presque tous les jours. Eh bien, fais des coups de marron ici et là. Donc plus rose aussi. Sois blanc. Allez sur le calque blanc et choisissez le stylo technique. Nous allons ajouter quelques nouvelles individuelles Harris comme celles-ci. Aussi, nous allons faciliter l'outil de taches pour les faire disparaître où ils rencontrent ce jeu. Vous pouvez même peindre un peu plus de pores pour ajouter plus de réalisme. Si vous décidez de les peindre, n'oubliez pas le positif de la brosse. Ou les pores ressembleront à des taches de vieillesse ou à des mots. D'accord. Ces poils rebelles qui sortent de la masse des cheveux donnera une peinture de volaille plus naturelle. Très positif. Le pinceau aussi. On ne voit pas toutes les mèches de cheveux avec le même niveau de définition, non ? Comme vous le voyez, je me suis perdu en ajoutant des détails et j'ai oublié d'augmenter le contraste. Revenons donc à l'autre couche de cheveux et assombrir certaines zones. Utilisons l'outil de sélection de couleurs pour vérifier la coda. Nous devrions les utiliser lorsque je choisis la brosse polyvalente Bumble et passer sur les zones les plus sombres jusqu'à haute et basse pression. Une partie de l'arrière-plan, nous avons certainement besoin de plus de contraste ici. Comme d'habitude, puisque nous appliquons une basse pression, nous devrons passer sur certaines parties pour les rendre plus foncées. Utilisons le brun. Je suis sur des petites perles de saumon. De nombreuses brosses peuvent être utilisées pour peindre les cheveux, comme le chanvre ou la brindille. Je recommande de les donner tous il y a et de choisir celui que vous aimez le plus. Nous allons utiliser le pinceau tweet pour peindre les sourcils. Utilisons d'abord Braam et faisons des lignes courbes qui se croisent. N' oubliez pas de lever votre crayon sur les gambits AD-DIN en un mouvement de scintillement rapide pour permettre aux lignes de se rétrécir. Il semble qu'il y ait quelques brins de cheveux jaunes dans l'ombre. Alors ajoutons quelques lignes pour aller aux cheveux blancs. Nous sommes presque prêts à sauver autant d'Est. En tant que Socrates, on a du mal à dire ça. Mais c'est parce qu'il y a toujours quelque chose qui peut être amélioré avec n tiret de couleur ici et là, suivi par plusieurs undoes et quelques autres couleurs et quelques détails supplémentaires. Dans la prochaine vidéo, je ferai de mon mieux pour finir l'espace. 13. Touches de finition: Dans ce domaine, nous essayions de ne pas surmenage cette peinture. Donc, nous allons seulement peindre les cils, ajouter quelques reflets et assombrir quelques ombres. Pour peindre les cils, nous allons utiliser la ruée de chanvre parce qu'elle ne crée pas de lignes solides et est sensible à la pression, ce qui nous permet de créer des cils réalistes. Ne douleur pas trop. Ils sont difficiles à voir sur l'image de référence, mais ils dessinent aussi certains d'entre eux croisant en forme de V. Les cils ont tendance à le faire. Ajoutons quelques faits saillants ici. Maintenant, modifions le pinceau pour créer les surlignements moins définis. Encore une fois, n'appliquez pas trop de pression. Il est préférable d'aller sur la même zone quelques fois pour le faire boucle de fil, ok ? Si nous ajoutons, le mot aura l'air plus arrondi. Voyons voir, les boucles font beaucoup. Nous devrons utiliser ce montant pour dépenser. Nous pouvons également faire quelques petits points pour ajouter de la texture à la peau. Comme d'habitude, utilisez cet outil beaucoup pour les mélanger avec le reste. Enfin, allez à la couche de cheveux. Cette couleur, nous allons assombrir encore plus les zones dans l'ombre. Pour augmenter le contraste et obtenir une plus grande sensation de profondeur. Je dois utiliser un rasoir ici pour séparer le bout du nez de la moustache. En ce moment, ils semblent être dans le même avion. Les quatre que je vais mettre en évidence sont nécessaires. Commençons aussi dans la narine. Ouais, beaucoup mieux. Maintenant, nous allons travailler sur la zone des yeux. Rappelez-vous, concentrez-vous sur la création de contraste entre les lumières et les sombres. Appliquer dans mon pinceau et faire des transitions progressives. Je vois des choses dans lesquelles je pourrais être des heures de guerre gagnantes. Mais je ne veux pas admettre que c'est gentil avec nous, n'est-ce pas ? Alors je vais assombrir un peu la tête. Celles-ci ont disparu. Snip différent à cause des lumières du studio d'enregistrement. Mais c'est le résultat final. Qu'est-ce que tu en penses ? Wow, tu l'as fait si loin. Mais toi-même à l'arrière parce que ce n'était pas un portrait facile à peindre. J' espère que tout ce que vous avez appris dans ce tutoriel vous aidera à créer beaucoup plus de portraits réalistes. J' ai hâte de les voir. Rendez-vous dans le prochain tutoriel.