Peindre le portrait en monochrome

1. Introduction à l'huile: Salut tous. Dans cette classe, nous allons peindre le portrait et les huiles monochromatiques. À l'origine, je voulais faire ce cours pour ceux d'entre vous qui ont peut-être déjà une certaine expérience de dessin. Et nous songeons peut-être à la peinture à l' huile ou à tout autre type de peinture d'ailleurs. J'ai donc voulu que cela soit très facile à suivre, étape par étape afin que cela vous facilite un peu le processus d'apprentissage, afin que vous puissiez prendre certaines de ces compétences en dessin et être capable de les appliquer immédiatement à la peinture à l'huile. Maintenant que nous commençons le cours, je vais commencer par un dessin préparé à l'avance, que je vais discuter de la façon de transférer sur une toile. Maintenant, cette étape est totalement facultative, mais je vous encourage à le faire car elle rend le processus un peu plus facile à suivre. À partir de là, je discuterai de la coloration de votre surface et du début des couches initiales pendant que nous préparons notre peinture. Maintenant, je choisis d'aller dans une sorte de portrait plus long pour cette classe en particulier. Mais beaucoup de principes dont j'ai parlé peuvent être appliqués à une peinture Alla prima : si vous vouliez simplement faire un croquis plus court, presque à l'huile en monochrome, vous pourriez également suivre cette approche. À mesure que nous développons la peinture. Je discuterai de la façon dont j'aime construire différentes couches, tout en affinant les fonctionnalités individuelles et en reliant tout ensemble. Encore une fois, mon approche pour ce cours était vraiment de vous guider étape par étape, les différentes étapes de la construction du portrait vers un finnois. Et bien qu'il ne soit pas nécessaire de suivre pour obtenir un bon résultat, si vous commencez tout juste par la peinture et que vous n'êtes pas sûr des différentes étapes à suivre dès le début. une finition. Je veux simplement vous guider tout au long du processus et vous pouvez décider ce qui est logique pour vous et ce qui semble être adapté à la façon dont vous aimez travailler. ensemble, je veux simplement rester aussi simple que possible pour que si vous commencez à peindre, j'espère que c'est un très bon moyen pour vous de prendre le le voir se dérouler étape par étape afin que vous puissiez vous sentir plus confiant lorsque vous approchez le portrait et profitez simplement d'une expérience de peinture sous votre ceinture. Merci d'avoir regardé. 2. Matériaux: Très bien, donc avant de commencer, je voulais juste parler un peu des matériaux et de ce que j'utiliserai pour la démonstration. Mais je veux aussi simplement parler de certaines options que vous pourriez envisager en fonction du look que vous recherchez dans votre tableau. Maintenant, évidemment, parce que nous réalisons une peinture monochromatique, vous voulez simplement la garder assez limitée. De cette façon, vous n'avez pas à faire trop de choix et nous pouvons simplement concentrer sur la partie peinture. Mais néanmoins, je vais parler de différentes options que vous pourriez trouver attrayantes. Donc avant tout, nous allons évidemment avoir un pigment blanc d'une sorte, puis un pigment plus foncé d'une sorte de monochrome. Mais je vais utiliser du blanc floqué pour ma démonstration. Et vraiment, la seule différence est qu'un blanc floqué est un pigment à base de plomb, très similaire à ce que vous voulez appeler, comme les criminels, blanc, le blanc, le blanc de plomb, tous à peu près la même chose. Maintenant, si vous ne vous sentez pas à l'aise travailler avec un pigment à base de plomb, c'est totalement fin et probablement normal. Vous pouvez donc toujours choisir d'utiliser le blanc titane par défaut. Et en réalité, la seule différence autre que les pigments eux-mêmes est que la force de teinture d' un pigment à base de plomb ne sera pas aussi forte que le blanc de titane. Le titane est donc un pigment blanc très opaque qui peut vraiment changer radicalement les couleurs assez rapidement si vous utilisez beaucoup dans vos mélanges. Donc, mais sinon, ce serait vraiment le seul choix que vous auriez à faire pour eux. Maintenant, en ce qui concerne notre pigment noir, je vais parler de quelques options différentes. Maintenant, je vais utiliser du bois brut pour mon pigment foncé. Et la raison en est que j'aime bien ce que ça ressemble. C'est un peu comme s'il ne faisait pas trop chaud, mais il ne fait pas trop froid. Il y a donc une sensation neutre agréable dans le mélange. Ce qui finit par se produire, c'est qu'ils comparent cela pour dire, quelque chose comme un bois brûlé. Le bois brûlé contient beaucoup de rouge, donc vous obtenez un mélange plus chaud pendant que vous peignez et cela peut vous plaire. Pensez, vous savez, presque à ce ton sépia un peu semblable qui en soi est un joli, c'est une belle esthétique. Maintenant, le seul problème avec ces deux pigments est que lorsque nous ajoutons du blanc aux mélanges, ils commencent à devenir beaucoup plus ternes assez rapidement et ils ne sont pas vraiment super, super sombres hors du tube. Je veux dire, ils sont assez sombres et en termes d'échelle de valeur. Mais si nous recherchons une gamme de valeurs complète, il est difficile d'y parvenir avec seulement ces pigments. C'est donc là que le fait d'avoir un peu de noir ivoire bouche peut être vraiment bénéfique pour obtenir des valeurs vraiment sombres qui peuvent être dans ombre ou une valeur d'accent dans votre tableau. J'aurai donc toujours un peu de noir ivoire dans ma palette. Juste pour ces mélanges vraiment sombres où, vous savez, si je n'arrive pas à obtenir tout à fait la valeur que je cherche à sortir du tube du bois brut. Et je dirais surtout pour le bois brûlé lui-même, c'est parce qu'il fait un peu plus chaud, vous voudriez presque l'avoir votre palette de toute façon, car comme vous le mélangez, il peut devenir sombre. Ce n'est pas super, super sombre si vous avez besoin de ces valeurs vraiment profondes. Maintenant, le seul autre ajout que j'ai ici est un Van Dyke brun. Et très semblable au bois brut, c'est qu'avec le brun Van Dyke et le blanc, il donne une belle couleur neutre. Il n'est pas aussi chaud que le bois brut. Il y a donc une légère différence, mais je préfère que je dise simplement peindre avec, disons si j'ai fait du blanc ou noir ou du blanc et Van Dyke brun, le mélange blanc et noir ivoire, si vous peignez monochrome, c'est en fait un mélange très froid. Et je ne trouve pas vraiment ça attrayant. Pour être honnête. Vous pouvez certainement l'essayer, mais c'est vraiment je ne sais pas. C'est difficile à décrire, je suppose qu'en mots, c'est que le blanc et le noir, ça se prête juste à une peinture très froide. Et donc, comme alternative, si vous vouliez simplement coller à deux pigments, je vous recommanderai peut-être le brun Van Dyke parce qu'il devient un peu plus neutre. Il va donc être frais et plus neutre que le bois brut ou le bois brûlé. Mais il ne s'agit pas là d'une autre option. Donc, si vous voulez juste dire, prenez deux pigments et ne vous inquiétez même pas du noir ivoire. Vous pourriez totalement faire un Van Dyke brun et un blanc, et ce serait assez d'une gamme, mais avec l'ivoire, le noir ivoire étant une couleur si commune, ça vaut la peine de l'avoir toujours sous la main. C'est donc quelque chose que vous allez utiliser de toute façon. En dehors de ça, c'est peu près tout ça en termes de pigments. Vous n'avez vraiment besoin de rien d'autre pour cela. Maintenant, en dehors de cela, la seule autre chose que nous aurons, c'est soit des solvants et peut-être un médium. Maintenant. Je n'utiliserais aucun support tout au long de la peinture. Ce sera juste une huile de lin standard donc vous n'avez pas vraiment besoin de quoi que ce soit de super fantaisie. Et je dirais qu'avec n'importe quel support, c'est quelque chose que vous utiliserez avec parcimonie. Nous voulons avant tout simplement concentrer sur le travail avec la peinture. Et la plupart des fois, les pigments eux-mêmes contiennent suffisamment d'huile pour que vous n'ayez pas vraiment besoin de support supplémentaire. Donc maintenant, si vous peignez très épais ou quelque chose du genre, vous pouvez toujours s'empiler sur de la peinture, mais je peins généralement assez mince sur, vous pouvez toujours s'empiler sur de la peinture, mais je peins généralement assez mince sur, vous savez, un corps moyen lorsque je travaille. Donc vous n'avez pas vraiment besoin de support supplémentaire, mais si peut-être certaines de ces couleurs que je connais ou que j'ai eu depuis un moment et si elles sont un peu raides hors du tube, j'ajouterai un peu de graines de lin juste pour obtenir les couleurs coulent un peu plus facilement. En dehors de cela, vous voulez une sorte de solvant ou de nettoyant pour pinceaux juste pour pouvoir nettoyer vos pinceaux entre les couleurs en mélangeant ou quoi que ce soit de ce genre. C'est donc comme un nettoyant naturel pour pinceaux que j'aime bien, car je suis dans un très petit espace et je n'ai pas la meilleure situation de peinture. J'aime l'utiliser parce que c'est un peu plus naturel que de la térébenthine. Mais toute sorte de spiritueux minéraux inodores suffira juste à nettoyer vos pinceaux. Je n'utilise donc jamais de solvant pour peindre ou quoi que ce soit de ce genre. C'est uniquement pour nettoyer mes pinceaux. Maintenant, encore une fois, je sais souvent que j'aurais eu des élèves dans le passé où ils coupaient leur peinture avec térébenthine pour l'éclaircir et ensuite peindre avec ça. Maintenant, je ne suis pas nécessairement d'accord avec cela et je n'entrerai pas autant dans le pourquoi. Mais si vous allez éclaircir votre douleur, vous voulez utiliser un médium quelconque. Le solvant n'est vraiment qu'un agent de nettoyage. Donc, en dehors de cela, je vais parler un peu des pinceaux, mais nous voulons garder cela à nouveau, assez simple et direct, donc il est plus facile pour nous de travailler. Donc, en ce qui concerne les pinceaux, je garde les choses assez simples et parce que je travaille assez petit, plupart du temps, je vais simplement m'en tenir à des pinceaux plus petits. Et si je travaillais sur une toile plus grande ou quelque chose de ce genre, je mettrais à l'échelle mes pinceaux pour que, vous savez, je mettrais à l'échelle mes pinceaux pour que, vous savez, je sois un peu, plus vous travaillez, plus vos pinceaux veulent être grands. La plupart du temps, je travaille. Et 11 par 14, 12 par 16 tailles peuvent être de 16 sur 20 parce que je ne travaille pas assez grand si je fais un portrait ou quoi que ce soit de ce genre. Donc, la plupart du temps, mes pinceaux seront du côté plus petit et c'est tout simplement plus facile pour moi de travailler. Et ce sont principalement des rondes, mais j'utiliserai aussi quelques Hilbert. Si vous commencez tout juste par la peinture à l' huile d'une poignée de tailles peut-être différentes autour d'un plat, un filbert. Juste pour que vous puissiez vous familiariser avec le fonctionnement de ces pinceaux. Je me retrouve simplement, en ce qui concerne la façon dont j'aime peindre ces jours-ci, je me retrouve à graviter vers les rondes et c'est plus une préférence personnelle. En dehors de ça, j'utilise juste des pinceaux très peu coûteux. Je n'utilise pas de matériaux très coûteux comme des pinceaux ou quoi que ce soit de ce genre. J'utiliserai une peinture plus agréable la plupart du temps, mais les pinceaux peuvent s'abîmer assez facilement, juste en nettoyant et en peignant et en nettoyant avec des solvants et des trucs comme ça. J'ai donc juste tendance à m'en tenir à des pinceaux moins chers. Honnêtement, c'est vraiment à propos de ça. Il suffit de garder quelques tailles différentes, vous savez, avoir des tailles plus grandes, juste au cas où des tailles plus petites et des tailles moyennes, peu importe. Mais non, vous n'avez pas besoin d'une sorte de boisseaux de brosses pour commencer. Vous pouvez honnêtement faire une peinture avec une poignée de pinceaux juste pour commencer. En dehors de ça, vous allez voir quelque chose que vous allez toujours acheter. À un moment donné, lorsque vous peignez plus, vous savez, vous accumulez naturellement des pinceaux au fur et à mesure. Mais si vous commencez tout juste, restez vraiment simple pour vous-même et obtenez une poignée de tailles avec lesquelles travailler et n'obtenez rien de super, super petit. On s'en tient à quelque chose. Et je dirais que la balance, la façon dont les pinceaux sont numérotés, chaque marque fait quelque chose d'un peu différent. Donc, un pinceau taille 8 dans une marque et selon le type de pinceau qu'il est, que ce soit autour, qu'il s'agisse d'un filbert ou d'un plat, les chiffres sont différents pour chaque marque, donc cela ne veut vraiment rien dire. Honnêtement, je regarde juste la forme et la quantité de cheveux qui se trouvent au milieu de la brosse, et c'est vraiment à peu près tout. Restez donc simple pour l'instant. Et parce que nous ne faisons que des portraits, nous n'avons pas vraiment besoin de pinceaux super énormes ou de quoi que ce soit de ce genre. Et la seule fois où vous voudriez avoir beaucoup de pinceaux plus gros, comme si vous travailliez très gros, mais je soupçonne que la plupart d'entre vous travailleront sur comme si vous travailliez très gros, mais je soupçonne que la plupart d'entre vous travailleront une toile de taille moyenne, vous savez, comme moi dit plus tôt, comme 11 par 14, 12 sur 16 environ. C'est une bonne taille pour une étude de portrait que nous allons faire dans cette classe. 3. Le dessin initial: Avant de commencer la peinture, je voulais simplement discuter de mon approche et de mon processus dans ce projet. Maintenant, il y a plusieurs façons de décider de le faire en fonction de ce que vous décider de le faire en fonction de ce vous sentez à l'aise et du type d'approche que vous préférez. Maintenant, évidemment, j'ai un dessin terminé ici, donc je vais discuter de ce que je fais avec cela et de la façon dont je vais commencer ma peinture. Mais certains d'entre vous préféreront peut-être faire leur dessin directement en peinture dès le début. Maintenant, c'est une autre façon d'aborder ce genre de peinture. Et c'est un peu plus direct. Et si vous avez l'impression de faire ce genre de projet en une seule séance, peut-être deux. C'est une façon valable d'aborder cette question. Maintenant. Pour que cela reste plus orienté vers tous les niveaux évidemment plus vers les débutants. Ma suggestion serait de faire une sorte de dessin au crayon pour votre peinture afin que vous ayez quelque chose à préplanifier la façon dont votre peinture va commencer. Et cela vous donne un peu plus de guide à partir duquel travailler. Je trouve qu'en ce qui concerne l'approche de la réalisation d'une peinture plus complète, c'est une bonne étape initiale vers laquelle on peut commencer un dessin terminé dès le début. Et ça ne fait que préparer le terrain pour une peinture réussie. Maintenant, la raison pour laquelle je suggère de faire cela est qu'en faisant un dessin initial, il vous permet de résoudre les problèmes éventuels qui pourraient être un peu plus difficiles à comprendre dans la peinture. Maintenant, encore une fois, cela dépend également de votre niveau de dessin et de la façon dont vous vous sentez à l'aise avec peinture à l' huile comme support pour commencer. Mais je trouve toujours qu'en ayant un premier dessin, cela me permet de me mettre un peu plus à l'aise avec mon sujet, ses formes dans n'importe quel type de domaine potentiel qui pourrait être un Un peu difficile à dessiner. C'est plus facile pour moi de résoudre ces problèmes au crayon. Ensuite, ce serait juste essayer de le comprendre avec de la peinture. Si je peignais Alla Prima ou plus directement. Donc, avec ce dessin que j'ai établi ici, ce que je considérerais que c'est un peu au-delà de ce que je considérerais comme un bloc de base. Il y a un peu plus d'embellissement dans les formes, hum, et certains des choix de design que j'ai faits dans les caractéristiques. Et ce que je dirais en fait, c'est que pour ce bloc particulier, j'ai surconçu et embelli beaucoup de formes. Maintenant, la raison pour laquelle j'ai choisi de le faire est que je sais qu'en arrivant au tableau, je vais adoucir beaucoup de ces informations. Et je ne veux pas qu'il soit aussi découpé ou surestimé que je l'ai fait dans ce dessin. Mais ma résolution de problèmes, certaines de ces zones sont des formes pour commencer dans le dessin. Cela va me rendre un peu plus facile d' entrer dans ma peinture, connaissant exactement toutes ces petites formes que j'ai vraiment embellies dans le dessin. Cela va me permettre de peindre avec un peu plus de confiance lorsque je commence à les remplir. Encore une fois, il s'agit d'une préférence personnelle quant à la façon dont j'ai abordé ce dessin particulier. J'ai certainement exagéré beaucoup de caractéristiques et j'ai conçu les formes de sorte que lorsque j'arrive à la peinture, j'ai quelque chose de très spécifique à travailler. Maintenant, le niveau de chacun en termes de dessin ou de quelles informations ils pourraient avoir besoin ou, vous savez, n'a pas besoin, dépend de vous. Encore une fois, pour cet exercice particulier, je suis en train de surestimer certaines choses et je dirais , ce faisant, j'ai peut-être perdu un peu la ressemblance, ce qui est quelque chose que je vais devoir revenir dans le tableau. Mais pour moi, je me sens à l'aise d'avoir beaucoup de formes peut-être trop conçues que je sais que je vais tonifier une fois que je commencerai à appliquer de la peinture. Maintenant, si vous décidez d'aller faire un premier dessin, ma recommandation serait faire des copies xerox de votre dessin. Il y a maintenant deux raisons pour lesquelles nous voulons le faire. La première raison est que nous ne voulons pas perdre ou ruiner le dessin original. Nous voulons avoir quelque chose à utiliser comme guide et notre peinture si nécessaire. Nous voulons donc préserver l'original du mieux que possible. L'autre chose, est que nous voulons utiliser les copies Xerox pour pouvoir transférer l'image directement sur notre Canvas. Et ce genre de choses nous fait gagner un peu de temps à long terme. De cette façon, nous n'avons plus besoin de comprendre à nouveau le dessin que nous avons passé tant de temps à faire en premier lieu. Maintenant, l'autre avantage de faire des copies xerox est que je peux également augmenter ou diminuer l'échelle de l'image en fonction de la taille ou de la petite taille que je veux travailler. Souvent, quand je vais faire des copies, c'est imprimer plusieurs tailles différentes juste pour voir à quoi elles ressemblent. Je vais donc passer par incréments de 5 %, 10 %, 15 %, soit à la hausse ou à la baisse pour voir à quoi cela ressemble. Parce que nous devons également tenir compte de la façon dont cette image va être placée sur notre toile en composition, que pensons-nous pour le portrait ? Il vous permet de faire ces choix sans avoir à faire plusieurs dessins ou quoi que ce soit de ce genre. Il est donc très avantageux d'aller faire quelques copies de votre image une fois que vous l'avez prête ou lorsque vous avez l'impression que le dessin est suffisamment bien là où vous pouvez le transférer. Allez-y et faites ces copies. Vous préservez l'original, mais vous vous donnez la flexibilité supplémentaire nécessaire pour décider de la taille ou de la petite taille que vous souhaitez travailler et si vous devez apporter des modifications avant ajouter une peinture ou d'un transfert. Si j'ai trouvé une bonne taille pour l'image sur laquelle je veux travailler, j'imprimerai généralement quelques copies supplémentaires au cas où, pendant le processus de transfert, si je gâche ou quoi que ce soit comme ça, J'ai un autre exemplaire prêt à être utilisé. Dans la vidéo suivante, je vais discuter de mon processus de transfert afin que nous puissions prendre l'image et la placer sur un canevas. Et encore une fois, tout cela est complètement facultatif si vous souhaitez suivre ce cours. Il s'agit d'une approche procédurale très agréable et facile. Si vous décidez que vous voulez simplement aller à Alla prima et faire de la peinture plus directe, alors vous pouvez en contourner beaucoup, mais vous commencez tout juste par peindre en général, alors cela pourrait être une bonne suggestion. suivre et étape par étape pour que je discute ici. 4. Transfert de début: Ok, pour ce qui est de commencer le processus de transfert, ce que j'aime faire, et ce n'est que ma préférence personnelle pour travailler parce que vous le pouvez, vous pouvez essentiellement transférer plusieurs façons différentes. Certains exigent un peu plus d'efforts que d'autres. Mais pour moi, je préfère me tromper du côté de la simplicité. Ce que je vais faire, c'est que je vais prendre mon exemplaire Xerox et j'ai juste du charbon de vigne ici. Et donc tout ce que je vais faire, c'est simplement frotter un peu de charbon de vigne au dos de l'image. Ensuite, je vais y aller et placer ça sur ma toile. Et puis je vais tracer le dessin lui-même avec un stylo à bille. Ce qui finit par arriver, c'est que le charbon de bois que j'ai mis au dos du papier va être imprimé sur la toile. Et une fois que j'aurai cette image au charbon de bois, je reviendrai à nouveau avec un stylo à encre afin de pouvoir placer toutes les lignes sur la toile. Vous n'avez donc pas vraiment besoin de faire quelque chose de super chic. Ici. On est juste en train de gribouiller le charbon de bois et je vais probablement finir par accélérer ça. La seule chose que vous voulez vous assurer qu'il y a suffisamment de charbon de bois sur le papier. Vous pouvez donc finir par tenir le papier dans la lumière et vous assurer que vous avez couvert partout dans les dessins. Maintenant. Parce que vous voulez vous assurer que lorsque vous parcourez le dessin et que vous le transférez sur le dessin et que vous le transférez le canevas, vous ne manquez rien. Ce que vous pouvez également faire est, et c'est aussi pourquoi il est important de préserver le dessin original c'est que si quelque chose est éteint, lorsque vous transférez, vous pouvez vérifier votre dessin. et assurez-vous que rien ne manque. Encore une fois, le fait d'avoir les copies xerox est une bonne mesure de sécurité juste pour que vous ayez une petite assurance supplémentaire sachant que vous pouvez toujours revenir arrière et vous référer à l'original au cas où. Encore une fois, rien de très chic ici. Je vais juste couvrir ça un peu plus. Ensuite, nous allons aller de l'avant et transmettre cela sur la toile. Alors, avec mon Xerox couvert et mon charbon de bois au dos, je vais le coller sur ma toile et simplement retracer mon dessin à l'aide d'un stylo à bille. Je veux m'assurer que je pousse suffisamment fermement pour laisser une empreinte de charbon de bois sur ma toile. Mais je ne veux pas trop appuyer pour que je marque une ligne dans le Canvas lui-même. Vous devez vous assurer que vous parcourez intégralité de votre dessin lorsque vous le retracez à l'aide d'un stylo. Et si vous avez l'impression d'avoir manqué un endroit ou quelque chose de ce genre, vous pouvez soulever le Xerox et vous assurer d'avoir l'impression dont vous avez besoin avec le charbon de bois. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez retracer la ligne si le charbon de bois est trop faible. Gardez maintenant à l'esprit que c'est la première étape du processus de transfert. Nous aurons une étape de plus après cela, afin que nous puissions essentiellement sceller l'ensemble du dessin sur la toile avant de passer à la peinture sur la surface. Une chose que je dirai, c'est que de très beaux détails sont vraiment difficiles à obtenir avec les transferts de charbon de bois. Donc, vous voulez vraiment vous assurer que les grandes formes et tous les éléments importants comme le placement des entités, l'angle ou l'inclinaison de la tête. S'il y en a un, tous ces éléments qui sont vraiment cruciaux pour le portrait, vous voulez vous assurer que ceux-ci sont transférés aussi précisément que possible. Il y a quelques petits détails, même dans ce dessin particulier ici que je sais que je ne vais pas pouvoir transférer parfaitement. Et c'est bon tant que j'obtiens le positionnement général et la forme générale des détails dont j'ai besoin, je peux toujours en ajouter davantage au fur et à mesure que nous avançons avec le reste du tableau. J'essaie donc simplement d' avoir une bonne impression générale en surface. Et ensuite, encore une fois, nous allons sceller les lignes de charbon de bois avec de l'encre de sorte que nous ayons, espérons-le, un dessin plus proche à travailler avant de peindre. Maintenant, je sais que cela semble être beaucoup de travail avant d'arriver à n'importe quel type de peinture. Et à vrai dire, c'est, cependant, la raison pour laquelle nous faisons cela, c'est qu'elle nous permet en quelque sorte de supprimer l'aspect dessin du tableau une fois que nous y sommes arrivés. Et par là, je veux dire, c'est très difficile de penser au dessin, à la peinture et à toutes ces choses en même temps. Si vous travaillez Alla prima ou que vous travaillez plus directement. Donc, en passant par toutes les étapes du dessin, puis le transfert, au moment où nous arrivons à la peinture, nous avons essentiellement déjà résolu de nombreux problèmes . Et donc, vous pouvez vraiment vous concentrer sur l'aspect peinture du projet et pas tant sur le dessin. Cela ne signifie pas nécessairement que nous allons devoir oublier complètement le dessin ou quoi que ce soit de ce genre. Mais au moment d'ajouter de la peinture à la surface, nous avons déjà fait la plupart des solutions de problèmes, ce qui nous fait gagner un peu de temps à long terme. Encore une fois, ce type de procédure est entièrement facultatif. Mais je pense en tant que peintre débutant, ou si vous en êtes aux premiers stades d'apprentissage de la peinture. Cela aide vraiment à combler le fossé entre dessin et la peinture ensemble et les mélange en quelque sorte de sorte que vous obtiendrez une procédure agréable qui rend la gestion un peu plus facile plutôt que d'essayer de jongler avec trop de choses à la fois avec la peinture directe. 5. Inking le transfert: Après avoir retracé toutes les lignes de mon transfert, il me reste cette empreinte de charbon de bois sur ma toile. Maintenant, évidemment, le dessin de transfert laissé derrière lui n'est pas aussi détaillé que mon dessin. Et c'est tout à fait correct. Il y aura beaucoup de petits détails que vous ne pourrez tout simplement pas reprendre lorsque vous effectuez le transfert initial, car le charbon de bois ne vous donnera vraiment pas ce détail. La principale chose que nous recherchons en ce moment , c'est vraiment juste le placement, les formes globales et les proportions afin que maintenant nous puissions prendre ce transfert que nous avons et nous allons encrer dessus et fondamentalement scellez le charbon de bois sur la toile et obtenez une sorte de dessin final sur lequel nous pouvons commencer à peindre. Ce que je vais faire ici, c'est que je vais prendre un stylo à encre, qui ressemble essentiellement à un stylo plume traditionnel. Et j'ai de l'encre de Inde et une couleur sépia, qui ressemble à un brun chaud. Vous pouvez également utiliser le noir ou tout autre type de couleur, mais le sépia et le noir seront les plus courants que vous trouverez. Ce que nous allons faire, c'est que je vais retracer tout le dessin une fois de plus, mais je vais le faire à l'encre pour qu'il me reste une ligne permanente. Encore une fois, parce que le transfert n' est pas aussi détaillé que le dessin, si je veux ajouter des détails supplémentaires au type de transfert fini à l'encre, je peux le faire avec le stylo plongeur. Encore une fois, je ne suis pas vraiment inquiet d'avoir tous les moindres détails du dessin. Il est agréable d'en avoir certains éléments, de sorte que vous ayez une description très claire endroit où vous allez peindre et du type d'information que vous voulez laisser. Et donc tout ce que je vais faire ici, c'est de retracer mes lignes de charbon de bois. Et vraiment, vous savez, vous n'avez pas besoin d'utiliser beaucoup d'encre un peu. Ça va aller très loin. Une fois encore. Tout ce que nous faisons, c'est simplement sceller ces lignes pour que ce qui se passe , c'est que l'encre soit tellement permanente que même si nous peignons dessus, nous resterons toujours avec cette impression, du moins au début. Maintenant que nous ajoutons de la peinture opaque, nous allons finalement couvrir toutes ces lignes. Mais dans les premiers stades d'une peinture, il est agréable d'avoir un dessin très clair et descriptif. Alors, on ne fait presque que remplir les lignes, disons, dans le bloc initial de la peinture. Encore une fois, en fonction de la quantité de détails que vous pourriez souhaiter ou avoir besoin dans votre transfert, vous pouvez ajouter des détails supplémentaires avec le stylo à encre si cela vous aide. Maintenant, pour ce dessin particulier, il y a quelques détails dans les caractéristiques qui, selon moi, vont être importants, de sorte que j'ai des formes très spécifiques à travailler. Mais en dehors de cela, je n'ai pas besoin de faire beaucoup de lignes hachurées que j'ai dans le dessin, car ce n'était qu'un peu plus de détails pour moi quand j'ai fait le dessin. De façon réaliste, encore une fois, vous ne faites que choisir et choisir ce qui sera le plus bénéfique pour vous. Mais le plus important dans ce processus d'encrage, c'est qu'il nous donne un dessin très permanent sur notre toile pour que nous n'ayons pas à nous soucier de perdre le dessin dans lequel nous avons passé tout ce temps. . Lorsque nous commençons à ajouter des couches de peinture initiales, nous avons toujours un dessin sur lequel revenir si nous faisions des erreurs en cours de route. Maintenant que toutes les lignes sont recouvertes d'encre, vous pouvez voir quel dessin vous avez établi sur la toile. Et si vous avez besoin d'ajouter plus de détails et d'encre, vous pouvez en quelque sorte le faire à ce stade précis, mais j'ai toutes mes lignes. Maintenant, ce que je veux faire, c'est que je veux juste me débarrasser du charbon de bois. Je vais donc prendre une serviette en papier et l'encre elle-même sèche immédiatement. Vous n'avez donc pas forcément à vous soucier de le salir ou quoi que ce soit de ce genre. Il s'agit d'une encre permanente, donc il vous reste une belle impression sur votre toile et vous n'avez pas à trop vous en occuper. Et donc vraiment à ce stade, nous voulons simplement avoir un bon transfert propre pouvoir commencer à ajouter de la peinture à la surface. Parce que la prochaine étape après , je vais vouloir tonifier ma toile juste pour pouvoir tuer le blanc. Ensuite, je peux commencer lentement à construire des couches de peinture pour que nous puissions commencer. Mais à ce stade particulier, vous voulez simplement vous assurer que vous avez une sorte de transfert vers votre Canvas. Encore une fois, l'utilisation de l'encre de Inde est un choix idéal car c'est une ligne tellement permanente sur laquelle vous pouvez travailler et ne pas vous inquiéter de perdre votre dessin. Il existe certainement plusieurs façons de transférer une image vers un canevas. Je trouve que celle-ci est la plus facile pour moi de travailler avec elle et c'est très simple. J'ai vu d'autres méthodes dans lesquelles vous utilisez soit de la peinture à l'huile pure pour transfert, soit des pastels à l'huile pour le transférer. Mais je trouve que celui-ci est un peu plus facile pour moi. Il est plus propre et plus facile à utiliser. C'est donc quelque chose que je recommanderais si vous suivez les étapes du processus que je montre. Je recommande d'essayer d' abord ce transfert uniquement pour sa simplicité et sa propreté. 6. Peindre votre toile: Maintenant que j'ai terminé mon transfert, ma prochaine étape consiste à teindre ma toile. Il y a deux raisons pour lesquelles j'aime le faire. À savoir, c'est de se débarrasser du blanc de la toile, c'est très difficile de juger vos valeurs lorsque vous peignez sur une surface blanche, mais c'est aussi difficile pour vos yeux à mon avis. Nous voulons donc simplement neutraliser la surface avec un joli ton de valeur moyenne ici. Je n'utilise donc que mon bois brut et je le dilue un peu avec un peu de solvant parce que c'est un pigment de terre. Et avec l'ajout du solvant, il va sécher essentiellement toute la nuit, mais il devrait être assez sec dans une heure environ. C'est donc encore une fois, juste pour mettre en place le tableau pour les étapes ultérieures, mais aussi pour simplement tuer le blanc de la toile afin qu'au moment où nous commençons à appliquer nos valeurs, elles soient un peu plus faciles à juger quand nous nous sommes mélangés à partir de notre palette, puis appliquez-les à la surface. Maintenant, en ce qui concerne la valeur globale, j'essaie de ne pas faire trop sombre. Je veux juste viser quelque part au milieu. Maintenant, il est évident que nous ne voulons pas couvrir complètement notre transfert parce que nous avons passé tout ce temps à le faire. Nous voulons donc simplement qu'une valeur détruise essentiellement le blanc de la toile. Mais il est agréable d'avoir certaines de ces transparences dans le tableau afin que vous puissiez décider si vous voulez aller peut-être un peu plus sombre vers votre valeur d'ombre. C'est tout à fait une option. Mais pour la plupart, je suggère d'obtenir un joli ton médian pour que nous puissions simplement nous débarrasser du y et nous avons encore une lecture très facile de notre transfert que nous avons établi. Ainsi, toute sorte de stries que vous avez lorsque vous appliquez la peinture, vous pouvez simplement lisser avec une serviette en papier pour que vous ayez une belle tonalité uniforme. C'est parfois que vous pouvez décider si vous voulez un peu de texture dans la tache ou non. C'est une préférence personnelle. Je me penche généralement pour avoir une belle surface plane sur laquelle travailler. Mais c'est entièrement à vous de décider. Je trouve juste qu'en le lissant, il est plus facile de voir toutes mes lignes un peu plus facilement dans mon transfert. J'aurai donc tendance à lisser cette tache initiale pour qu'elle soit agréable et uniforme. Mais vous pouvez voir ici que nous avons juste une valeur moyenne agréable. Rien de trop, trop sombre ou trop clair, juste quelque part au milieu. Mais vous pouvez toujours voir toutes mes lignes de transfert sorte qu'il sera très facile pour moi de travailler là-dessus. Vous pouvez donc voir ici que ma tache initiale a séché et tout ce que j'ai fait à ce stade c'est que je suis allé dans mes ombres et je les ai simplement assombries avec un peu plus de bois brut. Même ces taches initiales sont encore incroyablement transparentes, mais elles sont juste un peu plus foncées que la tache de fond et la tache qui se trouve dans la lumière. Maintenant, la raison pour laquelle je fais cela est simplement pour me donner une séparation un peu plus claire entre la lumière et l'obscurité. Et tout ce que j'ai fait, c'est que j'ai pris un peu de mon argent brut. Il est toujours très transparent. Et tout ce que j'ai fait, c'est juste assombrir là où se trouvent mes ombres et rétablir où se trouvent les fonctionnalités. Cela me permet de voir plus facilement, de sorte que lorsque je commence à ajouter les premières couches de peinture, j'ai une représentation très claire de l'effet clair et sombre. Lorsque je commence la peinture, je préfère toujours partir de mon côté de l'ombre, puis m'intégrer progressivement dans mes lumières. Donc, dans la vidéo suivante, vous me verrez commencer. Mais pour votre propre projet, ces couches initiales ne font que préparer le terrain. Je suggérerais donc de mettre cette tache initiale. Et ensuite, en fonction votre référence ou de ce que vous peignez, si vous avez un effet clair et sombre qui se produit, je suggère d'assombrir le côté ombre de votre référence. ou votre portrait d'abord pour que vous puissiez vous séparer plus facilement de l'obscurité éclairée, de sorte qu'une fois qu'ils seront secs et que tout se soit mis en place, il sera très facile de travailler hors de nos ombres et de peindre progressivement dans les lumières. 7. Débutde la première passe: Alors que je commence la première passe, ce que j'aime toujours faire, c'est je rétablis le terminateur, ou essentiellement là où le bord de l'ombre et la viande légère. C'est un peu comme ma base d'attache lorsque je commence à peindre. Comme j'aime que le côté ombragé de la peinture installe d'abord, puis entraîne progressivement dans mes lumières. Maintenant, je trouve que c'est un processus plus facile à suivre pour que je travaille de l'obscurité à la lumière. Il est beaucoup plus facile pour moi de peindre ces transitions, alors si je travaille du clair au noir, c'est en fin de compte une préférence personnelle, mais je trouve pour moi qu'il est beaucoup plus facile de construire à partir de mes ombres et ensuite simplement J'alléger graduellement mes valeurs lorsque je roule vers la lumière. Maintenant, c'est quelque chose avec lequel vous devriez jouer, mais si vous commencez tout juste, je suggérerais de commencer par votre côté de l'ombre. Construisez d'abord cette zone, puis commencez progressivement à établir des valeurs transitoires vers la lumière. La plupart des valeurs que je mets en ce moment ne sont pas trop sombres. J'utilise un peu de blanc dans le mélange, mais pas beaucoup. Il s'agit donc en grande partie de bois pur et brut, mais je l'étale pour qu'il ne soit pas opaque. C'est toujours un peu semi-transparent. Il y a beaucoup de choses que je vais devoir faire dans l'ombre au fur et à mesure que j'aurai plus d'informations. Mais au moins pour l'instant, dans ces premiers stades, je veux simplement établir une valeur plus sombre pour avoir une idée de l'endroit où mes ombres sont vraiment assises. Ensuite, je peux commencer à ajouter des valeurs transitoires au fur et à mesure que je m'entraîne dans la lumière. À partir du bord de l'ombre, j'aime simplement construire lentement la valeur autour de cette zone, car le plus grand degré de rotation de la forme va se produire le long de cette arête. Au fur et à mesure qu'il s'accumule lentement vers la lumière. La séparation et la forme vont être bien plus uniformes. Mais juste à cette terminaison alors que cette joue roule, c'est ce sur quoi je veux vraiment me concentrer , surtout parce que ce côté de l'ombre, c'est vraiment un peu d'établir où la lumière est en quelque sorte. de s'étendre à partir de cette masse d'ombre. Les transitions doivent donc être aussi bonnes que je peux les faire. Et cela ne signifie pas nécessairement, vous savez, vraiment lisse en soi, mais le genre d'effet de pas d'escalier dans les valeurs doit être très bien contrôlé pour que je puisse avoir cette illusion de rouler. qui arrive depuis la joue. Maintenant, la seule tentation dans ce domaine est de rendre les valeurs de la joue beaucoup plus légères. Mais ce qui se passe ici dans ce cas particulier, c'est que nous avons cette petite poche de lumière dans la joue entourée de toute cette ombre. Nous avons donc l'ombre de la joue, nous avons de l'ombre du nez, de l' ombre de la bouche et de l'orquille. Et ce qui finit par arriver, c'est que nous obtenons cette petite poche de lumière entourée de toute cette obscurité. Et donc nos yeux commencent à supposer que, vous savez, ça doit être vraiment lumineux et vraiment léger. Mais ce qui se passe, c' est que toutes ces formes d'ombres dans cette zone concentrée, ou que cette petite poche de lumière ici dans la joue semble beaucoup plus brillante qu'elle ne l'est réellement. quoi je dois vraiment penser, c'est quelle est la partie la plus brillante de ce portrait ? Et relativement parlant, où est cette joue ? Face à la lumière ? Même s'il est entouré de beaucoup d'obscurité. Je veux réfléchir à l' endroit où se trouve la source lumineuse principale, où est la source de lumière la plus brillante qui frappe ? Et donc dans ce cas, le plus haut coup d'œil dans forme va être le haut de son front. C'est donc la partie la plus brillante de ce tableau particulier. Et donc je ne peux pas vraiment rendre cette joue dans cette zone trop brillante parce qu'elle va alors rejeter l'effet de lumière global. C'est donc quelque chose que je garde à l'esprit pour que je puisse garder ces valeurs sous contrôle et je ne laisse pas mes yeux être trompés par toutes ces formes d'ombres qui donnent cette illusion de faire la joue plus lumineux que ce qu'il est réellement. Et alors que j'ajoute des valeurs, je vais revenir à mon Terminator et continuer à retravailler la zone pour que les valeurs transitent sans problème comme je peux les obtenir, ou du moins dans une certaine mesure que je suis content. Et ce que j'aime généralement faire, c'est que vous me verrez travailler d'une section à l'autre. Je n'essaie donc pas du tout de sauter par-dessus le tableau. J'aime rester dans une zone ciblée et travailler progressivement d'une pièce à l'autre. Maintenant, ce n'est pas forcément la seule façon de le faire, mais je trouve que cela me permet de vraiment sur un domaine avant de passer au suivant. Je peux donc essayer d'établir un degré de forme relatif pour que je puisse me sentir bien quant aux informations que je mets avant de commencer à sauter dans d'autres domaines. Maintenant, vous pouvez certainement décider de vous déplacer, mais cela rend un peu plus difficile d'avoir l'impression établir une forme si je me déplace tout simplement partout et soudainement, maintenant il y a un argument selon lequel vous Je voudrais évoquer le tableau en quelque sorte dans son ensemble. Et je comprends totalement cette approche. Je les trouve juste parce que j' ai déjà un dessin bien établi. Et j'ai un simple effet sombre éclairci établi, je me sens assez confiant. Et ce que j'ai établi dans ces premiers stades où je peux vraiment me concentrer sur un domaine pendant un peu de temps et essayer de l'obtenir mieux que je peux avant de passer à la zone suivante. Encore une fois, même s'il est très tentant de rendre certaines de ces zones plus lumineuses que ce qu'elles sont. Ce qui finit vraiment par se produire encore une fois, il y a ces petites poches de lumière entourées d'une telle ombre. Cela nous donne donc l'illusion qu' ils sont beaucoup plus lumineux que ce qu'ils sont. Mais le problème, c' est que si je devais les rendre lumineuses ou plus légères, cela jette tout l'effet de lumière de ce qui se passe dans le portrait. Je me rappelle donc constamment que ces zones ne peuvent pas vraiment être si lumineuses en fonction de l'endroit où mes sources lumineuses et façon dont ces ombres interagissent avec elles. Je n'essaie donc pas seulement de copier ce que je vois dans ma référence. J'essaie d'interpréter comment la lumière affecte ces formes et je une décision logique sur laquelle si ma source lumineuse est vraiment concentrée, disons le front et les plaines du nez et sur le côté droit du visage , beaucoup de ces valeurs du côté ombre ne peuvent tout simplement pas être si brillantes. Cela n'aurait tout simplement pas de sens. Mais mes yeux veulent jouer des tours sur moi. Et c'est un peu ce que nous appelons un contraste simultané dans le sens où nous voyons ces formes claires contre ces formes sombres vraiment vives. Et c'est en quelque sorte que ça crée l'illusion qu' ils semblent beaucoup plus lumineux que ce qu'ils sont réellement. Donc, mais nous devons simplement nous rappeler que d'un point de vue logique basé sur notre scénario d'éclairage, ces valeurs ne peuvent pas être aussi brillantes. Et donc si je suis en quelque sorte là et que je pense plus logiquement à ce qui se passe lorsque mes sources lumineuses interagissent avec ces formes. Que je ne peux tout simplement pas les faire. Je ne peux pas les rendre aussi brillants qu'ils paraissent. C'est donc quelque chose que vous voulez simplement vous rappeler constamment en fonction de votre matériel de référence et l'orientation de la lumière et endroit où ces forums sont réellement confrontés. Il est très facile de se laisser prendre dans ces choses où ces petites formes lumineuses veulent simplement se faire paraître beaucoup plus brillantes que ce qu'elles sont. Mais encore une fois, simplement basé sur la logique et sur ce qui se passe avec le formulaire. Ils ne peuvent pas, ils ne peuvent vraiment pas être si brillants. 8. Poursuivez la première passe: Alors que je continue ici, en ce moment, le tableau peut avoir l'impression, en regardant, qu'une grande partie de cela semble vraiment sombre et je pense que vous n' auriez pas forcément tort de dire cela. Et ce que j'essaie anticiper en avançant dans le tableau c'est que même si ces valeurs semblent vraiment sombres, au moment où j'établisse enfin les portions les plus brillantes des portraits. Ainsi, les plans du nez, le haut du front et ces zones. Il va équilibrer ce que nous voyons ici en ce moment. Nous voyons donc certaines de ces valeurs en quelque sorte hors contexte pour le moment. Parce que dans les sections dans lesquelles nous travaillons, nous travaillons sur les parties sombres du visage. Et donc même si je pourrais peindre dans l'ombre et un peu dans la lumière ici. La plage de valeurs relatives dans cette zone est encore relativement sombre. C'est donc la seule partie de la section de travail à section comme celle-ci qui peut être un peu difficile au début parce que vous pouvez parfois perdre le contexte global ou une sorte de hiérarchie de valeurs dans l'intégralité du portrait. Et c'est, je ne sais pas, c'est une sorte de préférence personnelle. Vous pourriez donc très bien établir un petit morceau de valeurs plus brillantes dans le tableau plus tôt si vous décidiez que vous en aviez besoin. Et pour moi, j'ai un peu l' habitude de travailler de cette façon à ce stade que je sais que j' anticipe une plage de valeurs beaucoup plus brillante dans d'autres domaines du portrait, donc je ne veux pas diminuer ces valeurs lumineuses en peignant ces zones sombres dans le portrait. Trop lumineux, si c'est logique. J'essaie donc d'anticiper l'évolution la plage de valeurs au fur et à mesure que je vais aller plus loin dans le portrait. Et pour l'instant, pour les domaines dans lesquels je travaille, les valeurs relatives sont en fait jolies. Ils ne sont pas super sombres, mais ils sont assez sombres à l'endroit où je veux que la partie inférieure du visage ait l'impression qu'elle ne reçoit pas autant de lumière que la joue, puis qu'elle ressemble finalement aux plans du nez. puis le front. J'essaie donc de garder cela à l'esprit alors que je travaille que les zones que j'essaie actuellement de peindre ne reçoivent pas vraiment autant de lumière, donc je ne veux pas les rendre trop brillantes, trop tôt. Et si quoi que ce soit, je vais me tromper du côté de les rendre peut-être un peu plus sombres. Et au moment venu, si j'ai besoin d'ajuster un peu les valeurs, je peux toujours le faire dans des couches supplémentaires. Mais pour l'instant, pour l'effet de lumière que je sais que j'essaie de chasser dans le tableau. Je ne peux pas rendre ces valeurs trop brillantes. Maintenant, cet œil est assez lourd et ombragé et il y a donc une petite poche de lumière que je vois qui passe en quelque sorte sous le front, mais il est tellement sombre en valeur qu' il ne va pas ça change vraiment tellement. Même chose, il y a un petit éclat de lumière que je vois dans la partie supérieure du couvercle ici. Mais toute cette zone à cause de la source lumineuse et de la façon dont elle frappe sa crête sourcilière. ne va pas y avoir beaucoup de choses en ce qui concerne le changement de valeur qui va être très subtil et il y aura juste un petit éclat de lumière dans le blanc de l'œil. Je vais donc faire très attention à la façon dont j'ai mis certaines de ces valeurs ici parce que ça ne peut vraiment pas être tout ce Brighton. En y réfléchissant de façon réaliste, je me pose la question, est-ce que je ne suis peut-être pas vraiment l'œil dominant dans le portrait, donc je pourrais favoriser l'œil qui se trouve dans le côté clair du visage pour mettre plus d'attention et plus de détails. Et pour que le singulier moi dans la lumière devienne le point focal du portrait. Cela ne signifie pas nécessairement que je ne vais pas prêter attention à cet œil et l'ombre parce qu'il doit évidemment être là. De plus, certains éléments clés de l' information doivent avoir lieu. Mais d'une manière générale, lorsque vous faites un portrait, vous voulez choisir un œil dominant et ne pas avoir la même concentration sur les deux yeux. Pour qu'il y ait une sorte de hiérarchie ou un centre de concentration dans le regard que vous peignez. Maintenant, cette zone particulière de l'œil, je sais que je vais devoir faire quelque peu attention et je le vois sur les deux yeux. La paupière inférieure semble un peu lourde ou juste la petite sorte de sac sous l'œil se sent un peu lourd et beaucoup est cause de la source lumineuse dans l'ombre, mais cela fait aussi partie de son caractère type. La seule chose que je dois faire attention, c' est que dans un portrait féminin, c' est quelque chose que vous ne voudriez pas exagérer. Je vais donc être très attentif à certaines des valeurs que j'ai mises en place dans ces domaines particuliers. Et je vais peut-être devoir ajuster un peu ce que je vois dans ma référence pour que ce soit un peu plus flatteur, je pense, au portrait. C'est donc quelque chose parce que c'est une femme plus jeune. Je ne veux pas trop insister genre de formes, c'est qu'elles auront tendance à vieillir un peu le modèle si elles sont surestimées. C'est donc quelque chose que je garde à l'esprit lorsque je travaille dans ces domaines, c' est que même s'il y a ombre que je dois avoir ici, certaines formes dans le couvercle inférieur et une sorte de sac sous l'œil. Je veux être très attentif à la façon dont je choisis de les représenter. Et pour la plupart, je voudrais probablement les sous-estimer pour qu'il ne vieillit pas trop le modèle et ne semble pas trop distinct ou surestimé. Et encore une fois, beaucoup de valeurs, même si je vois de petites poches de lumière qui apparaissent dans cet œil particulier, je vais les renverser vraiment parce que lorsque je plisse, un beaucoup de ces informations commencent à se fondre ensemble. Et donc, si je commence à piquer de petits trous de lumière dans ces zones, cela brise l'ensemble de l'ombre et je ne veux pas perdre ce sentiment. Parce que, dans l'ensemble, lorsque je pense au portrait, je voulais avoir un impact et je veux qu'il soit lisible à distance. Ainsi, lorsque nous commençons à trop briser la forme de l'ombre avec de petites poches de lumière, cela commence à décomposer cet effet. Et donc même si je les vois dans la référence, je vais faire très attention à la façon dont j' énonce certaines de ces formes lumineuses et je ne veux pas surpasser ou les rendre trop brillantes. Et je veux vraiment penser à l'ombre comme si c' était cette masse importante sur laquelle je travaille. Et c'est un peu pour le même plan et le plan latéral du nez. Et certaines de ces valeurs plus légères que je vois en se rapprochant du canal lacrymal de l'œil. Encore une fois, à partir de la source de lumière et de l'ombre que je vois dans l'orniche. Toutes ces valeurs sont encore relativement sombres, voire plus moyennes. Et c'est très tentant de les surestimer avec des valeurs plus légères, mais je dois juste garder à l'esprit que je dois sauvegarder ces valeurs brillantes pour l'autre côté du visage, car c'est là que ça va vraiment aller. comte. Et donc même si je dois peut-être assombrir certaines de ces zones un peu plus pour qu'elles mettent vraiment l'accent sur le côté lumineux. Je vais probablement y aller de l'avant et le faire. Et alors que je commence à remplir cela, encore une fois, beaucoup de zones seront vraiment tamisées dans une valeur moyenne plus sombre. Même s'il y en a un peu, il y a de petits bouts de l'œil qui sont bons, reçoivent un peu de blanc. Mais à cause de la zone dans laquelle il se trouve et évidemment la forme générale de l'orquille. Ces valeurs vont encore être assez sombres. Même lorsque nous entrons dans certaines zones claires et dans la paupière inférieure et un peu de blanc de l'œil. Si je suis trop brillant avec ces valeurs, ça va immédiatement couper cet œil et ça va trop sauter. Je veux donc vraiment garder cet œil dans l'ombre, relativement simple. Et en gardant les plages de valeurs très proches les unes des autres. Et finalement, la seule chose qui va permettre à cet œil de sauter, c'est quelques coups de lumière, puis le point culminant vers la fin que je vois dans l'œil. Mais à part ça, le I dans l'ombre veut vraiment être tamisé. Je ne veux pas trop sauter parce qu'alors ça va vraiment, c'est un peu se séparer de l'ombre si je mets trop d'informations et ça n'aurait tout simplement pas de sens dans ce contexte. Parce qu'alors c' est comme, ok, eh bien, je n'ai rien dans l'ombre, et puis il y a toute cette autre ombre autour. Donc, lorsque vous avez un œil vraiment tamisé et une ombre comme celle-ci, vous voulez vraiment minimiser la quantité d'informations que vous insérez. Et là où je vais vraiment mettre plus d'informations, c'est cet autre œil qui se trouve dans le côté clair du visage. Et cela me donnera plus d'occasion de mettre l'accent sur le portrait. Mais je veux vraiment ce côté de l'ombre. Je m'assois en quelque sorte dans l'espace et je joue presque comme un siège arrière à l'autre œil. 9. Établir l'œil et le nez: Alors que je reçois plus d'informations dans les yeux, je veux établir l'obscurité de l'iris. Et sur elle, même si elle a des yeux verts plus clairs, l'enveloppe, la valeur relative est encore un peu sombre, surtout dans cette zone d' ombre. Je ne vois donc qu'un petit éclat d'une partie de la couleur de l'iris, mais pour la plupart, je veux simplement le garder sous forme de symbole sombre pour que l'œil se lise comme une masse plus grande. Maintenant, une partie de la partie intérieure du blanc de l'œil. J'ai dit un peu, mais je sais que je vais probablement devoir y retourner et les assombrir un peu pour que l'œil soit un peu mieux assis dans la douille. Une chose qui va également aider à commencer à créer des informations autour de l'œil. Donc, obtenir une partie du côté du front, obtenir une partie du plan latéral du nez qui est établi va vraiment aider à relier certaines de ces zones ensemble. Et puis je pourrai peut-être mieux juger certaines des valeurs alors que je les mets là-dedans. Souvent, lorsque je commence l'œil, il y a une tendance à ce que je les exagère parfois un peu en sachant très bien que je vais devoir revenir en arrière et faire des ajustements. Et une partie de cela pour moi est qu'il est plus facile pour moi y retourner et de faire des ajustements puis essayer d'obtenir cette fonctionnalité parfaitement finalisée, vous savez, établie dès le premier départ. Maintenant, certaines personnes sont très douées pour que tout soit parfait la première fois, mais ce n'est certainement pas moi. J'aime donc construire lentement les choses et faire des ajustements au fur et à mesure. Et je sais de façon réaliste que pour obtenir exactement ce que je veux, je vais probablement devoir faire un laissez-passer supplémentaire. Et de façon réaliste, je pense que pour moi, le premier passé est plus ou moins juste de préparer le terrain pour l'ensemble du tableau. Et puis je veux essayer d'obtenir les choses aussi bonnes que possible lors de la première passe. Mais je sais qu'il y a de fortes chances que je vais devoir faire une deuxième passe. Et beaucoup de domaines pour l'adapter exactement à ce que je cherche. Et je dirais que pour certaines caractéristiques comme les yeux et même le nez, ces zones sont généralement un peu plus délicates pour moi. Je dois donc généralement faire au moins une seconde passe sur certaines de ces zones pour les obtenir comme je les aime. Et souvent, encore une fois, une fois de plus, surestiment peut-être certaines de ces informations parce que cela m' aide vraiment à voir avec quoi je travaille. Mais encore une fois, c'est un peu plus personnel de mon côté, mais vous pourriez trouver que cela vous aide aussi, que vous pouvez mettre des informations en quelque sorte. Même si c'est peut-être un peu trop important ou si vous mettez trop d'informations au début, c'est bon parce que vous pouvez toujours renverser plus tard une fois la peinture sèche ou si vous devez effectuer des ajustements et un deuxième passe, vous avez totalement cette option. Maintenant que je continue de travailler ici, je vais ajouter un peu plus de valeur dans l'ombre. Et c'est juste pour que je puisse voir les autres valeurs et comment les choses s'y développent. C'est pourquoi j'ai mis une partie de cette valeur d' ombre derrière le côté de la mâchoire juste pour que je puisse voir l'obscurité relative dans cette joue que nous voyons ici parce que façon réaliste, il y en a un peu. lumière réfléchie qui arrive sur le côté ombragé de la joue. je ne veux pas vraiment exagérer cette lumière réfléchie, mais elle est là. Mais en ajoutant un peu plus de valeur d'ombre et j'espère que cela m'aidera à voir certaines des autres valeurs dans les zones environnantes un peu plus facilement. La plupart de la peinture que je mets en ce moment est relativement fine, vous pouvez donc encore voir une partie de la toile pénétrer dans certaines de ces sections. Et c'est un peu comme ça que j'aime garder mes ombres pour la plupart, c'est je ne veux pas nécessairement ombres opaques ou quoi que ce soit de ce genre. Je veux les garder dans ce genre de milieu heureux d'une zone translucide à semi translucide. Et il peut y certaines zones où je pourrais mettre un accent, où je pourrais utiliser un peu de peinture opaque. Mais pour la plupart, j'aime garder mes ombres sur le côté plus fin. Il veut donc commencer établir le plan avant du nez. De cette façon, je peux vraiment commencer à voir ce que j'ai développé jusqu'ici du côté de l'ombre, ainsi que dans cette joue que j'ai construite jusqu'ici. Maintenant, le plan avant du nez va être un peu plus lumineux que beaucoup d'informations dont je dispose jusqu'ici. Parce que par rapport à la source lumineuse, ce plan avant du nez reçoit en fait beaucoup de lumière. Maintenant, je veux juste m'assurer que je construis certaines informations à la hauteur. Ainsi, à travers la petite forme de clé de voûte entre les yeux, il y a une sorte de valeur de transition moyenne qui va vers le plan supérieur du nez ainsi que transition vers le plan avant. du front. Je veux donc m'assurer que j'ai au moins une valeur moyenne là pour qu'elle montre la séparation distincte des plans. Alors que je commencerai à ajouter la peinture pour le plan avant du nez, je vais toujours être très prudent avec mes valeurs. Je n'aime jamais mettre immédiatement une valeur vive ou saturée. J'aime m'y adapter lentement afin d'avoir encore un bon degré de contrôle dans la plage que je suis en train d'établir. Je sais que je vais progressivement atteindre une valeur très brillante. Mais je ne veux pas commencer immédiatement à mettre peinture opaque ou de la peinture à l'imppasto lourde ou quoi que ce soit de ce genre sur la surface. Je veux le construire pour que je puisse voir progressivement la lumière augmenter au fur et à mesure que je construis le nez dans cette zone particulière. Cela aidera vraiment, car je commence en quelque sorte à établir le côté éloigné du visage, qui reçoit également un peu plus de lumière dans l'ensemble. Et alors que nous commençons à introduire certaines de ces valeurs plus brillantes, nous espérons que le côté ombragé que nous avons développé très tôt commence à se mettre davantage en place et ne se sent pas aussi sombre qu'il. une fois que nous avons commencé. 10. Créer la bouche et le premier: Donc, en continuant, je veux vraiment commencer à établir un peu plus de nez, de bouche, puis de commencer à m'accumuler jusqu'au front. Et c'est vraiment plus pour que je puisse commencer à voir où va vraiment se produire l'effet lumineux global . Encore une fois, ce que j'ai établi aujourd'hui est beaucoup de valeurs moyennes, mais rien de trop brillant. Je veux donc juste être en mesure de voir un peu mieux où va l'effet lumineux global. Je veux donc commencer à établir plus d'informations. Et alors que je travaille ici de ce côté du visage, tout cela a été très similaire, mais ça va être utile. Je pense qu'à ce stade, nous n'avons pas assez établi ici de ce côté-ci du visage pour commencer à explorer des valeurs plus brillantes. Mais avant de le faire, je veux que certaines des autres fonctionnalités soient établies. Nous avons le nez grossièrement bloqué. Je veux donc simplement bloquer le reste de la bouche pour pouvoir l'attacher à cette ombre de cache sous le nez et attacher ces deux formes ensemble. La bouche elle-même est relativement simple, et je dirais aussi que compte tenu du scénario d'éclairage, il y a beaucoup de valeurs dans cette zone qui paraîtront un peu plus légères que ce qu'elles devraient être. Plus particulièrement dans la partie supérieure du membre supérieur. Il y a une certaine concentration de lumière dans cette zone, mais je dois faire très attention à ne pas surestimer les valeurs, car sinon, cela donnera à la bouche l' impression que c'est recevant beaucoup plus lumière qu'elle ne l'est réellement, surtout si l'on considère le sens. Le nez projette une ombre sur le côté gauche de la bouche. Il y a donc juste un peu de lumière sur le côté opposé. C'est en quelque sorte qu' elle reçoit de la lumière de la joue qui pénètre dans ce côté de la bouche. Très vite ici, je voulais juste vous montrer à quoi cela ressemble avec un blanc pur contre certaines de ces valeurs. Parce que je sais qu' en fin de compte, le pic du front va être un peu plus proche de ce spectre blanc en termes d'intensité lumineuse. Et vous pouvez donc voir que le petit peu de blanc ici sur mon couteau à palette est bien plus lumineux que tout ce que j'ai établi dans le portrait jusqu'à présent. Ce que je vais faire ici dans un peu, c'est que je vais mettre un peu de blanc le front juste pour que vous puissiez voir dans les contextes à quoi cela ressemble. Parce que encore une fois, nous sommes toujours dans cette fourchette de valeurs moyennes où vous pourriez penser, il peint ces choses vraiment sombres par rapport à la référence. Mais encore une fois, nous n'essayons pas de copier ce que nous voyons. Nous essayons d'établir une interprétation de la forme et de la lumière qui frappent cette forme. Nous devons donc commencer à réfléchir façon dont les choses existent dans l'espace. C'est pourquoi je travaille dans la plage de valeurs que je suis en ce moment, c'est que j'ai besoin de la place et de la flexibilité nécessaires pour atteindre ces valeurs vraiment brillantes sur le front. Et donc, si je m'exagère et que certaines de ces zones de la moitié inférieure du visage sont trop brillantes, je vais perdre cette occasion que la luminosité et le front se produisent même parce que je vais avoir ces valeurs dans de trop nombreux endroits. Et donc je veux juste attacher la bouche à la partie inférieure du menton ici. Ensuite, je veux remonter le front afin que nous puissions commencer à explorer certaines de ces valeurs plus légères. Maintenant, encore une fois, ce que je vais faire ici, c'est que je sais que le front lui-même va être une sorte de transition régulière. est donc évident que le front va être une sorte de surface plus lisse pour la plupart. Et pour son type particulier, c'est très même qu'il n'y a pas de sorte d'ondulation dans ce front. C'est un avion très long. Je vais donc mettre une petite tache de blanc ici et je sais très bien que je vais peindre là-dessus, mais je voulais juste mettre un point de valeur là-haut pour que vous puissiez voir que c'est en quelque sorte ce que je vise dans d'une luminosité maximale dans la forme. Dès que j'ai mis ce blanc là, vous pouvez commencer à voir que les autres valeurs du visage n'apparaissent pas vraiment aussi sombres qu'elles ne l'ont fait sans cette valeur. Il faudra donc encore beaucoup de travail avant que nous puissions commencer à tout lier ensemble. Mais j'espère qu'en voyant juste un peu de valeur brillante, cela commence à mettre le reste des valeurs en face avec un certain degré de contextes. Nous avons donc maintenant quelque chose de très spécifique à réaliser. Alors que je commence à travailler sur le front, mon idée que j'ai dans ma tête car je vais prendre du côté ombragé du front et construire progressivement cette gradation jusqu' à la de l'autre côté et travaillez jusqu'à ce point culminant. Alors qu'ils commencent à construire le front, je veux aller de l'avant et établir certaines des sombres qui l'entourent, donc je ne vais pas remplir les cheveux en soi, mais juste quelques petites poches sombres que je Voyez pour qu'il encadre le front et me donne une meilleure idée de la plage de valeurs dans laquelle je dois rester pendant que je travaille sur toute l'étendue du front. La seule chose que je vais garder à l'esprit lorsque je travaille, c'est que beaucoup de valeurs ici vont être très subtiles et transitoires, de sorte subtiles et transitoires, de sorte qu'il n'y aura pas de sauts brusques. Et donc je suis juste à la recherche d'une jolie gradation uniforme sur toute cette forme qui progressivement vers ce point culminant. Maintenant, je vais dire que faire des gradations et des transitions vraiment uniformes peut parfois être un peu difficile. Donc, je finis faire un mélange, puis l' éclaircir progressivement , puis le poser puis ajouter progressivement un peu de blanc pendant que je travaille sur tout ça. masse. Et c'est juste un peu plus facile pour moi de naviguer plutôt que d'avoir constamment à plutôt que d'avoir constamment lire les nouvelles piles de peinture de Nick ou quoi que ce soit de ce genre. En général, je dirais que faire de longs morceaux de forme très graduels et cohérents et qu'il n'y a pas beaucoup d'ondulation dans la forme peut parfois être un peu délicat. J'ai donc tendance à ralentir, à mettre, à mélanger mes valeurs, puis à poser un morceau de peinture. Et si c'est mal, alors je vais l'ajuster et continuer jusqu'à ce que ça paraisse juste. Mais généralement avec ces longues zones de forme, cela aide à ralentir et à prendre votre temps. 11. Poursuivez le front: Alors que je travaille, encore une fois, j'essaie simplement de maintenir une relative cohérence que mes gradations sur le front restent agréables. Et même. Maintenant, la plupart du temps, ce que je ferai si je ne suis pas certain d'un changement de valeur , c' est que je vais mettre un peu de peinture et voir si elle se fond bien avec ce que j'ai établi jusqu' à présent. S'il y a trop de saut dans la valeur, elle se démarquera comme un pouce douloureux. C'est donc une façon dont j' essaie de m'engager pendant que je construis. Ce que je pense, c'est que je pense aussi, je pense en face du front d'un côté à l'autre, mais ensuite je pense aussi de la crête sourcilière vers le haut du front, il faut qu'il y ait une transition en cours horizontalement comme verticalement. Maintenant, je n' y pense pas trop parce que les valeurs elles-mêmes doivent simplement être cohérentes lorsqu'elles se déplacent sur le front. Mais je pense à cette grande forme que je dois juste ajuster légèrement ma plage de valeurs afin de me rapprocher de plus en plus de ce point culminant que je vois dans le front tout en haut. Maintenant que je construis ça, la seule chose qui pourrait être un peu délicate, c'est parce que je n'ai pas le reste des cheveux ni les valeurs sombres qui l'entourent. Je ne pourrais très bien pas rendre ces transitions aussi brillantes ou lumineuses qu'elles pourraient l'être. Maintenant, je suis tout à fait conscient de cela et ainsi de suite. C'est l'une de ces choses où je garde dans le fond de mon esprit que je pourrais potentiellement aller plus lumineux avec certaines de ces valeurs. Mais en attendant, je me concentre simplement sur la transition pour que le formulaire soit lu correctement. Une fois que j'ai établi une valeur sombre locale pour les cheveux, ça me donnera une meilleure évaluation de l'endroit où je peux aller un peu plus loin si nécessaire. Et à ce moment-là, tout ce que j'aurais vraiment besoin de faire, c'est peindre la somme de ces valeurs que j'établit en ce moment, parce que je ne pense pas que ce soit le cas d'assombrir certaines de ces valeurs. valeurs sur le front. J'ai le sentiment, si quoi que ce soit, je vais les rendre encore plus brillants. Alors, peignez-les en une seconde passe en ajoutant de la peinture opaque. Ou disons que plus de blanc directement à la surface va être assez facile pour la plupart. Donc, pour le moment parce que je n'ai pas complètement établi les cheveux, je me concentre simplement sur la façon de rendre la forme aussi bonne que possible. Et puis, une fois que j'ai établi les valeurs sombres dans les cheveux, je peux mieux juger à quel point je suis potentiellement plus lumineux. Alors que j'arrive de l'autre côté du front ici, je dois avoir quelques petites valeurs transitoires lorsque le front passe dans le plan latéral de la tête. Je ne vois pas grand-chose sous cet angle particulier, mais il y en a assez là où je dois indiquer un petit changement de plan avec juste un subtil changement de valeur. Je ne sais même pas combien cela apparaîtrait à l'écran, mais ça doit être là parce que si je devais en faire une valeur cohérente, alors c'est presque comme si le front n'était pas vraiment se retournant dans l'espace lorsque le plan latéral se glisse dans les cheveux. J'ai donc juste besoin d'un changement subtil dans ce domaine. Et puis le reste se glissera en quelque sorte dans la forme sombre des cheveux. Maintenant que nous approchons de remplir cette forme de front, j'espère que vous pourrez voir par rapport au côté ombragé du visage que nous avons établi jusqu'à présent. Avoir ces valeurs brillantes les rend simplement un peu mieux assis. Et le portrait général, je sais qu'au départ, je me sentais un peu sombre, mais nous sommes vraiment maintenant comme nous, nous allons commencer à remplir le reste du visage. Et puis, à partir de là, nous allons vraiment continuer à aller plus lumineux et plus lumineux. Et je pense qu'en fin de compte, ce qui aidera beaucoup, c'est qu'une fois que nous commencerons à ajouter les cheveux ainsi que l'arrière-plan, j'espère que le côté ombre commencera à reculer encore plus dans les valeurs plus sombres de l'image elle-même. Et puis nous pouvons vraiment nous concentrer sur la construction de nos lumières à nouveau et obtenir un bel effet lumineux sur son visage. 12. Peindre l'œil: Maintenant que le front est peint, nous pouvons commencer à nous concentrer là-dessus. I. Maintenant, la partie délicate de ces yeux particuliers parce qu'il est dans la lumière et qu'il n'y a pas de motif d'ombre autour de quoi que ce soit. C'est un peu tout seul. Et donc parfois, cela peut être un peu difficile à gérer dans la mesure où nous n'avons pas vraiment d'ombre sur laquelle nous pouvons nous accrocher. Ce que j'ai donc tendance à faire, c'est de me concentrer sur la forme du sourcil et les zones environnantes de l'œil lui-même. Ainsi, juste sous le sourcil, il aura un peu de demi-teinte autour de l'œil lui-même alors qu'il est niché dans la douille. Et nous aurons également le couvercle inférieur comme forme sur laquelle nous pourrons verrouiller. La raison pour laquelle j'en parle est que souvent, lorsque vous avez, dans ce cas particulier, nous avons une certaine valeur sombre de l'œil entouré de toute cette lumière. Que la tendance serait de peindre l'œil de manière à ce qu'il se sente découpé et en quelque sorte séparé du reste du portrait. Alors que dans l'autre œil, nous avons une sorte de lien avec l'ombre de forme sur le front ainsi que sur la joue. Il est donc très facile de l'intégrer dans le portrait. Mais comme cet œil particulier se trouve au milieu de ce type de mer de valeurs lumineuses, il peut parfois être un peu difficile faire adhérer correctement. Donc, ce que je vais faire dans ce cas particulier, c'est de me concentrer sur les valeurs moyennes de l'œil et de m' assurer qu'il se fond en quelque sorte pour que l'œil n'ait pas impression d'être simplement collé. sur notre estampillé au milieu de toutes ces valeurs lumineuses. J'aime donc beaucoup passer beaucoup de temps à travailler en dehors des bords de l'œil. Donc, encore une fois, je me concentre sur les valeurs moyennes qui vont me permettre donner l'impression qu'il fait partie du reste du crâne et de donner l' impression qu'il est intégré dans la prise. Et de façon réaliste, il n'y a pas beaucoup de valeurs de lumière en soi dans ce cas particulier, nous allons avoir un peu de blanc de l' œil dans une partie de la paupière supérieure, mais pour la plupart, c'est beaucoup de valeurs moyennes. Et ensuite, les valeurs les plus brillantes seront dans le plan du nez ainsi que dans la pommette juste à côté. Je pense donc toujours à une plage de valeurs moyennes pour établir la forme générale. Ensuite, je peux lentement commencer à construire autour de l'œil avec certaines des valeurs les plus brillantes. Et j'espère qu'on aura l'impression que ça fait partie du portrait et que nous ne le découperons pas trop. Maintenant que je commence à ajouter quelques sombres dans l'iris lui-même. Encore une fois, c'est quelque chose avec lequel je vais être un peu conservateur. Je sais que l'iris va devoir avoir une valeur plus foncée, c'est simplement la partie la plus sombre de l'œil. Mais je dois juste faire attention aux valeurs environnantes, car s' ils ne le font pas ici avec le reste de ce qui se passe. Encore une fois, ça va se passer. Cette valeur sombre et l'iris vont juste avoir l'impression de l'avoir frappé avec un tampon ou quelque chose comme ça. C'est donc quelque chose dont j'essaie de faire attention. Maintenant, il y a aussi le couvercle inférieur auquel je vais devoir faire face. Et c'est un autre domaine où, comme je l'ai mentionné dans la taille précédente, je ne veux pas surestimer beaucoup de ces formes. Je vais donc devoir faire très attention lorsque je parle de cela parce que c'est un peu plus sombre. Quand je regarde son visage et que je plisse et que je vois les formes. Le couvercle inférieur a une forme et une valeur très proéminentes, mais je ne veux pas l'exagérer et donner l'impression qu'il y a ce grand sac sous l'œil. Ou je ne veux pas la vieillir significativement en exagérant cette forme. Je vais donc devoir être très prudent quand je mets ça. Je veux donc simplement faire passer certaines de ces valeurs par le plan latéral du nez ainsi que par le canal lacrymal. Nous pouvons donc voir comment il encadre le reste de l'œil ici. Et au fur et à mesure que nous construisons cette zone, je me suis juste un peu vérifié pour m' assurer que les valeurs elles-mêmes ne deviennent pas trop vives et d'une forme à l'autre. Parce que même si nous avons certaines des valeurs les plus sombres dans l'œil, nous ne voulons pas avoir ces sauts radicaux d'une forme à l'autre parce qu' il y aurait alors un manque de cohésion entre l'ensemble du portrait si, si ces valeurs sautent trop loin les unes des autres. Et alors que je mets dans ce couvercle inférieur ici, je suis juste à nouveau conscient que certaines de ces valeurs, certaines de ces valeurs ici, semblent assez sombres dans la référence, mais encore une fois, en se basant sur ma source lumineuse, basé sur ce que j'essaie de transmettre avec certaines de ces formes est que je ne veux pas elles soient surestimées ou soient trop en vue sur elle parce que encore une fois, ça va avoir tendance à vieillir et elle est une elle une femme plus jeune et ils ne se sentiraient tout simplement pas bien si j'ai surestimé certaines de ces formes. Et donc, comme je connecte une partie supérieure du plan de la joue, cela me permettra d'évaluer certaines des valeurs déjà établies dans l'œil. Cela va devenir relativement lumineux dans le plan supérieur de la joue. Et puis ça va un peu tourner comme la, comme la joue roule en quelque sorte sous et sur elle, elle a une sorte de pommettes proéminentes. Nous allons donc voir un bon, vous savez, certain degré de virage n'est pas en quelque sorte rentré. Et vous pouvez voir la ligne que j'ai indiquée sur le dessin car cette pommette glisse dans la mâchoire inférieure et nous avons ce qui se chevauche. Nous allons donc juste attacher la joue au reste du portrait ici et vous pouvez commencer à le voir prendre forme lentement dans l'ensemble. Et étant donné que c'est toujours la première passe du tableau lui-même, ça ne se sent pas trop mal jusqu'à présent, je pense que nous allons encore devoir faire une deuxième passe et faire quelques ajustements et Il suffit d'ajouter un peu de finesse à certaines zones. Mais du point de vue de la valeur et du point de vue de la forme, j'ai l'impression que nous sommes assis dans un endroit plus ou moins bon. J'ai juste besoin de remplir le reste des portraits pour je puisse tout évaluer dans son ensemble. Et j'ai l'impression qu'une fois que nous sommes dans le reste du visage, commencez à ajouter les cheveux et le fond. Il va en quelque sorte réinitialiser l'ensemble du tableau. Ensuite, nous pouvons vraiment affiner les zones où nous devons effectuer plus d'ajustements , puis faire avancer le portrait. 13. Ajouter le chin et les cheveux: Alors que nous commençons à finir la joue, nous pouvons vraiment commencer à voir comment le portrait prend forme et je dois l' attacher au reste de la bouche. Et encore une fois, gardez à l'esprit certaines des valeurs qui se produisent ici même. L'un des aspects essentiels de cette partie particulière du portrait est ligne de rire qui s'étend du coin du nez et qui s'attache ensuite à la pommette. Maintenant sur elle, je vois que c'est une sorte de forme très spécifique. Mais je dois aussi être conscient que si j' ai cette bouée de sauvetage dans la bouche trop proéminente, c'est l'une de ces choses comme le couvercle inférieur et l'IA que si elle est surestimée, cela va ajouter beaucoup de des années pour elle et les portraits. Donc, pour une femme, surtout une jeune femme, c'est quelque chose que je veux être très attentif. Je veux donc l'inclure parce que je pense que ça fait vraiment partie de son type de personnage. Mais je ne veux tout simplement pas être très prudent quant à l'obscurité d' une valeur qui devient sombre et ensuite à quel point elle crée une ligne. Encore une fois, je suis conscient que c'est quelque chose dont je pense que c'est nécessaire dans cadre de sa ressemblance et de son portrait. Mais j'ai juste besoin d'être très subtile à ce sujet et de ne pas exagérer parce que sinon ça va changer son look radicalement si c'est trop proéminent. Et lorsque j'attache cette zone par ici, et la référence, certaines valeurs commencent à devenir assez brillantes. Mais encore une fois, être conscient qu'il y a beaucoup de noir, surtout l'ombre cache du nez, ainsi que la valeur sombre de la lèvre supérieure et du nœud de la bouche me donnent l'illusion de ces zones sont beaucoup plus lumineuses. Mais encore une fois, ils ne peuvent vraiment pas l'être. Ce que je vais faire ici, c'est que je veux terminer le reste de la mâchoire inférieure à travers cette zone, mais je veux établir l'ombre foncée dans les cheveux afin d'avoir une meilleure idée de la façon dont cette mâchoire inférieure va faire. regardez. Mais j'ai aussi un avantage à travailler. Donc une chose dont je suis conscient est que même si les cheveux encadrent en quelque sorte ce bord extérieur de son visage, je ne veux pas avoir cette qualité de bord uniforme tout le long du haut du front, à travers la joue, à travers la mâchoire inférieure, dans le cou. Je ne veux pas avoir tous ces bords tranchants, alors je veux pouvoir peindre dans l'obscurité des cheveux pour qu' une partie du visage recule dans ce bord. Est-ce que j'arrive à la mâchoire inférieure ici, je veux indiquer la pommette parce que je vois un chevauchement très distinct. Elle a donc une sorte de forme de pommettes proéminente, ce qui, je pense, ajoute un bon caractère. Des portraits. Je veux vraiment m'assurer de le mettre en place. Mais les valeurs ici, je dois encore faire attention, hum, et alors que ce genre de brèche dans le menton, je dois aussi penser à quel type de valeur et quel type de forme se passe par là. Parce qu'il ne serait pas facile de trop insister sur certaines de ces formes, car il se passe beaucoup ces formes, car il se passe beaucoup de choses dans une très petite zone. Donc, quand je plisse vers le bas, je vois beaucoup plus d'être dans le milieu de gamme, surtout en ce qui concerne ce qui se passe sur le front puis sur la joue supérieure. Je veux donc simplement indiquer ce que ces valeurs sont dirigées et m'assurer que j'essaie de construire le formulaire, mais en les gardant dans une plage de valeurs relatives pour qu' aucune d'entre elles ne saute trop. Bonjour. Alors que je descends jusqu'au menton par ici, c'est un peu une plage de valeurs moyennes dans l'ensemble, mais je dois avoir juste assez de transitions pour montrer qu'elle est arrondie à partir de l'endroit où la lèvre inférieure se termine à cette ombre, mais elle roule également vers le bas lorsqu'elle atteint l'ombre de forme jusqu'à la partie inférieure de la mâchoire. Je dois être capable de décrire cela avec un nombre limité de valeurs. Et il y a peut-être un petit peu de points forts sur une partie du menton, mais cela va être très subtil, surtout par rapport à certains des autres points forts qui se produisent dans le portrait. J'essaie donc de mettre un peu de valeur dans cette zone afin que je puisse remplir le menton car il se lie au reste de la bouche. Et cela me permettra de voir comment tout ressemble sur les portraits jusqu'à présent que la majorité de ces portraits sont remplis. Je vais commencer à ajouter un peu d'information dans les cheveux et je vais surtout les couvrir pour voir une valeur sombre et comment elle contraste avec les valeurs les plus lumineuses de la peau. Maintenant, il y a une certaine variation dans ses cheveux, même si elle a une sorte de cheveux blonds plus clairs et sablonneux parce que nous travaillons en monochrome. La valeur relative de ce type de cheveux est encore quelque peu sombre dans de nombreux cas, et cela provient surtout du scénario de lumière que j'ai mis en place. Et c'est une configuration légère très contrastée. La plupart de ces valeurs seront donc plus sombres. Donc, je n'utilise bois brut pur et je l' étale légèrement pour qu'il ne soit pas forcément opaque, mais il reste semi-transparent. Certaines zones plus sombres, comme derrière la mâchoire et dans le cou. Je vais probablement ajouter un peu de noir ivoire pour obtenir ces valeurs plus profondes. Mais j'ai l'impression que le portrait en ce moment est à un endroit où j'ai besoin d'établir le reste des cheveux ainsi que l'arrière-plan afin de pouvoir ensuite réévaluer ce que j'ai dans le visage, car maintenant je vais avoir une plage de valeurs complète qui a été établie dans l'ensemble du portrait. 14. Commencer le col: Maintenant que la majorité du portrait est couvert, je veux me concentrer un peu sur la zone du cou et remplir ces choses afin que nous puissions voir comment cela affecte l'intégralité du portrait lui-même. Maintenant, beaucoup de l'ombre ici encore, je vais rester relativement transparent. Je n'ajouterai donc pas beaucoup de peinture. Certaines zones colorées grisâtres que vous voyez sur le côté gauche du cou et dans l'ombre ont essentiellement une partie de la toile. C'est pourquoi ils apparaissent ainsi. Pour l'instant, je veux juste ajouter de la peinture au bord de l'ombre pour pouvoir commencer à y travailler et à dégager le cou ainsi qu'une partie des épaules et de la poitrine. Maintenant, beaucoup de ces informations ici je vais vouloir rester relativement simplifiée. Et la raison en est que si je mets trop de détails dans ces domaines, cela va en quelque sorte détourner l' attention du portrait, et ce serait la dernière chose que je voulais faire. Ce que je veux vraiment faire, c'est simplement me concentrer sur les relations de valeur que je vois. S'il y a une occasion d'omettre détails ou quelque chose de ce genre , je veux aller de l'avant et le faire. Maintenant, je vois des informations en quelque sorte dans la zone de la clavicule que je voudrais peut-être suggérer et mettre dans des points de valeur plus clairs. Mais ensuite à travers la zone thoracique où nous aurions le sternum et une sorte d' expansion sur la partie supérieure de la poitrine. Je ne veux pas vraiment m' impliquer trop dans ce genre de domaines, car encore une fois, ça va enlever le portrait. Et quand je plisse dessus et que je jette un coup d'œil, c'est une zone très uniforme. Je veux donc vraiment me concentrer sur le fait de rendre les valeurs agréables et transitoires en simplifiant l'information afin de ne pas trop y penser. Et je n' ajouterai aucun détail inutile qui va enlever au visage. Et donc sur le côté gauche ici, même si je vois qu'il y a des bouts de cheveux qui piquent dans l'ombre. Lorsque je plisse vers le bas, la forme générale n'est en fait qu'une seule masse importante. Je ne veux donc pas vraiment m'inquiéter des cheveux ou de quoi que ce soit de ce genre pendant que je travaille, je veux simplement me concentrer sur la simplicité de l'ombre et la forme qu'elle crée à travers cette zone. En fin de compte, une fois que j'ai bloqué cette chose, je voudrais peut-être indiquer certaines mèches de cheveux ou quoi que ce soit comme ça juste pour mettre un peu plus d'informations parce que je ne peux pas avoir cette forme plate, Mais quand même en le bloquant pour le moment, je suis juste en train de loucher et de voir cela comme une masse d'ombre. Et ensuite, c'est essentiellement lié à la poitrine. Je veux donc simplement me concentrer sur la simplification de ces zones et ne pas ajouter ou essayer de voir trop d'informations. Alors qu'ils commencent à ajouter de la peinture à cette zone, je vais traiter cela très semblable à la façon dont j'ai fait le front dans le sens où je ne le suis pas, je veux juste y penser comme une étendue de valeur qui traverse toute la poitrine. Je ne veux pas penser au sternum, la fosse du cou, car il mène à l'épaule à l'extrême droite. Je ne veux pas vraiment y penser. Je veux donc simplement me concentrer sur la valeur et en faire une transition uniforme sur tout le plan avant de la poitrine. Maintenant, je sais qu'autour de la fosse du cou, il y a une variation de valeur que je vais devoir mettre pour qu'elle se lise comme la fosse du cou qui s'attache au reste de l'épaule et un peu de clavicule et tout ce genre de choses. Mais pour la plupart, je veux juste avoir un joli ensemble de valeurs uniformes dans cette zone pour qu' il se lise simplement et que cela ne nuise pas au visage ou à quoi que ce soit de ce genre. 15. Ajouter l'arrière-plan: En continuant dans ce domaine, je veux juste me concentrer à nouveau sur des transitions agréables et égales. Et il y en a un peu plus lorsque nous arrivons du côté droit de la poitrine, nous avons un peu plus de lumière et donc une fois que j'aurai rempli cette zone, j'explorerai probablement quelques petits des accents de lumière là-dedans, mais tout est relatif. Donc, même s'ils vont paraître un peu plus lumineux, ne seront pas près de ce que j' ai sur le front et la joue. Je pense donc toujours à la hiérarchie globale des valeurs avec laquelle je dois travailler. Et aucune des valeurs qui traversent la poitrine ici ne peut être aussi brillante que ce que je vois en haut de la tête. Parce qu'alors, cela jetterait en quelque sorte l'illusion que j' essaie de créer dans le sens général de l'image. Je ne cherche donc que des valeurs transitoires. Et puis, une fois que j'ai établi que je peux mettre quelques petites touches plus brillantes autour de la fosse du cou et peut-être un peu dans la poitrine. Mais sinon, pour la plupart, cela devrait être agréable et tout comme un dégradé très doux de gauche à droite. Et c'est vraiment ce que j'essaie de faire dans ce cas. la poitrine remplie, je veux me concentrer sur l'ajout de l'arrière-plan en ce moment. Et j'espère que ce que ça va faire, c'est que ça va me permettre de réévaluer l'intégralité du portrait. Jusqu' à présent, j'ai essayé de faire du mieux que je peux en termes d'exactitude avec mes valeurs et d' essayer de décrire la forme comme je la vois, mais l'ajout de l'arrière-plan va donner ce que présent, j'ai établi un contexte complètement différent. Je vais donc juste frotter un peu de bois brut ici et je ne suis pas du tout très opaque avec le pigment. C'est encore assez transparent. Je ne le dilue pas avec un solvant ou un milieu ou quoi que ce soit de ce genre. C'est juste de la peinture pure que j'étale finement avec un pinceau à poils afin d'obtenir bonne couverture sur toute la surface. Maintenant, il n'y a pas vraiment de raison particulière pour laquelle j'ai sauvegardé l'arrière-plan pour la fin, vous pourriez très bien, si vous le vouliez au début de votre portrait, établir l'arrière-plan dès le début. Et dans certains cas, on pourrait même prétendre que c'est peut-être une meilleure méthode en termes d'approche, juste pour pouvoir construire l'image à partir de l'arrière-plan. Et ensuite, allez de l'avant. Je l'ai fait dans les deux sens par le passé et je n'ai pas vraiment de préférence pour la plupart, la seule chose que je dois garder à l'esprit, c'est que lorsque je commence à ajouter de la peinture à l'arrière-plan, je dois être très en quelque sorte conscients des bords des cheveux et de la façon dont ils s'intègrent dans le reste de l'arrière-plan. Alors que je commence à faire un deuxième passage à travers tout le tableau, je vais probablement commencer comme les cheveux et l'arrière-plan afin que je puisse les joindre ensemble pour que le portrait alors est un peu plus cohérent avec l'espace autour de la tête elle-même. Cela vous donne donc une idée qu'une fois que nous avons ajouté l'arrière-plan, cela affecte en quelque sorte tout ce que nous avons établi. Pour aller de l'avant, ce n'est que la première passe du tableau. Maintenant que lorsque je commencerai ma deuxième passe, je vais réfléchir davantage à l'arrière-plan et à la façon dont cela s'intègre au reste de l'image. 16. Commencer la deuxième passe: Alors qu'ils commenceront la deuxième passe du tableau, je vais commencer par le fond. Maintenant, j'ajoute un peu de noir ivoire ainsi que du bois brut. Et je suis juste en train de le poser plutôt finement. Ce n'est donc pas vraiment de la peinture opaque que je mets, car je ne veux pas simplement commencer à mettre des couches épaisses de peinture en arrière-plan. Je veux quand même que le fond général soit un peu mince et je pourrais même laisser certaines zones semi-transparentes pour que vous voyiez un peu de l'ombre brute à l'arrière. Maintenant, la principale raison pour laquelle je vais commencer par le fond cette fois-ci, c'est qu'au début de ma deuxième passe, je vais commencer par les cheveux pour que je puisse fondre les cheveux dans l'arrière-plan, surtout dans les parties les plus profondes qui se trouvent principalement dans Shadow. veux juste avoir assez de fond pour que je puisse commencer à peindre dans la tête et que tout finisse par couvrir le tout évidemment. Mais pour l'instant, je veux juste en avoir assez pour pouvoir travailler en arrière-plan avec le reste du portrait. Maintenant que je commence à me frayer un chemin vers la tête, je vais commencer par les cheveux et je veux vraiment me concentrer sur les bords où l'arrière-plan se rencontre avec les cheveux. Maintenant, dans ce côté particulier du visage, parce qu'il est dans l'ombre, pour la plupart, les cheveux eux-mêmes vont être une masse plutôt aplatie. Il y a des ombres plus profondes que je vois, comme derrière la mâchoire dans l'oreille ici. Mais pour la plupart, les valeurs sont assez cohérentes à travers cette section des cheveux. Et c'est juste une valeur plus sombre qui fait plus ou moins partie de l'ombre. Je veux donc le traiter comme une masse très importante et je ne veux pas chercher trop de différence de valeur ou quoi que ce soit de ce genre. Je veux juste penser que c'est une grande forme. Et je veux juste obtenir les valeurs avec précision. Et je dirais pour la plupart lorsque vous peignez des cheveux, vous n'avez jamais vraiment envie de peindre des mèches ou chercher des détails supplémentaires ou quoi que ce soit de ce genre pour la plupart, je pense que les cheveux sont gros blocs de valeurs. Et je regarde et je plisse, je cherche des masses que je peux peindre. Et puis vers la fin, une fois que j'ai l'impression que les cheveux sont bien établis, je peux mettre quelques petits détails juste pour montrer comment la lumière réagit aux mèches de cheveux ou à quoi que ce soit de ce genre. Désormais, en fonction de votre portrait dans votre modèle et vous savez quel type de paire ils peuvent avoir. La seule chose que je mentionnerai à nouveau est d'essayer de simplifier les cheveux en grandes masses. Et une fois que c'est bien établi, vous pouvez ajouter quelques détails en fonction de vos préférences. Mais lorsque vous commencez à essayer peindre trop de brins individuels, ou lorsque vous voyez les cheveux se chevaucher en quelque sorte, cela crée ce genre d'effet strié. Il a tendance à se rompre très rapidement. Et ce qui finit par se produire, c'est que vous commencez à mettre trop de détails. Et les cheveux prennent presque une vie propre et deviennent un point focal parce que vous ajoutez tout ce détail dans cette zone qui est vraiment destiné à soutenir la tête. La façon dont je vois les cheveux est surtout chez une femme si elle a les cheveux plus longs ou si vous voulez dire aussi un homme ? S'ils ont un type de cheveux plus long, je traite toujours les cheveux comme quelque chose qui encadre le visage. Je ne veux donc jamais m'éloigner du portrait lui-même en ajoutant trop de détails dans les cheveux. Je veux simplement le simplifier et réfléchir à la façon dont les cheveux interagissent avec l'aspect général du visage. Et laissez-le simplement s'asseoir en arrière-plan et ne pas attirer trop l'attention sur lui-même. Avec suffisamment d'informations sur ce côté du visage, je vais recommencer à travailler dans mon ombre et à peu près comme j'ai commencé dès le début comme je le veux et réaffirmer simplement le bord de terminator où le la lumière rencontre l'ombre et vient en quelque sorte de construire à partir de là. Maintenant, je ne vais pas forcément aller trop sombre dans l'ombre elle-même parce qu'il y a une lumière réfléchie. Je veux donc essayer de capturer ça. Mais je veux commencer par cette bordure Terminator et me résumer progressivement jusqu'au reste de l'ombre. Et j'utilise surtout de la peinture semi-transparente ici, donc rien n'est très opaque. Je ne peins pas du tout épais. C'est une peinture relativement fine, mais je ne fais que construire sur ce que j'ai déjà établi lors de ce premier passage. Et maintenant, je vais commencer à le fondre les autres informations dans les cheveux, dans l'ombre sombre qui se trouve derrière la mâchoire et je voulais juste les intégrer pour qu'ils deviennent maintenant un peu. un peu plus cohérent les uns avec les autres. L'idée ici est qu'avec la deuxième passe, c'est que nous ne faisons qu' embellir la première passe que nous avons établie. Il y a donc certaines zones où je n'ai peut-être même pas à peindre à nouveau, mais je veux simplement regarder et réévaluer tout. Et s'il y a une certaine finesse que je peux ajouter au portrait. C'est ce que je ferai dans la majorité de la deuxième passe en ajoutant des petites touches et détails supplémentaires et en m'assurant que tout est aussi beau que possible. Et s'il y a des inexactitudes, je peux les corriger dans la deuxième passe. 17. Poursuivez la deuxième passe: Maintenant que je continue du côté de l'ombre ici, encore une fois, ce sur quoi je vais vraiment essayer de me concentrer , c'est ce bord Terminator. Et juste en m'assurant qu'en sortant de Terminator, je veux vraiment que les transitions soient vraiment agréables. Et même parce que encore une fois, le plus gros virage de forme que je vais vraiment voir va se produire sur ce bord. C'est donc un domaine sur lequel je veux vraiment me concentrer. Et alors qu'il commence à se rapprocher de la lumière, les dégradés seront un peu plus uniformes, mais à partir du contraste du côté ombragé qui roule dans la lumière. Une grande partie de ce tournant de forme se déroule de l'autre côté. Et donc, le long de ce bord de terminateur, ce que j'essaie de faire est de chercher cette gradation minutieuse de valeur. Et c'est juste que c'est très incrémentiel. Alors que je suis en train de mélanger de la peinture et d'ajouter à cette zone, je fais juste de petits ajustements à mes mélanges et je ne cherche pas vraiment de grands changements. Tout est très subtil. Et je voudrais juste réfléchir à la façon dont la lumière roule autour de cette joue de l'ombre et qu'elle va progressivement devenir plus lumineuse. L'avantage d'avoir ce premier passage, c' est que cela me donne un peu de guide. Je sais donc dans quelle plage de valeurs je dois me trouver. Et ce que je cherche vraiment à faire, c'est juste que s'il y a des transitions difficiles dans cette première passe, je peux essentiellement les lisser dans la deuxième passe en ajoutant un peu plus de peinture. Encore une fois, ce n'est pas quelque chose que je dois faire et peut-être tous les domaines, mais si nécessaire, je peux et nous le ferons. Il s'agit vraiment de peaufiner et de m'assurer que si c'est une sorte de ma dernière passe dans le tableau, je veux essayer d'aborder tout ce qui pourrait se passer ou ne pas me sentir bien. dans la peinture ou pourrait être améliorée si vous ajoutez un peu plus de peinture à la surface. Je dirai que dans la deuxième passe, c'est vraiment à vous de décider et quel est votre objectif global ou votre objectif pour votre portrait. Vous ne voudrez peut-être pas nécessairement ce look vraiment raffiné. Vous voudrez peut-être quelque chose d'un peu plus lâche, peut-être un peu plus. Les coups de pinceau et une nature plus lâche et l'application de peinture. Et c'est tout à fait très bien. Je considère cela comme une sorte de pièce semi-finie où je veux obtenir un certain raffinement. Je vais donc prendre un peu plus de temps dans les domaines et m'assurer que choses ont une belle qualité ronde et un aspect fini pour eux dans l' ensemble. Le deuxième passe me permet également de vraiment aborder des domaines que je pense que dans la première passe, je n'ai pas réussi. Par exemple, dans cet œil, certaines formes sont peut-être un peu surestimées et les valeurs ou peuvent être un peu trop contrastées à travers ces formes. Et comme le couvercle inférieur à travers cette zone se sentait un peu dur. Donc, je vais juste peindre dessus. Ensuite, vous utilisez le dessin que j'ai établi comme guide. Et je vais simplement manipuler les valeurs à travers cette zone pour que j' obtiens toujours l'intégrité de la forme. Mais je ne veux pas qu'il apparaisse aussi découpé que je l' ai fait au début lorsque je l'ai peint pour la première fois. Et la plupart des fois, lorsque je traverse ces zones, je n'ai pas beaucoup de peinture sur mon pinceau, car l'avantage d'avoir ce premier passage est que si je dois le faire, je peux utiliser certains cette peinture et presque transparente, de sorte que j'ai encore un peu d' influence sur cette première couche que j'ai établie. Et j'ai juste besoin d'ajouter et finesse un peu plus de peinture sur le dessus de la surface obtenir exactement ce que je cherche. Encore une fois, dans ce particulier je, certaines formes, peut-être un peu trop sévères lors de ce premier passage, donc je peux simplement les adoucir en ajoutant un peu plus de peinture au service. Et puis je pourrai commencer à viser ces valeurs finales qui vont vraiment faire ressortir ça. Maintenant que je suis en train de finaliser cela, je suis toujours très conscient du fait que la majorité de cela je suis dans l' ombre à cause de l'orientation de la lumière ainsi que de l'ornière elle-même. Je ne veux donc pas injecter trop d'informations ici, mais je tiens à suggérer qu'il y a peu de passages lumineux qui traversent cette zone. Maintenant, je pense que ça va vraiment aider, c'est juste assombrir l'iris général et une sorte de région que les cils occupent parce qu'ils aident à lier l' œil ensemble et à lui donner une sorte de aspect graphique fort que je pense utile dans ce cas particulier. Maintenant, une fois que j'aurai ajouté une partie de cette valeur plus sombre là-dedans, je vais devoir la renverser. Et je pense qu'en ajoutant une partie du blanc de l'œil avec un peu plus de valeur, cela aidera à ne pas apparaître comme découpé et en quelque sorte à s'asseoir dans cette forme de douille. qui va devoir faire parce que cet œil est tellement dans l'ombre. 18. Finir l'œil: Maintenant que je commence à travailler dans ces petites zones, je vais prendre des pinceaux plus petits juste pour ne pas gâcher une partie de la peinture que j' ai déjà établie ici parce que je travaille dans une zone si petite. Maintenant, pour cet œil particulier, ce ne sera pas aussi important que l'autre œil qui est dans la lumière. Mais je veux quand même pouvoir ajouter quelques détails pour que, vous savez, les yeux doivent toujours fonctionner en paire, surtout dans un portrait. Donc, mais encore une fois, nous voulons toujours avoir un œil dominant. Et puis l'un d'entre eux prend un siège arrière à l'autre. Et donc, étant donné que je suis jusqu'ici dans l'ombre, je ne vais pas accorder autant d'importance à cet œil particulier que dans l'autre. Je veux donc m'assurer que les formes sont belles. Les valeurs globales, la façon dont l'œil est assis dans la douille, conviennent très bien à la zone qu'il occupe. Et puis de façon réaliste après ça, je suis toujours bon. Il a encore besoin de quelques détails en ce qui concerne l'aimer le conduit lacrymal, le genre de couleur de l'iris qui va être très faible sur elle étant donné que nous peignons en monochrome. Et ensuite, l'IA aura besoin d'un point culminant pour éventuellement. Mais tous ces détails, je veux juste m'intéresser. Et ce que j'aime faire pendant que je construis l'IA, c'est que je veux construire le formulaire du mieux que je peux sans mettre trop de détails dans les détails. Je veux donc essayer de m'assurer que les formulaires et les volumes sont aussi bons que je peux les fabriquer sans mettre en valeur ni aucune touche finale. Et donc la raison pour laquelle j'aime le faire c'est si je peux le rendre convaincant avec la forme générale, la masse et le volume qui se sentent très solides. Ensuite, au moment où j'y ajoute des détails, il devrait vraiment ajouter cette petite touche supplémentaire pour lui donner une belle apparence. Je passe donc plus de temps concentrer sur le volume et les formes et à m' assurer que tout cela est aussi précis que je peux le faire et simplement l'obtenir pour que ça se sente bien. Et ensuite, je commencerai à ajouter des détails à ce sujet. Alors que j'y ajoute un peu de temps fort. Une chose que vous voulez garder à l'esprit lorsque vous mettez un point fort et moi, c'est que vous ne voulez pas qu'il soit trop grand. Vous voulez qu'il soit vraiment petit et qu'il soit plus percutant, plus vous faites un point culminant, moins il semble être un point culminant et ça commence à devenir trop fort et en quelque sorte deux. dominante. Donc, plus nous pourrons le traiter d' une manière très modérée, plus il aura d'impact global. Je me sens donc relativement bien à ce que nous avons établi dans les yeux pour cette partie particulière du portrait. Je vais donc passer à un autre secteur maintenant. S'il y a autre chose que je dois aborder lorsque je remplis le reste du portrait , je vais le faire à la toute fin. Mais pour la plupart, je me sens un peu bien dans la façon dont c'est assis dans le portrait. Je veux donc commencer à me concentrer sur d'autres domaines afin de voir comment ils s'affectent les uns les autres et simplement évoquer le reste du portrait. Il suffit d'adoucir certains bords autour du sourcil pour qu'il soit un peu plus collé au reste du front et que cette zone se fonde un peu mieux. Alors que nous commençons à travailler ici, je vais commencer à me concentrer sur la zone du nez et les caractéristiques environnantes. Comme la bouche et une partie surtout de l'ombre projetée qui sort du nez alors qu'elle passe dans le coin de la bouche. Sur le côté gauche, il y a une zone très importante, car une grande partie de la valeur commence à se regrouper dans ce genre de fourchette médiane. C'est un peu délicat car je peux voir un bord de finition distinct dans l'ombre projetée, mais il y a une sorte de saignement de cette forme d'ombre qui couvre tout le coin du bouche sur le côté gauche. Donc, je suis toujours loucher et d'essayer de simplifier cette zone pour ne pas injecter trop d'informations ou de détails et la zone d'ombre, mais je veux vraiment m'assurer que je peux obtenir les arêtes globales dans les valeurs pour correspondre à la bouche et commencer à relier ces formes ensemble. 19. Finir le nez: Alors que je commence à retravailler le nez, mais je veux vraiment me concentrer sur les plans légers où beaucoup de bords entre le plan avant et le plan latéral face à la lumière. Quand je plisse, ils semblent se fondre assez bien, mais je sais que je vais avoir besoin d' une séparation distincte entre les deux. Il s'agit donc plutôt d' effectuer de légers ajustements de valeur. Et ces deux plans pour que le nez continue de lire, ayant des plans séparés de chaque côté, mais ils restent suffisamment légers pour qu' il semble être allumé à partir de la source lumineuse. Maintenant, il y a beaucoup de formes plus petites dans son type de nez. Et je vois en quelque sorte comment le cartilage se sépare de la boule du bout du nez dans l'aile de la narine, puis dans le plan latéral. Mais c'est très subtil et indiscret, donc je ne veux pas exagérer cela. Je vais donc être très prudent avec les valeurs que j'ai placées dans ces domaines, de sorte qu'il y ait une séparation distincte, mais cela ne sera pas très dur ou brutal parce que cela vieillirait en quelque sorte . tailler trop d'informations dans le nez. Encore une fois, en travaillant sur le côté clair du nez. Certaines de ces plaines s' estompent presque ensemble lorsque je plisse les yeux. Je veux donc essayer d'obtenir cette uniformité entre les valeurs de cette zone, mais il me faudra juste une séparation subtile pour montrer où se termine le plan supérieur du nez et qu'il passe dans le plan latéral. Maintenant, parce que ce sont tous les deux des plans qui font face à la lumière. Et cette séparation des valeurs va être très subtile. Je veux donc simplement indiquer qu'avec un très petit pas en valeur, car je travaille dans ces domaines. Et je dirais que la majorité du nez dans ce cas particulier du côté de la lumière, les valeurs vont toutes être très proches les unes des autres. Donc, je suis juste en train d'ajouter des petits morceaux de peinture au fur et à mesure. Je veux donc simplement relier le plan supérieur du nez à la forme de la clé de voûte entre les yeux ici. Et cela aidera en quelque sorte à combler l'écart entre le front et l'ensemble de la région oculaire. Maintenant, il serait très tentant de montrer un effet de marchepied d'escalier distinct de la crête sourcilière vers le plan avant du nez. Mais les transitions y sont toutes assez subtiles et cause de la façon dont les choses sont légères face au front comme au nez. Ces valeurs ne sont vraiment pas trop éloignées les unes des autres, mais je veux avoir au moins une certaine séparation que nous obtenions ce type d'effet distinct de marche d' escalier de la crête sourcilière vers le nez. Il y a maintenant des informations dans le plan inférieur du nez en termes de lumière réfléchie ainsi que de l'indication des narines ? La plupart du temps parce qu'ils sont présent profondément dans l'ombre. Je ne veux pas les frapper avec une valeur trop sombre. Et la lumière réfléchie doit être là dedans. Mais je veux être très délicat quant à la façon dont je le fais. Si je rends la lumière réfléchie trop brillante, elle brise l'effet d'ombre global. Je veux donc juste que ce soit un petit éclat pour indiquer qu'il y a lumière rebondissante qui se produit de cette ombre, mais pas beaucoup à l'endroit où elle donne l' impression que le nez est éclairé comme s'il y avait étaient une source lumineuse secondaire. Travailler dans ces domaines. J'ajuste légèrement la valeur juste pour m'assurer que le plan latéral qui fait face au côté de l'ombre n'est pas trop sombre. Maintenant, je vois que c'est une sorte de forme de valeur moyenne, mais je dois être très prudent car s'il fait trop sombre, il va en quelque sorte découper un peu trop le nez. Maintenant que je construis le point culminant, je veux faire très attention ne pas surestimer l'avion avant. Il y a un point culminant sur la boule du nez aussi bien que sur le pont, il monte vers le front, mais il n'est pas aussi lumineux que je veux rendre ces valeurs ou aussi brillantes que je veux faire paraître les reflets. Je dois faire attention à ce que je ne me contente pas de gifler un gros morceau de peinture pour qu' elle domine complètement le nez. J'ai encore besoin de penser aux formes lorsque le plan avant se transforme dans le plan latéral, ces reflets vont s'asseoir exactement sur le bord où ces deux transitions, car cela va montrer que le virage effet d'un plan à l'autre. Alors que j'ai commencé à effectuer ces ajustements, vous pouvez voir comment le plan avant et le plan latéral se fondent presque d'un coup d'œil rapide, un plosif, il est vraiment facile de voir la séparation des valeurs de la deux, mais de loin, il ne semble presque pas que j'ai fait une distinction entre le plan avant et le plan latéral du nez. Et je pense que même en regardant la référence, c'est comme ça que je vois la référence à distance, c'est que les bords de cette zone semblent se fondre à distance et c'est seulement de près que nous une séparation distincte dans les plans individuels. Je veux donc que ma peinture ait le même sentiment. Ainsi, lorsqu'un spectateur le regarde, modifie la distance, ces zones devraient être un peu transparentes. Et au fur et à mesure que la lumière traverse le portrait, certains plans vont presque apparaître comme s'ils se fondent simplement ensemble. Et c'est ce qui va créer cet effet important lorsque vous regardez quelque chose de loin et que cela a juste un impact, c' est parce que nous avons une forme d'ombre forte et une forme de lumière forte dans ce contraste permet au portrait de très bien lire à distance. C'est donc ce que j'espère que j'essaie capturer alors que je travaille ici. 20. Finir le front et joue.: Maintenant que le nez est terminé, je veux aller de l'avant et simplement travailler vers le front et commencer à réévaluer les zones où s'il y a une sorte de valeurs qui semblent nerveuses ou non transition très bien à travers l'étendue du front. Je veux aller de l'avant et faire ces ajustements afin que nous ayons cette transition agréable et transparente d'un côté à l'autre du front afin qu'elle se sente comme une masse solidifiée complète. zone. Donc, une grande partie de ce que je fais, c'est juste prendre des petits morceaux de peinture. Je peux utiliser le laissez-passer initial que j'ai établi comme un petit guide. Ensuite, je peux simplement ajouter plus de peinture à la surface et m'assurer que, encore une fois, toutes les transitions sont très lisses et cohérentes sur tout le front. Encore une fois, ce ne sont pas vraiment grands changements que j' apporte à ce que j'ai déjà établi. J'essaie juste de tout égaliser et le seul domaine où je vais probablement finir ajouter plus de peinture, c'est que je veux apporter plus dans le sens du point culminant du front parce que c'est en quelque sorte le point culminant dans l'intégralité des portraits. Je veux donc mettre l'accent sur certains de ces domaines. Et ce que je vais finir par faire, c'est ajouter un peu plus de peintures opaques pour que nous obtenions un joli, juste un peu d'impasto ou une peinture plus épaisse sur la surface pour aider à casser, briser cette zone et à obtenir une belle effet lumineux. Maintenant, ce qui doit se passer pour que cela se termine, c'est que je dois en établir davantage dans les cheveux ainsi que dans l' arrière-plan au fur et à mesure que je parle de cela. Mais je vais aller de l'avant et simplement augmenter les valeurs en termes de luminosité dans la zone. Et ça va descendre dans la joue et je commence à finir cette zone. Maintenant, la seule chose que je vais devoir aborder lorsque je commence à finir le front et à ajouter les cheveux, c'est que les bords où le front est relié aux cheveux doivent être assez doux. Maintenant, il y a un peu de bord dur vers le côté supérieur droit du front, que je peux laisser là-dedans, mais partout ailleurs a un peu de il y a un peu de douceur que j'ai besoin d'essayer de capturer. Et quand j'ajoute les cheveux, c'est quelque chose que je vais devoir aborder. Maintenant que je descends la joue, il va être assez lumineux à travers cette zone, mais je dois être conscient qu'il ne devient il va être assez lumineux à travers cette zone, pas aussi lumineux que ce que je vois sur le front. Il sera encore beaucoup plus lumineux que beaucoup d'autres endroits du tableau. Mais je dois garder à l' esprit que le front est soi-même, est le plus léger face et qu'il reçoit le plus de lumière dans le portrait. Ainsi, même la joue aussi brillante qu'elle est, elle ne peut pas être aussi brillante que le front en général. Donc j'essaie juste de faciliter certaines transitions à travers ici et en gardant à l'esprit que parce qu'elle a les pommettes proéminentes, il va y avoir une transition valeur comme la pommette se glisse sous puis la mâchoire inférieure s'enroule en quelque sorte derrière ça. Maintenant, une chose que je remarque est que, de toute évidence, comme j'augmente la valeur de la joue et que je la rends plus brillante, cela fait ressortir l'œil, cela fait ressortir l'œil, en particulier les paupières inférieures. C'est donc quelque chose que je vais devoir revoir et faire des ajustements dans les valeurs par là. Mais je veux aller de l'avant et au moins obtenir un niveau de finition plus élevé. Et puis, une fois que j'arrive à l'œil, je peux commencer à faire ces ajustements et à les mélanger avec le reste de ce côté du visage. Et alors que je commence à mettre cette pommette ici, je veux être conscient que la valeur ne devient pas trop sombre. C'est très tentant parce que je vois que c' est très important dans son genre de type de personnage. Mais compte tenu de la situation en termes de lumière et de la façon dont elle frappe cette pommette. Ça ne peut pas être une valeur super sombre dans l'ensemble parce que si je devais trop augmenter cette valeur, ça va presque lui couper la joue et presque ressembler à une cicatrice ou quoi que ce soit comme ça. Et il doit juste ressembler à l'os qui s' enroule et se dirige vers le coin de la bouche. Et puis, nous avons la mâchoire inférieure qui vient juste d'arriver par derrière et de s'attacher. Et donc les valeurs ici doivent être relativement subtiles pour qu' air féminines et qu'elles aient un peu cette apparence de pommettes hautes et qu'elles ne ressemblent pas, vous savez, est allé ou en quelque sorte la vieillir ou quoi que ce soit comme ça. Donc, avec cela en place, je veux commencer à ajouter juste un peu aux cheveux afin que nous puissions vraiment commencer à encadrer le reste du visage. C'est très difficile à juger car les valeurs des cheveux vont être nettement plus sombres que tout autre élément de ce côté du portrait. J'ai donc vraiment besoin d' obtenir une partie de ces informations là-dedans. Et puis, si j'ai besoin d' effectuer des ajustements à partir de ce que je viens de peindre, je peux aller de l'avant et les faire maintenant, la peinture est encore humide. Je n'ajoute donc qu'un peu plus à l'arrière-plan pour que je puisse fondre les cheveux au fur et à mesure que je les peins. Et encore une fois, il suffit d'utiliser un peu de noir ivoire et de bois brut et de l'étaler assez finement. Ne deviendra pas du tout opaque avec le fond. Je veux juste avoir des valeurs plus sombres pour pouvoir vraiment voir ce que je travaille du côté clair du visage et voir si j'ai besoin d'effectuer des ajustements. Mais vous pouvez voir maintenant ce qu'il est, est que le contraste commence vraiment à sortir un peu plus le portrait de la toile. Et alors que nous commençons à ajouter le reste de l'arrière-plan partout ailleurs et que nous commençons à finir les cheveux. J'espère que nous ferons de bons progrès dans le portrait alors que nous commencerons à intégrer ces valeurs plus sombres. 21. Finir le deuxième œil: Avec plus de détails sur le fond. Et je veux juste finir les cheveux dans une certaine mesure pour voir comment cela se rapporte au front et à tout ce que j'ai jusqu'à présent. Maintenant, pour être honnête avec certaines formes de lumière dans les cheveux, je suis juste en train de loucher et d'essayer simplifier beaucoup de valeurs que je vois. Je veux donc toujours traiter les cheveux même si cette section est légère. Je suis toujours en train de plisser et de chercher des formes simples pour que je puisse considérer les cheveux comme des masses individuelles dans la lumière et l'obscurité. Maintenant, certains des points forts qui sont ici, je vais vouloir mettre dans une certaine mesure, mais je ne veux pas les exagérer et les rendre vraiment brillants parce que dans le contexte du front et disons même le nez, les reflets dans les cheveux vont être très subtils. la plupart des cas. Je vais vouloir les inclure dans une certaine mesure, mais ils doivent en quelque sorte prendre mais ils doivent en quelque sorte prendre une place arrière à certains des autres points forts du portrait parce que la lumière touche une surface vraiment sombre. Donc, même si nous obtenons un certain point culminant en eux, ça ne peut vraiment pas être si brillant. Je vais donc être très conservateur avec certains points forts dans les cheveux. Et si quoi que ce soit, je les éliminerais probablement et je les simplifierais encore plus si possible. J'essaie juste de penser à certaines masses plus légères que je vois. Encore une fois, je ne veux pas être pris dans l'idée de brins individuels ou de quoi que ce soit de ce genre. Je mets juste des morceaux de peinture plus petits et je m'assure que les transitions de valeur semblent appropriées à ce que je vois. Et puis vers la fin, toutes mes forces indiquent en quelque sorte quelques-unes des reflets, la réflectivité des cheveux. Mais encore une fois, parce qu'il est si près du front, ce qui va être notre plus haute lumière. Je vais être très conservateur quant à la brillance que j'ai choisi d'aller dans certaines des reflets capillaires. Maintenant, parce que j'ai le front et la joue bien établis à ce stade, je veux revenir sur ce point et aborder certaines des choses que j'ai l' impression de manquer dans le premier passé. Et ce que je dirais, c'est pour moi de vraiment tonifier le genre de paupière inférieure ainsi que l'anatomie sous l'œil lui-même, où j'ai l' impression de surestimer certaines formes et peut-être même d' y aller. un peu trop sombre au départ. Je veux donc simplement essayer de calmer ces derniers et choisir quelques-uns des tons moyens qui se trouvent juste au-dessus la paupière supérieure et simplement les mettre en valeur pour qu'ils encadrent la boule de l'œil afin qu'ils aient l'impression que c'est comme C'est un peu mieux dans la prise. Maintenant, ce qui est délicat avec cet œil particulier, c'est le fait que je n'ai pas de formes d'ombres sur lesquelles m'accrocher vraiment. Les valeurs moyennes qui entourent l'œil deviennent donc très importantes parce qu'elles me permettent de rendre la forme un peu plus grande et impression qu'elle fait partie d'un groupe. Et le plus délicat, c'est quand on a un œil dans la lumière comme ça, c'est qu'on peut avoir a un œil dans la lumière comme ça, c'est l'impression qu'il flotte presque et presque comme si c'était une île. Et je veux vraiment m'assurer qu'on a l'impression que c'est une partie de la tête et que tout appartient là où il devrait être. Et donc pour moi, ce que cela signifie, c'est manipuler les valeurs du ton médian autour de l'œil afin que l'œil ait simplement l' impression d'être verrouillé en place et qu'il n'ait pas l'impression que c'est juste ça. Iris sombre qui flotte un peu dans une mer de lumière, si vous voulez. C'est donc quelque chose que j'essaie juste d'être très conscient là-dessus. Je pose de la peinture et je fais ces ajustements. Maintenant, je sais que l'iris lui-même doit être sombre, mais les valeurs globales dans le blanc de l'œil sont encore relativement dans une valeur moyenne plus foncée parce qu'ils ne reçoivent vraiment pas autant de lumière. Cela va donc m'aider à combler le fossé entre certaines de ces zones parce que tous ces tons moyens vont en quelque sorte aider à me fondre dans le reste du visage que j'ai établi à ce stade. Ajoutons simplement quelques détails supplémentaires à la partie supérieure du couvercle. Et beaucoup d'informations à travers un ici commencent à se fondre assez bien en termes de valeurs. Parce que dans l'ensemble, tout ce qui se trouve dans cette zone au coin du conduit lacrymal, les valeurs se rapprochent vraiment. Je veux donc simplement essayer de capturer cela du mieux que je peux et ne pas découper un seul morceau de l'œil. Cela aide vraiment à penser que l'œil n'est pas seulement une pièce d'anatomie individuelle, donc pas seulement la boule de la paupière, mais tout ce qui s'intègre en quelque sorte avec les prises oculaires. Donc, si je pense dans le contexte du sourcil, de la crête sourcilière, du globe oculaire, de la paupière supérieure et inférieure, du sac sous l'œil. Tout cela fait partie de cette plus grande pièce que j'essaie de développer. Je veux donc réfléchir à la façon dont toutes ces choses sont liées les unes aux autres. Donc, encore une fois, le but final est de faire le, j'ai l'impression que c'est une partie du visage et ce n'est pas seulement cette forme découpée que j'ai sculptée dans le plan avant du visage. J'essaie donc de m' assurer que tout adhère bien les uns aux autres afin qu'il y ait une bonne uniformité générale sur tout le visage. 22. Finir la bouche: Alors que je commence à terminer ça, je veux juste commencer lentement à me frayer un chemin vers la bouche. Mais j'ai l'impression que ce que nous avons établi jusqu'ici c'est que c'est bien mieux qu'après mon premier passage. Et j'ai l'impression qu'il y a un peu plus de cohésion avec le reste du visage lorsqu'il entre dans la joue et avec le nez. Maintenant que nous avons en quelque sorte fait nos repères avec cette zone, j'ai l'impression que je veux juste redescendre, me frayer un chemin à nouveau à travers la joue et ensuite l' attacher avec la bouche pour que la peinture soit encore mouillé, je peux regrouper toutes ces zones afin de pouvoir les adapter correctement. J'ai l'impression que ce qui s'est passé dans beaucoup de ces domaines lors de ma première passe est que certaines valeurs étaient peut-être un peu trop fortes. Donc, dans cette deuxième passe, je suis en mesure de les aborder en quelque sorte en quelque sorte sur certains domaines que je peux commencer à me pencher sur les subtilités que je vois dans le reste du visage. Et lorsque je commence à travailler vers la bouche, puis à travers la zone du menton, j'aurai une meilleure idée de l'endroit où je dois prendre ces autres caractéristiques. Maintenant que j'ai résolu beaucoup d' informations sur le reste du visage. espère que, pendant que je travaille ici, vous pouvez le constater depuis la première passe initiale jusqu'à maintenant que nous venons de prendre tous les petits domaines sur lesquels nous avons travaillé et les affiner à un niveau supérieur. degré de finition. Encore une fois, cela va être différent pour tout le monde et quel sera votre objectif ultime avec votre propre portrait. Mais vous voulez commencer à réfléchir dans ce genre d'étapes. Au fur et à mesure que vous montez votre tableau de la première passe à une deuxième passe jusqu'à n'importe quel degré de finition que vous recherchez. Vous voulez simplement commencer à réfléchir à la façon dont vous présentez votre peinture en différentes couches et travaillez en quelque sorte vers l'objectif final. Alors que je commence à me rapprocher de la bouche ici encore une fois, c'est un domaine où je pense que c'est un peu délicat en ce sens qu'il y a une illusion de ces valeurs vraiment brillantes qui se produisent. Et ce n'est pas qu'il n'y ait pas de valeurs plus légères à atteindre, mais elles ne sont pas aussi brillantes que certaines des autres zones du portrait. Je vais donc être très prudent quant à la façon dont je mets certaines de ces petites pièces de valeur. Encore une fois, je pense que l'une des zones qui est aussi un peu délicate est la ligne de rire dans la joue, car elle s'attache un peu à la forme musculaire de la bouche. C'est un domaine où encore une fois, je ne veux pas exagérer cette dernière ligne parce que ça va ajouter dramatiquement à son âge. Je veux donc être très prudent à ce sujet. Je veux toujours l'indiquer avec un subtil changement de valeur, mais pas tellement qu'il coupe, coupe après le nez et dans la joue pour qu'elle soit très visible. J'essaie donc d'en être conscient lorsque je commence à travailler autour de la bouche. En fait, la plupart des zones de la bouche seront toutes relativement moyennes, à l'exception de à l'exception ce plan face à la lumière par ici. Mais il ne sera toujours pas trop lumineux, même si c'est très tentant. Il y a quelques zones où il semble y avoir des points forts, mais je veux faire très attention à ne pas les frapper car il y a beaucoup de contraste simultané par rapport à l'ombre projetée dans le nez qui crée l'illusion que certaines de ces zones de la bouche sont beaucoup plus brillantes que ce qu'elles semblent réellement être. Donc, tous les petits points forts dans ces domaines que je vois dans la référence. Je vais diminuer considérablement car cela briserait en quelque sorte l' effet obscur général éclairé si je devais avoir des points forts dans ces zones. Maintenant, la lèvre supérieure elle-même est assez uniforme et il n'y a qu'une poignée de zones où elle commence à s'éclaircir un peu. Et ce qui me préoccupe le plus lorsque je peins la bouche, c'est juste de m'assurer que les bords globaux autour de la bouche où elle entre en contact et forment dans la forme musculaire globale sont du côté plus doux et c'est très tentant. Je trouve beaucoup d'élèves que j'ai eu dans le passé où ils ont tendance à découper et à coller sur les lèvres pour que tous les bords soient très durs. Et c'est juste parce qu'il n'a pas l'impression adhérer au reste du visage. Donc, beaucoup de bords autour de la bouche, nous voulons nous assurer qu'ils ont un peu cette douceur générale et une sorte de type charnu pour qu'on ait vraiment l'impression que c'est une partie de cette forme musculaire et qu'elle Ce n' est pas après coup que nous venons d' estampiller sont découpés. Et c'est trop dur si on n'adoucit pas les bords. Et beaucoup de ces zones. Cela ne signifie pas nécessairement que les bords durs n'existeront pas. Mais ce que je dirais, c'est que lorsque vous peignez la bouche, gardez-la sur quelques bords durs pour que vous puissiez vraiment les faire compter. Il se peut donc que ce soit dans la zone où les coins de la bouche, où ils arrivent en quelque sorte au nœud de la bouche à la fin ou juste un peu vers le centre où le haut et le bas. rencontre des lèvres. Vous voulez simplement être très sélectif sur les bords durs que vous utilisez, puis ramollir beaucoup d'autres zones afin qu'elles commencent vraiment à avoir l' impression qu'elles font partie de la forme musculaire globale de la bouche. Et les lèvres sont en quelque sorte moulées dessus et ne se sentent pas en quelque sorte frappées ou collées. 23. Finaliser le menton: Maintenant que je commence à atteindre le bas du portrait, je veux vraiment m'assurer que j'attache le menton à l'ombre de forme car il se joint à l'ombre projetée sur le cou. Je veux donc vraiment que ces zones aient l'impression qu'elles s'adhèrent les unes aux autres car elles se rencontrent dans un endroit très similaire. Et une fois que nous avons rempli le menton, je peux vraiment commencer à me concentrer un peu plus sur l'ombre projetée sur le cou et commencer à l'attacher au reste des cheveux ainsi qu'à l'arrière-plan. Maintenant, la plupart des bords ici vont être assez cohérents jusqu'à ce qu'ils atteignent le menton. Mais il y a juste une certaine subtilité qui se passe parce qu'en arrivant à la boule du menton, les bords vont devenir un peu plus doux sur elle. Et alors que nous connectons cette zone, je veux juste m'assurer qu'au moins j'obtiens une belle séparation entre les valeurs du cou et de la mâchoire qui entrent en contact ici. Maintenant, beaucoup de choses vont être relativement mineures. Je n'ai donc pas vraiment à faire beaucoup de choses, mais je veux juste m'assurer que même si ces domaines ne sont pas un point focal, je les ai abordés correctement et je m'assure qu'ils ont l' impression d'être à J'ai entendu le reste du portrait que j'ai fait jusqu'ici. Beaucoup de valeurs globales ici sont assez proches, donc, mais je cherche juste quelques petites variations et je veux juste m'assurer que je n'exagère pas le point culminant que je Voyez ici sur le menton et la plupart de ce genre d'informations ici parce qu'elles sont si éloignées de la source de lumière, je dois être conscient de la quantité de données que je joue ou de la quantité d'informations que je mets réellement. Parce que, de façon réaliste, ce n'est pas un endroit dans le portrait où je veux avoir trop d'attention. Il veut être assez tamisé pour ne pas nuire aux autres fonctionnalités. Maintenant, cette zone particulière et le cou reçoivent un peu plus de lumière. J'ai un peu exagéré la forme et la fosse du cou. Donc je vais devoir aborder ça en quelque sorte en un peu moins la valeur parce qu'en ce moment c'est un peu trop c'est juste un peu trop drastique et je pense pour elle, et donc je vais juste couvrir ça avec une valeur un peu plus brillante. Et puis je vais encore devoir revoir le reste du genre de fosse du cou et de la poitrine. Mais pour la plupart, je veux simplement obtenir le reste de l'ombre, le tableau juste pour que nous puissions voir comment tout cela se lie. Et cela me permettra de vraiment aborder les changements de valeur que je pourrais devoir apporter alors que je me rapproche de l'arrivée ici. Et maintenant encore avec les cheveux de ce côté particulier du portrait, car une grande partie est couverte d'ombre. Je ne veux pas trop insister détails ni ajouter des informations inutiles. Quand je plisse, la majorité de ce que je vois ici se fond un peu ensemble. Je ne veux donc vraiment pas ajouter d'informations dans une zone très sombre. Je pense que ça va juste nuire au reste du portrait. Et je veux vraiment que ça ressemble à une grande forme cohésive si je peux l'aider. Donc, je veux juste finir le reste de l'arrière-plan avec plus de noir ivoire et de bois brut. Et ce que je veux vraiment voir, c'est que je veux juste voir le contraste avec le reste de voir le contraste avec le reste de l'épaule et de la poitrine afin de pouvoir évaluer à quel point j'ai besoin de travailler sur ce domaine. Et je sais que je vais devoir devenir un peu plus brillante dans le cou dans certaines parties de la poitrine, mais c'est encore une fois, l' une de ces zones où je ne veux pas en faire trop et je veux juste une bonne sorte. résolution simpliste pour cette zone de sorte qu'elle prend un siège arrière à la, au reste du portrait. Au fur et à mesure que nous nous rapprochons de la fin, beaucoup des changements que ce point va être assez subtils. Il s'agira simplement d'ajouter de petits morceaux de valeur ou d'ajuster les arêtes. Et à la recherche de petites zones où, si je peux les améliorer , je veux aller de l'avant et essayer de le faire. Mais je pense que pour ce portrait particulier, il s'agira simplement d'ajuster les valeurs et de chercher meilleures transitions dans certaines des gradations à travers cette zone. Et puis je me concentre un peu sur les bords de rencontre de ces zones et j'essaie juste capturer ce que je vois ici dans la référence. Je vais encore devoir ajouter un peu de détails et certaines zones et je m'occuperai aussi des cheveux parce que cela devient en quelque sorte important, surtout du côté clair. Mais encore une fois, il ne s'agira que de petits détails dans des ajustements mineurs à partir de ce stade. 24. Finir les cheveux: Au fur et à mesure que je termine le cou et cette partie inférieure du tableau, je veux mettre quelques informations sur les cheveux, mais je vais être très subtil à ce sujet, surtout avec ce petit passage de cheveux. C'est dans l'ombre. Il est possible de souligner quelques petites taches de détail juste pour qu'il ne reste pas comme une forme plate. Je veux donc y injecter des informations, mais la plage de valeurs dans ce domaine va être tellement modérée que ce n'est pas quelque chose qui va se démarquer de l'ombre en soi, mais je veux pour indiquer peut-être quelques brins afin qu'ils ne soient pas simplement laissés vides ou involontaires. Pour ce passage de cheveux dans la lumière. Je peux y ajouter un peu plus d'informations et suggérer quelques brins. Mais pour la plupart, je ne veux pas copier ce que je vois parce qu'elle a un type de cheveux plus fins et je vois beaucoup de mèches individuelles séparées. Et ce sont de petites ombres caches qui se produisent à travers la poitrine et la clavicule. Et je n'ai pas vraiment envie de copier cela parce que j'ai l'impression que ça va bouger la région un peu trop occupée et enlever le reste du portrait. Et je vais juste ajouter le reste de l'arrière-plan à une valeur plus sombre pour que tout soit porté à un niveau similaire. Et ce que je dois faire c'est de revoir la partie supérieure des cheveux parce que je n'y ai pas vraiment assez abordé au départ. Je veux donc y retourner et je vais travailler l'arrière-plan pour que je puisse me concentrer sur certains bords de ces cheveux afin qu'ils puissent commencer à se fondre ensemble. Donc, il suffit d'huiler certaines de ces zones qui se sont enfoncées et parce que lorsque je reviens aux cheveux, je veux juste être en mesure de réévaluer certaines des valeurs avec lesquelles je travaille et d'avoir cette huile qu'il y a Je vais juste me permettre de repeindre facilement là-dedans. Maintenant, alors que je travaille sur les cheveux ici, je veux vraiment m'assurer que encore une fois, je simplifie beaucoup de choses et je ne suis pas trop brillante avec certains des points forts que je vois. L'autre aspect important pour moi sera d'aborder certains des cheveux qui entrent en contact avec le front et de s'assurer que les bords autour se sentent un peu sur le côté plus doux. Et la raison en est que je ne veux pas que les cheveux impression de les coller car ils entrent en contact avec le reste du visage. Je veux qu'il soit très naturel pour que les cheveux, comme ils se rencontrent avec le front par ici, ils ont juste besoin d'être très doux et diffus dans l'ensemble. Et je dirais en général, pour la plupart, qu'il s'agisse d'un homme ou d'une femme, avoir les bords des cheveux comme un logiciel dans ce domaine au moment où ils entrent en contact, va être un bon choix dans l'ensemble. pour qu'on ait impression qu'ils sont connectés les uns aux autres. Et si vous commencez à utiliser des bords durs autour de cette zone, cela ne semble pas naturel et presque comme si c'était un, euh, à payer ou une perruque d'une sorte parce que la rupture entre les deux formes ne semble pas naturelle. Je veux donc être très attentif à certains bords, d' autant plus que nous entrons en contact avec une source lumineuse à travers cette zone. Et ils veulent simplement être du côté logiciel en général. Je cours et je fais très attention alors que je mets cette information par ici. Alors, comme j'ai apporté quelques ajustements aux cheveux dans cette zone, je veux simplement revenir sur le front et apporter quelques modifications mineures ici. Et c'est vraiment juste éclaircir la zone maintenant que j'ai les cheveux là comme une sorte de contexte, je peux commencer à éclaircir une partie du front à travers cette zone également. À ce stade, nous arrivons aux dernières passes du tableau. Je vais donc juste essayer d'être très sélectif quant à certains des changements que je fais. Il va être très mineur à ce stade. Et je pourrais juste ajouter quelques petites touches pour éclaircir certaines zones. Si j'ai besoin de modifier les bords ou quelque chose de ce genre, je veux simplement les aborder maintenant alors que nous arrivons aux dernières étapes de la peinture. 25. Les touches finales: Dans ces dernières étapes des peintures qui vont être réalisées à ce stade, il suffit de regarder des zones individuelles et de me demander ce que je peux faire pour faire ajustements ou améliorer la lecture de ces zones ? grande partie, dans ce cas, j'ai l'impression de rendre les choses un peu plus brillantes, ce qui rend certaines de mes transitions dans certaines régions un peu plus douces. Et je suis vraiment conscient de certains des bords que j' ai dans ces zones lumineuses alors qu'ils arrivent et passent d'une forme à l'autre. Tout à ce stade de la peinture devrait être relativement mineur dans l'ensemble. Nous ne voulons donc pas apporter grands changements à ce stade. Ce ne sera que des variations subtiles dans certaines des valeurs que je vois. Illuminer certaines zones afin que les transitions d'une forme à l'autre soient peut-être d'une forme à l'autre un peu plus faciles ou plus lisses. Et vraiment, vous savez, je ne suis pas vraiment en train d'ajuster les formes ou quoi que ce soit de ce genre à ce stade. Pour la plupart, il s'agit simplement d'ajouter des petits morceaux de peinture ici et là. Et je pense que dans certaines zones , il suffit de les éclaircir un peu, surtout du côté clair du visage. En fin de compte, selon le type de finition que vous aviez choisi lorsque vous commencez, le portrait dictera en quelque sorte temps que vous passez dans ces dernières étapes, affiner et à ajuster et, et des choses comme ça. Maintenant, si vous abordiez le portrait comme un exercice de séance unique de type Alla prima, alors vous avez fini sera un peu plus abrégé. Ce ne sera pas comme modèle ou en quelque sorte ajusté, si vous voulez. Et c'est tout à fait correct. y a donc pas vraiment de bonne ou de mauvaise façon d' aborder ce type d' exercice en termes de travail en monochrome. Il peut être ce que vous voulez. D'après cette étude de portrait que je fais ici. Vous savez, il est un peu plus développé et j'ai passé plusieurs séances à travailler dessus, mais ce n'est toujours pas ce que j'appellerais Ce n'est pas comme un portrait super modélisé ou quoi que ce soit comme ça. C'est peut-être quelque part entre les deux. Encore une fois, c'est préférence personnelle et la façon dont vous décidez d'aborder cela et aussi votre niveau d'expérience en termes de modélisation et de finition. Mais si vous avez suivi le processus que j'ai décrit ici, une fois que nous sommes arrivés à ce stade, c'est vraiment à vous de décider si vous décidez d'aller avec le portrait et combien de temps vous voulez vous consacrer à la finition. Je veux juste m'attaquer à ce petit bout de cheveux par ici. Et comme je le disais plus tôt, je veux simplifier beaucoup de choses et je ne veux pas être pris dans certains détails des mèches des cheveux. Je veux juste être suggestif avec elle en quelque sorte, en mettant une quantité car en mettant une quantité excessive de détails dans ce domaine, j'ai l'impression que le bois enlèverait du portrait lui-même dans les cheveux ne devraient vraiment pas prendre un siège arrière aux caractéristiques. Et cet effet global que nous avons en face. Vous pouvez donc voir ici par rapport à la référence, je simplifie vraiment beaucoup cela et j'ignore beaucoup les ombres plus petites que je vois dans les mèches de cheveux. Et c'est juste qu'il serait très facile de se faire prendre dans des zones comme ça en les surplombant au point où cela devient presque comme cette zone trop détaillée de la peinture qui n'aurait vraiment pas de sens à ont à ce stade par rapport à façon dont j'ai géré le reste des portraits. Encore une fois, un choix personnel lorsque vous faites ce genre de choses. Mais en général, comme je l'ai dit plus tôt avec les cheveux, vous voulez simplement essayer de simplifier beaucoup de choses pour qu'elles se lisent comme une masse plus grande et que nous ne soyons pas pris dans poils individuels ou les mèches ou quoi que ce soit du genre. que. Au fur et à mesure que nous approchons de terminer cela ici, je ferai une vidéo séparée avec quelques réflexions finales sur le portrait fini dans le processus que nous avons traversé pour arriver ici. Mais encore une fois, selon le type de finition que vous visez dans votre propre portrait, vous pouvez passer autant de temps que nécessaire pour y parvenir. J'espère que si vous avez suivi la procédure dont nous avons parlé, vous arriverez à ces dernières étapes, effectuant de petits ajustements et essayant de terminer le portrait du mieux que vous pouvez. Et encore une fois, en fonction de votre niveau de compétence, cela signifiera des choses différentes pour différentes personnes, mais je pense plus que tout, c'est vraiment juste passer par le processus de ce genre d'exercices. est vraiment l'avantage global. Et puis à chaque fois vous espérez juste faire un peu mieux. mesure que vous vous sentez plus à l'aise avec le processus, vous vous familiarisez avec le comportement de la peinture, le fonctionnement de la superposition , et donc encore une fois, vous pouvez passer autant de temps que vous avez besoin à cette étape pour obtenir les détails de dernière minute. Mais dans l'ensemble, je pense que nous avons en quelque sorte accompli beaucoup de choses avec cette démonstration et j'espère que vous avez pu en tirer quelque chose. Et juste en me regardant traverser les différentes étapes dont nous avons discuté. 26. Réflexions finales: C'est donc le portrait final tel qu'il se présente. Et ce que j'ai fait, c'est que j'ai mis un peu de vernis à retouche sur la surface pour que vous puissiez voir le portrait tel qu'il est sans que le fond ne s' enfonce ni certaines zones sombres. Et je m'excuse pour une partie de la réflexion, mais c'est ce qu'il s'agit de vous permettre de voir l'effet général pendant que la peinture a séché dans certaines zones. Donc, comme je l'ai dit, c'est en quelque sorte mon portrait fini et ce que je considère comme fait pour cet exercice particulier. Et selon l'endroit où vous avez commencé au début, si vous étiez plus concentré sur la réalisation de portraits Alla prima qui sont, disons qu'une seule séance dans la plage de deux à quatre heures, alors vous avez terminé est va paraître très différent et cela va être un peu plus simplifié et abrégé dans Alla prima painting en soi est un style de peinture très différent. Cela dit, c'est une très bonne pratique et il n'y a aucune raison que vous ne puissiez pas faire régulièrement de nombreuses études monochromes dans un cadre Alla prima. Maintenant, si vous avez suivi la procédure que j'ai présentée ici, j'espère que vous avez fini est un peu plus poli et un peu plus développé. Maintenant, en fin de compte, peu importe jusqu'où vous arrivez avec le fini. L'aspect le plus important de cette procédure est d'avoir un système étape par étape à suivre afin que vous puissiez isoler chaque étape de la peinture et en faire le meilleur pour qu'il vous mène. en fin de compte, pour obtenir un résultat bien meilleur. En dehors de cela, je pense que l'avantage d'aborder peinture de cette façon est pour ceux d'entre vous qui sont en transition, disons simplement, ne dessinent que dans la peinture elle-même. Et ce que cela vous permet de faire, c'est de prendre un grand nombre de principes que vous avez dans le dessin. Donc, en termes de forme et de valeur en proportion. Et maintenant, tout ce que nous faisons, c'est de transformer ces mêmes compétences en peinture à l'huile. L'avantage est également qu'en nous concentrant uniquement sur le monochrome, nous pouvons plus ou moins simplifier une partie du processus car nous supprimons l'élément de couleur, qui a sa propre couche de complexité au début, cela peut sembler accablant, surtout si vous débutez dans la peinture. Donc, en nous concentrant simplement sur la valeur, nous pouvons simplement penser à apprendre à dessiner à nouveau en utilisant des pinceaux et de la peinture pour réaliser ce que nous avons fait avec du crayon ou du charbon de bois. En fin de compte, l'endroit où vous décidez d'aller avec ce genre d'exercices dépend de vous. Mais je vous encourage à prendre votre temps et à en faire une bonne poignée car une fois que vous vous sentez à l'aise avec la peinture et mélangez simplement vos valeurs, alors que vous passez à la couleur, que ce soit est une palette limitée ou une palette de couleurs complète, vous allez être assez à l'aise, espérons-le avec vos valeurs que l'ajout de la couche de couleur à la difficulté de peindre ne sera pas aussi grave. Mais mon objectif pour vous est vraiment d' avoir un processus que vous pouvez suivre du début à la fin. Et surtout si vous envisagez de faire portraits plus développés ou des choses qui nécessitent plus d'une séance et que vous avez simplement une procédure qui vous permettra de passer étape par étape, fin de compte vers une finition et ensuite, vous sachez, où vous allez de là comme un peu jusqu'à vous en termes de détails ou de façon picturale que vous décidez d'obtenir. Maintenant, le style est quelque chose que je suis style et des choses comme ça sont des choses dont je ne vais pas vraiment discuter parce que c'est une chose si personnelle pour chaque artiste. Et je pense que c'est quelque chose que nous devons tous comprendre par nous-mêmes par l'expérience et la pratique. Mais au moins en ayant une procédure à suivre, mon objectif est de ne jamais vous sentir perdu pendant tout le processus. Et parce que c'est une sorte que ce n'est pas le cas et que ce n'est pas un bon sentiment, de ne pas savoir où aller. Aussi longtemps que vous avez une approche étape par étape très séquentielle, où vous décidez de terminer le portrait et à quoi ressemble le résultat final. C'est un peu à vous de décider, mais la route qui y mène est en quelque sorte pavée en ayant une étape un, deux, trois que vous pouvez suivre du début à la fin. J'espère qu'en me regardant traverser les différentes étapes de la peinture, cela vous donnera une idée de la façon dont vous pouvez aborder ce genre d'études par vous-même et si vous avez le temps de le faire. effectuer des études plus courtes ou plus longues. Ça n'a vraiment pas d'importance. Je pense qu'il s'agit plutôt mettre votre pratique en pratique et d'être plus aise avec la peinture elle-même et le mélange valeur afin que vous puissiez progressivement renforcer la confiance au fil du temps. Une grande partie de cela se produit lorsque n'importe quel élément de notre, je dirais simplement à prendre le temps consiste simplement à prendre le temps et à suivre cette pratique sur plusieurs semaines et plusieurs mois. Et ce qui finit par être des années, c'est ainsi que vous allez progressivement mieux faire cela. Et donc pour ceux d'entre vous qui ont été sur la clôture tenter de peindre, que ce soit de l'huile ou autre. J'espère que cela vous donne une idée de l'aborder afin que ce soit un peu plus facile et un peu plus facile à gérer pour vous, de sorte que ce n'est pas aussi intimidant.